Pese a que se le enmarque, por razones evidentes, en el auge del trap español alumbrado en Youtube, Dellafuente no se conforma con esa etiqueta ni se rige por los códigos habituales del rap. El Chino, un chico granadino de un barrio humilde pero con un personal flow, ya ha demostrado en sus primeros mixtapes y en su debut oficial ‘Azulejos de corales’ que sus miras son mucho más amplias y que él prefiere denominar su propuesta como música urbana. Música de y para la calle. El magnetismo de sus canciones es enorme para un amplio espectro de la juventud de nuestro país, como demostró la gira ‘Quejíos y Autotune’, con continuos sold-outs en toda la península desde la autogestión. Y no lo ha logrado por la simple imitación de géneros importados de los suburbios de EEUU, sino que en su idea del pop incluye también distintos palos del flamenco y ritmos latinos de una manera absolutamente natural.
En ‘Ansia viva’ encontramos al Dellafuente que contaba las visitas a sus vídeos por cientos de miles, el de un ‘Dile’ que se ha convertido en un auténtico hit fuera de los canales oficiales, y que con cortes tan bárbaros y genuinos como ‘A lo mejor’, ‘Escarmiento’ o ‘Menos’, certifican el dominio de su propio estilo. Un estilo en el que también ha de considerarse lo lírico, un aspecto en el que El Chino también es rupturista. En contraste a muchos otros raperos de su generación, él renuncia a convertir el delito en una heroicidad, y encuentra que lo verdaderamente heroico está en el sufrimiento y el trabajo para mantenerse con vida ante una realidad social más que cruda. El otro gran acierto de sus letras es saber conectar con el público femenino al tratarlas con más respeto del habitual en el género y recurriendo, sin rubor, a lo romántico.
Pero El Chino, pese a su modestia, es ambicioso y ha querido transgredir sus propios límites. Así que, además de contar con insignes productores como Cookin Soul (estupendo como siempre en ‘Cookin macarrones’) o JAYEEM (‘Miénteme’), se ha lanzado a la aventura de incluir arreglos instrumentales reales e incluso, en el caso de ‘Dame luz’ y ‘El color del dolor’, a interpretar pop aflamencado, lo que se llama flamenquito, al frente de una banda completa encabezada por el tocaor Nano Cortés. Aunque tiene valor tal atrevimiento, es quizá la parte del álbum más cuestionable, no porque no sea honesta sino porque el resultado es bastante convencional.
Otra cosa es, en cambio, lo fantásticamente bien que funciona la bachata contemporánea ‘Te amo sin límites’, con los rasgos aflamencados que aporta Maka, su mentor y espejo en el que se mira, y El Chino rapeando y cantando en su mejor versión. Hay un sitio para esto en nuestro pop y Dellafuente ha sabido verlo y plasmarlo de maravilla. Un tantazo. Que se apunta, por otra parte, confirmando que se pueden emplear los compases flamencos con una producción más experimental, como muestra la rumbera ‘Jaquetona’. En la audacia, sin duda, es donde mejor funciona la propuesta de Dellafuente y este ‘Ansia viva’, pese a esos peros que evitan que despegue con mayor autoridad, va sobrado de ella.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘A lo mejor’, ‘Dile’, ‘Te amo sin límites’, ‘Menos’ Te gustará si te gusta: tanto C.Tangana como J. Balvin o El Pele. Escúchalo:Spotify Cómpralo: en su web.
El Primavera Club de Barcelona ya se ha consolidado como el «hermano pequeño» del Primavera Sound, construyendo su cartel con grupos que dan la talla y se ganan repetir en el gran evento de finales de mayo / primeros de junio. La última edición empezó con la gran noticia de que todo se concentraba en un mismo espacio, pues en anteriores ediciones tenías que recorrer un par de calles e ir a distintos lugares como, por ejemplo, el Teatre Principal de Barcelona. Lo que parecía en principio la gran ventaja a medida que avanzaba el fin de semana se convertía en el gran inconveniente, pues al haber tanta gente en la sala Apolo, cuando terminaba un concierto y querías ir a La 2, más pequeña, no podías ver el concierto a gusto con facilidad por la gran cantidad de personas que se amontonaban. Es importante matizar que existe el espacio Centro Cultural Albareda por las mañanas, pero sólo ha ofrecido cuatro conciertos del festival, por lo que el grueso del Primavera Club ha ocurrido en el Apolo.
El viernes comenzó con el directo de la catalana Museless, que fue la gran sorpresa del día. Laura Llopart, productora de electrónica minimal, tocó, en su mayoría, canciones nuevas y no del EP ‘Grey Boy’ porque como ella mismo explicó, era el primer concierto que tocaba en la sala principal y quería «probar canciones nuevas para ver cómo funcionaban». Lo mejor de este directo fueron sus visuales, que a veces eran psicodélicos, geométricos y, otras veces, parecían figuras extrañas extraídas de un videoclip de Chris Cunningham. Una vez abajo, en La 2, los newyorkers Public Access TV dieron justo lo que la gente quería: rock, actitud y baile. El público tenía muchas ganas de verles y de hecho, llegar a la primera fila resultaba bastante complicado. Sin visuales, con poca interacción con el público excepto un «nos encanta poder estar aquí y dar un concierto en Barcelona», tocaron temas de su primer disco ‘Never Enough‘, como el single ‘End of an Era’ o ‘Patti Peru’, y otros como ‘In Love and Alone’. A pesar de su poca espontaneidad o locura encima del escenario, fueron uno de los mejores directos de la noche.
Operators y Seth Bogart fueron los conciertos con más personalidad y divertidos del viernes. Los primeros porque ofrecieron, con Dan Boeckner a la cabeza, un show en el que transmitían fuerza, personalidad y energía, y un viernes por la noche eso es lo que el público quiere. Canciones como ‘Cold Light’ amenizaron un show en el que su carisma y su pop electrónico oscuro fueron más que suficiente para entretener al público. Seth Bogart, un Boy George del siglo XXI, se iba vistiendo y desvistiendo a medida que tocaba una canción u otra, por eso provocó comentarios y reacciones encontradas entre el público del tipo «no sé si es una broma o es muy guay» o «este tío nos está vacilando». Su electro-pop ochentero y sus performances, que nadaban entre la genialidad y el mamarrachismo, no dejaron indiferente a nadie, todo esto combinado con visuales que parecían cogidos de una sitcom de los años 80 convirtiendo el show de Seth en un gran WTF.
En lo nacional, Tversky, dúo formado por Xavi Paradis, mitad de Boreals, y Alan Himar, gustaron con su electro funk y encandilaron al público con frases como «el groove es nuestro estilo de vida». Más que lo peor, lo más flojo de la noche, fueron Lucy Dacus y Yumi Zouma. La primera, que tocaba un folk melancólico tras Museless, aunque sonaba bien y de una forma correcta, no consiguió animar a nadie. Y los australianos no dieron la talla porque, aunque había mucha expectación por verlos en directo, no tuvieron suerte con el sonido de las voces ni tampoco despuntaban por su actitud. Sonó mucho mejor pinchado su primer disco, ‘Yoncalla’.
El segundo día del festival empezó con el llenazo del australiano Alex Cameron en La 2. Además de sonar bien, sin ningún fallo técnico, se mostró bastante dicharachero. Cuando estaba a punto de terminar, ofreció elegir al público la canción que hubiese querido que él tocara, pero, tal como lo planteó y jugó, terminó llevándolo a su terreno y tocó ‘She’s Mine’.
A Maria Usbeck teníamos muchas ganas de verla, porque ‘Amparo‘ es un gran primer disco y una gran carta de presentación. La cantante explicó que estaba muy nerviosa porque había creado una banda sólo para este concierto dentro del festival y, de forma muy humilde, iba explicando canción a canción. Además, contó una anécdota muy curiosa, como que en Nueva York no puede hablar con casi nadie en español, por lo que se va a tiendas latinas para poder practicar y, así, mejorar. Hizo una versión de ‘Cállate, niña, no llores más’ de Jeanette y de ‘Amparo’ sonaron pistas como ‘Ciudad Desnuda’ y ‘Moai y Yo’. Se percibía su talento, pero al mismo tiempo, transmitía mucha fragilidad.
Lo que pudimos ver de la banda holandesa PAUW –me refiero no a la duración sino a la cantidad de gente que había, era imposible llegar más a allá de la décima fila- fue correcto. Si no conocías al grupo, lo más probable es que pasaras más tiempo intentando adivinar si el vocalista era un chico o una chica. Cuando, casi al final, habló, descubrimos que Brian Pots era un chico imitando demasiado el estilo de Kevin Parker. Looks excéntricos y chaquetas de lentejuelas para el vocalista y el batería que contrastaban con el resto de la banda vestida toda de negro, mientras tocaban sus singles más conocidos, como ‘High Tide’, ‘Visions’ o ‘Memories’.
El concierto más esperado del sábado era el de Minor Victories. El supergrupo inglés formado por miembros de Slowdive, Editors y Mogwai fue impecable tanto en la ejecución como en la intensidad –bueno, intensos quizá de más- pero falló la hora a la que estaba programado, las doce de la noche. Habrían pegado más hacia las nueve o las diez con la gente algo más despejada. Eso sí, el público parecía encantado y la sala Apolo estaba llena, tanto la primera planta como la segunda.
Ash Koosha, que cerró la segunda jornada, comenzó unos minutos tarde, creemos que por problemas técnicos, ya que se subieron varias personas al escenario a toquetear su portátil. Aunque la electrónica del productor israelí era experimental, avanzada y bastante refinada, tampoco pegaba mucho en su horario, la una y media de la mañana, ni en la sala principal con unos visuales que imitaban, no sabemos si de forma premeditada o no, a los de Jesse Kanda para el productor ARCA. Quizá pegaba más en un MIRA festival o en un Villamanuela.
El último día del festival daba la sensación de que mucha gente sólo iba a ir directamente a ver a los jóvenes Whitney. Así, el domingo empezó con la banda Yumi Yumi Hip Hop de Barcelona. Lore, Eli y Uri presentaron sus canciones en un miniconcierto de no más de veinte minutos. Alternaron canciones que no duraban más de quince segundos con otras como versiones de Antónia Font (‘Calgary 88’). Aunque breve, demostraron que tienen mucho talento y, si siguen así, un brillante futuro por delante.
Whitney, el grupo más esperado –eso decían los corrillos de la gente mientras subías y bajabas de un escenario a otro-, no defraudó. Este joven conjunto de Chicago es una de esas pocas bandas que hemos visto en directo con un batería que canta y que es el eje principal. Nos recordó a los británicos Slaves y su punk, no en cuanto a estilo sino en presencia y actitud. Aunque Whitney sea más psicodélico y pop, el vocalista Max Kakacek se mostraba muy cercano, explicando cada canción con una anécdota. «Esta va dedicada a todos nosotros los que estamos en esta sala porque vamos a morir». «Mi abuelo ha muerto, pero no estoy triste, porque mi abuela se va a casar de nuevo y esto está muy bien». A veces paraba y decía que el Apolo era el primer lugar donde había tocado sin aire acondicionado porque estaba sudando mucho, pero que le gustaba, porque le causaba «una reacción química interesante». Terminó con la canción ‘No Woman’ y explicó que estaba dedicada a esa «novia que tienes pero que no es tu novia», y que todos tenemos «una chica así en nuestra vida». Impactaron mucho a la mayoría del público, por lo que no dudamos que caigan en el Primavera Sound 2017.
Hoops, otra jovencísima banda, esta vez de Indiana, admiró con su pop –en el sentido más tradicional de la palabra- fresco, sencillo y directo. El mejor momento fue cuando bajó la banda Whitney al completo y empezaron a cantar, todos juntos, el single ‘All My Life’.
El festival terminó con la decepción de Porches en la sala principal. Tocaron bien, sonaban bien, no había problemas ni con la banda, ni con el público o con la sala, pero el vocalista Aaron Maine es tan extremadamente tímido que parecía que hablaba y actuaba para sí mismo, con la barbilla bajada, o que había bebido de más para poder aguantar el tirón. Maine explicó que era su primera vez en España y que por eso estaba así, y justo cuando parecía que se venía arriba y que el concierto iba a ir por otro lado más enérgico, la banda dejó de tocar y se marchó.
Pussy Riot tiene nuevo single en inglés, ‘Straight Outta Vagina’, que ha producido Dave Sitek de TV On the Radio e incluye a dos raperas invitadas, Desi Mo y Leikeli47. Es un número funky del que se desprende un claro mensaje feminista en frases como «mi vagina es dura y peligrosa / hace tambalear a las grandes discográficas / mi vagina se va a adueñar del escenario / porque la vagina tiene mucho que decir» o «no seas estúpido / no seas tonto / la vagina es realmente de donde provienes». Por su parte, el vídeo, que incluye escenas entre lo divertido, lo absurdo y lo delirante, ha sido dirigido por Phillip Lopez y tiene lugar en un hotel de Los Ángeles, donde Pussy Riot se acompaña además de un grupo de hombres que viste tacones rojos.
El grupo le «dedica» el vídeo, no solo a las vaginas del mundo, sino también a Donald Trump. «Las mujeres han sido esclavas del mundo durante siglos», escribe. «Las mujeres consiguieron el derecho a votar hace menos de 100 años. Rusia en 1917, Estados Unidos en 1919, Suiza en 1971. «[El trabajo de] construir nuevos papeles, normas y éticas para las dueñas de vaginas solo acaba de empezar. Y el dueño de las vaginas no es ningún estúpido y narcisista orangután naranja que asegura que fácilmente puede agarrar a las mujeres por sus coños. La dueña de la vagina es la mujer, que porta su vagina como insignia de honor. El coño es la nueva polla, señoritas».
En unos meses, Rosalía ha pasado de ser una semidesconocida para un público no especialmente interesado en el flamenco a ocupar páginas en diarios de prensa generalista y medios musicales de todo tipo. Tras su explosión gracias a dos temas coescritos junto al rapero C.Tangana, Rosalía lanza el próximo mes de enero su primer disco en solitario, ‘Los Ángeles’, un álbum en el que ha trabajado codo con codo con Raül Fernández, Refree. A un par de días de su presentación en la Sala Apolo de Barcelona (este jueves, 27 de octubre), y tras llenar dos noches consecutivas en Madrid, entrevistamos a la artista respecto a su amplio bagaje en el mundo del flamenco, sus inquietudes en otros estilos musicales o cómo surgió la relación artística con Refree y C.Tangana. Pese a su juventud, demuestra una gran claridad de ideas y que su talento musical va más allá del de su gran voz. ¿Ha nacido una estrella?
Eres muy joven, pero tienes un bagaje musical amplísimo, que te ha llevado por medio mundo literalmente. ¿Cómo nace tu interés por la música y cómo te ha llevado hasta donde estás?
Nace de forma espontánea desde muy pequeña, y de una forma lo suficientemente firme como para que mi vida gire en torno a la música y para que esta sea el medio por el cual me exprese.
¿Y de dónde viene tu interés por el flamenco? Porque, aunque ahora te muevas en otros círculos, tu carrera se había centrado en el flamenco. ¿Quién descubrió tu precioso pellizco que, sabrás, remite a los cantes antiguos?
Se había, se ha centrado y sigue centrada en el flamenco. No sé quién lo descubrió, lo que sí sé es quién me ha acompañado todos estos años con mucho amor y paciencia, hasta la fecha: mi maestro Chiqui de la Línea, con quien he aprendido a apreciar todo lo antiguo y quien, a la vez, me sigue animando a descubrir cosas nuevas.
«Trato de respetar la idiosincrasia de cada estilo (…). Ahora bien, de cara a la interpretación, (…) sí pueden converger todas mis influencias»
Sin embargo, no pareces conformarte con las convenciones de ese estilo, ya no solo en lo formal, sino también en la técnica. He visto un vídeo tuyo cantando una bulería y por momentos tienes arranques souleros… Te has educado en una mezcla musical muy amplia, ¿no?
Sinceramente nunca he percibido que mezcle el soul por bulerías, trato de respetar la idiosincrasia de cada estilo, por lo menos aquello que hace que una bulería sea una bulería y no otra cosa. Por ello intento, en la mayor medida posible, ser fiel a las melodías más antiguas y originales. Ahora bien, de cara a la interpretación, las dinámicas, la colocación y emisión vocal, las intenciones… ahí sí pueden converger todas mis influencias.
En ese sentido, ¿te inspiró especialmente trabajar con Rocío Márquez, que destaca por experimentar con su cante?
Rocío es amiga y compañera. Admiro muchísimo las decisiones que toma como artista y la respeto mucho como cantaora. Estar cerca suyo es inspirador en todos los sentidos.
«[Refree] se sentó en el piano y yo me puse a cantar un tema de Bonnie “Prince” Billy… y fue tan intenso que decidimos hacer un disco juntos»
¿Y cómo descubriste a Raül? ¿O más bien te descubrió él a ti? ¿Cómo surge la idea de trabajar juntos?
Un amigo en común nos presentó un día, y mientras tomábamos algo comentamos lo que escuchábamos en aquel momento y nos dimos cuenta de que coincidíamos en mil cosas. Las primeras semanas que quedábamos no tocábamos, solo escuchábamos música juntos, pero un día él se sentó en el piano y yo me puse a cantar un tema de Bonnie “Prince” Billy… y fue tan intenso que decidimos hacer un disco juntos. Este disco ya tiene nombre, es flamenco y no es flamenco, se llama ‘Los Ángeles’ y saldrá a finales de enero de 2017.
Este es tu álbum de debut y es en el que habéis trabajado de manera conjunta, ¿verdad? ¿Cómo es?
‘Los Ángeles’ habla de la muerte de distintas formas, desde distintos cantes. Hemos partido del flamenco pero tampoco nos ha importado alejarnos. Hemos experimentado todo el tiempo tratando de encontrar un lenguaje primario y personal.
Por el momento hemos escuchado ‘Catalina’. ¿Cómo surge la idea de rehacer estos tangos antiguos de Manuel Vallejo?
Pedro G. Romero me descubrió este tema mientras cantaba en un espectáculo llamado ‘Julio Romero de Torres‘. Me pareció una bonita casualidad que podía encajar en el disco que estábamos preparando, y cuando se lo canté a Raül él lo vio claro para incluirlo en ‘Los Ángeles’.
Sabías que se dice que ‘Macorina’, la célebre canción de Chavela Vargas, se basa en ellos, ¿verdad? De hecho, la manera de tocar la guitarra de Raül remite a la solemnidad de esa canción, a mi parecer…
Puede ser…
También hemos podido escuchar la que sería la cara B del single, ‘Que se muere, que se muere’. ¿Es un tema original vuestro?
No, son unos fandangos.
Nos ha sorprendido bastante un vídeo que circula en Youtube con una actuación vuestra, en Ornitofest, que está casi en las antípodas de esas dos canciones. Más bien suena al soul de James Blake o Låpsley. ¿’Los Ángeles’ tendrá también algo de esto?
Raül y yo no dejamos de hacer pruebas-ensayos y de ponernos en registros diferentes. El Ornitofest fue la excusa perfecta para montarnos un set electrónico, componer e improvisar, pero no tiene nada que ver con ‘Los Ángeles’, que está a punto de ver la luz.
¿Cómo te sientes al lograr llenar dos días seguidos el Teatro del Arte de Madrid? Es muy fuerte, para ser alguien que pocos conocían hace 6 meses, ¿no?
Pues me siento agradecida, y también muy consciente de todo el trabajo que aún queda por hacer.
Sin embargo, entiendo que tampoco te asusta, ¿verdad? Leo que has actuado en un festival de cine en Panamá con Chicuelo, en el Grec de Barcelona, en Hamburgo o Hannover interpretando la música de ‘Blancanieves’ de Pablo Berger, en el Palau de la Música, las giras con Rocío Márquez… Y, ojo, has cantado en Casa Patas, uno de los templos del flamenco. A ti esto ya ni te asusta ni te coge de nuevas, ¿no?
Hace muchos años que decidí darle al escenario la misma importancia que le he dado a la investigación, la transcripción de cantes o todo lo que tenga que ver con la música y no sea interpretación.
También quería preguntarte, claro, por las colaboraciones con C.Tangana. ‘Antes de morirme’, sobre todo, ha sido uno de los pelotazos del verano. ¿Cómo le conoces y cómo surge hacer juntos esos temas? ¿Te ves volviendo a hacer cosas de hip hop?
Me gusta el hip hop desde que tenía 12 años, estoy segura de que ese género me acompañará siempre. Antón y yo nos conocimos, al igual que con Raül, por amigos en común. Me encanta lo que hace, cuando le oyes sabes enseguida que es él, tiene mucha personalidad. De forma muy natural nos apeteció meternos en un estudio y componer. Recuerdo que él se sorprendía de nuestra conexión al construir melodías o letras juntos, en cambio yo no sé por qué intuía que aquello sería así desde la primera vez que le oí.
Con esos temas te has convertido en algo así como una celebridad para un público muy joven y muy diferente al que, probablemente, te habrá visto actuar hasta ahora. ¿Temes decepcionar a quienes acudan a verte esperando algo de eso?
Tengo un compromiso conmigo misma y con la forma en la que entiendo la música. Si alguien ha indagado un poco en quién soy y viene a verme actuar ya sabe a quién va a ver. Yo soy la misma haga lo que haga, sea el género que sea. Para mí es lo mismo cantar una balada de R&B que una bulería lenta. Y personalmente, me parecen mucho más interesantes los artistas que consiguen transmitirme siempre quiénes son mientras buscan nuevas formas de hacerlo.
Y al revés: quien conozca tu talento para el cante, ¿qué va a pensar de tu lado soul? ¿Ya te ha llegado alguna crítica por ahí?
Es imposible que te quiera todo el mundo, hace años que lo entendí y por ello no dedico tiempo a pensar en la respuesta que vaya o no a tener el público… La complacencia no es una de mis premisas, intento ir a lo mío. Pero gracias a Dios estamos viviendo un momento de apertura no solo en el flamenco, sino en la música en general y puede que en parte sea gracias a la falta de prejuicios y complejos que caracteriza a mi generación.
«En el flamenco han coexistido y siguen coexistiendo dos formas muy claras de afrontarlo: conservando o renovando. (…) para mí ambas son igual de necesarias e interesantes»
¿Crees, asimismo, que cada vez el público es más entendido y sabe apreciar ambas cosas o sigue habiendo más purismo que otra cosa?
No creo que sea una cuestión de ser más o menos entendido. Creo que se pueden tomar varios caminos o actitudes frente a una misma cosa. En concreto en el flamenco han coexistido y siguen coexistiendo dos formas muy claras de afrontarlo: conservando o renovando. No hay una mejor ni peor, para mí ambas son igual de necesarias e interesantes.
Por último, quería preguntarte por el show de Apolo. ¿Qué puede esperar el público que acuda a él?
No puedo decir qué pueden esperar porque ni yo sé qué va a pasar ahí, esa en parte es la gracia. Nos ponemos al servicio de la música y del escenario para que aquello que compartamos con el público esté vivo. En ‘Los Ángeles’ prima la emoción y la emoción no se puede controlar, es imprevisible.
Drake es el cantante masculino que parte la pana en este momento. Acaba de lanzar 2 canciones nuevas y ya reinan en iTunes EE.UU. ‘Hotline Bling’ marcaba el año pasado el sonido de la música pop de nuestros tiempos y su aproximación al dembow en ‘One Dance’ es, para resumir, la canción más exitosa en todo el mundo en 2016. No se puede poner en duda, por mucho que las críticas a ‘Views‘ hayan sido tibias, que el hombre tiene talento, que ha sido un currante y que merece casi todo lo que ha conseguido.
Pero a veces da la sensación de que el verdadero secreto de su éxito ha sido, como tantas otras veces en la historia, en esta y otras disciplinas artísticas y no artísticas, la constancia y la persistencia. Mientras otros cantantes como Adele lanzan 3 o 4 singles por disco y luego desaparecen del mercado durante 3 años, la lista de singles y colaboraciones que ha lanzado al mercado Drake en los últimos 10 años, desde que comenzara, daría para un recopilatorio como mínimo quíntuple. Al final terminas pensando que si ha logrado un número 1 por su cuenta en la lista de sencillos de Estados Unidos (y recordemos que sin Rihanna solo tiene uno, ‘One Dance’), lo ha logrado a base de insistir, insistir e insistir. Sobre todo si recordamos que ‘Hotline Bling’ fue de esos lanzamientos que suelta en Soundcloud, sin esperar su éxito, olvidando presentarla incluso a los Grammy.
La lista de sencillos a continuación, tomada de distintas secciones de la Wikipedia anglosajona, ni siquiera es completista: faltan singles promocionales, canciones que llegaron a las listas sin ser singles o temas que fueron incluidos en sus cortos. Aun así son casi 120 singles en 10 años. Una media de uno al mes durante todo este tiempo. Esto vendría a demostrar que Drake no ha sido precisamente la gallina de los huevos de oro que se suele asumir: ha tenido sus momentos gloriosos, también sus flops (¿nos puede caber en la cabeza que colaboraciones de Drake con The Weeknd fracasen?) y sobre todo, hits de tamaño medio. Aunque las verdaderas preguntas que nos quedan es por qué no ha petado en España su canción en castellano y cómo hace para diferenciar en un setlist ‘0 to 100’ de ‘100’ o ‘So Good’ de ‘Too Good’. La información de listas se refiere, salvo indicación, al Billboard Hot 100.
1.-Replacement Girl
Perteneciente a su segunda mixtape, ‘Comeback Season’ (2007), pues la primera no tuvo singles, la canción que se considera el primer single de Drake no llegó al Billboard Hot 100. Su vídeo cuenta con 20 millones de visitas.
2.-Change You (con Jenna)
Porque el día en que colaboraba con Jenna en este vídeo de 2006 y en el que se le ve jovencísimo nadie lo recuerda, ¿verdad?
3.-Best I Ever Had
Perteneciente a su primer EP ‘So Far Gone’, ‘Best I Ever Had’ fue su primer hit, llegando al número 2 del Billboard Hot 100. El vídeo era dirigido por Kanye West.
4.-Successful
Más discreto fue el éxito de este tema del mismo EP, en el que contaba con Trey Songz y Lil Wayne. Fue top 17 en EE.UU.
5.-I’m Goin’ In
También fue single, y como tal se mandó a las radios urban este tema de ‘So Far Gone’ con Lil Wayne & Young Jeezy, quedando en el puesto 40 de la lista estadounidense.
6.-Forever
Más artistas invitados estaban en este single para la banda sonora de la película ‘More than a Game’, sobre una estrella de la NBA. Kanye West, Lil Wayne y Eminem, ahí es nada, eran los invitados de Drake en este ‘Forever’ que llegó a ser top 8 del Billboard Hot 100.
7.-Over
Como veis, nos ha costado unos cuantos singles llegar al primer disco de Drake. ‘Thank Me Later‘ se presentaba con este ‘Over’ que solo fue número 14 en USA, pero terminó certificado como triple platino, por lo que lo podemos considerar un gran «sleeper».
8.-Find Your Love
Más alto en las listas, hasta el puesto 5, llegaba el segundo single del debut de Drake.
9.-Miss Me
El tercer single de ‘Thank Me Later’ contaba con Young Money y Lil Wayne y quedaba en el número 15.
10.-Fancy
La era se cerraba enviando ‘Fancy’ a las radios, si bien Drake abortaba sus planes de promocionarla y de hacerle un vídeo. Aun así, llegaba al puesto 25.
11.-The One (con Mary J Blige)
El mismo 2009 Drake se pasó por el noveno disco de Mary J Blige para interpretar uno de sus sencillos principales, llegando al puesto 63.
12.-Digital Girl (con Jamie Foxx)
Drake, Kanye West y The-Dream eran los invitados de este single de Jamie Foxx que quedó en el puesto 92. La original sin Drake pertenecía al disco ‘Intuition’.
13.-Money to Blow (con Birdman)
Drake y Lil Wayne eran los artistas invitados de este tema extraído de ‘Priceless’, el quinto disco de Birdman. El single llegaba al top 25.
14.-4 My Town (Play Ball) (con Birdman)
Del mismo disco de Birdman también se hacía vídeo para esta canción, quedando esta vez en el puesto 90 aunque Drake tuvo tiempo de pasarse por el set de rodaje.
15.-Fed Up (con DJ Khaled)
No conseguía llegar a listas este tema de DJ Khaled que contaba con Usher, Drake, Young Jeezy y Rick Ross.
16.-Say Something (con Timbaland)
El segundo single de ‘Shock Value II’ de Timbaland era el de Drake. Llegaba al puesto 23 en Estados Unidos.
17.-I Invented Sex (con Trey Songz)
El otoño de 2009 para Drake fue ajetreado y este tema, tercer sencillo del disco ‘Ready’ de Trey Songz se mandó a las radios urban en octubre. Era número 42 en el Billboard.
18.-Every Girl (con Young Money)
Drake aparecía como artista invitado de canción y vídeo de este tema que presentaba el álbum colaborativo ‘We Are Young Money’.
19.-BedRock (con Young Money)
Tampoco se perdía el set de rodaje de otro single del mismo disco. Nicki Minaj y Tyga eran otros de los artistas que se pasaban por allí.
20.-You Got Me (con Sacario)
Ya en 2010, conseguía un pedacito de Drake el rapero Sacario, que incluía este tema en su mixtape ‘Sneak Attack’. No llegó a listas aunque se hizo una portadita para el sencillo por si acaso.
21.-Right Above It (con Lil Wayne)
Lil Wayne contaba con Drake para el primer single de su octavo disco ‘I Am Not a Human Being’. Juntos llegaban al top 10 estadounidense.
22.-Gonorreah (con Lil Wayne)
Aunque no fue un single oficial de este disco de Lil Wayne, no podemos dejar de incluir en el listado la canción ‘Gonorreah’, no por su jugosísimo título, que también, sino por su éxito espontáneo: llegó a ser top 17 y disco de oro.
23.-Aston Martin Music (con Rick Ross)
Drake y Chrisette Michele eran los invitados de Rick Ross en el tercer single de ‘Teflon Don’. Top 30.
24.-Loving You No More (con Diddy)
Peor destino esperaba al tercer single de ‘Last Train to Paris’ de Diddy, un top 91 aunque de nuevo el artista aparecía en el videoclip.
25.-What Up (con Pimp C)
Superándose, Drake aparecía en el primer single del disco póstumo de Pimp C aunque Pimp C murió en 2007 antes de que Drake se hiciera famoso. No pasó nada con la canción.
26.-What’s My Name (con Rihanna)
Como de todos es sabido, Rihanna salva a Drake: la cantante le da al fin un número 1, este single de ‘Loud’ en el que los dos echaban un polvo explícito.
27.-Fall for Your Type (con Jamie Foxx)
Drake, que había descartado esta canción de ‘Thank Me Later’, se la regala a Jamie Foxx para su álbum de 2010, ‘Best Night of My Life’. No estaba muy desacertado en el descarte y es puesto 50.
28.-Unthinkable Remix (con Alicia Keys)
Drake se asoma en 2010 por este single de Alicia Keys para añadir unos versos.
29.-Deuces (con Chris Brown y Tyga)
Drake no se pierde la oportunidad de salir en el remix del primer single de la mixtape entre Chris Brown y Tyga ‘Fan of a Fan’. En ese mismo remix aparecen Kanye y André 3000.
30.-Moment 4 Life (con Nicki Minaj)
2010 es el año del debut de Nicki Minaj y Drake canta en un single de él. Será la primera de varias colaboraciones de éxito, lo que incluye el vídeo de ‘Anaconda’, donde Drake no canta, solo figura (como en una decena de vídeos de otros artistas). El tema es número 13 del Billboard Hot 100.
31.-Put It Down (con Bun B)
Cuarto sencillo del disco ‘Trill OG’ de Bun B. Ni esta ni las dos siguientes canciones lograron llegar al top 100 americano.
32.-Celebration (con Tank)
Tercer sencillo de ‘Now or Never’ de este artista de R&B.
33.-Feel Love (con Sean Garrett)
Single del disco de Sean Garrett, que existe en versión con Drake y en versión sin Drake.
34.-Unusual (con Trey Songz)
Cuarto single del disco de 2010 de Trey Songz, ‘Passion, Pain & Pleasure’, que llegaba al puesto 68.
35.-Poppin Bottles (con T.I.)
Aunque no era uno de los sencillos principales del disco de T.I., sí aparecía en las listas de R&B, luego suponemos que se envió a radios esta canción extraída de ‘No Mercy’.
36.-I’m On One (con DJ Khaled)
Nueva colaboración para DJ Khaled, de ‘We the Best Forever’, que esta vez sí le devolvía al puesto 10 del Billboard Hot 100.
37.-In the Morning (con J.Cole)
Aunque no fue single oficialmente, sí se rodó un vídeo para ‘In the Morning’, un tema de una mixtape de J. Cole que terminaría incluido en su debut.
38.-Made Men (con Rick Ross)
También hubo vídeo para esta canción de Rick Ross que no fue en ningún álbum, y que rimaba «papi chulo» con «culo» y «Rihanna» con «Madonna».
39.-Free Spirit (con Rick Ross)
Este otro experimento con Rick Ross no tenía vídeo pero sí se subía a Youtube, ya sabéis, por si acaso.
40.-Marvins Room
Sin lugar alguno para el descanso, en junio de 2011 se lanzaba al mercado el primer single de ‘Take Care’, el segundo disco de Drake. El tema quedaba en el número 21 del Billboard Hot 100.
41.-Headlines
Más alto lograba llegar el segundo single, puesto 13 y lo que es más importante, una certificación de cuádruple platino. Por tanto, uno de los grandes éxitos de Drake.
42.-Make Me Proud
El tercer sencillo sí lograba al fin asomarse por el top 10 del Billboard, puesto 9. Contaba con Nicki Minaj. No hubo vídeo pero sí presentación televisiva.
43.-The Motto
Sí hubo vídeo, ya en 2012, para la colaboración con Lil Wayne, que llegaba al puesto 14…
44.-Take Care
… aunque de nuevo era Rihanna quien le daba un éxito enorme con esta colaboración que sampleaba a Jamie xx por la vía de Gil Scott-Heron. Se considera el 5º sencillo del disco pero es solo uno de los dos que llegaba al cuádruple platino.
45.-HYFR
Más agotado parecía el público cuando llegaba al mercado el sexto single del álbum junto a Lil Wayne, quedando en el puesto 62.
46.-Crew Love
Algunas emisoras pinchaban espontáneamente la colaboración con The Weeknd, aupándola hasta el puesto 80 del Billboard Hot 100.
47.-Lord Knows
Finalmente, una 8ª canción se enviaba a las radios británicas el 1 de octubre de 2012, aunque en este caso no colaba.
*.-We’ll Be Fine
No contaremos como single ‘We’ll Be Fine’ porque se abortó misión, pero ojo, iba a ser single, se llegó a estrenar este teaser del vídeo y el vídeo se terminó filtrando.
48.-Practice
Pero sí contaremos ‘Practice’, que llegó a estrenar este sexy vídeo oficial que igual sirvió de inspiración a Beyoncé en ‘7/11’.
49.-She Will (con Lil Wayne)
‘Tha Carter IV’, el disco de Lil Wayne de 2011, contaba con dos colaboraciones de Drake, la más exitosa fue esta, que llegaba al top 3 del Billboard Hot 100.
50.-It’s Good (con Lil Wayne)
Pero también era escogida como sencillo, en concreto como el quinto, esta otra, si bien esta vez no iba más allá del número 79.
51.-Still Got It (con Tyga)
Al mismo tiempo Drake participaba en el disco de Tyga, ‘Careless World: Rise of the Last King’. Este segundo single del largo quedaba en el puesto 89.
52.-Round of Applause (con Waka Flocka Flame)
Tres puestos por debajo de lo que llegaba el primer single del segundo disco de Waka Flocka Flame.
53.-Mr Wrong (con Mary J Blige)
Un lugar muy parecido conseguía en listas este nuevo intento con Mary J Blige.
54.-So Good (con Shanell)
No conseguía llegar al Hot 100, aunque se le hacía vídeo, esta colaboración para una mixtape de Shanell en la que también aparecía Lil Wayne. Drake aparecía en el vídeo en unas pantallas tipo autocine.
55.-Stay Schemin (con Rick Ross)
El single principal de la mixtape de Rick Ross ‘Rich Forever’ llegaba al puesto 58 en Estados Unidos. También contaba con French Montana.
56.-No Lie (con 2 Chainz)
Uno de los mayores éxitos colaborativos de 2012 de Drake era el primer single del primer disco de 2 Chainz. ‘No Lie’ llegaba al puesto 24 y al disco de oro.
57.-Pop That (con French Montana)
Otro primer single de un debut por el que se pasaba Drake en 2012 era el de French Montana. Rick Ross y Lil Wayne también estaban en este ‘Pop That’ que no pasaba del puesto 36 pero que sí conseguía un platino.
58-Amen (con Meek Mill)
Otro primer single de un debut por el que se pasaba Drake en 2012 era el de Meek Mill, este quedando en un modesto puesto 57.
59.-Enough Said (con Aaliyah)
En plena locura colaborativa el equipo de Drake acaba esta canción de Aaliyah más de una década después de su muerte. Sólo logró entrar en las listas de R&B a pesar de estar subida en el canal de Youtube de Drake y por tanto contar para el Billboard.
60.-Diced Pineapples (con Rick Ross)
Cuarto single del disco de Rick Ross ‘God Forgives, I Don’t’, puesto 71 en las listas.
61.-Tony Montana
El primer disco de Future, ‘Pluto’, se presenta con el single ‘Tony Montana’. Una de las versiones de la canción, la que terminaría en el disco, cuenta con Drake.
62.-We In This Bitch
Drake también aparece en el remix de esta canción que presentaba el cuarto álbum de DJ Drama.
63.-Fuckin’ Problems (con A$AP Rocky)
El segundo single del esperado debut de A$AP Rocky, ‘LONG.LIVE.A$AP’, era una de esas colaboraciones hechas para ganar. Estaban Drake, 2 Chainz y Kendrick Lamar, llegaba al número 8 y terminaba como doble platino.
64.-The Zone (con The Weeknd)
Cuando se publicaban en formato de trilogía las tres mixtapes de The Weeknd, este tema de ‘Thursday’ era escogido como tercer sencillo. La canción llegó a tener vídeo, pero no triunfó nada.
65.-Started from the Bottom
2013 es un gran punto de inflexión para Drake gracias a la edición de ‘Nothing Was the Same‘. Aunque sorprendentemente este tema nunca pasó del puesto 6, sí ha permanecido como uno de los grandes clásicos del cantante.
66.-Hold On, We’re Going Home
Lo mismo que ‘Hold On, We’re Going Home’, que llegaba al número 4 y conseguía un triple platino. Era, también, la canción más exitosa en Reino Unido de Drake hasta la llegada de ‘Hotline Bling’.
67.-All Me
El tercer single servido en las emisoras urban era este ‘All Me’ que contaba con Big Sean y 2 Chainz. Quedaba en el puesto 20.
68.-Pound Cake
En Reino Unido se enviaba a radios la colaboración con Jay Z.
69.-The Language
El cuarto single para las emisoras urban de Estados Unidos era ‘The Language’.
70.-Too Much
El single navideño para las emisoras británicas era esta colaboración con Sampha.
71.-Worst Behaviour
Ya en 2014 se mandaba a radios este tema producido por DJ Dahi. Ninguno de estos cuatro singles llegaba al top 50 de las listas.
72.-Mine (con Beyoncé)
‘Mine’ nunca fue un single de ‘Beyoncé’, pero aprovechando que todos los temas del quinto disco de la cantante tenían vídeo, se terminó subiendo oficialmente a Youtube. Arañando puntos de streaming. La canción llegaba al puesto 82 del Billboard Hot 100.
73.-DnF (con PReign)
Más desaparecibida pasaba esta canción con P Reign y vídeo playero.
74.-Poetic Justice (con Kendrick Lamar)
Kendrick Lamar también quiso contar con Drake en su debut oficial y este ‘Poetic Justice’ fue número 26 y se editó como cuarto sencillo.
75.-Love Me (con Lil Wayne)
Más exitoso fue el segundo single de ‘I Am Not a Human Being II’ de Lil Wayne, llegando al puesto 9 y certificado como doble platino.
76.-Right Here (con Justin Bieber)
Los primeros avisos de que Justin Bieber podía molar los encontrábamos en ‘Believe’. Drake aparecía en su cuarto sencillo, si bien este no pasaba del puesto 95. Qué tiempos.
77.-No New Friends (con DJ Khaled)
Drake no se separa de su colega DJ Khaled y aparece en el primer single de su disco ‘Suffering from Success’, aupándolo al puesto 37 en las listas.
78.-No Guns Allowed (con Snoop Dogg)
Fracasaba el tercer single del duodécimo disco de Snoop Dogg, ‘Reincarnated’.
79.-Live For (con The Weeknd)
Tampoco llegaba a listas, por mucho que ahora cueste creerlo, este single que presentaba ‘Kiss Land’ de The Weeknd un par de semanas antes de que el álbum llegara al mercado.
80.-Over Here (con PartyNextDoor)
Nuevo fracaso comercial, esta vez junto a PartyNextDoor para su homónimo EP.
81.-Know Bout Me (con Timbaland)
Y un nuevo recuerdo de que Drake no es intocable cierra el año 2013: el single de presentación de ‘Opera Noir’ no logra llegar a las listas de éxito pese a contar también con Jay Z y James Fauntleroy.
82.-Odio (con Romeo Santos)
Aunque no hubo disco de Drake en 2014, sí hubo bastantes colaboraciones, entre ellas, el segundo single del segundo disco de Romeo Santos. La broma, en la que Drake cantaba en castellano y luego en inglés, lleva casi 200 millones de reproducciones en Youtube.
83.-Who Do You Love (con YG)
También se pasaba por el tercer single del debut ‘My Krazy Life’ de YG.
84.-Trophies (con Young Money)
Como las dos anteriores canciones, quedaba en torno al top 50 en las listas americanas este tema descartado de ‘Nothing Was the Same’, recuperado para el recopilatorio ‘Young Money: Rise of an Empire’.
85.-Believe Me (con Lil Wayne)
Más colaboraciones con Lil Wayne, que darían lugar para un recopilatorio por sí solo. Incluida en ‘Tha Carter V’, ‘Believe Me’ llegaba al puesto 26.
86.-Grindin’ (con Lil Wayne)
En cambio, ‘Grindin», del mismo disco, no llegaba al top 100, pese a ser enviada a las radios como tercer single. ‘Tha Carter V’, dos años después, por cierto, no se ha editado.
87.-Recognize (con PartyNextDoor)
El disco de debut largo de PartyNextDoor también tuvo su single con Drake. Fue el tercero y, en este caso, no llegó al top 100, se quedó «bubbling under», si bien terminaba siendo platino en plan «sleeper».
88.-Tuesday (con ILoveMakkonen)
También era platino el debut de ILoveMakkonen, que llegaba al puesto 12 de las listas estadounidenses.
89.-0 to 100
En 2014, Drake sacó esta canción suelta que, como parte de un anuncio de Sprite en el que participó con Nas, terminó certificada como platino.
90.-Only (con Nicki Minaj)
Drake se pasaba también por el disco de finales de 2014 de Nicki Minaj, dejando muy buen sabor de boca en este triple platino que compartieron también con Lil Wayne y Chris Brown.
91.-Truffle Butter (con Nicki Minaj)
… y algo peor en el quinto single del álbum de Nicki que a pesar de llegar a ser número 14 tuvo menos impacto.
92.-Preach
Estamos ya en 2015, el año de la no-mixtape ‘If You’re Reading This It’s Too Late’. ‘Preach’ con PartyNextDoor fue enviada a radios en marzo, alcanzando el puesto 82…
93.-Energy
… aunque era ‘Energy’ la canción que terminaba teniendo más éxito, llegando el puesto 26. Las descargas masivas de la mixtape parecían ahogar un poco las posibilidades de cada canción de manera independiente.
94.-Charged Up
Su single anti Meek Mill es subido a internet el 31 de julio, alcanzando el puesto 78 en las listas.
95.-Back to Back
Su segundo single anti Meek Mill aparece en la red casi a la vez y en este caso llega al puesto 21.
96.-Hotline Bling
Como quien no quiere la cosa, en la misma semana que las anteriores dos canciones, aparece en la red esta canción cuyo éxito desborda todas las previsiones. Aunque no llegaría a ser número 1 por una cuestión de falta de estrategia, sí sería un sólido top 2 en Estados Unidos y un top 3 en Reino Unido que daría a conocer a Drake definitivamente en países no anglosajones. El vídeo roza los 1.000 millones de visitas.
97.-Right Hand
La cuarta canción que se lanzaba aquel verano era esta ‘Right Hand’ que alcanzaría el puesto 58 en Estados Unidos.
98.-Jumpman (con Future)
El año pasado también veía la luz una mixtape con Future llamada ‘What a Time to Be Alive’. El sencillo principal era otro gran éxito, ‘Jumpman’, certificado como triple platino.
99.-Blessings (con Big Sean)
2015 fue otro año en que Drake no se privó de colaboraciones. Una de las más exitosas, doble platino, esta para el disco de Big Sean ‘Dark Sky Paradise’. Fue tercer single y doble platino.
100.-100
El primer single del sexto disco de The Game, ‘The Documentary 2’, quedaba en el puesto 82, con ventas y streaming mucho más modestos. Se llama ‘100’ en serio, aunque el debate sobre si es exactamente su single número 100 podría durar horas, días, semanas. Probablemente no lo sepa ni él.
101.-R.I.C.O. (con Meek Mill)
Un mes antes de que salieran sus canciones anti-Meek Mill, se lanzaba como single su canción con Meek Mill, extraída del álbum ‘Dreams Worth More Than Money’. Este acusaba a Drake de no ayudarle a promocionar su disco, pese a que no es uno de los principales fracasos de ambos: llegó a ser top 40 y a arañar un platino.
102.-My Love (con Majid Jordan)
Ni la presencia de Drake lograba levantar las ventas de este dúo de R&B, que debutaba con un disco homónimo.
103.-Where Ya At (con Future)
Mejor funcionaba el segundo single de ‘DS2’, de nuevo de su amigo Future. Llegaba a ser número 28.
104.-Summer Sixteen
Al fin llegamos a 2016. Drake abría el año lanzando este sencillo que al final ni siquiera aparecía en ‘Views’, a pesar de haber llegado al top 6 del Billboard Hot 100.
105.-One Dance
En abril se editaba finalmente el que ha terminado siendo su gran éxito definitivo. Su primer número 1 como artista principal (pese a los featurings) tanto en Estados Unidos como en Reino Unido y que, curiosamente, se ha quedado sin tener videoclip.
106.-Pop Style
Aunque casi nadie se acuerde, el mismo día que salía ‘One Dance’ se publicaba este ‘Pop Style’ como adelanto a ver cuál gustaba más, que se quedaba en el puesto 16 del Billboard.
107.-Controlla
Aunque no se ha hecho vídeo en junio sí se mandaba a radios esta estupenda canción de ‘Views’ que estaba triunfando espontáneamente desde su lanzamiento. Ha sido top 20 a ambos lados del Atlántico.
108.-Too Good
Tampoco ha habido vídeo pero también se ha enviado a radios (a las británicas en mayo, a las estadounidenses en julio) este pizpireto tema con Rihanna que se aprovechaba del nuevo pelotazo de ‘Work’.
109.-Childs Play
Lo que sí se ha lanzado es un vídeo para otra de las canciones de ‘Views’, ‘Childs Play’, que curiosamente ha tenido un impacto mucho menor en las listas.
110.-Back on Road (con Gucci Mane)
Drake ha seguido realizando colaboraciones este año, entre ellas el segundo single del noveno álbum de Gucci Mane, en este caso un tímido puesto 81.
111.-Work (con Rihanna)
Pero de nuevo la gran colaboración de 2016 de Drake ha sido con Rihanna, uno de los mayores éxitos del año que, en este caso, pocos vieron venir de lo tontísimo que parecía. Y…
112.-Come and See Me (con PartyNextDoor)
Fiel a su colega PartyNextDoor, Drake aparece en el single de presentación de ‘PartyNextDoor 3’, llegando al puesto 60.
113.-Why You Always Hatin’ (con YG)
El tercer single del segundo disco de YG ‘Still Brazy’ también contaba con Drake, terminando en una posición similar, puesto 62.
114.-For Free (con DJ Khaled)
El mayor éxito de Drake en 2016, ‘Views’ y Rihanna aparte, ha sido su colaboración en lo nuevo de DJ Khaled, que llegaba al puesto 13.
115.-No Shopping (con French Montana)
El disco que French Montana ha tirado a la basura llegaba a tener un single conocido con Drake que se situaba en el puesto 36 de las listas de éxito.
116.-Big Amount (con 2 Chainz)
Su última colaboración de momento no ha llegado al Billboard Hot 100. Se trata del single principal de la mixtape ‘Daniel Son; Necklace Don’.
117.-Fake Love
Extraída de su misterioso nuevo proyecto, ‘More Life’, que podría ser una mixtape o una playlist, ‘Fake Love’ es en estos momentos número 1 de iTunes Estados Unidos. Suena en la estela de ‘Hotline Bling’.
118.-Sneakin»
En el número 2 de iTunes a la hora de redacción de esta noticia queda la otra inédita.
Hayas entendido en él un bonito y divertido álbum de música americana o un álbum más que nada extraño y mal acabado, si de algo tiene que servir ‘Joanne’ a Lady Gaga es para distanciarla de una vez y para siempre de otros y otras cantantes de música pop, pues el sonido que presenta no tiene absolutamente nada que ver con el oído en las radiofórmulas en los últimos tiempos. Ni siquiera la vena acústica de ‘Million Reasons’ suena en la estela lo-fi de ‘FourFiveSeconds’ de Rihanna o ‘Love Yourself‘ de Justin Bieber. Ni recordando que BloodPop estuvo en algunos temas del último de Bieber y co-produce todo este álbum haríamos la asociación: uno es un tema acústico con la marca del británico Ed Sheeran por todas partes, y el otro es mucho más americano.
‘Joanne’ ha contado también con Mark Ronson, Florence + the Machine, Beck, Father John Misty y Kevin Parker de Tame Impala, pero lo verdaderamente sorprendente es que no recuerda en nada de nada al trabajo de ninguno de ellos. Ni siquiera a ‘Sea Change’ de Beck. Dejando de lado el ramalazo reggae de ‘Dancin’ in Circles’, muy Gwen Stefani y también un poquito Ace of Base; y el funky suave de ‘Hey Girl’, un pelín más Prince; ‘Joanne’ tiende a explorar géneros como el rock’n roll, el soft-rock y el folk. Os dejamos con algunos discos que, independientemente de haber sido inspiración para la artista o no, de ser obras maestras u obras más modestas, nos han venido a la mente durante la escucha de este álbum.
Bruce Springsteen / Greetings from Asbury Park, N.J. (1973)
En muchos sentidos ‘Joanne’ es un punto de partida para Lady Gaga. No es tan fácil imaginar a su millonaria base de fans, la que veneraba ‘Poker Face’ y ‘Just Dance’, y al público generalista calzándose las botas de cowboy en pleno 2016. Por eso hemos querido vincular este álbum con el debut del que tenemos claro que ha sido siempre una de sus mayores influencias, Bruce Springsteen, algo muy palpable sobre todo desde ‘Born this Way’, donde incluso tocaba Clarence Clemons.
‘Greetings from Asbury Park, N.J.’ alternaba baladas tan bonitas e intimistas como ‘The Angel’ y ‘Mary Queen of Arkansas’ con canciones tan influidas por el rock’n roll como ‘It’s Hard to Be a Saint in the City’. Había un poso soul y country en muchas de aquellas composiciones, lo que sin duda ha inspirado más a Lady Gaga en esta ocasión que el listado de lo más escuchado en Spotify en estos momentos.
Stevie Nicks / Bella Donna (1981)
Fleetwood Mac habían vendido millones jugando las raíces de la música americana durante los 70, pero es el primer disco en solitario de Stevie Nicks el que mejor conecta con ‘Joanne’. Contó con un músico de la E-Street Band, además de con Tom Petty y Don Henley (preciosa ‘Leather & Lace’), e incluía canciones de poso country entre piano y guitarra como ‘After the Glitter Fades’ o ‘How Still My Love’. Pero lo que es más interesante, incluso antes de la edición de ‘Mirage’, se notaba de alguna manera que ya estábamos en los años 80 y este álbum contenía también algún resto de soul e incluso bailable que podemos vincular con el ligerísimo toque de modernidad que Mark Ronson ha dado a algunas de las nuevas canciones de Lady Gaga. Atentos a ‘Edge of Seventeen’: ¡versión ya!
Bon Jovi / Keep the Faith (1992)
Bon Jovi siempre me ha parecido una influencia mucho más clara que Madonna en la música de Lady Gaga. Si ‘Born this Way‘ era bastante ‘Slippery When Wet’ y ‘Applause’ era un poquito ‘Runaway’ sobre todo en el uso de los teclados, este disco sería más Bon Jovi en los años 90, más ‘Blaze of Glory’ y sobre todo más ‘Keep the Faith’. No cuesta mucho imaginar versiones del tema titular, ‘In These Arms’ o ‘Bed of Roses’ en el repertorio actual de Lady Gaga. De hecho esta última sentaría como un guante a su chorrazo de voz.
Dolly Parton / Jolene (1974)
¿Lady Gaga se va a Nashville y saca un disco llamado ‘Joanne’? Es inevitable hacer mención del álbum que Dolly Parton editaba en 1974. Es, además, el largo que incluía la versión original de ‘I Will Always Love You’: recordemos que Gaga apuntó a Whitney Houston como influencia de ‘Born This Way’. ¿Cuánto le pega la parte «spoken word» de esta versión original? Otros highlights de este álbum incluyen ‘Highlight of My Life’, ‘When Someone Wants to Leave’ y la propia ‘Jolene’.
The Killers / Sam’s Town (2006)
¿Qué grupo dejó de lado las pistas de baile, los toques modernos y la electrónica para adentrarse en el cancionero americano, recibiendo críticas encontradas, comparaciones despectivas con el Boss, decepcionando en lo comercial, pero a la larga convenciendo lo suficiente como para montar una edición 10º aniversario? Es pronto para saber si habrá edición aniversario de ‘Joanne’ si no la hay antes de ‘The Fame Monster’, pero pase lo que pase, el disco contiene ese tipo de canciones personales y ajenas a las modas que construyen los álbumes favoritos de los fans, al margen de su calidad o éxito comercial.
Neil Young / Harvest (1972)
Entre las influencias que Lady Gaga ha citado expresamente para este disco están Garth Brooks (en concreto ‘I’ve Got Friends In Low Places’ (sic)) y Neil Young. Entre ambos, nos vamos a quedar con el segundo aunque la conexión con Gaga venga más pillada por los pelos que Kevin Parker a la batería en el vídeo de ‘Perfect Illusion‘. Lady Gaga ha versionado recientemente ‘Old Man’, uno de los mayores hitos de este disco, y aunque ‘Joanne’ tampoco sea un disco de armónica y hoguera ni de grandes cuerdas a lo ‘A Man Needs a Maid’ o ‘There’s a World’, siempre es buena ocasión para recordar la que es una de las grandes obras maestras de Young, que también incluía nada menos que ‘Heart of Gold’.
The Cardigans / Super Extra Gravity (2005)
Otro grupo que, como Gaga, colgó los hábitos del pop para entregarse a las músicas campestres fueron los Cardigans. Preciosistas y delicados en ‘Long Gone Before Daylight’ (2003), dieron al que ha sido su último álbum un punto de desgarro que conecta con los momentos que Ronson, Gaga y compañía parecen haber querido dejar sin pulir. ‘Drip Drop Teardrop’, ‘Godspell’ y ‘Little Black Cloud’ conectan con los momentos más fieros de ‘Joanne’, mientras «Diamonds» lo haría con los más intimistas. Como curiosidad, había en este álbum una (gran) canción llamada… ¡¡’Good Morning, Joan’!! Reescuchado este disco después de ‘Joanne’, Tore Johansson suena como un excelente productor para lo que Gaga ha querido transmitir. Más incluso que el propio Ronson.
Doro / Doro (1989)
La producción de Lady Gaga fue más cruda en muchos sentidos en ‘Born This Way’, pero aún llama la atención el sonido basto y brutote en algunos momentos del disco. Su poso rockero al cubo en la grabación de guitarras y sobre todo baterías, y también los campos semánticos usados en algunas de las letras beben más del jevi que todos los citados en esta lista con la excepción de Bon Jovi. Aunque tenga gusto por el alemán y haya presentado un disco en Berghain, parece poco probable que Lady Gaga conozca a Doro Pesch y mucho menos su álbum homónimo, el más pop de su carrera, pero la fuerza de la voz de la de Düsseldorf, algunos títulos como ‘Rare Diamond’, la aproximación al rock clásico por la vía de Queen de ‘Rock On’, y pelotazos como ‘Broken’ y ‘Something Wicked This Way Comes’ alternados con la obligada balada, podrían conectar también con ‘Joanne’.
Este viernes 28 de octubre llega a los cines españoles el recomendable documental de Oasis, ‘Supersonic’, que reseñaremos en los próximos días. Estará en pantallas por tiempo limitado. Como aperitivo, avanzamos un tráiler por cortesía de Avalon. En este fragmento se ve cuáles son los hábitos del grupo en el estudio de grabación, en concreto durante las sesiones de su obra maestra ‘(What’s The Story) Morning Glory’. ‘Champagne Supernova’, que suena en este tráiler interpretada por Liam, tiene además un justo protagonismo durante todo el documental.
Por otro lado, JENESAISPOP ha invitado a 10 personas (5 entradas dobles) a ir a ver la película en alguno de los muchos cines del país que la proyectan. Son decenas a lo largo de varias provincias, más allá de Madrid y Barcelona, como podéis ver en este listado. Se llevan una entrada doble las respuestas más originales y divertidas a esta pregunta recibidas en jenesaispop@gmail.com: «¿cuál es tu declaración favorita de los hermanos Gallagher?». No olvidéis incluir nombre, apellidos y dirección para que Avalon os envíe las entradas. Las entradas se pueden canjear en cualquier cine de España que exhiba la película.El concurso ha finalizado este miércoles 26 de octubre a las 9 de la mañana.
Entre algunas citas repetidas (muy especialmente las que conciernen a Phil Collins, a un tenedor y a una sopa), hemos premiado las divertidas y originales, entre estas últimas, una extraída de nuestra entrevista con Noel Gallagher en el FIB, y otra que no es exactamente una «declaración» de los hermanos. Las respuestas ganadoras han sido las siguientes:
Liam Gallagher: «Iba caminando y vi cómo una silla volaba hacia mí. Y luego otra. Y otra. Y pensé: «»Tío, esta va a ser una buena noche»».
Noel Gallagher: «Estábamos mezclando The Hindu Times en una especie de conservatorio y había un montón de chicos haciendo su maldito baile. Y Liam y Andy Bell entraron. Dije: «¿habéis visto a esos chicos?» Y contestaron: «¿te refieres a Junior S Club 7?». Me llevó 20 minutos darme cuenta: ¿cómo coño sabían quiénes eran? Creí que eran chicos de una escuela para niños lisiados que andaban por el estudio debido a la comida gratis o algo».
Noel: «¿Dos hermanos talentosos? ¡Hay un solo hermano talentoso en mi grupo!»
Noel: «¿Que por qué Madonna mola? ¿No es todo el mundo fan de Madonna?»
-La declaración de la renta de Liam después del divorcio con Nicole.
Las chicas Gilmore vuelven a Stars Hollow. ‘Gilmore Girls’, la mítica serie de Amy Sherman-Palladino, que se emitió de 2000 a 2006 pero ha resistido el paso del tiempo fabulosamente, vuelve este año a Netflix, concretamente el mes que viene, el próximo 25 de noviembre, y lo hace, por supuesto, con sus dos protagonistas originales, Lorelai (Lauren Graham, la madre) y Rory (Alexis Bledel, la hija), además con otros personajes queridos de la serie como los interpretados por Melissa McCarthy y Kelly Bishop.
La nueva entrega de ‘Gilmore Girls’ se titula ‘A Year in the Life’ y vuelve en formato miniserie de cuatro capítulos. Cada uno de ellos durará 90 minutos y estará ambientado en una estación del año. Hoy se ha compartido el primer avance de la miniserie, del que se desprende el encanto que la serie original ha tenido siempre, tanto por las interpretaciones de su reparto como por los divertidos diálogos.
Después de ‘Gilmore Girls’, Lauren Graham debutó en Broadway en 2009 y publicó su primera novela, ‘Someday, Someday, Maybe’, en 2013, que relata sus vivencias en la escena interpretativa de Nueva York en formato ficción. Se espera que se adapte a televisión próximamente. Por su parte, Alexis Bledel ha actuado en películas como ‘The Good Guy’ y ‘Jenny’s Wedding’ o en series como ‘Mad Men’.
Están los artistas de los últimos años que creen que la banda sonora de ‘Drive’ inventó la rueda y luego están los que directamente plantan en su portada lo que podría ser el cartel de la película. Es el caso de Still Corners, el dúo formado por Greg Hughes y la vocalista Tessa Murray, si bien este tercer álbum del dúo que comenzó más bien inspirado en los 60 tiene algunos matices. Si su hit del disco anterior ‘Berlin Lovers’ podía relacionarse con ‘Sweet Dreams’, el single principal esta vez, ‘Lost Boys’, es un cruce entre ‘Fade to Grey’ de Visage y ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat. Aunque las influencias son lo suficientemente variadas como para recordar a 2raumwohnung en ‘The Fixer’, a Siouxsie en algunas voces de ‘Dreamhorse’ e incluso a una mezcla entre Oldfield, Jarre y las melodías de Nyman en la larga intro de ‘Night Walk’ (también dicen que han escrito el disco tras leer una bio de Brian Wilson, algo que jamás habríamos adivinado por nosotros mismos), ‘Dead Blue’ es un disco coherente y bien cerrado en el que solo se echa de menos un poco menos de holgazanería y más trabajo en algunas de las composiciones. Demasiadas se cierran con un «fade out» que supone todo un coitus interruptus (‘Currents’, ‘Bad Country’, etcétera). Un desperdicio porque cuando pasan de esos cierres improvisados y de hecho terminan las canciones, incluso se acercan al maravilloso mundo de Beach House, como sucede en ‘Down With Heaven and Hell’.
Calificación: 6,4/10 Lo mejor: ‘Lost Boys’, ‘Down With Heaven and Hell’, ‘Downtown’, la intro de ‘Night Walk’ Te gustará si te gusta: Summer Camp, Beach House, Chromatics Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Si tenías esperanza de que Ryan Adams se aburriera una tarde y decidiera versionar enteramente discos exitosos de 2016 como ‘Lemonade’ de Beyoncé, ‘Views’ del churrero Drake o ‘Anti’ de la churrera Rihanna, te traemos malas noticias. A Adams eso de versionar ‘1989’ de Taylor Swift le hizo gracia; a la misma Swift le encantó la idea y a los medios, que lo reseñaron a su salida como si de un disco de estudio normal de Adams se tratara (incluido este site) también. Pero eso es agua pasada y Adams ha asegurado en Twitter que no volverá a versionar discos.
En respuesta a un fan que le preguntaba, en esta red social, si volvería a versionar algún otro disco en el futuro (este le sugería ‘Be Here Now’ de Oasis, del que Adams se ha confesado fan), el autor de ‘Love is Hell’ ha compartido una conclusión clara: «100 golpes más tarde, lo que hicimos por diversión se ha entendido como otra cosa». «Estoy aprendiendo a compartir menos», ha apostillado. ¿Quiere decir Adams que no está contento con la recepción crítica que obtuvo el disco o que ni siquiera está orgulloso del mismo? (por si sirve el dato, la media del disco en Metacritic es de 69/100).
En nuestra crítica de ‘1989’ de Adams, Jaime Cristóbal describía el disco como una de las «curiosidades más memorables del 2015». No fue el único largo que editó Adams el año pasado, pues antes salió su último largo de material nuevo, homónimo . Curiosamente, la versión de Adams del álbum de Taylor Swift es la única manera que pueden escucharse sus canciones en Spotify, pues como sabéis, Swift no es amiga de esta plataforma de streaming.
Thanks but not gonna cover an album again
1000 jabs later what we made for fun has been made to be somethin else
Cada vez que Morrissey habla sube el pan y su última entrevista para Faster Louder no ha sido excepción. Cuestionado por su opinión sobre la situación política actual en Reino Unido, Morrissey ha vuelto a realizar una declaración de las que se recuerdan, pues se ha posicionado a favor de la salida del Reino Unido de la Unión Europea (el famoso Brexit).
Reflexionando sobre la política actual, Morrissey ha dicho que «nunca ha habido menos esperanza en la clase política británica, pero lo mismo se puede decir de Estados Unidos». «Lo que ha pasado», ha apuntado, «es que los medios de comunicación ya no pueden adjudicar nobleza alguna a las políticas antiguas porque, aunque los políticos no cambian ni pueden hacerlo, el mundo y la gente sí lo ha hecho. ¿Qué puede ser más estúpido y grotesco que la cobertura de Clinton y Trump?»
Tras estas declaraciones, Morrissey confiesa que el resultado del Brexit le pareció «magnífico» y puntualiza que «no se acepta en la BBC ni en Sky News porque estos se oponen a un público que no puede ser hipnotizado por las chorradas de la BBC o Sky [News]». «Estos nuevos equipos [de información]», continúa, «son exactamente como Fox y CNN en el sentido de que dependen de la estupidez pública para crear su propio mito de la realidad».
El pasado fin de semana la cómica Amy Schumer estrenaba un vídeo musical que parodiaba ‘Formation‘, el primer tema que Beyoncé dio a conocer de ‘Lemonade‘, su celebrado último disco. Ha sido durante unos días una exclusiva de Tidal, precisamente la plataforma de streaming del maridito de la cantante, pero ahora al fin ha sido subido a Youtube y los mortales comunes ya podemos verlo. La parodia está protagonizada por Schumer y la mismísima Goldie Hawn, que ha abandonado su retiro profesional para coprotagonizar la próxima película de la primera. De hecho, la impresión es que todas las mujeres del equipo de rodaje de ese film (que dirige Katie Dippold, co-guionista del rework femenino de ‘Cazafantasmas‘) han intervenido en este vídeo. Eso incluye también a las actrices Wanda Sykes y Joan Cusack.
Sin embargo, esta parodia, que intenta reproducir algunas escenas y coreografías del vídeo de Bey en escenarios insólitos (establos, áreas infantiles de un centro comercial…) y con un vestuario más low-cost, ha caído bastante mal por considerarse que ridiculiza el mensaje de empoderamiento de la mujer afroamericana de la canción original. Como observa NME, Twitter se ha llenado de reacciones negativas, sobre todo de mujeres que afeaban la conducta de Amy en el vídeo, acusándola de racismo y de apropiacionismo. Por el momento, Schumer no se ha pronunciado al respecto.
En realidad, buena parte del trabajo de Amy Schumer se basa en la provocación, en decir o hacer cosas inesperadas. Así hace unas semanas la vimos liarla en los premios de una revista masculina con un discurso que hizo estallar de risa a la misma Florence Welch. Y hace apenas unos días, involucraba a Madonna en uno de sus espectáculos, donde esta ofrecía sexo oral a cambio de no votar a Donald Trump. Os dejamos con parodia y original, así como con algunos de los tuits acusatorios.
i refuse to watch white racist amy schumer parody a beyonce song about black femmes standing up to white supremacy. nope.
Este año, Tinashe ha cantado ‘Just Say’, el último single de KDA, el productor house de Londres autor de ‘Turn the Music Louder (Rumble)’ con Tinie Tempah y Katy B. La canción es potente, sensual y pegadiza como un chicle, sin embargo, su desempeño comercial ha sido decepcionante, por no decir nulo, pues no ha entrado en ninguna lista -ni siquiera en la británica, donde «Rumble» sí era top 1- y solo acumula 3 millones de reproducciones en Spotify, 20 millones menos que el anterior éxito de KDA. Una injusticia pop en toda regla.
Pero KDA no se rinde y ha hecho un vídeo para esta canción que presenta a Tinashe bailando y poniendo cara seria en varias localizaciones. Por ejemplo, encima de un coche, en la habitación de un motel, en un restaurante mientras espera el desayuno o en una cabina telefónica. El vídeo no tiene tanta gracia como el de ‘Superlove’ pero no está mal y su intrigante atmósfera nocturna remite al trabajo de David Lynch al tiempo que encaja perfectamente con el sonido de la canción.
Mientras, la autora de ‘Aquarius‘ sigue esperando a que su sello se digne a sacar su segundo disco, ‘Joyride’, que se esperaba para este año pero todavía no sale a pesar de que la cantante pospuso su gira internacional para terminarlo el pasado mes de abril. Ya puede darse prisa, que en esta industria, quien no corre, vuela…
Si seguís, como millones de personas en nuestro país, el programa ‘Tu cara me suena’, sabréis que hace un par de semanas la ex-triunfita Lorena Gómez se alzó como la ganadora de la jornada por su imitación de Fleur East, interpretando su exitazo ‘Sax’. Hasta ahí, todo normal. Sin embargo, de alguna manera la joven intérprete británica descubrió esta actuación en Twitter y la retuiteó con el mensaje «Esto es tan guay. Maravilloso», y carita-carita. Al conocer este retuit, a su vez, la cantante catalana se mostraba eufórica y aseguraba que por ese mensaje ya merecía la pena su profesión.
Recordamos que Fleur East debutaba el pasado año con el álbum ‘Love, Sax and Flashbacks‘ y conseguía que precisamente ese single, ‘Sax’, fuera certificado Disco de Platino en su país. Fleur no tenía el más mínimo reparo en afirmar que para su composición se inspiró en otro éxito de ese mismo año basado en el funk old-school, ‘Uptown Funk’.
Por su parte, Lorena fue la ganadora de una de las últimas ediciones de ‘Operación Triunfo’, la de 2006, emitida en Telecinco. Siempre destacó por adaptarse estupendamente a las voces más souleras. Tras ganar el talent, pubicó dos discos de versiones que pronto pasaron a engrosar las estanterías low-cost de los hipermercados. En 2010 estuvo en la fase final de Eurovisión, cuando resultó elegido Daniel Diges con ‘Algo pequeñito’. Después de eso, se marchó a buscar nuevos caminos a Miami, hasta que el pasado año regresó para participar en la 4ª temporada de ‘Tu cara me suena’. Repite, por tanto, como concursante en esta nueva edición.
No lo creo OMG @fleureast Im really excited.I did it with all my respect and admiration for you.Just for this moment my profession worth. pic.twitter.com/vhJFd2jVR4
En tanto seguimos esperando un milagro en forma de segundo single que salve del olvido a ‘Glory’, Britney Spears no cesa en su empeño por promocionar este último disco de estudio. Tras haber estado en Reino Unido, donde hizo alguna entrevista divertida como aquella en la que ingirió helio para cantar por Taylor Swift, ha vuelto a su residencia artística en Las Vegas.
Allí ha sufrido un pequeño percance que podría haber ido a engrosar nuestra lista de tragedias derivadas de fallos de vestuario, como aquella vez que el ciruelo de Lenny Kravitz se abrió paso de sus ceñidos pantalones o cuando a Laura Pausini se le abrió la bata, en aquel ya célebre «lo tengo como todas». A Brit le ocurrió que, mientras entonaba un medley de su versión de ‘I Love Rock ‘n Roll’ de Joan Jett y ‘Gimme More’, el top que vestía perdió el broche que lo cerraba al cuello, cayendo y poniendo en riesgo la privacidad de sus boobies al más leve saltito.
Tras infructuosos intentos del cuerpo de baile por arreglar la prenda, la autora de ‘…Baby One More Time’ tiró de experiencia y optó por lo contrario, ponerse varias capas de ropa de sus bailarines encima. Y así pudo acabar el número de manera totalmente airosa. ¡Bien hecho! No es el primer incidente que sufre la cantante en esta promoción: durante un show en Londres hubo de abortar una pirueta porque no se fiaba del bailarín nuevo.
Según ha informado Variety, la directora italiana Susanna Nicchiarelli iniciará en los primeros días de noviembre el rodaje de ‘Nico, 1988’, un biopic sobre la artista alemana Christa Päffgen, conocida por todo el mundo como Nico y que fue protagonista en el que es, sin ambages, uno de los mejores discos de la historia del pop: ‘The Velvet Underground & Nico’, debut de la banda comandada por Lou Reed y John Cale.
La película, sin embargo, no versa sobre aquella etapa neoyorquina en los Factory Studios de Andy Warhol que propició sus mayores momentos de gloria, sino sobre sus oscuros últimos días, cuando el propio Warhol la definía de forma cruel como «una yonqui gorda». En concreto, narra su último año de vida, desde 1987 hasta que falleciera en 1988, en Ibiza. El papel de Nico estará encarnado por la danesa Trine Dyrholm, ganadora del último Oso de Plata del Festival de Berlín a la mejor actriz por su papel en ‘La comuna‘, de Thomas Vinterberg. Junto a ella, un casting paneuropeo encabezado por la actriz rumana Anamaria Marinca (‘4 meses, 3 semanas, 2 días’), la británica Karina Fernandez (‘Happy Go Lucky’) o el belga Fabrizio Rongione (‘Dos días, una noche‘). El disco en directo ‘Fata Morgana‘ (1994), una grabación del último concierto que ofreció la cantante en junio de 1988, da fe de la inquietud musical que Nico conservaba en aquellos últimos momentos de su vida.
De manera aparentemente casual, esta noticia coincide con la llegada, el próximo mes de marzo, del 50 aniversario del citado ‘The Velvet Underground & Nico’. Precisamente el único miembro del grupo con vida y en activo en la música, John Cale, acaba de anunciar que ofrecerá, tras el realizado en París el pasado mes de abril, dos nuevos conciertos para celebrar este acontecimiento. Serán el 26 de mayo en los muelles de Liverpool y en Nueva York, si bien la fecha y espacio en esta ciudad están aún pendientes de concretar. A tenor de lo sucedido en París, donde le acompañaron como invitados miembros de Animal Collective y de The Libertines, se prevé que contará con invitados de excepción.
Lo que parecía una colaboración casual o puntual entre el rapero y productor Killer Mike y el, también, rapero y productor El-P, es decir, el proyecto denominado Run The Jewels, lleva camino de convertirse en uno de los grupos de rap más sólidos de la escena. Tras haber publicado entre 2014 y 2015 dos álbumes (1 y 2) con sus correspondientes discos de remezclas posteriores (el último de ellos, el cachondo ‘Meow The Jewels‘, con maullidos de gatos como constante recurso estilístico), en 2016 habían relajado su actividad… pero solo aparentemente.
Decimos relajado porque en absoluto habían desaparecido del mapa. Este año han estado actuando intensamente (quizá recordeis que fueron atacados sobre el escenario durante el festival tejano South By South West), han colaborado en el último disco de DJ Shadow, y han trabajado en el estudio con Massive Attack. Al menos han tenido tiempo para darse un garbeo por el parque de atracciones de Banksy. Pero, sobre todo, han trabajado en el que será su tercer largo.
El dúo acaba de dar a conocer ‘Talk To Me’, el que sería el primer adelanto de ese disco. Se trata de un tema producido por ambos en colaboración con Little Shalimar y Wilder Zoby. Como podeís escuchar, está protagonizado por unas guitarras bien sucias y una letra que hace alusiones a la Biblia y al tupé de Trump. El tema ha sido adelantado por la web Adult Swim y, como repite insistentemente, formará parte de un ‘RTJ3’ que verá la luz más pronto que tarde, probablemente antes de que acabe el año.
Cada Navidad, La 1 de RTVE ofrece en la noche del 24 de diciembre un especial musical protagonizado por algún artista que pretende ser complaciente con un espectro de público lo más amplio posible. Mientras tú miras aburrido tu móvil, los abuelos, tíos, padres y cuñados lo gozan (o eso se supone) con Raphael, Sergio Dalma o Miguel Bosé. Sin embargo, el ente público pretende dar un giro a su propuesta, desechando a ese perfil protagonista y apostando por alguien más joven, como es Dani Martín, que se hicera popular como vocalista de la banda El Canto del Loco y que mantiene una sólida carrera como solista.
Así lo aseguran diversos mediosgeneralistas en las últimas horas, citando como fuente al entorno del cantante. Se da por seguro, además, que los invitados a este especial serán de lo más variopinto. Por ejemplo, contará con una cuota melódica que complacerá a los más mayores, con Ana Belén y el propio Raphael. Por raro que parezca, no sería la primera vez que ambos cantan juntos: precisamente en el especial navideño que el intérprete de ‘El tamborilero’ comandó en 2010, Dani fue uno de los invitados, como podéis ver más abajo.
Lo más noticiable para nosotros, en cambio, está en que Martín también contará con otro tipo de invitados, digamos más alternativos a los que solemos ver en este tipo de programas. Según las mismas fuentes, junto a él podrían aparecer Iván Ferreiro, que esta misma semana publica su nuevo álbum ‘Casa‘, y Marc Ros del grupo Sidonie, que también acaban de presentar ‘El peor grupo del mundo‘. No esperéis, en cambio, ningún dueto con J Balvin o Daddy Yankee. El programa, de hecho, ya habría finalizado su grabación.
Dani Martín, por su parte, también acaba de lanzar ‘La montaña rusa’, su tercer disco en solitario, cuyo primer single ‘Las ganas’ diseccionamos hace unas semanas. El músico está de dulce en cuanto a popularidad, además, porque acaba de recibir el Premio Ondas al Artista del Año 2016.
Pete Burns, líder de Dead or Alive, y conocido gracias a uno de los grandes clásicos de los 80, ‘You Spin Me Round (Like a Record)’, ha muerto este domingo a los 57 años a consecuencia de un fallo cardíaco, según ha informado su familia a última hora de este lunes. En 2009 había estado ingresado en estado crítico por un problema de riñones. Su representante ha indicado en Twitter que era “un verdadero visionario, un alma talentosa”, añadiendo: “todos los que le queríamos y apreciábamos vamos a echarle de menos”.
Dead or Alive se fundaron en 1980, publicando su debut ‘Sophisticated Boom Boom’ en 1984, que incluía una versión de ‘That’s the Way (I Like It)’. Pero fue su segundo disco ‘Youthquake’ el que les dio la fama. Producido por el trío Stock Aitken Waterman y con portada de Mario Testino llegaba al top 10 de las listas británicas, siendo disco de oro y sobre todo dejando como single el mítico ‘You Spin Me Round (Like a Record)’, cuyo vídeo convertiría a Pete Burns en un icono después de que, tras cuatro meses de ascenso, pudiera coronar las listas británicas en la primavera de 1985. Su impronta ha llegado a nuestros días y el tema inspiraba uno de los mayores hits del siglo XXI: ‘Right Round’ de Flo Rida con Kesha era 6 veces platino en Estados Unidos tras su edición en 2009 y lógicamente contaba con la co-autoría de Dead or Alive.
El resto de sencillos de aquel segundo disco, ‘Lover Come Back to Me’, ‘In Too Deep’ y ‘My Heart Goes Bang (Get Me to the Doctor)’, rondarían el top 20 en Reino Unido. Con varios cambios de formación, Dead or Alive continuarían publicando discos, hasta 5 más, datando el último de ellos del año 2000.
Hijo de una alemana cuya familia había emigrado a Viena huyendo de los nazis (allí se enamoró de un soldado británico, que terminaría siendo el padre de Pete Burns), el artista se casaría en 1980 primero con Lynne Corlett en un matrimonio que duraría 26 años, y con Michael Simpson después. En 2006 Pete Burns participó en el Gran Hermano VIP británico. Durante las entrevistas, no se sentía en la obligación de definirse. «La gente siempre quiere saber, ¿soy gay, bi, transexual o qué? Olvidemos todo. Tiene que haber una terminología completamente diferente y no estoy al tanto de si se ha inventado ya. Simplemente soy Pete». Su ambigüedad y querencia por el glam y el punto queer, junto a lógicamente el sonido ochentero de sus singles, le convertirían en uno de los iconos más singulares de aquella década.
La cantante danesa MØ, a la que conocerás principalmente por ‘Lean On’ de Major Lazer, aunque también por éxitos propios como ‘Final Song’, nunca ha escondido su admiración por Spice Girls. De hecho, en 2014, un poco antes de la salida de su álbum debut, ‘No Mythologies to Follow’, versionó uno de sus singles más míticos, ‘Say You’ll Be There’.
Por este motivo se puede decir que MØ vivió anoche uno de los momentos cumbre de su carrera. La artista actuó en Londres e interpretó esta versión de ‘Say You’ll Be There’ a la que sumó la misma Melanie C (la Spice deportiva). Como podéis ver en el vídeo, MØ apenas puede contener la emoción mientras canta la canción con su ídolo.
En Instagram, Melanie C ha compartido su admiración por MØ en un bonito escrito. «Esta noche he tenido el honor de compartir el escenario de Roundhouse en Londres con esta mujer increíble, MØ. Lo petó vocalmente, con su energía y con su actitud. A MØ le inspiraban las Spice Girls de pequeña, ahora es ella quien me inspira a mí».
La cantante acaba de editar nuevo disco, ‘Version of Me’, que contiene el single ‘Anymore’. Un puntazo para Mel, por cierto, actuar con una de las cantantes pop de moda mientras el resto de Spice Girls van más… a lo suyo.
Los rusos Oligarkh han sido uno de los grandes descubrimientos presentados en Monkey Week. Las pocas crónicas encontradas sobre ellos en la red son positivas, lo que ellos mismos han subido a Instagram tiene buena pinta y, en cualquier caso, el disco de estudio que han autoeditado y colgado en las plataformas de streaming debe ser escuchado por todos los seguidores de Die Antwoord y The Prodigy.
El grupo formado en San Petersburgo por Victor Volcovich (sintes, percusión), Evgenii Bugaev (batería), Anton Chizhenok (VJ que alterna imágenes de films históricos con documentales y clips televisivos) y Prohor Ivanov como ingeniero de sonido debutaba en 2013 con un disco llamado ‘Zemlya i Volya’ («Tierra y libertad») en el que conjugaban el folclore con las últimas tendencias de la electrónica internacional. Se describía su sonido como «un viaje a través de la conciencia colectiva rusa, desde las grandes catedrales hasta las tierras más remotas, desde los guettos suburbanos hasta los enclaves de los ricos. La música de Oligarkh borra las fronteras entre la alta y la baja cultura, entre lo anciano y lo moderno». También se decía que mezclaban «oraciones ortodoxas, letras tradicionales rusas y música electrónica moderna».
Si en aquel primer álbum, con una portada que es para verla, canciones como ‘Hey_woohnem’, de base trap, no se deshacían de un fuerte componente extraño sin más, esta vez ‘Анатолий’ (‘Anatoliy’) sí ofrece una buena colección de canciones con más empaque. La principal es el single ‘Rechka’, con la orientalidad de M.I.A., unos sintetizadores que podrían haber sido aportados por Daft Punk, las ganas de perreo de Major Lazer y sobre todo una tríada de ganchos instrumentales que se instalan en tu cerebro desde la escucha número 1.
Mientras inmediatamente antes la primera pista del álbum, ‘Alliluya,’ nos remite a Enigma, el grueso del álbum alterna las voces agudas femeninas operísticas y los instrumentos tradicionales con los sonidos del jangle, el breakbeat, el trance y la rave. Las pistas más urban (‘Vse Vmeste’, la 3) y las más grandilocuentes y épicas (‘Igor’, la 4; ‘Na Gore’, la 7) se van sucediendo, pero lo que Oligarkh muestran sobre todo en ‘Анатолий’ es su gran capacidad para por un lado entretener al público festivalero un par de horas después de la medianoche y por otro para componer bandas sonoras de películas de acción: ‘Devochki’ es casi jamesbondiana en su «estribillo» y la final ‘Greshniy’, con un pequeño punto más Fuck Buttons y ‘Twin Peaks’, están entre los puntos altos de este álbum.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Rechka’, ‘Greshniy’, ‘Devochki’, ‘Ne Dlya Menya’ (la 2, la 9, la 5, la 6) Te gustará si te gustan: Die Antwoord, The Prodigy, Major Lazer Escúchalo: Spotify
Cuando reseñamos el libro hicimos la comparación: el habilidoso best seller de Paula Hawkins era algo así como una versión de Cercanías de una novela que iba en AVE, el ‘Perdida’ de Gillian Flynn. Ahora, con la adaptación cinematográfica, podemos decir algo más o menos parecido. El director Tate Taylor (‘Criadas y señoras‘, ‘I Feel Good‘) ha intentado seguir por la misma vía que la novelista. Sus referentes son de primera clase: Hitchcock (la historia es casi una «ventana indiscreta» desde el el tren), Brian de Palma (esa «doble» rubia) o el propio Fincher, director de la adaptación de ‘Perdida‘. Pero el resultado se acaba pareciendo más a los thrillers psicológicos de los 90. Y no precisamente a los mejores: ‘Durmiendo con su enemigo’, ‘Falsa seducción’…
Lo mejor de ‘La chica del tren’
1. Emily Blunt. Su imagen está tan cerca de la protagonista de la novela como Jason Statham de ganar un Oscar. Aun así, lo que podría considerarse un garrafal error de casting y una sospechosa omisión (la «chica» del original está gorda), acaba convertido en el gran acierto de la película. La actriz inglesa defiende su personaje con el ímpetu y la determinación de una alcohólica buscando un bar abierto un lunes de madrugada.
2. Han mantenido el final. El arma que la protagonista utiliza en el desenlace de la historia ha sido uno de los aspectos más controvertidos y criticados de la novela. Por excesivo e inverosímil. A mí, al contrario, siempre me ha parecido un guiño de lo más divertido. Que no lo hayan cambiado en la adaptación por algo más «creíble» es como para celebrarlo descorchando una botella.
Lo peor de ‘La chica del tren’
1. La dirección. La realización de Tylor es más plana que la de una tertulia televisiva. Su estilo es rutinario y vulgar (esas cámaras lentas, esos fundidos para separar las tres voces narrativas), y la narración carece de la suficiente tensión dramática y sentido del suspense. Si además te has leído el libro y sabes «quién lo hizo», el aburrimiento está garantizado.
2. El guión. Erin Cressida tiene en su haber varios libretos interesantes, tres historias turbias protagonizadas por mujeres: ‘Secretary’, ‘Retrato de una obsesión’ y ‘Chloe’. Sin embargo, en ‘La chica del tren’, sus mejores ideas se han quedado en el andén. La alternancia de voces narrativas y líneas temporales está tan mal resuelta que más que la adaptación del best seller parece que ha escrito su ‘Ulises’. No se entiende nada.
3. Los flashbacks. En concreto los de las sesiones de psicoanálisis. La tensión sexual entre los personajes interpretados por Haley Bennett (paciente) y Edgar Ramírez (doctor) está peor conseguida que la de ‘Análisis final’, otro thriller noventero con el que ‘La chica del tren’ se podría comparar. A propósito de estas escenas, ¿no es el psicólogo Kamal Abdic de origen balcánico, «serbio o bosnio» según la novela? ¿Por qué entonces, en un momento de la película, se arranca a hablar en español con acento venezolano? «¿Qué lo que tú quiere de mí, eh? ¿Qué lo que tu quiere?». Si hay un misterio es esta película, es este. 4.
Este año CANADA Editorial, la rama discográfica de la productora de videoclips y películas, cumple cinco años de vida. Lo están celebrando con una serie de fiestas en las que participan grupos que editan sus discos con el sello o que, al menos, comparten sintonía estética con ellos. El próximo 31 de octubre, en la víspera de Todos los Santos, tiene lugar la segunda de estas fiestas en la ciudad de Barcelona. Será en la Sala Bikini y cuenta con varias estrellas del indie estatal.
Encabeza el cartel Joe Crepúsculo, cuyos directos son siempre un fiestón garantizado y que, ademñas, viene con nuevas canciones bajo el brazo: la pasada semana estrenaba ‘Te voy a pinchar‘, primer single de un nuevo disco que verá la luz en el mes de enero. Junto a él, el regreso de unos Svper (antes Pegasvs) que tienen también a punto la continuación de su primer largo, que ya ha cumplido más de cuatro años. El otro directo de la noche será el de una de las nuevas promesas del underground urban de la capital catalana, Bad Gyal, que poco a poco se va haciendo un hueco en el panorama.
Tras los directos, la noche se prolongará con sesiones de DJs a cargo de artistas del sello como El Último Vecino y Elsa de Alfonso, además de la de Hidrogenesse. Las entradas anticipadas están a la venta en la web del sello.
Tras finalizar la gira que ha realizado por toda España y Latinoamérica como soporte al ‘MTV Unplugged’ que lanzó el pasado año, Bunbury acomete ahora un ambicioso proyecto editorial que conmemora sus dos décadas de carrera en solitario. El ex-líder de los añorados Héroes del Silencio (como muestra, el karaoke de viejos éxitos del grupo que se montó en DCode 2016 fue de lo mejor del festival) publicará el día 11 de noviembre ‘Archivos’. Se trata de una serie de volúmenes recopilatorios destinados a compilar rarezas, maquetas, versiones y todo tipo de grabaciones que el músico zaragozano había acumulado y no habían visto la luz de manera oficial o que estaban desperdigados por recopilatorios, bandas sonoras, etc.
Divididos en dos volúmenes, el primero de ellos se dedica a canciones destinadas al cine (‘Hada chalada’, ‘Vámonos’, ‘Vete de mí’), al teatro (‘Ni quiero, ni sé olvidarte’), la televisión (‘Tabú’) o proyectos musicales (‘El botón del pánico’, ‘Dies Irae’), dejando espacio también para su faceta versionadora, rindiendo pleitesía a nombres tan dispares como Miguel Ríos (‘El blues del autobús’), El Niño Gusano (‘Papel de regalo’) o Bob Dylan (con la hasta ahora inédita ‘Como una mujer’). Este primer volumen se edita en un doble CD digipack, y en una caja de 4 vinilos que también incluye sendos CD.
El segundo de los volúmenes contiene encuentros dorados con figuras legendarias (María Dolores Pradera, Jaime Urrutia), amigos (Andrés Calamaro, Mikel Erentxun, Draco) y bandas jóvenes que le fascinan (León Benavente, Zoé, Estelares), rastreando también el underground del rock cantado en español (Le Punk, Chus Rebel). El segundo volumen se edita en un triple CD en formato digipack, y asimismo en otra caja de 4 vinilos con el añadido de los tres cd. Os dejamos con el extenso tracklist, repleto de curiosidades. Prometemos que el scroll tiene fin y que, justo después, encontraréis una de las canciones contenidas en ‘Archivos’. Se trata de ‘Corre por la jungla’, su versión de ‘Run Through The Jungle’ de Creedence Clearwater Revival, incluida en un recopilatorio publicado en México el pasado verano.
Archivos Vol. 1 cd 1
Hada chalada (versión bossa)
Vete de mí
Voy a perder la cabeza por tu amor
Con el alma en los labios
Frío
Afuera
Corre por la jungla
Candela
Sí
Dies Irae
Tú eres mi destino
Ni quiero ni sé olvidarte
El hijo del pueblo
Es sólo un día más
Vida
Que el amor no admite cuerdas reflexiones (a la manera de Santa Fé)
Fregonas
Who by fire
Nana de los peces muertos
Archivos Vol. 1 cd 2
Hada chalada
Papel de regalo
Eres bellísima
Vámonos
Annabel Lee
Una décima de segundo
Como una mujer
El botón del pánico
Come Together
Nada (Shacky Carmine)
Necesito
Requiem por un cabrón
Tabú
El tiempo se va
Un caballo llamado muerte
El jinete
Archivos Vol. 2 cd 1
Nada (con Zoé)
Aleluya (con Estelares)
Faro de Lisboa (con Revolver)
Justicia (con Lila Downs)
Obra de arte (con Draco Rosa)
Caperucita roja (con Pedro Guerra)
Nada por aquí (con Jaime Urrutia)
Adiós, carnaval (con Ariel Rot)
Tragos de amargo licor (con La Santa Cecilia)
Se me olvidó otra vez (con María Dolores Pradera)
Chiquilla (con Seguridad Social)
Guitarra dímelo tú (con El Twanguero)
Apuesta por el Rock´n´Roll (con Gabriel Sopeña)
Silencio (con Aurora Beltrán)
El vals del adiós (con Rulo y la Contrabanda)
Archivos Vol. 2 cd 2
Dónde estás (con Jaime Urrutia, Andrés Calamaro y Loquillo)
Dinero (con Marlango)
Duele (con Elefantes)
He pecado (con Cabas & Orishas)
Te solté la rienda (con Andrés Calamaro)
D.F. (con Depedro)
Pequeño Rock and Roll (con Quique González)
Al calor del amor en un bar (con Jaime Urrutia)
Teching (con Piratas)
Cartas de amor (con Mikel Erentxun)
Bestia azul (con Burning)
El blues del autobús (con Miguel Ríos)
Inmerso en el recorrido (con Chus Rebel)
Clases de baile (con Aurora Beltrán)
Archivos Vol. 2 cd 3
El hombre de negro (con Loquillo, Jaime Urrutia y Andrés Calamaro)
Miedo (con M Clan)
Te llevo en el corazón (con Le Punk)
Bolita de trapo (con Cabas)
No todo está perdido (con Skizoo)
El tiempo se puede parar (con Shuarma)
Como lo tienes tú (con Pereza)
Malditos benditos, benditos malditos (con Estrella y Soleá Morente)
Televisión (con León Benavente)
Maldita dulzura (con Disco Pantera & Muni Camon)
Es de hiedra (con Morti)
Hada (con Carlos Ann)
La vida moderna (con Phil Manzanera & Robert Wyatt)
Radiant City (con John Landis Fans)
Pese a que se le enmarque, por razones evidentes, en el auge del trap español alumbrado en Youtube, Dellafuente no se conforma con esa etiqueta ni se rige por los códigos habituales del rap. El Chino, un chico granadino de un barrio humilde pero con un personal flow, ya ha demostrado en sus primeros mixtapes y en su debut oficial ‘Azulejos de corales’ que sus miras son mucho más amplias y que él prefiere denominar su propuesta como música urbana. Música de y para la calle. El magnetismo de sus canciones es enorme para un amplio espectro de la juventud de nuestro país, como demostró la gira ‘Quejíos y Autotune’, con continuos sold-outs en toda la península desde la autogestión. Y no lo ha logrado por la simple imitación de géneros importados de los suburbios de EEUU, sino que en su idea del pop incluye también distintos palos del flamenco y ritmos latinos de una manera absolutamente natural.
El Primavera Club de Barcelona ya se ha consolidado como el «hermano pequeño» del Primavera Sound, construyendo su cartel con grupos que dan la talla y se ganan repetir en el gran evento de finales de mayo / primeros de junio. La última edición empezó con la gran noticia de que todo se concentraba en un mismo espacio, pues en anteriores ediciones tenías que recorrer un par de calles e ir a distintos lugares como, por ejemplo, el Teatre Principal de Barcelona. Lo que parecía en principio la gran ventaja a medida que avanzaba el fin de semana se convertía en el gran inconveniente, pues al haber tanta gente en la sala Apolo, cuando terminaba un concierto y querías ir a La 2, más pequeña, no podías ver el concierto a gusto con facilidad por la gran cantidad de personas que se amontonaban. Es importante matizar que existe el espacio Centro Cultural Albareda por las mañanas, pero sólo ha ofrecido cuatro conciertos del festival, por lo que el grueso del Primavera Club ha ocurrido en el Apolo.
Pussy Riot tiene nuevo single en inglés, ‘Straight Outta Vagina’, que ha producido Dave Sitek de TV On the Radio e incluye a dos raperas invitadas, Desi Mo y Leikeli47. Es un número funky del que se desprende un claro mensaje feminista en frases como «mi vagina es dura y peligrosa / hace tambalear a las grandes discográficas / mi vagina se va a adueñar del escenario / porque la vagina tiene mucho que decir» o «no seas estúpido / no seas tonto / la vagina es realmente de donde provienes». Por su parte, el vídeo, que incluye escenas entre lo divertido, lo absurdo y lo delirante, ha sido dirigido por Phillip Lopez y tiene lugar en un hotel de Los Ángeles, donde Pussy Riot se acompaña además de un grupo de hombres que viste tacones rojos. 
Drake es el cantante masculino que parte la pana en este momento. Acaba de lanzar 
Hayas entendido en él un bonito y divertido álbum de música americana o un álbum más que nada extraño y mal acabado, si de algo tiene que servir 
Este viernes 28 de octubre llega a los cines españoles el recomendable documental de Oasis, ‘Supersonic’, que reseñaremos en los próximos días. Estará en pantallas por tiempo limitado. Como aperitivo, avanzamos un tráiler por cortesía de Avalon. En este fragmento se ve cuáles son los hábitos del grupo en el estudio de grabación, en concreto durante las sesiones de su obra maestra ‘(What’s The Story) Morning Glory’. ‘Champagne Supernova’, que suena en este tráiler interpretada por Liam, tiene además un justo protagonismo durante todo el documental.
Las chicas Gilmore vuelven a Stars Hollow. ‘Gilmore Girls’, la mítica serie de Amy Sherman-Palladino, que se emitió de 2000 a 2006 pero ha resistido el paso del tiempo fabulosamente, vuelve este año a Netflix, concretamente el mes que viene, el próximo 25 de noviembre, y lo hace, por supuesto, con sus dos protagonistas originales, Lorelai (Lauren Graham, la madre) y Rory (Alexis Bledel, la hija), además con otros personajes queridos de la serie como los interpretados por Melissa McCarthy y Kelly Bishop.
Están los artistas de los últimos años que creen que 
Si tenías esperanza de que Ryan Adams se aburriera una tarde y decidiera versionar enteramente discos exitosos de 2016 como ‘
Cada vez que Morrissey habla sube el pan y su 
Este año, Tinashe ha cantado ‘Just Say’, el último single de KDA, el productor house de Londres autor de 
Pete Burns, líder de Dead or Alive, y conocido gracias a uno de los grandes clásicos de los 80, ‘You Spin Me Round (Like a Record)’, ha muerto este domingo a los 57 años a consecuencia de un fallo cardíaco, según ha informado su familia a última hora de este lunes. En 2009 había 
La cantante danesa MØ, a la que conocerás principalmente por ‘Lean On’ de Major Lazer, aunque también por éxitos propios como ‘Final Song’, nunca ha escondido su admiración por Spice Girls. De hecho, en 2014, un poco antes de la salida de su álbum debut, ‘
Los rusos Oligarkh han sido uno de los grandes descubrimientos presentados en 
Cuando
