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La Casa Azul: «Mi afán nunca ha sido innovar ni sorprender sino hacer la música que me gusta»

Por
Sebas E. Alonso
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podriaserpeorLa Casa Azul ha presentado recientemente el primer single de su nuevo disco, ‘La gran esfera’, aún sin fecha de publicación. Ese ‘Podría ser peor’ es la canción favorita de nuestros lectores esta semana tras haber sido votada por el público (podéis votar durante toda la semana hasta por 20 canciones aquí). Es el 7º número 1 para Guille Milkyway en nuestra lista sin contar sus producciones con Fangoria o el legado de Nino Bravo. Hablamos con él sobre el proceso de composición de esta canción o el momento en que se encuentra su nuevo disco.

Nuestros lectores han votado ‘Podría ser peor’ como nuestro top 1 semanal, ¿has estado pendiente de las reacciones a la canción y estás satisfecho con ellas o, por tu carácter, prefieres mantenerte aislado de lo que se dice sobre tu obra?
Lo he visto, sí. Es una alegría, claro. Hoy en día es difícil no estar pendiente de este tipo de cosas. Al lanzar nuevos trabajos lo que recibo son las reacciones de seguidores más fieles del grupo y eso resulta gratificante casi siempre. Aun así, en general, suelo rehuir bastante lo de las críticas u opiniones, porque, bueno, supongo que como a la mayoría, las cosas me afectan y prefiero quedarme con mi sensación personal más que con lo que «se opina» de mi trabajo. Es un tema de inseguridad, en parte, supongo. Pero me va mejor y estoy más tranquilo desde que no presto mucha atención a estas cosas… y hace unos años ya. Es un poco como lo de no entrar en internet a buscar información sobre un síntoma de salud… si estás preparado para encontrarte «muerte», adelante. Yo no estoy preparado.

«Hay muchas canciones grabadas en distintos momentos a lo largo de estos 5 años, pero lo que ha ido sucediendo es que las he ido dejando en un segundo plano en favor de otras grabaciones más recientes»

Han pasado 5 o 6 añazos desde el disco anterior. Sabemos que has estado con lo de Nino Bravo, con Fangoria… ¿pero esta canción es vieja o la has escrito recientemente?
Han pasado 5 años, sí. He estado trabajando en muchos y variados proyectos, musicales y no musicales, aparte de los que comentas. Respecto a La Casa Azul, sí, hay muchas canciones grabadas en distintos momentos a lo largo de estos 5 años, pero lo que ha ido sucediendo es que las he ido dejando en un segundo plano en favor de otras grabaciones más recientes. Es lo que le suele pasar a cualquier grupo, imagino. Respondiendo a tu pregunta, ‘Podría ser peor’ es una canción bastante reciente.

La canción tiene un puente precioso, para mí es lo mejor de la canción (la parada, el añadido de las cuerdas, el «Bye-bye Shangri-La»). ¿Surgió al mismo tiempo que el resto de la canción, antes o después?
Pues muchas gracias, es mi parte favorita también. La idea del puente con la progresión armónica de la intro y la outro, en la que se explicitara el desazón era la clave de la canción para mí. Lo de «no pudimos remontar»…

Después está la subida de tu voz hacia el final, ¿querías que la canción por su contenido tuviera un clímax muy marcado o te salió así sin más? ¿Eres un poco matemático para esto o más pasional?
Se trata de música pop, no es nada complejo. No es plan de descubrir nada: son 4 acordes, melodías sencillas, estructuras conocidas. Cualquiera con muy poco conocimiento musical puede sacar los acordes de cualquier canción. En mi opinión, la magia de las canciones pop no reside en nada de esto. La clave está en el matiz, en la forma de encajar todos los elementos, arreglo, estructura, métrica, rimas, interpretación, concepto, melodía, armonía, y que el encaje sea personal, verdadero y trascendente. Algo puede ser muy sorprendente e innovador y nos podría emocionar por ese motivo pero también podría no hacerlo. De la misma manera, una canción en plan «Do La menor Fa Sol», escuchado hasta la saciedad, nos podría causar un profundo aburrimiento y sin embargo también podría atraparnos de por vida. La razón por la cual ‘Be My Baby’ te eriza la piel a pesar de su sencillez solo la sabe Phil Spector. O quizás ni siquiera él lo sabe…

La introducción de un par de palabras en inglés «un pequeño crush» y ese «bye bye Shangri-La» que no entendí hasta que vi el vídeo y parece una referencia privada y a la vez un homenaje a las Shangri-Las, ha quedado bastante natural. No estamos muy acostumbrados al Spanglish en el pop independiente aún. ¿Te lo pensaste, te daba cierto pudor o tenías claro ambas?
Bueno, el uso de «crush» está bastante extendido. Un crush ha pasado a ser el uso corriente del clásico «flechazo». «Flechazo» no me cabía y «crush», a parte de rimar bien, me permitía un uso casi onomatopéyico del «flechazo» (en ese momento en la canción, la palabra se apoya con un efecto de reverberación más pronunciado). «Crushhhhhh»… me divierte hacer esas cosas. a mí el spanglish como que me da lo mismo, que cada cual escriba como quiera… respecto al «shangri-la», me encantan las Shangri-Las obviamente, pero en este caso no hay ningún homenaje ni referencia a ellas. El Shangri-la es el paraíso perdido, la Atlántida, el Shambhala, llámalo como quieras. Shangri-la es como lo llaman en la novela ‘Lost Horizon’. Desde pequeño la adaptación al cine de la misma me fascina. No tanto la original (que la vi ya de mayor), como quedaría bien decir, supongo, sino el remake de los 70, que, por cierto, y sin que venga al caso, tiene una banda sonora súper chula de Bacharach… ha sido un término muy utilizado en la música, no es nada demasiado original, desde el clásico standard de los 40, la canción de los Kinks, la de la ELO. Siempre me ha conmovido la idea de la utopía terrenal, lo de la isla mítica…

La canción habla de la desilusión y el fin del amor, sobre intentar salvar una relación que parece insalvable. Por edad, ¿estás en un momento pesimista respecto a eso, que el amor se acaba, o escribes en el momento más bajo como nos indicaba por ejemplo La Bien Querida?
Bueno, que el amor se acaba no es ninguna opinión, ¿no? O sea, que se acaba, eso está claro. Es como la muerte. La muerte pues llega. Y cuando llega pues es difícil de aceptar… pues la muerte del amor, igual. Escribir en los momentos bajos es lo que hacemos todos porque cuesta mucho menos, tiene mucho menos mérito y en parte es lo que da sentido a nuestro trabajo porque encontramos el consuelo anhelado. Yo pienso que resulta admirable cuando alguien te consigue emocionar desde la felicidad…

Hay cierto continuismo en este tema con respecto a tus temas más disco, incluso en portada y diseño. ¿El disco tirará por ahí o habrá sorpresas tipo ‘La Polinesia Meridional’ o ‘Sálvese quien pueda’?
Me tomo ‘La Revolución Sexual’, ‘La Polinesia Meridional’ y ‘La Gran Esfera’ como tres discos de una misma época, cada uno con sus cosas, pero vamos… no sé. Mi afán nunca ha sido innovar ni sorprender sino hacer la música que me gusta, intentando cada vez hacerla mejor o más cerca del ideal que tengo en mi cabeza. ‘La polinesia meridional’ era un mejor intento de ‘Vamos a volar’, igual que ‘Podría ser peor’ lo es de ‘Todas tus amigas’, que a su vez lo era de ‘La revolución sexual’. Te hablo estilísticamente, claro. A nivel conceptual, no sé, para mí sorprender sería cantar acerca de un partido de cricket o hacer un disco de doom o de trap. Bueno, de trap no sorprendería mucho en realidad…

Tu Instagram dice 2017 pero tus discos salen todos en noviembre/diciembre, supongo que no podrás revelar la sorpresa, pero si sí, encantados. ¿Puedes decirnos al menos si el disco está terminado o enviado a fábrica?
No está enviado fábrica, no… iremos tranquilos pero sin pausa. Pronto habrá más novedades.

¿Te puedes creer que Facebook nos dijo que tu portada contenía una postura demasiado sexy para sus cánones? ¿Os ha pasado en Elefant o en tu muro algo parecido?
Ay no… ¿sexy? Mira, me das una alegría, pero vamos, ¿sexy? Es un cuerpo en posición fetal flotando en una esfera. Es esta cosa americana de asociar desnudo con sexo, imagino…

¿Hay vídeo para este tema o es un buzz single tipo ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’?
Habrá videoclip. Ojalá lo hubiera habido de «los chicos».

«Es muy atrevido pensar que la mayoría de gente no está preparada para escuchar prácticamente cualquier tipo de música»

Finalmente, supongo que sabrás, aunque sólo por tu co-autoría con Fangoria, que Los 40 Principales están cambiando de línea editorial. ¿Crees que puedes estar entre los elegidos que pueden sonar y entrar en lista? ¿Te haría ilusión? ¿Te da igual?
Siempre es buena noticia que la radiofórmula sea permeable a todo lo que sea capaz de absorber. Es muy atrevido pensar que la mayoría de gente no está preparada para escuchar prácticamente cualquier tipo de música.

Kokoshca / Algo real

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Sebas E. Alonso
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kokoshcaLos navarros Kokoshca han acertado de pleno al evitar la mímesis del sonido indie de nuestros días y también el de los 90, para apostar en su lugar por un rock más crudo y ochentero que vincularía antes con Burning, Tequila o incluso Loquillo y Los Trogloditas. No era una boutade. Por eso colaboraban con su paisano El Drogas de Barricada, y ahora este escribe el texto promocional de su nuevo disco ‘Algo real’, ese que comenzaba muy acertadamente con un «suena polvoriento a desierto».

Apenas con Los Planetas más aflamencados -también con La Bien Querida- podríamos asociar uno de los adelantos del disco, ‘Mi consentido’ (que arrancaba en verdad como un tiro de Sigue Sigue Sputnik), pero en ‘Algo real’ predominan las guitarras de punk ramoniano, de rock urbano y canalla y también surferas y garajeras. El álbum cuenta con una versión del grupo de post-punk noventero The Make-Up y suena muy americano, ciertamente «polvoriento, a desierto» en muchos de sus puntos, como es el caso de esa ‘Yo nací’, que suena tan desafiante como decadente, al igual que la tabernera y «western» ‘Serengueti’, de donde sale el título del disco.

No es el único corte que plantea la búsqueda de «algo real», pues el mantra final y cumbre de un tema llamado muy adecuadamente ‘Laberinto’ es «no existe solo una verdad / y nunca sabré si aquello era real»; pero la temática más llamativa del disco es la alienación. El rock’n roll ha sido un género de marginados y eso es algo que se refleja en la entretenidísima ‘RBU’, que parece mentira que sea la canción más larga del álbum. «Hace días que debería buscar un empleo, pero me resisto / aún quiero ser yo misma», indica antes de concluir «esta vida no es para mí» y finalmente, resucitar, autosuficiente: «así, sin nada soy feliz» porque «yo no necesito esas cosas que ellos quieren tener».

Ese poso casi optimista también mantiene la inmediata ‘No mires hacia atrás’, sobre la muerte y recordando que todos somos iguales, aunque el álbum termina marcado por la melancolía que se desprende del bonito bolero ‘El escultor’, en el que no faltan los punteos surferos, y de la final ‘Cuánta hermosura’, que cabalga, lenta y tristona, incorporando una trompeta como sacada de los años 40. El acabado lo-fi de este arreglo y otros detalles del álbum (como la misma dicción de Iñaki y Amaia) no termina de estar a la altura de lo que merecerían los autores de la maravillosa ‘La fuerza’, condenándoles probablemente a ese nicho indie al que no deberían pertenecer.

Porque sus retratos son universales y comprensibles por todos. Lo hemos comprobado en otros de sus discos, en ‘Directo a tu corazón’, ‘No volveré’ o ‘Mi chica preferida’, y ahora volvemos a comprobarlo en ‘No queda nada’, un retrato de un garito o una generación con los días contados. «No queda nada interesante / puñado de gente echada a perder», comienza diciendo, ¿pero sabéis qué? Su estribillo levantaría a un muerto, el punteo del puente instrumental también, las palmas tienen la misma intención y cuando creías que nada podía ser mejor, llega la estupenda coda «estoy pensando en dejarlo / es que ya tengo muchos años». A este nivel, ni hablar. Bendita contradicción.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘No queda nada’, ‘Mi consentido’, ‘El escultor’, ‘Yo nací’, ‘No mires hacia atrás’
Te gustará si crees que: ‘El ritmo del garaje’ es una gran canción
Escúchalo: Spotify

¿Qué pasó realmente con el playback de Enrique Iglesias en Cannes?

Por
Sebas E. Alonso
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enrique-iglesiasEnrique Iglesias ha tenido más éxitos internacionales de los que nadie pudimos adivinar en 1996, pero nunca se ha caracterizado por sus prodigiosas interpretaciones vocales en vivo. La noticia ahora es que las redes están incendiadas por un nuevo playback del artista en los NRJ Music Awards celebrados este sábado en Cannes. En la presentación en vivo de su último hit ‘Duele el corazón’ hay problemas acústicos claramente perceptibles desde el segundo cero. Casi todos los medios apuntan a que ha actuado en playback pero que debido a los problemas técnicos, él mismo pasó de disimular y se limitó a dejar la pista pregrabada sonar tal cual mientras animaba al público sin ni siquiera mover los labios. Y esto último sucede.

Sin embargo, en la actuación hay dos partes diferenciadas, una claramente en directo (otra cosa es la afinación) y otra que parece programada deliberadamente en playback. Lo que casi todos los medios haciendo sangre de esto omiten es que lo más probable es que el artista planeara una actuación mitad en playback mitad en vivo, algo ya asumido en las ceremonias de premios, y que hemos visto hacer, ya varias veces, a Rihanna y a Justin Bieber sin ningún tipo de pudor. Cuando les apetece se incorporan a un coro o a un estribillo, mientras de fondo suena otra pista. Cuando no, bailan sin más. Si no era esa la intención de Enrique Iglesias, es bastante extraño lo que sucede. ¿Dónde está la pista vocal pregrabada durante los primeros segundos? ¿De dónde sale todo ese eco si no pensaba cantar nada de nada? ¿No está totalmente claro al principio que eso un playback no es? ¿No dan una pista esos manotazos que le pega al micrófono?

Lamentablemente, Enrique Iglesias no ha querido comentar el asunto en las redes sociales, a diferencia de Iggy Azalea y Mø, que después de un caótico semi-playback en la televisión americana, acudieron raudas y veloces a explicar que habían tenido un problema con el pinganillo.

Aquí el semiplayback de Rihanna en los MTV VMA’s, que ha subido orgullosa a su canal de Youtube. Como se puede apreciar claramente, a veces canta, a veces no. El verdadero debate es: ¿nos estamos acostumbrando demasiado a esta fórmula?

¿Dónde está Linn, la rubia de Ace of Base? ¿Por qué viene Jenny sola?

Por
Sebas E. Alonso
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aceofbaseAlgún despistado no sabrá que Ace of Base, en lugar de ser «one hit wonders», vendieron millones de discos. No se puede decir que su fusión de reggae, pop y eurodance no haya tenido continuidad y su impronta llega hasta nuestros días: hace muy poco comparábamos su sonido con lo nuevo de Clean Bandit (número 1 actualmente en Reino Unido) o con ‘Dancin’ In Circles’ del último disco de Lady Gaga.

Hoy nos sorprende la noticia de que Jenny Berggren, la morena de Ace of Base, vendrá a un evento que celebra los 90 en el Barclaycard Center de Madrid, ¿pero dónde está su hermana Linn? Cualquier día es bueno para recordar este post del blog La Verdad sobre Batman y Robyn en el que se demostraba con fotos progresivas cómo Ace of Base iban avisando de que Linn desaparecería del grupo, mostrándola cada vez más desenfocada o tapada. Un buen intento de hacernos olvidar el protagonismo total que tenía Linn en el vídeo de ‘All That She Wants’ (en ‘The Sign’ la cosa sí estaba más repartida).

Desde 1997 Linn tuvo, deliberadamente, menos y menos protagonismo en Ace of Base. No concede entrevistas desde más o menos aquel año y sus apariciones públicas han sido inexistentes desde una actuación en la tele alemana en 2002, cuando apareció en un desganado playback para promocionar el disco de aquel año, ‘Da Capo’, en el que se implicó vagamente. Según algunas publicaciones, le afectó profundamente que una fan se colara en casa de su hermana Jenny con la intención de apuñalarla en 1994 y el miedo le hizo querer retirarse poco a poco. También se dice que tiene miedo a volar (aunque también ha rechazado actos en Suecia y Dinamarca) o que estaba enferma.

No hay fotos suyas recientes, de hecho ocasionalmente su imagen ha desaparecido de la web de Ace of Base (aunque ahora mismo sí aparece), pero sí hay información oficial del año pasado. Jonas Berggren, hermano de Jenny y Linn y co-fundador de Ace of Base, comentaba con Billboard en marzo de 2015 algunos de los éxitos de la banda y hablaba sobre Linn, a la que decía haber visto justo antes de la realización de la entrevista. «No creo que los cuatro volvamos a hacer una gira», indicaba, apuntando como punto de inflexión el momento en que Clive Davis de Arista Records obligó a cantar a Linn un tema de Ace of Base que no le gustaba nada, ‘Everytime It Rains’ (1999). Y Jenny, que quería cantarla entera y sola, no pudo hacerlo.

«Fue muy difícil para las hermanas», recuerda Berggren, que indica que cuando ve a Linn habla de todo menos de música. «Mi sueño sería que Linn cantara las canciones que aún escribo, sin promoción, sólo cantar las canciones. Eso sería perfecto», confiesa, sabiendo que solo tiene un no por respuesta.

Tras el mencionado disco de 2002, los tres miembros restantes de Ace of Base siguieron girando, pero una disputa entre Jenny y los chicos terminó con la salida de ella de la banda y posteriormente su negativa a volver. El problema es que ellos empezaron a trabajar con nuevas cantantes más jóvenes. Según Jonas, «Jenny nunca dijo que se iba, pero la compañía interpretaba que ya se había ido, así que buscamos nuevas vocalistas». Ella respondió que había llegado a un acuerdo verbal para colaborar en el disco que salió en 2010 pero que no había nada por escrito, por lo que se la jugaron. «No querían que colaborara en el disco», aseguraba. «Y ahora no quiero volver. Merezco una disculpa».

Como consecuencia, salió un disco de Ace of Base en 2010 con esas dos cantantes nuevas, Clara Hagman y Julia Williamson, firmado como Ace.of.Base, y podréis ver a Jenny por su cuenta en Madrid el próximo año.

Os dejamos con la canción que terminó de romper todo. Es digna de ello. Y también con una foto de los «Ace.of.Base» del siglo XXI.

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¿Creará tendencia Bruno Mars con su disco de sólo 9 canciones?

Por
Sebas E. Alonso
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brunomarsA menos de 48 horas para que ’24K Magic’ de Bruno Mars se lanzara en los primeros países (Australia, etc), seguíamos sin tracklist oficial para el disco (se ha filtrado finalmente en la noche del martes al miércoles). La noticia es llamativa, porque este es uno de los lanzamientos más esperados del trimestre y el álbum pretende ser uno de los más vendidos de la Navidad y, por tanto, del año. No en vano, el anterior ‘Unorthodox Jukebox’ fue el disco más vendido en todo el mundo en 2013, pese a haberse editado en 2012, y además en medio Bruno ha tenido el que fuera el mayor éxito de 2015, ‘Uptown Funk’ junto a Mark Ronson.

La información que da el pre-pedido de iTunes hasta hace unas horas era únicamente que ’24K Magic’ será la pista 1, la balada a lo Michael Jackson ‘Versace on the Floor’ la pista 5 y, según algunas fuentes, como se ha confirmado, ‘Too Good to Say Goodbye’ la pista 9. No había más títulos ubicados. Pero lo más llamativo es que iTunes indicaba que el álbum contendría solo 9 canciones.

Los discos con 8 o 9 canciones fueron una constante durante los 70 y los 80, a los que Bruno Mars referencia. No hay más que recordar cuántas pistas tenía ‘Thriller’ de Michael Jackson. También tenía 9 canciones ‘Purple Rain’ y 8 ‘Let’s Dance’ de David Bowie o ‘Madonna’ de Madonna. Hubo un momento en que era lo más normal del mundo que un álbum contuviera cuatro o cinco canciones por cara en las ediciones de cassette o vinilo, pero de todos es sabido que la llegada al mercado del CD trajo la necesidad de aprovechar hasta el último segundo que cupiera ahí dentro para llenarlo todo de pistas y más pistas. Metallica llevaron ‘Load’ (1996) hasta los 78 minutos y 59 segundos no por imperativos artísticos, sino como divertimento.

Y en la era internet ya el formato terminó de volverse loco con «bonus tracks», ediciones especiales para una u otra plataforma de streaming y descargas. Cabe preguntarse si tanta «generosidad» en cuanto a descartes pistas, ha traído mejores discos y ahora es cuando mejores discos de la historia se están haciendo. Grandes discos largos ha habido siempre, desde el blanco de los Beatles hasta el ’69 Love Songs’ de Magnetic Fields, y aquí algunos sumarán lo larguísimos que son este año los discos de James Blake, Frank Ocean o Kanye West.

Sin embargo, también llama la atención lo cortito que es ‘Lemonade’ de Beyoncé en comparación con el anterior álbum de la artista (dura 21 minutos menos, y sin bonus track alguno) o, en ámbitos más underground, lo cortísimo que es el disco de Bon Iver. Eso sí, ninguno se había atrevido a bajar de las 10 canciones.

Más fuera del mainstream todavía, el álbum de Nick Cave, en unas circunstancias muy distintas (‘Skeleton Tree‘ trata la muerte de su hijo) sí baja a las 8 canciones, aunque son casi 40 minutos de música. Bruno Mars es un artista mainstream, muy distinto (sus fans se quejan en las redes de las poquísimas canciones que tendrá el álbum), sus composiciones rondan los 3 o 4 minutos y ’24K Magic’ sobrepasará, por lo que se puede ver en iTunes, la media hora por muy poquito. Con fans como este es fácil concluir que muchos artistas sacarían por razones artísticas discos de 8-9 canciones, pero no se atreven debido a la presión social. Ahí está el caso de ‘Purpose’ de Justin Bieber o ‘Views’ de Drake. Habrían sido discos cortos estupendos, pero se prefiere dar 20 pistas o casi, como para que cada cual diseñe su propio playlist.

El viernes podría haber sorpresas de varios tipos: quizá una edición deluxe, de momento inexistente en iTunes, podría hacer subir el minutaje; o cierta falta de calidad podría explicar por qué hay tan pocas canciones en este disco; pero la mejor sorpresa sin duda sería que el álbum fuera excelente y volviera a ponerse de moda ese disco corto de pop redondo y perfecto de media hora de duración, en un solo vinilo para que no tengas que cambiar de cara hasta 5 veces para poder escuchar el disco entero, e ideal para escuchar en bucle durante todo el año que viene. Rara vez lo entrega ya la música pop.

Robbie Williams tiene flechazos con hombres pero no puede «con lo de la polla»

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Sebas E. Alonso
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attitudeEstán los artistas tímidos y retraídos que evitan dar titulares, y luego tenemos a Robbie Williams, que sabe perfectamente a lo que va cuando acude a cierto medio de comunicación. El nuevo ejemplo es la entrevista que ha concedido a la revista gay Attitude recogida por NME, que lógicamente está bien llena de titulares.

Por si no había hablado lo suficiente sobre sus escarceos con el mundo gay, esto es lo que el cantante, actual número 1 en las islas británicas con ‘The Heavy Entertainment Show‘, nos tiene que contar: «me criaron en una sociedad donde gay era lo que tenías que llamar a alguien para hacerle daño. Así que estar expuesto a ese mundo del que me encantaba formar parte… me tomé mi primer éxtasis en un club gay, me lo pasé increíblemente bien. Pensé: «¿por qué he vivido de otra manera cuando podría haber vivido así siempre? (…) Y también a causa de la homofobia que hay, a los 21 pensaba: «¿como no odio a los gays eso significa que soy gay? Así que a los 21 o 22 pensaba que eso tenía que significar que de alguna manera era gay».

A continuación bromea sobre cómo «gay» es una palabra sugerida por Google cuando buscas «Robbie Williams». Y añade: «La verdad es que lo mío con lo gay es que no me decido a hacer lo de la polla. Tengo flechazos. Grandes flechazos con hombres. Muchos. Tengo muchos flechazos. Pero no puedo con las pollas. No disfruto mucho mirando la mía. Si pudiera lo haría porque me gusta el sexo. Me hubiera gustado ser capaz de tener esos devaneos».

Aquí el olvidado single en el que jugaba con su posible homosexualidad, ‘Old Before I Die’.

A Father John Misty no le ha gustado que le versionen en ‘La Voz’

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Sebas E. Alonso
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fjohnmistyUn concursante de ‘La Voz’ de Estados Unidos llamado Aaron Gibson (del equipo de Miley Cyrus) ha versionado uno de los temas más populares del cantautor Father John Misty, ‘Hollywood Forever Cemetery Sings’, incluido en su primer disco en solitario llamado ‘Fear Fun‘. A Adam Levine de Maroon 5 le encantó, y es de suponer que a Father John Misty le gustara que su música se diera a conocer frente a millones de personas, o que un fan escogiera su música para sumar puntos en el programa, pero no ha sido el caso y Father John Misty acudía a Facebook para preguntar «¿por qué, Dios mío, por qué?», enlazando la versión, para después pasar a borrarlo. Pitchfork tiene un pantallazo.

Father John Misty ha tenido sus más y sus menos con la cultura pop. Ha co-escrito ‘Hold Up’ para Beyoncé y ‘Sinner’s Prayer’ y ‘Come to Mama’ con Lady Gaga, pero este verano interrumpió su concierto en un festival de Filadelfia para ofrecer un discurso sobre las propiedades narcóticas del entretenimiento de masas, al que llamaba «estúpido», antes de cancelar el show in situ. A algunos no les gustó nada el gesto. Por cierto, sus ex compañeros de Fleet Foxes acaban de informar a un fan a través de Facebook de que están terminando su tercer álbum.

Os dejamos con la actuación del pobre Aaron Gibson, que en otra de las galas cantó ‘Losing My Religion’ de R.E.M.

Michael Stipe produce a Fischerspooner y prepara su regreso a la música

Por
Sebas E. Alonso
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michael-stipeCon motivo de la reedición de 25º aniversario de ‘Out of Time’, Michael Stipe ha concedido una entrevista a New York Times que va a hacer las delicias de todos los fans de R.E.M. En ella cuenta cómo ‘Out of Time’ fue el último disco que escribió sin ordenador (usó una máquina de escribir y la mano), habla del adorable «I need this» de ‘Country Feedback’ y también de otros puntos de la discografía de R.E.M. Por ejemplo reconoce que sacando ‘Monster’ después de ‘Automatic for the People’ se pegaron «un tiro en el pie» pero que aunque todo el mundo odió ese disco, no era «tan malo». No obstante, su favorito es ‘New Adventures in Hi-fi’ (1996).

También hay tiempo para hablar de novedades. El cantante de R.E.M. sigue inmerso en sus esculturas, y ahora tiene nueva exposición, pero además hay regreso musical, lo cual es toda una noticia, pues Michael Stipe había dicho que no volvería a cantar, pues «sonaría demasiado a R.E.M.» Después de tocar en dos homenajes para David Bowie y de cantar ‘Justify My Love’ de Madonna en los karaokes, ha decidido que echa de menos el escenario.

Estas son sus palabras: «No estoy preparado completamente para saltar al mundo del pop, a mis 56 años, pero quiero trabajar en música de nuevo». De momento está produciendo ‘SIR’, el nuevo álbum de Fischerspooner, lo cual está siendo una experiencia interesante, pues siempre quiso llevar a R.E.M. hacia la electrónica y la música de baile, aunque ahora se ha dado cuenta de que «no era quiénes éramos». No obstante, durante el cambio de siglo, sí hubo alguna incursión electrónica entre ‘Up’ y ‘Reveal’. ¿Se parecerá lo nuevo de Fischerspooner a la maravillosa ‘I’ve Been High’? ¿Y su material en solitario?

Love the 90s coincidirá de pleno con la final de Eurovisión

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Sebas E. Alonso
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rebecaLa noticia musical del día es la celebración en Madrid de un festival llamado Love the 90s. El socio fundador de la promotora Sharemusic! Hugo Albornoz ha explicado que «el festival surge como respuesta a la necesidad detectada en nuestro país de un festival de este tipo, ya que España es el único lugar de Europa en el que no había hasta ahora un evento así; a diferencia de Bélgica, Alemania, Holanda o Italia, donde se consolidan desde hace años».

Jenny from Ace of Base (los otros no vienen), Technotronic, 2 Unlimited, Snap!, OBK, Ice Mc, Corona, New Limit, Whigfield, Sensity World, Tina Cousins, Rebeca y Chimo Bayo actuarán y se ha informado de que «el evento formará parte de los actos relacionados con el World Pride, la gran fiesta mundial del Orgullo LGTB». Bien por buscar sinergias con el público gay, aunque mal por dejarse por el camino a una cantidad enorme de público objetivo: el eurofán.

Como nos apuntan varios de nuestros lectores a través de los comentarios o el Twitter, el evento se celebra el 13 de mayo. Aunque algunos no tenemos la fecha grabada a fuego todavía, se trata exactamente del mismo sábado 13 de mayo en que se celebrará en Ucrania la final de la nueva edición del Festival de Eurovisión (las semifinales son los días 9 y 11).

A falta de conocer quién será el representante español, que no se desvelará hasta febrero, tras un largo proceso de selección, o el de otros países, lo seguro es que serán muchos los que lamentarán estar allí dentro del Barclaycard Center. Empezando por la mismísima Rebeca, que como autora, se ha presentado a Eurovisión unas cuantas veces, y de hecho en el perfil de su cuenta de Twitter usa ese mismo hashtag, #Eurovisión.

Alaska y Mario presentan su debut en el teatro ‘El amor sigue en el aire’ en El Hormiguero

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Sebas E. Alonso
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el-amor-sigue-en-el-aire‘Alaska y Mario’ vuelven esta noche a El Hormiguero de Antena 3 para promocionar la que va a ser su primera incursión en el teatro. Se trata de una participación en ‘El amor sigue en el aire’, una obra en la que hasta ahora actuaban en solitario Manuel Bandera y Bibiana Fernández. A partir del 6 de diciembre se unen Alaska y Mario para dar vida a una pareja que acaba de enamorarse. Estarán durante doce funciones en el Teatro Capitol de Madrid, hasta el 8 de enero. Esta obra supone tanto para Alaska como para Mario Vaquerizo su primera experiencia sobre las tablas.

La obra ‘El amor está en el aire’, de Félix Sabroso, se ha representado durante meses por todo el país. ‘El amor sigue en el aire’ es una adaptación para la inclusión de Alaska y Mario Vaquerizo. Os dejamos con su nota de prensa:

«Diez sketches y diez canciones articulan este directo espectáculo en clave de comedia mordaz, que indaga en las relaciones de pareja. El amor, el desamor y sus aledaños: la pareja, el matrimonio, el sexo, la infidelidad, la dependencia, la renuncia, las mentiras, el desengaño, el olvido. El amor ese eterno juego del ratón y el gato que toca y conmueve al común de los mortales. Ahora llega su continuación ‘El amor sigue en el aire’.

Alaska y Mario Vaquerizo se suman a esta “fiesta” del amor para hacerte disfrutar de lo lindo.
Después de un año de gira o tourné, que parece que este término más vintage nos cabe más, El amor está en el aire vuelve a Madrid por todo lo alto pero además recibe visita. La función se prepara para recibir en doce únicas funciones a dos invitados de lujo que debutan con nosotros: ALASKA Y MARIO. Ofrecemos un reloaded en toda regla, con nuevas escenas, nuevas canciones y más sorpresas. El amor ESTÁ en el aire se convierte estas navidades en El amor SIGUE en el aire y El Teatro Capitol se convierte en teatro para nosotros».

DMA’s / Hills End

Por
Sebas E. Alonso
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DMASSalvo excepciones, las listas australianas tienden a ser un calco de las británicas por razones evidentes, así que no es tan raro que una banda de este país suene obsesionada con el Brit-pop noventero en general y con la música de Manchester en particular, por mucho que les separen miles y miles de kilómetros. Cuando DMA’s se dieron a conocer hace un par de temporadas, les llovieron las comparaciones con Oasis y en este debut perduran por ejemplo en la pronunciación que hace Tommy O’Dell (nada que ver con Tom Odell) de ese «Take me to all your secreeetssss» de ‘Too Soon’ -puro Liam- o en lo que se parece el estribillo de la baladita ‘Blown Away’ al de ‘Don’t Go Away’ -puro Noel-. Sin embargo, tras triunfar con su falsa balada acústica ‘Delete’ (la canción termina por despegar), DMA’s han ensuciado su sonido, vinculándose más bien a Stone Roses por un lado (‘Timeless’) y a los Smiths por otro al adaptar los míticos punteos de Johnny Marr (¡ese comienzo de ‘Straight Dimensions’!). ‘Hills End’ echa de menos la inclusión de algún tema de su EP homónimo del año pasado, como aquel ‘Laced’ que se acercaba a R.E.M. o la enérgica ‘Feels Like 37’, aunque a cambio ofrece novedades que, sin superar sus mejores momentos, son disfrutables por el brit-popero más nostálgico, como el medio tiempo ‘Step Up The Morphine’.

DMA’s tocan este miércoles 16 en San Sebastián junto a Lukiek (entradas, aquí) y el jueves 17 en Madrid, en este caso con Alborotador Gomasio de teloneros (entradas, aquí).

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Lay Down’, ‘Delete’, ‘Step Up The Morphine’, ‘Timeless’
Te gustará si te gusta: el indie de Manchester
Escúchalo: Spotify

Cartelazo con «one-hit-wonders» (y no tanto) de los 90 para el festival Love the 90s de Madrid

Por
Jordi Bardají
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pumpupthejamcd5Esta mañana, en el Barclaycard Center de Madrid, se ha presentado en rueda de prensa el nuevo festival Love the 90s dedicado a la música pop de los noventa. Ha presentado la rueda de prensa el mítico locutor Fernandisco, que se ha acompañado de Chimo Bayo, Rebeca y los Jumper Brothers para dar a conocer el que se ha descrito como el «mayor festival europeo de los 90 que nunca pudiste vivir en los 90». La presentación se ha retransmitido en Facebook.

Si esa te parece una descripción hiperbólica, espera a conocer el cartel. El festival, que tendrá lugar en el mencionado Barclaycard Center de Madrid el próximo 13 de mayo de 2017, contará no solo con las actuaciones de Chimo Bayo, Rebeca y los Jumper Brothers sino también con intérpretes de varios de los singles de eurodance más icónicos de la época, entre los que se encuentran Jenny de Ace of Base (‘All That She Wants’), Technotronic (‘Pump Up the Jam’), 2 Unlimited (‘No Limit’), Snap! (‘Rhythm is A Dancer’) o nuestros míticos OBK (‘El cielo no entiende’).

El resto del cartel lo completan artistas como Corona (‘Rhythm of the Night’), Ice MC (‘Think About the Way’), Whigfield (‘Saturday Night’), New Limit (‘Smile’), Sensity World (‘Get It Up’) y Tina Cousins (‘Forever’). Un festín de nostalgia noventera como no se ha visto antes. La pregunta es quién falta por aquí… ¡si está todo el mundo!

El Guincho y Kid Simius serán los teloneros de Crystal Fighters en diciembre

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Jordi Bardají
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kid-simiusCrystal Fighters actúa en varias ciudades de España del 3 al 11 de diciembre para presentar su último disco, ‘Everything is My Family’. Sabíamos fechas y ubicaciones de sus conciertos en el país pero nos quedaba por conocer a sus teloneros y estos se acaban de anunciar. En primer lugar, El Guincho abrirá para Crystal Fighters en San Sebastián, Barcelona, Valencia y Madrid y Kid Simius hará lo mismo en A Coruña y en su ciudad natal, Granada.

La nota de prensa lee: «El Guincho pondrá el énfasis durante sus sets de apertura en los temas de su cuarto trabajo, ‘Hiperasia’, que también ha salido este año y con el que ha reforzado su posición internacional, como refleja esta reseña del mismo publicada en ‘The Wire’: «‘Hiperasia’ ofrece un vívido, enfebrecido sonido mundial con voces auto-tuneadas, electrónica idílica y ritmos maquinales lo suficientemente sólidos para ponerse al lado del mejor R&B que los Estados Unidos pueden ofrecer».

Mientras, Kid Simius, el DJ y productor granadino afincado en Berlín José Antonio García Soler, prepara su primer largo después del lanzamiento del EP ‘Jirafa Waves’ el pasado mes de marzo. Se describe su sonido como «surf n’ bass» por su naturaleza tropical y por el color fluorescente de sus paisajes sonoros, que lo emparentan con el sonido también colorido, aunque mucho menos electrónico, de Crystal Fighters. Os dejamos con uno de sus singles pero no os perdáis ‘Jirafa Waves’, que contiene un tema titulado ‘Berlin Flamenco Ensemble’, de revelador título.

Las entradas para los conciertos de Crystal Fighters en España están disponibles en Ticketea.

«Haley» de ‘Modern Family’ hace de Halsey en una versión de ‘Closer’

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Sebas E. Alonso
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haley-dunphyThe Chainsmokers acaban de bajar al fin del número 1 del Billboard Hot 100 después de 12 semanas en la cima con su tema con Halsey, ‘Closer’. Y justo ahora la canción vuelve a ser noticia porque la actriz Sarah Hyland, conocida por todos como Haley Dunphy de la casi incombustible ‘Modern Family’, ha realizado una versión de la canción.

En ella hace naturalmente de Halsey mientras de The Chainsmokers hacen… Boyce Avenue, aquellos muchachos de los que te hablamos hace unos años por sus curiosas versiones acústicas de hits actuales. Gracias a ellos descubrimos que detrás de ‘4 Minutes’ de Madonna con Justin Timberlake había una excelente canción cuando todavía estábamos aturdidos por las trompetas de la muerte de Timbaland, y en estos años han continuado subiendo versiones acústicas de hits.

Entre las más escuchadas de su cuenta de Youtube están ‘We Can’t Stop’ de Miley Cyrus o ‘We Found Love’ de Rihanna, aunque la única que ha superado los 100 millones de visitas es la que hicieron con Fifth Harmony de ‘Mirrors’ también de Justin Timberlake. En esta Sarah Hyland / Haley Dunphy se revela como una vocalista bastante competente.

Adiós a David Mancuso, fundador del icónico The Loft de Nueva York

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Jordi Bardají
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mancusoSi hubo un club nocturno underground icónico en la Nueva York de los años 70 ese fue The Loft, el establecimiento de David Mancuso, que acogió mayoritariamente entre sus paredes a miembros de la comunidad LGBT+ durante su apogeo en la ciudad y llegó a contar con el mejor sistema de sonido en un club de toda Nueva York, también uno de los mejores del mundo.

Esta semana, concretamente ayer, 14 de noviembre, la escena de club del mundo ha despedido a Mancuso, que ha fallecido por causas por ahora desconocidas a los 72 años. El dueño de Kid Recordings, Craig Shifty, ha anunciado el fallecimiento en Facebook, donde ha escrito que Mancuso «fue más que una figura seminal, influyente y elusiva en el desarrollo de la cultura DJ y de clubs nocturnos de Nueva York, era FAMILIA, un amigo y mentor».

Mancuso inauguró The Loft el 14 de febrero de 1970 con la idea de ofrecer una experiencia de club distinta a la de las discotecas populares de Nueva York de la época, donde la comunidad LGBT sufría acoso asiduamente. La primera fiesta de The Loft, la mítica Love Saves the Day, se llevó a cabo en casa de Mancuso, aunque el establecimiento cambió de localización en más de una ocasión durante su historia, hasta el punto que permaneció inactiva durante un año en 1975 por causas legales relacionadas con el derrumbe de un hotel cercano.

Las fiestas de The Loft, que se siguen celebrando, fueron las primeras fiestas privadas con invitación de la historia de Nueva York e influyeron a DJs tan prominentes del momento como Frankie Knuckles, David Morales o François K, que visitaban The Loft con frecuencia. El espacio de Mancuso fue clave en el desarrollo de otros establecimientos similares de la escena de club de Estados Unidos como Paradise Garage, The Gallery o Chicago’s Warehouse. Un importante legado el que deja Mancuso al que hay que sumar otra hazaña más: la creación del concepto de «piscinas de música», por el que las discográficas enviaban nuevos singles a una variedad de DJs del momento y estos los pinchaban e informaban a los sellos de su éxito popular.

No te pierdas: Los Amigos Invisibles presentarán su mambo sensual esta semana en Madrid y Barcelona

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Jordi Bardají
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amigos-invisiblesLos Amigos Invisibles, la banda venezolana autora de ‘Mentiras’, visita esta semana nuestro país para presentar su próximo disco, ‘El paradise’, que sale a principios del año que viene y del que ya se ha presentado el primer adelanto, el sensual ‘Dame el mambo’. El grupo actuará en la sala But de Madrid el 18 de noviembre y en la sala Apolo de Madrid el 19 de noviembre.

El cuarteto de Caracas, compuesto por Julio Briceño (voz), Mauricio Arcas (percusiones), Juan Manuel Roura (batería) y José Rafael Torres (bajo), se formó en 1991 y se caracteriza por su fusión de ritmos tradicionales latinos con acid jazz, funk y disco, fusión que puede percibirse, por ejemplo, en su segundo disco, de título revelador, ‘The New Sound of the Venezuelan Gozadera’, editado en 1996 a través de Luaka Bop, el sello de David Byrne, o en su celebrado sucesor, ‘Arepa 3000: A Venezuelan Journey Into Space’. El último trabajo de Los Amigos Invisibles, ‘Repeat After Me’, se editó en 2013.

Si atendemos a sus escuchas de Spotify, efectivamente el número funk de ‘Mentiras’ es la canción más conocida del grupo hasta la fecha, a la que le sigue ‘Lo que me gusta’, una canción de pop buenrollista que contiene el infalible bajo de ‘Are You Gonna Be My Girl?’ de Jet (lo único que tendría en común con esta canción, en realidad mucho más agresiva). No dejéis de escuchar, sin embargo, el último single del grupo, ‘Dame el mambo’, absolutamente irresistible en su mezcla de estilos latinos y afroamericanos. «Groovy, baby!».

Podéis encontrar las entradas para el concierto de Madrid aquí, para el de Barcelona aquí.

‘Integral’, la completa nueva caja de Carlos Berlanga

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Jordi Bardají
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berlangaEste viernes, 18 de noviembre, Lemuria Music edita ‘Integral’, una nueva caja de Carlos Berlanga, que recopila todos sus discos remasterizados tanto en formato vinilo como en formato CD, además de actuaciones, entrevistas, canciones inéditas… y un libro de 60 páginas sobre Berlanga con textos de artistas contemporáneos a su época como Miguel Bosé, Pedro Almodóvar o Alaska y Nacho Canut. Una caja completísima con portada del propio Berlanga que parece un «must», una joya, en definitiva, para los seguidores y seguidoras del desaparecido músico.

Esta es la nota de prensa, con información más detallada:

«Llega «Integral», una caja que recopila exhaustivamente y reivindica toda la obra en solitario del fundador de históricos grupos como «Kaka de Luxe», «Alaska y los Pegamoides» o «Alaska y Dinarama» y uno de los mayores compositores y creadores de la historia de nuestro país: Carlos Berlanga. Con portada realizada por el propio Carlos a modo de autorretrato y serigrafiada en plata, «Integral» recoge, en una edición única y coleccionista limitada a 300 ejemplares, toda la obra del polifacético artista, incluyendo maquetas, rarezas, canciones inéditas y directos, además de un DVD con todas sus actuaciones en televisión, un concierto completo inédito (junto con Alaska y Nacho Canut) y una entrevista con Isabel Gemio.

Todos los discos han sido remasterizados y suenan mejor que nunca; los vinilos, a 200gr. en analógico y cortados bajo la mejor de las técnicas (lácquer mástering). El «Ángel Exterminador» en rojo, «Indicios» en naranja, «Vía Satélite» en azul (estos dos últimos jamás editados en vinilo) e «Impermeable» en cristal. Además de incluirse también en formato CD, remasterizados en digital, junto con discos de extras, bonus tracks, canciones inéditas, directos, etc…

Para completar la edición, se incluye un libro de 60 páginas a 30x30cm con escritos de Jorge Berlanga y Bernardo Bonezzi, y textos exclusivos para esta edición de Miguel Bosé, Pedro Almodóvar, Pablo Sycet, Luis Carlos Esteban, Alaska y Nacho Canut, Jesús Ordovás, Rafa Cervera, Paco Clavel, Ibon Errazkin, Pablo Lacárcel, Javier Furia, Juan Sánchez, Juan Sueiro o Luis Miguélez. Además de fotografías nunca vistas, su discografía documentada y todas las letras de sus canciones acompañadas por más de una treintena de dibujos inéditos de Carlos Berlanga».

Modelo de Respuesta Polar: «Antonio Vega es el listón que nos ponemos»

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Sebas E. Alonso
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modeloderespuestapolarEste verano Borja Mompó nos citaba en una terraza madrileña para hablar del último disco de Modelo de Respuesta Polar. Jugaba la Selección, acababan de celebrarse las segundas elecciones. Además de como compositor de un proyecto bastante original, muy al margen de las modas, Borja Mompó se va revelando como un curioso personaje, de inspiraciones claramente clásicas, con sus contradicciones. No celebra su cumpleaños porque odia ser el foco de atención, pero adora el escenario. No le gusta el fútbol, hasta el punto de no saber que la Selección jugaba, rara vez vota, no suele ir a festivales si no es a tocar y no descubrió a Los Planetas hasta los 23 años. Publicamos hoy nuestra conversación no por casualidad: esta es su gran semana y este jueves 17 de noviembre dan uno de los conciertos más importantes de su vida, el que tendrá lugar en la madrileña Joy Eslava (hay un 2×1 en Ticketea). Después, les espera una gira como teloneros de Izal.

¿Qué ha sido más difícil en este disco? ¿Trabajar las letras o la producción?
Son cosas muy distintas. Lo paso muy mal siempre en todo el proceso desde que acabamos de trabajar internamente las canciones, hasta que se graba todo, porque esa última fase depende de terceros (la producción, la decisión final de esto suena así, asá…). Yo disfruto más nuestra parte interna. Por mucho que me enfrente a folios en blanco, tiene un punto de excitación. La producción no es mi terreno y ahí sufro más.

¿Por qué sufres tanto?
De naturaleza soy inseguro y cuando hay campos que controlas menos, lo mejor que puedes hacer es delegar. Aunque sepas que estás en buenas manos, te genera inquietud. Ricky (Falkner) nos tiene muy bien pillados, pero siempre se sufre.

¿Qué os ha aportado Ricky?
Trabaja muy bien. Este disco ha sido aventura en cuanto a esto. En el anterior se hizo mucha pre-producción, pero Ricky escuchó los temas sólo 3 veces y entró a grabar. Ha trabajado no tanto las estructuras, que venían definidas, sino podar arreglos, texturas… Hay muy pocas pistas en este disco, si abres las orejas reconoces todo y eso pasa si la pista está bien tratada.

¿Qué implica tener pocas pistas a nivel artístico?
Tener pocas pistas aporta honestidad a nivel sonido. Tú lo escuchas y ves lo que hay. Aporta la capacidad de algunos discos de no cansar y encontrar detalles nuevos. No porque haya pocas pistas hay menos detalles. Yo el disco que más he escuchado en mi vida es ‘Salitre’ de Quique González, un disco casero en el que sigo descubriendo cosas.

Da un poco de miedo lo de «casero» cuando en el indie a veces hay un «todo vale» desde el lo-fi.
En nuestro caso, ha sido hasta contraproducente lo obsesivos que hemos sido con el sonido. Vamos a un buen estudio, nos gastamos pasta. Hemos grabado siempre en muy buenas condiciones. Nunca hemos dado a nuestro sonido un punto casero. Pero el trap lo está petando y es súper casero. (se ríe)

¿Qué quieres decir con contraproducente?
Somos un grupo que nos gusta mucho currar, hacer muchas horas de ensayo y ser más exigentes. Molaría que todo fuera más fácil, pero al final…

«Trabajar es bueno y echarle horas es mejor. El que diga lo contrario o tiene suerte o tiene un talentazo…»

Las canciones de Modelo de respuesta polar parecen la consecuencia de haber dado muchas vueltas a las cosas, de una persona que da vueltas.
Ni soy John Lennon que sueña con una canción, ni soy obsesivo. Creo que dar vueltas no está de más, siempre suma. Decimos «menos mal que nos hemos reunido a ensayar porque esta canción ha dado un giro». Trabajar es bueno y echarle horas es mejor. El que diga lo contrario o tiene suerte o tiene un talentazo…

¿Das más vueltas a letras o a las estructuras?
A base de haber hecho ya discos, no cierro la letra hasta que la estructura está cerrada. De otra forma, darle una vuelta más al estribillo, o poner un estribillo más, se te hace un mundo. Lo que he hecho con este disco es cerrar estructuras primero y luego ya cerrar la letra.

¿Dónde crees que reside la personalidad de Modelo de respuesta polar?
En cada uno de nosotros, en mí en particular, en que somos 5 personas con vidas y relaciones personales que cierran un grupo. Es complicado que otras 5 personas hagan algo parecido. La gente nos dice que cómo hemos cambiado desde el primer disco. Lo complicado es hacer el mismo disco después de 6 años, de haber vivido en sitios distintos. La personalidad del grupo pasa por cada uno de nosotros.

«No escucho muchísima música. Cuando no tocas cosas de nadie, sino que dedicas el tiempo a tu historia, al final entiendes las canciones de una forma muy personal»

Yo creo que son las estructuras, algunas canciones no tienen estribillo, al final la canción a veces presenta un cambio, pero tampoco es buscando una épica como otros grupos.
Le he dado vueltas a eso. No sé de dónde viene, pero me dijo un amigo que igual se debe a que yo no escucho muchísima música. De toda la vida he estado ligado a la música, pero siempre he tocado lo mío en el sofá. Cuando no tocas cosas de nadie, sino que dedicas el tiempo a tu historia, al final entiendes las canciones de una forma muy personal. Llegas a crear tus cosillas. Entiendo que hacer canciones es esto. Igual si hubiera crecido tocando Dire Straits, o escuchando más música, haría algo más estándar.

¿De adolescente, no eras fan de nadie, no hacías el típico viaje loco para ver tocar a alguien?
Es complicado. Vas a decir «eres un aburrido», pero sigo volviendo mucho a los discos que hacía Antonio Vega. Te puedo cantar todo el ‘Descanso dominical’ o cosas que te sorprenderían, en castellano. A Los Planetas les escuché ya a los 23 años.

Nunca me habéis recordado mucho a Los Planetas, pero casualmente te iba a decir que ‘Cosas increíbles’ me parece que tiene un punto a Nacha Pop y a Los Planetas. Hay un poso indie, pero la melodía clásica me parece de los 80, de «La Edad de Oro del pop español».
Yo estoy esperando que alguien vea la referencia «tronco, te tiene que haber gustado Antonio Vega». Es el listón que me pongo. Me hace gracia que digas esto, Cristóbal, un chico del grupo, esa canción la veía, no sé por qué, como la de ‘Un buen día’, pero él la llamaba ‘Un mal día’, porque habla de otra cosa.

El sonido del grupo es más Amaral que de un grupo (de sonido) guarrete de Malasaña.
Tocamos con telecasters y cuatro pedales, es decir, sonamos bastante limpitos. Nos vamos más como a Amaral que a Trajano! (risas).

«Yo lo que quiero es llegar a más gente que nos pueda entender. Lo que no quiero es que pueda haber gente por ahí a la que le pueda llegar mi música y no le haya llegado»

Cuando se ven vuestras fotos o el sello en que estáis, da la impresión de que vais a sonar cuanto más underground, mejor. Pero para nada.
Todo esto ha sido un poco raro. Hemos estado en un sello independiente, ahora hemos querido crecer, pero estamos sin sello. ¿Somos más indies, menos indies? Estoy hasta los cojones de enviar vinilos en Correos. Eso es lo más indie que hay. El mánager se mete conmigo: «¿ves cómo sois unos indies?». Estamos más indies pero estamos moviendo más gente. De este disco ya habíamos vendido más sin sacarlo siquiera que del anterior (por los pedidos). Yo lo que quiero es llegar a más gente que nos pueda entender. Lo que no quiero es que pueda haber gente por ahí a la que le pueda llegar mi música y no le haya llegado.

¿Has ido a festivales como público?
He sido más festivalero de ir a tocar, que como público. Fíjate que iba a ir al Vida y al final no pude. Es el único que habíamos pillado el hotel.

¿Para ver a Wilco o The Divine Comedy?
Por un festival tranquilo y un fin de semana guay. A Unknown Mortal Orchestra, que me gustan mucho, los vi hace poco.

Dices que habíais vendido más de este disco sin salir siquiera, ahí tuvo que ver mucho que el año pasado fue muy bueno para vosotros, ¿no? Cuando sacasteis el single suelto ‘Crece’.
Hemos tocado mucho y es exponencial. Yo pienso «aquí, aquí y aquí no hemos tocado», me subo con la guitarra, vienen 20 personas, luego vuelvo y vienen 35 y luego vamos con el grupo y salen los números y ya van 70.

Igual el momento de salir este disco habría sido el año pasado.
Pero hubiera salido un disco con 11 canciones sin sonido porque el año pasado no tenía compuestas…

¿’Crece’ es una canción de transición? Al final no está en ningún disco.
Esta canción es totalmente de transición. Cuando estás dentro de un grupo pierdes la perspectiva del tiempo, no te acuerdas, pero cuando salió ‘Crece’ no había absolutamente nada hecho.

¿Hay un concepto en el disco nuevo que impedía a esta canción estar ahí?
Esa canción nos ha dado tanto estando suelta… nos ha servido para girar medio año más. Líricamente la considero más ‘Dos amigos’, pero este disco habla de una persona (de la) que no habla ‘Crece’. Temáticamente está antes. Por significado está antes. Pero el cómo lo digo, está con este. Es una canción de transición en toda regla.

¿Eres una persona atormentada, romántica…?
Igual más escribiendo.

«No me veo hablando de cualquier cosa social, en tercera persona me horroriza. De momento no sé hacer eso»

¿Es lo más fácil escribir sobre amor?
Lo que sí que no me veo es hablando de cualquier cosa social, en tercera persona me horroriza. De momento no sé hacer eso.

¿Te sientes presionado por algo?
Yo lo tengo clarísimo. En mi entorno de amigos no hablamos de política y estamos muy a gusto, no es que no me interese la política, pero estoy quemado con el asunto. Bastante quemado. No es desinterés. Le damos más importancia a otras cosas. Si estoy media hora con un amigo que no he visto en dos semanas quiero saber cómo está en el trabajo, su mujer, su hijo, y no estamos para hablar de terceros. Valoro más mi primer anillo social que ponernos a hablar de otras cosas, no tenemos tanto tiempo. Somos muy egoístas (se ríe). He votado muy poco en mi vida.

¿La última vez no votaste?
No voté.

También hay más cosas para escribir aparte del amor y de la sociedad.
Este disco habla de otras cosas. Habla del trabajo, habla de proyectos, de miedos, de todo lo que puede hablar cualquier persona que esté en mi situación.

¿Qué canción habla del trabajo?
No del trabajo como si fuéramos Reincidentes. Ninguna en particular, pero más de las que crees. ‘No estoy’ es más evidente que dice «asustado del camino y alejado de mis padres». Modelo ha tirado mucho de eso, parece que estás hablando de una persona, y estás hablando de un proyecto. ‘Crece’, que tanto te gusta, habla de tener un hijo, no de una tercera persona, y hay mucha gente que no lo ha sabido ver.

A veces vuestras canciones parece que se van a acercar a hits de Lori Meyers, pero al final lo evita. Evita hacerlo demasiado evidente.
No le damos vueltas. Si supiera hacer algo que me hiciera tener un 14% más de público, un pedacito de lo que tienen Lori Meyers…

Pero parece que lo evitáis.
No lo evitamos, te lo juro. Ni lo buscamos. Hacemos lo que creemos que va después. Y si creemos que la canción se tiene que acabar, la acabamos.

Pero os daréis cuenta de que os quedáis sin repetir lo que parece que es el estribillo. ¿No lo probáis ni por diversión?
Sí, pero luego ves que no le viene bien a la canción. Si notáramos que le quedara bien a la canción, se lo pondríamos.

¿Estuviste muy encima del vídeo de ‘Momentos similares’ o te lo pasaron?
La decisión artística es del hijo de Manuel Notario (mánager), que tiene una productora. No me soporto ver haciendo playback. Veo los directos y me mola verlo, no es que me guste verlo, pero intento mejorar cosas… Pero no un playback. No veo un videoclip de ningún grupo del planeta. No veo videoclips. Pero está demostrado que hay que hacerlos, que funcionan, y ya está. El de ‘La guerra y las faltas’ no lo he vuelto a ver jamás. El de ‘Miedo’ me gustó un poco. Sobre el de ‘Momentos similares’ me dijeron «el playback lo va a hacer un señor mayor» y me pareció de puta madre, porque habla de una posición de «yo he pasado por esto, tengo 80 tacos y todo esto se va a pasar». Cuando el concepto vale, me va a funcionar. Me parece estupendo. Cuando llegué ya habían grabado las 3 secuencias. Cuando vi a Celso (Bugallo) abrir la boca, pensé: «Me va a tocar» y me gustó.

«No celebro mi cumpleaños porque odio ser el centro de atención, y sin embargo me subo a un escenario y quiero que haya cuanta más gente mejor»

¿Cómo afrontas tu condición de posible pequeña estrella inminente? ¿Te sientes a gusto? ¿Llevarías bien la fama?
Hay cosas que son absurdamente contradictorias, nunca celebro mi cumpleaños porque odio ser el centro de atención, y sin embargo me subo a un escenario y quiero que haya cuanta más gente mejor. ¿Qué significado tiene esto? Ni puta idea. Me encanta estar en un escenario, disfruto mucho, me gusta tocar, y si puede ser todos mirándonos, mejor.

¿Pero eres tímido? Tú has de tener tus grupis. Tienes buena imagen, tú estás en Subterfuge en los 90 y te plantan hecho un pincel en 3 videoclips. Sexy Sadie hicieron un portada de Shangay, tú no explotas tu imagen…
No salgo bien en las fotos, yo no haría una portada de Shangay porque no saldría guapo. ¿Soy tímido? Con mis amigos no…

Tendrías que ser el bajista o el batería si no te gustan los vídeos o las fotos…
No es que me guste, sino que de manera natural cada uno se coloca en un sitio. Podríamos hablar mucho de esto para solucionarme yo interiormente (risas).

Por cierto, no te gusta el fútbol porque me has convocado con un partidazo de la Selección…
No sólo no me gusta sino que no me entero que juega.

Bruno Mars anuncia gira mundial, con paradas en España

Por
Sebas E. Alonso
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bruno mars 24k magicEn la semana de lanzamiento de su esperado nuevo álbum, ’24K Magic’, que sale este viernes, Bruno Mars ha anunciado a través de Instagram su gira mundial. Serán 85 fechas repartidas de marzo a noviembre de 2017 entre Europa y Norteamérica, en su caso con un peso muy importante de Estados Unidos.

Bruno Mars visitará Madrid, ya una rara avis para un artista de pop de su categoría y de hecho la de Madrid será tan sólo la tercera fecha de la gira mundial tras Amberes y Lille. Será el 3 de abril en el Barclaycard Center. El día 4 estará en Lisboa y tras un pequeño descanso estará el día 7 en Barcelona, en el Palau Sant Jordi. Una gira ambiciosa para la que las entradas se pondrán a la venta el 21 de noviembre según su Facebook.

Bruno Mars ha triunfado con su single de regreso ’24K Magic’, que se acerca a los 100 millones de reproducciones en Spotify, pero prácticamente ya se puede asegurar que el número 1 a ambos lados del Atlántico se le ha escapado. No obstante, un mes después de su edición aguanta en el número 5 en las islas británicas y en el número 7 en Estados Unidos.

On sale this Monday

Una foto publicada por Bruno Mars (@brunomars) el

Moby recuerda orgulloso su colaboración en castellano con Amaral (y Amaral también)

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Sebas E. Alonso
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moby-2016Moby tiene este otoño un nuevo disco, pero también nuevo libro. Se llama como uno de los grandes hits de ‘Play’, ‘Porcelain’, y recorre su vida hasta 1999, precisamente el año de edición de su álbum multiplatino. Ahora el artista concede una interesante entrevista a El Diario en la que cuenta cómo ha dejado atrás los días de su adicción a las drogas, al sexo y al alcohol, plantea una segunda parte del libro y habla descorazonado sobre cómo se reunió con unos amigos para celebrar la victoria de Hillary Clinton y se encontró con el pastel de la victoria de Donald Trump. «De verdad, no veía el momento de despertarme porque no podía creer que en América haya tal cantidad de estúpidos racistas y misóginos», indica, dando el titular a la entrevista.

El momento más simpático viene cuando se le recuerda su colaboración en castellano con Amaral, ‘Escapar’, de su recopilatorio de 2006, que cuenta con 1 millón de escuchas en Spotify. Moby no escurre precisamente el bulto cuando le preguntan.

Se explaya: «Yo soy fan de Amaral. En mi vida he podido colaborar con mucha gente, de David Bowie a Ozzy Osbourne, Michael Jackson o Metallica. Adoro colaborar con gente o bandas que hacen una aproximación a la música diferente a la mía, porque, como artista en solitario que soy, sólo puedo contar con mis propias ideas, y trabajar con otra gente me da la oportunidad de conocer de qué forma se aproximan ellos al proceso creativo, y eso es muy interesante y educativo para mí. En el caso de Amaral creo que la primera vez que escuché su música fue cuando estaba de gira en España, posiblemente porque alguien de mi compañía me dio uno de sus discos. Amo las grandes voces. Creo que hay por un lado voces hermosas y otras que son interesantes, pero lo mejor es cuando ambas cosas suceden al mismo tiempo como en el caso de Amaral».

Actualización: Amaral también han querido indicar en las redes sociales que ellos recuerdan igualmente con cariño su colaboración con Moby: «nosotr@s también recordamos aquello con mucho cariño. ‘Slipping Away’ es una gran canción y fue fantástico tocarla juntos».

Así sonaba la canción y de paso la colaboración de Moby con Bowie, un remix de ‘Sunday’.

Balcanes / Carne nueva

Por
Jordi Bardají
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balcanesTras la publicación, en 2014, de un prometedor 7″ que contenía las canciones ‘Plataforma’ y ‘Autopista’, el grupo asturiano Balcanes ha editado este año su primer 12″, ‘Carne nueva’, de nuevo a través de Humo, el sello anteriormente conocido como Discos Humeantes que se lucía a principios de año con la edición del último trabajo de Fasenuova. Como aquel, ‘Carne nueva’, que ha sido grabado en los estudios OVNI de Asturias con Roberto Mallo y Pablo Martínez, también ha llamado la atención de medios internacionales, pero ambos tienen poco que ver por estilo.

La decadencia humana parece un hilo común entre ambos largos, pero Balcanes no hacen uso de electrónica para sugerir imágenes del estilo sino que las evocan a través de sus guitarras, bajos y baterías y, sobre todo, de la voz de un cantante que, cuando no anuncia letras como si fuera Aleister Crowley, las aúlla con desesperación como si se hubiera vuelto loco. Él es el encargado de liberar, a través de su voz, toda la tensión construida en las canciones de ‘Carne nueva’, que es potente y asfixiante, como bien demuestra ‘Masada’, un número tóxico, en el mejor de los sentidos, que desarrolla una maraña de guitarras en tensión absoluta y la extiende de principio a fin con total paciencia, lo que resulta en una canción que es puro suspense. Nada que ver con ‘Combustible’, mucho más nerviosa y urgente, aunque igual de lúgubre.

Porque no hace falta decir que ‘Carne nueva’ es un disco oscuro, más negro que el negro, que se abre con una pista llamada ‘Pánico’ que es toda una declaración de intenciones. «Las puertas están cerradas», enuncia el vocalista durante un punto de la canción; efectivamente, se cierran puertas psicológicas cuando ‘Carne nueva’ empieza a desplegar su artillería. Pero sí se atisban rayos de luz en este espacio cerrado a cal y canto; ‘Desorden’ explora texturas más ásperas y las hace dialogar con otras más luminosas mientras ‘Rojo máquina’, que parece un estudio de la política actual, pues habla de «libertad vigilada» y de una «selva humana de residuos capitalistas», halla el riff más melódico del álbum, que no abre, al fin, puertas, pero sí proporciona un necesario momento de respiro. Porque, a veces, son discos claustrofóbicos como ‘Carne nueva’ los que mejor entienden la realidad del exterior.

Balcanes actúa en Lata de Zinc, Asturias, el próximo 19 de noviembre.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Masada’, ‘Rojo máquina’
Te gustará si te gusta: Cabaret Voltaire, Brainbombs, Fasenuova, Juventud Juché
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Bandcamp

El sexo dominará el segundo disco de Christine and the Queens

Por
Sebas E. Alonso
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christinequeens‘Chaleur Humaine‘ de Christine and the Queens es uno de los mejores discos publicados durante los últimos años y, aunque se editaba en Francia en 2014 y en 2015 en Estados Unidos o España, los ingleses lo han descubierto a lo grande durante este 2016, convirtiendo el disco en platino, algo muy inusual para una artista francesa.

El NME le da su portada de esta semana, gracias a una jugosa entrevista en la que ella habla sobre política, feminismo, su primera novia, su fugaz encuentro con Madonna o su personaje. Por lo que respecta a su labor de productora, reconoce sentirse igual que Grimes cuando la gente es incapaz de asumir que produce su propia música. «Me siento identificada con lo de tener que explicar cinco veces que produces tu propia mierda, que sabes usar un ordenador y que no necesitas ayuda con la parte técnica. Sé de antemano que si trabajo con otros músicos la gente va a decir que los músicos lo hicieron todo por mí».

La parte más interesante viene cuando avanza novedades de su esperado segundo álbum. Héloïse Letissier revela que el personaje de Christine, al que define como una versión mejorada de sí misma, se mantendrá porque quiere «hacerse vieja con ella». Además, será un disco marcado por sus experiencias sexuales. «Voy a redefinir lo que significa ser sexy y va a dar miedo («creepy as hell», asegura). Porque yo nunca podría hacer algo «sexy» como se entiende sexy. El primer disco es sobre la mayoría de edad, aunque no me guste la expresión, se nota que lo estaba pasando mal y no me podía identificar socialmente con la gente. Desde entonces me han pasado cosas, incluyendo experiencias sexuales. Me he perdido en mis deseos y ha influido mucho mi manera de escribir. Estoy obsesionada con la figura lujuriosa de la mujer en el pop. No sé por qué George Michael puede decir ‘I Want Your Sex’ y yo no, porque lo quiero. Quiero ese sexo también». Para desarrollar su nueva idea artística, contará con coristas y un batería en directo.

Ojo porque dice que está componiendo alguna cosa en castellano. Podéis recordar nuestra entrevista con la artista, aquí.

Olav de L-Kan reivindica ‘Paladar’ y ‘La vie en rose’, pero no el «badabadum badum badero»

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Sebas E. Alonso
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Este viernes 18 de noviembre se celebra en La [2] de Nitsa, Barcelona, la fiesta de 15º aniversario de la noche indie queer SomosLas. Actúan L-Kan y pincharán Luiliminili & Manazas, DJ Coco y Ferdiyei. Pasamos nuestro «Tipo Test» a Olav, uno de los cantantes de L Kan (a la izquierda en la imagen). Llama la atención lo poco «underground» de sus menciones para bien (Silvio Rodríguez, Lina Morgan) y para mal (una canción de campamento).

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
‘Paladar’, de Silvio Rodríguez. La canturreo todas las mañanas últimamente.

¿Qué canción ajena ensayaste por primera vez en tu vida?
«La Lola, dicen que no duerme sola». Gané un concurso de canción con este tema.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘El Jinete’ de José Alfredo Jiménez. Era una canción que se cantaba mucho en casa y yo no entendía por qué, era la cosa más triste del mundo que se podía cantar.

¿Qué canción desearías haber escrito?
Muchas. No solo por los derechos, jeje, pero por decir una ‘La Vie en Rose’.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
El «badabadum badum badero».

Actuación vocal que adores.
Soy poco de «adorar». He tenido la suerte de vivir momentos en el escenario mágicos, y muchos. Cuando te das cuenta que el público está cantando contigo es la repanocha.

Momento musical exacto de una canción que adores.
En el tema ‘La más fané’, en los estribillos finales cuando puedo percibir las voces de Luis, Belen y yo empastadas. Eso es también mágico.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
La canción de Chenoa ‘Cuando tú vas’, que llegué a coreografiarla y cuanto más la oía más me repelía.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Que coincida con el momento personal en el que la escuchas.

Un remix que te haya vuelto loco/a.
No me suelen gustar los remixes.

¿De qué canción de tu propio repertorio te enorgulleces más o crees que está más infravalorada?
Me encanta ‘Señora’ y ‘La más fané’ y ‘Cuentos chinos’ y… muchas y no creo que tengamos canciones infravaloradas.

¿Qué canción vuestra te imaginas cantando a otro artista? ¿A quién?
He tenido la suerte de cantar canciones nuestras con otros artistas; Aviador Dro, La monja Enana, Mario Gil, Las Bistecs… Soy un tipo con suerte, lo sé, con poca memoria porque no pongo todos los que han sido, pero con mucha suerte. Me imagino cantando ‘Cuentos chinos’ con La Casa Azul, ‘La más fané’ con Zaz, por decir un par.

Subastada por 40 millones de dólares la colección de arte de David Bowie

Por
Sebas E. Alonso
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davidbowieEsta será la primera Navidad sin David Bowie, por lo que es lógico que el artista siga siendo noticia prácticamente cada día. A la edición de las composiciones del musical ‘Lazarus’, con tres pistas inéditas interpretadas por él, se suma la de un recopilatorio que ha salido esta semana con el nombre de ‘Legacy’.

Este fin de semana se ha realizado una subasta con muebles y piezas de arte de su colección y se han superado todas las previsiones de venta llegando a sumar 41,1 millones de dólares, más del doble de las estimaciones de la preventa. Lo más caro fue el cuadro ‘Air Power’ de Basquiat, que alcanzó los 8,8 millones de dólares mientras ‘Head of Gerda Boehm’ de Frank Auerbach tuvo un precio de venta de 4,7 millones de dólares, diez veces superior a su precio estimado y un récord para el artista. Por el tocadiscos que veis en la imagen se pagaron 257.000 libras. En total han sido 356 los objetos vendidos, se piensa que un 65% de toda su colección.

Al mismo tiempo, el diseñador de arte del último disco de Bowie, ‘Blackstar’, Jonathan Barnbook, ha concedido una entrevista en BBC 6 recogida en NME en la que habla de cómo quedan misterios por resolver en el diseño del vinilo, que de hecho fue bastante difícil de conseguir, pues se agotó enseguida. «Hay una serie de estrellas negras en el álbum, no sólo las cinco de la portada, y simbolizan distintas cosas de la vida. Por ejemplo, está la de condecoración que parece un poco una etiqueta de precio, un producto comercial que todavía puedes comprar. Está la estrella guía, la idea de persona que seguirías, la idea de algo espiritual que la música te da; y hay otras cosas que no se ven en un primer vistazo, pero espero que la gente las vea, no necesariamente a la primera». Algunos usuarios se están dando cuenta de lo que pasa con el vinilo cuando le afecta cierto tipo de luz.

A friend discovered that if you expose the Blackstar gatefold to sunlight a starfield appears. What a beautiful secret.

Por otro lado, se ha hecho una nueva edición del vídeo de ‘Life on Mars’. Su director original Mick Rock habla sobre ella en The Guardian, contando lo bien que le sentaba la ropa a Bowie o lo bien que se le daba ser dirigido, porque estaba «dispuesto a hacer cualquier cosa que le pidieras». Además, Mick Rock está en todo su derecho de hacer nuevas tomas: «A finales de los 90, David me dio los derechos de los cuatro vídeos que hice para él porque nunca me pagaron por ellos, ni yo había buscado dinero. Así que cuando Parlophone me contactó para reeditar esto dije que por supuesto. Tenía una gema perdida que quería pulir para que fuera todo perfecto».

Por último, The Guardian informa de que se celebrará el que hubiera sido el 70º cumpleaños de Bowie con una serie de varios conciertos el 7 de enero. Será en varios puntos del mundo y con la participación de su amigo Gary Oldman, Mike Garson, Earl Slick, Adrian Belew, Sterling Campbell, Holly Palmer o Catherine Russell.

En Barcelona, Razzmatazz ha anunciado otro tributo como el que se organizó el pasado enero. Los beneficios irán a parar a la lucha contra el cáncer.

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