Hay una pequeña crisis en el mundo Mariah Carey, sobre todo en el sector que espera un gran retorno mediático para la cantante que tanto ha influido a artistas de nueva generación, como la misma Ariana Grande. Y un poquito también para los que quieran su álbum nuevo, aún no anunciado, para 2018. Sus dos nuevos temas están pasando bastante desapercibidos después de que ‘Beautiful’, primer single del álbum de estudio anterior, fuera número 15 en Estados Unidos. Y no, no fue gracias a Miguel, quien no convierte en oro precisamente todo lo que toca.
‘GTFO’, una de las mejores canciones del momento para nuestra redacción, fue anunciada como “buzz single”, pero ‘With You’ es el single verdadero y ha pasado más desapercibido aún que ‘GTFO’, dejando en el aire la duda de si realmente llegará algo más lejos que este, tras ni hacer acto de presencia en el top 200 de Spotify. Para intentar lograrlo, Mariah Carey ha presentado el sencillo en los AMAs, y además acaba de subir la actuación a Youtube. Al tema no le ha ido muy bien en iTunes USA, a su vez ya una lista irrelevante.
El vídeo de ‘With You’ es una sucesión de planos en blanco y negro de Mariah Carey, en la que la vemos tirada en el suelo debajo de una lámpara, posando en albornoz, bailando muy tímidamente delante de una casa, fingiendo que canta… Hay quien dirá que es un «back to basics» muy fiel a sí misma, pero no desde luego lo que la canción necesitaba para despuntar o alcanzar el hoy en día casi inalcanzable Billboard Hot 100. ¿Seguros todos de que hay un disco en camino para este año o habrá retraso a lo Meghan Trainor?
Desde el principio, prácticamente desde el día de edición, el público ha tenido su propia canción favorita de ‘Sweetener’, el último álbum de Ariana Grande. Esa canción ha sido ‘breathin’ y al fin ha llegado el momento de que sea single.
El tema, que ya ha aparecido en listas de manera espontánea, en parte debido a su inclusión en listas de Hits de Spotify, presenta videoclip. Eso sí, después de los enormes vídeos de ‘God Is a Woman’ y ‘No Tears Left to Cry’, no es el vídeo que esperabas. Se trata de un vídeo dedicado enteramente al cerdito de Ariana Grande. A la cantante se le antojó tener un cerdito y su novio Pete Davidson se lo consiguió “en una hora”. Se llama Piggy Smallz. Lo malo es que hay bastante controversia sobre si esto es realmente el vídeo oficial de ‘breathin’, en una extraña búsqueda del nuevo ‘7/11’ que se queda un poquillo corta; o algo que se ha improvisado mientras Ariana Grande se recompone de la muerte de su ex Mac Miller. Ella misma ha ofrecido informaciones contradictorias.
Ante una información de PopCrave dudando de si esto era el vídeo o no, Ariana Grande respondía personalmente que “este era el vídeo oficial”. Y nótese lo de “el vídeo oficial”, no “un vídeo oficial”. Por otro lado a otra usuaria en redes ha indicado que no: “he estado en el infierno literalmente y estoy haciendo lo que puedo para salir adelante. Pensé que esto os haría reír mientras esperáis el (vídeo) verdadero porque me he tomado un pequeño respiro para ocuparme de mí misma”. A la espera de averiguar si Ariana estaba bromeando en el primer mensaje o si está improvisando, os dejamos con el pequeño Piggy.
Ariana Grande confirms this is indeed the official music video for “breathin.” pic.twitter.com/dM86gjCTDR
Ariana Grande responds to hate about her #Sweetener era, says the piggy video was to make her fans laugh while they wait for the REAL “breathin” music video. pic.twitter.com/Jdvix9HW0J
Zahara / Hoy la bestia cena en casa: Raro pero muy pertinente regreso de Zahara en anticipo de la esperadísima continuación de ‘Santa’, con chicha y muchos ganchos aunque en principio no lo parezca. Joe Crepúsculo / Quizá: El inédito del «greatest hits» de Crepus tiene también un interesante mensaje sobre la indiferencia hacia todo en la era de las redes sociales. Roosevelt / Shadows: Otro de los divertidos sencillos del segundo disco de Roosevelt, aquí en clave disco. IDLES / Danny Nedelko: ¿Quién dijo que el rock había muerto? IDLES demuestran todo lo contrario en este agitado ‘Danny Nedelko’ que pasó por “La Canción del Día”. Villagers / Again: De Villagers escogemos esta vez la preciosa canción que abre ‘The Art of Pretending to Swim‘, un viaje cósmico pese a su arranque folkie. Low / Disarray: Excelente nuevo álbum el de Low que se cierra con esta brumosa canción en la que no por todo el horror que contiene falta la melodía. La Estrella de David / Cariño: Hipnótica canción que ha servido de segundo adelanto del nuevo disco que La Estrella de David (Beef, La Bien Querida) va a publicar en Sonido Muchacho. Alexanderplatz / Odio el siglo XXI (bueno, y el XX también): Primer single del nuevo disco de Alejandro Martínez Moya de Klaus&Kinski, ahora en este nuevo proyecto en solitario. ‘Muera usted mañana‘ ya está en la calle. Lana del Rey / Mariners Apartment Complex: Avance del próximo álbum que Lana del Rey prepara ya de cara a 2019. Molly Burch / To the Boys: Deliciosa bossa con tintes country la de Molly Burch, en la que deja claro que ella es «la jefa» y viene a decir que no canta más alto porque no le da la gana.
AlunaGeorge / Superior Emotion: Los primeros AlunaGeorge, deliciosos y elegantes, vuelven en este bonito medio tiempo que han perpetrado con Cautious Clay. Mariah Carey / GTFO: Estupendo «buzz single» para el próximo disco de Mariah Carey que… ¿acaso ha podido oscurecer un poquito al single verdadero del álbum, ‘With You’? LCMDF / Another Sucker: Las hermanas finesas LCMDF vuelven tras 8 años y una de sus mejores dianas es este tema fresquísimo por el que Icona Pop matarían ahora mismo. Jessie Ware / Overtime: Tras un tiempo inmersa en el R&B e incluso la balada latina más fina, Jessie Ware ha publicado un tema lleno de beats noventeros, en anticipo de nueva música que llegará próximamente. La Casa Azul / Nunca nadie pudo volar: Alocado nuevo tema de La Casa Azul que estará incluido en ‘La gran esfera’ -su cuarto adelanto ya- que suponemos inminente. Rusos Blancos / Señores: Pese a esa producción sucia que tanto gusta al grupo, nuevo himno generacional absoluto para Rusos Blancos. Atento todo el mundo a la letra. Cariño / Llorando en la limo: Divertidísima adaptación al tonti-pop (y a mucha honra) de Cariño, desde Elefant, reivindicación de Family incluida. Sharon Van Etten / Comeback Kid: Imponente avance para el próximo disco de Sharon Van Etten, que sale ya en enero, y que la sitúa más cerca de St Vincent. Muse / Pressure: El quinto avance de lo nuevo de Muse es una de las canciones más directas y rockeras que han grabado en los tiempos recientes. Gran estribillo. Agar Agar / Sorry About the Carpet: El dúo parisino compuesto por Clara Cappagli y Armand Bultheel nos ha dado una grata sorpresa con este single de su nuevo disco que nos lleva al electropop clásico de Kraftwerk o Jean Michel Jarre. Gran vídeo.
Sasha Sloan / Normal: Una de las protagonistas de «Revelación o Timo» últimamente ha sido Sasha Sloan, a la que encontrarás en los créditos de gente como Camila Cabello, Charli XCX o Tinashe. Garbayo / Nitroglicerina: En la estela de los Strokes más inmediatos, Garbayo se lanza en solitario con este tema lleno de ganchos. Lady Gaga, Bradley Cooper / Shallow: Tema principal de la banda sonora de ‘Ha nacido una estrella’, que está valiendo a Gaga algunas de las mejores críticas de su carrera. Marta Tchai / Calle Durango: Bonita canción en la estela de Tulsa, Marilia o Antonio Vega de esta cantautora española, también impregnada de metales tex-mex. Richard Swift / Sept20: Canción final del productor Richard Swift, contenida en su disco póstumo y en la que se despedía de todos nosotros. Rostam / In a River: Sin noticias de Vampire Weekend, Rostam al menos nos entregaba esta canción hace algunas semanas, que tanto puede gustar a los seguidores de Beirut como a los de su grupo. Chelsea Boots / Love On Me: Otra prueba de que en la actualidad todo fluye en las playlists del momento. El grupo madrileño Chelsea Boots, que tanto habíamos comparado con Phoenix, se entrega con elegancia a los ritmos reggaetón. Kokoshca / Bom Bom: Y en la línea, los navarros Kokoshca aúnan lo latino con los sonidos de Joe Crepúsculo en este tema que culmina con un coro «ven a bailar». Mala Rodríguez, Stylo G / Contigo: Otra colaboración sorprendente este año para Mala Rodríguez ha sido la perpetrada en Spanglish con Stylo G, todo sensualidad. DJ Snake, Selena Gomez, Ozuna, Cardi B / Taki Taki: Algunos lo llamarán «guilty pleasure», pero en cualquier caso irresistible tema colaborativo que lleva 10 días en el top 1 global de Spotify, y además acaba de estrenar vídeo.
Carolina Durante han sido uno de los grupos del año sin haber sacado disco al mercado. Cosas de los nuevos tiempos y de ‘Cayetano’. Las entradas para verles en concierto en el OchoyMedio de Madrid se han agotado con 2 meses de antelación, si bien este viernes 12 de octubre podréis verles gratis en Zaragoza y el sábado 13 de octubre en Razzmatazz, Barcelona, dentro del horario de club. Entradas anticipadas, aquí. Pasamos a Diego, líder del grupo, un test sobre sus discos favoritos.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Pues últimamente he escuchado mucho la de ‘Sin Ser Yo Nada de Eso’, de los Perro.
¿Qué canción fue la primera que cantaste o versionaste?
La primera canción que versionamos fue la de ‘Toda Esta Energía’, de Joe Crepúsculo, en nuestro primer concierto.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘El del Medio de los Chichos’, de Estopa.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Untitled’, de Los Punsetes.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Me enamoré’, de Shakira. Terrible, y lo que sonó…
Actuación vocal que adores.
Hay un vídeo de un concierto de los Kings of Convenience, en la sala Bataclan, donde cantan ‘Know How’ junto a Feist, que me flipa.
Momento musical exacto de una canción que adores.
Desde el minuto 1:43 hasta el final, de la canción ‘Jóvenes Ocultos’, de Biznaga.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Muchas de Family.
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
Pues una de las que más me ha flipado en estos años ha sido una de John Maus, del disco titulado ‘John Maus’, ‘Shorts’. Ya sé que tiene tiempo, pero soy joven y lo descubrí hace relativamente poco.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Pues muchas cosas, joder (risas). Un remix que te haya vuelto loco.
Melii – Icey (Spanish Remix)
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último que compraste y en qué formato?
Alguno compro, sí. Compré hace poco ‘Triángulo de Amor Bizarro’, de Triángulo de Amor Bizarro, en vinilo.
¿Tienes en casa reproductor de vinilos, CD’s y cassette o ya solo oyes música con el ordenador o el móvil?
Bueno, escucho música a través del móvil, utilizando altavoces (Spotify, no descargo nada, algo es algo). Nada físico, aunque de vez en cuando compre vinilos que me han flipado, tanto por sus canciones como su portada, pero lo hago por coleccionismo más que nada. He de decir que soy bastante tiquismiquis con el tema de la calidad del sonido, soy incapaz de escuchar música a través de los altavoces del móvil y me cuesta escucharla con el ordenador.
La presidenta de la Fundación Víctimas del Terrorismo, Marimar Blanco, hermana de Miguel Ángel Blanco, concejal del PP asesinado por ETA en 1997, ha solicitado a Televisión Española una disculpa por la emisión de una entrevista al músico Fermín Muguruza. La entrevista se ha emitido a través del Canal 24 Horas de la cadena pública y en el programa, La Hora Cultural, promocionaba su nueva película, ‘Black is Beltza’.
El comunicado de la Fundación Víctimas del Terrorismo recogido por El Diario critica que se «dé voz a alguien que se ha posicionado del lado de los terroristas» y que ha sido «denunciado en tres ocasiones por apología del terrorismo». Considera que la entrevista «favorece la estrategia de ETA y su entorno de blanquear su imagen». La Fundación «solicita una disculpa», pues Muguruza «ha dedicado una canción a exaltar la figura de dos etarras» y eso «atenta contra la memoria y la dignidad de las víctimas del terrorismo».
La presidenta de la Fundación recuerda la labor de RTVE en materia de terrorismo, que ha sido premiada en el pasado y pide a la nueva directiva «que se mantenga fiel al histórico respeto del ente público a las víctimas y no facilite ningún tipo de apoyo o coartada a la estrategia de falsear la historia del entorno etarra».
La película animada que presenta Muguruza reflexiona sobre la libertad a través de una historia de 1965, cuando «la comparsa de gigantes de Pamplona es invitada a desfilar por la Quinta Avenida de Nueva York, pero la racista administración prohíbe la participación de los gigantes negros». Entre los actores que han participado poniendo sus voces en distintos idiomas están Unax Ugalde, Rossy de Palma, Iseo, Sergi López o Emma Suárez.
El joven director Marc Ferrer tiene en sus Papa Topo a sus mejores aliados para dar soporte musical (y, de paso, promocional) para sus películas. Así, tras las respectivas bandas sonoras para películas como ‘La maldita primavera’ y ‘Nos parecía importante’ –que nos dejaron maravillas de los autores de ‘Ópalo negro’ como ‘La llamada‘ o ‘Mátame cariño‘–, llega ahora ‘Puta y amada‘, EP publicado por Elefant que compila las tres canciones que el grupo comandado por Adriá Arbona presta para el film de mismo título de Ferrer.
El disco, que se publica oficialmente esta semana y contiene tres inéditos: la versión de ‘Ese hombre’ de Manuel Alejandro con la colaboración vocal de Yurena, que ya conocimos semanas atrás; una canción compuesta por Adriá y Marc llamada ‘Éxtasis total’ e interpretada por Belinda y Delfina («el dúo de divas más inmundo y pop del momento»); y ‘Telenovela’, colaboración entre los propios Papa Topo y La Prohibida. Esta última se acaba de presentar con un vídeo que resulta tan imperdible como la propia canción: un delirio melódico que conjuga querencia coplera y de canción melódica (onda varietés) con una base de electropop que, en un momento dado, sufre una inyección de BPMs que lo eleva a la categoría de tecno, entre guiños a Dinarama, con esa letra ultradramática.
A la altura del irresistible, como decíamos, está el clip oficial, protagonizados por los propios Marc, Adriá y La Prohibida, una catarsis de flirteos, traiciones, sexo, coreografías amateur y melodrama sanguinario al más puro estilo del Almodóvar más trashy, que es sin duda una referencia recurrente en la filmografía de Ferrer. Él mismo, que obviamente dirige el vídeo, incluye una suerte de cameo de Pedro en los créditos. Papa Topo se embarcan esta misma semana en una gira por Sudamérica, mientras seguimos aguardando noticias de ese disco que La Prohibida logró financiar con un crowdfunding de récord.
Los miembros de Cranberries han concedido las primeras entrevistas tras la muerte de Dolores O’Riordan, para promocionar la reedición de 25º aniversario de su debut, planeada antes del fallecimiento de Dolores. Están hablando con selectos medios y si hace unas semanas hablaban con The Guardian, que en los últimos años de vida de Dolores hacían interesantes piezas sobre la banda; ahora lo han hecho con Rolling Stone, otro de los medios que también en vida mejor los trató, dándoles una portada en 1995 sobre la que O’Riordan llegó a bromear: «pues bien, otro millón de copias, más champagne».
Noel Hogan es quien habla ahora con Rolling Stone confirmando que a principios de 2019 saldrá un disco inédito de Cranberries, en el que el grupo había trabajado durante la segunda mitad de 2017. Se llamará ‘In the End’, como la última canción del álbum, y ahora el que fuera único co-autor en la banda junto a Dolores, se explaya sobre su sonido y desarrollo. «Es un álbum muy consistente. Sobre todo en cuanto a letras. Es muy emocionante. Cuando Dolores y yo hablábamos sobre el disco, se mostraba muy entusiasta. Me decía: «están pasando tantas cosas en mi vida y tengo tanto que decir…» Así que fui a Francia el junio pasado para empezar a escribir y empecé a mandarle cosas. Ella vivía en Nueva York en aquella época, y empezamos a dar vueltas a diferentes ideas. Para cuando llegamos a diciembre teníamos el álbum básicamente escrito. Sabíamos qué canciones eran las más potentes, qué canciones requerían un poco más de trabajo… Y entonces, literalmente hasta el día antes en que murió, y si ella murió un lunes por la mañana, me estoy refiriendo al domingo por la mañana, recibí un mail suyo con otra canción diciendo: «mira, no sé si te he mandado esta aún, pero escúchala y mañana hablamos»».
En las últimas semanas, los chicos han podido terminar el álbum. Cuando le preguntan cómo suena, Noel indica que es lo más cercano a los dos primeros discos que han podido hacer, tanto en sonido como en letras, indicando que es algo que han buscado. Como es obvio, Cranberries se despedirán para siempre con este disco, pues Dolores no solo era la voz de la banda, sino la autora principal. Noel, que en un momento de la entrevista dice que Dolores «era muy superior» a él como músico, así lo confirma: «Ninguno de nosotros quiere seguir tras esto. Y estamos contentos de tener este álbum final que ofrecer a los fans. Hemos tenido una carrera increíble, mucho mejor que muchas bandas. Creo que hemos escrito algunas grandes canciones, algunos grandes álbumes. Tenemos buenos recuerdos y hemos vivido experiencias que nos cambiaron a los cuatro. Nuestras vidas habrían sido muy diferentes si no hubiéramos estado en la banda. Pero los Cranberries éramos nosotros cuatro. No hay razón para seguir sin Dolores. Así que lo vamos a dejar después de esto».
En otro momento de la entrevista, responde que se está exagerando un poco por parte de los medios el estado mental de Dolores antes de morir e indica que desde el principio supo que ella no se había suicidado, en contra de lo que se estaba insinuando, pues había trabajado durante meses con ilusión en su siguiente álbum. También habla sobre los inicios de la banda o lo difícil que fue para Dolores socializarse en Irlanda cuando se hizo tan famosa. La entrevista completa la podéis encontrar aquí.
Las entradas para ver a Los Planetas en el 75º aniversario de la Sala Apolo de Barcelona el próximo 24 de octubre, por supuesto se han agotado. Sin embargo, el grupo andaluz volverá a la ciudad como parte de la gira de 20º aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’. La cita tendrá lugar el sábado 10 de noviembre a las 22h en el Auditori de Barcelona y las entradas están a la venta.
Se anuncia como «un show único en el que Jota y Florent interpretarán el disco de principio a fin junto al quinteto de cuerda Cosmotrío y David Montañés al piano. Los arreglos orquestales han sido compuestos especialmente para esta serie de conciertos por Alonso Carmona, Germán Tejerizo y el propio David Montañés».
Continúan así los fastos de celebración de aniversario para el celebrado disco de 1998 que, pese a anticiparse tan pronto como en diciembre del año pasado, han llegado a los oídos de sus fans con cuentagotas, uno a uno. El grupo ha actuado en Madrid presentando el disco, pero en un evento con marca patrocinada; y también lo ha hecho en septiembre en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, en aquel caso a los pies de la Alhambra con Jota, Floren y Eric junto a cincuenta músicos de la Orquesta Ciudad de Granada y el Coro de la OCG. Ahora la banda visita Barcelona con el formato reducido de este show. Os dejamos con un vídeo de ‘Segundo Premio’ de esa actuación, recordando que en Barcelona NO habrá 50 músicos sobre el escenario.
Una de las canciones más llamativas desde el principio de la notable mixtape que C. Tangana ha publicado este año, ‘Avida Dollars’, que continúa rondando el top 50 de los discos más escuchados del país, era ‘Cuando me miras’. Un maravilloso medio tiempo de R&B que tenía que ser single sí o sí (continúa entre sus temas más reproducidos de Spotify, lo cual es mucho decir) y que al fin tiene videoclip.
La canción era una delicada declaración de amor en la que el narrador pierde totalmente los papeles cuando ella le mira: «Se me cae el móvil al suelo», «Olvido las llaves dentro», «El pin al tercer intento» y Doy like sin quererlo» son solo los primeros desastres narrados en esta canción. En sintonía, C. Tangana aparece ahora ahorcado en el vídeo como para dar de comer a sus «haters» (ya le vimos muerto durante la presentación en directo de ‘Ídolo’ en La Riviera, un espectáculo en el que se cargaba al ídem).
Nada menos que Eduardo Casanova dirige ahora a C. Tangana, acompañado de Úrsula Corberó (‘La casa de papel’, ‘Snatch’) en este breve vídeo -como la canción- lleno de referencias religiosas. Tan breve que hay lugar para escuchar parte de la canción anterior y de la posterior de ‘Avida Dollars’. El vídeo sigue al 100% la estética del director de ‘Pieles’, en una mezcla de pulcritud y colores pop y sordidez que solo puede ser suya, también añadiendo el punto homoerótico que siempre tuvo San Sebastián, con Puchito atravesado por flores. Además de Corberó, también aparecen la culturista Paloma Parra junto a Llé Godoy.
Camila Cabello fue una de las triunfadoras anoche de los American Music Awards, donde se llevó cuatro premios, incluidos los de mejor nuevo/a artista y otros 3 por ‘Havana’. Pero la cantante decidió interpretar en vivo ‘Consequences’, una de las baladas contenidas en su debut en solitario, todo un éxito de ventas/streaming este año, y justo hoy estrena vídeo para la canción, que además presenta en todas las plataformas de streaming una nueva versión con orquesta.
La decisión de estrenar un vídeo para ‘Consequences’ solo puede querer decir que esta es su gran apuesta para la Navidad y el vídeo no puede reincidir en más tópicos, desde la caída de la hoja otoñal a la nieve invernal, pasando por la presencia de fantasmas simbolizando a los que ya no están con nosotros. Ella misma aparece como co-guionista de esta historia junto a Dave Meyers, que ha dirigido el videoclip.
Durante la promoción del álbum, Cabello detalló que para ella ‘Consequences’ era la continuación («las consecuencias») de uno de los singles principales del disco, ‘Never Be the Same’: «Siento que muchas de las canciones pueden estar en la misma historia, en distintas fases, y creo que ‘Consequences’ son las consecuencias de un amor que fue tóxico y difícil de sacar de tu mente. O del tipo de amor que comparas con el de los demás y ves que no es el mismo». Un par de interpretaciones salen, pues, del vídeo, la de la nostalgia y la de «sola estaré bien».
“Sencilla y bonita”. Eso le dije al propio Javier Álvarez que pensaba cuando tuvo la amabilidad de dejarme escuchar ‘el mar’ cuando, semanas atrás, me recibió en su casa para ofrecerme una entrevista que publicábamos semanas atrás. Se trataba del primer single de ’10’, el primer álbum en casi una década que publica el artista madrileño y que ha sido producido por Ramón Rodríguez, The New Raemon. Foto de Jerónimo Álvarez.
Alejada de producciones más electrónicas de las últimas obras conocidas de Álvarez, ‘el mar’ presenta un sonido muy orgánico y acústico –en ese sentido, más conectada con sus comienzos–, con los clásicos guitarra-bajo-batería y voz como herramientas. De ese modo destaca la melodía vocal sobre todo, con Javier cantando en un tono notablemente alto, con una estructura envolvente y cálida hasta que, en su recta final, una leve subida de intensidad y una repetición inesperada ejercen un efecto mágico. A todo esto, su letra, entre refranes y dichos, habla de “las vidas como ríos” que nos llevan irremediablemente a un océano que, si no nos equivocamos, simbolizaría paradójicamente la muerte.
Un trasfondo oscuro que, a tenor de lo explicado por Javier Álvarez en la citada entrevista, no es extraño: esta obra es la primera que publica desde 2009 y, también, desde que se ha recuperado de una profunda crisis personal. “En 8 años me han pasado muchas cosas y quería contarlas todas en poco más de media hora, así que cuento tantas que hay densidad”, decía já –como abrevia él mismo su nombre– en aquel encuentro. ’10’ se publicará a través de Music Bus Records el próximo 26 de octubre y Javier ya ha anunciado el primer concierto de presentación del álbum, junto a su nueva banda: será el 19 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.
Podríamos decir que es sorprendente que ‘Taki Taki‘, el single de DJ Snake secundado por Selena Gomez, Cardi B y Ozuna, haya tenido mucho más éxito en España (esta semana es ya top 3) que en Estados Unidos o Reino Unido (apenas top 30). Pero en realidad no lo es porque, primero, está cantada al 50% en nuestra lengua, y después, lo hace el rapero puertorriqueño. Es sabido que «el negrito de ojos claros» (como se hace llamar) tiene un tirón comercial enorme en nuestro país.
Por eso muchos se alegrarán de dejar atrás el aburrido lyric-video con el que tenían que escuchar hasta ahora la canción y poder ver, al fin, el vídeo oficial que los 4 protagonistas de la canción han presentado. De hecho, ya es top 3 en las tendencias de Youtube España, siendo el vídeo musical más visto en sólo cuestión de horas. El clip está dirigido por Colin Tilley, que en el pasado ha dirigido piezas para Kendrick Lamar –entre otros, el polémico ‘Alright‘–, Nicki Minaj, Justin Bieber, Britney Spears (‘Slumber Party‘ con Tinashe), Iggy Azalea o Meghan Trainor.
El vídeo muestra al cuarteto totalmente inmune al efecto de volcanes, huracanes y un alud de señoritas en ropa interior (sólo en el caso de Ozuna), entre otras catástrofes. De bonita factura estética pero totalmente vacuo de fondo –tampoco es que corresponda en absoluto–, Tilley se limita a hacer planos chulos de cantantes y productor juntos y por separado. Mientras Cardi B gana premios, Ozuna acaba de publicar nuevo disco (‘Aura’) y Selena Gomez retoma ritmo tras sus problemas de salud, el productor francés continúa trabajando en un nuevo álbum que, muy probablemente, contendrá este ‘Taki Taki’.
El pasado lunes 8 de octubre Zahara dejaba entrever con un teaser que su esperado nuevo disco se llamaba ‘Astronauta’ y que se publicaría el día 16 de noviembre. Aún dentro de la insinuación, Zahara venía a confirmar al día siguiente la noticia haciendo un retuit de nuestra propia noticia. Algo que, además, confirmaba después el nombre del álbum con un reportaje exclusivo para Telva. Un vídeo en el que charla con su amigo, el diseñador Moisés Nieto, sobre los looks que él diseña para sus conciertos y vídeos, incluidos los del vídeo de ‘Hoy la bestia cena en casa‘.
En su breve y amena charla, además de algunas anécdotas de adolescencia –son amigos desde que por entonces se conocieron en Úbeda– y moda, Zahara confirma el título de la obra y revela alguna clave sobre la estética del disco: la imagen de álbum y gira evocará la ciencia ficción. Aunque, sorprendentemente, los trajes mostrados en el vídeo de su primer single no tendrán nada que ver con esa estética porque –y aquí viene lo curioso y significativo– la canción tampoco es representativa del resto de sus temas.
Y, en este no parar de novedades, hoy Zahara ha anunciado las primeras fechas –pronto anunciará más– de presentación de ‘Astronauta’, a la vez que se ponen a la venta las entradas en su web. La gira comienza el 18 de enero en La Riviera de Madrid y prosigue el 25 del mismo mes en Las Armas de Zaragoza y el 26 en Barcelona (en Festival Mil·lenni 2019); ya en febrero, el día 1 estará en la Industrial Copera de Granada, el 2 en La Trinchera de Málaga y el 9 en Bataplan de Donostia. Su imagen en el cartel de la gira, a medio camino de Comando G y la propaganda soviética en la carrera espacial de los 60, podría ser a lo que se referían Zahara y Moisés en el vídeo anteriormente citado.
Queridas y queridos Las entradas para "El viaje de la Astronauta" ya están disponibles en https://t.co/Cv5wX0RjRp Estas son las primeras ciudades a las que iremos presentando el disco, pero pronto ampliaremos con más. pic.twitter.com/mEq0yYEi2N
Es significativo que ‘Wanderer’ sea el primer disco de Cat Power fuera del sello Matador desde hace más de 2 décadas, refugiándose ahora en el británico Domino. No es una cuestión comercial ni accesoria: Chan Marshall y su recién estrenado manager (Andy Slater, ex-ejecutivo de la multi Capitol) decidieron finiquitar su relación con el sello neoyorquino después de que sus ejecutivos la pidieran rehacer este nuevo disco –cosa que, como ha contado ahora, también sucedió con el exitoso ‘Sun’ (2012), a lo que ella accedió, convirtiéndose en su mayor éxito comercial– porque no era lo que querían. Chan ha explicado que uno de sus “jefes” incluso fue al estudio en el que trabajaba y le pidió que escuchara ’25’ de Adele, porque así era como un disco “debía sonar”. Su respuesta a sus ex-patrones, ya fuera de la compañía, llegó en forma de canción: después de aquello compuso ‘Woman’ que es, además de un histórico «que os jodan», una sonada colaboración con su compañera de gira Lana del Rey y también una de las canciones más bonitas e instantáneas de su carrera. Cuál debe ser la cara de esos ejecutivos en este momento…
‘Woman’ es prodigiosa en su (sólo aparente) sencillez y belleza, una canción exquisitamente construida y producida (una lid que Marshall ha vuelto a asumir en solitario), con un mensaje sobre el poder de la creación artística sobreponiéndose a las críticas encaminadas únicamente a lo comercial. “La palabra es lo único que siempre he necesitado / Lo único que de verdad necesito”, cantan Chan y Lana al unísono, como un himno. Pero es cierto que ‘Wanderer’ no es un disco “fácil” y que ‘Woman’ es, claramente, su canción más comercial. Imaginamos que el drama de un ejecutivo musical, como el de un crítico, es tener que decidir si una obra es válida, perdurable y emotiva desde un punto de vista comercial/artístico en cuestión de horas, a veces días. Y, en este caso, las primeras impresiones claramente traicionaron al equipo de Matador.
Porque ‘Wanderer’ es árido y hosco –sus acabados son, las más veces, gruesos, secos, ásperos–, haciéndolo parecer aburrido de inicio –resulta especialmente brillante en su núcleo central, pero pesado hacia su final–. Alcanzar a contemplar su belleza pura es una tarea ardua y, en ese sentido, el décimo disco de estudio de Cat Power está mucho más cerca de los álbumes más personales en la carrera de la artista de Atlanta que de los más exitosos, como el citado ‘Sun’ o ‘The Greatest’. El espíritu de ‘Moon Pix’, ‘You Are Free’ y, sobre todo, su primer disco de versiones –el extraño pero a la larga adorable ‘The Covers Record’ (no así el más ortodoxo ‘Jukebox’), claramente sugerido por la emotiva versión de ‘Stay’ de Rihanna– planea en canciones que, en su mayoría, apenas parecen esbozadas con guitarras y pianos solitarios, percusiones sólo ocasionales y voces (a veces ecos) dobladas por ella misma.
Pero, como piedras recogidas al azar de un camino montañoso, esas tonadas adquieren toda su envergadura lírica observadas detenidamente, con la atención y el cariño pertinentes. Así, uno va siendo cautivado por los detalles: el pianito tímido sobre un colchón de bongos y cuerdas apenas acariciados de ‘In Your Face’, las teclas austeras y de sonido vetusto de ‘Nothing Really Matters’, el cascabel y el bombo que, en modo mujer-orquesta, dan empaque a ‘Robbin Hood’, la guitarra eléctrica entrelazada con el piano solemne y las voces fantasmales –con un uso de filtros vocales parecidos a los usados por Bon Iver y Francis and the Lights– de ‘Horizon’. Fantasmas que acuden de nuevo a la fronteriza –por el sonido de la acústica y el estupendo empleo del español– en ‘Me voy’. Fantasmas de “la gente de generaciones previas que hizo esto antes que” ella, acudiendo a su “reverencia” hacia esos “vagabundos”: sus viajes cruzando de costa a costa desde Miami (donde ahora reside) a Los Ángeles junto a su hijo pequeño y sus guitarras para grabar este disco la han hecho identificarse como una trovadora contemporánea, inspirando el título y el espíritu de ‘Wanderer’, reflejado en las preciosas intro (de tintes celtas) y outro (esa misma letra, con emotivos metales y ecos de folclor indígena norteamericano).
En todo caso, ese aura del músico callejero e itinerante está más presente en lo musical que en lo lírico. Además del valor de las mujeres artistas, ‘Wanderer’ incluye en su temática la autocrítica ante el convulso momento político y social de su país (‘In Your Face’) o una llamada a la unión del pueblo como gran fuerza (‘Horizon’), a la vez que toca aspectos más íntimos. Ahí es donde Marshall muestra toda la fuerza de la palabra a la que aludía en ‘Woman’: todo el poder de su poesía emerge en canciones que exponen relaciones fracasadas, miedos, luchas con sus adicciones y problemas de autoconfianza y salud mental, como en ‘Nothing Really Matters’ (“How can other people’s ways / Be an estimate of your way of life? / Can’t the words, and birds, and trees, and earth / Be the same thing, and be just as right?”), ‘Robbin Hood’ (“When I walk from the bright side / Got to cover my head to my ankle or die / Ooh, Robbin / Ooh, Robbin Hood”) o ‘Black’, para el firmante la segunda mejor canción de este álbum. Una canción esquelética en la que Chan eriza el vello al establecer un símil entre el maltrato machista con la misma muerte, a la vez que establece el canon de su madurez como autora. Ese es, sin duda, el principal valor de ‘Wanderer’.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Woman’, ‘Black’, ‘Horizon’, ‘Stay’, ‘Nothing Really Matters’ Te gustará si te gustan: Bill Callahan, Joanna Newsom y otros autores que derrochan personalidad y poesía. Escúchalo:Spotify
Bunbury fue el gran protagonista de ‘La Hora Musa’ anoche, interpretando varias canciones de su repertorio en solitario, como la reciente ‘La actitud correcta’ o el clásico ‘Lady Blue’, y también alguna de Héroes del Silencio como ‘Héroe de leyenda’. También hubo una entrevista en la que habló de su último disco ‘Expectativas‘ y, de manera más llamativa, sobre la ausencia de música en directo en televisión, con la que se mostró extremadamente crítico: «Hubo un tiempo en el que en la televisión había música en prácticamente todos los programas: había música en el programa matinal de Hermida, o en el de María Teresa Campos. Me acuerdo de salir en el Un Dos Tres, en otro programa que se llamaba 3×4 (…) Había música en todos lados. Eso es un bien que tiene un país. Cualquiera que hemos viajado más allá de las fronteras españolas sabemos que hay países en los que la música está en la calle, en un restaurante, en cualquier lugar, en países como Cuba, México… en Nueva Orleans… notas que la cultura forma parte de un país».
Continúa: «Aquí en España hubo un momento en el que era así. Desgraciadamente en los últimos 15 años se hizo un acoso y derribo y ha habido un gran vacío. Ha habido una generación que no ha mamado la música, y lo único que ha mamado es eso parecido a la música que suena en la radio. Es un pie de educación cultural que no tienen. Cojean». En ese momento se habría agradecido algún tipo de repregunta de Maika Makovski sobre a qué se refería exactamente con «eso parecido a la música» (aunque sabemos que no le gusta el reggaetón) o a qué asocia ese «acoso y derribo», aunque el programa parece que se centrará en preguntas blancas, nunca incómodas, y Makovski pasó en ese momento de tensión, de cuestionar el sistema desde dentro, a elogiar el último trabajo de Bunbury.
Por lo demás, el programa no decepcionó presentando un divertido reportaje-entrevista con The Lemon Twigs que incluyó una presentación acústica de ‘If You Give Enough’ en formato «radio edit», eso sí, pese a que el tema original no dura ni 3 minutos; una presentación en vivo algo exenta de carisma de Jorja Smith, que cantó dos temas; y dos actuaciones de Miguel Poveda desde una azotea barcelonesa.
Cabría pensar, en un país tan complicado como España para la «cultura musical» si los cuatro artistas protagonistas del segundo programa de ‘La Hora Musa’ tienen suficiente público en común como para hacer al programa funcionar. De alguna manera cuesta imaginar a un seguidor de Miguel Poveda interesado por The Lemon Twigs, pero traemos buenas noticias y es que el programa subió en audiencia: esta vez no fueron 249.000 espectadores sino 347.000 los que vieron el programa, con el share pasando de ser 1,7% a 2,3%. Además, ‘Cachitos de hierro y cromo’, inmediatamente antes, obtuvo un muy saludable 3,8% de share con 666.000 espectadores. Podéis volver a ver ‘La Hora Musa’ aquí.
Lana del Rey ha contestado de muy mala manera una provocación de Azealia Banks en el enésimo beef para esta última. Las declaraciones de Lana se han producido a través de Twitter y a raíz de las críticas de Lana del Rey a Kanye West por codearse con Donald Trump. Corría el primer día de este mes de octubre cuando Lana le decía a West a través de Instagram: «Trump convirtiéndose en nuestro presidente fue un retroceso para el país, pero tu apoyo hacia él es una pérdida para la cultura. Apenas puedo asumir que conectes con su personalidad a un cierto nivel: delirios de grandeza, problemas graves de narcisismo –ninguno de los cuales sería digno de discusión si no estuviéramos hablando del hombre que dirige nuestro país». Añadía: «Si crees que es tolerable que apoyes a un hombre que considera que está bien agarrar a una mujer por el coño sólo porque es famoso, entonces necesitas el mismo tipo de intervención que él».
Azealia Banks respondía a Lana del Rey, entre otras cosas, que se estaba aprovechando de su posición de blanca para que todo el mundo le diera la razón y que además ha colaborado con un maltratador como A$AP Rocky. «Okey, Lana. Esto estaría bien si fueras consecuente y te negaras a colaborar con A$AP Rocky, que ha agredido físicamente a mujeres. Para mí, esto es sólo la típica mujer blanca usando a un objetivo debilitado para pretender ser una aliada. (…) Sabes que una mujer blanca contra un hombre negro resultará en una victoria inmediata dadas las circunstancias sociales. Kanye no es tu enemigo o el enemigo. De hecho, tu enfado selectivo te hace a ti la enemiga».
Lana Del Rey no ha justificado sus acciones u opiniones, sino que directamente ha pasado a la acción: «Ya sabes la dirección. Pásate cuando quieras. Dímelo a la cara, aunque si yo fuera tú, no lo haría». Además, se ha declarado ex fan: «Banks, podrías haber sido la mejor rapera viva, pero perdiste tu oportunidad. No vayas contra la única persona que te defendía». Aunque el tuit que más retuits se está llevando dice algo así como «no voy a no joderte la cagada. Y punto». Azealia Banks ha dicho en su cuenta de Twitter que está hablando con sus abogados y piensa denunciar a Lana (suponemos que con amenazas) y también ha subido esta noche otros interesantes vídeos suyos.
@shopcheapyxo u know the addy. Pull up anytime. Say it to my face. But if I were you- I wouldn’t.
Taylor Swift fue la gran protagonista de los American Music Awards celebrados anoche. Como estaba anunciado, fue quien arrancó la gala con una performance de ‘I Did Something Bad’, pero además se llevó a casa 4 premios, sumando 23 en toda su carrera y superando el récord femenino de AMAs que tenía hasta ahora Whitney Houston. Solo Michael Jackson ostenta más y le superará pronto, pues él llegó a recibir 24. Para Swift fueron el galardón a mejor artista del año, mejor gira, mejor disco de pop/rock y mejor artista femenina de pop-rock. Como los galardones están votados por el público, Swift recordó al público que hay otras elecciones en las que votar el próximo 6 de noviembre. La cantante acaba de romper su silencio político, posicionándose a favor de los demócratas.
Otra que se llevó 4 premios fue Camila Cabello: mejor nuevo artista, mejor canción pop-rock, mejor vídeo y mejor colaboración (en los últimos tres casos por ’Havana’). Optó por interpretar una balada de su primer disco en solitario, ‘Consequences’, mientras Mariah Carey hacía lo propio con su single ‘With You’. Entre las performances más comentadas de la noche por su espectacularidad están las de Twenty One Pilots con ‘Jumpsuit’ y Cardi B con J Balvin y Bad Bunny con ‘I Like It’. Además, Cardi ganó el premio de artista favorita de rap/hip-hop y el mejor tema de hip-hop por ‘Bodak Yellow’. En cuanto a “perdedores” de la noche, ni Ed Sheeran ni Drake se hicieron con ninguno, aunque también es cierto que no estaban allí para recogerlos.
Las actuaciones se completaron con Dua Lipa interpretando un medley de ‘One Kiss’ y ‘Electricity’, Jennifer Lopez estrenando ‘Limitless’, Shawn Mendes y Zedd con ‘Lost In Japan’, Ella Mai con ‘Boo’d Up’, Benny Blanco con Halsey y Khalid con ‘Eastside’, Post Malone (premio mejor artista masculino de pop-rock) con ‘Psycho’ y ‘Better Now’ o Ciara y Missy Elliott presentando su reciente colaboración ‘Level Up’ y ‘Dose’. También hubo un homenaje a Aretha Franklin. Curiosamente, aunque los premios estaban patrocinados por Youtube Music, en general las actuaciones no se están subiendo a Youtube, salvo Cardi B, que además se ha viralizado con su presentación.
La despedida este pasado fin de semana de Las Bistecs desataba un auténtico drama entre sus seguidores, que lamentaban la desaparición de un dúo femenino que nos había hecho (a muchos) bailar y reír por igual y a la vez, con las canciones de broma (o bromas hechas canción, según se mire) de ‘Oferta‘. Quizá para ellas sólo fue un juego que se fue de las manos (dicho en plan bien, claro), y quizá eso mismo haya hecho que darle continuidad no haya sido sostenible.
Sin embargo, si atendemos a los precedentes, la desaparición abrupta del proyecto que comandaban Alba y Carla parecía casi irremisible, como una maldición de la que no podían escapar. Y es que parece que los dúos femeninos surgidos en el pop español a lo largo de distintas décadas han estado abocados a subir como un cohete para estallar y difuminarse en el cielo. He aquí 5 dúos cuya deriva parecía casi una premonición y 1 que, aunque tuvo sus parones por cuestiones personales, puso fin a su historia con la dignidad que requería.
Las Grecas
El que fuera, quizá, el mejor e influyente dúo femenino de la historia del pop español obtuvo un éxito sólo comparable al drama de su caída. El debut de las hermanas Carmen (“Carmela”) y Edelina (“Tina”) Muñoz Barrull , ‘Gypsy Rock’ (1974), es una de las muestras más genuinas y personales de fusión del folclore gitano con rock, funk y músicas del magreb, a la altura de otras obras capitales de la época de Camarón, Veneno o Chichos —recientemente Soleá Morente reivindicaba ese legado–. Pero en tan sólo tres años y dos álbumes más que pasaron sin pena ni gloria, su estrella se esfumó junto con el dinero que les estafó un manager, prácticamente forzándolas a disolverse hacia 1978. El triste y dramático final de Tina y los posteriores intentos de reactivar la marca por parte de Carmela y, más tarde, un par de oportunista no estaban a la altura de su leyenda.
Baccara
Las intérpretes de la primera canción de origen español en lograr el número 1 en Reino Unido (también en Alemania, Francia, Suecia, Rusia, Japón y por supuesto España), Mayte Mateos y María Mendiola, se conocieron como bailarinas profesionales hacia el año 1976. Y a día de hoy se sigue bailando ‘Yes Sir, I Can Boogie’ como si nada. Pero, pese a alcanzar otros hitos de la época gloriosa de la disco music (y el broken english) como ‘Sorry, I’m a Lady’, ‘Parlez-vous français?’ o ‘The Devil Sent You To Laredo’, los egos las llevaron a partir pajuelas en 1981 para iniciar sus propias carreras en solitario. Sin suerte, volvieron a reactivar Baccara más tarde… pero por separado: en una situación delirante, ahora mismo existen dos dúos llamados así, integrados por cada una de ellas con otras cantantes. En 2016 estrenábamos un tema de las Baccara de Mayte con la Fundación Tony Manero, por ejemplo.
Azúcar Moreno
Y hablando de Eurovisión… Historia viva del certamen son Toñi y Encarni, con aquella memorable actuación en la edición de 1990 de las hermanas Salazar, que a día de hoy seguimos mirando fascinados, y bailando dando lo mejor de nosotros. Son, claramente, las más resistentes de este especial y las que más años han persistido en el éxito… aunque no todo ha sido bonito. De todos es conocido (porque fue prácticamente televisado) el beef que hubo entre ellas y que concluyó con su separación en 2007, dejando atrás una buena colección de himnos tecno-rumba-pop. Regresaron en 2014 para actuar y tal, quizá porque al fin y al cabo, como hermanas que son, no les quedaba otra que verse en navidades, cumpleaños y comuniones. Este año han publicado una aburrida versión de ‘No me des guerra’ del gran Bambino, que sólo habrás podido escuchar en algún taxi.
Ella baila sola
Como bien sabemos, la formación integrada originalmente por Marta y Marilia acabó también como el rosario de la aurora. El tándem de cantautoras teen que petó a lo grande a mediados de los 90 al calor de ‘Al salir de clase’ y con canciones como ‘Lo echamos a suertes’ y ‘Amores de barra’ apenas duró tres discos, lo que quedaba de siglo. Sin lograr emular el éxito de su debut homónimo, en 2001 anunciaban su separación, asegurando que no había tan mal rollo entre ellas como se decía en la prensa. Marta intentó reactivar el dúo con otra artista –con la que también tuvo alguna trifulca– desde su residencia en Nueva York, mientras que Marilia emprendió una carrera en solitario en la que publicaba recientemente su segundo disco, marcándose un auténtico gol al versionar junto a Nacho Vegas ‘Volver a los diecisiete’ de la adorada por ambos Violeta Parra.
Sonia y Selena
El equivalente en lo que llevamos de siglo XXI de ‘Yes Sir, I Can Boogie’ es ‘Yo quiero bailar’, no contest. El dúo de dance latino y granhermanero formado por Sonia Madoc y Selena Leo alcanzó el estrellato en 2001 a ritmo de bombo, caderazo, percusión brasileña y falseta pseudoflamenca. Un disco –que vendió más de un millón de copias, ojo– duró el invento antes de esfumarse. Como las mismas Baccara, ambas emprendieron carreras en solitario que no llevaron a ningún lado. Se reunieron 10 años después con la loca intención de colarse en Eurovisión, pero no pudo ser.
Pero no todos los dúos femeninos de nuestro país han terminado sucumbiendo a la mala estrella. Ahí están las más grandes…
Vainica Doble
Gloria Van Aerssen y Carmen Santonja son, claramente, de lo más grande que ha dado esta tierra y, además, son la excepción a esa teórica regla que pone una nube negra sobre los dúos formados por mujeres. Claro que, en su caso, no se puede decir que el suyo fuera un éxito inmediato ni masivo y ahí podría estar la clave de su supervivencia. Valientes, únicas, (casi) siempre hicieron lo que quisieron y como quisieron, dejando un legado extraordinario en su colección de álbumes de los 70 y 80. Tras años dedicadas a otras lides y el extraño retorno de 1997 con ‘Carbono 14’, manoseado por Alejandro Sanz y Miguel Bosé, supieron poner un precioso broche final a su carrera con ‘En familia’ (2000), durante cuya grabación fallecía Carmen. Gloria la siguió lamentablemente en 2015, dejándonos una obra que sigue inspirándonos y enseñándonos.
2006 fue el año que estrenamos (literalmente) intentando hacer sentadillas cósmicas como Madonna en ‘Hung Up’ sin saber que se acercaba el año del revival del neo-soul y las girl groups gracias a Amy Winehouse y a las Pipettes. 2006 fue el año de la internacionalización del sonido Timbaland, de Nelly Furtado a Justin Timberlake. También el del mejor pop electrónico posible con Hot Chip y The Knife. Y por supuesto, otro año que evidenció el alcance y potencial de la música latina: Shakira triunfaba con ‘Hips Don’t Lie’ y hasta McNamara hacía un reggaetón. “¿Quién es ese hombre del Partido Popular que me hace sentir mujer fatal, mujer de telenovela?”, preguntaba en su proyecto Sarassas Music.
Pero 2006 también fue el año en que nació JENESAISPOP, publicando como primer texto una crítica del debut de Arctic Monkeys. Para celebrarlo, seremos dj’s invitados en la fiesta San Junipero inspirada en este año, en la que solo sonará música editada como single o como parte de algún álbum de aquel curso. Las fiestas San Junipero se celebran cíclicamente en la Sala El Sol de Madrid, dedicándose cada una de ellas a un año en particular. La de la edición 2006 se celebrará hoy viernes 19 de octubre entre 0.30 y 6.00 de la madrugada. JENESAISPOP dj’s pincharemos de 2.00 a 3.30 aproximadamente y el resto de la noche lo harán los expertos residentes de EL CUERPO DEL DISCO. Podéis apuntaros al evento en Facebook.
El cupo de entradas gratis hasta las 2.00 se ha agotado tras apuntarse al evento 200 personas, pero podéis aseguraros la entrada el viernes y saltaros la cola comprando entradas para el evento aquí. La entrada anticipada es válida toda la noche e incluye una oferta de 2 copas por 15 euros. En puerta también tendréis esta oferta si ya estáis en lista y llegáis antes de las 2.00.
Este 12 de octubre comienza el ciclo con el que se celebra el 18º aniversario de la Sala Razzmatazz. Como es tradición, JENESAISPOP invitará a una persona (y a su acompañante) a todos los shows que están incluidos en este aniversario de aquí hasta el mes de diciembre. Entre ellos hay sets de Cat Power, Dorian, Carolina Durante, GusGus, Hinds, Morcheeba, Peter Murphy con su “Bauhaus Celebration”, Clap Your Hands Say Yeah, Rels B, Roosevelt, The Vaccines, WhoMadeWho y una letra “pequeña” alucinante en la que, como veis, caben Elvis Perkins, Teleman, Cold Cave, Anna Calvi o Ana Curra.
Para intentar ganar la entrada libre a todos estos eventos que veis en la imagen (no se incluyen conciertos en Razzmatazz ajenos al aniversario de la sala) tenéis que mandar un mail a jenesaispop@gmail.com respondiendo a esta pregunta: «¿a cuántos eventos de este 18º aniversario te ves capaz de asistir?». El que proporcione la respuesta más divertida a la par que concisa, antes de este miércoles 10 de octubre a las 23.59, se llevará el premio.
Estas son solo algunas de las fechas destacadas, pero hay muchísimas más que podéis consultar en la página web.
19 de octubre: London On Da Track
27 de octubre: Clap Your Hands Say Yeah
1 de noviembre: Cat Power
17 de noviembre: Teleman
19 de noviembre: Peter Murphy
22 y 25 de noviembre: The Cat Empire
23 de noviembre: Dorian
24 de noviembre: Hunee
24 de noviembre: The Aces
15 de diciembre: Belako
Ya el viernes en una escucha apresurada de la BSO de ‘Ha nacido una estrella’ nos llamaba rápidamente la atención ‘Look What I Found’. Es la primera canción del disco que está producida por el equipo habitual de Lady Gaga en sus últimos trabajos: Paul Blair –más conocido como DJ White Shadow–, Nick Monson –co-autor de buena parte de ‘ARTPOP’– y Mark Nilan Jr. –que escribió con Germanotta canciones recientes como ‘Joanne’ o ‘The Cure’–. Sin embargo, a diferencia de ‘Heal Me’, ‘What Did You Do That?’ o ‘Hair Body Face’, aquella aún conserva el espíritu más clásico de la primera mitad del álbum.
Y es que ‘Look What I Found’, en cuya composición también colabora Luke Nelson –el hijo de Willie Nelson que comanda la banda Promise of the Real y que co-escribe prácticamente la mitad de la BSO–, es una especie de nexo entre el pop contemporáneo y el soul más tradicional, dos facetas que tienen su protagonismo en distintos momentos de la película. De hecho, si lo hiciéramos a “ciegas”, cualquier diría que la mano de Mark Ronson, en buena medida artífice de la revalorización de la música negra más clásica en las listas de éxitos actuales, había estado posada en esta canción y no en la forzadamente épica ‘Shallow’.
Ya desde esos acordes de piano iniciales, tan tímidos como seductores, Gaga se alinea con su adorado Elton John para este estupendo número de soul blanco moderno, con una bonita letra que retrata lo que la poco afortunada pero talentosa Ally lleva en su interior, bien interpretada y cuidada al máximo en lo sonoro. Esos guitarrazos a los que tan buenos réditos han sacado recientemente Portugal.The Man, los vientos cálidos y envolventes pero no pirotécnicos de más, el Hammond, los autocoros que se hace a sí misma la propia Stephanie… hasta el gritito que lanza, antes de esa recta final tan Al Green, parece bien medido en esta producción en la que todo suena como debe, cálido y de calidad. Algo que muchos esperábamos del teórico acercamiento a sonidos country y de raíces que pretendía ser ‘Joanne’ y que resultó fallido. Curiosamente, parece que esta BSO ha ayudado a Lady Gaga a encontrar ese punto, o al menos lo hace en este ‘Look What I Found’, que además ha sido objeto de un vídeo oficial con imágenes de la película.
La BSO, por cierto, está recibiendo críticas notables de medios tan reputados y exigentes como The Guardian o Pitchfork. En las próximas horas publicaremos nuestra propia reseña del álbum.
Esta noche se emite el segundo programa de ‘La Hora Musa‘ que, presentado por Maika Makovski, se emite cada martes hacia las 23.00 después de ‘Cachitos’. El primer programa la semana pasada fue seguido por más de 200.000 espectadores y algo menos de un 2% de share. Foto: RTVE.
Los protagonistas de esta edición serán, como se había anunciado, gente de tanta trayectoria en nuestro país como Bunbury y Miguel Poveda, pero tampoco se descuidará a nuevos talentos internacionales. Podremos ver actuar a Jorja Smith presentando un disco este año en boca de todos como ha sido el caso de ‘Lost and Found’; y además Víctor Clares podrá hablar con los hermanos The Lemon Twigs, que este año han editado un disco que es una especie de musical sobre un mono… pero que no es un musical sobre un mono. Puedes recordar nuestra reseña del singular ‘Go to School’ aquí. Se ha anunciado que también realizarán un acústico.
Lo que podremos ver de Bunbury será un pequeño concierto en vivo con algunos de los temas de su carrera en solitario y algún «guiño al pasado de Héroes del Silencio». También habrá entrevista. Por último, se ha revelado que la actuación de Miguel Poveda tendrá como fondo la ciudad de Barcelona desde una azotea.
Cher protagoniza la entrada más fuerte de la lista de ventas española con ‘Dancing Queen’, su álbum de versiones de Abba. No ha podido con Malú, que se mantiene en el número 1 con ‘Oxígeno’, pero sí llega hasta el puesto 2. Es la misma posición que ha conseguido en Reino Unido y casi en Estados Unidos (top 3). Por el contrario, en la tabla de streaming española, Cher es solo puesto 53 con este disco.
Porque quien protagoniza la entrada más fuerte en “streaming álbumes” en España es Lil Wayne con ‘Tha Carter V’, directo al top 8, aunque no entra en el top 100 de ventas. En Estados Unidos ha sido top 1 del Billboard 200 con casi 500.000 copias en una semana.
En cuanto a las ventas de nuestro país hay que destacar el buen resultado para Marlango con ‘Technicolor’ (top 3), Ilegales con ‘Rebelión’ (top 7) y Tom Petty con ‘An American Treasure’ (top 9). Fuera del top 10 entran Roberto Carlos con ‘Amor sin límite’ (top 16), Fran Perea con ‘Viaja la palabra (19), Rod Stewart con ‘Blood Red Roses’ (24), Joe Strummer con ‘Joe Strummer 001’ (27), Aretha Franklin con ‘The Atlantic Singles Collection’ (40), Riverside con ‘Wasteland’ (43), Pink Floyd con ‘A Foot in the Door. The Best of Pink Floyd’ (55), Phil Collins con ‘Plays Well With Others’ (66), Nile Rodgers & Chic con ‘It’s About Time’ (74), Jose James con ‘Lean On Me’ (76), CypressHill con ‘Elephants on Acid’ (77) y Kodaline con ‘Politics of Living’ (91).
En cuanto a streaming hay que volver a destacar el fenómeno OT2018. ‘OT Gala 1’ sube al puesto 2, solo superado por ‘Aura’ de Ozuna, que continúa en el top 1. Además, la gala 2 aparece en el puesto 54 de esa tabla de streaming.
Spotify informa de una subida del 548% desde comienzos de 2018 en lo que han tenido a bien llamar «flamenco urban» o «trap flamenco». Explican en nota de prensa que «en la escena urbana, la fusión y la mezcla es una constante que fluye y si recientemente el trap irrumpía con su mezcla de rap con reggaeton y un toque de electrónica, el «flamenco urban» se abre hueco entre los usuarios de Spotify como una nueva tendencia». Bajo estas líneas podéis escuchar la playlist propia creada como muestra, llamada Flamenco + Flow.
Rosalía, Dellafuente y Nyno Vargas son los artistas de esta corriente que más oyentes mensuales tienen, en concreto, 2,4 millones, 800.000 y 440.000 respectivamente. Además, Daviles de Novelda, FlowZeta y Rosalía han aumentado sus escuchas en Spotify un 5.400%, un 3.300% y un 2.067% desde inicios de 2018. Lógicamente, estos datos están marcados por el éxito de ‘Malamente’ y ‘Pienso en tu mirá’, los singles de ‘El mal querer’, cuyo lanzamiento está previsto para el primer fin de semana de noviembre; pero también se debe por ejemplo a ‘Vamos pa la playa‘ de FlowZeta y Daviles de Novelda, que lleva casi 2 millones de escuchas. La lista de los que más han visto aumentadas sus escuchas incluye también a Omar Montes, Nyno Vargas, Mala y Moncho Chavea y Original Elías.
Al margen de nomenclaturas o nuevas discusiones sobre lo que es el «trap», estas escuchas millonarias certifican que esta tendencia está asentada en el mercado, y lo ha logrado al margen del apoyo de la radiofórmula. Apenas Dellafuente ha logrado cierto impacto en radio y por supuesto ha sido con su tema con C. Tangana, no por su trabajo en solitario o junto a Maka.