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Blas Cantó hace la canción que escucharán hasta sus “haters”, Abraham Mateo con J Lo, no

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Dos cantantes españoles de éxito estrenan hoy viernes 9 de marzo nuevo single y los dos no podrían ser más diferentes entre sí. En primer lugar, el murciano Blas Cantó se redime de haber saqueado sin piedad el sonido de DNCE en ‘Drunk and Irresponsible’ con ‘Él no soy yo’, un single cantado en español que, a la moda actual, aúna un ritmo dance con guitarras acústicas y palmas, dando lugar a un híbrido de country-folk bailable más “radio-friendly” imposible y, por cierto, muy melódico y producido -por Manuel Herrero Chalud y Antonio Rayo- e interpretado con bastante buen gusto. Parece que Blas Cantó ha hecho la canción que escucharán hasta sus “haters”.

Y por el otro, el gaditano Abraham Mateo sigue volando en Hollywood y, tras colaborar con Austin Mahone y 50 Cent en un ‘Háblame bajito’ que ha producido decepciones resultados comerciales, estrena su mayor colaboración hasta la fecha junto a Jennifer Lopez y Yandel de Wisin & Yandel. La versión “urban” de ‘Se acabó el amor’ incluye guitarras españolas, un marcado ritmo caribeño y cierto toques trap por aquí y por allá, y por supuesto podría pegar en cualquier momento en América Latina y España, tan dada a estos sonidos. Las posibilidades de éxito de ‘Se acabó el amor’ frente a ‘Él no soy yo’ son probablemente de un 70% contra un 30 pero… ¿ha hecho Blas Cantó la mejor canción?

Kylie Minogue evoca las mariposas de un amor inevitable en ‘Stop Me from Falling’

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Kylie Minogue ha estrenado su nuevo single esta mañana en la radio británica. ‘Stop Me from Falling’ es el segundo adelanto de ‘Golden’ tras ‘Dancing‘ y no anda lejos del estilo de aquel: vuelve a ser un tema muy melódico y que fusiona ritmos dance con guitarras acústicas prominentes y sonoridades country. En este caso, Kylie parece hablarnos sobre una relación que empieza a ir más allá de la amistad.

Como es evidente, Gente de Zona no aparece en la versión de ‘Stop Me from Falling’ estrenada hoy. Sin embargo, el dúo cubano ha colaborado con Minogue para una remezcla de la canción que se espera contenga un sonido latino. De hecho, los tres han grabado el videoclip para esta remezcla en La Habana recientemente. No se sabe muy bien cómo Minogue compaginará el marcado estilo country-dance de ‘Stop Me from Falling’ con los ritmos latinos de Gente de Zona… pero parece que el dúo cubano se ha limitado a grabar unos versos.

‘Golden’, el nuevo álbum de Minogue, se publica el 6 de abril, de momento sin hit a la vista… ¿Lo será este? La australiana presentará el álbum tan pronto como el próximo 16 de marzo en un insólito concierto en la Sala Bikini de Barcelona. Un show que se espera íntimo y para fans y cuyas entradas se agotaron a minutos de salir a la venta.

Ricky Martin, encantador en El Hormiguero, habla de sus últimos hits, Versace y Puerto Rico

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El enésimo invitado internacional a El Hormiguero ha sido Ricky Martin, de actualidad tras el estreno de su nuevo single, ‘Fiebre’ con Wisin & Yandel, que acaba de ingresar en la lista de singles española. El resumen de la visita de Martin al plató de Pablo Motos es que el artista ha sido un encanto.

Naturalmente, Motos no puede evitar preguntar a Martin sobre su último hit, ‘Vente pa ‘ca’, su colaboración con Maluma. El presentador indica que el vídeo de la canción suma “1.400.000.000” de visitas, tantas que debe haberlo visto “gente de otros planetas” (¿sabe Motos que una persona puede ver un mismo vídeo varias veces?). Martin habla también sobre su residencia en Las Vegas, que le “infla el pecho de orgullo” al ser él el primer hombre latino que realiza una. Martin dice que para conseguir una residencia en Las Vegas necesitas “tremendos representantes y mánagers”, pero también que los promotores de Las Vegas entiendan que hay público joven en la ciudad “constantemente buscando espectáculos nuevos”.

Martin es noticia también tras su actuación en el nuevo capítulo de ‘American Crime Story’ dedicado al asesinato de Gianni Versace. Martin interpreta al que fuera novio del diseñador, Antonio D’Amico. El cantante recuerda que, en la época, había indicios de que este asesinato sucedería, pero que el FBI hizo oídos sordos porque percibió que era un asunto interno entre hombres homosexuales. “Hay que tener cuidado porque la historia tiende a repetirse, y esto no puede volver a ocurrir”, señala el puertorriqueño. El cantante habla de la importancia de luchar para que el amor homosexual sea aceptado y más tarde dedica unas palabras a recordar como él y su marido, Josef Swan, se conocieron, a través de Instagram.

El intérprete de ‘Livin’ la Vida Loca’ emociona al hablar de Puerto Rico, su país, asolado en los últimos meses por el huracán María. Martin envió 7 toneladas de comida a la población tras el desastre, motivado por uno de sus hijos, después de que este le sugiriera abrir su hucha para ayudar con su dinero a las víctimas.

Martin tiene tiempo también para jugar a los típicos juegos de El Hormiguero. Adivina escenas absurdas con Trancas y Barrancas y muestra dibujos de él que ha realizado el público. También baila con Motos intercambiándose las piernas, comparte con Mónica Cruz una sesión de higiene y una clase de “bricobombilla” con Marron. El Hormiguero da paso también a un reportaje realizado en un centro psiquiátrico en el que el pianista James Rhodes entrevista a varios pacientes.

Lily Allen estrena 2 singles y presenta el portadón de ‘No Shame’

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Lily Allen tuvo que enfrentarse de mala manera a la filtración del primer single de su nuevo disco, que finalmente recibe el nombre de ‘No Shame’ y tendrá esta insólita portada que veis aquí.

La cantante puede presumir de presentar nuevos singles simultáneos sin filtraciones (esta tarde los avanzaba en Beats 1, pero nada más) y desde luego ninguno tiene nada que ver con la canción que conocíamos, ‘Trigger Bang’. ‘Three’ es una balada quizá a la caza del exitazo de su versión de Keane hace un par de Navidades, y ‘Higher’ es un medio tiempo, con un punto «urban», aparentemente soporífero, pero con ese encanto «chill» que han tenido algunos de los éxitos en radios y playlists durante los últimos tiempos. Puede ser un grower.

Lily Allen ha anunciado una gira por Europa que pasará, además de por Reino Unido, por Hamburgo, Berlín, París, Ámsterdam y Bruselas, pero por supuesto no por nuestro país, que siempre ha sido uno de los peores grandes mercados para ella. Los conciertos, para interesados, serán justo después de Semana Santa entre los días 5 y 11 de abril. Eso sí, la edición de ‘No Shame’ no está prevista hasta bastante después: verano de este año, con rumores apuntando al 8 de junio.

‘Sanctify’ de Years & Years trata el morbo entre un «hetero» y un gay… ¿pero es temazo o bluff?

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Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Years & Years.

«Temazo. Years & Years han acertado de nuevo, y no solo porque un grupo de pop mainstream (¿ya les podemos considerar así?) dedique un muy sexual lead-single a algo tan concreto como el morbo de lo proscrito que hay en un encuentro entre un chico gay/bi y un chico hetero. Un morbo que existe en ambas direcciones, y que aquí queda perfectamente plasmado con Olly Alexander siendo objeto de deseo (prohibido) y a la vez ansiando dar rienda suelta a su deseo hacia el otro (también prohibido). Todo esto con un cambio de sonido: el electropop se va, y aquí tenemos un ritmo más cercano a ‘Take Shelter’ o, como decían mis compañeros, a Woodkid o a la primera Lorde (la base puede recordarnos incluso a ‘Candy Shop’ de Madonna). ¿Algunas pegas? Por un lado, es cierto que no es inmediato como lo eran ‘King’ o ‘Desire’ y, aunque puede ser un grower, comercialmente quizás no tengan los resultados esperados. Por otro, el doble sentido «you don’t have to be straight with me / I see what’s underneath your mask» puede que sea demasiado obvio… bueno, ¿demasiado? Qué coño, es la diva que vistió 86.000 cristales Swarovski en un videoclip: si Olly quiere ser básico y excesivo, aquí estaremos para santificarlo». Pablo N. Tocino.

«No puedo con los grupos de POP que se pasan al lado oscuro a la primera de cambio. Years & Years no han aprendido nada de la triste deriva de Hurts y en lugar de una bonita balada como ‘Worship’ o ‘Sunday’ o un pelotazo electro como ‘Better Than Love’ o ‘King’, publican esta canción destartalada, de referencias oscuras demasiado obvias (Kate Bush, Peter Gabriel, Lorde), que nada aporta desde lo estrictamente musical. El vídeo «mucho dinero para nada» no es sino la confirmación de que Olly Alexander quiere ponerse por encima de la mismísima canción, algo que se desprendía de algunas de sus actuaciones vocales, vídeos y directos. Decepción». Sebas E. Alonso.

«El regreso de Olly Alexander me despierta sentimientos encontrados. Por un lado, su línea vocal me parece una verdadera maravilla que suena al penúltimo Michael Jackson; pero, por otro, la producción de Kid Harpoon no me convence, con esos coros post-estribillo tan obvios (y feos) y una oscuridad general que borra lo que más destacaba en los inicios de Years & Years: su frescura. Aunque, en cierto modo, esa dualidad parece perfecta para el trasfondo de la cuestión que trata en su letra, las relaciones sexuales que Olly ha mantenido con hombres autodeclarados heterosexuales. Esa mezcla de gozo y dolor que él relata que hay en esos encuentros encaja bastante con lo que la canción transmite en sí. En ese sentido, muy bien». Raúl Guillén.

Maria Usbeck quiere que “rompas las normas” con su mini hit synth-pop, ‘Bosque de bambú’

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Maria Usbeck sorprendió en 2016 con un debut de pop políglota, rico en influencias de varias partes del mundo -sobre todo de las zonas tropicales- y ultra veraniego, compuesto por canciones tan cucas y aptas para la época de más calor como ‘Moai y yo’, ‘Llámame’ o ‘Jungla inquieta’. Un disco que se situaba “entre el mar y la jungla”, como ella misma describía, de la misma manera que el nuevo single de Usbeck nos lleva a un “bosque de bambú”.

En ‘Bosque de bambú’, Usbeck parece dispuesta a hacernos bailar, y estamos ante un mini hit synth-pop clarísimo que podría recordar al trabajo de grupos españolas ya medio olvidados como Peor Imposible o Glutamayo Ye-Yé en los ochenta. Y el título no parece casual: hay bosques de bambú en África, por ejemplo en Etiopía o Madagascar, pero además el tema destaca no solo por su ritmo bailable sino también por la presencia de una kalimba, un instrumento africano.

Dice Usbeck que quiere que escuches esta canción de amor cuando creas que “estás rompiendo las reglas”, y en su letra nos habla de un amor “sin límites” y sobre “liberarse de las restricciones de la sociedad y vivir el momento”. Imposible no cantar con ella eso de “una caricia, un beso inesperado, entre tu cabello, en las curvas de tu cuello” o “una relación no es lo mismo de siempre, es algo diferente”.

Grouper sigue dignificando la larga historia de música ambiental hecha por mujeres

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La historia de la música ambiental está poblada por mujeres pioneras de las que se suele hablar poco o nada debido a la mayor visibilidad de sus iconos masculinos. Pero muchos años antes de que Brian Eno inventara el término “ambient”, de que William Basinski descubriera sus cintas maravillosas debajo del cojín de un sofá o de que Tim Hecker cambiara el mundo convirtiendo la disonancia y el ruido en melodías sublimes, artistas como Éliane Radigue, Else Marie Pade, Wendy Carlos, Pauline Oliveros, Delia Derbyshire, Daphne Oram (estas dos últimas desde el mítico Radiophonic Workshop de la BBC) o incluso Alice Coltrane en su etapa mística sentaron las bases de lo que hoy se conoce como música ambiental, creando en sus obras paisajes sonoros evocadores y hermosos que, gracias a internet, hoy pueden llegar a más gente que nunca.

De vuelta a 2018, las cosas han cambiado, pero sigue siendo difícil encontrar mujeres dedicadas a la música ambiental -en cualquier vertiente- que obtengan el reconocimiento de un Taylor Deupree, de unos Stars of the Lid o de un Fennesz. Una de las que lo ha logrado es Grouper, el alter ego de la californiana Liz Harris, que gracias a obras como ‘Way Their Crept’, ‘Dragging a Dead Deer Up a Hill’ o el más reciente ‘Ruins‘, se ha alzado como una de las figuras más interesantes y respetadas del ambient actual. Sus composiciones suelen ser lúgubres, pero en sus experimentos con guitarras eléctrica, sintetizadores y voz, ha logrado crear un mundo íntimo y absolutamente personal, comprensible en piezas como ‘When We Fall’ o ‘I’m Here Now’.

El 27 de abril, Grouper publica su nuevo álbum, ‘Grid of Points’, que cuatro años después de ‘Ruins’ no anda muy alejado del estilo de aquel, al menos teniendo en cuenta su primer adelanto, ‘Parking Lot’, que nuevamente aúna voces y un emotivo arreglo de piano. Son “canciones para piano y voz”, en palabras de Harris, las que componen esta nueva obra que publica Kranky y que Harris explica es “breve, pero completa”. Apunta: “La intimidad y la abreviación de esta música alude a la esencia de la que las letras hablan más directamente. El espacio que queda después de que la materia haya desaparecido, el escenario después de que los personajes se hayan ido, el vacío de una columna pilar que ya no está”.

U.S. Girls / In a Poem Unlimited

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Como sabrás si has escuchado ‘Half Free’, Meg Remy de U.S. Girls está hasta el coño de la guerra, la violencia doméstica, el patriarcado, el machismo y la violación. Y en ‘In a Poem Unlimited’, su nuevo disco, ha encontrado la manera más directa, accesible y atractiva de contártelo, ya que el disco presenta una serie canciones redondas como pocas veces en su carrera, interpretadas, además, junto un grupo de músicos de carne y hueso, al contrario que en sus anteriores trabajos, dotando al disco de mayor cuerpo.

En ‘In a Poem Unlimited’, U.S. Girls emplea formas disco, R&B y funk, aunque como siempre desde un prisma turbio, siniestro y psicodélico, para contarnos historias sobre mujeres víctimas de la violencia, y no es casual que esto ocurra, ya que estos son estilos que nacieron de la opresión. Y U.S. Girls se los apropia en ‘In a Poem Unlimited’ para alzar el puño contra el patriarcado, una lucha relevante más que nunca en 2018, como pone de manifiesto la huelga feminista del 8 de marzo en España, pero también para hacer bailar a la gente, como ella misma ha reconocido en una entrevista. Sin ir más lejos, el primer single del disco, ‘M.A.H.’ (“mad as hell”), en su aproximación al disco clásico no podría ser más Baccara, pero el tema habla de los bombardeos de Estados Unidos a países de Oriente Medio llevados a cabo por drones durante la administración de Barack Obama. ¿Qué se esconde tras la sonrisa más carismática del imperio americano?

La deslumbrante ‘Velvet 4 Sale’ utiliza un estilo de glam-rock psicodélico para fantasear en su letra con la realidad de una mujer que se toma la justicia por su cuenta. La canción empieza con una frase tan demoledora como “has estado durmiendo con un ojo abierto, porque sabes que siempre puede volver”, situando a Meg Remy como voz interior que coerce a esta persona a actuar. “No des razón alguna”, justifica Remy, “ínstales a ellos el miedo que surge de ser presa”. Remy tiene suerte de no ser española, porque si lo fuera, ya se sabe dónde podría terminar cantando una frase como “asegúrate de que al menos una bala le atreviese el ojo, ya sabes que siempre pueden venir a por más”. En la cabaretera ‘Rage of Plastics’, Remy cuenta honestamente su experiencia personal y su “ira” es palpable en el feísmo de los vientos, y también en frases tan comedidas, pero llenas de rabia, como “me dieron un lacito, y me dijeron que corriera”. Como ha contado en una entrevista, “desde joven he sufrido abusos, y lo que se me ha dicho siempre es que me aguantase, porque es parte de la vida”.

La mayor parte de ‘In a Poem Unlimited’ ocurre, de hecho y como sucede en ‘Rage of Plastics’, en algo más parecido a la vida real. En la industrial ‘Incidental Boogie’, de amenazante base rítmica, Meg interpreta a una mujer que ha asumido el papel de víctima hasta el extremo, confundiendo violencia con amor y cantando, al borde de la locura y la desesperación, que su pareja le “pega”, pero no demasiado, para que “yo pueda seguir trabajando”, y la reflexión a la que llega es escalofriante: “la vida no tenía sentido sin un puñetazo, y la vida era demasiado tranquila sin que nadie me gritara”. En la sensual ‘Pearly Gates’, que cual ‘La isla Bonita’ incluye guitarras españolas, castañuelas y simbología religiosa, la situación es tan desesperada que, canta Remy, una mujer no está segura ni en las “puertas del cielo”, y que una vez muerta, puede violarla hasta San Pedro.

También hay en ‘In a Poem Unlimited’ tiempo para la empatía, la comprensión y la paz, como sucede en la atmosférica y melódica ‘Rosebud’, una canción cautivadora como pocas oirás este año. Quien haya visto ‘Ciudadano Kane’ reconocerá al instante este símbolo de la inocencia perdida y la esperanza, el capullo de rosa, que en el contexto de este disco oscuro y lleno de violencia, da lugar a un momento de serenidad sobrecogedor. En la letra, Remy sugiere a su oyente que conduzca “a través de los recovecos más oscuros de su mente, y tenga piedad”; solo así logrará conectar de nuevo con inocencia que lamentablemente perdió en algún punto del camino.

La accesibilidad de estas canciones se potencia, por supuesto, gracias a un trabajo musical experto por parte de la banda de U.S. Girls, que suma una riqueza instrumental inédita hasta entonces en su discografía. Solo en este disco podría haber tenido cabida un delirio funk de 8 minutos como el de ‘Time’, que parece inspirado en Curtis Mayfield. La canción parece querer decirnos que para dirigirnos hacia “algún lado” de verdad, para cambiar las cosas, queda muy poco tiempo, y es una suerte tener a artistas como U.S. Girls para animarnos a acelerar el proceso y a hacer posible que la lucha feminista, no solo se pueda defender y sufrir, sino que también se puede bailar.

Calificación: 8,1/10
Lo mejor: ‘Velvet 4 Sale’, ‘M.A.H.’, ‘Rosebud’, ‘Pearly Gates’
Te gustará si te gusta: Ariel Pink, Nite Jewel, Sean Nicholas Savage, Mr. Twin Sister, Class Actress
Escúchalo: Spotify

La Plata: «Esto es pop, quien quiera irse que se vaya»

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La Plata han publicado esta semana su magnifico debut, ‘Desorden’, que ha producido Carlos Hernández (Triángulo de Amor Bizarro, Los Planetas). El álbum incluye su hit ‘Un atasco’ junto a sus caras B regrabadas, además de otros nuevos pelotazos, entre los que destaca claramente el nuevo sencillo ‘Miedo’. Hablamos con Diego Escriche (cantante, guitarra), María Gea (bajo, co-letrista de 4 temas junto a Diego) y Miguel J Carmona (batería) sobre el disco y sobre la fiesta de presentación que han preparado este sábado 10 de marzo en el 16 toneladas de Valencia a partir de las 18.00 junto a bandas amigas como Futuro Terror, Sierra o Vulk, entre muchas otras. No ejercerán de cabezas de cartel y nos cuentan por qué. El 31 de marzo tocan en El Sol (Madrid) y también les esperan WAM, Low o Vida Festival.

Habladme del concepto del disco: tiene 10 temas, y todos muy cortos, incluyendo los 3 ya conocidos. ¿Teníais claro que tenía que ser así?
Diego: «Queríamos retratar todo lo que hemos vivido, coger todos los sentimientos de estos 2 años. Lo ideamos como una totalidad y queríamos incluir las 3 primeras canciones del EP. Iban a ser 11 pero una la tuvimos que dejar fuera, porque teníamos 5 días para grabar con Carlos Hernández y nos sugirió grabar 10 canciones. Para 11 había poco tiempo. Esa otra canción la usaremos en un EP pronto».
María: «No queríamos que a la larga, alguien se encontrase con que esos 3 temas no están en este disco».

«Se nota que Carlos Hernández ha grabado con mucha gente porque tiene mucha psicología»

¿Qué ha aportado Carlos Hernández?
Diego: «Sobre todo, el sonido. Que todo sonara más grande, más potente».
Carmona: «Su sonido es muy característico. Nos gustan mucho los discos que ha hecho».
Diego: «Y nos respetó muchísimo, le pasamos unos temas y le gustaron tal y como estaban. Nos dijo que estaban completos casi. Hizo alguna modificación en alguna intro que le parecía demasiado larga, pero lo demás lo respetó todo».
María: «Nosotros pensábamos en el directo, en tocar más de media hora y por eso teníamos alguna intro más larga. Cuando tocas en una banda, no oyes bien lo que tocas, porque nunca ves un directo tuyo, y lo que más me gustó de Carlos es que sacó el sonido de cada instrumento. Yo me pongo un tema de La Plata y me paso un rato oyendo el teclado, la guitarra… todo se entiende guay, sacó un sonido muy auténtico de cada uno. Y se nota que ha grabado con mucha gente porque tiene mucha psicología (risas). Nosotros no somos muy dramáticos, pero esos momentos puntuales tiene mucha capacidad de resolverlos»

Los teclados dan personalidad al disco, se oyen mucho, pero la manera de grabarlos me parece más synth-pop que en el caso de Planetas o Triángulo.
Diego: «Es que Carlos suele pasar todos los teclados por ampli, pero con nosotros, para lograr este sonido… por no decir 80’s, más synth-wave y nueva ola, los grabó por línea. Estuvieron una mañana entera buscando que el sonido fuera el correcto».

¿Por qué dices «por no decir 80’s»? ¿Queríais huir de los 80?
Diego: «Nos gustan mucho los 80, tenemos muchos referentes de los 80: Television, New Order, Smiths. Y de los 90, de los 2000, de ahora».
Carmona: «También Fugazi, Big Boys… que no es lo que se entiende por «sonido de los 80″. O el disco de Eskorbuto que está grabado con baterías sampleadas».

¿Os han comparado con cosas que no conocíais, tipo Parálisis Permanente?
Diego: «Nos encanta Parálisis Permanente y Décima Víctima es un gran referente desde el principio. El problema de decir 80 es con la gente de nuestra edad, que cree que todo van a ser sintes y que todo el mundo llevaba las Nike y el mullet».

¿Cuándo descubristeis a Parálisis, por ejemplo?
Todos: «A los 14, 15, 16 años».
María: «Yo iba al Magazine, un bar de Valencia, y los oía alguna vez. El padre de una amiga tenía el disco original, y el de Desechables, cuando los originales valen como 100 pavos».

¿Por qué la versión de ‘Un atasco’ está ralentizada en el disco?
Diego: «La hemos grabado 3 veces. Queríamos una versión más parecida a la primera versión que hice yo. Íbamos a grabar, nos habíamos dejado bastante pasta, y yo quería escucharla bien. Me gusta que esté la que hice yo, me parece bonito. Es un capricho que me di».

«No queríamos darle protagonismo a ‘Un atasco’, no queríamos que fuera LA canción, por eso está puesta donde está, no queríamos que fuera cara A».

También llama la atención el lugar que ocupa en el disco y después de varios tiros, suena más lenta todavía.
María: «Quien quiera que se ponga la vieja, no pasa nada» (risas).
Diego: «No queríamos darle protagonismo, no queríamos que ‘Un atasco’ fuera LA canción, por eso está puesta donde está, no queríamos que fuera cara A».
María: «Está muy bien, pero hay cosas muy interesantes en el disco».
Carmona: «Pero no deja de ser una muy buena canción».
María: «Pero no queríamos que fuera la tercera del disco».

Cuando decís «Esta ciudad da asco», ¿os referís a Valencia?
Diego: «Son todas. Es un sentimiento, no quería hablar justo de Valencia, Madrid o Barcelona. Era el sentimiento que tenía por lo que estaba pasando, la situación de trabajo, mi vida… Quería expresar eso y hablar de una ciudad era la manera acertada. En mi caso es Valencia, pero puede ser cualquiera».
Carmona: «Las letras van de la actualidad, de un sentimiento que muchas personas pueden tener, aunque sea de Toledo».

‘Miedo’ habla de «miedo a la muerte, al futuro, al pasado, al presente»… a todo. Hay títulos como ‘Fracaso’, ‘Incendio’… ¿hay un punto nihilista en el disco?
Diego: «Es un juego. Más que nihilista, queríamos que el disco fuera melancólico, puede que haya toques de eso, pero queremos jugar con los altos y bajos, que haya esperanza».
María: «Hay veces que para llegar a un punto tienes que pasar por momentos oscuros o nihilistas, pero no quiere decir que no haya una visión optimista. Es un trámite para llegar a eso. El disco me parece súper optimista: tú te das cuenta de que te está pasando algo, y si eres capaz de ver un problema, es porque quieres cambiarlo».
Carmona: «‘Miedo’ son las barreras que tú mismo te pones, son los miedos. No es nihilista, es algo psicológico poner tú esas barreras».

«Escuchas esto y parece que la vida es una calamidad, que sufrimos mucho y que nuestra vida es dura, pero lo es como la de cualquier otra persona. A veces estamos contentos también»

La Bien Querida suele decir que no es que sea oscura, sino que compone cuando está en un mal rato.
Diego: «Nos preguntaron el otro día si siempre estamos de este ánimo, pero es eso: cuando no estamos tristes, no estamos haciendo música, estamos haciendo otras cosas».
Carmona: «Escuchas esto y parece que la vida es una calamidad, que sufrimos mucho y que nuestra vida es dura, pero lo es como la de cualquier otra persona. A veces estamos contentos también (risas).

‘Me voy’ es una de las canciones que tiene un sonido diferente.
Carmona: «Al grabarla sí, pero al componerla no. Se hizo un poco en plan Velvet Underground, con un ritmo repetitivo que nunca llega a estallar, pero al grabarla, todo el mundo oye a Los Planetas, o a Disco Las Palmeras».

Yo iba a decir un poco Planetas, pero también un poco Bowie.
Diego: «¡Me alegro, Bowie es bien! Nunca hemos escuchado a Los Planetas, no es que no me gusten, pero… Un referente muy grande en esa canción fue Iceage, Marching Church, Jesus & Mary Chain, Velvet, Bowie como tú decías. Nos han dicho que se parece a una canción de Los Planetas y quiero escucharla».
Carmona: «Era por una frase».

De todas formas, decía que sonaba distinta al resto, nunca os he visto tan parecidos a Los Planetas…
Carmona: «Es que está a medio tiempo, deja respirar, y nos flipa. Y pensamos que tiene que haber una canción a medio tiempo. Incluso todo un disco así, pero más adelante, de momento no». (risas)

Antes decíais que os habíais dejado una pasta en el disco, ¿es muy caro trabajar con Carlos Hernández o selecciona lo que quiere hacer?
Diego y María: «Nos hemos gastado lo que para nosotros es una pasta, pero nos ha hecho buen precio, porque se le veía muy emocionado. Selecciona un poco lo que le gusta».
Carmona: «Desde que hizo la mezcla y el máster de ‘Un atasco’ no paraba de decirnos que era brutal, y queríamos grabar todo el disco con él. Supongo que se ajustó».

Habéis dicho que hacéis «pop del bueno».
Todos: «No, no, no, no hemos dicho eso».

¿Seguro? Lo he leído pero fijo.
Diego: «Seguro, seguro, nunca hemos dicho que hiciéramos buena música».

«Cuando empezamos y tocábamos en gaztetxes, en okupas, era importante decir a esos públicos que lo que hacíamos era pop, para que no se llevaran una mala sorpresa»

No, yo no entendí eso, sino como reivindicación de la palabra «pop». Como indicativo de que hacéis «pop».
Diego: «Es que venimos de un ámbito que es el hardcore y el punk. Para ese público, se considera a lo que hacemos pop».
Carmona: «Yo, para lo que entiendo por punk, que a mí me gustan mucho Crass o Discharge, es una falta de respeto decir que lo que hacemos es punk. Pude ser más acelerado, pero es pop en estructura».
Diego: «Carmona hacía el booking cuando empezamos y tocábamos en gaztetxes, en okupas, porque él tenía los contactos de otras bandas. Y es importante para esos públicos decir que lo que hacemos era pop, para que no se llevaran una mala sorpresa (risas). «Esto es pop, quien quiera irse que se vaya»».

¿Oís cosas más poperas?
Diego: «Sí, nos gustan cosas de todos los extremos, me gustan MGMT personalmente. A la banda no. Me gustan Klaxons, Crystal Castles, Bowie, Jesus and Mary Chain que es súper pop».
Carmona: «Weezer, Pavement…»

¿Creéis que la gente joven es un poco más abierta que antes? Veo gente joven siguiendo lo mismo a Vetusta Morla, que a C. Tangana, que a Juventud Juché, ¿vuestro público es mezclado?
María: «En los ámbitos más cerrados del punk y el hardcore, que yo he estado muy en eso, se ponen muchas barreras. «Esto no lo puedo escuchar porque es muy electrónico», o «esto es mainstream». La gente no viene ya con tantas barreras de estar en un rollo. En la era de internet hay acceso a todo y ese sentimiento de pertenecer a un género creo que cada vez es menor».

Habladme de Valencia. ¿En una discoteca a la que vosotros vayáis puede sonar Bad Gyal?

Diego: «En Valencia sí que va mucho por género. A Magazine va el público rock. La Resi se mojan más y te ponen techno, hardcore, EDM… pero no te van a poner Bad Gyal. En las discotecas sí te ponen EDM o Bad Gyal, pero no te van a poner punk».
María: «Valencia va un poco más lento. Todo esto va llegando porque la gente joven lo demanda, en algún momento se fusionará».

Bueno, hay clubs en Madrid donde aún no he oído a Yvng Beef pinchado…
Carmona: «A ver, lento… Allí han sido muy innovadores con la ruta de los 80, pero sí que va bastante por géneros. Se puede innovar, pero se separa mucho».
María: «Hay mucho purista».
Carmona: «Exacto. Si eres ravero, pues siguen pinchando lo mismo».
Diego: «Hablando de esto, estamos organizando una fiesta con 8 bandas. No hemos llegado al trap pero sí va a haber un despliegue de géneros. No hay trap, pero sí electrónica más moderna: Hyperclear, que cierra el cartel de conciertos».
María: «Nosotros no somos el cabeza de cartel, porque estamos en contra de eso. Cuando tú haces una sesión para pinchar, eso lleva una secuenciación, no te pueden poner estilos después de otros que no pegan».
Carmona: «El orden que hemos planteado es Fantastic Explosion, Heather, Sierra, La Plata, Futuro Terror, Vulk, Alfa Estilo, Hyperclear y Volta 91 DJ. Son bandas amigas o que admiramos y que quieren colaborar. Lo estamos gestionando todo nosotros, hemos buscado patrocinadores pero no nos salía a cuenta. Creemos que tenemos los medios para llenar el 16 Toneladas y que salga bien».

«Me gusta ver (en un disco), incluso en un fanzine, que está cuidado, que el papel está elegido, que lleva una pegatina dentro que va metida de cierta manera para que te la encuentres de tal forma… Es un valor añadido extra»

Me compré vuestro 7″ y flipé porque venían las letras, por el diseño… ¿sois coleccionistas, se adivina?
María: «Carmona y yo sí».
Carmona: «Somos más puretas, al menos yo, siempre me ha gustado que los discos vengan con insert, con las letras, si hay un parche… Lo cuidamos y al mejor precio posible, para que esté disponible para todo el mundo».
María: «Del diseño del 7″ me encargué yo, quería que se vieran las intenciones de la banda, de por dónde íbamos a tirar, aunque luego haya ido cambiando. Me gusta ver, incluso en un fanzine, que está cuidado, que el papel está elegido, que lleva una pegatina dentro que va metida de cierta manera para que te la encuentres de tal forma… Es un valor añadido extra que solo puede enriquecer las intenciones de la banda. Para el LP hicimos un equipo de dirección artística Ostap Yashchuk, que hizo el logo de la Plata, Borja Llobregat, un fotógrafo de Valencia que vive en Madrid, y yo. El disco es todo negro, que es una declaración de intenciones, y lleva un parche pegado en la portada, en sintonía con lo que ha dicho Carmona de los parches. Hay un valor añadido: detrás de esto, descubres la portada real, la foto de las velas con las manos que es la que se verá en Spotify. Nos gusta mucho cómo ha quedado como concepto de primer disco».
Carmona: «Esto es para vinilo solo, y serán solo 500 ejemplares. La siguiente será sin parche».

Camila Cabello alterna alta costura y vídeo casero en el clip de ‘Never Be the Same’

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Mientras ‘Havana’ sigue triunfando en todo el mundo, en ciertos mercados va perdiendo fuelle, como en el británico, donde el single de Camila Cabello que más está pegando ahora mismo es ‘Never Be the Same’, el baladón del “nicotine, morphine” de ‘Camila‘ que, tras alcanzar el top 10, actualmente saluda desde el top 11 de la lista de éxitos.

No extraña el éxito de ‘Never Be the Same’, ya que podría ser la mejor canción de Camila Cabello, pero para darle el empuje comercial que necesita, la cantante estrena ahora el videoclip oficial de la canción, que ha dirigido Grant Singer, director “indie” reconocido por su trabajo para Lorde (‘Green Light’, ‘Perfect Places’), The Weeknd (‘Can’t Feel My Face’) o Zayn y Taylor Swift (‘I Don’t Wanna Live Forever’).

Aunque al principio parece que el vídeo de ‘Never Be the Same’ va a ser otra colección de imágenes caseras e íntimas grabadas con vídeo analógico, la pieza alterna eso con escenas profesionales y curradas en las que, en medio de espacios surrealistas e incluso marcianos, Cabello interpreta la canción vistiendo prendas de alta costura. “Nunca es la misma”, como canta Camila en esta composición co-escrita por Noonie Bao y producida por Frank Dukes y Jarami.

Sigue siendo carnaval en Nueva Orleans: escucha el bailable nuevo single de Parquet Courts

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Tras conseguir una muy buena respuesta de crítica gracias a su último disco, ‘Human Performance‘, la banda neoyorquina Parquet Courts vuelve en 2018 con un nuevo disco titulado ‘Wide Awake’ que se publica el 18 de mayo y que ha producido nada menos que Danger Mouse.

Parquet Courts han encontrado su propio estilo en el “revival” del post-punk y el art-rock, entregando canciones tan carismáticas como ‘Human Performance’, ‘Berlin Got Blurry’ o ‘Uncast Shadow of a Souther Myth’, y a estos temas han sumado recientemente un par de su nuevo disco que prometen convertirse en éxitos de su repertorio, ‘Almost Hard to Start a Fight/In and Out of Patience’ (sí, en realidad son dos canciones en una) y ‘Wide Awake’, para la que hoy presentan videoclip rodado en el carnaval de Mardi Gras, en Nueva Orleans.

Mientras ‘Almost Hard to Start a Fight’ parece realizar una reflexión existencialista sobre la guerra (“¿alguien me puede decir el motivo? estoy en la dimensión del caos, atrapado en una invención brutal”) e ‘In and Out of Patience’ relata la dureza de la realidad en un día cualquiera, ‘Wide Awake’ parece una oda al hedonismo y su ritmo funk es pura alegría. No extraña que el vídeo se haya rodado en Mardi Gras y tampoco parece que esto sea casualidad, ya que en el disco haya un tema titulado ‘Mardi Gras Beads’.

‘Wide Awake’:

01 Total Football
02 Violence
03 Before the Water Gets Too High
04 Mardi Gras Beads
05 Almost Had to Start a Fight/In And Out of Patience
06 Freebird II
07 Normalization
08 Back to Earth
09 Wide Awake
10 NYC Observation
11 Extinction
12 Death Will Bring Change
13 Tenderness

Ricky Martin, Izal, Post Malone, Mau y Ricky e invitadas, un 9º tema de Bad Bunny… en la lista de singles

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Semana sin grandes novedades en la lista de singles española. Los primeros 7 singles del top 10 no se han movido: Bad Bunny es número 1 con ‘Amorfoda’, Daddy Yankee número 2 con ‘Dura’, Aitana Ocaña y Ana Guerra número tres con ‘Lo malo’, etc. Sí entran varios singles en el top 100, entre ellos ‘Fiebre’ de Ricky Martin con Wisin & Yandel y varios éxitos anglosajones. Y Drake finalmente irrumpe en el top 10 (8) con ‘God’s Plan’. Nuestro repaso a la lista de discos, aquí.

10(34) Reik, Ozuna, Wisin / Me niego

La subida más fuerte de la semana la protagonizan Reik y sus colaboradores estrella, Ozuna y Wisin: juntos interpretan este reggaetón romántico que entra directo en el top 10 de la lista de singles. ¿Será número uno?

45(E) Ricky Martin, Wisin & Yandel / Fiebre

‘Despacito’ ha estado en todas partes, pero ‘Vente pa’ ca’ no se ha quedado corto y sus visitas en Youtube asustan: más de mil millones. ¿Será ‘Fiebre’, lo nuevo de Martin con Wisin & Yandel, el nuevo éxito del verano? De momento registra una tímida entrada en Promusicae. Es, sin embargo, la entrada más fuerte de la semana. Por cierto, esta noche Martin está en El Hormiguero.

57(E) Izal / Pausa

Después de que ‘El pozo’ sorprendiera quedándose a las puertas de entrar en el top 50 español, el segundo single de ‘Autoterapia’ entra también en la lista, aunque varios puestos por debajo. ¿Alguien duda de que el nuevo álbum de Izal será número uno en cuanto salga?

70(E) Post Malone, Ty Dolla $ign / Psycho

Contra todo pronóstico y gracias al streaming, Post Malone se ha convertido en un hacedor de hits implacable. Una semana ha bastado al rapero para colocar su nuevo single con Ty Dolla $ign en el top 2 de ventas en Estados Unidos y en el top 4 de Reino Unido y el tema entra también en la lista española, aunque por debajo.

82(E) Mau y Ricky, Karol G ft. Becky G, Leslie Grace, Lali / Mi mala (Remix)

Recientemente hablábamos con Karol G sobre su colaboración con ‘Mi mala’ de Mau y Ricky, que gracias a su remix junto a Becky G, Leslie Grace y Lali -y a un caro videoclip- entra en el puesto 82 de Promusicae.

85(E) Bad Bunny / Dime si te acuerdas

El imparable Bad Bunny suma una nueva entrada en la lista de singles con el trap guarro ‘Dime si te acuerdas’, que contiene la gran frase “un polvo aquí, un polvo allá, tu siempre tás puesta pa’ una guayá”. Con esta ya son 9 las canciones de Bad Bunny presentes en la lista de singles española.

93(E) Jax Jones, Ina Wroldsen / Breathe

Jax Jones ha hecho bailar a medio mundo con ‘You Don’t Know Me’ e ‘Instruction’, entre otros. Su nueva apuesta house con la sueca Ina Wroldsen (involucrada en la composición de los temas de OT para Eurovisión), ‘Breathe’, huele a hit.

97(E) Zedd, Maren Morris, Gray / The Middle

‘The Middle’ empieza a volar en streaming, ¿pero qué hay de las listas de ventas? En USA está a punto de entrar en el top 10, aunque en la tabla de UK no aparece. En la de España sí. ¿Cuán alto llegará? ‘Stay’ fue top 40, pero ‘Get Low’ no llegó a registrar entrada alguna.

98(E) Sebastián Yatra / No hay nadie más

La entrada más débil de la semana la protagoniza el reconocido cantante colombiano Sebastián Yatra con ‘No hay nadie más’, su balada acústica en plan ‘Love Yourself’.

La Canción del Día: Tracey Thorn retrata el dolor de tragarte a tu ex en las redes sociales en ‘Face’

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No es la canción más inmediata de ‘Record‘, el nuevo disco de Tracey Thorn, pero sí una de las más bonitas y de las que más poso dejan a medida que pasan las semanas. La que fuera cantante de Everything But the Girl, durante una entrevista que le hicimos el pasado 5 de febrero, nos hablaba así sobre ‘Face’ cuando le preguntábamos si retrataba, como parecía, el dolor de tener que tragarse a un/a ex en las redes sociales: «Sí, soy yo imaginándome cómo sería romper relaciones en la era de las redes sociales. No he tenido que pasar por ello porque antes no existían, pero pensaba: «si rompes y quieres dejar atrás el pasado, no puedes, porque está ahí, siempre va a haber alguien subiendo una foto (de tu ex)». La canción está escrita desde el punto de vista de una mujer que se sienta sola una noche, se toma un vino, de repente se pone a ver fotos y se vuelve un poco loca».

¿Cuán loca se vuelve esta persona? Ni más ni menos que lo que todos y todas en una situación en la que has de ver el careto de alguien que ya no está contigo «por todas partes», por mucho que bloquees a esa persona. «You’re all over the place» forma parte del estribillo y así es la letra: “He visto tu página, tu nueva vida encantadora, tienes un montón de “likes”, una nueva mujer encantadora”, comienza diciendo, antes de reconocer: “aún estás en casa, porque estás en mi teléfono”. La tesis anunciada por Thorn en la entrevista está perfectamente resumida en la parte en que la narradora no sabe lo que dice, pasando de manera absurda de «put you behind» a «put you to bed»: “quiero dejarte atrás / quiero dejarte en la cama / Espera, ¿en qué estaba pensando? / ¿qué he dicho? / ¿Soy yo quien habla o Freud? / ¿Soy yo o el vino? / No debería estar clicando en tu nueva novia / No debería estar mirando / pero aquí estoy (…) ¿Le doy a “enviar” o a “borrar”?”.

Lejos de sonar como una cutre canción sobre las nuevas tecnologías a lo Tam Tam Go!, Tracey Thorn ha construido una melodía preciosa en torno a todo esto, complementada con la producción de Ewan Pearson. Ha evitado la palabra “Facebook” del mismo modo que Xavier Dolan evitaba poner un móvil de última generación en el vídeo de ‘Hello’ de Adele para evitar que la referencia se quedara obsoleta en un par de años, y alcanza una pequeña cumbre en la imagen “si sigo refrescado la página, quizá desaparecerás” (esto es básicamente el final de ‘La red social’), solo para caer al fondo a continuación (“si te hago sentir celos / quizá desees estar conmigo”) totalmente inmersa finalmente en el patetismo etílico (“si estuviera segura, de que no eres feliz / podría echar la cortina / y probar que yo gané”).

Tracey Thorn nos indicaba que esta es una realidad con la que todos tenemos que vivir porque «no se va a ir a ningún sitio» y nos contaba de dónde ha venido en parte la inspiración: «‘Face’ está inspirada en parte en observar a mis hijos y en ver cómo viven sus relaciones enteramente a través del teléfono». Una preciosidad que sumar a su discografía.

Russ, nueva promesa del hip-hop estadounidense, agota con una semana de antelación en RazzClubs

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Muestra de que ya no se necesita completamente a la prensa para lograr éxito global, y que en según qué casos, ahora también es el público, a través de las plataformas de streaming, y no solo la radio, la televisión o la prensa escrita, el que dicta qué tiene éxito y qué no, el rapero norteamericano Russ acumula casi 190 millones de streamings por ‘What They Want’ y casi 170 millones por ‘Losin’ Control’ sin que a ambos temas les haya acompañado nada remotamente parecido a un despliegue publicitario. Aparecer en playlists de Spotify con cientos de miles de seguidores como RapCaviar u All the Feels y por supuesto el boca a boca han incentivado el éxito de este joven de Atlanta que puede presumir de haber colocado dos temas en el Billboard Hot 100 desde la autoedición. Para que os hagáis una idea de su repercusión, Russ actúa este viernes 9 de marzo en RazzClubs de Barcelona… con todo agotado desde hace una semana.

Pero el éxito de Russ no se ha producido de la noche a la mañana. Como ha contado en una entrevista para Billbaord, Russell Vitale lleva al menos 10 años haciendo música, aunque ha sido en los últimos tres cuando su perseverancia ha dado frutos. Al modo churrero de Drake, Russ decidió un día publicar una canción a la semana en Soundcloud, hasta que una de ellas, ‘What They Want’, publicada en 2015, despegó. El éxito ha acompañado a Russ desde entonces, fichaje por Columbia Records incluido.

El álbum debut de Russ, ‘There’s Really a Wolf’, salió el año pasado, y en él, Russ regala a sus fans una colección de 20 canciones en las que sumergirse que exploran ritmos de hip-hop experimental, chill-hop, trap y R&B de radiofórmula, mostrando a un talento capaz de cantar y rapear sin despeinarse y con gusto sofisticado para la producción. Él dice que aspira a aparecer en la lista de músicos ricos de Forbes algún día… y va por buen camino para lograrlo.

Pet Shop Boys, Belle and Sebastian, Jessie Ware, Sleaford Mods… entre las nuevas incorporaciones del FIB

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El FIB sigue sumando artistas a su cartel de 2018, tras confirmar a The Killers, Liam Gallagher, Travis Scott, Tune-Yards, Two Door Cinema Club, The Vaccines, Wolf Alice y Bastille, entre otros. La confirmación estrella de esta nueva tanda de incorporaciones la protagonizan Pet Shop Boys, que vuelven a España para presentar su arsenal de hits míticos como ‘Always On My Mind’, ‘West End Girls’ o ‘It’s a Sin’.

Se suman también al cartel del FIB Belle and Sebastian, habituales en nuestro país, para presentar su nuevo disco ‘How to Solve Our Human Problems’. Menos habitual en España ha sido Jessie Ware, que vuelve a la península ibérica cinco años después de actuar por primera vez, en Barcelona. El resto de confirmaciones son Justice, Izal, J Hus, Madness, Dorian, The Kooks, Sleaford Mods, Juanita Stein, la revelación Nathy Peluso, Parquet Courts, Princess Nokia, The Magic Gang, Hudson Taylor y Terry vs. Tori.

Continúa, por cierto, la venta de abonos de 4 días, con ocho días de acampada gratuita del 16 al 23 de julio en Campfest, al precio de 155€ (gastos de gestión no incluidos). También se puede comprar Pases VIP y entradas para Villacamp, nuestra zona de acampada VIP. El FIB se celebra los días 19, 20, 21 y 21 en Benicàssim.

serpentwithfeet muestra su fascinante universo neo-gospel en ‘bless ur heart’

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Josiah Wise es un artista de Baltimore afincado en Nueva York conocido por su alias serpentwithfeet. Recientemente su nombre salía a la palestra como remixer de ‘Blissing Me’, uno de los sencillos extraídos de ‘Utopia‘ de Björk. Wise comenzó a sonar en medios musicales en 2016, cuando lanzó su Ep debut ‘blisters’ en el sello Tri Angle (How To Dress Well, The Haxan Cloak –productor de ese disco, precisamente–).

Su música, que podíamos acotar como neo-gospel, en línea con artistas como Laura Mvula, está repleta de arreglos de cuerda y vientos espectaculares y coros, pero también se adentra en la experimentación electrónica. Después de aquel disco, serpentwithfeet ya tiene listo su álbum de debut, titulado ‘soil’, en cuya producción han trabajado, entre otros, Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine) o Clams Casino (A$AP Rocky). Lo co-editará con Tri Angle Records el más potente Secretly Canadian y se acaba de presentar su primer adelanto.

Se titula ‘bless ur heart’ –curiosamente, es el corte que cierra el disco– y su vídeo oficial, dirigido por Andrew Thomas Huang –colaborador frecuente de Björk– y estrenado por The Fader, es digno de no perdérselo. Sobre todo, porque saca todo el jugo a la peculiar estética de Wise: cabeza tatuada, enorme –y postiza– barba roja, larguísimas uñas doradas, vestimenta teatral… Mientras serpentwithfeet nos pasea por una especie de antiguo palacio mientras dos pequeñas lunas le acompañan suena este tema imponente, posiblemente lo más pop que haya presentado hasta el momento.

Tracklist de ‘Soil’:
1. whisper
2. messy
3. wrong tree
4. fragrant
5. mourning song
6. cherubim
7. seedless
8. invoice
9. waft
10. slow syrip
11. bless ur heart

Demi Lovato se traslada a otra dimensión en ‘I Believe’, producida por DJ Khaled

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Esta semana se estrena ‘Un pliegue en el tiempo’, film Disney de acción real –basada en una novela del mismo título publicada en 1962 por Madeleina L’Engle– que ha sido dirigido por Ava DuVernay y que coprotagonizan Oprah Winfrey (sí, la presentadora), Reese Witherspoon, Chris Pine o Zach Galifianakis. Pero, más allá del plano cinematográfico, también ha sido noticia por contener la primera canción nueva de Sade en 8 años –su lyric-video oficial ha sido lanzado hace unas horas, también–. Sin embargo, su banda sonora contiene otras canciones que interesarán a los amantes del pop.

Por ejemplo, hoy hemos conocido ‘I Believe’, la aportación de Demi Lovato a este soundtrack. Se trata de un tema conjunto con DJ Khaled, que produce el tema –como bien se encarga de anunciar al inicio del mismo, en su línea habitual–. Tras un teaser emitido en televisión en la mañana de ayer, por la noche ha sido estrenado el clip oficial de la canción, que muestra a Lovato inmersa en esa especie de dimensión paralela a la que viaja la protagonista infantil de novela y película.

Demi Lovato está inmersa en una gira mundial de presentación de ‘Tell Me You Love Me’, su buen último disco, que llegará a España el próximo mes de junio: el día 21 estará en Sant Jordi Club de Barcelona, y el 22 en el Palacio Vistalegre de Madrid. para presentar su último disco, ‘Tell Me You Love Me‘, quizás el mejor de su carrera. Las entradas están disponibles en Ticketmaster. Ayer publicábamos un especial destacando 5 (en realidad, 6) buenas canciones de su repertorio.

Nuevos Hobbies / Palmeras

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Dos nuevoshobbies, Raúl Bernarte y Álex Lacalle, contribuyeron a que las geniales letras de Gonzalo Marcos de El Palacio de Linares tuvieran un acompañamiento musical a la altura en su hasta ahora último disco, ‘Ataque de amor’. Por ese regalo, lo mínimo que podría hacerse es atender a las canciones que ahora Nuevos Hobbies han publicado en su segundo disco, a finales de 2017. Pero es que ‘Palmeras’ no necesita ningún tipo de excusa para que escuchemos a los pamploneses, porque sus canciones son igualmente estupendas.

Transitando con gusto y gracia por los márgenes del jangle pop, el indie británico de los 80, Los Brincos e incluso cierta querencia country, temas tan exquisitos –arreglados por Yon Vidaur– como ‘Borraría todo lo tuyo’, ‘Palmeras’, ‘Dime que no se acaba’, ‘Todo puede aún empeorar’, ‘Háblame, mírame’ o ‘Noche en tu habitación’ sobresalen de un conjunto que tiende a lo uniforme y confirman a Bernarte –compositor de todo el disco salvo ‘Aterrizaje’, co-escrito con Lacalle– como uno de los escritores más interesantes del nuevo indie español (el que se aleja todo lo que puede del indiemainstream, quiero decir).

Porque, como si la pluma afilada de Gonzalo hubiera contagiado a Raúl, estas letras comparten ese punto entre lo mezquino y lo enternecedor, lo filosófico y lo vulgar, de El Palacio de Linares, alejando el rollo naif, más previsible, de EPs como ‘Gripe’. “Hoy cuando te vi ya no estabas tan fea (…) con un chico nuevo, que de verdad no te pega”; “Hoy me he levantado y estoy fatal, todo lo que anoche hice está en “wassap”, y tú ya te has ido y no quieres hablar. Todo puede aún empeorar”; “Llegando a hoy acabo de entender que la vida se me escapa. Y ahora que por fin algo ya iba bien, ves que no quedará nada”; “En la hora wifi sé que tú estarás en algún lugar, esperándome encontrar. Y no tengo más que hacer que desconectar, pero la hora wifi no se va a acabar”; “Que contigo he pasado una enfermedad y ya no te quiero ver más. Si fuera por mí (…), borraría todo lo tuyo que hay en mí”… Son algunos ejemplos de esa lírica entre lo cándido y lo perverso que, en realidad, conforman la condición humana y que con tan buen tino plasman Nuevos Hobbies. Como en sus canciones, de lo triste a lo encantador, de lo odioso a lo adorable apenas hay un giro de voz, un cambio de acorde, una palabra…

Nuevos Hobbies presentan ‘Palmeras’ este sábado, 10 de marzo, en Madrid. Será en el bar Fotomatón, abriendo –muy apropiadamente– para Puzzles y Dragones. En verano, estarán en Contempopránea 2018.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Borraría todo lo tuyo’, ‘Palmeras’, ‘Dime que esto no se acaba’, ‘Aterrizaje’
Te gustará si te gustan: El Palacio de Linares, Puzzles y Dragones, Neleonard.
Escúchalo: Spotify, Bandcamp.

8 de Marzo: Sobran razones

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Este 8 de marzo, día de la mujer trabajadora, hay convocada una huelga de alcance mundial. En España reina cierta confusión. Por un lado, hay una huelga de 24 horas convocada por los sindicatos minoritarios, CNT, CGT y Confederación Intersindical. Sin embargo, los sindicatos mayoritarios (CCOO y UGT) sólo convocan a paros de dos horas. También hay huelga de estudiantes, de cuidados y consumo. La de cuidados es para visibilizar hasta qué punto el cuidado de las personas es una tarea abrumadoramente femenina. La segunda, para denunciar el sesgo machista del capitalismo. Pero en la huelga general, ¿hemos de parar solo las mujeres para resaltar hasta qué punto afectaría a la economía nuestra ausencia? ¿O es una huelga que puede realizar todo el mundo?

El panorama es algo ambiguo para las trabajadoras de todas las áreas. No menos puede resultar en el mundo de la música. Desde JENESAISPOP hemos querido realizar una pequeña consulta a una representación de artistas y trabajadoras de la industria musical sobre los motivos por los que van a secundar o no la huelga. No están todas, ya que por motivos de agenda o falta de tiempo no todas las contactadas han podido respondernos, pero las que sí nos han dado unas respuestas muy interesantes.

«Creo que va a ser muy emocionante ir a la marcha y nos va a dar muchas fuerzas y esperanza ver a tanta gente movilizada por la lucha por la igualdad. Women rights are human rights!». Ana Perrote, Hinds.

A la pregunta sobre si van a realizar la huelga, la respuesta es abrumadoramente positiva. De hecho, Maria Arnal incluso ha pospuesto su concierto con Marcel Bagés en el Café del Teatre (Lleida) para el 5 de abril, con motivo de la huelga. Hinds están entusiasmadas ante la convocatoria. Amber Grimbergen declara: “queremos un cambio real en la sociedad,  somos nosotras (TODAS nosotras) las que debemos construir este camino”. Ana Perrote añade: “creo que va a ser muy emocionante ir a la marcha y nos va a dar muchas fuerzas y esperanza ver a tanta gente movilizada por la lucha por la igualdad. Women rights are human rights!”. Para rematar, Ade Martín nos dice: “Sí hay que aprovechar que por fin hemos conseguido tener la atención en nosotras y utilizarla bien. El jueves es una oportunidad perfecta para reivindicar nuestros derechos”. Louise J. Sansom, de Anímic y Hidden Tracks responde: “Hace unos años no me daba cuenta de cómo el machismo afectaba el presente y el futuro de las mujeres, no pensaba en el feminismo, no era «consciente» de la necesidad de ser feminista, pero gracias a mujeres que luchan cada día por nosotras he podido ir viendo y aprendiendo a abrir los ojos y ver cómo tanto las cosas pequeñas como las grandes nos hacen quienes somos. Yo haré huelga en honor a las que lucharon por nosotras, por las que luchan hoy y por las que lucharán mañana, lo hago por mi hijo y lo hago sobre todo por mí”.

«Todas las desgracias acontecidas durante el año te dan fuerzas para participar en este tipo de actos, como las últimas desafortunadas declaraciones del señor Munilla, obispo de Donosti». Julia de Urreaga, Rural Zombies.

Julia de Urreaga de Rural Zombies es más explícita en sus ataques y las razones que le llevan a secundar la huelga: “Sí, el 8 de marzo secundaré la huelga feminista. Considero que es una lucha que hay que librar día a día, pero tener un día internacionalmente reconocido como este creo que puede ser muy impactante y positivo para las mujeres y todas las personas en general que apoyen la igualdad de una manera pacífica. Además, todas las desgracias acontecidas durante el año te dan fuerzas para participar en este tipo de actos, como las últimas desafortunadas declaraciones del señor Munilla, obispo de Donosti, en las que considera que «el feminismo de género es el suicidio de la propia dignidad femenina». Yo no soy religiosa, pero la gente que lo sea espero que sepa diferenciar la fe de la doctrina patriarcal impartida por una institución tan poderosa como la Iglesia, en la que casi todos los altos cargos, qué casualidad, son hombres. Creo que el que no admite que existe una brecha salarial entre hombres y mujeres está cegado por los valores machistas que nos han sido inculcados desde pequeños, los que hacen que aún a día de hoy algunos crean que las mujeres merecemos menos. Personalmente, me parecen razones suficientes para salir a la calle”.

«Conforme vas creciendo te das cuentas de que por haber nacido mujer te toca menos de todo, y eso no hay Dios que lo trague». Isa Cea, Triángulo.

Isa Cea de Triángulo de Amor Bizarro no se queda atrás: “Sí, haré la huelga, esta vez es una cuestión de respeto propio. Conforme vas creciendo te das cuentas de que por haber nacido mujer te toca menos de todo, y eso no hay Dios que lo trague. Nos toca aguantar injusticias sociales, legales y sobre todo morales por no ser hombres, así de claro. Las mujeres somos las personas que más tiempo llevamos oprimidas sobre el planeta. Es insostenible y vergonzoso que esto siga pasando en cualquier país del mundo”. Las Odio hacen especial hincapié en la huelga de consumo: “Opinamos que se trata de una huelga con varios aspectos muy interesantes, cuya finalidad es mostrar el hueco que deja la mujer si decide parar, tanto en el terreno laboral como en el de los cuidados. Además está la otra parte de la huelga de consumo, que también es muy simbólica. En un momento en el que el feminismo ha logrado llegar a los grandes medios, pensamos, para quedarse, se está produciendo, en algunos ámbitos, una capitalización del discurso. Pero como movimiento de izquierdas que es, el feminismo siempre ha estado en contra del capitalismo, por lo que es muy significativa la parte de huelga de consumo».

«Me apetecía mucho poner lo de “cancelado por huelga feminista», pero al final hemos llegado a la conclusión de que un concierto es algo que pasa un día y si no, no pasa. No es como una obra de teatro. Hemos decidido que, para hacer huelga de consumo, no venderemos tickets a partir de las doce de la noche». Christina Rosenvinge.

Hay excepciones por eso dentro de este panorama a favor del paro el 8 de marzo. Lore de Belako se lamenta: “Al ser autónoma no tengo esa opción, pero sí que puedo unirme a las reivindicaciones acudiendo a las manifestaciones convocadas el 8 de marzo. Daremos un concierto en Murcia, así que nos sumaremos a la manifestación de las 20:00 en la ciudad». Ariadna Paniagua de Punsetes declara: “No voy a hacer huelga, pero respeto a quien quiera hacerla”. Christina Rosenvinge tampoco hará huelga… estrictamente. Ha decidido no cancelar el bolo que tiene programado para el 8 de marzo en la sala Apolo y convertirlo en un acto reivindicativo: «Está resultando de lo más emocionante. Estoy como si tuviera quince años. Ha provocado una ola de sororidad inédita hasta ahora (…) Me apetecía mucho poner lo de «cancelado por huelga feminista», pero al final hemos llegado a la conclusión de que un concierto es algo que pasa un día y si no, no pasa. No es como una obra de teatro. Hemos decidido que, para hacer huelga de consumo, no venderemos tickets a partir de las doce de la noche. Y cederé el escenario a las mujeres de la música, a la plataforma MYM (Mujeres y Música), leeremos un manifiesto del 8M que es común y elaboraremos uno específico”.

Pero no sólo la incidencia se va a notar sobre los escenarios, sino también detrás. Clara Pérez, una de las responsables de comunicación de Sony, confirma que secundará la huelga: “Me parece un acto necesario a la hora de ejercer mis derechos y causar un impacto tanto en el entorno donde me relaciono como en la empresa donde trabajo, más si tenemos en cuenta que en mi departamento somos casi todas mujeres”.

¿Hay más precariedad entre las artistas femeninas?

«Máximo respeto a todas, pero si una mujer no puede levantarse ante un programador y decirle: «cambiamos la fecha o no hago este bolo» vamos muy mal, a mí me pesan más mis valores que ganar un bolo más»». Louise Sansom, Anímic.

Hay otra cuestión que aflora al respecto de la huelga. En el artículo que publicaba Mondo Sonoro sobre el 8 de marzo, destaca una escueta pero contundente declaración de La China Patino de Cycle en que afirma que, si tuviera bolo el 8 de marzo: “no podría hacerla [la huelga], ya que me quedaría sin comer”. En un mundillo en que los grandes nombres que atiborran salas y encabezan festivales son eminentemente masculinos, ¿qué opinan las entrevistadas del punto de vista de Patino? ¿Es la precariedad en la industria de la música eminentemente femenina? Louise reflexiona: “No creo que sea algo femenino en este caso, no, eso es algo personal y sin género. Tú eres la que decide el valor de un movimiento. Yo no estoy de acuerdo con La China Patino, justamente es en estas cosas en las que hemos de esforzarnos para que haya cambios, y además, cuando eres músico, la precariedad es tan evidente que sinceramente, no te va a venir de un bolo. Esto además (para mí) muestra el problema más grande de todos, el de entrar en esa rueda viciosa del sistema, si dices que sí en un día tan importante, solo por lo económico, estás dejando de lado al resto de personas por tus propios intereses, ni más ni menos, pero es que además abres puertas a que esa ‘precariedad’ sea aceptada, que se pueda usar porque hay personas que dicen «vale, yo lo haré». No podemos avanzar si no estamos unidas. Otra cosa es que quieras utilizar ese concierto como acto reivindicativo. Mira, yo soy la primera que nunca tengo ni un duro, toco menos de lo que me gustaría y con cachés que la mayoría de las veces son de vergüenza, pero a veces hay que comer un poco menos y luchar un poco más (…). Está claro que la precariedad afecta, y consigue que muchos no hagan huelga, pero eso no significa que no tengan el derecho legal de hacerlo, ni quita el hecho de que hacerlo o no hacerlo sea una decisión personal. Yo no me meteré en los porqués de los demás, máximo respeto a todas, pero si una mujer no puede levantarse ante un programador y decirle: «cambiamos la fecha o no hago este bolo» vamos muy mal, a mí me pesan más mis valores que ganar un bolo más”.

«Pienso que, ya que hacer huelga es un derecho y no una obligación, cada cual debe valorar su situación personal y tomar una decisión al respecto sin ser juzgado». Ariadna Paniagua, Punsetes.

Julia de Rural Zombies confiesa: “yo estoy estudiando, así que no puedo hablar por los que trabajan, pero puedo entender que haya gente que perder un día de trabajo le suponga un problema o no se lo pueda permitir. Siempre y cuando en el día a día se luche por nuestros derechos puedo apoyar esta decisión. Pero también creo que a veces hay que hacer un esfuerzo, porque no todos los días nos juntaremos tantas mujeres para alzar la voz. En general, todo el país está viviendo una situación de precariedad laboral, pero es cierto que se acentúa en el ámbito cultural, y aún más en el sector femenino.”. Isa de TAB defiende la postura de La China: “Comprendo perfectamente a la China Patino y también a todas las mujeres que por diferentes circunstancias ese día no puedan dejar su lugar de trabajo o abandonar a las personas que tengan a su cuidado. Son esas cargas y esa precariedad laboral las que nos dejan tantas veces sin opciones. Las que sí podamos ir gritaremos más para que no se note su ausencia”. Sobre si la precariedad es eminentemente femenina, añade: “Siempre he pensado que la industria es realmente quien gobierna y quien marca las pautas sociales que más le pueden beneficiar. Siempre con una mentalidad ultra conservadora y anteponiendo el capitalismo al ser humano, y así nos va. Son esas las primeras puertas que hay que tirar abajo, porque si solo hay hombres en lugares tan decisivos seguiremos como hasta ahora”.

«Sinceramente, no le veo el sentido a cancelar un concierto y llamarlo huelga, ya que es una fiesta a la que la gente se une para escuchar». Cris de Belako.

Ariadna de Punsetes se muestra comedida: “Pienso que, ya que hacer huelga es un derecho y no una obligación, cada cual debe valorar su situación personal y tomar una decisión al respecto sin ser juzgado. Si por motivos económicos no te puedes permitir cancelar un bolo, lo respeto igual que si decides hacer huelga. Creo que la situación de dificultad económica es generalizada, y afecta a muchos grupos, estén formados por hombres o por mujeres”. Cris de Belako se sincera: ”La verdad, nunca he visto Belako como un trabajo real, primero porque la música siempre ha sido nuestro hobbie y segundo porque de momento no nos da de comer. Pero, sinceramente, no le veo el sentido a cancelar un concierto y llamarlo huelga, ya que es una fiesta a la que la gente se une para escuchar. Y en este caso, día 8 de marzo, aprovecharemos ese momento en el que la gente nos escucha para transmitir nuestro deseo de vivir en un mundo de igualdad”.

«Me gustaría que saliera un estudio serio comparando el caché que cobramos las mujeres comparado con el de los hombres. Te dicen que es porque los hombres venden más tickets. Pero es que los hombres tienen más prestigio artístico porque salen en las portadas de las revistas, porque su talento se da por hecho». Christina Rosenvinge.

Pero la que reflexiona más en profundidad es Christina Rosenvinge, llegando a la raíz del problema: “No es fácil de entender a simple vista. Por eso muchos hombres piensan que, si las mujeres no estamos ahí, es porque no queremos. Y no entienden que es porque no podemos. Tiene muchos factores. Hay un factor educacional, primero, porque las mujeres no suelen tener el papel de protagonista. Y, si lo tienen, es porque usa el caballo de Troya de sexualizarse «ahora que todo el mundo me mira, voy a hacer lo que me da la gana». Que a mí me parece totalmente legítima. Pero es que tienes luego un millón de hombres que usan otro millón de técnicas. Las niñas que quieren tocar instrumentos tienen pocos ejemplos delante. O tienen chicas con vozarrón cantando o chicas bailando. Pero pocas veces tienen chicas tocando un instrumento. En la adolescencia, los chicos tienen más libertad y pueden pillar la furgoneta para ir a tocar a un club de mala muerte de Toledo. Las mujeres suelen tener la libertad más restringida por una razón de miedo (…) Pocas veces las mujeres han entrado en proyectos de otros. Y las que hemos logrado desarrollarlos, lo hemos hecho solas. Mujeres aisladas, normalmente con una guitarra acústica. ¿Por qué? La querencia de las mujeres por el folk no es una cuestión de preferencia, sino de supervivencia. Es lo más barato y sencillo si quieres hacer música. Lo que usamos es nuestro capital creativo. Pero implicar a una banda, a un sello que ponga dinero, que inviertan en ti, es mucho más difícil en una mujer que en un hombre. Ese es el principio de la precariedad». Y pone el dardo al añadir: “me gustaría que saliera un estudio serio comparando el caché que cobramos las mujeres comparado con el de los hombres. Te dicen que es porque los hombres venden más tickets. Pero es que los hombres tienen más prestigio artístico porque salen en las portadas de las revistas, porque su talento se da por hecho (…) Como las mujeres no tenemos tanta exposición, ni la misma valoración, al empezar no tenemos a tanto público que nos siga y no vendemos tantos tickets. Es la pescadilla que se muerde la cola. Sólo se puede romper desde la conciencia”.

¿Es el mundo de la música menos machista que el resto?

«Parece que hay una tendencia a pensar que en los sectores artísticos hay menos machismo que en otros. Sin embargo, se trata de un problema estructural, no concreto de una u otra industria o sector». Las Odio.

Otra de las preguntas que planteábamos era si consideraban que el mundo de la música era más, menos o igual de machista que otras áreas. Louise se sincera: “siempre me he dedicado a la industria musical, así que no sabría opinar sobre otros áreas, estoy casi segura de que hay machismo en todas partes, desgraciadamente muchos hombres y mujeres no se dan cuenta de que lo están practicando, con sus comentarios, miradas o gestos. Qué mujer no explica la típica historia de que le da una idea a su jefe (normalmente mayor de 50, blanco y heterosexual), la rechaza sin más, y pasados seis meses la propone como suya, y nosotras lo aceptamos por el bien global de un proyecto. TODAS vamos. (…) Su superioridad es casi inconsciente (y tú encima eres la loca que grita «esa idea era mía»). Lo que queda es denunciarlo, hacer algo al respecto. Yo soy más de hechos que de palabras, así que no comparto muchas cosas en redes ni nada así, pero si actúo en mi día a día, digo lo que pienso sin miedo y si algo no me gusta no huyo en busca de otra cosa, intento cambiarlo, ya sea en una oficina o en una prueba de sonido con el típico técnico machista (que perdonadme pero hay muchos, yo menos mal que tengo a los míos que son unos ángeles, hombres y feministas)”.

Las Odio añaden: “Parece que hay una tendencia a pensar que en los sectores artísticos hay menos machismo que en otros. Sin embargo, se trata de un problema estructural, no concreto de una u otra industria o sector. Se trata de un sistema que permite que las mujeres cobren menos, no sólo porque pueda ocurrir que se les ofrezca menos sueldo de inicio para el mismo puesto que a un hombre, sino porque, además, a lo largo de su carrera, seguramente encontrará más dificultades para ascender o decidirá reducir su jornada para hacerse cargo del cuidado de los hijos. Es un sistema que permite que, en un ambiente laboral, se produzcan casos de acoso sexual más o menos grave, o más o menos aceptado socialmente como piropo o, incluso, elogio, y que fundamentalmente se produce contra las mujeres”. 

«En otros puestos especializados de producción, técnico de sonido, stage manager, tour manager, etc, encontrarte a una compañera es casi tan difícil como que te toque la lotería». Clara Pérez, Sony.

Clara de Sony explica: “No sabría decir con exactitud si es más o menos que en otras industrias, pero sí decir que el machismo está ahí y en muchos casos es demasiado evidente. Como en muchos otros sectores te encuentras con que la gran mayoría de puestos directivos o de mayor responsabilidad están copados por hombres y el número de mujeres es ridículamente inferior, al igual que en otros puestos especializados de producción, técnico de sonido, stage manager, tour manager, etc, donde encontrarte a una compañera es casi tan difícil como que te toque la lotería. Ya ni hablemos de artistas o grupos femeninos. El 2017 se cerró con unos porcentajes de participación de mujeres en los escenarios de salas y festivales nacionales que dejaba bastante que desear”. Cris de Belako piensa que “el machismo es una lacra que existe en todos los ámbitos laboral, social, educativo, domestico, cultural… No importa si es más, igual o menos machista, el caso es que es machista. Está claro que todavía hay mucho por hacer, muchas cosas por cambiar y quiero destacar que es responsabilidad de tod@s”.

Christina Rosenvinge explica su historia. “Se ha crecido poco. En el año 92, yo era la única chica que componía música. A mí me llamaron de la SGAE porque había batido los récords de recaudación femenina. ¡Lo cual solo habla de la escasez de mujeres que había! Hemos estado muchos años pensando que esta dinámica era imposible de romper, sin analizarla ni entenderla. En este momento lo tenemos todo a favor. Las mujeres queremos estar y los hombres quieren también ayudar a hacer algo. Las mujeres tenemos que dar un paso al frente. Debe haber mujeres programando, porque los hombres se identifican más con el discurso masculino y aprecian menos la voz femenina (…). Hay un lastre educacional muy difícil de romper, solo desde la conciencia absoluta. Las mujeres ya la hemos desarrollado conciencia feminista. Es el momento en que también la desarrollen los hombres, porque es positivo para todos”.

La Canción del Día: 4 momentazos de ‘Cayetano’, la parodia de Taburete y Ciudadanos hecha por Carolina Durante

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Carolina Durante, fichados por Sonido Muchacho, hogar de Juventud Juché y La Plata, entre otros, han llamado la atención últimamente por canciones como ‘En verano’, ‘La noche de los muertos vivientes‘ y ‘Necromántico‘. Pero lo que han editado hoy puede ser su «breakthrough» definitivo. Se llama ‘Cayetano’ y sí, es una parodia. Estos son 4 de los momentazos que nos ha dejado en apenas 2 minutos y medio. El vídeo ha sido dirigido por Pablo Vallhonrat.

El autógrafo de Inés Arrimadas

“Todos mis amigos se llaman Cayetano / no votan al PP, votan a Ciudadanos” es una de las frases más sonoras de la nueva canción de Carolina Durante. Las imágenes del vídeo acompañan pero van más allá, pues el autógrafo de Inés Arrimadas (“un beso enorme para mis amigos de Carolina Durante”) aparece al lado de un must de la historia del pop (¿o del postureo?), ‘Psycho Candy’, de The Jesus and Mary Chain, últimamente tan cuestionados por Edi Clavo de Gabinete Caligari.

La parodia de Taburete y Morat

En cuanto te das cuenta de lo que va el vídeo, la pregunta se hace inevitable: ¿saldrán Taburete, el exitoso grupo del hijo de Bárcenas que se ha convertido en un referente del orgullo pijo? Pues por supuesto, hay 2 referencias, una en la letra y otra en el vídeo. La letra incluye además a Morat: «Morat, Taburete / qué grupazos / en sus conciertos, cómo lo pasamos». Por su parte el vídeo, subtitulado, incluye en un momento la frase: «Toca la de ‘Sirenas'». En la redundancia, quizá sí que se han pasado de frenada… aunque ni look ni ukelele parecen algo casual.

¿El nuevo Imperio contraataca?

Lo dijimos hace tiempo y lo confirma un comentario de Youtube: «sois los nuevos Nikis». La relación con ‘El imperio contraataca’, su gran himno, es incuestionable. Esta canción en los 80 coló para alguien en algún momento como un ensalzamiento de lo español, pese a su poso irónico, y probablemente Carolina Durante esperan que, de alguna manera, alguien se tome ‘Cayetano’ en serio. Parece poco probable, pero por si acaso, un disco de Los Nikis aparece en plano. En concreto, ‘Marines a pleno sol’. Sí, el que se abría con ‘El imperio contraataca’. Después también vemos el recopilatorio ‘Mi chica se ha ido a Benidorm’.

El final en el balcón

Sin ánimo de hacer «spoiler», no podemos dejar de destacar el retrato último escogido por una banda madrileña, en este momento histórico, para retratar a Cayetanos y Cayetanas. El plano final no tiene ningún tipo de desperdicio.

Years & Years estrenan sonido con su nuevo sencillo, ‘Sanctify’

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Years & Years habían anunciado que este miércoles estrenarían nuevo single y aquí está. Tras su estreno en BBC ya podemos encontrar en las plataformas de streaming esa nueva canción llamada ‘Sanctify’. No se trata en este caso de un himno electropop como lo fueron algunos de los mayores éxitos de su debut, ‘Desire’ o ‘King’.

Ahora han decidido exprimir una influencia tribal que estaba en algún lugar de aquel ‘Communion‘ y que podría acercarlos tímidamente a Kate Bush, Peter Gabriel, The Knife, Woodkid o la primera Lorde. El tema ha sido escrito por los miembros de Years & Years Olly Alexander y Tom Hull, y ha sido producido por Kid Harpoon, quien ha trabajado con Florence + The Machine en la mismísima ‘Shake It Out’, o con Jessie Ware en ‘Wildest Moments’. El vídeo de la canción se ha estrenado de manera simultánea.

El videoclip es una superproducción, aparente primera parte de una historia por desarrollar, y se sitúa en un Palo Santo en el que los humanos se han convertido en una rareza. Entre guiños a ‘Blade Runner’, el argumento juega con conceptos como la libertad y la expresividad corporal, exaltando a todas luces a Olly como frontman. ¿Y no hay un algo que recuerda a la deriva hacia la oscuridad de Hurts?

Barcelona se rinde a unos Slowdive inmensos y atemporales

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Justo una semana antes de que Slowdive actuaran en la sala Apolo, nevó en Barcelona. No cuajó, pero muchos salimos a la calle para empaparnos de esa sensación mágica de anormalidad que parece ralentizar el paso del tiempo. Yo lo hice con Slowdive sonando en mis auriculares, sabiendo que siete días más tarde volverían a recorrerme los mismos escalofríos de placer y excepcionalidad. Y así fue. Porque, pese al calor sofocante y creciente debido al lleno que registró una sala que ha ganado algo de espacio con las últimas reformas, presenciar la actuación de los británicos fue como estar en el ojo de una gélida tormenta emocional vivida a cámara lenta, con violentas ráfagas de guitarra acariciándonos, cascadas de finas melodías y una intensidad atmosférica a baja presión.

La condición de banda de culto de Slowdive se fue gestando durante los casi de 20 años que pasaron separados, pero se ha certificado definitivamente a la luz de su regreso discográfico homónimo, publicado en mayo del año pasado ante la admiración unánime de crítica y público, tanto del viejo como del nuevo. Un álbum con el que se ha descongelado un género que, hoy por hoy, no cuenta con demasiados grupos de nuevo cuño en el mainstream. Ya habían actuado en 2014 en el Primavera Sound, en aquella gira de reunión, pero el carisma, el sonido y la cercanía que propicia una sala como Apolo otorgaba a esta cita un carácter muy especial. Con razón el sold out, también registrado en el concierto de esta noche en Madrid.
Y así, del mismo modo que ‘Slowdive’ ha pulverizado nada menos que 20 años de espera, sus canciones se integraron a la perfección con las antiguas en un setlist que podría constituirse como mito: una hora y media larga y atemporal del shoegaze y dream pop más canónicos. Saltando de la solemnidad de ‘Slomo’ a la solidez de ‘Slowdive’, y de ésta a la bruma onírica de ‘Crazy for You’. Rejuveneciendo con el ritmo enriquecido y valiente de ‘Star Roving’, con un Neil Halstead siempre evadido hacia sus amplis; y, acto seguido, rescatando de la nostalgia una ‘Avalyn’ viciada y fúnebre cuyo final nos dejó sin aliento. Pero no era más que el calentamiento.

Entonces, coincidiendo con un tramo en el que Rachel Goswell agarró la guitarra, llegó la hora de los grandes himnos. Anti-himnos, mejor dicho: esas piezas abismales que a la vez arañan el firmamento y se hunden en lo más profundo de nuestra psique. Canciones enormes como ‘Catch the Breeze’, gélida y ardiente al mismo tiempo, capaz que anudarnos la garganta hasta hacernos llorar; como ‘No Longer Making Time’, un escalofriante salto de fe al vacío; como ‘Souvlaki Space Station’, envuelta en ondas gravitacionales (que circundaron a la propia Goswell en su baile); como ‘When the Sun Hits’, cenital por excelencia y con esa épica para antihéroes; y como ‘Alison’, que fue como tocar el cielo. Canciones que podrían separar las aguas, que juegan con las fuerzas naturales como Poseidón sin su vengativo carácter.

Es más, podría decirse que lo nuevo de Slowdive rebosa aún más emoción, dulzura y bondad que su antiguo trabajo, y que la interpretación en directo de aquél se ha visto influenciada por ello. Con el público ya totalmente entregado, temas recientes como ‘Sugar for the Pill’ y ‘Don’t Know Why’ terminaron de ablandarnos el corazón, completando el repertorio, eso sí, con una semi-acústica ‘Dagger’ y con ‘40 Days’, piezas extraídas de ‘Souvlaki’, su segundo álbum.

Luego, detrás de toda su música, están ellos. Rachel y Neil. La mirada feliz y sonriente de ella, buscándonos uno a uno; el alma de grunge en paz de él, siempre flotando y como disperso en sus punteos y distorsiones. Cantando a dúo, volando en tonos distintos pero juntos, tocándose sin estar siquiera cerca. En muchas ocasiones Rachel mira a Neil con ternura y admiración, y aunque éste levite en su propio mundo, dibujando con los dedos aristas imposibles, milagrosas, la conexión se produce, estalla la chispa y los sentimientos se convierten en magia y en música. Entonces es cuando el tiempo deja de transcurrir con normalidad y pierde sentido. No solo por habernos regalado el mejor antídoto contra la nostalgia, que obviamente es el hecho mismo de que hayan regresado al redil de nuestro regazo; sino porque, al igual que pasa cuando nos quedamos absortos bajo una inesperada y atípica nevada, mientras gotean sus guitarras, como pétalos de flor de loto cayendo, y mientras la distorsión bate sus alas de colibrí, nuestra existencia misma transcurre más despacio, adhiriéndose a ella la emoción de las vivencias con mucha más intensidad y perdurabilidad. ¿Quién podrá olvidar el concierto de Slowdive en la sala Apolo? Nadie. 10. Fotos: Pablo Luna Chao.

Susanne Sundfør, una voz prodigiosa para un repertorio sin «hits»

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La noruega Susanne Sundfør, reciente ganadora del Nordic Music Prize 2018 por el excelente ‘Music For People In Trouble’ por delante de las últimas obras de Björk o Fever Ray, ofreció anoche –en el marco del certamen Guitar BCN 2018– su primer concierto en Barcelona, y también en el país. Sin embargo, debió sentirse como en casa. Más que nada, por un público nórdico que igualaba o casi superaba al local en una llena sala Luz de Gas. Ellos fueron los únicos que le lanzaron arengas, más calientes que el respetable mediterráneo, lo que son las cosas. Imaginamos que esta noche en el Teatro Lara de Madrid será diferente, porque a estas alturas del año no hay allí tanto turismo del norte de Europa… ¿o sí?

Aún así, ella se esforzó en dar las gracias en castellano/catalán e incluso pareció percibir como apropiado recuperar ‘Can You Feel The Thunder’ de su disco ‘The Silicone Veil’, canción que habla de un matador en Pamplona –la sombra de Hemingway es alargada– y contiene alguna frase en nuestra lengua. “¿Qué tal es mi español?”, preguntó, como si hubiera manera de reparar en su dicción ante su abrumador chorro vocal, un timbre que es un verdadero prodigio en registros, potencia y matices, con similitudes con Carole King y Joanna Newsom, pero perfectamente identificable a estas alturas. Tan descomunal que en numerosas ocasiones acallaba el sonido de los instrumentos que la acompañaban. Casi de otro mundo, ya vale la pena pagar la entrada para sentirla.

Otra cosa es el repertorio que, con el acompañamiento de otros dos multiinstrumentistas –una mujer que tocaba teclados, el arpa y hacía coros pero no retuve su nombre, y Jesse Chandler, de Midlake y BNQT, que se empleó en teclados e instrumentos de viento–, racaneó inexplicablemente con sus canciones más conocidas: sonó casi íntegro su último disco, del que apenas dejó fuera sus singles, ‘Mountaineers’ y ‘Undercover’ (la viene tocando habitualmente, pero aquí decidió sustituirla por una estupenda versión de ‘Home Again’ de Carole King); de manera similar, apenas sonó un tema de ‘Ten Love Songs’ y fue ‘Trust Me’, no precisamente de las más célebres de ese álbum (aunque solo por su primera línea –“Nothing’s ever easy when you take ecstasy”– ya valía la pena). Sólo concedió el “hit” de ‘The Silicone Veil’, ‘White Foxes’, pero tampoco hablamos de su disco más popular.

El setlist parecía reo del formato de esta rama de la gira, más proclive a desarrollos ambientales –en una ocasión, resultó hasta confuso que el trío saliera a tocar un instrumental para volver a marcharse–, intros y outros, solos de piano entre clásicos y jazzies. De hecho, hubiera tenido incluso más interés escuchar adaptaciones a este estilo de canciones bailables como ‘Delirious’ o ‘Kamikaze’.

Pero en todo caso fue un concierto exquisito, porque ‘Music For People In Trouble’ está sobrado de momentos sublimes, tan escalofriantes como ‘Bedtime Story’ o ‘Reincarnation’ (rematada con una outro que, a falta de slide guitar, tiró por el jazz, un poco a lo Tim Hardin), que arrancaron las mayores ovaciones de la velada, junto con ‘Good Luck Bad Luck’, ‘Mantra’, ‘The Sound of War’ o ‘No One Believes In Love Anymore’. El mimo, calidad y calidez de los arreglos de piano, saxo, clarinete o arpa y, sobre todo, la voz superdotada de Sundfør –que, en cambio, se mostró más tímida de lo que imaginábamos– fueron una auténtica joya cuyo mayor problema es que, con semejante repertorio, apenas sonaran 12 canciones, en una hora escasa de concierto. 7,9.

Foto de cabecera: Desi Estévez, cedida por Houston Party.