El ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou continuará dejando en la ciudad conciertos de pop, rock, jazz, blues o soul durante las próximas semanas.
Entre las citas de esta quincena destacamos dos: el sábado 16 de diciembre Papa Topo estarán actuando en el Café La Palma. El grupo está de actualidad por su aparición estelar en ‘La Mesías’ adaptando su viejo hit ‘Sangre en los zapatos’ a los cánones religiosos de la serie. Y también por haber adelantado su nuevo disco con un tema llamado ‘Dime mentiras’ que ha calado especialmente entre nuestro público. La entrada anticipada por 12 euros está disponible aquí.
Los Saxos del Averno también actuarán el 16 de diciembre, y ya la semana que viene será el turno de Grises. El grupo se está despidiendo con una gira y su paso por Madrid será el día 22 en Independance Club. Las entradas para este show están disponibles en WeGow también por 12 euros.
El grupo explicaba así su despedida a finales de 2022: «Todo llega a su fin y el fin de Grises ha llegado. Han sido veinte años tocando juntos, once desde la salida de nuestro primer disco “El hombre bolígrafo”. Veinte años increíbles de nuestras vidas: seis discos y cientos de conciertos en varios continentes, un millón de experiencias y miles de sueños cumplidos gracias a Grises. Hemos conocido a muchísima gente y hemos vivido experiencias inolvidables juntos. ¡Ha sido brutal!».
Grises aparecieron en nuestra lista de las mejores canciones de 2018 con ‘Comida para insectos’. Con ella y su hit ‘Animal’ os dejamos.
Damon Albarn ha protagonizado una de las polémicas de los últimos días, al cuestionar el buen gusto de los Rolling Stones para el vídeo de ‘Angry’ y al criticar la ausencia de versatilidad en el catálogo de Mick Jagger y Keith Richards. Con toda la razón que pueda tener, con las cifras sobre la mesa, hay quien podrá argüir que lo que tiene Albarn es un poco de envidia. El último disco de Gorillaz ha sido un fracaso. El de Blur, también. Y el de los Rolling no es que se esté vendiendo como rosquillas, pero desde luego sí conserva un público que les está manteniendo en las listas internacionales al menos hasta Navidad. Lo detallamos.
‘Hackney Diamonds’ fue número 1 en su semana de salida en Reino Unido, Australia, Francia, Alemania, Argentina, Bélgica, Dinamarca, Holanda, Noruega y Portugal, entre otros territorios. Además, fue número 2 en España e Italia y número 3 en Estados Unidos. Pero lo bueno no es todo esto, sino cómo se ha mantenido el álbum durante las semanas siguientes y aún hasta hoy.
Casi 2 meses después de su edición, el disco de los Rolling continúa en el top 5 en Reino Unido y Alemania, en el número 12 en Italia, en el número 2 en Holanda… Incluso en el absurdo Billboard 200, tomado por el streaming de hits sueltos y las playlists de Spotify, el primer disco de los Rolling en 28 años logra mantenerse en el puesto 136. Y ojo, en el top 20 de ventas.
Esto supone que el álbum ya ha recogido el disco de oro en territorios tan potentes como Reino Unido, Holanda, Alemania o Francia. Según las estimaciones del portal Mediatraffic sus ventas estaban en 850.000 unidades hace unos días. Despachando aún 50.000 copias a la semana y con la Navidad por delante, ‘Hackney Diamonds’ cerrará el año en torno al millón de unidades. Todo un mérito para un disco de rock y en los tiempos en que llegar a esta cifra es muy difícil, ¿verdad, Madonna, Bruce Springsteen, Bob Dylan, Depeche Mode?
La edad de su público, las colaboraciones llamativas con Paul McCartney, Stevie Wonder y Lady Gaga, más el hecho de que hayan editado un vídeo a diferencia de Blur, estarían entre las claves del éxito, al margen de la calidad del álbum.
Flops
Nada de esto ha sucedido con Blur, que siguen llenándote un estadio en UK, y convocando a miles en festivales (en Primavera Sound Madrid aún se recuerda el drama de que sus fans no cupieran en La Riviera en un día de lluvia), pero no han conseguido llevar a su público a las tiendas a comprar su primer disco en 8 años, ‘The Ballad of Darren‘. Ni siquiera con un single tan apañado como ‘The Narcissist’. El disco de Blur fue número 1 en UK e Irlanda, entró bien en Alemania y Dinamarca (top 3), Francia (top 4) y Holanda (top 5). Incluso llegó al número 7 en España e Italia. Peor fue el dato de Estados Unidos, donde nunca lo terminaron de petar (puesto 94 esta vez), aunque lo malo de verdad es que el disco no ha tenido longevidad en ningún territorio.
Si al menos hubieran conservado el público británico, como Depeche Mode conservan el alemán, podríamos no hablar de fracaso, pero no ha sido el caso. La OCC nos muestra que ‘The Ballad of Darren’ solo aguantó 5 semanas en el top 100 británico, empeorando el dato del disco anterior, que ya era malo (13 semanas para ‘The Magic Whip’), y haciendo parecer que las 119 semanas que ‘Parklife’ estuvo en lista, fueron un sueño.
Con una certificación de plata (60.000 copias) en Reino Unido, y ninguna fuera de su país, podemos concluir que Blur han vendido una décima parte que los Rolling Stones con su disco de este año.
Evanescence visitará España el próximo año. La banda, conocida sobre todo por sus éxitos de los 2000, hará una única fecha en el país, que tendrá lugar en ALMA Festival Madrid el 14 de junio.
La banda de Amy Lee se completa actualmente con cinco miembros: Troy McLawhorn, Will Hunt, Tim McCord y Emma Anzai. Su último proyecto, lanzado el pasado mes de noviembre, ha sido la edición deluxe de ‘Fallen’, compuesta por canciones remasterizadas, versiones en directo o demos.
De esta forma, Evanescence se une a Deep Purple, Jamie Cullum y Valeria Castro como las primeras confirmaciones para la primera edición de ALMA Festival Madrid, que se celebrará en el parque Enrique Tierno Galván del 30 de mayo al 17 de junio de 2024.
Todas las entradas ya están disponibles en la web del festival, salvo las de Evanescence, cuya preventa privada será el martes 19 de diciembre a las 12h, y la venta oficial el miércoles 20 a las 12h en la web de ALMA Festival Madrid.
Hablas de letras “existencialistas”, aludes al “desencanto” de una “generación perdida”, y citas a Joy Division y a Crystal Castles, y ya tienes la receta para escribir la crítica de un disco de post-punk. En todo lo necesario que es que los grupos expresen por la vía de este sonido la angustia inherente a la experiencia de la vida moderna, muchos pueden caer tanto en el cliché como las críticas que los analizan.
No es el caso de VVV [Trippin’you], un grupo que ni cumpliendo con todos los tics esperados del post-punk y de sus géneros derivados (lo suyo cae más bien en el paraguas del synth-punk) parece capaz de publicar un mal disco. ‘Turboviolencia’, publicado en 2021, ya supuso su consolidación en términos de popularidad pero también de evolución creativa, y sus directos eran -y siguen siendo- apabullantes.
‘Vaciador’ puede ser el mejor disco de VVV [Trippin’you] hasta la fecha. Y la razón principal es que Adrián Bremner, Elinor Almenara y Salvador Urbaneja se han vuelto a preocupar por enriquecer su discurso de manera muy personal e interesante.
El título de ‘Vaciador’ es un homenaje a Vaciador 34, el centro cultural autosugestionado de Madrid que tras la pandemia cayó a los brazos del capitalismo salvaje, convirtiéndose en un complejo de oficinas. Las letras de ‘Vaciador’, sin embargo, no se conforman con criticar el capitalismo sin más. Qué aburrida habría sido esa propuesta a estas alturas. Sus historias concretan en personajes con “ojos vidriosos” que bailan en la discoteca “con una pena que ocultar”. Esto cuando no se entretienen explorando referencias mucho más profundas e intelectuales.
Crystal Castles -ya estamos- pueden ser una influencia obvia en ‘Zugzwang’ por el tipo de sintetizadores usados, no tanto por su título extraído de una posición del ajedrez que consiste en hacer que el rival realice un movimiento que le perjudique a sí mismo. ‘El ángel de la historia’ demuestra que es posible crear un trallazo de hardcore tecno sampleando ‘Cowboy Bebop’ y evocando la teoría de la historia de Walter Benjamin. Hasta el posible homenaje a The KLF llamado ‘KLF’ no suena a lo que esperas: es una de las producciones de VVV [Trippin’you] más extremas.
Es de agradecer que un grupo, a través de sus letras o videoclips, invite a descubrir sus referencias, cree un imaginario. Un sample de ‘Crashing Down from the Sky’ de Nikki Stanely, una canción que no sabías que existía, de repente parece una decisión increíble, sobre todo insertada dentro de un trallazo desolador que describe crudamente a “una amiga que se intenta matar, un amigo que no sale del bar” o a “uno que folla solo si hace cristal”. A lo largo del disco, los ritmos feroces del drum n’ bass se encargan de crear rupturas inesperadas en el camino, pero nunca suenan impostadas, sino que reflejan la misma desesperación impresa en las letras.
Aunque también invitan a la liberación, por supuesto. Las canciones de ‘Vaciador’ no renuncian a ese objetivo en absoluto. ‘Hikutsu’ es otro de sus trallazos, un asedio industrial como pocos. “Si no existe el infierno, el día que muera tendrán que inventarlo” suena misteriosamente a una maravillosa invitación. ‘Rush’ es pura distopía sonora, solo que VVV [Trippin’you] te vuelven a sorprender de nuevo entregando un homenaje al Popper mucho más literal que el de Troye Sivan: “Soy un puto somelier de los poppers / Un auténtico connoisseur”, se escucha decir a uno de sus integrantes. Y ‘La Grieta’ invoca una liberación mucho más emocional, emotiva, desgarradora.
Esa capacidad para darle la vuelta a los tópicos del post-punk hace a VVV [Trippin’you] You superarse en ‘Bellver’, donde un riff de sintetizador engañosamente alegre decora una letra que habla de un “genocidio en los años noventa” o menciona la guerra de manera general, resultando tristemente relevante hoy; pero también de un “un centro de drogodependencia” que su narrador conoce de primera mano, pero que no ha sido capaz de “solucionar” su “problema”. El disco acaba con el breve instrumental de ‘Ctrl + Alt + Supr’, pero no le hagas mucho caso: el disco invita más bien al «repeat».
Daniela Costa, actriz conocida por su papel de Alejandra Agustín en la serie ‘Al salir de clase’, ha muerto a los 42 años de edad. El actor Miguel Angel Muñoz, quien fuera compañero de reparto de Daniela en ‘Mis adorables vecinos’, ha comunicado la triste noticia en Instagram: «No doy crédito con la vida. Mi más sentido pésame a toda su familia y amigos más cercanos». Muñoz ha recordado que Costa y él «nos lo pasamos muy bien haciendo ‘Mis adorables vecinos’ juntos».
Además de ‘Al salir de clase’ o ‘Mis adorables vecinos’, Costa destacó con otros papeles televisivos en ‘Hospital Central’ o ‘Lalola’, aunque sus primeros pasos en el mundo de la interpretación los dio en el cine, en películas como ‘No se puede teneer todo’ o ‘Me llamo Sara’. Su primer papel lo logró en un largometraje, ‘Subjúdice’, poco antes de dar el salto a la televisión y triunfar con ‘Al salir de clase’.
Entre los últimos trabajos de Costa se encuentran películas de autor como ‘Caleidoscopio’, si bien ella llevaba tiempo retirada de la interpretación, y se dedicaba a dirigir eventos artísticos en Barcelona, la ciudad que la había visto nacer.
Madrid Popfest celebrará su 12ª edición el fin de semana del 1 y 2 de marzo de 2024 en la sala Galileo Galilei de Madrid. La filosofía original del festival, fundamentada en la autogestión y la ética DIY, sigue siendo su esencia.
El primer avance del cartel de Madrid Popfest descubre, como ha sido habitual, varios nombres internacionales. Es el caso de la banda británica de noise pop Comet Gain, el grupo escocés de «butch synth pop» Brenda y la formación de indie-pop de San Francisco The Umbrella y el solista Milky Wimpshake, que, desde Newcastle, practica una mezcla de punk el indie pop.
En cuanto a las confirmaciones nacionales, poca presentación necesitan los barceloneses Doble Pletina, últimamente autores de una película y de su banda sonora. También están anunciados la banda de jangle-pop bilbaína Lava Rosa, el shoegaze de Las Retamas, de Madrid, y los adorables dalsi, de Galicia.
Madrid Popfest informa que la fiesta de presentación del festival, programada para el próximo 27 de enero en la sala Galileo Galilei, contará con la actuación de los británicos Heavenly, tras más de dos décadas sin pisar Madrid. Los ingleses Would-be-goods están asimismo confirmados, así como el barcelonés Neoleonard, dentro de este programa especial.
Las entradas a Madrid Popfest están «a punto de agotarse», informa el festival. Los abonos están disponibles en DICE por 40 euros.
Lola Indigo publica nuevo epé, ‘GRX’, en el que colabora exclusivamente con artistas que, como ella, provienen de Granada. DELLAFUENTE, Saiko o Pepe y Vizio se encuentran en el elenco de artistas granaínos invitados al nuevo proyecto de la autora de ‘EL DRAGÓN‘, aunque parece que el tema de Saiko no saldrá hasta 2024.
Otra de las estrellas invitadas es La Zowi. Mimi y La Reina del Sur entregan ‘Yo tengo un novio’, una canción increíble por exactamente dos motivos. El primero es que ‘Yo tengo un novio’ es a todas luces una canción respuesta a ‘Tití me preguntó’, la lista de novias interminable de Bad Bunny. El segundo es que es igual de divertida que esa… o más.
¿Cuántas cosas pueden pasar en una canción que no llega a los tres minutos? Ese era el reto que parecía ponerse Lola Indigo en ‘La Santa’, una de las mejores canciones de 2023. En ‘Yo tengo un novio’ va más allá pasando del reguetón al club, pero dejando un sinfín de caramelos por el camino. Lo mismo te invoca a Los Ángeles Azules, que a Hannah Montana, que te mete un efecto de somier como el de ‘Mi cama’ de Karol G.
Eso por no hablar del efecto «bling» que aparece en ‘Yo tengo un novio’ (similar al de ‘Kiss Me More’ de Doja Cat y SZA) cuando La Zowi canta que ella tiene un novio al que le «saca los cuartos», cuando no se entretiene con otro que, sí, le «come el coño». Lola Indigo tiene un novio para «cada día de la semana», uno «la tiene chica, el otro mediana», canta. Eso sí, parece feliz con un «gringo» que la tiene «doblá como el cuello de un flamingo». Bingo.
Y, como para asegurarse de que ningún DJ se olvida de pinchar ‘Yo tengo un novio’, la canción pone el turbo en el tramo final metiendo un beat de house, con el que los productores Tunvao y GARABATTO se vuelven ya locos «choppeando» la frase «tengo un novio que me come el coño, que me come el coño, que me come el coño, que me agarra el moño, que me agarra el moño». Ganas de bailar esto, la verdad.
Arcángel, uno de los cantantes de reguetón más populares desde hace años, pues es muy habitual verle posicionado en el número 1 de las listas españolas, ha afirmado que el reguetón le parece el «género musical más pobre que existe».
Hablando en el canal de Youtube MoluscoTV, Arcángel ha dicho que el «reguetón es uno de los géneros musicalmente más pobres que existen en la historia de la música», argumentando que «no es lo mismo hacer música de la que tienes que saber», implicando a un grupo de músicos en un estudio, que un tipo de música que se hace «haciendo pistas con un dedo» y donde «todo es sintético». Arcángel reafirma su posición arguyendo que «en el reguetón, si te vistes bien, ya tienes cabida», y declara, desafiante: «Critíquenme, miren cómo estoy hablando de mi propio género. Acabo de decir que el reguetón musicalmente comparado con otros es una mierda. Porque musicalmente es un género bien pobre. La música de verdad se toca para que se sienta la vibra».
Arcángel empieza su diatriba advirtiendo que él «no es quién para faltarle el respeto a ningún género musical», pero viene a decir que le parece injusto que un artista de reguetón que «hace pistas con un dedo» se convierta en una persona millonaria, mientras otro que ha estudiado en conservatorio y es «fan de Beethoven», no pueda ganarse la vida como el artista de reguetón. Es más, Arcángel asegura que en el mundo del reguetón «el productor hace las pistas» pero el artista «se lleva el crédito».
Finalmente, Arcángel vuelve a ratificar su postura y concluye que «musicalmente lo que yo hago es muy pobre a nivel de riqueza musical».
Arcángel es autor de álbumes como ‘Sr. Santos’ (2022) o, últimamente, de ‘Sentimiento, Elegancia y Más Maldad’ (2023), y ha colaborado con todas las superestrellas del reguetón que te puedan venir a la mente, desde Bad Bunny a Young Miko pasando por Myke Towers. Qué pensarán por ejemplo Bad Bunny o Karol G, quienes sin duda han contribuido a enriquecer y dignificar el reguetón de varias maneras, de las palabras de Arcángel acerca del este estilo musical, está por ver.
"Yo canto reguetón, uno de los géneros más pobres de la historia de la música. (…) Todo es sintético. (…) El productor hace las pistas con un dedo y encima el crédito te lo llevas tú ". Gracias por esto, Arcángel. pic.twitter.com/5lm7DuLBJO
Las 16 canciones participantes de Benidorm Fest 2024 ya están disponibles en Spotify en la playlist «Ready for the Weekend». Son las 16 primeras canciones que escucharás en la lista. Puedes votar por tu propuesta favorita aquí.
A partir de la 17 encontrarás el resto de novedades de la semana. Ya se pueden escuchar los nuevos discos de Robe, Christina Rosenvinge, Chica Sobresalto, Sexy Zebras o Morat. La banda sonora de ‘El color púrpura’ incluye nueva música de Alicia Keys, Celeste o Jorja Smith. Kanye West está acabando su disco, pronto noticias (o no).
Varios lanzamientos cortos ven la luz también hoy, a destacar el nuevo EP de Lola Indigo que, dedicado a Granada, contiene colaboraciones con DELLAFUENTE, La Zowi o Saiko. Publican epé también, Ana Guerra o Nacho Vegas.
En materia de singles la cosecha nacional deja generosamente nueva música de Depresión Sonora, Julieta, Pepe y Vizio, Shinova, DORA, Confeti de Odio, Bea Pelea, Malamute, Blackpanda, Ultralágrima, Bilbao, Iseo & Dodosound, Soto Asa, Viva Belgrado, Lori Meyers con Manola o Chavales. Estos últimos acaban de anunciar su separación.
Más allá de nuestras fronteras hay nueva música de TR/ST, Twin Atlantic, Stefflon Don, The Veronicas, Megan Thee Stallion con René Rapp, Karol G, Justin Quiles, Ed Maverick, Softcult… Además, Beyoncé publica por fin en Spotify ‘Grown Woman’, aquel single suelto que lanzó en 2013 y que no estaba incluido en su disco de ese año.
Karol G está viviendo su mejor momento. Uno podría asumirlo por los tantos triunfos que está acumulando en su carrera musical en estos últimos meses: la buena acogida de su disco, su gran victoria en los Latin Grammy, su concierto en el Bernabéu… Pero, por si a alguien le quedaba alguna duda, ella se ha encargado de manifestarlo en su nuevo single, ‘QUÉ CHIMBA DE VIDA’.
La artista colombiana ha sacado un tema para celebrar todo lo que ha logrado. «Última canción del año… el 2023 me enseñó más que ningún otro año que todo lo que viví, presencié y experimenté durante años, hicieron que hoy pueda decir QUE CHIMBA DE VIDA!», ha escrito Karol G en Instagram.
«Esto es pa’ los que dijeron que no podía / Y aquí estoy, viviendo chimba de vida / Tengo la fuckin’ life que quería / Haciendo todo lo que soñé algún día», canta Karol G en el estribillo de la canción. El vídeo con el que la ha promocionado en redes sigue la misma dinámica, mostrando imágenes de la artista a lo largo de todo el 2023.
Al final del vídeo, la colombiana manda un mensaje específicamente para sus fans: «Quiero agradecer a todos por acompañarme este año, por hacer parte de tanta felicidad y tantos sueños cumplidos… ¡Sin ustedes nada de esto sería posible! Deseo lo más lindo para todos y no se preocupen que, si este no fue el año, vamos a manifestarlo juntos para que el próximo y todos los que vienen sean años increíbles de cumplir sueños y metas. Los amo a todos y gracias por tanto!!!!».
A Karol G también se le avecina un 2024 bastante prometedor. La artista ya ha confirmado las fechas de su gira europea, que supuestamente iba a cerrar con un gran concierto en el nuevo Santiago Bernabéu el 20 de julio. Sin embargo, la cantante ha confirmado que las entradas se agotaron «a los 7 min», confesando que está «sorprendida» con «la cantidad de personas que quieren estar en el show». Por ello, se ha tomado la decisión de añadir una segunda fecha en el Bernabéu el 21 de julio… Y después una tercera el 22 de julio, tras agotarse la segunda.
Azealia Banks lleva tiempo sin publicar música, pero eso no significa que esté desaparecida. Ni mucho menos. La artista ha acudido hoy a X, antes Twitter, para desahogarse sobre diversos temas y responder a algunos seguidores. Entre las declaraciones más importantes destaca la de que «los gays» le han «arruinado la vida».
Todo comenzó con un hilo de tuits escritos por la artista en los que confesaba que no le había gustado ‘Pink Friday 2’, el nuevo disco de Nicki Minaj. «No creo que Nicki entienda que el aspecto más singular de su impacto cultural fue el permiso que dio a las raperas para ser increíblemente femeninas», escribe en un tuit. «Nicki Minaj fue la primera rapera que no trató de emular la estética del rap masculino. Hoy en día ha dejado su auténtica estética de Barbie para masculinizarse», continúa.
Pero, más tarde, el hilo de tuits fue dando rodeos y Azealia Banks terminó criticando a Diddy, rapero que sigue viéndose envuelto en controversias y acusaciones por agresiones sexuales. La artista, que hizo alusión a que Diddy fuera gay, recibió una respuesta irónica de un usuario que la llamó «de broma» homófoba. «Joder, es 2023 y todavía hay gays básicos en Twitter buscando homofobia como si a alguien le importara o alguna vez le hubiera importado», contestó Banks en mayúsculas.
Los comentarios fueron aumentando y la artista siguió inmersa en la discusión. «Te crees que has dado un zasca, pero recuérdanos por qué ya no haces música y has recurrido a vender jabón», escribió un usuario. Ella no tardó en responder: «Porque, sinceramente, la negativa de los gays a dejarme ganar tranquilamente millones de dólares porque quieren que les entretenga por un penique me hace darme cuenta de que la regla del negro arruinado se aplica a todos los hombres. No puedes permitirte mi música, bebé».
Más tarde, Azealia Banks volvió a tuitear: «Después de todos estos años de falsa indignación y estrés, el hecho de que cualquier hombre gay piense que estoy mínimamente ilusionada en sacar más música para que puedan gritar y desperdiciar la vida de una mujer negra me resulta gracioso». «Habéis arruinado los que deberían haber sido algunos de los mejores años de mi vida. Me habéis jodido, acosado y mentido impidiendo cualquier tipo de éxito mientras fingíais desearme lo mejor… Y ahora mendigáis nueva música. Lamentable», concluye.
No I didn't. I don't think Nicki understands that the most unique aspect of her cultural impact was the permission she gave female rappers to be insanely feminine. Nicki Minaj was the first female rapper to not be trying to emulate male rap aesthetics, she was unapologetically https://t.co/7ziPNgbDo9
You lot have truly ruined what we're supposed to be some of the best years of my life. Blackballed me, harrased me, lied on me, actively hindering any success while pretending to wish me the best…….. And now begging for new music. Pitiful.
A un año del primer concierto de Aitana en el Santiago Bernabéu, la artista catalana ha logrado vender todas las entradas menos de dos horas después de que iniciase la venta general. Tras anunciar en su paso por el WiZink que cerraría su gira con un gran concierto en el Bernabéu, la autora de ‘alpha’ ya ha colgado el cartel de sould out.
Aitana ha sido la primera artista femenina española que se atreve a anunciar concierto en el nuevo Bernabéu, por lo que las expectativas estaban por las nubes. Pese a que el show se celebrá el 28 de diciembre de 2024, la lejanía de la fecha no ha impedido a Aitana vender rápidamente alrededor de 60.000 entradas, aunque aún no está claro cuál es el aforo para conciertos del recinto.
Las entradas se han agotado una hora y media después de que se abriera la venta general. Sin embargo, solo estaba disponible cerca del 60% del aforo. El 40% restante ya se había vendido hace unos días a través de dos preventas: la organizada por Santander para sus clientes y la exclusiva para los fans registrados.
Aitana es la tercera cantante femenina que anuncia concierto en el nuevo Santiago Bernabéu. Se une así a Taylor Swift, quien se encargará de inaugurarlo el próximo 30 de mayo, y a Karol G, quien cerrará su gira europea el 20 de julio.
En un momento en el que no se cuidan tanto las mezclas como en el siglo XX, en el que la gente escucha música en el móvil sin más amplificador, en el que muchos grandes estudios de grabación han ido cerrando porque ya no compensa pagar un pastizal por ellos, el regreso de Peter Gabriel es una rareza.
Cuando algunas de las obras maestras de nuestros tiempos, como ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ de Kanye West, presentaron un sonido atroz, cuando abrazamos el «bedroom pop» porque nos ha introducido a artistas con el talento incuestionable de Billie Eilish; el autor de ‘So’ publica 12 canciones de 2 maneras diferentes. Una es la mezcla «brillante», realizada por Mark «Spike» Stent y otra es la mezcla «oscura», a cargo de Tchad Blake. Esto se traduce en que al menos sus seguidores y la prensa especializada hacen algo que no tenían planeado para este 2023: escuchar atentamente los arreglos de un álbum, rebuscar entre los detalles de los temas que han ido saliendo además uno a uno, mes a mes, siguiendo los ciclos lunares. ¿Qué año corría la última vez que descubriste una guitarra o un órgano soterrados, ocultos, en la mezcla de un disco que tenías hacía eones y te sabías de memoria?
Porque hay discos en cuyas capas nunca terminas de bucear, como ‘OK Computer’ de Radiohead, es que merece la pena destacar los últimos trabajos de Steven Wilson o ahora Peter Gabriel. Artistas curtidos en otra era que hacen uso de su conocimiento técnico durante décadas. Y uno de ellos es decidir cuánto quieres que se escuchen los efectos de una extraña percusión entre los minutos 1.00 y 1.10 de ‘Panopticom‘: ¿son esenciales o un complemento? Sin grandes diferencias, excepto en este tipo de subrayados, Peter Gabriel nos está educando sobre la importancia del trabajo artesano en el estudio, sin renunciar a las nuevas tecnologías. Siempre le gustó un buen envoltorio (ver portada).
El artista ha tardado casi 30 años en culminar este proyecto. Es su primer disco de estudio de canciones nuevas y originales desde ‘Up’ en 2002. En medio hubo versiones, orquestaciones y adaptaciones, pero este es el primer largo en el que le escuchamos hablar de sus inquietudes contemporáneas, y algunas ideas proceden incluso de 1995. Esto se traduce en que estamos frente a unas composiciones muy preocupadas por los efectos de internet, los móviles y las nuevas formas de comunicación (la carcelaria ‘Panopticom’ suena un tanto orwelliana), el control de nuestra privacidad (‘The Court’), la religión (‘Four Kinds of Horses’) o el medio ambiente (‘Playing for Time’).
Sin embargo, Peter Gabriel no vuelve para echarnos la bronca: ‘i/o’ es un álbum espiritual, zen, con un enorme sentido de la aceptación, como escuchamos en el corte titular: «simplemente soy una parte del todo». «Hay tanto por lo que vivir, hay tantas cosas que aún podemos dar», repite en ‘So Much’, insistiendo en la misma idea. Mientras ‘And Still’ parece tratar la muerte de su madre, que se produjo en 2016, justo después la final ‘Live and Let Live’ nos propone ir dejando a un lado la era de la crispación: «¿Durante cuánto tiempo quieres odiar, con todo ese enfado que quemar?».
Que quiere propagar el bien, se siente también en unas canciones que resultan tan pop -o casi- como algunas de sus grabaciones más asequibles de los años 80. Además del corte llamado ‘i/o’ va en esa línea la alegría que ni el joven Phil Collins de ‘Olive Tree’, también ‘This Is Home’, y en cierta medida el baladón inspirado en Randy Newman que es ‘Playing for Time’.
El álbum se mueve cómodo entre la electrónica, el pop-rock y un poco el ambient y la new-age más adulta y sobria, recordando al trabajo meticuloso de gente como Tony Visconti. Eso sí, si este fuera un disco de David Bowie, sería más ‘Heathen’ o ‘Reality’ que ‘The Next Day‘. Con alguna salvedad como ‘Love Can Heal’, que contiene a la vez el poder «curador del amor» y el de la música, las canciones son más cabales que definitivas. El Oscar que le darían seguro sería el de Mejor Sonido.
La nueva serie de Movistar+ que promete dar de qué hablar se llama ‘Celeste’ y está muy evidentemente inspirada en el caso de Shakira y Hacienda, informa Cine con Ñ. ‘Celeste’ narrará la historia de la inspectora de la Agencia Tributaria que descubre el caso de fraude de la «mayor estrella de la música latina». El director, Diego San José, no puede dejar más clara la inspiración, y asegura que ‘Celeste’ será «como Zodiac, pero con el IRPF».
En palabras del creador de ‘Vota Juan‘, ‘Celeste’ “nace del reto de levantar un thriller vertiginoso alrededor del personaje más gris que se me puede ocurrir: una inspectora de Hacienda de sesenta años que vive sola y que no tiene ninguna habilidad especial”.
La sinopsis oficial explica: «Celeste es la gran estrella de la música latina. Sus canciones son un fenómeno mundial. Sus conciertos llenan estadios. Tiene su propio perfume, su propia marca de lencería y una melena kilométrica que promociona su propio champú. Pero esta serie no trata sobre ella. La verdadera protagonista de ‘Celeste’ es Sara Santano, una inspectora de hacienda que ha dedicado toda su vida a la recaudación de impuestos. Eso es lo único que ha hecho desde que se sacó las oposiciones siendo una veinteañera hasta hoy que, después de más de treinta años entregados a la Agencia Tributaria, ha llegado el momento de prejubilarse.
O eso creía ella. Porque el último día recibe el encargo más importante de su carrera: demostrar que Celeste, la gran estrella latina, reside en España y tiene que pagar aquí sus impuestos. Una misión de la que dependen veinte millones de euros para las arcas españolas. Para ello, Sara tendrá que aparcar su vida para recorrer la de Celeste y demostrar que pasó aquí 184 días. La mitad del año más uno».
En la vida real fue una inspectora llamada Susana C la que tiró de los hilos que llevaron a apuntar el fraude fiscal de Shakira. Un macrorreportaje histórico publicado en la sección de Economía de El País daba todos los detalles en ese momento. Hoy, Shakira ya puede decir haber pasado página del peor momento de su vida.
Premio Ruido ha dado a conocer su lista de discos nominados a Álbum Nacional del Año. El premio ha reconocido en el pasado grandes discos de Rosalía, Triángulo de Amor Bizarro, Niño de Elche o Maria Arnal i Marcel Bagès. El disco ganador de la última edición fue ‘Tercer cielo‘ de BRONQUIO y Rocío Márquez.
Entre las grandes ausencias de las nominaciones de Premio Ruido hay que destacar las de Sen Senra, que también ha publicado uno de los mejores discos nacionales de 2023; Ralphie Choo, cuyo ‘Supernova‘ ha recibido halagos incluso de la prensa internacional más influyente; y ‘Plena Pausa’ de J.
Desde el año 2015, la PAM -formada por más de 200 informadores musicales en activo- reconoce el talento de bandas y artistas del panorama nacional con la entrega del Premio Ruido al Mejor Álbum del Año producido en España. El próximo disco ganador de Premio Ruido se desvelará en un gala de la que pronto se desvelarán todos los detalles.
Hoy 14 de diciembre se han presentado oficialmente las 16 canciones que competirán en Benidorm Fest. En la web de RTVE están disponibles ya al completo todas ellas. Benidorm Fest 2024 se celebra los días 30 de enero, 1 y 3 de febrero.
En cuanto a las canciones presentadas, ‘Bla Bla Bla’ es fiel al sonido guitarrero y bailable de Miss Caffeina, mientras ‘No se me olvida’ de Yoly Saa apuesta por un sonido de pop épico y tribal y Almácor por una mezcla de urban y house a lo Bad Bunny en ‘Brillos platino’.
‘Sé quién soy’ de Angy se entrega a un pop-rock oscuro tipo Halsey, y en un estilo parecido encontramos ‘Me vas a ver’ de Mantra y ‘Te echo de -‘ de Noan. Por otro lado, ‘Astronauta’ de Lérica apuesta por el sonido Avicii, ‘Beso en la mañana’ de Dellacruz por el pop urbano y ‘Caliente’ de Jorge González por el pop latino a lo Ricky Martin.
Entre los temas más interesantes y que tienen potencial de convertirse en favoritos hay que destacar ‘Zorra’ de Nebulossa, que apuesta por el synth-pop a lo Delaporte o Vicco, la «petardada» de ‘Here to Stay’ de Sofía Coll (en sus propias palabras), y el flamenco de ‘Remitente’ de María Paláe, la única de las 16 canciones que ya se conocía, pues se publicó en octubre, dentro del último disco de la cantaora.
La cuota de pop dramático y emocional la pondrán Quique Niza con ‘Prisionero’, agarrado a unas percusiones que ni ‘Halo’ de Beyoncé, y ‘El temps’ de Roger Padrós, que mezclará piano y vocoder. La gran sorpresa puede ser la apuesta de St. Pedro, que presenta el precioso bolero de ‘Dos Extraños (Cuarto de Cuerda)’.
Malbert, el conocido podcaster que presenta el programa ‘Querido hater’, ha puesto en entredicho la bisexualidad de Arkano (declarada por él mismo) durante su charla con el músico publicada estos días, recibiendo la respuesta tajante del artista.
En la entrevista, Malbert habla -aunque sin dar nombres- de esos artistas que supuestamente «se apropian de causas que no viven» para fidelizar a la comunidad LGBTQ+, e insinúa que Arkano pueda ser uno de esos artistas. El rapero, directo, responde que «he comido pollas, si esa es tu pregunta» y «por si pensabas que me estoy apropiando de algo», y añade que las ha comido «bien comidas», pero que no va a compartir más detalles.
En el pasado, Arkano ha hablado públicamente de su bisexualidad, afirmando que es bisexual pero que «en Tinder tengo puesto solo chicas», y ha declarado haber recibido homofobia «desde hace muchos años».
‘Everybody‘ de Nicki Minaj no será el único tema titulado así que salga esta semana fusilando un clásico del pop. Kanye West también prepara su propio ‘Everybody’, pero él no ha recurrido a ‘Move Your Feet’ de Junior Senior (2002), sino a un single publicado unos años antes, el archiconocido ‘Everybody (Backstreet’s Back)’ de Backstreet Boys (1997).
Kanye ha estrenado ‘Everybody’ este 12 de diciembre en directo durante la presentación de ‘Vultures‘, su nuevo disco conjunto con Ty Dolla $ign, en Miami. Ye no ha sampleado el single de Backstreet Boys, sino que ha recreado el estribillo, aunque, en lugar de cantarlo él, lo canta su colaborador Charlie Wilson. Lil Baby también aparece en el tema.
Acorde con el tracklist oficial de ‘Vultures’, ‘Everybody’ abrirá el largo, que estará compuesto por 18 cortes, a menos que West modifique el contenido de ‘Vultures’ a última hora, como ha solido hacer con otros de sus lanzamientos. Hablando de Nicki Minaj, se espera que la autora de ‘Pink Friday 2’ aparezca en ‘Vultures’, concretamente en el tema ‘New Body’.
En la «listening party» de ‘Vultures’ han pasado otras cosas. North West, hija de Kanye, se ha personado en el escenario para interpretar el verso que ha grabado -a sus 10 años- para el álbum de Kanye y Ty Dolla. North West rapea justamente en ‘Vultures’, el corte que da título al disco.
En otro momento del evento, Kanye ha vuelto a expresar que él no es «antisemita», un año después de declarar públicamente su admiración por Hitler. Kanye ha recibido críticas por el atuendo de color negro que ha vestido durante el evento, similar al de Ku Kux Klan.
Después de tres mixtapes y de incontables singles, Bad Gyal publicará el que se considera su álbum debut oficial, ‘La Joia‘, el próximo 26 de enero.
Además de concretar la fecha de lanzamiento de ‘La Joia’, Bad Gyal ha desvelado su portada y también su tracklist. Compuesto por 15 cortes, el repertorio de ‘La Joia’ incluye cinco singles ya publicados, ‘Mi Lova’ con Myke Towers, ‘Sin Carné’, ‘Chulo Pt. 2’ con Tokischa y Young Miko, ‘Sexy’ y ‘Real G‘ con Quevedo.
Entre las novedades de ‘La Joia’ encontramos una colaboración con Anitta en ‘Bota Niña’, otras con Ñengo Flow, Morad y el jamaicano Tommy Lee Sparta, y títulos como ‘Pop Pop’ y ‘Perdió Este Culo’. Así queda el tracklist completo:
01 Intro
02 Mi Lova ft. Myke Towers
03 Give Me
04 Bota Niña ft. Anitta
05 La Que No Se Mueva ft. Tommy Lee Sparta
06 ‘Perdió Este Culo’
07 Sin Carné
08 Bad Boy ft. Ñengo Flow
09 Skit
10 Chulo Pt. 2 ft. Tokischa, Young Miko
11 Así Soy ft. Morad
12 Sexy
13 Pop Pop
14 Real G ft. Quevedo
15 Otra vez más
Bad Gyal presentará ‘La Joia’ en una gira por España el próximo mes de febrero. La gira La Joia · 24 Karat Tour pasará por Zaragoza, Barcelona, A Coruña, Bilbao, Madrid, Valencia y Granada.
Residente ha comunicado que ha pospuesto el lanzamiento de su nuevo disco debido al «genocidio macabro que destruye lentamente Palestina».
En un vídeo publicado en su cuenta de Instagram, Residente explica que el conflicto le hace pensar en su hijo todos los días, que le «duele demasiado» y que «no puedo ser indiferente ante esto». Además, se pregunta «cuándo fue el día en el que nos deshumanizamos a tal nivel que podemos ver cómo explotan las cabezas de niños y niñas en frente nuestro y no decimos nada».
Residente se pregunta por qué el conflicto entre Israel y Gaza no ha detenido el mundo, «como la pandemia», y critica a quien utiliza las redes sociales para «subir un story modelando ropa, o mostrando el plato de comida que te estás comiendo o la noche de fiestas en donde te emborrachaste», en lugar de para «denunciar el genocidio que está cometiendo Israel con el apoyo de Estados Unidos contra la población civil de Palestina».
No obstante, Residente asegura que sus palabras «no vienen desde el lado del reproche», sino «desde el lado de la decepción», y señala que le «entristeció ver que durante toda la premiación de los Grammys nadie dijo nada sobre este genocidio».
Residente, ex integrante de Calle 13, ha publicado solo un álbum en solitario, homónimo, en el año 2017. En 2020 lanzó ‘René’, una de las mejores canciones de ese año. Y, en 2022, Residente se marcó un «mic drop» de órdago gracias a su sesión con Bizarrap.
Lori Meyers se encamina a su final de gira de 2023 con un concierto en el WiZink Center este 30 de diciembre, que supondrá la segunda parada de su carrera en este recinto. JENESAISPOP es medio oficial de esta fecha en Madrid. La primera vez fue hace 5 años, pero desde entonces no han dejado de sacar música, incluyendo el disco ‘Espacios Infinitos’ (2021). Ahora, el grupo también aprovecha para presentar un nuevo single, ‘Ya No Dices Nada’, en el que colaboran con Manola, y que es la Canción Del Día de hoy.
Es en una tarde de diciembre, a tan solo unos pocos días del que quizá puede ser el concierto más importante del año para Lori Meyers, cuando me reúno con Antonio López “Noni” (voz) y Alfredo Núñez (batería) para hablar sobre sus raíces en Loja (por casualidades de la vida yo también soy de allí), el cierre del tour, la canción que acaban de sacar y los cambios a los que se sigue sometiendo la industria musical. El grupo también actúa el 23 de diciembre en Barcelona, como parte del Festival Mil.lenni.
¿Cómo se explica que un grupo que nace de una pequeñísima ciudad como es Loja, pueda llegar a cerrar su gira en el WiZink?
Noni: Pues porque teníamos pan élfico en Loja, teníamos los roscos de Loja, y si tú comes roscos de Loja de chiquitillo…
Alfredo: Es curioso, porque en nuestra generación adolescente, en Loja había mucho movimiento musical, había otros grupos mayores en los que nos fijábamos y había un ambiente musical que nos gustaba. Nos unía eso, el que nos gustara la música y el tocar algún instrumento. Había un montón de bandas.
Noni: Hubo una época en la que hacían las ferias de Loja y el sábado se llevaba a un artista un poco más nacional, más importante, y el viernes era el día de todos los grupos locales. Hemos llegado a estar hasta 12 bandas ese día. Además, muchos amigos nuestros se dedicaron al teatro, otros a las artes, a la ilustración… fue una generación muy próspera en ese aspecto. Y ya luego Granada nos dio el paso a establecernos dentro de un circuito en el que había grupos formados y, de ahí, una carrera paso a paso hacia arriba.
Uno de los conciertos más esperados de esta gira era precisamente en Loja, el pasado 25 de agosto. Supongo que sería muy especial.
Noni: Sí, fue uno de los conciertos en los que más nervios podíamos tener. Pero no son los nervios de tocar, porque nosotros el show lo damos a mil por mil sea en el sitio que sea, pero sí es verdad que en Loja tenemos familiares, amigos… y te preocupas por que todo el mundo esté cómodo. De eso no te preocupas cuando vas a otra ciudad o cuando haces un concierto en A Coruña o Barcelona, por ejemplo. Tenemos amigos, pero no tienes a toda la familia. Y eso te pone un pelín nervioso, pero fue muy especial hacer el concierto allí. Había mucha gente que quería vernos en nuestro pueblo, en nuestro hábitat. De hecho hicimos un vídeo especial en Instagram en el que la gente nos contaba lo que le había parecido nuestro pueblo, y todo el mundo estaba flipando. Loja tiene mucho encanto, pero ha perdido muchas guerras de logística y tal. Y eso ha llevado a mucha gente a tener que acabar en la capital.
Porque supongo que Loja es uno de los lugares que os brinda más apoyo, ¿no? ¿O en realidad no tanto?
Alfredo: Siendo sensatos, ha habido un tira y afloja durante años. Es verdad que hacer un concierto en Loja, donde no hay un espacio regular como una sala para hacer un concierto, es difícil. Entonces siempre estábamos esperando alguna contratación un poco más externa. No solo dependía de nosotros, sino de la estructura que tenga cada gobierno en este caso o cada concejalía de cultura. A veces ha sido un poco por eso, otras veces porque nosotros no hemos podido ir por cuestiones de que si cierras conciertos en Granada no puedes tocar a ciertos kilómetros por temas de exclusividad. Han ido pasando los años y es verdad que ya se reclamaba un concierto nuestro, y más después de que el año pasado fuera Izal y era raro que Lori Meyers, siendo estandarte de esa música alternativa, no hubiera estado antes. Pero bueno, hemos estado este año, no vamos a pensar en lo anterior, y es un concierto en el que ya nos desquitamos también de todo este tiempo.
¿Os da la impresión de que sois menos reconocidos en casa?
Noni: No, nosotros estuvimos ensayando en Loja hasta hace un tiempo, pero luego todos vivimos en Granada. Y hubo también desde hace tiempo mucho éxodo de gente de Loja a Granada por las oportunidades de trabajo. Es complicado porque cada vez en los pueblos hay más despoblación. Antes nosotros volvíamos en Navidad y éramos muchos allí, cada vez hay menos gente en los pueblos… Pero cada vez que vamos a Loja nos sentimos queridos y en Granada también. La verdad es que ojalá tocar más en Loja, pero ojalá también tocar más en Bilbao, en Barcelona… ojalá tocar más en todos los sitios.
«Pedro Sánchez es fan de los Lori desde hace ya bastante tiempo, pero bueno, también lo es Moreno Bonilla, Paco Cuenca de Granada…»
La verdad es que por esta gira no os ha faltado nada, hasta reunión con el presidente del Gobierno. Subió una foto con vosotros a Instagram tras a asistir a uno de vuestros conciertos. ¿Qué tal fue el encuentro?
Noni: Pues normal. Pedro Sánchez es fan de los Lori desde hace ya bastante tiempo, pero bueno, también lo es Moreno Bonilla, Paco Cuenca de Granada… Nosotros no somos muy políticos, cuidamos a la gente como persona. Cualquier persona que venga a nuestro concierto, sea alguien que no tenga nada o sea alguien que tenga mucho poder, simplemente es un espectador más para nosotros. Y bueno, sabes que es el presidente del Gobierno y siempre es un halago que venga a verte.
Ernest Urtasun es el nuevo ministro de Cultura. ¿Os ha gustado dicha elección? ¿Le reclamáis algo? Se dice que los artistas no están contentos con el estatuto del artista.
Noni: Los artistas nos tendríamos que unir. Confiar en los políticos es un error. Hay que confiar en el gremio, donde nos podemos unificar y cambiar las cosas. Pero para ello tendríamos que unificarnos todos, en la música es mucho más complicado que en el cine o que en otro tipo de aspectos culturales. Y para eso hace falta que todos nos unamos. No necesitamos políticos, los políticos solo van a lo suyo. Tienen una pegatina como la de cualquier equipo de fútbol y van a lo suyo. Esos nunca van a mirar por nosotros, ningún político.
«Los músicos tenemos que unificarnos todos, aunque sea más complicado que en el cine u otros ámbitos. Los políticos nunca van a mirar por nosotros»
Bueno, y última parada el WiZink el 30 de diciembre. Si ya suena fuerte que vayáis al WiZink, suena todavía más fuerte que sea vuestro segundo concierto en el WiZink, cinco años después del primero. ¿Consideráis que han cambiado mucho las cosas desde entonces?
Alfredo: Socialmente en el mundo, sí. Todos sabemos a lo que nos hemos tenido que enfrentar en 2020. Pero nosotros siempre nos hemos mantenido en esa tesitura de seguir avanzando. Todos estos años han volado. No encuentro un cambio tan grande, aunque por supuesto sí el cambio de grupo: después de la pandemia Miguel López ya no siguió en el bajo, Doria tampoco estaba en la guitarra y entraron Toni y Miguel de Lucas. Eso nos ha dado también una visión nueva, pues tocar en el escenario con dos personas talentosas como ellos nos ha sumado. Más que cambios, hemos visto que Lori Meyers sigue sin tener un techo y que la gente sigue estando ahí, que quiere ver los conciertos y que los disfruta. Nosotros estamos con ganas de seguir diciendo cosas y de desgranar energía en el concierto, que es donde hemos aprendido desde que empezamos a tocar en Loja en el bar Alperchín todos los viernes.
¿Fue más importante aquella vez, o ahora esta?
Alfredo: Es que aquel concierto resumía una carrera, era hacer un repaso un poco más cronológico a todo, por lo que era más especial y diferente a lo que normalmente hacía la banda. Y este, realmente te pone tenso porque es un espacio difícil y donde hay que hacerlo bien, pero lo tenemos más asumido como un concierto natural dentro de la gira que como la especialidad de conmemorar algo. Esto es más un punto y seguido, pero al que le tenemos muchas ganas por el espacio que es y porque estamos solos con los fans.
¿Planeáis algo especial para este concierto?
Noni: Alguna sorpresilla hay, sí.
¿Y lleváis colaboraciones? Porque ahora todo el mundo espera invitados cuando se trata de un fin de gira y más si es en el WiZink. Vaya faena que el fin de una etapa tenga que ser con colaboraciones, ¿no?
Noni: No, ¡al contrario! Cuando desvelemos todas las colaboraciones y las veáis, veréis que queríamos terminar esa noche con todos nuestros amigos. Con los más posibles y los que han tenido algo que ver con Lori Meyers. Y es difícil de juntar eso, ¿eh?
Alfredo: Sí es verdad que ahora hay grupos que hacen colaboraciones casi con nombres más ilustres de la música para hacer una canción con ellos, pero nosotros vamos a pensar más en que en el concierto haya colaboradores que hayan trabajado mucho con Lori. No queremos llamar a alguien por el nombre para que parezca que esto va a ser mejor.
Noni: De hecho, las colaboraciones casi todas son con artistas emergentes, así que lo guay va a ser que vamos a estar todos entre amigos y lo bonito es que el público va a descubrir cosas. A nosotros no nos gusta que se tenga que juntar a este con este o al otro con el otro, no nos gusta juntar cromos. Pero todos aquellos que hayan tenido mucho contenido con Lori en estos últimos años, son ya amigos nuestros y nos gustaría que estuvieran con nosotros en el escenario o en la parte técnica. Yo creo que va a ser muy especial para nosotros.
Supongo que una canción que no faltará en el setlist es ‘Ya No Dices Nada’, vuestro nuevo tema.
Noni: Pues sí, estará.
¿Cómo surgió?
Noni: Pues Teresa Manola es teclista de Rufus T. Firefly, y como compartimos a Miguel de Lucas y todo el rollo, nos hicimos amigos y me mandó su disco, que es como soul y R&B. Escuché algunas cuantas canciones y me gustó mucho. Tuve alguna ideílla de cómo nuestras voces podían casar bien. Se vino un par de días a Granada y empezamos a crear la canción, que salió rápido y muy fresquita. Manola es una artista emergente pero con muchísimo talento y son gente de la que hemos aprendido mucho.
El tema es a dúo con Manola, ¿por qué ella? También podría haberla grabado Anni B Sweet, que es vuestra voz femenina más cercana, ¿no?
Noni: Anni B Sweet tiene muchos más proyectos y, además, también está haciendo ahora cosas con Rufus. Estamos muy juntos: mientras nosotros hacemos el feat con Manola, Anni hace el feat con Rufus. Tengo amigas artistas con las que me gustaría hacer también cosas, como Dani, pero no tenemos tiempo para todo y vamos poco a poco. Anni, además, ya canta en ‘Espacios Infinitos’.
¿Hará ella las voces en directo?
Noni: Anni está ya confirmada para el WiZink, fue la primera confirmada. Pero ella no quiere trabajar tanto como para hacer los coros. Seguramente va a coger su canción y dirá: «Me voy a beber».
Entonces podemos esperar que sea Manola quien haga la voz en directo, ¿verdad?
Noni: Sí, la canción de Manola sí. Anni hará su canción y también haremos la canción con Kora, si no nos deja tirados (ríe).
Alfredo: Claro, cada una tendrá su espacio. No van a hacer algo que no han hecho, no vamos a juntar cromos porque sí. Van a ser colaboradores que ya saben lo que han hecho en la canción.
Noni: Hay alguna sorpresilla… dos sorpresillas muy guays.
¿Esta canción con Manola pretende ser como una actualización del típico dúo de Nancy & Lee de los años 60?
Noni: Una de las cosas que le dije al productor fue algo así. Realmente es una canción en la que no necesitamos tanto ruido, tanta destrucción… Así que, ya diciéndole eso, va por ahí: cuando las voces son importantes y empiezan a casarse entre ellas, la música toma el relevo que tiene que tomar.
La narrativa de la canción es muy interesante porque trata sobre una ruptura amorosa, pero al mismo tiempo hay versos como «Y convencerte de que no es el fin» que se pueden relacionar con este final de era. ¿Habíais pensado en ese doble sentido? ¿Ha sido intencional sacarla ahora?
Noni: No, está hablando de una relación. Es cuando le dices a alguien: «Tío, sé que estamos pasando un mal momento, tú vas en el coche y te acuerdas de mí y escribes». Como es moderna en aspecto de comunicación, es más eso. Es ese proceso de relación en el que te acuerdas de la otra persona. Y el estribillo lo que te dice es que, aunque esto se acabe, no es el fin de nada. Tú tirarás por tu camino y yo tiraré por el mío.
¿Qué expectativas tenéis con respecto al desempeño del tema en las listas de éxitos?
Noni: ¡Nada! Pues ninguna. Que guste a la gente.
Alfredo: Es una canción que es totalmente natural. Pero si llega a las listas de éxitos como ha sucedido con otras canciones, pues genial. Nosotros vamos a trabajar la canción de forma normal sin esperar nada.
Noni: No creo que ningún artista que no sea el argentino este que siempre es número 1 piense en ello cuando compone. Solamente algunos de este tipo de artistas que lo saben ya directamente.
«Que haga lo que quiera Spotify, que le pague 0,0001 a quien quiera y que haga lo que sea, nosotros intentaremos sobrevivir»
El panorama ha cambiado mucho. Ahora, plataformas como Spotify posibilitan que los artistas puedan llegar a un público más amplio. ¿Ayuda a darte a conocer y a expandir distintos estilos de música, quizá no tan comerciales?
Noni: No confiamos en Spotify lo mismo que no confiamos en los políticos. Es una plataforma que no nos va a ayudar. La música, de hecho, desde los años 90 hacia acá siempre ha ido a peor para los artistas. Ya estamos en el modo «relegados». Que haga lo que quiera Spotify, que le pague 0,0001 a quien quiera y que haga lo que sea, nosotros intentaremos sobrevivir. La mayoría de los artistas como nosotros sobrevive de los directos, porque la industria musical se ha vuelto muy difícil, y las plataformas algo tendrán que ver. Ahí estamos los artistas, lo he dicho siempre. Cuando nos unifiquemos, lucharemos.
¿Ha influido negativamente en vuestro caso, que lleváis activos desde incluso antes de que estas plataformas existan?
Alfredo: Es una cuestión de adaptación y de que se trata de un medio más para reproducir música. Somos un grupo que venimos de la primera caída de la industria que es cuando no empezaban a venderse discos. Y ahora la transformación hacia lo digital, que vemos lo rápido que está cambiando todo. Es una buena plataforma para descubrir y para que la gente pueda acceder rápido a oír cosas, pero en ese momento también estás cambiando la forma que tiene la gente en su cabeza de reproducir canciones: en vez de discos enteros se demandan playlists. Y en esas playlists es donde se lucha ahora por estar. Ahí está la fuerza de las compañías o de los artistas de introducirse en esos espacios.
Empezasteis vuestra gira por los festivales españoles allá por abril, que coincidió con el lanzamiento de ‘No Me Merecía La Pena’, el tema junto a Kora que decíais. Ahora vais a cerrar el tour con el lanzamiento de otra canción, ‘Ya No Dices Nada’. ¿Hay alguna conexión temática o conceptual entre ambos temas?
Noni: No, pero sí es verdad que estaba pensado con quién se iba a colaborar. La conexión más básica es que son las dos últimas canciones que hemos compuesto. Cuando haces un disco, algo va enlazado automáticamente. Pero sí, puede ser que estén enlazadas en ese sentido.
En una industria que parece que cada vez da más importancia a los singles que a los álbumes, ya uno no sabe si estos son los primeros adelantos de vuestro próximo álbum… ¿O son canciones sueltas?
Noni: Pues puedes hacer las dos formas. Se pueden quedar como singles sueltos o meterlas en tu disco si calan con el concepto de las otras canciones que has hecho. En composición todo se engloba.
Alfredo: Sobre el disco no hay nada todavía. Se irá viendo. Hay ideas, hay composiciones, pero no sabemos todavía cómo hacerlo, si merece la pena sacar un disco o ir sacando canciones bien trabajadas para que, al final, esas canciones las pueda oír la gente y no salgan en un disco donde nacen muertas prácticamente. Tendremos que ir viendo la estrategia a seguir, pero desde luego habrá una continuidad y vamos a seguir trabajando. No va a haber un parón de años. Vamos a seguir trabajando y, sobre ese trabajo que vayamos haciendo y esa continuidad, iremos viendo.
«En los últimos años todos estamos sufriendo con tener un puesto en un festival»
Por cierto, ¿qué ocurre ahora con los grupos que parece que se están separando muchos después de la pandemia? Como por ejemplo El Columpio Asesino.
Noni: De hecho somos amigos de ellos. También Niños Mutantes recientemente. Cada uno tiene su excusa y tiene su decisión, que hay que respetar. Porque seguramente todos los casos serán distintos. A nosotros nos llegará en algún momento también, son cosas que le pasa a todo el mundo. La música va cambiando. Nosotros tenemos la suerte de que, cuando empezamos, teníamos 16 años. Por eso ahora estamos rondando los 40 y todavía estamos en este nivel. Pero es muy complicado. Yo entiendo también a los grupos que dicen: «Hasta aquí hemos llegado». Ya sea porque no tengan nada que componer o nada que decir. Pues no sé, a todos nos llegará ese momento. Me entristece mucho lo de El Columpio Asesino, pero es otra cuestión lo que pasa ahí. Y con lo de Niños Mutantes me quedé un poco en shock porque no me lo esperaba. En los últimos años todos estamos sufriendo con tener un puesto en un festival, ya que ahora los festivales se abren más y son más multiculturales. Pero bueno, me quedé triste porque son amigos, cada vez que vamos a verlos disfrutábamos y porque son de Granada. Perdemos un activo grande en Granada.
¿Y vais a seguir trabajando en Granada? Fíjate que es común que los artistas se muden a Madrid para conseguir conciertos, publicidades, patrocinios con marcas…
Alfredo: Nosotros desde siempre. Lo pensamos alguna vez, pero bueno, tuvimos la suerte de que la carrera siguió y nos hemos podido reunir siempre en Granada con nuestro equipo técnico. Eso nos ha posibilitado quedarnos allí. Y hoy, con todos los métodos de comunicación vía online, es mucho más fácil teletrabajar. Nosotros ya empezamos a teletrabajar hace muchos años. Pero siempre matuvimos el querer quedarnos allí, porque estábamos a gusto y porque no había necesidad. Eso quizá nos matuvo los pies en la tierra de decir, «oye, vamos a trabajar desde aquí y defender lo nuestro». Hace unos años, si nos hubiéramos venido en otra época, igual Madrid nos hubiera cambiado o habríamos hecho las cosas de manera diferente.
Noni: Nosotros en Granada estábamos cerca de la familia, y hay tantos grupos que no es raro. Pero claro que has pensado siempre que Madrid está a 4 horas de todo, y nosotros llevamos el doble de kilómetros desde aquí.
Alfredo: Entiendo que a lo mejor un grupo que es de Cuenca, por ejemplo, o Badajoz, a lo mejor si no hay tantas infraestructuras o movimiento en ese aspecto de la cultura musical, entiendo que sí se desplacen a Madrid para establecer una zona de logística e infraestructura que necesiten.
¿Qué podemos esperar de Lori Meyers en 2024?
Noni: Empezamos actuando en Logroño el día 4. Es el primer festival. Pero luego ya sí hay un pequeño parón y empezamos el año en México, en el Vive Latino. Latinoamérica es un sitio donde estamos yendo últimamente y también nos lo estamos pasando bien, con la misma sensación a cuando empezamos hace mucho tiempo y eso reconforta al grupo y lo rejuvenece. Y hay algunos festivales cerrados para este verano en España.
Sidecar, la mítica sala de Barcelona, ubicada en la Plaça Reial, se traspasa. Su actual director, Roberto Tierz, cederá el testigo a los propietarios del club Sauvage del Born. El 31 de enero de 2024, la sala Sidecar tal y como se conoce desde su apertura en el año 1982, dejará de existir. El nuevo proyecto convertirá el espacio en una coctelería, confirma El Diario, pero Tierz aclara que «el equipo habitual continuará al mando de la nave» y que la sala seguirá programando música.
A lo largo de su historia, Sidecar ha ofrecido conciertos de figuras internacionales como Nick Lowe, Manu Chao o Pete Doherty, pero, sobre todo, ha servido de punto de encuentro con la cosecha del underground barcelonés y/o nacional durante varias generaciones. Hidrogenesse, Manos de Topo, Medalla, Dani Dicostas o, últimamente, Mushkaa han pasado por su escenario.
Así anuncia Roberto Tierz el fin de Sidecar en un comunicado: «Tras más de cuarenta y un años al frente de Sidecar, ha llegado el momento de cambiar de vida y dejar paso a otros que lideren la sala con la programación más longeva de la ciudad. Estos años han sido una aventura llena de momentos emocionantes, amigos y cuyos objetivos iniciales se han cumplido sobradamente.
Lo que comenzó en 1982, movidos por amor a la música y empujados por un espíritu rebelde e inconformista, se ha mantenido a lo largo del tiempo sin perder su esencia. A pesar de todas las dificultades que representa hoy en día, Sidecar ha mantenido un local en el centro de la ciudad, abierto a todos y especialmente a los barceloneses.
Pero ¡que nadie se alarme! el equipo habitual continuará al mando de la nave y la programación de conciertos está garantizada.
El último día que el actual Sidecar abrirá sus puertas será el 31 de enero de 2024. Hasta entonces seguiremos aquí para ofreceros la mejor música del mundo, amor y copas.
En un próximo comunicado anunciaremos los días de fiesta de despedida que, naturalmente, contará con conciertos y buena música».
El artista japonés Hajime Sorayama, muy conocido por sus ilustraciones de robots femeninos, ha acusado a Beyoncé de usar su arte sin autorización en los visuales de la gira de ‘Renaissance‘.
«Hey Beyoncé, me podrías haber pedido permiso «oficialmente», así podría haber hecho un trabajo mejor para ti, como hizo mi amigo The Weeknd», ha escrito Soroyama en su cuenta oficial de Instagram, donde ha colgado imágenes de la gira de ‘Renaissance’, acompañadas de algunas de sus ilustraciones.
En cuanto a Beyoncé, Soroyama parece referirse, en concreto, al casco de color cromado que lleva puesto la cantante de Houston en uno de los vídeos utilizados durante la gira, en la canción ‘Break My Soul’, para más señas. El casco es extremadamente similar al dibujado por Soroyama en algunas de sus ilustraciones más populares.
Beyoncé, quien no es conocida por meterse en polémicas, no ha comentado sobre la acusación de Soroyama. Sus fans, no obstante, han salido en defensa de la cantante, recordando que, en 2007, Knowles ya apareció vestida de robot en una gira, y señalando que la obra de Soroyama parece haberse inspirado también en obras previas, como la icónica película de ciencia ficción de 1927 ‘Metropolis‘, poniendo en entredicho la originalidad del artista nipón.
Beyoncé acaba de estrenar la película de la gira de ‘Renaissance’. La cinta no solo exhibe el concierto, sino que, también, muestra imágenes de la vida personal de Beyoncé, y está siendo un éxito en taquilla: en su primera semana ha recaudado 21 millones de dólares.
Beyoncé ha celebrado el estreno de la película de ‘Renaissance Tour’ lanzando una curiosa canción nueva. ‘My House’ parece ser un descarte de ‘Renaissance’, pero lo seguro es que es una de las canciones más agresivas que ha publicado la artista. Perfecta para el voguing, pues mezcla hip-hop y música dance, pero también para hacerse el hooligan gracias a ese engorilado coro masculino, la canción incluye un mensaje inspirado en RuPaul: «siempre os amaré, pero nunca esperaré que me améis a mí, si no os queréis a vosotros primero».
Volviendo atrás en el tiempo, hoy 13 de diciembre se cumplen 10 años desde el lanzamiento de ‘BEYONCÉ‘, el histórico álbum de Beyoncé de 2013. Knowles ha celebrado la efeméride colgando un vídeo en Instagram, donde ya reúne comentarios de su hermana Solange («¡historia!») o de Caroline Polachek, quien afirma que ‘BEYONCÉ’ «inventó el nuevo paradigma del pop». Por supuesto, Polachek es co-autora de una de las pistas incluidas en el largo, ‘No Angel’.
Publicado por sorpresa en diciembre de 2013, ‘BEYONCÉ’ puso de moda la práctica de publicar grandes lanzamientos sin previo aviso. Pero, sobre todo, ‘BEYONCÉ’ marcó un antes y un después en la carrera de Beyoncé a nivel creativo, siendo la primera de sus siguientes grandes obras maestras perfectamente conceptualizadas y cerradas de principio a fin. Beyoncé pasaría, a partir de ese momento, a convertirse en una de las grandes creadoras de álbumes de nuestra era, siendo ‘Renaissance’ por supuesto la última expresión de Knowles en este sentido.
Nicki Minaj salió del bucle de «mixtape por año» de sus inicios con un primer disco en 2010. Ahora, recién llegada a los 40, acaba de publicar su secuela. Muchas de las frases que hace 13 años empleábamos para hablar de ‘Pink Friday’ valen para ‘Pink Friday 2’. «El mundo del sampleo está a punto de llegar a lo sonrojante». «El límite de los sampleos y el mal gusto de recurrir a canciones demasiado conocidas y recientes es digno de ser analizado». Pero ojo, también: «Sería una pena centrarnos en los temas errados de este disco y oscurecer las virtudes de Nicki Minaj». Como en cierta ocasión, emerge la tentación de copiar y pegar la misma crítica, a ver si alguien se da cuenta.
Que no tengamos nada nuevo que decir de la llamada a ser la mejor rapera del siglo XXI no es bueno. Sobre todo porque tenía material personal para hacer un disco con el que caerse de culo. Su padre ha fallecido en circunstancias muy trágicas, ha sido madre, su competencia está a por uvas. Y salta a la vista que por mucho que haya querido hypear esto con grandes alharacas y retrasarlo como si fuera la Sagrada Familia, este disco no va a suponer un antes y un después en la carrera de Nicki Minaj. Ninguno la supuso.
Los singles principales definen esta era. En toda su diferencia, siendo casi antagónicos, sí resultan representativos. Por un lado, ‘Super Freaky Girl‘, con su sample del conocidísimo tema de Rick James -también popularizado por MC Hammer-, y su destreza para cabalgar pollas, cual «cowgirl» en toro mecánico. Por otro, un tema sensible, una balada como es ‘Last Time I Saw You’, sobre la pérdida de un ser querido. Ambas ideas -la de samplear y la del amor, no la del cerdeo- convergen en el tema de apertura. ‘Are You Gone Already?’ samplea un tema tan conocido como ‘when the party’s over’ de Billie Eilish, transformando la reflexión sobre el dolor en un tema sobre la tristeza que a Nicki le provoca que su bebé no vaya a conocer al abuelo. Recuerda que el dinero no da la felicidad. Por manida que esté la idea, funciona.
Pronto el disco pasa a otra cosa, con Nicki Minaj postulándose como «madre del año» (‘Barbie Dangerous’) y como «mejor rapera» (‘FTUC’) en temas a medio camino entre el rap y el trap. También pronto se alternan las naderías cuasi interludios (‘Beep Beep’, ‘Pink Birthday’) con la búsqueda de lo sublime. ‘Fallin 4 U’ está cargada de cuerdas y ‘Let Me Calm Down’ es una canción chulísima, en la que Nicki y J Cole reflexionan sobre lo que hace falta para que el amor funcione, sobre un bucle de voces adulteradas la mar de eficiente. Será el primero de los muchos momentos de buen pop que nos dejará el disco.
Especialmente brillante es la parte central de ‘Pink Friday 2’. El dembow con Drake, ‘Needle’, demuestra que ninguno de los dos está comprendiendo muy bien el paso de los tiempos y el cambio de las modas, pues la gente lleva tanto tiempo esperando por esto que la idea original debe de proceder de 2016, pero al menos es un single clarísimo. Tiene un recuerdo al día en que Björk se disfrazó de ganso («Poppin’ out like a cork, ducking ‘em like Björk») y una buena idea de partida por sencilla que parezca: «eres una aguja, y la vida, un pajar».
Justo ahí se abre un tramo de disco muy notable, con varias cosas que funcionan muy bien. ‘Cowgirl’ es una dulcísima -que no almibarada- colaboración con Lourdiz, con una guitarra de corte poético y contemplativo. ‘Everybody‘ confía en los daneses Junior Senior tras el éxito que ha reportado a Nicki haber confiado en los daneses Aqua para la banda sonora de ‘Barbie’, y apunta ya a ser el gran éxito de este álbum. ‘Red Ruby Da Sleeze’, con su sample de Lumidee, se crece en la secuencia tras haber pasado medio desapercibida hace unos meses. ‘Forward From Trini’ es una reivindicación de hedonismo recién traída del Caribe, y ‘Pink Friday Girls’ del archiconocido hit de Cyndi Lauper, que con esto superará definitivamente los 1.000 millones de streamings en Spotify, como si hubiera salido este 2023. Cuando una canción muy conocida es sampleada, provoca cierto rechazo inicial, pero no podemos decir que su filosofía no pegue a Nicki Minaj ni esté bien integrada. Lauper ya le ha dado su aprobación en redes sociales, y no precisamente para llevarse royalties: la escribió Robert Hazard.

Más desapercibida pasa la adaptación de ‘Heart of Glass’ en ‘My Life’ aunque se agradece la buena intención. Nunca se hablará lo suficiente sobre Blondie. Pero es verdad que ese tramo final es puro desconcierto, acudiendo ya únicamente al rescate la presencia de ‘Last Time I Saw You‘ y las aceptables baladas ‘Blessings’ y ‘Just the Memories’. Incluyendo pistas que aseguró que no iban en el álbum porque no le gustaban (‘Bahm Bahm’) o que han ganado encuestas para ser incluidas finalmente (‘Nicki Hendrix’ con Future), uno puede ir concluyendo que 15 años después, Nicki Minaj no tiene la más mínima idea de cómo se finiquita un disco bueno en su conjunto. Por alguna razón no lo debe de tener asumido de su niñez ni de su adolescencia. Es como si hubiera crecido más con singles sueltos de Foxy Brown que escuchando ‘The Blueprint’ y ‘Miseducation of Lauryn Hill’. Sabe cómo empezarlo, sabe cómo terminarlo, sabe cómo entreternos como los mejores. Pero no cómo darle empaque.