Supergrass se separaron en 2010 por la puerta de atrás, dejando un séptimo disco inacabado por el que nadie se preguntó jamás. Con este panorama, la carrera en solitario de su líder Gaz Coombes no despertaba gran curiosidad. Si tenía cosas que decir, ¿por qué no iba a decirlas junto a la banda con la que tanto dinero ganaba gracias a hitazos como ‘Alright’, ‘Moving’, ‘Pumping On Your Stereo’ o ‘Sun Hits the Sky’? Sin embargo, las cosas empezaron a funcionar y tras su debut en solitario en 2012, que ya dejaba ver su ambición en singles como ‘Simulator’, su segundo álbum ‘Matador’ se colaba nada menos que entre los nominados al Mercury Prize. Y mira que al jurado de este prestigioso premio lo que le gustan de verdad son los artistas noveles.
Hoy llega su tercer álbum en solitario y Gaz Coombes continúa haciendo cada vez más complejo su discurso. Influido por el hecho de vivir con su esposa y dos hijas, por el movimiento #MeToo y por el libro ‘La caída del hombre’ de Grayson Perry, ha decidido hacer un disco que reflexiona sobre la masculinidad y los roles de género, como revela desde la misma primera pista, la titular, ‘World’s Strongest Man’, en la que canta «llámame si hay fuego / pero no me llames si quema mucho», «no me llames si tu pelo se vuelve canoso / estaré estrellando el coche» o «no me llames si hay problemas / estaré en casa viendo alguna mierda en la tele».
Es curioso recordar que se dijera del álbum perdido de Supergrass que tenía influencias kraut, pero Coombes indica en las entrevistas que era en un sentido muy distinto a lo que encontramos ahora en pistas de ritmos motorik como el single ‘Deep Pockets’. Aquel divertimento de versiones perpetrado a finales de la década pasada llamado The Hotrats, con la colaboración de Nigel Godrich, productor de Radiohead, parece haberle servido de mucho a Gaz, y el acabado de estas nuevas canciones invita tanto a la intimidad, al recogimiento y a la vez al desasosiego como las producciones más hermosas de ‘OK Computer’.
Hay, además, como en aquel disco, un interés por vincular los temores personales, la crisis de la mediana edad, el encontrarte de nuevo «demasiado colocado en el asiento de atrás otra vez» porque no puedes «evitarlo» (la misma ‘Deep Pockets’); con el desencanto que genera la clase política. Así, ‘Wounded Egos’ muestra a Coombes «esperando como un idiota» a que las cosas cambien, con una mención explícita a «los psicópatas de la derecha». La angustia por la llegada de la máquina de ‘Fitter Happier’ es casi la misma que encontramos en ‘Oxygen Mask’, un título muy Radiohead que habla de drones y «coches sin conductor en Florida».
Coombes como letrista a veces es demasiado obvio y a veces demasiado abstracto, pero, a cargo de casi todos los instrumentos del disco -incluso le ha dado por aprender a tocar el violín, si bien se ha acompañado de violinistas profesionales a su vez-, sí ha conseguido dar un acabado muy poético y contemplativo desde el punto de vista de la producción. ‘Shit (I’ve Done It Again)’, guiño inconsciente a Britney Spears aparte (ojo, el humor es muy importante para él), cuenta con alteraciones vocales propias de la faceta triste de Daft Punk. ‘Slow Motion Life’, llevada por un piano un tanto Beatles, contiene ese mismo «huracán de violines» a que alude la pista anterior, muy contenidos, trasladándonos a esa altura desde la que Coombes contempla su vida con gran pesar e incertidumbre; y ‘Oxygen Mask’ es una delicia en tanto que no se limita a ser un contrapunto acústico en el disco, sino que su textura está llena de matices aportados por vientos, efectos electrónicos o palmas.
No por el carácter experimental de pistas como ‘The Oaks’ se ha renunciado al estribillo y los de ‘Deep Pockets’ o el autocoro en falsete de ‘Walk The Walk’ se quedan enseguida, mientras en la segunda mitad, con menos singles potenciales que la primera, la desbocada ‘Vanishing Act’ contrarresta el peso de la mencionada ‘The Oaks’, dedicada a su madre, fallecida hace unos años, y la final y más inasible ‘Weird Dreams’. Puede que no se note tantísimo que Gaz Coombes ha pasado los últimos tiempos obsesionado con ‘blonde’ de Frank Ocean, pero lo seguro es que, de los artistas de la generación Brit Pop, es uno de los que menos ha perdido la inquietud.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Deep Pockets’, ‘Wounded Egos’, ‘Walk the Walk’, ‘Slow Motion Life’ Te gustará si te gusta: Radiohead, The Velvet Underground, Stereolab Escúchalo:Spotify
Hace diez años el periodista Gustavo Sánchez tomó una cámara doméstica y se dirigió a Nueva York con el objetivo de plasmar la escena underground de la megaurbe estadounidense. Desde entonces, casi religiosamente una vez al año, volvía a la ciudad unas semanas para acrecentar su material. Pero hubo un momento en el que cuatro personas, Amanda Lepore, Chloe Dzubilo, Sophia Lamar y T De Long, se cruzaron en su camino y le hicieron replantearse todo lo rodado previamente.
Así nació ‘I Hate New York’, un documental de una sinceridad aplastante y de obligada visión que cuenta en primera persona las vivencias de cuatro supervivientes transgénero cuyos testimonios deberían remover las conciencias del espectador. El debut ante las cámaras de Sánchez se estrenó mundialmente en el Festival de Cine de Málaga, pero este 4 de mayo podrá verse en el D’A Film Festival de Barcelona antes de que emprenda su recorrido por festivales y salas. Nos hemos sentado con su director para que nos desvele con qué nos vamos a encontrar en este canto cinematográfico a la libertad.
Hace pocas semanas volviste de Nueva York. En la última década, el tiempo que ha durado la gestación del documental, has viajado hasta en una docena de ocasiones a la ciudad. ¿Con qué Nueva York te has encontrado ahora?
Nueva York es una ciudad mutante. Las zonas en las que más me he movido, como Brooklyn, el East Village o el Lower East Side, han sufrido muchos cambios y están sumidas en un proceso de gentrificación absoluto desde hace años. Es un continuo cambio. Allá todo va al doble de velocidad. Hay espacios que filmé en su día y que ya no existen como el The Cock, que ahora está cinco manzanas más arriba del original que se ve en el documental porque lo han convertido en una pizzería.
El concepto es un poco ‘Boyhood’, pero imagino que la película de Richard Linklater no ha sido precisamente un referente para ti.
El movimiento Dogma y su manifiesto me inspiraron enormemente en su día. Ante todo tenía la necesidad de explicar historias, pero inicialmente no disponía de los recursos ni del apoyo de una productora y por eso me fui a Nueva York buscando cuáles eran los límites del underground después del shock del 11-S. Al ir con una simple cámara doméstica de 800 euros y con mínimos recursos pude tener acceso a la intimidad de una serie de personas que de otra manera hubiese sido mucho más complicado. Asimismo, también me inspiró muchísimo el Nuevo Periodismo de Truman Capote, en el sentido de que quería contar historias que respondieran a hechos reales pero que, en determinados momentos, aparentasen ser ficcionales; trabajar sobre una base de no ficción para, mediante un montaje trabajado, poder narrar de un modo sorprendente e inspirador, pero sin tergiversar ni dulcificar ni un ápice la cruda realidad.
«Es imposible capturar con una cámara el underground, (…) porque es como un fantasma al que nunca podrás retratar»
La idea inicial que tenías para el documental mutó completamente con los años. ¿De qué punto partiste?
Mi idea era capturar la escena underground de la ciudad. Y me gustaría recalcar que no partía de ningún guión en realidad, sino de un impulso en apariencia irracional. Empecé a hablar con cineastas, filósofos, strippers, periodistas, músicos, galeristas, traficantes… gente de todo tipo. No obstante, me di cuenta después de que es imposible capturar con una cámara el underground, todo aquello que subyace a la cultura predominante y comercial, porque es como un fantasma al que nunca podrás retratar.
‘I Hate New York’ finalmente cuenta las historias de cuatro personas transgénero como principal eje. ¿Quién de ellas fue la que te hizo desechar el material primigenio para reenfocar el documental tal como ahora se podrá ver?
Es cierto que he puesto el foco en cuatro historias personales muy duras que son las que finalmente me han inspirado, pero hay mucho material primigenio de todos estos años. Eso permanece. La primera persona con la que tuve contacto fue T De Long, a quien conocí durante su actuación en La Paloma de Barcelona a principios de los 2000’s. Me impactó enormemente su forma de ser y su discurso musical, tan caótico y político a la vez. Era pura vida y puro activismo sobre el escenario. Vi muy claramente que era alguien muy especial que únicamente se guiaba por su instinto, no por lo que los demás le aconsejaran.
En el lado opuesto está Amanda Lepore, otra de las protagonistas de la cinta.
Para mí el hedonismo que ella predica también es una forma de activismo. Ser tú misma y defender de una forma entregada tu voluntad de divertirte y disfrutar me llega más que aquellos artistas torturados que todos conocemos. El hedonismo me parece mucho más inspirador. Amanda es el perfecto ejemplo de una persona que desde bien pequeña sabía cómo quería ser y que con los años se ha hecho a sí misma. Pienso que vive en una burbuja totalmente feliz. Todos tenemos nuestras cosas, pero ella por el mero hecho de ser quién es y de ir por libre rompe muchos estereotipos. No le veo para nada frívola, sino alguien honesta y absolutamente consecuente consigo misma.
«Para mí lo importante no es el drama, sino los mensajes, el legado que dejan sus protagonistas y su activismo»
Me gusta mucho que en el documental se muestra todo con muchísima naturalidad. Y es más, no vamos a desvelar spoilers, pero al final de la cinta hay un giro que en ningún momento busca la lágrima fácil.
Sin duda. Para mí lo importante no es el drama, sino los mensajes, el legado que dejan sus protagonistas y su activismo. Este ha sido un viaje experiencial para mí. Para mí, sus historias reflejan lo que es verdaderamente el underground. En definitiva, modelos de vida no convencionales. El haber estado tantos años trabajando en este proyecto es algo opuesto a la inmediatez de Instagram o los reportajes superficiales de televisión o Internet que tanto abundan en los tiempos actuales. Si te fijas en ningún momento aparezco ante la cámara, porque quiero que el espectador viva la experiencia igual que yo la viví mientras la filmaba.
No quiero ni imaginarme las horas de grabación con las que contabas…
Tras volver de uno de los viajes que hice a la ciudad hace unos años me di cuenta de que había filmado cosas con muchísima intensidad y no sabía muy bien qué hacer con todo ese material. En total ha habido como 150 horas grabadas, así que imagínate. Tenía las cintas guardadas en varias cajas de zapatos y poco a poco fui transcribiéndolas y descubriendo o redescubriendo qué contenían. De ahí, junto a Lucía Etxebarría, que tuvo la paciencia de ver un pre-montaje de cuatro horas, empezamos a hilar las historias grabadas. El posterior papel de los montadores, Jaume Martí y Gerard L. Oriach, fue esencial también.
¿Qué te fascinó de las cuatro protagonistas del documental?
Su ímpetu, su creatividad, su capacidad para sobrevivir en un terreno hostil como Nueva York y su valentía para ser lo que quieren ser contra todos los elementos.
¿Tienen motivos para odiar Nueva York?
En realidad no. Nueva York es una ciudad con una energía muy difícil de reproducir. Es un lugar de extremos, pero en definitiva su lugar.
La aparente enemistad entre Amanda Lepore y Sophia Lamar da para otro documental.
En Nueva York se habla mucho sobre el tema, pero yo no ejerzo de comentarista del corazón. Procuro ser muy respetuoso y dejo que sean ellas las que expliquen lo que quieran explicar. Cuentan lo que quieren contar y no hurgo en la llaga.
«T De Long disecciona su relación con una de las protagonistas de una forma muy inspiradora»
Todo lo contrario de T De Long, que se abre literalmente en canal.
Totalmente de acuerdo. T De Long disecciona su relación con una de las protagonistas de una forma muy inspiradora. Lo que cuenta no es algo que sale en los medios de comunicación habitualmente. Allá fuera hay otras vidas que tienes que salir a buscarlas porque nunca las verás en televisión.
Grabando sus testimonios podría decirse que actuabas como un intruso en sus vidas, pero imagino que el hecho de que se haya dilatado tantos años el estreno del documental pudo ser hasta frustrante para ti.
Es un proyecto a ratos muy ingrato y solitario, pero a la vez muy estimulante porque me forzaba a mí mismo a superarme. Creo que los mensajes tan poderosos que todas ellas lanzan bien han merecido tanto esfuerzo.
En el documental se habla de The Transisters, la banda punk trans que lideraba Chloe Dzubilo y que muy poca gente conoció en su momento.
The Transisters fue un grupo del todo transgresor no porque su líder fuera una persona transgénero, sino porque además algunas de ellas eran seropositivas. Recuerdo que mancharon con sangre los flyers de un concierto que hicieron en el East Village donde se podía leer “Somos trans y tenemos sida. Ven a vernos si te atreves”. Eso ahora mismo sería impensable, así que imagínate en los noventa. En aquel momento estaban estigmatizadas por tener el VIH y sufrían un trato del todo denigrante. El documental muestra por primera vez las ilustraciones de Chloe, en las que denunciaba cómo en los hospitales le trataban de forma denigrante como si fuera un monstruo por el mero hecho de ser trans y cómo los médicos incluso le insultaban de forma absolutamente impune. Su lucha por los derechos de las personas transgénero y con VIH en América no tiene parangón. Para mí tanto Chloe Dzubilo como T De Long, Amanda Lepore o Sophia Lamar son cuatro personas que vienen realmente del futuro porque creo que están mucho más avanzadas al resto.
«Quiero que ‘I Hate New York’ sea un misil contra el sistema, contra los homófobos y contra todas aquellas personas que acosan a otras de forma deliberada por el mero hecho de sentirlos diferentes»
¿Con qué mensaje quieres que se quede todo aquel que vea el documental?
Quiero que ‘I Hate New York’ sea un misil contra el sistema, contra los homófobos y contra todas aquellas personas que acosan a otras de forma deliberada por el mero hecho de sentirlos diferentes. Esas personas que carecen de respeto por los demás tendrían que ver el documental, porque encontrarán personas honestas, muy fuertes, llenas de amor y de vida, muy lejos de los más retrógrados estereotipos de nuestra sociedad. Este documental es un golpe sobre la mesa que da voz a esas personas que no cuentan con un espacio en medios convencionales.
Los hermanos Bayona quedaron tan prendados de la cinta que no dudaron ni un segundo en ejercer de productores ejecutivos.
Sin duda, fue puro amor a simple vista. Ambos, tanto Juan Antonio como Carlos Bayona, siguieron su instinto y decidieron involucrarse de un modo muy generoso. Se enamoraron de todas las historias y de su verdad. Su entrega ha sido total.
La banda sonora es de aúpa. Arca, Sharon Needles, LCC, Alva Noto y Ryuichi Sakamoto, Mr.K! o Demmy Sober figuran en ella. ¿Qué papel cumple la música en la obra?
Quería que la música acompañara sus historias. Las canciones ayudan a reforzar diversos momentos, pero para mí el sonido ambiente también es clave. Quiero transportar al espectador a Nueva York con los mismos sonidos que escuché ahí. Para mí la banda sonora actúa como hilo conductor. He tenido la suerte de contar con todo el apoyo y la generosidad de artistas de primer nivel -a los que admiro muchísimo- como Arca, Alva Noto y Ryuichi Sakamoto, Sharon Needles, LCC, Colin Self, Demmy Sober y los mencionados The Transisters. Durante el montaje fuimos construyendo cada escena de un modo muy artesanal. Probábamos diferentes músicas sobre las imágenes buscando dotarlas de una nueva capa de significado. Básicamente buscaba transmitir la energía que para mí fluía de la ciudad, pero sobre todo de la mente de las protagonistas.
«A Arca le conocí durante el rodaje del documental cuando él estudiaba para ingeniero de sonido (…). Me ofreció canciones inéditas, fue muy generoso, pude elegir sus temas y es un lujo tenerle»
Precisamente a Arca le conocí durante el rodaje del documental cuando él estudiaba para ingeniero de sonido en Nueva York y tuvimos mucha conexión. Mantuvimos una relación muy buena, y entonces empezó a producir a gente como Kayne West, Björk y sus propios discos, hasta convertirse en la personalidad de la electrónica que es hoy. Como él formó parte del rodaje, tuve la confianza de mostrarle un montaje previo. Me ofreció canciones inéditas, fue muy generoso, pude elegir sus temas y es un lujo tenerlo, porque es la primera banda sonora que firma. Luego hay otras muchas canciones que son piezas ya publicadas como ‘Mur’ de Ryuichi Sakamoto, el compositor japonés ganador de un Oscar por ‘El último emperador’, que junto a Alva Noto, forman uno de los dúos de electrónica experimental más apasionantes. Es un honor contar con su música en nuestra película.
Tras una década trabajando en este proyecto no sé si te ronda ya por la cabeza un nuevo documental.
De hecho ya está acabado. He estado filmando un mediometraje documental junto a Arca que en estos momentos está en proceso de postproducción. Próximamente podré contar más detalles.
El Festival de Eurovisión es un concurso bastante injusto. Sí, puede ganar tu favorita o la más llamativa pero cuando se ve la tabla completa, es normal llevarse las manos a la cabeza con algunos sacrilegios cometidos por el público y el jurado europeos. ¿Se merecía la diva chipriota Ivi Adamou y su ‘La la love’ quedar decimosexta en 2012? Su directo fue lamentable pero era un temazo. ¿Era lógico que Barei quedase en vigésimo segunda posición a pesar de haber llevado una de las mejores propuestas españolas de la última década?
Tras hablar de las principales favoritas, en este artículo repasamos las propuestas más interesantes de Eurovisión 2018 que quizás no sean las más llamativas pero merece la pena escuchar.
Portugal
A pesar de que esta edición del Festival de Eurovisión se celebra “en casa”, los anfitriones portugueses no están levantando demasiadas pasiones o al menos expectación con ‘O jardim’, el corte que defenderá Cláudia Pascoal en la final del 12 de mayo. A pesar de ello, esta balada intimista de pop folk deja un buenísimo sabor de boca y seguramente un buen recuerdo de parte del país luso a lo largo de los años.
Ucrania
Dos años después de ganar el certamen con Jamala y su ‘1944’ y un año después de organizar el festival en Kiev en 2017, Ucrania estará representada con ‘Under The Ladder’ por Mélovin, un jovencísimo artista de Odessa con bastante repercusión tras coronarse como ganador en el X Factor de su país con tan solo 18 años. El chico tiene bastantes tablas (ha hecho cursos, que diría Paquita Salas) y su canción es un tema pop que podría sonar en cualquier radio europea. Con todos estos datos, llama la atención que este país no se mantenga en los primeros puestos de las apuestas.
Austria
El país alpino llega a Eurovisión 2018 con Cesár Sampson y ‘Nobody But You’, una canción R&B con toques gospel compuesta por los mismos autores que las dos últimas propuestas búlgaras (4º y 2º puesto respectivamente). El tema suena de algún modo elegante y promete llevar esa misma sensación al escenario del festival, con lo que parece ser una puesta en escena simple pero efectista.
FYR Macedonia
‘Lost & Found’ es la propuesta de Eye Cue para la antigua república yugoslava de Macedonia. Este país busca casi de manera desesperada un pase a la final puesto que solamente han logrado clasificarse una única vez (2012) en los últimos 11 años. Tras intentarlo con ‘Dance Alone’, un temazo electropop de Jana Burceska, este año apuestan por otro buen tema pop que puede dar la sorpresa. Aunque la polémica está servida y unas declaraciones bastante desafortunadas afirmando que Alfred & Amaia no se relacionan con el resto de participantes han puesto a este dúo en el punto de mira de los eurofans españoles.
Reino Unido
¿Cómo un país tan musical como Reino Unido está (salvo contadas excepciones) tan perdido en Eurovisión? Es frustrante, en serio. Los británicos podían haber escogido el temazo de Asanda llamado ‘Legends’ que se quedó en su preselección, y con el que seguramente ahora estarían peleando por un Top 10, pero la verdadera representante británica es SuRie con ‘Storm’. No os equivoquéis, ‘Storm’ es un buen tema pop, agradable de escuchar, que podría sonar en radios de toda Europa y cuyo estribillo se te pega en la cabeza durante horas, pero eso no parece ser suficiente para destacar en esta edición. Además, rima «together» con «forever», el cliché más cliché del festival.
Hungría
Eurovisión no es Eurovisión sin una canción de rock. El país centroeuropeo presenta a AWS con ‘Viszlát nyár’, un tema que, siendo estrictos con los géneros, es más hardcore que rock. Ver una propuesta como la húngara en Eurovisión llamará y mucho la atención en el festival, por lo que quizás estaríamos ante uno de los denominados black horse de la edición.
Lituania
Ieva Zasimauskaité es la representante de Lituania con una balada muy intimista de pop/folk llamada ‘When We’re Old’, consistente en su frágil voz, un piano, una guitarra a lo lejos y unos ecos en el estribillo. Nada más. Sí, es una canción muy bonita pero su pase a la final puede peligrar puesto que actúa entre República Checa e Israel (dos de los principales favoritos de la edición) y la gran mayoría puede dormirse con algo tan tranquilo entre esos dos gigantes.
Países Bajos
Otra interesante propuesta de country rock al más puro estilo Jack White nos llega desde los Países Bajos con Waylon y ‘Outlaw In ‘Em’. Es un cambio de registro bastante diferente del que Waylon mostró en 2014 junto a Ilse De Lange en el dúo The Common Linnets, cuando quedaron segundos tras Conchita Wurst con ‘Calm after the storm’. Actúa en la semifinal más floja por lo que no sería raro verle en la final.
Azerbaiyán
Lejos quedan ya los años en los que Azerbaiyán se esforzaba al máximo para ganar el festival. Una vez conseguido (lograron el triunfo en 2011 con una canción bastante insulsa, todo sea dicho), la delegación azerí se ha relajado bastante aunque ha seguido presentando propuestas más o menos interesantes. Es el caso de ‘X My Heart’, interpretada por Aisel. Un tema completamente pop, bastante pegadizo, y que en algunos momentos puede recordar a ‘Contigo’ de la eterna candidata española Mirela.
Bielorrusia
Alekseev defenderá al país soviético con ‘Forever’, la típica canción de amor en la que se dice “sé que vas a ser mía para siempre”. Adorable. Musicalmente hablando, se trata de otro tema pop fácil de recordar con un artista más o menos atractivo, por lo que su clasificación es más que probable pero hasta ahora no ha levantado demasiadas pasiones. ¿Tendrá que ver los pobres resultados del país en los últimos años?
‘Lo malo’ continúa siendo una semana más en el número 1 oficial del país. La canción de Aitana y Ana Guerra se acerca al doble platino. Eso sí, su reinado está amenazado por el avance de ’Te boté’ de Nio García, que gracias a su remix, salta al número 2 como subida más fuerte de la semana en España.
Llama mucho la atención la entrada directa al top 10 de ‘No Tears Left to Cry’, lo nuevo de Ariana Grande. Es número 9 y, si bien la posición es algo peor que el top 3 directo conseguido en Estados Unidos y el top 2 logrado en Reino Unido en su primera semana, no es habitual que una canción en inglés de un artista estadounidense llegue directamente al top 10 en España desde que cuenta el streaming. Y muchos menos de una artista femenina, pues sí hemos visto arrasar el top 10 a Ed Sheeran, Adele o Justin Bieber.
Otras entradas esta semana son las de Miriam Rodríguez de OT con su tema para ‘Vis a vis’, cuya tercera temporada por cierto ha mejorado y mucho en el segundo episodio (‘Hay algo en mí’ es número 23); Becky G y Natti Natasha con el viral ‘Sin pijama’ (número 28), Dani Martín con su single muy Coldplay ‘Dieciocho’ (número 34), Dennis Lloyd con ’Nevermind’ (nº94) y David Guetta con Sia en ‘Flames’ en el puesto 100.
Además de ser número 1 en “streaming álbumes” con ‘Avida Dollars’, C. Tangana sigue subiendo con ‘Llorando en la limo’, ya es número 16 -nuevo máximo y ojo porque es top 12 ya en Spotify- y además sitúa en el nº99 el tema que más ha gustado de la mixtape, ‘Cuando me miras’.
Mención especial para las múltiples reentradas de temas de Avicii tras conocerse su muerte: ‘Wake Me Up’ reentra al puesto 36, ‘Levels’ al 55, ‘Without You’ al 59, ‘Lonely Together’ al 63, ‘Waiting for Love’ al 67, ‘Hey Brother’ al 71 y ‘The Nights’ al 74.
Florence + the Machine ha estrenado este mes de abril una canción nueva llamada ‘Sky Full of Song‘, con motivo del Record Store Day, una composición diferente que encontramos hacia la mitad de la secuencia del álbum en el tracklist que se ha confirmado hoy (y que no es el mismo que se había filtrado).
Sus seguidores se preguntaban si se estrenaría un single de corte pop más tradicional antes de la edición de su álbum y hoy ha llegado a las emisoras de la BBC, y posteriormente a las plataformas de streaming, una canción llamada ‘Hunger’. Estamos ante un medio tiempo basado en el sonido de un piano de corte bastante setentero, con una estructura ligeramente in crescendo a lo largo de sus 3 minutos y medio de duración. En su texto, Florence reflexiona sobre el «hambre» que nos mueve a todos. AG Rojas ha dirigido el vídeo de esta composición que, oficialmente, va «sobre las formas en que buscamos el amor en las cosas que quizá no son el amor, y sobre cómo el intento por sentirnos menos solos puede aislarnos más». Como es habitual, el vídeo cuenta con una estética y una fotografía muy cuidadas, así como cierta inspiración ceremonial y clásica. De nuevo vemos a Florence bailar en él.
Hoy se anuncia además que el disco ‘High As Hope’ sale el 29 de junio, justo un par de semanas antes de que puedas ver su presentación en directo. Os recordamos que Florence + the Machine presentarán su nuevo disco en julio durante la próxima edición de Bilbao BBK Live, donde coincidirá con artistas de primer nivel como The xx o Gorillaz (ella es la cabeza del cartel el jueves), además de con gente tan interesante como My Bloody Valentine, alt-J, Chemical Brothers, Noel Gallagher, etcétera.
Os dejamos con el tracklist de ‘High As Hope’, cuya portada también hoy se ha dado a conocer.
01 June
02 Hunger
03 South London Forever
04 Big God
05 Sky Full of Song
06 Grace
07 Patricia
08 100 Years
09 The End of Love
10 No Choir
Cuando todavía la sexta edición de Masterchef aún no se ha asentado en la parrilla televisiva -van dos programas emitidos en domingo-, ya se conoce el cásting completo que compondrá la tercera edición de Masterchef Celebrity. Si en temporadas anteriores el formato ha servido para relanzar la popularidad de Cayetana Guillén-Cuervo, Loles León, Bibiana Fernández o Pepón Nieto, en este caso Mario Vaquerizo y Paz Vega podrían igualar esa suerte.
Según Vertele, en este caso serán 14 y no 12 los aspirantes, en un listado que incluye al capitán de la selección española de rugby Jaime Nava, al cantante Xuso Jones (dado a conocer en Youtube y luego en ‘Tu cara me suena’), a Boris Izaguirre, a los actores María Castro, Paula Prendes, Dafne Fernández e Iván Massague; el actor y director Santiago Segura; el extorero Óscar Higares, la capitana de natación sincronizada Ona Carbonell, Carmen Lomana y Antonia Dell’Atte.
Como veis, el programa seguirá optando por la cultura pop post-almodovariana, por los actores, rostros conocidos y un poco de personajes del mundo del corazón para tratar de llegar a la mayor cantidad de público posible. Las grabaciones de la tercera temporada comenzarán en las próximas semanas, que se emitirá varios meses después como es habitual. Os recordamos que podéis comentar la edición actual en nuestro foro de Masterchef.
Shawn Mendes parece muy encaminado a que su tercer álbum, homónimo esta vez, repita el éxito de su predecedor, ‘Illuminate’. Tras haber lanzado dos singles como la intensita ‘In My Blood’, que está sonando muchísimo en radio, y la disco ‘Lost In Japan’, en línea con su compatriota y predecesor como ídolo adolescente Justin Bieber, hoy presenta una de las dos colaboraciones estelares que incluye este disco, siendo la otra la de Julia Michaels.
Me refiero a ‘Youth’, el tema junto al exitoso Khalid, otro joven artista norteamericano convertido en una futurible estrella gracias a temas propios como ‘Location’ y ‘Young Dumb & Broke’ y colaboraciones con Marshmello (‘Silence’), Logic (‘1-800-273-8255’). En estos momentos triunfa con ‘Love Lies’, su tema junto a Normani (Ex-Fifth Harmony) para la BSO de la película ‘Love, Simon’.
El caso es que el tema conjunto es más que resultón y tiene toda la pinta de poder convertirse en el enésimo éxito del autor de ‘Better’ y ‘Stitches’, con su línea edsheeranesca. Es decir, combinando su faceta acústica con modernidad, con una base hip hop contenida, que se resiste a explotar del todo. ¿Quizá en alguna remezcla? En todo caso, el tema se ha convertido rápidamente –como todo lo que toca este efebo– en trending topic mundial.
Si nos preguntaran por un encuentro improbable entre dos personajes de la cultura pop actual difícilmente se nos hubiera ocurrido uno más inesperado que el de Céline Dion, la reina de la balada melódica, y Deadpool, el superhéroe/supervillano más zumbado y malhablado del universo Marvel. Y, sin embargo, ha ocurrido.
Este viernesEl día 18 de mayo se estrena ‘Deadpool 2’, secuela de la exitosa primera película protagonizada por este personaje de cómic, y su productor, director y protagonista, Ryan Reynolds, ha tenido la perversa ocurrencia de que podía ser una buena idea que el tema principal de su banda sonora fuera un baladón de la Dion. Por supuesto, está en lo cierto.
Porque, como ya desvelaba el libro ‘Música de mierda’ de Carl Wilson, Céline tiene cierto encanto particular que la distingue del resto de divas y la hace ser una diva especial. Una diva con un gran sentido del humor (y aquí es cuando volvemos a invitar a ver uno de nuestros vídeos favoritos de todos los tiempos), como demuestra el hecho de que se haya prestado a hacer esta freakada de clip oficial para esa canción, que se llama ‘Ashes’. Un vídeo imperdible en el que Deadpool comparte escenario con la cantante, mostrando su talento para la danza incluso en tacones y compite con ella en gestualidad imperial sobre el escenario (está claro quien gana). No podemos desvelar cómo termina, pero sí que Celine está imperial plantando cara al tirano. No por nada es una grande de esto.
Hemos tenido que asumirlo: Arctic Monkeys publican nuevo álbum dentro de 7 días y unas pocas horas –a las 00:00h del próximo 11 de mayo– y no vamos a tener un single previo que ofrezca una pista de su nuevo sonido. Sin embargo, aunque no sea lo mismo, sí que podemos escuchar algunas de sus canciones, gracias a las nuevas tecnologías. Bueno, a eso y a que han sido tan generosos como para interpretarlas en un concierto ofrecido la pasada noche en San Diego, el primero que dan en 4 años.
Youtube se ha llenado de vídeos tomados con teléfono móvil en los que ya podemos escuchar –con mal sonido, pero lo bastante aceptable como para hacerse una idea de por dónde irán los tiros– varias canciones de ‘Tranquility Base Hotel & Casino’. Interpretados con varias coristas y con la adición a la formación en directo de Cameron Avery, ex-Tame Impala, interpretaron ‘Four Out of Five’, con Turner alternando su papel de frontman fucker con el de teclista –al parecer, todo el álbum fue compuesto con piano–, ‘One Point Perspective’ –con un punto Gainsbourg muy Pulp–, ‘American Sports’ y ‘She Looks Like Fun’. Eso es casi la mitad de sus 11 canciones.
De estos vídeos se deduce que buena parte de este repertorio hasta ahora inédito es baladesco, lo cual encaja con declaraciones del grupo diciendo que este disco podría decepcionar a algunos de sus seguidores (ahora sabemos que se referían a los de su faceta más, digamos, contundente) y que requería de varias escuchas para disfrutarlo plenamente. En esa misma entrevista, Turner desvelaba a la revista Mojo con una playlist manuscrita(!) algunas de las influencias de su nuevo sonido, citando a Nina Simone, Rolling Stones, Marvin Gaye, Joe Cocker, Nino Rota, The Electric Prunes o Ennio Morricone. Recordamos que Arctic Monkeys presentarán en las próximas semanas este nuevo álbum en Barcelona (Primavera Sound) y Madrid (Mad Cool).
Hace poco nos preguntábamos qué diantres pasaba con el nuevo disco de Troye Sivan y por que después de poner en marcha, el pasado mes de enero (¡hace 4 meses!), toda la maquinaria promocional para el mismo, estrenando dos singles ese mismo mes y presentándolos nada menos que en Saturday Night Live, no se había vuelto a saber nada sobre el sucesor de ‘Blue Neighbourhood’, sin duda uno de discos pop más esperados de 2018.
De momento sigue sin saberse nada sobre el segundo disco de Sivan (sí hay una posible fecha, el 8 de junio, procedente de GQ Australia), pero por lo menos el australiano se ha animado a lanzar un tercer single con el que apaciguar la espera de sus fans. El tema es ‘Bloom’ y Sivan ya había declarado que sería el tema más pop de su álbum, hasta el punto que llegaba a compararlo con la Katy Perry de ‘Teenage Dream’. Efectivamente estamos ante una canción muy pop, pero los sintetizadores y el bombo tipo estadio del tema nos remiten más bien a los ochenta de Madonna, Michael Jackson, Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, aunque temáticamente quizá solo Madonna podría haber lanzado un tema así en la época.
‘Bloom’ habla de “florecer”… pero no espiritualmente, y Sivan emplea un sinfín de metáforas en la letra para contarnos aquello por lo que ha “esperado toda la vida”, que es que su amante viaje a su “jardín” para enseñarle sus “fuentes y aguas”. Sivan ha afirmado que ‘Bloom’ es una de las canciones más “sucias” del disco, y antes que Sivan invite a su amante a poner “gas en el motor”, le ruega que le avise “antes de que entre” y que le coja de la mano si se siente “asustado”. “Tómate un segundo, ve despacio”, implora el muchacho. La canción desprende que el viaje ha sido satisfactorio.
Una buena y una mala noticia. La mala es que Satellite Stories anuncia su disolución. La buena, que el cuarteto finlandés formado por Esa Mankinen, Marko Heikkinen, Jyry Pesonen y Olli-Pekka Ervasti vendrá a Madrid a despedirse de su público español. Lo hará en la Sala Moby Dick el 19 de octubre donde, además, presentará su próximo álbum, ‘Cut Out the lights’, que sale en septiembre.
Expresa Satellite Stories en comunicado de prensa: “10 años, 5 álbumes, incontables recuerdos con gente maravillosa que conocimos a lo largo de nuestro camino, días largos de gira, ir a ciudades increíbles. Llegó el momento de escribir el último capítulo de Satellite Stories”. Sobre su nuevo disco, el grupo asegura: “Ha sido un placer grabar este disco, disfrutamos cada minuto, simplemente creamos música de la forma que nosotros queríamos. Así que realmente esperamos que el público encuentre en él algo que también amen”.
Desde 2012, Satellite Stories ha ido haciéndose un nombre en la escena del pop internacional gracias al tono festivo y festivalero de canciones como ‘Campfire’, ‘The Trap’, ‘Confetti’ o ‘Australia (Never Let Her Go)’, en la onda de Two Door Cinema Club o Phoenix. De hecho, una de las mejores experiencias de su carrera sucedía en el festival Arenal Sound, como nos reconocía el grupo en una entrevista, tildándola de “irreal”.
Rihanna ha publicado varias canciones de reggae notables en su carrera que recopilamos en esta playlist de “rihggae”, entre ellas, el single ‘Man Down’, pero nunca había dedicado un disco enteramente a este estilo. Sin embargo, parece que el sucesor de ‘Anti‘ va a ser un disco de reggae. Eso asegura la periodista Chioma Nnandi, quien ha entrevistado a la barbadense para VOGUE y explica que esta “planea hacer un álbum de reggae”. No se indaga más en el sonido de este futuro trabajo en la entrevista, pero Rihanna sí afirma que estará inspirado en la obra de Bob Marley y en el del productor Supa Dups, quien ha trabajado con Sean Paul y Beenie Man y en ‘Too Good’ de Drake y la misma Rihanna.
En cualquier caso, a estas alturas la dirección del disco estaría sujeta a cambios, y además cabe apuntar que, según informaciones procedentes de Metro, Rihanna estaría trabajando no en uno sino en dos discos, uno más comercial y el otro más experimental.
A tiempo que trascienden, a cuentagotas, detalles sobre el futuro álbum de Rihanna, la cantante ha insinuado en Instagram que su nuevo material llega este año. A una fan que preguntaba por nueva música en un post sobre la nueva línea de ropa interior de Rihanna, la artista ha contestado “she coming sis!” (“¡ella ya viene, hermana!), lo cual solo puede entenderse de una manera, que su nueva música está al caer. ¿Hay que esperarla para el 8 de junio, fecha de estreno de ‘Ocean’s 8’, en la que Rihanna interpreta a la hacker con rastas Nine Ball?
C. Tangana es de nuevo número uno en la lista de ventas española con su mixtape -o lo que sea-, ‘Avida Dollars’, que ha entrado directa al número uno de discos más escuchados en streaming esta semana en España, como era de esperar, también, tras el éxito de su sencillo principal, ‘Llorando en la limo’. ‘Avida Dollars‘ repite por tanto la posición máxima de ‘Ídolo‘, el debut oficial de Pucho, aunque al contrario que aquel (top 90) no logra irrumpir en la lista de discos comprados. En algo tenía que repercutir que ‘Avida Dollars’ se vendiese como una mixtape en lugar de como un álbum al uso pese a que se puede comprar en iTunes y además, como ‘Ídolo’, es un trabajo notable.
Junto a C. Tangana, el resto de entradas en el top 10 de streaming en España son dos, ‘KOD’ de J Cole (top 8) y ‘Stories’ de Avicii, que vuelve a la décima posición de la tabla tras la triste muerte del DJ el pasado 20 de abril. La subida más fuerte la protagonizan Arcade Fire con ‘Everything Now‘ tras sus emocionantes conciertos en Barcelona y Madrid, donde terminaron tocando en la calle.
En la lista de ventas, Loquillo es número 1 con ‘Rock and Roll Actitud (1978-2018)’, Andy & Lucas top 6 con ‘Nueva vida’, Capaz top 8 con ’20 Golpes’ y la BSO de ‘Lo que fui es lo que soy’ es top 10. Por su parte, ‘Eat the Elepehant’ de A Perfect Circle es top 15 y entre las entradas destacadas de la semana se encuentra la de Neil Young & Promise of the Land con la BSO de ‘Paradox’, su serie de Netflix.
Ahora que a todo el mundo le ha dado por sacar singles los jueves en lugar de los viernes para que estos no terminen sepultados en la montaña de singles que sale cada semana en el mundo, y precisamente el día en que dos grandes del tamaño de Christina Aguilera y Florence + the Machine estrenan sus singles de regreso, Diplo, Sia y Labrinth presentan su nueva formación, LSD, y estrenan ‘Genius’.
‘Genius’ se aleja ligeramente del estilo con el que asociamos tanto a Sia como a Diplo y Labrinth. El tema se basa en una melodía de cuerdas orquestal y en un ritmo de hip-hop, a través de los que construye una luminosa y pegadiza melodía vocal interpretada por Sia, que insiste, en la letra, “solo un genio podría amar a una mujer como yo”. ‘Genius’ contiene además el sonido de unas castañuelas, un bombo contundente y la voz de Labrinth le aporta un toque reggae. El vídeo es casi, casi tan flipante como un subidón de LSD (no) y está ilustrado por Gabriel Alcala, animado por Bento Box Entertainment y dirigido por Ben Jones.
Sia y Labrinth ya habían colaborado en ‘To Be Human’, su canción para ‘Wonder Woman’. Y esta tampoco es la primera vez que Sia y Diplo colaboran. Ambos estaban involucrados en ‘Passenger’ de Britney Spears (2013), y además se espera que Sia aparezca en el próximo álbum de Major Lazer, ‘Music is the Weapon’, con el filtrado tema ‘Head Up High’.
El Centro de Cultura Contemporánea de la Diputación de Málaga, La Térmica, ha presentado recientemente la cuarta edición de ‘Málaga 451: La Noche de Los Libros’, que, de nuevo, propone un intenso acercamiento a la relación entre la música y la literatura a través de diversos encuentros y actuaciones musicales. El festival literario se celebrará el viernes 11 de mayo de 18.00 a 2.30 horas y la entrada será libre hasta completar aforo.
Ofrecerán charlas en ‘Málaga 451’ Sjón, escritor islandés y letrista de Björk, que hablará de transferencia de sonidos entre Norte y Sur; el crítico Simon Reynolds, autor de ‘Como un golpe de rayo’ y ‘Retromania’, que hablará de glam, José Luis Ortiz Nuevo, que hablará de letras y flamenco, y dos de las personas que más saben de música negra en nuestro país, Luis Lapuente y Jesús Bombín, que hablarán de música disco.
En el evento habrá lugar a actuaciones musicales por parte de Niño de Elche, La Bien Querida, Los Pilotos y Miriam Reyes, el rapero Elphomega y finalmente la sesión de Doctor Soul y Jesús Bombín, que hará un recorrido por la historia de la música disco.
Autores como Jean Echenoz, María Kodama, Antonio Escohotado, Juan José Millás, Benjamín Prado, Ben Brook, Rosa Montero, Héctor Abad Faciolince o Elvira Roca componen los cabezas de cartel literarios de esta edición, invitados de renombre a nivel nacional e internacional que protagonizarán encuentros con su público, en un evento que se inspira en el formato de festival de música para ofrecer más de ocho horas de duración.
El actor madrileño Javier Aller, muy conocido por sus papeles en ‘El Milagro de P. Tinto’ o ‘Agitación + IVA’, ha fallecido, tal y como ha informado su familia en las redes sociales. La causa de su muerte no ha trascendido. Aller, que en realidad moría el 1 de mayo, padecía diabetes y llegó a sufrir dos ictus, como recuerda El País.
Aller será por siempre recordado por su papel del marciano macarra José Ramón en la exitosa ‘El Milagro de P. Tinto’ de 1998, en la que dejó frases recordadas por toda una generación como «Pedazo de invento, la gaseosa, macho» o «Full de negros chinos”. También fueron memorables sus interpretaciones en ‘El robo más grande jamás contado’ y ‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón’ y en la televisión llegó a realizar carismáticos papeles en ‘Agitación + IVA’. Aller apareció también en ‘El corazón del guerrero’ y en ‘La ley del equilibrio’, entre otras cintas.
Ars Amandi, grupo liderado por el primo de Aller, Dani, ha dado la noticia en Facebook, escribiendo: “Os queremos comunicar que ha fallecido el actor Javier Aller (El milagro de P. Tinto, La gran aventura de Mortadelo y Filemón….). Javi, además de un maravilloso actor nacional, era primo de nuestro cantante Dani, por lo que queremos mandarle un abrazo fortísimo tanto a él, como a toda su familia”. El grupo enlaza el videoclip de ‘1º de la ESO’, en el que aparecía Aller.
Bazzi es una de las estrellas más improbables de 2018. Gracias a un meme viral, y también al poder del streaming, el single de debut de este joven de 20 años americano de ascendencia libanesa, ‘Mine’, es ya uno de los hits clave del año y su disco, ‘COSMIC’, está a punto de irrumpir en el top 10 de ventas en Estados Unidos, gracias también a singles como ‘Honest’ o ‘Why’. De hecho, todo lo que hace especial a Bazzi está en ‘Mine’: una melodía simple y memorable, un mensaje ídem (“you’re so fucking precious when you smile”), interpretación anhelante por parte de Bazzi y sobre todo un beat ligero de hip-hop que busca sonar romántico y orgánico (esas flautas y arpas) son los ingredientes fundamentales de esta breve canción de 2 minutos. Suyo es, por supuesto, el estilo que sigue un ‘Cosmic’ que se alarga hasta las 16 pistas, y que pone sobre la mesa un sonido que, entre The Weeknd, Post Malone y Khalid, posiblemente sea el más colorido de todos. No son especialmente imaginativas las reflexiones sobre las chicas, el amor y la fama de Bazzi, y las bases de ‘Myself’ o ‘Mirror’ desprenden un tufillo a 2005 importante, pero Bazzi no busca ser el chico más duro de la clase, de hecho, busca ser el más sensible, y eso da lugar a canciones melodramáticas como ‘Dreams’, ‘Soarin’, ‘Honest’ o ‘3:15’, u otras más bien tiernas o sensuales, como ‘Cartier’, que solventan sus inanes letras gracias a una considerable riqueza en la producción y a buenas melodías. Sin embargo, estas no parecen muy distintivas y el disco termina haciéndose bola. Hay alguna sorpresa escondida en la secuencia, como ‘Gone’, que parece un homenaje a Timbaland, pero la fórmula de ‘Mine’ no da para tanto y Bazzi parece saberlo: ninguna de estas canciones alcanza los 3 minutos de duración, y no es porque Bazzi sea amigo del menos es más, ya que el disco podría haber prescindido de, al menos, cinco canciones.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Dreams’, ‘Soarin’, ‘Mine’, ‘Honest’, ‘Cartier’ Te gustará si te gusta: Khalid, The Weeknd, Post Malone Escúchalo:Spotify
Trevor Powers, autor, bajo el nombre de Youth Lagoon, de ‘The Year of Hibernation‘, ‘Wondrous Bughouse‘ y ‘Savage Hills Ballroom‘, anunció el fin del proyecto en 2016, alegando que necesitaba liberarse del yugo de un paraguas artístico que ya no representaba sus verdaderas aspiraciones.
¿Y qué estilo busca ahora Trevor Powers? Su nuevo single, ‘Playwright’, nos da una pista. Lejos de las robustas fantasías psico-pop de antaño, ‘Playwright’ es una balada emotiva y atmosférica que aúna el sonido de unas cuerdecitas punteadas que parecen una pipa china (posiblemente sintetizada) y el de unas rugosas texturas electrónicas. El tema se mueve en las coordenadas de lo que haría Björk con Arca, pero su tono es más sombrío, algo que confirma una letra que habla de abandono, sensaciones de pánico y de futuros inciertos. “Todo el mundo a quien quería ha desaparecido”, “pruebas de que alguna vez viviste ya no existen” son algunas de las frases de esta canción que se prsenta con un bonito videoclip rodado bajo el agua, y protagonizado por las bailarinas acuáticas Aqualillies.
¿Se avecina disco? No se sabe, pero, en cualquier caso, parece que Powers lo publicaría a través de su propio sello, Baby Halo, y el músico ha aclarado en un nuevo comunicado que esto es el “comienzo de algo nuevo”.
Calvin Harris y Dua Lipa son el actual número uno de singles en Reino Unido con ‘One Kiss’. El tema empieza también a calar en España (es top 52 y subiendo) y parece que será una de las canciones de este verano, como sugieren los casi 150 millones de reproducciones en streaming que ha amasado desde su lanzamiento el pasado 6 de abril.
El sonido veraniego, house y sensual de ‘One Kiss’ empieza a apetecer y mucho, y en esa línea se mueve el videoclip de la canción, que se acaba de estrenar y sitúa a Calvin y Dua en varios entornos veraniegos como una piscina o unas dunas, cuando no acompañados de unas extrañas marionetas, eso sí, desde un croma. El vídeo busca claramente replicar la estética de los videoclips de house de los 90 con sus bruscos movimientos de cámara y sobre todo una estética “barata” que quizá no lo haya sido tanto, y francamente, funciona.
El vídeo, que se ha estrenado primero en exclusiva en Apple Music, es obra de Emil Nava, quien ya se encargó de los vídeos de ‘Nuh Ready Nuh Ready’, ‘This is What You Came For’ y ‘My Way’ de Calvin Harris y de otros como ‘Uh Huh’ de Julia Michaels o ‘rockstar’ de Post Malone.
Hoy jueves 3 de mayo es el día en que Christina Aguilera publica nueva música, se espera que un nuevo single titulado ‘Accelerate’ junto a 2 Chainz y Ty Dolla $ign que, también al parecer, estaría co-producido por Kanye West. El tema tendría un sonido “tribal”. Sin embargo, este no sería el primer single oficial del álbum, que sería un “gran dueto”.
De momento, los detalles del nuevo disco de Aguilera, el primero en 6 años, ya están disponibles en Amazon. Esta que veis es la portada de ‘Liberation’, que se publica el 15 de junio. Efectivamente, ‘Accelerate’ con 2 Chainz y Ty Dolla $ign es una de sus pistas, y también ‘Fall in Line’, que se filtró recientemente y, como se rumoreaba, es una colaboración con Demi Lovato. Este es el único “gran dueto” acreditado en la secuencia que veréis bajo estas líneas, por lo que posiblemente este vaya a ser el single oficial de ‘Liberation’, siempre según las informaciones de PageSix.
Actualización: ‘Accelerate’ ya está disponible en streaming. El tema aúna ritmos tribales y hip-hop con unos teclados muy disco, es bastante “dirrty”, contiene varios cambios de tempo y efectivamente incluye a Kanye West entre sus productores, junto a Mike Dean y Che Pope. 12 personas (!) están acreditadas como autoras en la composición, entre ellas la propia Xtina, los dos raperos invitados y West.
‘Liberation’:
01 Liberation
02 Searching for Maria
03 Maria
04 Sick of Sittin’
05 Dreamers
06 Fall in Line ft. Demi Lovato
07 Right Moves ft. Keida & Shenseea
08 Like I Do
09 Deserve
10 Twice
11 I Don’t Need It Anymore (Interlude)
12 Accelerate ft. 2 Chainz & Ty Dolla $ign
13 Pipe
14 Masochist
15 Unless It’s with You
Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Hidrogenesse, Algora, Neleonard, Shainny, Axolotes Mexicanos, Invisible Harvey, Sen Senra, Alarido Mongólico, la ópera-flamenca ‘A través de la luz’, Laikamorí, Verona o Río Arga.
Hidrogenesse
En tanto esperamos que Genís Segarra y Carlos Ballesteros se animen a ofrecernos una continuación de ‘Roma’, Hidrogenesse han dado señales musicales de vida rehaciendo a su estilo un tema de Josep Xortó & The Congosound, proyecto que une al primero, un cantante y agitador de la noche barcelonesa, y al proyecto musical de uno de los nombres fundamentales del arte alternativo de las dos últimas décadas, Carles Congost. Su remix –reinterpretación, más bien– de ‘Això que sona és nostre’ aparece en la próxima obra visual de Congost, ‘Nova esplendor’, que se estrena precisamente mañana, 3 de mayo, en una exposición de su trabajo en Fabra i Coats de Barcelona.
Algora
Tras publicar el pasado año el notable ‘Folclore del rascacielos’, Algora vuelve con un EP muy especial: el que contiene las canciones que ha compuesto para la banda sonora de la película ‘Grímsey’, film de ficción ambientado en Islandia dirigido por Richard García y Raúl Portero. Las canciones de Pablo habían acompañado al equipo durante su rodaje y le pidieron licenciar algunas de sus canciones para la película. Él fue más allá y compuso un tema llamado como la película, un tema instrumental (‘Draumur’) y una revisión semi-acústica de su viejo tema, ‘Sorda DJ’.
Neleonard
Los barceloneses Neleonard, formados en torno a la personalidad y las canciones de Nele Navío, encandilaron a muchos seguidores de La Buena Vida o La Bien Querida con su debut ‘Las causas perdidas’. 2 años después, puesto que verá la luz después del verano, conoceremos su continuación, ‘Un lugar imaginado’, que llega con refrescantes y emocionantes ecos de northern soul al estilo Camera Obscura.
Invisible Harvey
El proyecto musical del guionista y realizador Dimas Rodríguez pasó, o eso nos parece a nosotros, mucho más inadvertido de lo que merecían las canciones de su debut ‘La puerta giratoria’. Por suerte él no desfallece y lo vuelve a intentar con aún más fuerza en un segundo largo que se titula ‘No es justo que llegues ahora’ y que vuelve a publicar El Genio Equivocado. Su adelanto, ‘Carta a un helicóptero’, potencia su lado más soul y bailable, con arreglos magníficos.
Axolotes Mexicanos
La transformación bubblegum-bass que obraban Axolotes Mexicanos en ‘Doble Check’, primer adelanto de su álbum de debut ‘Salu2’, era solo uno de las diversas facetas del grupo. El lado más punkipop del grupo, con el que les conocemos, también tiene cabida en él, como nos han mostrado en otros dos avances del disco, ‘Estanquero’ y ‘Astor’, presentado hoy mismo y que ofrecen a modo de consuelo, puesto que parece que su salida se retrasará unos días.
Alarido Mongólico
Uno de los proyectos más locos surgidos en nuestro país en los últimos años nos tiene muy despistados: a estas alturas, no sabemos si viene o van, se reúnen o se separan. El caso es que, tras subir a Spotify todas sus canciones (incluido el hit en Holanda –y no es un decir– ‘Bitterballen Donder OP’), acaban de lanzar el makinero ‘Esto es para ti’, “última canción de una saga” (sea lo que sea lo que eso quiere decir) que se corona con un vídeo tan descolocante (e imperdible) como su propia letra.
Shainny
Hace unas semanas hablábamos del gran potencial comercial de esta chica madrileña, una suerte de Bad Gyal pero más pop aún. Y lo cierto es que, desde entonces, su último single ‘Mi amas’ se ha convertido en un razonable hit, superando las 300.000 reproducciones de Spotify. No nos extrañaría que su nuevo tema, ‘Prendío’, corriera la misma suerte.
Sen Senra
Christian Senra sigue madurando una propuesta sorprendente, inédita en nuestro panorama, que él ha dado en llamar «pop&B». Es decir, R&B aderezado con trazas de rock y pop… o justo al revés. El caso es que, tras temas tan atractivos como ‘Toca morder’ o ‘Por ti’, en el nuevo ‘Nos dará alas’ parece tener ya consolidada esa personalidad propia que se concretará en un tercer largo que lanzará tras el verano el sello Raso.
Río Arga
La escena pamplonesa sigue dando alegrías, como si existiera allí un maná que nutriera indefectiblemente a generación tras generación. Ahora le toca el turno a Río Arga, un cuarteto que el pasado año debutaba con su primer EP homónimo y que ahora presenta el segundo. De nuevo llamado como ellos y grabado con Guillermo Fernández Mutiloa (Melenas), canciones como ‘No te puedo aguantar’ o ‘Desde que tú ya no estás’ tienen ese candor indie heredero de la C-86 o K Records que tan bien trabajan por aquellos lares. Incluye una adaptación al castellano de ‘Plastic Bird’ de Galaxie 500 que ha recibido el amor de la misma Britta Philips.
Verona
Otra gran cantera de grupos, Granada, ha alumbrado el nacimiento de Verona, un grupo de sonido algo más oscuro y brumoso de lo que nos tienen acostumbrados otros paisanos suyos. El cuarteto acaba de publicar ‘Equilibrio’, un debut producido por Paco Román (Neuman) y que contiene el que ya se está consolidando como su particular hit, ‘Lunes de agosto’. Precisamente este viernes, 4 de mayo, presentan estas canciones en Ochoymedio Club de Madrid, abriendo para Cycle.
Laikamorí
Damos un salto hasta Lima, Perú, para hablar de una misteriosa banda de shoegaze-dream-pop de aquel país, llamada Laikamorí (gran nombre, por cierto). Tras algunos EPs, este ¿dúo? acaba de lanzar su primer disco, un ‘Persōna’ producido por Mario del querido dúo Silvania que también ha contado con la colaboración puntual de Jaír Ramírez de Pumuky, con los que sin duda tienen ciertas conexiones. Parece que pronto podremos escuchar sus evocadores paisajes musicales más de cerca, puesto que preparan una próxima gira española.
‘A través de la luz’
Fernando Vacas, el que se diera a conocer en los 90 como componente de Flow y que luego se ha embarcado en proyectos tan variopintos como Prin Lalá o la Band of Gipsies de Howe Gelb, acaba de lanzar de manera oficial su aventura más ambiciosa. ‘A través de la luz’ es una “ópera flamenca” que parte de “la experiencia real de una persona que sufrió un accidente y estuvo clínicamente muerta durante tres minutos y treintaitrés segundos. A partir de estos hechos, se desarrolla toda la temática de la vida, la muerte, el amor, el paso del tiempo, los recuerdos y también nuestras frustraciones”. Un viaje musical en el que ha contado con nombres tan destacados como Steve Shelly y Lee Ranaldo (ambos de Sonic Youth), Rosalía, Niño de Elche, Remedios Amaya, Antonio Arias (Lagartija Nick), Álvaro Tarik… y que, además, tiene su versión escénica. Con un elenco de grandes nombres, se representará en el Teatro Alcalá de Madrid entre los próximos días 27 de junio y 1 de julio.
Mikolas Josef, representante de República Checa en la próxima edición de Eurovisión, con la bailable y buenrollera ‘Lie to Me’, ha sufrido esta semana un grave accidente durante los ensayos generales del festival cuando, tras realizar en su actuación una voltereta, ha caído al suelo de espaldas, sufriendo una lesión cervical que le ha impedido caminar durante varios días. Ni cabe decir que el accidente ha puesto en serio riesgo la participación de Josef en el evento, y sobre todo su salud.
Sin embargo, Josef confirmaba hace unas horas vía Instagram que su espalda está mejor y que ya puede caminar, y ahora el checo ha acudido a esta misma red social para confirmar que “actuará” en Eurovisión tras el accidente, escribiendo que ha trabajado “muy duro” para llegar a Lisboa y que no dejará que su lesión le impida realizar su actuación. Eso sí, el cantante asegura que su presentación sufrirá “ligeros” cambios, pero que todo el equipo involucrado está “trabajando para que vosotros y nosotros vayamos a tener la mejor experiencia posible en el escenario”. Una decisión, por otro lado, completamente lógica y natural teniendo en cuenta que Eurovisión es en 10 días y es improbable que Josef se haya recuperado al 100% para entonces. Además, no se presenta precisamente con una balada…
En unos días, Lauryn Hill se embarcará en una gira mundial para celebrar el 20 aniversario de ‘The Miseducation of Lauryn Hill’, su primer y hasta ahora único disco de estudio hasta la fecha. Hill interpretará el disco entero en esta gira, de la que de momento se han dado a conocer las fechas en Estados Unidos.
Mientras llega el tour, Hill está dando algún concierto que otro en Estados Unidos y en el último, en el Apollo Theatre de Nueva York, ha dado una pequeña sorpresa a sus seguidores parando su interpretación de ‘Ex-Factor’ para poner la base de ‘Nice for What’ de Drake, que samplea el éxito de Hill. Lejos de versionar ‘Nice for What’ tal cual, Hill ha interpretado un rap de cosecha propia sobre la base de la canción, en la que han cabido frases como “See this is ‘Ex-Factor’/ he took the sample / my shit is classic/ here’s an example” (“esto es ‘Ex-Factor’, él ha cogido el sample, mi mierda es clásica, esto es un ejemplo”.
‘Nice for What’ no es la única canción reciente que se basa en una porción del clásico de Lauryn Hill. También ‘Be Careful’ de Cardi B samplea el tema. Tanto el single de Drake como el de Cardi están presentes en el Billboard Hot 100, aunque desde posiciones bastante diferentes: ‘Be Careful’ es top 23 y ‘Nice for What’ es número uno por segunda semana consecutiva. ‘Ex-Factor’ nunca fue número uno (se quedó en el top 21), pero su influencia es innegable, y por ejemplo Beyoncé la ha llegado a versionar.
Solo un año después de su último disco, Dirty Projectors anuncia la llegada de uno nuevo, ‘Lamp Lit Prose’, para el 13 de julio. El disco contendrá varias colaboraciones, entre ellas la de Empress Of, Robin Pecknold de Fleet Foxes, Rostam y, según Pitchfork, HAIM, aunque las hermanas no aparecen en el “tracklist” del disco publicado.
El primer adelanto de ‘Lamp Lit Prose’ es ‘Break-Thru’, que destaca por su tono alegre y sus ritmos de guitarra y batería ultra precisos, además de por un sucio arreglo de guitarra eléctrica que prevalece en toda la canción, aportando un punto árido a una canción en realidad dulce y bastante pop. Y es normal que así lo sea, ya que ‘Break-Thru’ describe la llegada de un nuevo amor a la vida de Dave Longstreth, a quien, por alguna razón, el artista compara en la letra con Julian Casablancas. Muy recomendado, por otro lado, el adorable vídeo lleno de pajaritos del tema.
‘Lamp Lit Prose’:
01 Right Now [ft. Syd]
02 Break-Thru
03 That’s a Lifestyle
04 I Feel Energy [ft. Amber Mark]
05 Zombie Conqueror [ft. Empress Of]
06 Blue Bird
07 I Found It in U
08 What Is the Time
09 You’re the One [ft. Robin Pecknold and Rostam]
10 (I Wanna) Feel It All [ft. Dear Nora]