Las grandes baladas de los 70, las que interpretaron artistas como Harry Nilsson, The Carpenters o Laura Nyro, las que escribieron autores como Burt Bacharach y Hal David o Carole King, son eternas. Pero también siguen inspirando a autores actuales como Adele, Rumer, Natalie Prass o Tobias Jesso Jr, que emulan a aquellos en obras contemporáneas. Pero pocos artistas españoles actuales –apenas Francisco Nixon en su último disco, ‘Lo malo que nos pasa‘, buscó aproximarse a aquel espíritu, a su manera– se han atrevido a hacerlo como ahora lo hace Summer Spree.
Este, como ya contamos hace meses con motivo del lanzamiento de su EP «debut», es el nuevo alter-ego de Álvaro Muñoz, más conocido por sus fantásticos álbumes en los 00 bajo el nombre de Tarik y la Fábrica de Colores. Ahora, tras aquellas 4 canciones de ‘Parque Figueroa‘ que enfocaban su mirada hacia el synth-pop con vocación popular de los 80, Summer Spree parece querer enriquecer esa perspectiva con nuevos enfoques en su primer álbum, ‘Sub Lumine’, que autoedita el día 16 de marzo.
La primera canción que ha avanzado de este disco, como decíamos, remite instantáneamente a esas grandes baladas al piano de los 70, con algunos giros melódicos que, al menos a mí, me remiten a ‘Yesterday Once More‘. Se titula ‘La hora más fría’ y ya está disponible para escuchar en su versión final en Bandcamp, previamente a liberar todo el álbum. Pero los que le seguimos en Facebook ya pudimos saber de ella días atrás, cuando subió un vídeo tocándola al piano en el salón de su casa. La verdad es que, aunque la versión de estudio tiene arreglos –»llevaba batería desde el principio, pero en la mezcla final decidí que entrara casi al final del tema», me cuenta Álvaro–, me gusta mostrarla así, más desnuda, como yo la descubrí.
Como se desprende del párrafo anterior, he tenido ocasión de hablar vía mail con el autor sobre esta canción. Nos explica que, efectivamente, quiso «hacer una canción al estilo de las baladas de los 70, como las que hacía Todd Rundgren, así, con la voz seca, algo saturada y muy presente». Y sigue:
«La historia es básicamente, la de alguien que se lamenta de haber querido ser “ultracool” a base de poses y de rodearse de gente que, en realidad, no aportaba nada positivo a su vida, pero se le va de las manos y ya es tarde cuando se da cuenta de que ha descuidado el amor hacia la persona que de verdad quería. Por eso dice lo de “y la puerta que cerré no se va a abrir”. No quería buscar una historia original, sino contar algo muy sencillo y muy sincero a la vez. A veces damos por hecho que la gente a la que queremos va a estar siempre a nuestro lado, ya ves qué ingenuos podemos ser».
Una auténtica maravilla con visos de atemporalidad que debería animar a muchos a escuchar ese ‘Sub Lumine’ que ya está próximo.
El rapero mallorquín Valtonyc finalmente ingresará en prisión, tal y como ha sentenciado el Tribunal Supremo la pasada semana, por delitos de enaltecimiento del terrorismo, calumnias e injurias graves a la Corona, y por amenazas. De nombre real José Miguel Arenas Beltrán, Valtonyc pasará 3 años y 6 meses en prisión por el contenido agresivo de sus letras, que el Tribunal ha considerado alaban el uso de la violencia, por ejemplo contra el rey emérito, entre otros.
La condena a Valtonyc es una de las noticias más comentadas ahora mismo en España, pero también ha llegado a la prensa internacional. Se hacen eco de ella dos medios estadounidenses dedicados principalmente a la música, Billboard y Stereogum (que emplea literalmente el texto de Billboard), y también el británico Independent, entre otros. Billboard de hecho recoge el hashtag #EnEspañaSeCensura de Unión de Músicos CNT firmado por varios artistas como Vetusta Morla, Carlos Sadness o Mucho.
Con motivo de la sentencia, más de una veintena de festivales catalanes, además de la ASACC (Associació de Sales de Concerts de Catalunya), se han solidarizado con Valtonyc añadiéndole simbólicamente a sus carteles de 2018. Estos son Acampada Jove, BarnaSants, Black Music Festival, Canet Rock, Ciutat Flamenco, Clownia, Cruïlla, Curtcircuit, Festival de Cajón, Festival de Música de Cadaqués, Festival Emergent, Festival Esperanzah, Festival Internacional de Jazz de Barcelona, Girona Accapella, Guitar BCN, Let’s Festival, Mercat de Música Viva de Vic, Minipop, Músiques Tranquil·les, Primavera Sound, Room Festival, Strenes, Suite Festival, Telecogresca y VIDA Festival.
Valtonyc ha estrenado una nueva canción en las últimas horas, ‘Pido perdón porque he comprendido’, un nuevo ataque al Rey que incluye frases como “Uno entre quince, un gato entre tigres, ve y diles, que tengo miles de misiles apuntado a su majestad, que más de la mitad del pueblo me dio potestad”.
Mientras tanto, otro rapero, Pablo Hasél, condenado en 2014 por sus letras también a varios años en prisión, espera una nueva sentencia del Tribunal Supremo que confirme que ha cometido delitos de enaltecimiento del terrorismo, injurias a la Corona y calumnias e injurias a las Instituciones del Estado. Hasél se enfrentaría a 2 años y 9 meses de cárcel y a una multa de 40.500 euros, que de no poder afrontar, resultaría en una ampliación de su estancia en prisión.
Moby ha concedido una entrevista a The Guardian con motivo de la publicación de su nuevo disco, ‘Everything Was Beautiful and Nothing Hurt’. El autor de ‘Play’ ha hablado sobre Donald Trump (aunque no de la polémica Estados Unidos-Rusia), su veganismo, su relación con David Bowie y sobre la vez que inventó el iPhone. O algo así.
Moby cuenta que, cuando se estrenó iTunes, el músico sugirió a uno de los directivos de Apple que la marca debía sacar algún tipo de dispositivo MP3 a través del cual escuchar la música contenida en iTunes, y que “un año o dos después”, fue invitado a un hotel de Nueva York, donde varios directivos de Apple le regalaron el primer iPod, indicando que Steve Jobs quería que lo tuviera. Entonces, Moby expresó a los directivos: “sabéis que, en algún momento, esto irá adjunto a una cámara y un teléfono, ¿verdad? Y se rieron de mí y me dijeron que eso nunca pasaría”.
El visionario Moby, que acaba de lanzar su autobiografía, predice finalmente en la entrevista el futuro de la humanidad: “en algún momento habrá una dictadura no humana. Creo que la gente se hartará de la corrupción de los políticos humanos, así que creará un algoritmo imposible de corromper que tomará estas decisiones por nosotros”. Visto lo visto, habrá que tenerlo en cuenta…
Esta semana ha llegado a la red una maqueta antigua de Amy Winehouse que la cantante grabó con 17 años, presumiblemente en 2001, antes de fichar por Island Records. El productor Gil Cang ha subido la pista, titulada ‘My Own Way’, a Youtube y ha contado en Camden New Journal que Winehouse la escribió junto a James McMillan con la intención de “llamar la atención de las discográficas”. Dice que en cuanto la escuchó cantar se quedó “prendado” con su voz. Publicaría su primer disco, ‘Frank’, a los 20, en 2003.
Tras su muerte, Island Records publicó un disco de material inédito de Winehouse, ‘Lioness: Hidden Treasures‘, que pese a vender 2 millones de copias no fue muy bien recibido por la crítica. El disco contenía algunas canciones nuevas, aunque inacabadas, y varias maquetas y canciones antiguas que carecían de verdadero interés.
Amy grabó varias canciones durante los últimos años de su vida, y en 2008 llegó a contar a un medio francés sus planes de publicar dos EP’s y más tarde un disco. The Sun publicó en 2009 que Universal había rechazado las nuevas canciones de Winehouse por ser “demasiado oscuras” y “demasiado reggae”, y tras el lanzamiento de ‘Lioness: Hidden Treasures’ destruyó toda grabación existente que Winehouse había dejado inédita.
Gorillaz, LCD Soundsystem, Thom Yorke, Diplo, Richie Hawtin CLOSE, Laurent Garnier, Cornelius, Rosalía presentando nuevo sonido, Modeselektor, Olafur Árnalds, Kode9, Bonobo, Niño de Elche con el bailaor Israel Galván, Laurel Halo, John Talabot o Lorenzo Senni eran algunos de los nombres que ya se habían confirmado en Sónar Festival 2018, que los días 14, 15 y 16 de junio celebrára su 25º aniversario con una nueva edición. Hoy el festival de músicas avanzadas ha comunicado los últimos 50 nombres con los que da por cerrado su cartel y, como siempre, hay propuestas bien interesantes.
La más llamativa puede ser DESPACIO, una experiencia de club dentro de Sónar de Día con James Murphy (LCD Soundsystem) y los hermanos David y Stephen Dewaele (2manydjs) a los platos. Dice su nota de prensa que «juntos llevarán el sonido de alta fidelidad -con un espectacular soundsystem formado por 7 torres de altavoces y amplificadores dispuestos en círculo- a su máxima expresión con 3 dj sets de 6 horas -uno al día-, pinchando únicamente vinilos, donde los protagonistas absolutos serán la música y el público».
El cierre del festival correrá a cargo de Alva Noto & Ryuichi Sakamoto, que estrenarán su nuevo show de piano, electrónica y visuales, presentando nueva música e improvisaciones, el domingo 17 de junio en el Teatre Grec. Este del Sónar será uno de los tres únicos espectáculos que ofrecerán en todo el mundo. También se confirman en esta tanda directos de Demdike Stare, Yaeji, TOKiMONSTA o Jenny Hval, y sesiones de Miss Kittin, Kim Ann Foxman o 2ManyDJs. Además, se ha confirmado una actuación de SOPHIE en SonarDôme, con artistas españoles como Álex Silva o Museless. El hip hop y la electrónica underground estatal también amplía su representación con la presencia de Alizzz (artífice, entre otros, del sonido de ‘Ídolo’ de C. Tangana), Steve Lean (Yung Beef, PXXR GVNG), Olde Gods o Lory Money.
Low Festival, que en este 2018 celebra su 10º aniversario, acaba de anunciar una nueva tanda de confirmaciones para su cartel, en el que ya figuraban artistas como The Chemical Brothers, Phoenix, La Bien Querida, Javiera Mena, Novedades Carminha, Izal, Vitalic o Iván Ferreiro. A la cabeza de esos nuevos nombres están Los Planetas y, de manera más sorprendente, Christina Rosenvinge, menos habitual de lo que debería y nos gustaría en estas citas festivaleras.
Con su confirmación, justo cuando acaba de publicar el notable ‘Un hombre rubio‘, Low Festival se apunta un tanto en un panorama festivalero en el que las mujeres, y mucho menos las solistas, no suelen ocupar las primeras filas de los carteles, si es que llegan a aparecer. En este caso, el festival levantino se precia de incluir también a la chilena Javiera Mena y a La Bien Querida. Pero, evidentemente, el gran atractivo de esta tanda de confirmaciones para la mayor parte del público está en Los Planetas, que ya actuaron en este festival en 2016. Sin embargo, a diferencia de entonces, ahora presentan ‘Zona Temporalmente Autónoma‘, un álbum que ha vuelto a engrandecer su leyenda.
Otros nombres incluidos en este anuncio son los belgas Vive La Fête, experimentadas figuras del electropop, y el dúo Bala, que tras publicar en 2017 su álbum debut, ‘Lume’, cada vez acapara más atención. Flash Show DJs cierran la lista de nombres. Low Festival se celebra los días 27, 28 y 29 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm (Alicante). Los abonos de tres días para Low Festival 2018 están a la venta desde 65€ más gastos en lowfestival.es hasta este jueves, cuando subirán de precio.
Después de verles la noche anterior en el Telediario de La 1, El Hormiguero batió anoche el récord de audiencia de esta temporada y alcanzó la tercera audiencia más alta de su historia con la visita al programa de Amaia Romero y Alfred García, ganadora de Operación Triunfo 2017 y, además de finalista, el que será su compañero de dueto en Eurovisión, respectivamente.
Amaia, que estaba resfriada y no paraba de toser –“pero no pasa nada, porque esto es un programa de humor”, dijo–, aseguró estar rara con su participación en Eurovisión, porque no sentía esa emoción que supuestamente debía sentir por la situación. Pero sin duda lo mejor de la noche llegó cuando Alfred y Amaia se la metieron bien doblada a Pablo Motos: cuando el presentador les preguntó por su historia de amor, ambos, compinchados con Jorge Salvador –director del programa–, hicieron creer a Motos que les molestaba hablar de eso y que habían pactado no mencionarlo. La cara de Motos fue un auténtico poema, y tras derrumbarse Amaia al verle, se levantó del plató y se marchó, aunque volvió enseguida y encajó el “golpe” como pudo.
Por supuesto, y pese a la dificultad de Amaia por la tos y los mocos –“me han dado 10 cosas para que pueda cantar”, aseguró con toda normalidad–, interpretaron en directo ‘Tu canción’, el tema que representa a RTVE en Eurovisión en 2018. Además, a petición del presentador, también hicieron su célebre ‘City of Stars’ a cuatro manos.
La prestigiosa editorial Contra ha editado este mes un libro sobre ‘Camino Soria’ escrito por Edi Clavo, batería y co-autor del propio grupo, Gabinete Caligari. Hace poco hablábamos con Jaime Urrutia sobre la necesidad de reivindicar este disco completamente histórico para el pop español, con motivo de su 30º aniversario, y la edición de este libro supone toda una sorpresa a varios niveles.
Por supuesto, es una gozada zambullirse en la historia de su grabación, los detalles de su composición, su promoción, su gira de más de 120 conciertos por toda la geografía española o sus ricas influencias, que van de los Rolling Stones y las Supremes al country de Johnny Cash y Hank Williams, pasando por cosas menos manidas como ‘Brasil Pop’ de Jayme Marques, ‘Getz/Gilberto’ o el disco en vivo ‘Vinicius de Moraes en La Fusa’. Pero lo llamativo es que, Clavo sabe pasar de lo concreto a la general para ofrecer un relato rico e interesante incluso para quienes no sepan quiénes son Gabinete Caligari. Aquí van 5 buenas razones para leer este libro:
1.-El descubrimiento de Edi Clavo como Morrissey español
¿Pero Edi Clavo sabe escribir? Suele asumirse que quien sabe escribir en un grupo es el cantante, normalmente autor de las letras, y a veces ni eso, pero Clavo es licenciado en Historia del Arte por la UCM y su relato, aunque a veces algo rococó y muy puntualmente repetitivo, resulta ágil y mordaz, sobre todo a partir del tercer capítulo. No se revela precisamente como fan de los Smiths en este libro, pero este sí consentiría un top 10 con las citas más incendiarias. Hay cierto machismo en la evaluación de algunas artistas y muy especialmente periodistas por sus atributos físicos, también algo de «ageism» (esos críticos «rozando la senilidad»), pero en general hay que agradecerle que sea tan políticamente incorrecto como al fin y al cabo fueron los 80.
Habla del synth-pop de Duran Duran y Spandau Ballet como «horteras con sintetizadores», describe a Robert Smith como un «orondo y alucinado componiendo nanas y oratorios góticos a partes iguales», califica ‘La Isla Bonita‘ de Madonna como «canción ridícula», hablando de las horas bajas de Neil Young dice de Geffen Records que es una «discográfica errónea y yuppie» y concluye a la caída de Rick Astley: «¡Qué gran pérdida para nadie!». Especialmente sorprendente es esta cita sobre «The Jesus»: «ruidismo vacuo, gafa de pasta y cardado bufo de los igualmente letales The Jesus & Mary Chain». Aunque no siempre estés de acuerdo con sus opiniones, las carcajadas están garantizadas.
2.-No es un libro sobre la Movida
Edi Clavo te sitúa en un tiempo en el que Julio Iglesias comparte lugar en las listas con Mecano y Serrat con Radio Futura. No faltan referencias a ‘La bola de cristal’ o el «mítico» viaje en tren con varios grupos de la Movida que se hizo de Madrid a Vigo a modo de hermanamiento, pero es una victoria que ‘Camino Soria’ no sea un libro sobre la Movida, todo el talento que había en Madrid en aquella época o cuánto había molado el Rock-Ola. Al contrario, Edi Clavo pasa más bien por encima de todo aquello para hablar de las canciones, por ejemplo, sobre cómo dictaba la moda que había que grabar las baterías y las voces en la época, y sobre cómo había decaído el rock en aquellos años. Por una vez, alguien ha dado igual o incluso mayor importancia a las canciones y a los sonidos que a lo guay y lo no guay de La Movida (que también aparece en el libro).
3.-El cuestionamiento de la anglofilia
Antes de que la crítica celebrara las producciones aflamencadas de Rosalía y Niño de Elche, toda una generación de indies se miró en las influencias anglosajonas -sobre todo noise y soft-pop-. Pero antes de ellos, muchos grupos de la Movida se miraron obsesivamente en neorrománticos, góticos, post-punkies etcétera. Gabinete Caligari nacieron así, sobre todo por el influjo de Eduardo Benavente. Sin embargo, pronto fueron tildados como grupo de «rock torero» y, pese a las citadas influencias anglosajonas, también utilizaron el folclore, la geografía o los sonidos de nuestro país para enriquecer su obra.
Así, Edi Clavo describe su hit primigenio ‘El calor del amor en un bar’ como una «tarantela napolitana», una «saeta acelerada», pero también como «un pasodoble español». Atentos a esta impagable cita: «siempre nos habían repelido las ínfulas cosmopolitas de muchas de las poses colectivas aventadas por los cabecillas de la Movida, sus ansias ortopédicas de sacudirse el pelo de la dehesa de lo carpetovetónico, que si ‘Groenlandia’, ‘Cita en Hawaii’, ‘Hawaii, Bombay’, ‘Lobo hombre en París’, ‘Venezia’ y otros manifiestos fatuos de mundanidad impostada».
4.-La reivindicación del concepto «álbum»
En unos tiempos en que cada vez está más asumido que el formato álbum está en decadencia y que las plataformas de streaming han vuelto a alzar las alas del formato single, es una verdadera gozada comprobar cómo un grupo, por contrato con una multinacional, pasaba semanas planeando los detalles de un álbum. Y eso incluye el sonido de las canciones y la coherencia de la obra como conjunto, pero también su portada minimalista y anti-comercial si pensamos en los cánones de la época, las fotografías adecuadas para el encarte, o los detalles de los vídeos. La parte en la que Clavo habla de la importancia de la portada del primer LP de Elvis Presley o el «Sgt Pepper’s» de los Beatles es una gozada por situar temporalmente cuándo las portadas empezaron a ser de verdad importantes para provocar el consumo masivo o dar ínfulas de obra artística.
5.-El retrato colateral de RTVE
En las primeras páginas del libro, Edi Clavo realiza un recorrido por la prensa de la época que ni en la asignatura de Historia del Periodismo Español de Ciencias de la Información. Es tan exhaustivo hablando de los programas y revistas de la época que hasta para los que vivimos de esto se roza el tedio justo en una primera parte del libro que debería enganchar. Sin embargo, es de agradecer que haya sacado punta a los programas de RTVE de la época. La sangre que hace muy especialmente de la tristeza de ‘Tocata’, ‘A tope’ y ‘Aplauso’, sus focos de colores o la manía de echar a los grupos bien de humo blanco resulta muy graciosa. En una ocasión critica «esa obsesión por recrear un ambiente nebuloso, un émulo barato de performance de Genesis o Kiss» y en otra el «sempiterno halo de niebla artificial a medio camino entre el gas Zyklon B y un sahumerio de catedral; una persistente niebla de incienso que se anudaba en las gargantas para mayor regocijo del iluminador y perjuicio de los ejecutantes».
Aunque Edi Clavo habla con cariño de varios locutores de Radio 3, no puedo dejar de compartir su hilarante retrato de los estudios: «aquel caserón semidesierto en una esquina de Prado del Rey al que llegabas a deshora, en la oscuridad de la noche, entre una chopera azotada por el viento y una recepción de pesadilla donde te acreditaba un funcionario que parecía de la Stasi. Te colocaban una pegatina entelada con el anagrama de RTVE y subías en un ascensor sobredimensionado acompañado por un propio. A continuación aparecías en un pasillo como de la película ‘El resplandor’, con una ristra de locutorios apagados, salas de control muertas, habitáculos siniestros. (…) Los 40 Principales era otra cosa». Tampoco hay que perderse su relato del programa de Nochevieja 87 en el que participaron Gabinete. Sí, sí, el de Sabrina… 8. Disponible en Amazon.
Katy Perry acaba de anunciar mediante un tuit que finalmente la gira ‘Witness: The Tour’ sí tendrá parada en nuestro país. Será el 28 de junio en Barcelona y, como ya ocurriera en la gira de ‘Prism’, será en el Palau Sant Jordi.
Las entradas se podrán adquirir a partir de las 10:00h del miércoles 7 de Marzo, a través de doctormusic.com y ticketmaster.es, también en tiendas Fnac, Viajes Carrefour y Halcón Viajes, por teléfono en el 902 15 00 25 y demás puntos de venta de la red Ticketmaster. El precio de las entradas será de 62 euros para las entradas de Pista y 45 Euros, 62 Euros y 88 Euros para las de Grada (gastos de distribución no incluidos). También habrá disponibles entradas Premium Pit y Premium Seat de 105 Euros (gastos de distribución no incluidos) y diferentes Packs VIP. Se podrán adquirir máximo 6 entradas por compra.
Anoche en Twitter Katy Perry anunció una nueva fecha en la rama europea de ‘Witness: The Tour‘, la gira de presentación de su último disco, ‘Witness’. Se trata de un concierto englobado dentro del festival Rock In Rio Lisboa, el día 30 de junio. Con ella estarán también Hailee Steinfeld y Jessie J, además de otros artistas locales. En el mismo tuit, Katy ya hacía un guiño, preguntándose si «podría dar un salto a España ya que está ahí». Una carita con guiño culminaba el mensaje, dejando entrever el anuncio que ha llegado esta mañana.
Katy Perry planea estar de tour prácticamente todo este año 2018 presentando ‘Witness’, un disco que ha sido un fracaso comercial en comparación con las altas expectativas, pese a ser un disco interesante desde un punto de vista artístico y dejar algún que otro éxito en su cuenta particular, como ‘Chained To The Rhythm’ o ‘Swish Swish‘, que está viviendo una repercusión paulatina gracias a un factor muy curioso: el flipante paso de baile que un chico con mochila mostró por primera vez con ella en Saturday Night Live se ha convertido en viral y gente tan popular como Javier Calvo lo imita.
Trust and believe I'm coming for you, too, Barcelona See you June 28! on sale March 7! pic.twitter.com/PQT1Yd1t66
Por las respuestas al tuit de la cuenta oficial anunciándolo, podéis comprobar que más de uno no veía bien que Alba Farelo estuviese en el cartel del BBK Live. En cierto modo, es extraño, porque muchos grupos españoles que estos años han formado parte del cartel del festival matarían por ver, no ya cómo Pitchfork te saca en portada, sino cómo reseña tu single nada más salir, cómo Fact Mag te nombra canción internacional del año y cómo The Fader te estrena su videoclip… o quizás precisamente ese es el problema: que escuece que una chica de solo 20 años lo haya conseguido, para colmo explorando géneros no muy concurridos en España.
Vale, recurrir a la envidia o al machismo como motivo es muy tópico, pero pocas explicaciones se pueden encontrar a que haya quienes, aunque no les guste su música, la tomen por tonta y le nieguen cosas obvias como su habilidad componiendo temas dancehall, o su ojo para los ganchos y para la producción (y para saber de quiénes rodearse en la producción, que también es importante). Bad Gyal no tiene un pelo de tonta, y sí muchas razones para estar en el BBK y en muchos otros festivales. Y su última mixtape, ‘Worldwide Angel’ (masterizada por Vlado Maller), contiene varias de estas razones.
“Soy la más regalá / pa ganar no tengo que pelear” comienza diciendo en esa ‘Intro’ que ojalá durase más, pero que afortunadamente viene a presentar una primera parte que no da tregua, con dos temazos como son ‘Internationally’ y ‘Tra’. En la producción de ‘Internationally’ tenemos a Jam City, y Dubbel Dutch, y lo que resulta de esto es probablemente el corte mejor producido de la mixtape: una celebración de su éxito y de su salto internacional (obvio) que se pega cosa mala. Como decíamos, sin tiempo para descansar llega ‘Tra’, otra contribución de Dubbel Dutch. El encargado -junto a la propia catalana- de ‘Jacaranda’ se marca aquí otro bop, redondeado por un doble estribillo ante el que es imposible mantener las piernas quietas, y una letra que no tiene desperdicio: “quiero darte / pero por el móvil no puedo tocarte / y verás cuando te vea / que en la cama me comporto como fiera / quiere que me gire y ver la parte de atrá”. Si alguna vez te habías planteado si rimar “baby no te comas el coco” con “quiero que me comas el toto” podía quedar bien, ‘Tra’ está aquí para resolverte esa duda.
Dutch también nos presenta, añadiendo a su ritmo unos arreglos de cuerda, ‘Candela’, el que ha sido el segundo adelanto de ‘Worldwide Angel’. Pero no es el único nombre que repite con Alba: tenemos a Fakeguido tanto en ‘Yo sigo iual’ (los fans de ‘Pai’ e ‘Indapanden’ están de enhorabuena: vuelve a cantar en catalán), como en ‘Realize’ (encargada de cerrar la mixtape), o en la romántica-y-a-la-vez-caliente ‘Trust’, donde la responsable de ‘Mercadona’ canta con Faberoa. Pero si hay una que exuda sensualidad romántica es ‘Tu Moto’: la producción de D33J (detrás de varios temas de, nada menos, Corbin/Spooky Black) suena especialmente sugerente con eso de “tú / a mí / me aguantas la mirada / tú / a mí / me aguantas la mirada”. Dice mucho de la mixtape que hayamos podido mencionar tantas virtudes sin nombrar hasta ahora el que ha sido su lead-single.
Porque en esta segunda mitad se encuentra, cómo no, ‘Blink‘. Su primera colaboración con DJ Florentino, y ya otro hit, tiene esas palmas a lo ‘Pon De Replay’ que son un acierto, pero para nada es el único punto fuerte de esta canción: el outro quita el hipo y, ya desde la primera escucha, los “darte, desmayarte” del estribillo se ponen cómodos en tu cerebro, porque saben que de ahí no se van a mover en una temporada: han llegado para quedarse. Como su autora. Y esto último es algo realmente positivo para la música urbana española, que tiene en el talento de Bad Gyal una baza más que interesante.
Al término de 2016, una de las menciones especiales que hacíamos tras las listas de aquel año era para la mixtape que acababa de editar en noviembre Bad Gyal, pero ni por esas podíamos adivinar el alcance y recorrido que esperaba a la catalana, en aquel momento noticia por ser una de las pocas chicas en hacer «trap» (ocasionalmente en catalán), después «música urbana», a la postre en su caso más bien dancehall. Era muy gracioso que tuviera letras reivindicando su sexualidad, una adaptación simpática de un hitazo entonces (y hoy) tan actual como ‘Work’ de Rihanna, y una canción sobre el Mercadona, pero lo de ‘Slow Wine’ ha terminado siendo cosa seria.
Para muestra, ‘Fiebre’ y sus 7 millones de reproducciones en Spotify (o sea, lo equivalente a un disco de oro en España), la ausencia más sonrojante de nuestra lista de mejores canciones de 2016, y a estas alturas consolidada como una de las canciones más importantes de la década como mínimo en nuestro país. El que desde el principio sonaba como un single resultón y pegadizo se ha terminado revelando como un éxtasis de gancho tras gancho, mucho más allá de la base creada por King Doudou. Suman y siguen bocinazos, ritmos tribales y riff de teclado o sinte esquivo y juguetón, pero aquí el gran hallazgo es la combinación entre ese estribillo-bomba que no puede ser más eufórico («Cuando yo te bailo sé que tú te vuelves loco / Especialmente si te lo hago poco a poco») y lo melódico y tristón de la declaración de amor del puente («Te bailo, me miras, yo sé que tú me amas / No quería estar atada, pero a ti te casaba»). Como la canción autoproclama, como solo se atreven a hacer las grandes, «la número 1, la que más se pega».
Pero había más «growers» en ‘Slow Wine’. Si ‘Mercadona’ daba una nueva vuelta de tuerca al humor en cuanto a clases sociales de Carlos Berlanga, Chico y Chica y Las Bistecs («Yo quiero Lomba y no Pimkie»), sobre una base totalmente hipnotizante; la inicial ‘D Way You Do Me’ triunfa gracias a su base decadente, en la que caben referencias a Mad Decent, al trance y al witch-house; ‘Despacio’, dos meses anterior a ‘Despacito‘, es un sensual número de R&B junto a Ms Nina; y ‘Dinero’ se servía de la mencionada ‘Work’ para alternar sin vergüenza ninguna las consecuencias del capitalismo con las rencillas personales («estoy harta de currar pero hay que comer / en mi barrio hay muchas perras que no quiero ni ver»).
Esta cuestionable poesía que tanto odio ha generado en la red -y aseguro que ponerse a leer comentarios de Bad Gyal en Youtube da ganas de llorar, muchas- conforma la personalidad de la artista, capaz de pasar de la cotidianidad más inane a lo general en solo un segundo, con algunos aferrándose a sus rimas en busca de proclamas feministas o reflexiones sociales. Lo seguro al 100% es que ya era hora de que la sexualidad más chabacana llegase al mundo del pop en castellano como a la vida misma y asomarse a Genius para comprobar cómo debajo de la palabra «hook» aparece la frase «Si yo te doy mi culo es porque te lo quiero dar / Esto pa ti es una ganga», como sucede en ‘Dinero’, es oro puro.
Además de lo que pueda significar que una mujer entone estas letras tan campantes, no podemos pasar por alto su valor para cualquier persona aficionada al sexo anónimo, gay, hetero o lo que sea. Si frases como «Él siempre me pide que le haga mi hombre / Me bebo una birra y no me acuerdo de su nombre» han triunfado es porque el público estaba ahí necesitándolas y esperándolas, por una cuestión de oferta y demanda. Humor rápido, sexo rápido, dinero rápido… Desde luego no hay que ser un lince para comprender por qué esto ha terminado siendo un éxito en la segunda década del siglo XXI, la era de las redes sociales.
Y es que si bien el cierre con ‘Smthn Like This’ sí puede saber más a «mixtape», a canción improvisada o inacabada, casi todo en ‘Slow Wine’ ha terminado siendo un gran hit fresquísimo de una artista de 20 años que, en contra de lo que dice el público más conservador, estoy seguro de que en muchos casos resistiría la embestida de la reducción a piano o guitarra. Si es que hay alguien tan gris en este mundo como para ponerse a reducir a su mínima expresión estos pedazos de tiros.
Calificación: 8,5/10 Lo mejor: ‘Fiebre’, ‘Dinero’, ‘Despacio’, ‘D Way You Do Me’ Te gustará si te gustan: Rihanna, Diplo, Purity Ring, Drake Escúchalo: Spotify
La finlandesa ALMA es una artista cuya imagen, con esa larga melena de color verde ácido, se ha convertido ya en un icono para las nuevas generaciones. Pero, sobre todo, se ha labrado una reputación como una de las más prometedoras voces del nuevo pop global, precisamente por su estupendo rango vocal, algo grave y rasgado, impropio de su juventud (22 años), que recuerda a la primera Adele. Aunque Alma-Sophia Miettinen la emplea en un estilo musical bien distinto al de Atkins.
Y es que ALMA ha venido destacando en producciones enmarcadas en la amalgama post-R&B-soul-dance-pop que triunfa en las listas en voz de otras mujeres como Dua Lipa, Mø, Zara Larsson o Charli XCX. De hecho, cito específicamente a estas porque hace poco podíamos verla y escucharla como parte de ese supergrupo formado por Lipa para interpretar su último single, ‘IDGAF’.
Como tantas otras artistas que hoy triunfan –aunque es obvio que hay muchas más que no lo logran–, Alma comenzó dándose a conocer en un talent-show, ‘Idols’, de la televisión de su país cuando apenas contaba con 17 años. Fue 5ª en su edición, pero Universal ya atisbó su potencial y la fichó publicando en 2016, su single debut, ‘Karma’. Combinando temas propios como ‘Dy My Hair’, ‘Chasing Highs’ –su gran éxito, con más de 73 millones de streamings solo en Spotify– o ‘Phases’ –feat. French Montana– con interpretaciones para productores tirando a impersonales pero exitosos como Martin Solveig (‘All Stars’), Felix Jaehn (‘Bonfire’) o Sub Focus (‘Don’t You Feel It’), ha ido haciéndose relevante en el panorama del pop bailable.
Su participación en el gran single de ‘Pop 2’ de Charli XCX, ‘Out Of My Head’ (junto a Tove Lo), ha sido el último espaldarazo para ella, y aprovecha el empujón para dar continuidad a su EP debut de 2016 con una “mixtape”… que, a todas luces, parece otro EP. ‘Heavy Rules Mixtape’ se lanza tan pronto como este viernes y contiene 6 canciones inéditas, que cuenta en 3 de ellas con sendas colaboradoras de su cuerda: MØ, Tove Styrke y Kiiara. No cabe duda de que esta nueva obra ayudará a saber si estamos ante una artista de auténtica relevancia o solo ante una buena cantante que difícilmente podrá sobresalir de la masa.
Tracklist de ‘Heavy Rules Mixtape’:
1. Legend
2. Dance For Me feat. MØ
3. Good Vibes feat. Tove Styrke
4. Fake Gucci
5. Back2U
6. Chit Chat feat. Kiiara
Meghan Trainor regresa esta mismísima semana. La cantante arrasó con su debut inspirado en la candidez de los años 50, pero no triunfó tanto con su adaptación del pop de los 2000 en su segundo álbum, ‘Thank You’. Ahí había canciones estupendas y divertidas como ‘Me Too’ y ’NO’, pero también mucha medianía, baladas, etc, y las críticas fueron encontradas y las ventas, exiguas.
Ahora Trainor se ha dirigido a sus fans a través de Instagram para narrar lo mal que lo ha pasado al tener que pasar por el quirófano dos veces en seis meses para tratarse un problema en las cuerdas vocales. “Yo misma, mi salud y mi felicidad se convirtieron en mi único y total objetivo. Encontré el amor de mi vida”, revela, y ahora viene lo interesante: “y grabé el que ha resultado mi disco favorito de todo lo que jamás he creado. He retomado el control de mi vida y me he dado cuenta de que no había excusas para mí para no trabajar en mí misma y concentrarme en lo que más me importaba en la vida”. Por eso su nuevo single se llama ‘No Excuses’.
El tercer disco de Meghan Trainor aún no tiene fecha de edición, aunque sí se sabe que este mismo 1 de marzo saldrá también el videoclip de la canción. El productor de ‘No Excuses’, Andrew Webs, no es, de momento, demasiado conocido.
La verdad… qué mal pintaron aquellos retrasos reiterados para el debut de Dua Lipa. Y qué bien ha terminado saliendo la jugada a la cantante y a su equipo. Esta semana ‘Dua Lipa‘ sube al puesto 3 en Reino Unido, lo más alto que jamás ha estado, gracias a su éxito hace unos días en los Brits, donde la cantante se hizo con un par de premios, entre ellos, mejor artista femenina. Sumando 185.000 unidades en su país, no sería sorprendente que el disco alcanzara al final el platino en las islas.
Lejos quedan los días en que conocíamos a Dua Lipa por canciones como ‘Hotter Than Hell’, reeditaba una y otra vez ‘Be the One’ o apostábamos firmemente por ‘Blow Your Mind (Mwah)’ como su hit definitivo. ‘New Rules’ se convirtió en uno de los grandes sleepers del año pasado, acercándose ya a los 700 millones de reproducciones en Spotify y este año ‘IDGAF’ está llamado a lograr lo mismo o casi, ascendiendo en las listas pasito a paso (también es número 3 en Reino Unido ahora mismo).
Esta retahíla de doscientos singles ha acabado por acercar al público a un disco largo de más y algo desestructurado (apenas estuvo en un par de listas de lo mejor del año), pero generoso en hitazos pensados para 2017 y 2018. Según The Guardian en diciembre de 2017 ya se habían vendido 1,2 millones de copias y aunque la cifra está a todas luces exagerada por su sello si miramos las ventas en sus principales bastiones, sus streamings sirven para maquillar los datos (ha vendido lo equivalente a 400.000 copias en Estados Unidos sumando puntos de aquí y de allá) y lo seguro es que el álbum continúa ganando adeptos y no ha tocado aún techo. Si es que no ha vendido realmente 1 millón de unidades, pronto lo logrará.
Flops
Quien no hay manera de que conozca su merecido sleeper es Jessie Ware. Su primer álbum fue disco de oro en Reino Unido, el segundo lo fue de plata y el tercero… nada. ‘Glasshouse‘ llegó a ser top 10 en su país durante la semana de salida, pero después se esfumó en un par de segundos y nunca ha sido capaz de volver a alzar la cabeza, por no hablar de que ni llegó a entrar en el Billboard 200, como sí habían conseguido los dos primeros discos de Jessie Ware. Una pena, pues este tercer largo, como los otros dos, sí tiene varias canciones disfrutables, y el álbum está hecho claramente para vender, como muestra su larga lista de colaboradores, de Cashmere Cat a Starsmith pasando por supuesto por Ed Sheeran, Julia Michaels, y un largo etcétera. Una verdadera pena si recordamos aquellas declaraciones en que Jessie Ware decía que había perdido el miedo a ser mainstream…
La atención que este año se dispensa a la participación de España en Eurovisión es aún mayor que otros años por lo que todos sabemos, el empujón de popularidad que le han dado Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo, y Alfred García, finalista, al ganar la votación popular con ‘Tu canción’. Por eso casi parece natural que ambos sean entrevistados en directo en el Telediario de la noche en La 1. Ocurrió en la edición nocturna de este domingo por parte de sus presentadores habituales Pedro Carreño y Raquel Martínez, que abandonaban por un momento la aburrida solemnidad habitual para soltar alguna risa ante la irresistible naturalidad de la ganadora del talent-show.
Además de mostrarles un vídeo en el que, días antes de que supieran que serían finalistas y, a la postre, participantes de Eurovisión, Alfred ya vaticinaba lo mucho que les gustaría ir al certamen de la canción con un dueto entre ambos, y definir lo que les está pasando como “maldita dulzura” –animados por la versión de la canción de Vetusta Morla que interpretó Alfred durante el concurso y que sonaba en su entradilla–, por el agobio “bueno” de recibir tanta atención y cariño. También hablaron del inminente clip oficial de ‘Tu canción’ y de las versiones acústicas del tema que están ensayando.
Preguntados por sus planes inmediatos, Alfred sorprendía al contar que quería trabajar con Love of Lesbian e Iván Ferreiro, mostrando ese puntito alternativo que ya había insinuado. Aunque, en su eclecticismo, dijo que le encantaría hacer lo mismo con Manel Navarro, Pablo López o Pablo Alborán, al que «admira muchísimo», le «cae muy bien» y «es un referente musical» para él. Amaia, por su parte, dice apostar por componer sus propias canciones, aprovechando la ayuda de Alfred. Estamos bastante intrigados por saber qué sale de todo ese batiburrillo, la verdad.
Lana Del Rey y Marina and the Diamonds son grandes amigas y, en las últimas horas, han vuelto a encontrar un hueco en sus agendas para quedar, como se puede ver en sus respectivas cuentas de Instagram. Pero las cantantes han añadido a una persona más a su grupo, nada menos que al productor de moda Jack Antonoff, presente por ejemplo en los últimos discos de Taylor Swift, Lorde y St. Vincent. Los tres se han reunido, al parecer, en Los Ángeles (Marina estaba en Silver Lake hace 2 días). ¿Habrán hablado de la vida, el amor, la ruptura de Antonoff con Lena Dunham?
Para añadir más leña al fuego, en las últimas horas circula por internet un vídeo de Snapchat de Lana Del Rey en el que la cantante se encuentra supuestamente en el estudio junto a Antonoff (no es que se vea gran cosa en el vídeo, de todas formas), lo que ha despertado especulaciones sobre una posible colaboración entre ambos. No hay ni rastro de Marina en el vídeo, que dura unos segundos, aunque se supone que también andaba por allí, dado que las imágenes de los tres colgadas en Instagram pertenecen al mismo día. Y ya se sabe que Antonoff trabaja sobre todo con mujeres.
Dado su reputado papel de productor, no parece descabellada la posibilidad que Antonoff trabaje en una canción conjunta de Lana Del Rey y Marina and the Diamonds, aunque cabría pensar para qué proyecto: Marina se encuentra trabajando en el sucesor de ‘FROOT‘ actualmente, pero Lana Del Rey publicó su último disco hace tan solo unos meses. Claro que ella es de sacar disco por año…
Mientras prepara su próximo disco, que le mantiene tan ocupado como para no haber podido asistir a los Grammy, Justin Bieber emprende un nuevo proyecto, una línea de productos que busca vender a través de su segundo nombre, Drew. Parece que Drew Barrymore ya no será la Drew más famosa de la historia.
TMZ informa que el cantante canadiense ya ha presentado los documentos legales correspondientes para oficializar esta marca, y que en concreto ha buscado registrar los términos “Drew”, “The House of Drew” y “La Maison Drew”. El medio estadounidense recuerda que no es la primera vez que Bieber busca registrar la marca “Drew”: ya lo intentó en 2012 y 2015, aunque en ambos casos abandonó la aventura.
¿Y qué productos de Justin Bieber veremos en un futuro cercano en las tiendas con la marca “Drew”? El cantante busca vender sobre todo ropa, en este caso camisetas, pantalones, faldas, sudaderas y abrigos, aunque también pijamas y ropa infantil.
¿Otros segundos nombres famosos? Rihanna y Drake. O, mejor dicho, Robyn y Aubrey.
Bieber ultima actualmente su nueva colaboración con Poo Bear y Jay Electronica, ‘Hard 2 Face Reality’, una canción que ya estrenó en 2014, y que se publicará ahora de manera oficial. Y si eres muy fan de Bieber, sabrás que ya merodea por la red un fragmento de una canción nueva titulada ‘Break it Down’, de sonido caribeño.
Me cae mal Belly. Hablo, por supuesto, a ese rapero canadiense de origen palestino que me lleva engañando de un tiempo a esta parte, poniéndome los dientes largos cada vez que uno ve un lanzamiento con ese nombre para encontrar hip pop de moda, cuando yo ansiaba algo nuevo del grupo formado por Tanya Donelly tras su paso por grupos como Throwing Muses o The Breeders. Unos Belly que fueron fagocitados por el fracaso comercial de ‘King’, un segundo disco que quedaba muy lejos de lo excelso de sus inicios –aunque, como luego veremos, no era ni mucho menos mediocre– y tras el que, de manera triste e inesperada, desaparecieron sin remisión hasta casi caer en el olvido… o casi.
Después de la anunciada reunión de hace un par de años, esta vez sí, el pasado viernes, tal y como venía anunciando Donelly en sus redes sociales, Belly publicaban una nueva canción. Se titula ‘Shiny One’ y es el primer adelanto de un nuevo disco titulado ‘Dove’ que verá la luz –autoeditado– el día 4 de mayo, nada menos que 23 años después que el último. La verdad es que la canción es, tristemente, algo decepcionante: un medio tiempo con cierto aroma AOR y una suerte de arreglos psicodélico-hindúes, a lo Kula Shaker, que en realidad solo tiene en común con la primera era del grupo que está interpretada por las mismas personas.
Sin embargo, el poco empaque de este adelanto no afecta al hecho de que algunos vivamos con cierta ilusión (y ahora también con poca esperanza) el regreso del que fue uno de los grupos más fascinantes de la primera oleada del pop alternativo. Su trayectoria, que duró poco menos de 5 años –desde el año 1991, cuando Donelly formó este grupo con los hermanos Tom y Chris Gorman y el bajista Fred Abong, hasta 1996, cuando se desbandaron sin remisión–, fue tan breve como hermosa, dejándonos un debut superlativo, ‘Star’, precedido de varios EPs maravillosos que conforman una de las colecciones de canciones más brillantes y personales de los 90.
Tras abandonar la primera formación de Throwing Muses, su mismo sello, 4AD, echó las redes de inmediato al nuevo grupo que formó Tanya poco después. La compañía británica se apresuró a lanzar en 1992 su EP debut, ‘Slow Dust’, 4 canciones (5, en realidad: el 10” incluía un reprise de ‘Dusted’) de chisporroteante energía electro-acústica a lo Pixies –las Muses se englobaron dentro de la misma escena de Boston en los últimos 80–, aunque con el punto fascinante que aportaban las voces delicadas y evocadoras de Tanya, tan magnética en trallazos como ‘Dusted’ y ‘Slow Dog’ como en cortes más misteriosos y oscuros como ‘Dancing Gold’ y ’Low Red Moon’ –una debilidad personal, una de las canciones de mi vida–. Una dualidad terrenal contra ensoñación que conformó la esencia del grupo en esa primera etapa.
El impacto fue importante y rápido para una época sin Internet –baste decir que en 1993 compartieron gira, de igual a igual, con Radiohead, y que The Cranberries fueron sus teloneros–, y poco después fue secundado por ‘Gepetto’, su segunda referencia. De nuevo, dos trallazos –el titular, a la postre uno de los grandes clásicos del grupo, y ‘Sexy S’, que como se sospechaba ocultaba a una Sadie, aunque distinta a la de los Beatles– respaldados por una revisión de ‘Hot Burrito #2’ de The Flying Burrito Brothers y la preciosa ‘Sweet Ride’, que no desentonaría en el repertorio de una Jeanette. Una nueva muestra de esa especial capacidad para promediar elegancia e ímpetu.
Al año siguiente, ‘Feed The Tree’ cerraba la inmaculada terna de EPs previa al álbum de debut, protagonizado por el que aún hoy sigue siendo el gran éxito del grupo –entró al top 40 en Reino Unido y estuvo nominado a dos Grammy– y que, además de una gran apropiación de ‘Trust In Me’, la canción de los hermanos Sherman que cantaba la serpiente Kaa en la primera adaptación de Disney de ‘El libro de la selva’, incluía la canción que daría nombre a su primer largo, la vibrante ‘Star’. El álbum así llamado incluía los más destacados temas de los EPs, regrabados y producidos por el veterano Gil Norton (Pixies, Foo Fighters), y elevaba la apuesta por ese pop rock alternativo con un punto melodramático e inquietante con maravillas como ‘Angel’, ‘Every Word’, ‘Full Moon, Empty Heart’, ‘Stay’ o ’White Belly’.
Este último fue el único corte del disco en que Donelly contó con uno de sus compañeros para la composición, el bajista Fred Abong. Paradójicamente, Abong dejó el grupo prácticamente cuando el disco veía la luz, y fue sustituido por la que es aún hoy miembro del grupo, Gail Greenwood. A ella, precisamente, que venía del panorama metalero, se le atribuye cierta rockerización en el sonido de Belly. Un giro que se plasmó en ‘King’, segundo disco del proyecto, que vería la luz en 1995: es cierto que en él se perdía ese halo de magia y misterio de la era ‘Star’ a cambio de cierto efectismo en algunos coros y una mayor presencia de guitarras eléctricas.
Diría que buena parte de la mala impresión que en su momento dio el disco es culpa de su primer single, ‘Super-Connected’, que en su momento sonaba algo populachero por su contundencia, pero que hoy resulta ultramagnético, especialmente ese prodigioso estribillo. Lo cierto es que ‘King’ es a todas luces un disco más flojo que ‘Star’, pero ni mucho menos despreciable: canciones como ‘Seal My Fate’, ‘Silverfish’, ‘Puberty’, ‘Judas My Heart’ o ‘Now They’ll Sleep’ presumen de una clase y personalidad que deberían envidiar la mayor parte de grupos de rock de la actualidad. En todo caso, las expectativas comerciales eran altas y, no cumpliéndolas, Donelly no tuvo paciencia para darle otra oportunidad al grupo y echó el cierre al proyecto.
Cuenta ahora Tanya que en todos estos años no sintió la necesidad de volver a Belly, aunque algunos nostálgicos de aquel impecable primer cuarteto de referencias –lo cual incluía sus maravillosos encartes, obra del equipo habitual de 4AD, v23– pedían su regreso. Sin embargo, en los últimos tiempos comenzó a añorar la sensación de estar en un grupo y, estando en sintonía con los hermanos Gorman y Greenwood, vieron que ahora sí era el momento. Asegura que, dado que están establecidos en distintas partes de Estados Unidos, ‘Dove’ se ha hecho compartiendo entre ellos ideas y fragmentos de composiciones, resultando el disco más colaborativo que hayan hecho nunca Belly. Lo cual, a tenor de ‘Shiny One’, no sabemos si será tan bueno como ella quiere ver. En mayo, casi un cuarto de siglo después, saldremos de dudas.
Janelle Monáe publica nuevo disco, ‘Dirty Computer’, el próximo mes de abril. De él ha compartido dos singles, ‘Make Me Feel’ y ‘Django Jane’, el primero de los cuales ha recibido numerosas comparaciones con el trabajo de Prince, mentor de Monáe, por su parecido más que razonable a ‘Kiss’ (concretamente, en cuanto a sintetizadores y guitarras), hasta el punto que se ha llegado a decir que es una “copia” de Prince.
La realidad, al parecer, es que Prince es uno de los productores de la canción. Es lo que ha afirmado Lenka Paris, DJ de Prince, en un post ya borrado de Facebook que recoge Consequence of Sound. Paris relata que “hace dos años y medio”, durante una fiesta de Prince en Paisley Park, el músico pinchó un fragmento de música nueva a sus asistentes, y que ese fragmento se ha incorporado en ‘Make Me Feel’. Se refiere a la línea de sintetizador que emerge durante las estrofas y el estribillo de la canción y que tanto recuerda a Prince. “Sonaba muy futurista”, ha apuntado.
Poco después, ha sido la misma Monáe quien ha confirmado en una entrevista para The Guardian que, efectivamente, Prince ha trabajado en ‘Dirty Computer’, aunque no revela que el músico vaya a estar de manera oficial en el disco. La artista explica que Prince y ella “recolectaron sonidos” juntos durante la composición del álbum, y que por eso el fallecimiento del artista en 2016 le impactó de manera especialmente profunda, ya que en ese momento su relación con Prince era muy cercana. “No estaría tan cómoda con quien soy si no hubiera sido por Prince”, ha indicado la artista. El músico de Minneápolis apareció en un tema del segundo disco de Monáe, ‘The Electric Lady‘.
So it turns out that Prince did the music on the new Janelle Monae track, "Make Me Feel", according to his DJ, Lenka Paris :) pic.twitter.com/FqosHWK5MZ
— Casey Rain | S-Endz | The Neosoulja (@CaseyRain) February 24, 2018
Vuelve Natalie Prass, autora de uno de los mejores discos de 2015 (el 9º para la redacción de JENESAISPOP), un debut homónimo en el que la cantante de Nashville conjugó la belleza de sus melodías de R&B clásico con unos arreglos luminosos y preciosistas que acentuaban el romanticismo de sus letras, dando lugar a clásicos como ‘My Baby Don’t Understand Me’.
Prass había dado pistas de su transformación a la música disco en ‘Cool Out’, su infravalorado y olvidado single con Matthew E. White (productor de su disco), por lo que no sorprende oírla en estos terrenos en ‘Short Court Style’, el primer avance de su segundo, ‘The Past and the Future’, que se publica el 1 de junio y ya puede pedirse en iTunes. ‘Short Court Style’, eso sí, es mucho menos electrónica y ochentera y más clásica.
‘Short Court Style’ contiene toda la sutileza y elegancia que se espera de Prass, presente también en su dulce y expresiva voz, y por supuesto goza de una producción y arreglos exquisitos. El tema presenta un ritmo y un estribillo irresistibles (“round and round, ups and downs”), palmas y campanillas, y es sin duda una de las mejores canciones que escucharás hoy.
‘The Future and the Past’:
01 Oh My
02 Short Court Style
03 Interlude: Your Fire
04 The Fire
05 Hot for the Mountain
06 Lost
07 Sisters
08 Never Too Late
09 Ship Go Down
10 Nothing to Say
11 Far from You
12 Ain’t Nobody
Esta tarde, a partir de las 20 horas, Sala Apolo de Barcelona acoge la quinta semifinal de su concurso de talentos Bala Perduda, a través del cual hemos conocido a bandas tan interesantes como Lansbury, Carolina Wallace o Fuerte Bandido, gracias al apoyo de Caprichos de Apolo. En esta ocasión se darán a conocer en sociedad Vancouver Undercover, O’os y Underwaters. Como es sabido, el grupo ganador de la final actuará en Primavera Sound y grabará un disco.
Entre cervezas y conciertos en el Primavera Sound, Vancouver Undercover, el grupo de amigos formado en la universidad por Mirentxu (voz y guitarra), Ricard (teclados) y Albert (guitarra y coros) y más tarde Alex (Bajo y coros) y Pau (batería), decidieron desarrollar un proyecto basado en la improvisación y experimentación. La conexión musical que había entre los amigos era indiscutible y tras varias fases de diferentes proyectos y creando planes, la oportunidad de consolidarse surgió cuando fueron escogidos para participar en Bala Perduda. Esas demos para presentar en el concurso han sido el pistoletazo de salida para una banda que seguro tiene grandes sorpresas guardadas para el escenario. No os perdáis la melancólica ‘Episodio piloto’.
O’o toma su nombre de un pájaro antiguamente adorado por los reyes hawaianos y que hoy en día está extinguido. Es un dúo compuesto de Mathieu (Daubigné) y Victoria (Suter), y su primer EP Spells, salió en enero. Tiene una vocación experimental, pero accessible. Una mezcla de electrónica, texturas orgánicas, guitarra eléctrica, sintetizador analógico y la voz femenina que guía el conjunto.
Underwaters es un proyecto nacido en 2010, cuando la parisina Nathalie Cahuzac (voces, letras, composición) y el madrileño Jorge Viñals (producción, composición, sonido) se conocieron. Al tener perfiles complementarios, la colaboración surgió de forma natural. A día de hoy la banda desarrolla su actividad entre París y Barcelona.
En estado de continua evolución, el sonido siempre se identifica por las texturas y melancolía de las voces de Nathalie, y el trabajo a nivel de beats y sintetizadores de Jorge, entre la contundencia y el hipnotismo.
Las influencias principales de la banda se mueven entre sonidos de los 80s y 90s y el mundo de las bandas sonoras, teniendo también un trasfondo del mundo del drum&bass y el electro en la producción. Por dar algunos nombres, podrían compartir cartel con bandas como S U R V I V E, Modeselektor o Trust, quizás Fever Ray o Chromatics. Su single ‘Head of Clay’ presenta cierto cariz industrial. En directo, sus canciones adquieren una nueva dimensión a través de una propuesta audiovisual muy trabajada.
Burrito Panza son uno de esos tentáculos de la saga Surfin’ Bichos que tienen la suerte de crecer a la sombra de la seminal banda de Albacete. Lo cual, en cierto modo, es también una condena, puesto que tiende a ser un rasero con el que medir. Y es injusto, en cuanto que el cuarteto que comparte base rítmica (Carlos Cuevas a la batería; José Manuel Mora al bajo) con la formación más clásica de aquel grupo, tiene suficiente entidad y es lo bastante distintivo como para seguir haciéndolo.
Por no hablar de que su sonido –cada vez más atinado, de nuevo diseñado junto a Paco Loco– tiene más que ver con Mercromina y Travolta, banda en la que Carlos Flan –compositor principal de Burrito– colaboraba codo con codo con Joaquín Pascual. Aunque, cerrando el círculo, también fue un «alienista» para Fernando Alfaro. Las canciones de Flan –Rafa Caballero, a los teclados, completa el grupo– rememoran ese pop nebuloso, de melodías que alternan lo amable con lo inesperado y lo atonal, de los últimos proyectos de Pascual antes de lanzarse en solitario. Tanto su susurrante estilo vocal como su singular estilo de escritura, ese que viste de normalidad la irrealidad o de realidad lo onírico –sus textos continúan siendo de lo mejor de este proyecto, siempre alejados de obviedades y perspectivas manidas–, sigue preservando el espíritu de aquellos proyectos.
‘Un nuevo frente frío’ prosigue sin sorpresas –poco más que ese españoleto arreglo de sinte en ‘Autolavado de cerebro’, los vientos de ‘Barcelona’– el camino trazado por los notables ‘Solo y mal acompañado’ y ‘Una familia desestructurada’. Y, si bien este tercer largo es algo menos espléndido que aquellos en estribillos, ritmos y arreglos –como si su título ya avanzara cierta gelidez en los ambientes, afianza la ruta del grupo por esa senda particular. No es fácil quedarse prendado rápidamente de canciones algo áridas como ‘Soñando demasiado’, ‘Una octava parte de mí’, ‘Saudade 47’ –aunque su letra es, paradójicamente, de las mejores del conjunto– u ‘Odio a mi jefe’. Y eso, en un mundo en el que vivimos asediados por docenas de buenas (y malas) canciones repletas de ganchos memorables contra las que rivalizar, es una fuga que resulta difícil reparar.
Pero afirmar que Burrito Panza hayan perdido el toque sería mucho decir: el single ‘Entrañable y lamentable’, que conforma un gran arranque con ‘Léeme el pensamiento’, se postula descaradamente para estar dentro de un hipotético Lo mejor de…, junto con la pop ‘Barcelona’ –nueva colaboración con Isabel León, tras ‘Tu lado salvaje’–, bien secundadas por una sólida “clase media” nutrida por ‘El rayo loser’, ’Una farmacia abandonada’ o ‘La esquina torcida’ (de magnífica construcción creciente hacia un final explosivo). Si nos dejamos poseer por lo tacañón de sus momentos menos lucidos, ‘Un nuevo frente frío’ parece algo inferior a sus álbumes precedentes, como corto de ambición. Pero menospreciar así un disco que consolida una singularidad cada vez más escasa en la escena estatal, sería del género bobo.
Burrito Panza presentan ‘Un nuevo frente frío’ en la sala Caribou de Albacete el día 24 de marzo.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Entrañable y lamentable’, ‘Barcelona’, ‘Léeme el pensamiento’ Te gustará si te gustan: Mercromina, Travolta, Surfin’ Bichos Escúchalo:Spotify
Ayer es una banda de pop-rock de Madrid formada por Dani García, Rubén López y Dani La Porta. Después de publicar un par de canciones en 2015, ‘Pensacola’ y ‘Claubal’, reunidas bajo el título ‘Ciudades’, el trío (cambio de formación mediante, La Porta no es bajista original) regresaba en 2017 con un epé homónimo que incluye ‘Salvajes’, ‘El color y la forma’ y ‘Creyentes’.
El sonido de Ayer, en el estilo de los Strokes o Two Door Cinema Club, es idóneo para fans de algunos de los grupos de mayor éxito comercial en España, como Izal o Supersubmarina, lo cual está muy claro en el single ‘Salvaje’, que incluye un ritmo irresistiblemente bailable, guitarrillas disco, sintetizadores y un estribillo pop con todas las letras que reza “seguiste bailando salvaje, arruinando todos los detalles, gritando al aire, si caemos nos harán gigantes”, al que le siguen unos obligados “oh oh ohs”.
‘Salvaje’ es la canción para la que Ayer presenta ahora videoclip, que estrenamos en JENESAISPOP. Ana de Nevado dirige esta pieza protagonizada por un chico solitario que trabaja de mañana a noche en un almacén, y que parece encontrarse fuera de lugar entre un grupo de personas que baila despreocupadamente a su alrededor. Un grupo de personas que parecen funcionar a modo de metáfora para las propias inseguridades del chico, que, a su manera, logra deshacerse de ellas… ¿o no exactamente?
Una de las canciones pop que prometen sonar más en los próximos meses es ‘The Middle’, el nuevo single de Zedd junto a la cantante country Maren Morris y Grey, el dúo de música electrónica de Los Ángeles compuesto por los hermanos Kyle y Michael Trewartha. La canción es actualmente una de las 20 más escuchadas en Spotify en todo el mundo (top 13).
La gran curiosidad de ‘The Middle’ es su vocalista principal, una Maren Morris conocida sobre todo en el ámbito de la música country en Estados Unidos gracias a discos como ‘Hero’ y a canciones como ‘I Could Use a Love Song’. Ganadora de un Grammy por ‘My Church’, Morris cambia de estilo en una ‘The Middle’ popera y electrónica que traslada su voz a las pistas de baile y radios pop, convirtiéndola en una especie de nueva Taylor Swift que hace “crossover” del country al pop de manera exitosa, aunque en el caso de Morris, a través de un sonido más sofisticado.
‘The Middle’ es muy similar a un single anterior de Zedd, ‘Stay’ con Alessia Cara, sobre todo en su uso del vocoder, que en el caso de ambas canciones sirven para añadir un fondo de textura electrónica a la voz principal, lo cual produce un efecto de ventriloquia futurista, como si Morris cantara simultáneamente con su voz humana y su voz robótica, en el estilo de lo que hace también Tove Styrke. Aunque es la cascada vocal de ese melódico “in the middle” el mayor gancho de esta canción elegante y pegadiza que, por cierto, también empieza a calar en UK. ¿Cuándo llegará a España?