Tidal, la plataforma de streaming de Jay-Z que cuenta con socios como Beyoncé, Madonna, Nicki Minaj, Daft Punk o Rihanna, ha sido acusada de inflar, por los cientos de millones, los streamings reales de ‘The Life of Pablo’ de Kanye West y ‘Lemonade’ de Beyoncé, y por tanto de pagar royalties inflados a sus discográficas “a costa de otros artistas”. Music Business Worldwide publica un detallado informe sobre las investigaciones que el medio noruego Dagens Næringsliv ha realizado a lo largo del último año junto a Midia, una reputada empresa dedicada a la investigación en la industria de la música, para demostrar que las espectaculares cifras en streaming publicadas por Tidal en relación a ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ son falsas.
Tidal publicó en 2016 que ‘The Life of Pablo’ había producido 250 millones de streamings en sus primeros 10 días, por lo que “cada usuario tendría que haber escuchado el disco 8 veces al día”, y que en 15 días las reproducciones de ‘Lemonade’ superaban los 300 millones. Para el medio noruego, estas cifras no cuadraban y en 2017 descubrió unos documentos que, en palabras de Music Business Worldwide, “sugerían que Tidal habían estado inflando deliberadamente su número de suscriptores”. La investigación situaba el número de suscriptores de Tidal en torno al millón, y no en 3 millones, como había publicado la compañía de streaming inicialmente.
Siguiendo con la investigación, y tras encontrar un disco duro con millones de datos internos de Tidal que contenían “títulos, tiempos, datos de usuarios y códigos de países”, Dagens Næringsliv ha concluido que los streamings publicados por Tidal de ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ son imposibles. Por ejemplo, el medio noruego se entrevistó con varios usuarios de Tidal para comunicarles los supuestos streamings que habían realizado de Kanye y Beyoncé, y según los análisis, una de ellas había escuchado ‘Lemonade’ “180 veces en 24 horas”, lo cual esta persona consideraba imposible. En acorde a sus streamings, otra persona había reproducido ‘The Life of Pablo’ “96 veces en un solo día, 54 de ellas en medio de la noche”.
Posteriormente, un importante centro de investigación y seguridad cibernética noruego ha analizado estas cifras y concluido, en unos documentos disponibles online, que inequívocamente ha tenido lugar una manipulación por parte de Tidal de los streamings de ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ mediante una “serie de métodos”, como por ejemplo, en el caso de ‘Lemonade’, “repetir los patrones de escucha en streaming de los usuarios para engordar el recuento de reproducciones”. La investigación llega a revelar que “cada usuario supuestamente escuchó un gran número de canciones exactamente en el mismo segundo”.
Por su parte, Tidal ha negado las acusaciones de forma oficial. Un portavoz de la plataforma de streaming señala a JENESAISPOP que “esta es una campaña de desprestigio de una publicación que una vez se refirió a nuestro empleado como un «oficial de inteligencia israelí» y nuestro propietario como un «traficante de crack». No esperamos nada menos de ellos que esta historia ridícula, mentiras y falsedades. La información fue robada y manipulada, y lucharemos contra estas afirmaciones enérgicamente”.
Christina Aguilera había confirmado que emprendería una gira en presentación de ‘Liberation’, su nuevo disco, que sale el 15 de junio. La noticia era importante porque Aguilera no realiza una gira en condiciones desde 2007, año en que terminó el tour de ‘Back to Basics‘, su tercer disco (en 2008 realizó unas fechas pospuestas en Kiev y Abu Dhabi). En 2010, la cantante canceló la gira de ‘Bionic‘ y para ‘Lotus‘ jamás se anunció tour alguno.
Hoy, Aguilera anuncia la gira de ‘Liberation’. Las primeras fechas, todas en Estados Unidos -con inicio el 25 de septiembre-, pueden consultarse en su página web. Las entradas salen el 18 de mayo. De manera interesante, se ha confirmado que con cada entrada vendida se regalará al comprador una copia de ‘Liberation’, una táctica comercial destinada a impulsar las ventas discográficas que han empleado recientemente Arcade Fire, P!nk o Katy Perry, entre otros. Sería raro que Aguilera no confirmara al menos un par de fechas en Reino Unido, como Taylor Swift, así que habrá que estar atentos.
El 20 de mayo, Aguilera actúa junto a Demi Lovato en los premios Billboard. Presentarán su colaboración, ‘Fall in Line’, que se espera logre mejor desempeño comercial que ‘Accelerate’, el primer avance del álbum, que de momento no está calando en las plataformas de streaming, pese a tratarse de una composición bastante avanzada… ¿o quizá por eso mismo?
Ronnie Spector visitará por primera vez España este verano junto a nueva formación de las Ronettes para presentar los temas de la histórica formación fememina. Y, posiblemente, también para recordar los varios en temas en solitario que ha publicado durante su carrera al margen de las Ronettes, como ‘Say Goodbye to Hollywood’.
La primer fecha de Ronnie Spector & the Ronettes en España se producirá en el Escenario Santander de la ciudad cántabra, el día 16 de junio, antes de acudir a la Sala Apolo de Barcelona el 18 de junio. Luego el grupo actuará, el 21 de junio, en Santiago de Compostela, y finalmente visitará Madrid para tocar en el festival Blackisblack! de Madrid, que se celebra en Matadero los días 22 y 23 de junio.
Ronnie Spector, que nació y creció en el Spanish Harlem de Nueva York, formó The Ronettes siendo una adolescente y lanzó su primer disco en 1961 en el sello Colpix. A principios de 1963, Ronnie Spector, ya como líder y principal vocalista del grupo, grabó junto al productor Phil Spector una larga lista de éxitos que se han convertido en clásicos de la era pop: poderosos y conmovedores himnos adolescentes como ‘Walking in the Rain’, ‘Baby I Love You’, ‘I Can Hear Music’ y el número uno internacional ‘Be My Baby’. En 2017, Ronnie Spector & the Ronettes publicaron un tema nuevo, ‘Love Power’, el primero en décadas.
Con el cartel de “entradas agotadas” desde hace más de tres meses, Arenal Sound anuncia nuevos artistas para su novena edición, que tendrá lugar del 31 de julio al 5 de agosto en la playa de Burriana. Llama la atención, en esta nueva tanda de incorporaciones, la presencia de Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017 y próximo representante de España en Eurovisión junto a la ganadora de la edición, Amaia Romero. García es cantautor, colega de PAVVLA y ha actuado con Love of Lesbian (de hecho, podría haber colaborado con Santi Balmes recientemente), por lo que no debería ser ninguna sorpresa verlo en Arenal Sound, un tipo de festivales en los que, sin embargo, no es precisamente habitual encontrar a artistas salidos de concursos de talentos. De momento, el Arenal a quien no ha conseguido es a Aitana, tras reclamarla en un tuit meses atrás, incluso antes de que terminara OT.
A García se suman también, de manera destacada, James Blunt, que presenta su último disco, ‘The Afterlove‘; Azealia Banks (aunque esta confirmación no nos la creeremos hasta que la veamos), The Vamps, la revelación Rels B y David Otero, que presenta su propio ‘1989’ titulado ‘1980’.
Completan la tanda de confirmaciones Full, Elyella, Delaporte, The Zombie Kids, Ley DJ, Sandro Ávila, Brian Van Andel, GoMad!&Monster, Subshock&Evangelos, Kuve, El Tío La Careta, Vendetta, Frida, Six To Fix, King Kong Boy, los ganadores del concurso Vodafone Yu Music Talent Zazo & Gxurmet, Zoé, Innmir y Nation.
Todos estos artistas se suman a los ya confirmados Bad Bunny, Crystal Fighters, Steve Aoki, Dorian, La Raíz, Lost Frequencies, Taburete, Jess Glynne o Carlos Sadness, entre otros.
Cartel por días de Arenal Sound 2018 y aún quedan algunas confirmaciones. En los próximos días pondremos a la venta un cupo limitado de ENTRADAS DE DÍA. ¡Muy atentos! pic.twitter.com/jpGbCbgwuJ
A solo dos meses de que se celebre una nueva edición del FIB, el festival de Benicàssim suma 27 nombres a su cartel, entre los que destacan las incorporaciones de The Horrors, que presentarán su notable último disco; la revelación del pop finesa ALMA, los británicos Monarchy, que estrenan disco, los productores de dubstep y drum and bass Chase & Status (han producido, por ejemplo, a Rihanna), la veterana banda alemana de garage King Khan & The Shrines, o el rapero británico Giggs, al que has oído recientemente en un single de Lily Allen.
En el apartado nacional hay que resaltar la incorporación de Toundra o las bandas revelación de 2018 La Plata y Carolina Durante. A todos los artistas y grupos mencionados se suman también The Parrots, Perro, Oddisee & Good Company, Hayden James, Detroit Swindle, Oscar & the Wolf, Los Nastys, ZOE, FAVX, Joana Serrat & the Great Canonyers, Bodega, Holy Bouncer, Marem Ladson, leyya, Nadia Sheikh, The Snuts, Cuchillo de Fuego y Zazo & Gxurmet.
A la vez que desvela nuevas incorporaciones a su cartel, el FIB comparte la programación por días. El 19 de julio tocará el cabeza de cartel Travis Scott y grupos destacados como Two Door Cinema Club, Izal o J Hus, además de Jessie Ware, Everything Everything, Cashmere Cat, Tune-Yards, Nothing but Thieves o Princess Nokia. El 20 será el turno de The Killers, Eric Prydz, The Vaccines, Rag’N’Bone Man o Catfish and the Bottlemen, el 21 de Pet Shop Boys, The Kooks, Belle & Sebastian o Metronomy, y el 22 de Liam Gallagher, Justice, Bastille, Madness, Dorian, Wolf Alice o Parquet Courts. Hoy, el FIB pone a la venta además las entradas de día: Jueves (50€*), Viernes (60€*), Sábado (50€*) y Domingo (50€*). Estas entradas no cuentan con zona de acampada.
Este 4 de mayo ha salido a la venta ‘Good Thing’, el nuevo álbum de Leon Bridges, que reseñaremos próximamente. Los dos singles principales del disco, ‘Bet Ain’t Worth the Hand‘ y ‘Bad Bad News‘, han pasado por nuestra sección “La canción del día” y con razón, y hoy nos detenemos en un tema enormemente especial, ‘Shy’, que es, en la secuencia del álbum, el que sigue a estos dos primeros cortes.
Compuesta por Austin Michael Jenkins, Dan Wilson, Eric Frederic (Ricky Reed), Joshua Block -algunos de los cuales ya habían trabajado en ‘Coming Home’- y el propio Bridges y producida por Niles City Sound y Ricky Reed, ‘Shy’ es una preciosa canción de amor en la que Bridges pone de relieve su timidez, en este caso, con el objetivo de seducir a una mujer también vergonzosa. En ella, Bridges canta, “sé que eres tímida, puedes ser tímida conmigo, sabes que te necesito” antes de reconocer que no está “del todo sobrio” y que “él también es un poco tímido”. De hecho, Bridges, quien se crió en una familia profundamente religiosa, no es extraño a este sentimiento, ya que nunca ha dejado de mencionar en las entrevistas que ha sido un joven tímido sin demasiados amigos, y su carácter retraído es evidente también en sus entrevistas o directos.
‘Shy’ se basa en un misterioso “loop” de guitarra eléctrica, al que pronto se suma un ritmo a medio tiempo, y son sus sutilezas, como la guitarra acústica que se añade en la segunda parte del primer estribillo, o la líquida melodía remolineante que se suma al segundo puente (confluyendo ambos arreglos en el estribillo final), las que van conformando poco a poco una canción elegante y sofisticada en la que los puentes son casi igual de buenos o mejores que el estribillo. De hecho, ni siquiera los dos puentes o, ejem, “bridges”, presentes en la composición son exactamente iguales y el segundo, en el que Bridges se acompaña de un coro, variando la melodía, presenta la parte más emocionante de la canción, cuando el cantante ruega: “oh oh oh, why, no, take your time, hey, you’re so shy”. Cuando termina con su falsete “all that I want is you” sabes que la chica ya no se lo va a pensar dos veces…
El grupo británico Jungle lleva varios años presentando por todo el globo su aclamado y exitoso debut homónimo. Publicado en 2014, el álbum producía al menos dos singles enormes como ‘Time’ y ‘Busy Earnin’ y, gracias a sus temas de disco y funk cálido y sexy, Jungle se ha convertido en una de las bandas favoritas en los festivales. No es de extrañar que los streamings de su debut se cuenten por las decenas de millones o que el disco terminara nominado al prestigioso premio Mercury.
En los últimos meses, el septeto liderado por Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland ha ido presentando en directo los temas de su nuevo trabajo, y hoy es el momento de conocer las versiones en estudio y los videoclips de dos de ellos, ‘Happy Man’ y ‘House in LA’. El primero recupera los ritmos disco que ha hecho famoso al grupo para contarnos irónicamente una historia sobre la felicidad verdadera: “cómprate un coche nuevo, una casa en la que vivir, consíguete una chica, a alguien distinto, cómprate un sueño, y nada de eso tendrá algún valor”. El segundo es una balada romántica, en la que Jungle parece equiparar el amor con el calor que emite el sol, y cuyo idílico vídeo sitúa a la banda pasando el rato en una preciosa casa situada en una colina de Los Ángeles.
Sobre el segundo álbum de Jungle hay pocos detalles todavía. El grupo explica que suena como una “post-apocalíptica estación de radio pasando canciones de ruptura” y la nota de prensa detalla que el grupo “cambió Shepherd’s Bush por las colinas de Hollywood” para grabarlo. “La romántica idea del sueño californiano chocó con la realidad de vivirlo, y aunque la experiencia los llevo de vuelta a Londres donde finalizaron el disco, el viaje en si mismo definió la música producida”.
En 2016, Calvin Harris sufrió un pequeño accidente de coche en Los Ángeles al chocar su automóvil contra otro que había invadido el carril contrario, y la historia se ha repetido este fin de semana en Beverly Hills, si bien es ahora cuando TMZ publica la exclusiva.
El accidente de Harris, quien triunfa actualmente con ‘One Kiss’ junto a Dua Lipa, se produjo el domingo 6 de mayo, cuando su coche, un Range Rover, chocó contra el costado izquierdo de otro, un Honda, que, según las primeras informaciones, giraba hacia un acceso de garaje. El automóvil en el que iba Harris, que conducía su novia, Aarika Wolf, no redujo la velocidad mientras el segundo coche giraba y colisionó contra él, haciéndolo dar vueltas, activando los airbags y dejando a sus dos pasajeras “doloridas”.
Sin embargo, una fuente cercana a Harris asegura a TMZ que el accidente se produjo cuando el Honda, desde el acceso, invadió al carril por el que iban el músico y su novia sin previo aviso, produciendo el choque. Las chicas que ocupaban el Honda piensan poner una denuncia y por lo menos el accidente no terminó con nadie en un hospital, pero parece que va a tener que ocuparse la policía de determinar el culpable del mismo.
Jon Hopkins se ha hecho un nombre en muchos sentidos, no solo en el mundo de la electrónica, durante los últimos años: ‘Immunity‘, su cuarto álbum, conectó con un público bastante mayoritario, como se pudo ver en el madrileño Mulafest, cuando fue ni más ni menos que lo mejor de aquella noche. También han gustado mucho sus bandas sonoras, especialmente la de ‘Monsters‘ -para algunos una película de culto-, pues a la postre ‘Candles’ de aquel disco ha terminado siendo una de sus canciones más populares. E igualmente Hopkins es conocido por sus colaboraciones con otros artistas, como las muy fructíferas realizadas junto a Brian Eno y Leo Abrahams o King Creosote, y más adelante con Coldplay, con los que trabajó en la canción central de ‘Ghost Stories‘, ‘Midnight’, sin duda una de las producciones más avanzadas de la carrera de los de Chris Martin.
En principio pianista curtido en la Royal College of Music de Londres entre los 12 y los 17 años, dada la influencia que en él ejercieron Ravel y Stravinsky, Hopkins ha sabido enriquecer su carrera como productor de electrónica con el que durante los años clave de su formación fue su instrumento, como ya se vio en pistas del disco anterior, como ‘Abandon Window’. ‘Singularity’ sigue una línea parecida, aunque ahora muchas cosas han cambiado: el piano tiene más protagonismo, pasando a ser el instrumento principal -por momentos único- de varias pistas de este disco, y a su vez el artista ha evitado las estructuras circulares con las que le gustaba trabajar, optando en su lugar por canciones que van a lugares.
Jon Hopkins indica en una entrevista con Billboard que se siente muy agradecido por tener «el mejor trabajo del mundo», pero está claro que hubo un momento durante la gira de ‘Immunity’ en que, después de 160 conciertos, el asunto se le fue de las manos. Nótese, por ejemplo, que el referido concierto en nuestro país tuvo lugar en 2015, cuando el álbum que presentaba había salido al mercado en 2013. Hopkins decidió dar un paso atrás, interesándose por la meditación trascendental y algunas prácticas alternativas de yoga, para recordar dónde estaba y también para explorar rincones de su mente que desconocía que existían.
El viaje que el artista plantea a lo largo de este disco es apasionante incluso a pesar de los nubarrones que le amenazan en el camino. De hecho, sobre todo revuelve al oyente en los momentos en que adivinamos a Jon Hopkins al borde del precipicio, retratando la inquietud y la sensación de irrealidad que merodeaban por su cabeza por aquel entonces. No cabe duda cuando abre el álbum con el tema titular de que en ese momento Hopkins no se encuentra en ningún lugar feliz, pues pese a la suavidad de un sintetizador que va emergiendo y podríamos vincular con Jarre o Moroder, la deriva de la canción es tremendamente agresiva, pasando de los bosques que nadie pisaría de noche de ‘Twin Peaks’ del arranque a terminar en el peor de los antros a lo ‘Asylum’. Comparando el primer minuto de esta canción con el último, es obvio que la composición sí ha cambiado de sitio, y lo mismo va sucediendo con el tracklist completo de ‘Singularity’, ideado para escuchar como un todo.
A continuación de esta primera pista, ‘Emerald Rush’ arranca con un suave piano que tratará de ir abriéndose camino a lo largo de toda la secuencia. Pero pronto en este otro single, que ha dado la vuelta y oculta a la misma voz sueca que cantaba en ‘Collider’, termina por imponerse la sensación de opresión y locura, como sucede en la parte central de los 10 minutos que dura otra de las pistas fundamentales, ‘Everything Connected’. Esta canción lleva, eso sí, a uno de los claros remansos del álbum, ‘Feel First Life’, que Hopkins ha grabado con un celestial coro de 15 voces formado por 8 chicos y 7 chicas.
Otra de las canciones destacadas de ‘Singularity’ es ‘Luminous Beings’, en la que los sonidos parecen emular una especie de tren o una olla a presión a punto de explotar, dando después paso a partes mucho más preciosistas en reconciliación con la pista anterior ‘Echo Dissolve’, otro de los temas a piano, y con la siguiente, ‘Recovery’, que termina el álbum también con este instrumento, y con un título que no puede ser más revelador. En muchos sentidos, ‘Singularity’, en su desarrollo, es una búsqueda de la «recuperación» de uno mismo, del yo «singular» y propio, tras largos pasajes de techno oscuro e industrial. Por este motivo, por esa búsqueda, las canciones a piano no disponen tanto de una melodía que funcione por cuenta propia como funcionan como un lugar de destino al que dirigirnos en paz. La misma paz que trata de aportar la pista ‘C O S M’, con influencia de la electrónica de DNTEL, o las animaciones subidas por Hopkins al disco en la APP de Spotify.
Son muchos los puntos, como sucede en la pista 3 ‘Neon Pattern Drum’, en que las bases suenan deliberadamente cortadas, como si Jon Hopkins fuese buscando a través de ellas un despertar que va asomándose a veces en estos 62 minutos, pero que sólo termina de suceder al final, el término de la pesadilla tras varias luchas por alcanzar ese amanecer. Estamos, claramente, ante un álbum con historia que además no se ha querido mantener oculto para una élite de iluminados. Hay una serie de «radio edits» conformando una especie de «CD2» en la edición digital que no se dirigen a la «radio», pues nadie va a pinchar esto aparte de Siglo XXI y Annie Mac, sino al mundo: cualquiera puede disfrutar de este disco como ha sucedido en otros momentos de la historia con la música de Wim Mertens o Michael Nyman. Hay un carácter inequívocamente cinético en esta música y… ¿no es la banda sonora uno de los géneros favoritos del público generalista?
Calificación: 8,5/10 Lo mejor: ‘Singularity’, ‘Emerald Rush’, ‘Everything Connected’, ‘Luminous Beings’ Te gustará si te gusta: Four Tet, Caribou, Fuck Buttons, The Field Escúchalo:Spotify
Gaz Coombes, ex vocalista de Supergrass, ha publicado un notable disco en solitario -el tercero solo- llamado ‘World’s Strongest Man‘, cercano al sonido de Radiohead y por momentos a la Velvet, que él dice influido también por Frank Ocean. Hablamos sobre cómo este ha influido en su música, sobre los diferentes y variados temas del álbum -de la masculinidad a la política, pasando por la locura-, sobre la era Brit Pop o sobre la importancia de la nominación al Mercury Prize. Coombes, algo desaliñado pero muy bien conservado, tímidamente divertido y nunca demasiado solemne, porta uno de los anillos de casado más gordos que he visto recientemente, por lo que sí, su familia también sale a colación, puesto que ha jugado un papel en el desarrollo de este álbum.
Este es tu primer disco tras la nominación al Mercury de ‘Matador’, ¿fue importante para ti?
Fue solo uno de los grandes momentos de un gran año. Hicimos grandes actuaciones en las que todo salió increíblemente bien, como un show perfecto en Glastonbury. Y la nominación al Mercury Prize fue algo bueno, claro. Mola porque cualquiera entre 1000 discos puede ganar, hace poco ha estado nominado Ed Sheeran.
Me sorprendió mucho verle nominado, pero también hay que recordar que también lo estuvieron Spice Girls o Take That.
Es verdad, me gusta que todos los artistas puedan concurrir y fue un buen momento para el reconocimiento del disco que había hecho.
¿Te suelen gustar los ganadores del premio?
No (se ríe, bromeando). Sí, claro, ha habido grandes discos, supongo. A veces es difícil saber si lo que gana es la historia del artista o la historia del álbum. A lo mejor es más el álbum que encaja ese año para ganar el premio.
«No toco las canciones de Supergrass ni me asiento sobre mi historia pasada, no me interesa»
Me sorprendió verte nominado porque suelen apostar por artistas noveles, con alguna excepción como PJ Harvey, que es la única que ha ganado 2 veces.
Supongo que fue la validación a haber hecho algo nuevo. No toco las canciones de Supergrass ni me asiento sobre mi historia pasada, no me interesa. He dado un paso adelante y hago música escrita en 2018, adapto todas las estéticas, algunas cosas suenan mejor en crudo y por otro lado lo contrapongo a nuevas técnicas de grabación. Me encanta hacer loops. Lo que hago ahora es muy diferente a Supergrass.
Has tocado la mayoría de instrumentos de este disco, ¿cuál te ha resultado más difícil?
Creo que el violín, que he tocado en estos dos últimos discos. Es muy difícil, pero he encontrado una manera de tocarlo a lo Velvet Underground. Mirando atrás, también creo que he mejorado mucho con el piano.
¿Por qué tocas tú casi todo cuando puedes contar con profesionales que lo hagan por ti?
Porque lo hacen demasiado bien para lo que busco. Por ejemplo, sí hay una violinista increíble tocando en ‘Walk the Walk’, pero yo hago más bien drones o dibujo ciertos pasajes con el violín, y le sienta muy bien a lo que busco en un momento dado. Los músicos están sobrecualificados para lo que yo quiero hacer en ese caso, que es trastear.
Este disco tiene un ángulo político, algo que me parece complicado hacer bien para un artista de pop o de rock.
Solo es una pequeña parte. No hago canciones políticas, pero algunas sí tienen momentos en los que aparece lo que pasa alrededor: un titular, algo que veo en las noticias, algo que me cuenta alguien… Intento que sean momentos puntuales. En ‘Wounded Egos’ sí que apelo a 2017 cuando digo «right-wing psychos». Fue un año duro, fue muy triste ver cómo se imponían visiones extremas y eso me afectó, pero la canción es sobre el escapismo en general. Es una mezcla entre las dos cosas.
Creo que en el futuro el disco se podrá identificar fácilmente con el clima de 2017 o 2018…
Quería decir cosas que resonaran y que fueran relevantes, pero hay una mezcla de temas en las letras: ‘Weird Dreams’ habla sobre el amor intenso. ‘In Waves’ sobre ser un adolescente y descubrir cómo aprender a tocar la guitarra. También hay cosas divertidas. Me gusta mezclar diferentes temas.
La masculinidad es otro de ellos.
No tanto. El título del disco sí, pero ninguna canción va específicamente sobre ello. Vivo en una casa con tres chicas y es un tema candente. Quería más que nada referirme a la situación actual, a hombres ridículos haciendo declaraciones totalmente pasadas de moda. Es una declaración.
«Los chicos jóvenes no tienen que crecer pensando que tienen que hacer dinero, tener el poder y ser duros. Si se liberan de eso pueden convertirse en gente increíble»
En los 90 parecía haber dos tipos de bandas en el Brit Pop. Estaban Noel Gallagher, Damon Albarn… con una imagen mucho más masculina; y luego Brett Anderson de Suede o Placebo, orgullosos de su feminidad. Hacía a Supergrass más en el primer grupo…
Éramos chicos jóvenes salidos de un pueblo (NdE: Wheatley, de 4.000 habitantes, pero muy cerca de Oxford). No éramos de Londres. Éramos buena gente y dejábamos que la música pusiera el punto agresivo. Llevábamos ese rollo, y aún soy igual que entonces, pero tener a mis hijas me ha hecho más femenino de alguna manera. Es de lo que habla ‘La caída del hombre’ de Grayson Perry (que ha inspirado el título del disco). Sobre aún ser hombre, tener el sentimiento de un hombre, tener esa competitividad del hombre hetero… Supongo que ahora me interesa una visión más amplia: se puede ser un hombre de maneras diferentes, puedes ser delicado o duro, no hay normas. Los chicos jóvenes no tienen que crecer pensando que tienen que hacer dinero, tener el poder y ser duros. Si se liberan de eso pueden convertirse en gente increíble.
Además, Frank Ocean es una referencia en este disco, ¿qué te ha aportado?
Un toque delicado y de vulnerabilidad, es como un hip hop experimental, no hace hits pensados para la radio y es muy enriquecedor. Ahora que soy un artista en solitario, me fijo más en artistas en solitario. Por ejemplo, he reparado en Beck ahora mucho más que antes. PJ Harvey es increíble, Nick Cave…
‘Deep Pockets’ habla sobre la vida de una estrella, sobre un estilo de vida que implica estar «colocado en la parte de atrás de un coche». ¿Todavía haces esas cosas? ¿Vives en Londres?
No, vivo en Oxford, pero he pasado mi vida viajando. Así es como la letra empezó, era como un viaje sinfín, psicodélico, una paranoia, una alucinación, en un espacio pequeño donde tu cabeza se vuelve loca. Tienes momentos así cuando estás haciendo conciertos, has tomado demasiados drogas y te vuelves loco, pero la canción no es tanto sobre drogas como sobre volverse loco dentro de un coche.
¿Has tenido muchos momentos salvajes como rockstar? ¿Quizá a finales de los 90?
Unos pocos. Pasé una noche entera con Slash, hablando durante 6 o 7 horas en un hotel, supongo que tomando drogas y bebiendo mucho. Terminamos a las 6 de la mañana, fue un gran momento rock’n’roll. También yo y Steven Spielberg hablando de programas de televisión (se ríe). Y con Dave Grohl tocamos en América, fue una locura.
Has mencionado a varios artistas americanos, aunque nunca fuisteis tan famosos en Estados Unidos… Y mira que a veces sonabais americanos…
A los grupos americanos les gustábamos, quizá porque nos inspiraban cosas como Pixies, Frank Zappa, Jimi Hendrix… Cuando era joven me gustaban mucho Nirvana, Patti Smith, Blondie, Captain Beefheart… Todo artistas americanos que me influyeron y aún me influyen.
Cuando vi que tenías una canción llamada ‘Shit (I’ve Done It Again)’ pensé en…
¡Britney! (interrumpe)
(risas) Además de eso, pensé que iba a ser más uptempo, pero es triste. Háblame sobre ella.
Quería que la letra tuviera sentido del humor, ya que la canción presenta un entorno bonito, aunque con su oscuridad. Me gustan esas yuxtaposiciones de luz y oscuridad, así es mi vida. Es divertida, surreal, da miedo, es rara, pero supongo que hacer cosas diferentes es lo que me mantiene despierto. Pero me encanta esa canción, salió así, no puedo explicarla.
«Tenía que haber hecho un vídeo como el de Britney, pero con un uniforme totalmente jodido»
¿Cuándo has sido consciente de la coincidencia con Britney? ¿O fue deliberado?
Me di cuenta más o menos mientras la hacía, pero es distinta. Esencialmente estamos cantando más o menos lo mismo, ¿no? Aunque supongo que ella habla de enamorarse otra vez y la mía es más sobre malos hábitos. La mía es la versión madurada y oscura (risas). Tenía que haber hecho un vídeo como el suyo, pero con un uniforme totalmente jodido (risas).
El humor siempre ha sido importante en tu carrera, pero no es tan común en el rock, ¿por qué crees que es?
Porque te puede acercar demasiado a la imagen de los Teleñecos o al Frank Zappa de los 80. Pero a mí me gusta el humor, incluso para artistas desvaneciéndose que parecen estar diciendo: «somos jodidamente importantes». No hace falta ser serio, incluso en este disco está claro que no me lo tomo tan en serio. No me gusta tomarme demasiado en serio. Por eso me gusta Nirvana, Pixies, Foo Fighters…
El humor en Foo Fighters lo veo claro, ¿pero en Nirvana?
Nirvana también. Kurt tenía un toque muy divertido, con letras un poco tontas. Es una parte muy importante de ellos.
Hay un elemento kraut en este disco y he recordado que se dijo que el 7º disco de Supergrass, que quedó inédito, también era kraut. ¿Se parecía?
No… No sé… No escucho tanto kraut, es que cuando toco la batería tiendo a ese ritmo. Aunque siempre me ha atraído experimentar con ese período de la música alemana, mediados de los 70, pero más por la ausencia de estructuras. Eso me interesa muchísimo y Can, y también Brian Eno o David Bowie, eran muy buenos haciendo anti-canciones.
¿Te interesan ahora más las estructuras que las melodías?
No es que me interese más, es que busco hacer cosas diferentes. Hay un momento en que se va construyendo una canción en el que dices: «si sigue así, ahora viene un gran estribillo». No hay nada malo en eso, pero quiero probar cosas diferentes. Así que pienso en dónde se piensa la gente que voy a ir, y voy hacia otro lado.
«Teníamos una broma en Supergrass que decía que éramos la 4ª banda favorita de todo el mundo, porque estaban Oasis, Pulp y Blur (…) pero estamos muy orgullosos de lo que hicimos. Es buena música»
Dos discos de Supergrass ya han pasado su 20º aniversario y otro está a punto de hacerlo. ¿Te preocupa cómo se recuerdan tus discos? ¿Miras listas de lo mejor de los 90 o de lo mejor de aquellos años que están saliendo?
No mucho, imagino que se están olvidando de nosotros la mayoría de las veces (risas). Te lo digo de buena forma: teníamos una broma en Supergrass que decía que éramos la 4ª banda favorita de todo el mundo, porque estaban Oasis, Pulp y Blur.
Bueno, ‘I Should Coco’, ‘In It For the Money’ se reivindican a menudo, pero rara vez el tercero, que era mi favorito.
Sí, hemos apreciado siempre el éxito que hemos tenido, gustar a la gente. Por lo demás, creemos en nosotros mismos y el resto es mejor dejarlo estar. Sabemos que hicimos buenos discos, así que no necesito la aprobación de alguien en concreto. Gano mucha confianza en mí mismo sintiendo esa confianza en mí mismo, sin necesidad de que alguien me diga que he hecho algo bueno.
Pero existen las reediciones, se pueden hacer cosas.
Estamos en ello, no puedo decir mucho, pero habrá buenas reediciones, porque estamos muy orgullosos de lo que hicimos. Es buena música.
De los últimos tres discos, ¿cuál era tu favorito?
De los últimos 3… ‘Road to Rouen’ fue un álbum muy personal, gran parte del disco lo hice cuando mi madre murió y cuando estaba muy enferma. No sentía la presión de los viejos tiempos y me enorgullece haber mostrado esa faceta, porque a nosotros nos encantaba Elliott Smith, Neil Young… discos muy bonitos, y se nos asociaba a otra cosa. Neil Young es un buen ejemplo de alguien que podía hacer un disco de puro caos con Crazy Horse y luego podía hacer ‘Harvest Moon’, que es un álbum delicado y muy bonito. Supergrass siempre tuvieron eso.
Teníais también una canción llamada ‘Mama and Papa’ que era una monada. ¿Era favorita de tu familia?
Creo que a mis padres les parecía una canción muy mona, no sé muy bien quién había nacido para entonces. Tengo que pensar mucho para acordarme. ¡No recuerdo nada de la vida antes de mis hijas! De verdad, es como si no hubiera tenido esa vida. No me acuerdo, pero sí que la tuve… ¡durante 27 años!
«A veces mis hijas me buscan Google, lo odio. Les digo: «¡no me busquéis en Google!»»
¿Qué opinan tus hijas de tu trabajo?
A veces me buscan Google, lo odio. Les digo: «¡no me busquéis en Google!» (risas). Han encontrado vídeos como el de ‘Pumping on your Stereo’… Está bien, están al tanto de lo que hice, de la vida diferente que llevé.
Fuiste muy famoso justo antes de la explosión de internet, ¿cómo recuerdas tu primera aproximación a internet como artista? ¿Recuerdas leer algo sobre ti mismo que ni siquiera recordabas?
No me acuerdo del momento exacto de cambio, lo primero que me viene a la mente es un foro con todos los fans, que ahora sería como Twitter, y la gente opinando.
¿Y os ponían bien o eran malos?
No, no, eran hardcore fans y hablaban muy bien. Algunas veces me decía: «voy a entrar a ver qué dicen», pero tampoco mucho, no le prestaba mucha atención. Éramos un grupo muy solvente con un buen sello que nos promocionaba bien y podíamos concentrarnos en hacer el idiota y estar en la banda. Ahora los grupos tienen que estar en las redes todos los días, promocionarse a sí mismos. Creo que es una pena que los grupos tengan que estar encima tan a lo loco, pero bueno, a algunos se les da muy bien promocionarse.
He leído que tocas una canción de Supergrass al final de tus conciertos. Háblame de tu relación con el repertorio de Supergrass a día de hoy.
Solo toco algo cuando actúo yo solo, al final, no siempre lo hago, pero si la audiencia lo pide… Me gusta tocar ‘Moving’ en acústico porque la escribí yo y funciona bien con la guitarra, pero nunca he querido tocarlas y no lo haría con otro grupo. Tendría que ser con Danny y Mick, no quiero hacer una imitación, así que no toco canciones Supergrass. Solo lo hago alguna vez en acústico.
«No toco canciones de Supergrass, salvo algún acústico, porque es ofrecer una versión rebajada del original. No quiero reemplazar a Danny y Mick con otra gente haciendo su trabajo»
Algunos artistas tienen esa postura y cuando tienen 4, 5, 6… discos cambian de opinión.
Estoy abierto a ello. No voy a decir que no lo voy a hacer. Pero lo que más me tira para atrás es la idea de tocar esas canciones con otro grupo. No sé. Creo que es ofrecer una versión rebajada del original, pero tocar algo yo en acústico, sí. Lo acabo de hacer en una radio de aquí, en Madrid. Ha sido divertido. Es solo que no quiero reemplazar a Danny y Mick con otra gente haciendo su trabajo. Se me hace raro.
Tienes que tener una relación muy intensa con ellos para pensar así.
Simplemente me parece lo correcto. No puedo hablar de lo que haré en 5 o 10 años. También es cierto que si hago shows, nadie espera que toque algo de Supergrass, tengo mi propio bis y es increíble, me hace sentir en el lugar correcto, que estoy evolucionando, siguiendo adelante. No me quiero quedar parado y vivir del legado. Quizá cuando sea algo mayor (risas).
Esta noche se ha celebrado la primera semifinal de Eurovisión, en la que han quedado como clasificados para la final del sábado Austria, Estonia, Chipre, Lituania, Israel, República Checa, Bulgaria, Albania (!!!), Finlandia e Irlanda (!!!). Bélgica y Grecia quedan, pues, eliminadas de la final.
Han destacado las actuaciones de República Checa, Bulgaria con su quinteto vocal oscurete, y Chipre, la cual ha desbancado a Israel como favorita de las apuestas horas antes de empezar, y se ha consolidado después de la actuación de Eleni Foureira con ‘Fuego’. Como nos contaba Manu Palmer hace unos días, «ojo, porque Chipre puede dar la sorpresa». Esta parece que puede acaparar todos los votos que no se va a llevar -por ausencia- ‘Lo malo’ y recuerda ciertamente a la Helena Paparizou de 2005 y también a Beyoncé. A la Beyoncé de 2003, hay que matizar. Gracias a Dios, que diría la misma Mrs. Knowles, Beyoncé hoy en día es otra cosa.
Más moderna ha sido la escenografía de Mikolas Josef por República Checa. Pese a haberse lesionado en los ensayos, y tras haberle visto algo hierático durante el inicio de su canción, al final sí ha habido «salto mortal». Lo mejor no es la composición, a medio camino entre Justin Timberlake y Bruno Mars, o la coreografía, con un guiño al «chico con mochila» de ‘Swish Swish’ de Katy Perry, sino el gracioso y colorido montaje de la realización, de lo más moderno que se ha visto esta noche. Porque ciertamente, esta semifinal de Eurovisión ha sido en muchos sentidos un viaje al pasado. ¿Dónde quedó la originalidad y la elegancia de ‘Euphoria’ o ‘Heroes’?
El paso del aburrimiento bielorruso, cuya puesta en escena se basaba en una rosa voladora, a la balada lírica de Estonia, ha estado entre lo más anacrónico imaginable. El final del primero, tan kitsch, seguro que no era un homenaje al giallo de Dario Argento, y el vestido de 65.000 euros de la segunda, luminoso y con efecto centrifugado, esperemos que acabe pronto en el correspondiente contenedor de reciclaje más cercano a su casa de Tallinn.
Tampoco ha convencido Netta desde Israel. ‘Toy’, pegarse se pega, y puede tener más mensaje que la canción del pajarraco irlandés de hace unos años, Dustin the Turkey, pero a ratos suena igual de desesperada, y desde luego es mucho menos moderna de lo que parece en los primeros instantes.
Entre las canciones disfrutables, ha decepcionado la sosilla presentación de Bélgica, que de hecho la ha llevado a ser eliminada. Eso sí, Tony Aguilar nos ha dado una alegría recordando la co-autoría de un Hooverphonic, aunque no recuerdo haber oído al grupo en su momento en 40 Principales, ni mucho menos a día de hoy. Y sobre todo está desperdiciada la medio radiable canción de Finlandia, con un set rococó-rococó, que dirían Arcade Fire, que hasta da vueltas sobre una suerte de diana. Alguien en Escandinavia no ha oído hablar de minimalismo o de Loreen, siquiera. Pese a todo, una alegría poder volver a ver a Saara Aalto el sábado, visto el nivel.
A Loreen ha recordado y mucho -demasiado, pues la han eliminado- Azerbaiyán con su buena canción pop, y también han estado entretenidas la actuación en varias alturas de Austria, pese a que la canción no desarrolla esa vena James Blake que promete al principio; y Macedonia, cuya canción pop reggae no estaba mal, aunque su falta de norte quizá la ha dejado fuera. La anécdota de la noche la ha dejado Tony Aguilar, preguntando si había premio a los peores vestidos inmediatamente después de su show.
El resto ha sido bastante despropósito, como ese innecesario tirar el micrófono y esa balada demasiado forzada de Islandia, lo viejuno de Grecia (una alegría su eliminación), el nada que decir de la épica albana (un misterio su paso), el descarado plagio de Alicia Keys de Croacia, ese cantante armenio que deseas ver devorado por el humo blanco pero nada, la bengala suiza o el paseo gay de Irlanda, que no obstante, ha calado. Ojo, por cierto, a la clasificada Lituania: su balada es bonita, Ieva Zasimauskaitė realiza una toma vocal muy frágil, hace un gorgorito un tanto O’Riordan también, y al final se abraza al marido, al que dedica el tema. Puede hacer bastante pupa a Almaia, cuyo vídeo con el montaje final subido a Youtube procedente de un ensayo promete una ausencia absoluta de montaje o ideas escénicas. Se vieron mejores puestas en escena en las galas semanales de Operación Triunfo…
El próximo 26 de mayo se celebra la final de la Champions, que disputarán el Real Madrid, tras la ajustadísima vuelta de la semifinal en el Bernabéu, y el Liverpool. El evento tendrá lugar en Kiev, Ucrania, y hasta allí tendrá tiempo de desplazarse Dua Lipa para actuar en la ceremonia de apertura, ante la atenta mirada de millones de espectadores. Si alguien quiere hacerse una idea de cuánto se parece este evento a la Super Bowl, dura más o menos la mitad de tiempo. En 2017 actuaban Black Eyed Peas con un medley culminado por ‘I Gotta Feeling’ que incluyó fragmentos de 6 canciones y casi idéntica cantidad de minutos.
A falta de comprobar si Dua Lipa puede ajustar sus 3 mayores hits, ‘New Rules’, ‘IDGAF’ y el actual junto a Calvin Harris ‘One Kiss‘, a estos tiempos, la cantante ha mandado un mensaje de agradecimiento: «Estoy realmente emocionada de tener la oportunidad de hacer algo diferente, algo original y creativo, algo que supongo que no tengo la oportunidad de hacer en mis propios conciertos».
Continúa diciendo: «es un show bastante grande, es un escenario más grande, así que creo que va a ser divertido. Quiero que sea una sorpresa pero quiero conseguir que la mayor cantidad posible de seguidores del fútbol baile. También habrá mucho de «girl power» así que será una mezcla». Os recordamos que entre esos conciertos propios estará el que dentro de un par de meses realizará en el Mad Cool de Madrid, donde actuará gente como Pearl Jam, Depeche Mode o Post Malone.
En el exitosísimo disco de 2016 de Fuel Fandango, ‘Aurora‘, que fue top 2 de ventas en España, había una canción con la voz invitada de Niño de Elche que se llamaba ‘El todo y la nada’. El dúo granadino Mordisco, conocido por el club del mismo nombre que se ha desarrollado en la ciudad durante 7 años colgando a menudo el cartel de «sold out», o también por sus remezclas para gente como Belako, se animaba el año pasado a remezclar esta canción prescindiendo de su letra, incorporándola a sus sesiones en vivo.
Como resultado, la que era exactamente la canción menos escuchada en Spotify de todo el disco de Fuel Fandango pese a no ser la última de la secuencia, se transforma en un hitazo digno de ser pinchado en todas las pistas de baile. Precisamente al haber prescindido de la letra, su línea melódica se acentúa y sobre todo las voces de Nita y Niño de Elche adquieren un componente más extático. Nadie mejor que Mordisco para explicarlo, como vemos a continuación.
El dúo indica en sus redes sobre este remix: «Hace prácticamente un año hicimos una versión muy personal del tema «El Todo y la Nada» de Fuel Fandango. La remezcla ha formado parte de nuestros sets de este último año y ahora nos apetece compartirla. Para el tema original Fuel Fandango contó con la colaboración de El Niño de Elche, lo que unido a las voces de Nita, otorgan al tema un carácter especial. Nosotros usamos las vocales tanto de Nita como de El Niño de Elche como base sobre la que hacer nuestra revisión del tema. Sin embargo, usamos sólo aquellas voces que nos permitían acercarnos a ellas como un instrumento más, evitando la aparición de alguna frase o palabra concreta en la remezcla, para que los quejidos de El Nicho de Elche y Nita hablaran por sí mismos. Lo pasamos en grande haciendo el remix, y nos hemos divertido muchísimo pinchándolo durante este último año. Ahora el tema es vuestro. ¡Ojalá os guste!». Podéis descargar el tema gratis en Soundcloud.
Después de aparecer en la comentadísima gala de los MET, Shawn Mendes ha anunciado esta tarde las fechas de su gira mundial, y hay gordo para España. El cantante canadiense actuará el martes 26 de marzo de 2019 en el Palau Sant Jordi de Barcelona, por lo que esperamos que los más jóvenes no tengáis examen al día siguiente. Las entradas salen a la venta el 18 de mayo a las 10 horas.
Al margen de esta fecha, Mendes ha confirmado otras en Reino Unido, Suiza, Portugal, Austria, Polonia, Irlanda, Francia, Suecia, Noruega, Italia o Alemania, además de en América del Norte. Puedes consultar todas las citas y sus pósters molones en el Twitter oficial de Shawn Access.
Mendes es sin duda uno de los cantantes del momento gracias al éxito de canciones como ‘Stitches’, ‘Treat You Better’, ‘There’s Nothing Holdin’ Me Back’ o ‘Mercy’, además de ‘In My Blood’, que suman cientos y cientos de millones de escuchas en las plataformas de streaming.
Playback Maracas son Eloi Martínez y Álex Pérez, ambos de Mataró. El primero toca la batería, percusiones y vocoder y el segundo manipula samplers, sintetizadores y una guitarra-bajo de doble mastil “marca de la casa”, como relata la nota de prensa, en la “máquina espacio-musical” que los une.
El dúo busca hacerse notar por su directo, en el que aúnan sonido y luces, y hoy estrena, a través de JENESAISPOP, el primero de una serie de vídeos que publicará hasta terminar el año y en los que Eloi y Álex aparecen interpretando sus temas junto a la Electronic Moon Orquestra (las cuerdas son sutiles pero hirientes), en La Factoria d’Arts de Banyoles. El primero de ellos es ‘Cabesa’, un potente tema que integra un sample de ‘El gran dictador’ de Charles Chaplin y presenta ecos a Daft Punk, Giorgio Moroder y The Suicide of Western Culture.
Os dejamos con la agenda de conciertos de Playback Maracas, en los que el dúo “enrolará a su público en un viaje por sonidos hipnóticos, voces distorsionadas, cadencias electropicales, coletazos disco y momentos post-rock”. Una muestra de su magnético directo, en el vídeo de ‘Cabesa’.
12 de mayo | Vermut Solidario (Barcelona)
1 de junio | Primavera Sound (Barcelona)
28 de junio | Vida Festival (Vilanova i la Geltrú)
7 de julio | Festival d’Arts al Carrer (Torelló)
Maurane, una de las cantantes más conocidas de Bélgica, ha sido hallada muerta este lunes en su apartamento de Schaerbreek, confirman medios belgas y recoge El País. La artista, cuyo nombre real era Claudine Luypaerts, tenía 57 años. La causa de su muerte no ha trascendido por el momento, si bien la justicia de Bruselas ha descartado que una tercera persona haya podido estar involucrada en el deceso.
El fallecimiento de Maurane es especialmente chocante porque la cantante acababa de regresar a los escenarios tras una pausa de dos años, durante los cuales descansó debido a problemas en las cuerdas vocales. Hace dos días, de hecho, actuó en Bélgica en un concierto homenaje a Jacques Brel y no hace tanto desveló en las redes sociales que se encontraba ultimando un nuevo álbum junto al arreglista Pierre Bertrand, cuyo primer avence debía salir este verano (decía disponer de 14 maquetas), y también planeando una gira para marzo de 2019.
Maurane era muy conocida en Bélgica y Francia por éxitos como ‘Tu es mon autre’ con Lara Fabian, ‘Sur un prélude de Bach’, ‘Trop forte’, ‘A l’altru mondu’ o ‘Si aujurd’hui’, y llegó a grabar más de una decena de discos entre 1986 y 2014. También apareció en ‘Nouvelle Star’, un programa de talentos de la televisión belga.
Tras estrenar la ruidista ‘Only Acting’, los británicos Kero Kero Bonito planean el lanzamiento de un nuevo disco para este año con el que consolidar su extraño cambio de sonido (recordemos que vienen de hacer pop electrónico en la onda de PC Music). No se sabe si ‘Only Acting’ formará parte de este proyecto o quedará fuera, pero lo que sí se conoce ahora es el título de este nuevo álbum, ‘Time ‘n Place’, que sale “pronto”, y su primer single oficial, ‘Time Today’, que ya puede escucharse.
En onda con su evocador sonido new wave, ‘Time Today’ relata una entrañable historia sobre mantener la alegría en el día a día, aunque a veces la oscuridad le haga sombra a la luz. Y lo hace en una letra que simplemente celebra el hecho de despertarse por las mañanas, de que el “alba siga saludando en mis ventanas”, en frases como “tengo esperanzas y sueños y planes esperando a ser realizados, así que quítate de mi camino, porque tengo algo que hacer” o “tengo tanto que contar, tengo libros y cintas y lienzos pesándome en la espalda” que no por sencillas son menos emotivas. Una canción bonita donde las haya que se presenta con nuevo vídeo lo-fi, como el anterior.
Janet Jackson sigue de gira por Estados Unidos presentando su político ‘State of the World Tour’, pero el 20 de mayo hará una pausa en su agenda para asistir a los cacareados premios Billboard y recoger el premio Icon en reconocimiento a toda su trayectoria. La artista será este año la homenajeada en la gala y además ofrecerá una esperada actuación en directo, la cual será, a su vez, su primera actuación en televisión en 9 años (la última fue en los American Music Awards de 2009).
Los otros artistas que han recibido el Icon Award de Billboard han sido Neil Diamond, Stevie Wonder, Prince, Jennifer Lopez, Celine Dion y Cher. Junto a Janet, están confirmadas en la gala las actuaciones de Christina Aguilera con Demi Lovato, Ariana Grande, BTS, Camila Cabello, Dua Lipa, John Legend y Shawn Mendes, entre otros. Presentará Kelly Clarkson y Kendrick Lamar, Justin Bieber o Cardi B son algunos de los artistas nominados.
“Aznar” se presenta a sí mismo como “ex presidente del Gobierno, ex presidente de honor del Partido Popular, ex presidente de FAES, componente del trío de las Azores, salvador de España e Iraq y, sobre todo, icono sexual”. Al icono sexual vemos machacándose en el gimnasio al principio del vídeo, durante el cual “Aznar” se agradece a sí mismo todo lo que ha aprendido en política, llorando y finalmente dándose un morreo a sí mismo en el espejo.
Después, en un columpio infantil, el “potro de la Moncloa” habla de Mariano Rajoy no con demasiado afecto, tras lo cual volvemos al gimnasio para atender a “Aznar” boxeando contra el “secenionismo, el populismo, la crisis económica, la corrupción” y contra los “invertidos” y las “feminazis”. Hay, por supuesto, mención a los pobres pensionistas “sin espíritu emprendedor” y a las armas de destrucción masiva, que “Aznar” busca en un parque y finalmente encuentra en su paquete. ¡Icono sexual!
Empieza la cuenta atrás para Tomavistas 2018, que se celebra los días 25 y 26 de mayo en Parque Enrique Tierno Galván de Madrid y contará con las actuciones de Ride, La Casa Azul, Superchunk, Django Django, Tulsa, The Jesus and Mary Chain, Roosevelt, Los Planetas o Princess Nokia, entre muchos otros. Y tras revelar su cartel por días, Tomavistas, para el que, por cierto, solo quedan 200 abonos a la venta, como avisa el festival en sus redes sociales, comparte los horarios y la programación de DJs.
El Parque Enrique Tierno Galván abrirá sus puertas el viernes 25 a las 16:30, y el Escenario Tomavistas será el encargado de inaugurar la tarde de la mano de The Zephyr Bones, a las 16:55h. Por las mismas tablas pasarán también La Plata (17:55), Disco Las Palmeras! (18:55), Iseo & Dodosound with The Mousehunters (20:25), Belako (21:45), Javiera Mena (23:30) y Novedades Carminha (01:10h). Sobre el escenario principal Four Roses los primeros protagonistas serán los argentinos Él Mató a un Policía Motorizado (19:35h). Les tomará el relevo Superchunk (21:00h), Ride (22:30h) y Django Django (00:15). La Casa Azul pondrán el cierre a este primer día de Tomavistas, a partir de las 02:00h.
El sábado 26 adelanta su apertura a las 12:00h. Los primeros en actuar en el Escenario Tomavistas serán Texxcoco (12:40h), seguidos por Chöe’s Clue (13:30h), La Bien Querida (14:30h), Tulsa (15:40), Kokoshca (16:45), Melange (19:15), Perro (21:10), Pony Bravo (23:05) y Princess Nokia (01:00h). Altin Gün se presentarán en Escenario Four Roses, a partir de las 17:20h. Le seguirán Chad Vangaalen (18:30), The Jesus and Mary Chain (22:00h) y Los Planetas (23:55). El pop electrónico del alemán Roosevelt (02:00) pondrá el broche de oro a esta enésima edición de Tomavistas.
Como novedad este año, el festival madrileño ha incorporado el escenario #NowIsBourbonDj, por el que pasarán las sesiones de bandas y artistas como Was DJ Set, Amatria DJ Set, Laura Put DJ, Trajano DJ Set y Blutaski DJ el viernes 25, y Abraham Boba DJ Set, Eva A. & Xabi DJ Set, Ochoymedio DJ, Las Odio DJ Set y Say Yes DJ el sábado 26.
Hoy arranca el Festival de Eurovisión con la primera semifinal, que se celebrará como siempre a las 21.00 horas retransmitida por La 2. Entre sus participantes está la comentadísima cantante de Israel, Netta, que paseará el Orgullo millennial y el mensaje feminista de ‘Toy’ por el escenario de Lisboa. Netta actúa hoy martes en 7º lugar. Netta ha sido la gran favorita en las apuestas desde que se presentó, pero ojo, desde que comenzaron los ensayos, no ha entusiasmado, su ventaja se ha visto mermada, incluso pasando hoy a la 2ª plaza, y hay quien cree que puede terminar en la final del sábado más o menos donde lo hizo el favorito del año pasado, el italiano Francesco Gabbani, a la postre 6º tras haber arrasado en las casas de apuestas.
Los 5 que se clasificarán seguro
En cualquier caso sería un verdadero milagro que Israel no se clasificara, porque el nivel no va a ser muy alto este año. También se da por asegurada la clasificación de República Checa, que actúa en 5º lugar. Mikolas Josef, que presenta una canción popera bastante actual, ‘Lie to Me’, tuvo un accidente durante el primer ensayo en el que se lesionó la espalda, pero finalmente podrá actuar. Cerrará la gala de hoy Chipre, que en los últimos instantes ha adelantado a Israel en las apuestas. Eleni Foureira, «la Beyoncé del Mediterráneo», podría convertirse en la nueva Helena Paparizou gracias a ‘Fuego’.
La lista de los clasificados seguros de esta semifinal la cerramos con dos países que actúan seguidos. La balada de corte lírico en italiano de Estonia sonará en 9ª posición y Bulgaria con su medio tiempo pop-rock ‘Bones’, de mano de Equinox, lo hará inmediatamente después.
Favoritos en la cuerda floja
Hasta aquí los países que aparecen en el top 10 de las casas de apuestas finales para ganar el certamen, si bien también suele clasificarse Grecia, que acude con un tema folk y actúa en una favorecedora segunda mitad (Yianna Terzi sale 14ª).
Sin embargo, no podemos dejar de destacar que Azerbaiyán abrirá la semifinal con un tema muy pop; la canción de Bélgica co-escrita por un Hooverphonic que ha gustado en redacción y en nuestros foros (Sennek sale en un poco favorecedor 4º lugar); la bonita balada a piano de Lituania (6ª); el correcto medio tiempo romántico y algo oscuro de Bielorrusia (8ª); Austria con un tema R&B que arranca en plan el James Blake más clásico y que también ha gustado bastante en nuestros foros (sale 13º) y Finlandia con la EDM ‘Monsters’ en 15º lugar.
Previsibles perdedores de la primera semifinal
Parece que sin posibilidades acuden el muermo de Islandia (2ª), el medio tiempo épico de Albania (3ª), la divertidilla canción de Macedonia (11ª) también reivindicada en los foros, la balada mitad James Bond mitad Alicia Keys de Croacia (12ª), el etno-jevi de Armenia (16ª), una suerte de Geri Halliwell desde Suiza (17ª) y el irlandés Ryan O’Shaughnessy, cuyo vídeo protagoniza una pareja gay (18º).
Os dejamos con una de las playlists de la primera semifinal de Eurovisión en orden de actuación que los usuarios han creado en Spotify.
This is Hardcore completa su cartel con una programación especial de sellos y colectivos nacionales cada una de sus noches en la sala Rex Room. El jueves 14 Analogical Force y Polybius Trax se unen para traer el directo de Mantra, Pervert y Groof. El viernes 15 será el turno de Modern Obscure Music, con su capo Pedro Vian, Da Silva y Nyem. Y el sábado 16 habrá un Trill con el colectivo Sweat Taste, con NEV-Liturgy, Mark Luva, Cnidaria, Oaht e invitados especiales.
Los residentes de This is Hardcore, Latzaro y DJohnston, también se incorporan a la programación de este This is Hardcore, cerrando el cartel de artistas en el que ya estaban presentes Vitalic, Daniel Avery, Roman Flügel, Ben Sims o Khidja, entre otros.
Tras agotarse los pases “early bird” de 12 euros, el segundo tramo de entradas está disponible a 15 euros + gastos en la web de Razzmatazz.
Así queda el line up:
Jueves 14
Razzclub:
VITALIC live · JENNIFER CARDINI · THYLACINE live · LA MVERTE · DJOHNSTON
The Loft – BuggedOut!:
DANIEL AVERY b2b COURTESY · ROMAN FLÜGEL · RANDOMER · LATZARO
Lolita – Sounds Familiar:
SADAR BAHAR · LEE COLLINS · DEGO · VOLCOV · DJ DEEP · GE-OLOGY
Rex Room – Analogical Force x Polybius Trax:
PERVERT · MANTRA live · GROOF
Post Malone está arrasando con su nuevo disco, ‘bentleys & beerbongs‘, como era de esperar, y tras amasar 400 millones de streamings del álbum en su primera semana, superando el récord de Drake, y registrar entorno a 450.000 unidades entre ventas físicas y streaming, las cifras del disco se sitúan ahora mismo entorno a las 603.000 copias, según Mediatraffic.
Gracias sobre todo al streaming, las 18 pistas de ‘bentleys & beerbongs’ estarán presentes en la lista de Billboard Hot 100 que se publica el próximo 12 de mayo, y el medio estadounidense va adelantando un titular que sin duda sorprenderá a fans de la música en todo el mundo. Hasta 9 canciones del álbum aparecen simultáneamente en el top 20 de la tabla, lo que significa que Post Malone supera el récord anterior de J Cole (de la semana pasada) y los Beatles. Ambos llegaron a colocar 6 temas.
Malone supera también el récord de Cardi B, Drake y Kendrick Lamar de más canciones en el top 40 del Billbaord Hot 100, un total de 14 frente a los 9 por los tres artistas mencionados. Parece que tenemos nuevo rey del pop y, desde luego, no se parece nada a lo que habíamos imaginado.
No. 2, «Psycho,» feat. Ty Dolla $ign (up from No. 5)
No. 7, «Better Now»
No. 8, «Rockstar,» feat. 21 Savage (up from No. 32)
No. 11, «Paranoid»
No. 14, «Rich & Sad»
No. 15, «Spoil My Night,» feat. Swae Lee
No. 16, «Ball for Me,» feat. Nicki Minaj
No. 17, «Stay»
No. 20, «Same Bitches,» feat. G-Eazy & YG
No. 23, «Zack and Codeine»
No. 24, «Over Now»
No. 29, «Takin’ Shots»
No. 34, «Candy Paint» (re-entry/new peak)
No. 40, «92 Explorer»
No. 46, «Otherside»
No. 47, «Blame It on Me»
No. 57, «Sugar Wraith»
No. 73, «Jonestown (Interlude)»
Netflix España producirá la próxima película de Isabel Coixet, que narrará la historia de Elisa y Marcela, dos mujeres maestras que se casaron en La Coruña, una de ellas vestida de hombre, a principios del siglo XX, constituyendo técnicamente el primer matrimonio homosexual registrado en España (Coixet asegura que fue en 1910, en Wikipedia, tanto en la versión española como en la anglosajona, se indica otra fecha, 1901).
‘Elisa y Marcela’ será la tercera película de producción nacional de Netflix España tras ‘7 años‘ y ‘Fe de etarras‘. Se prevé su estreno en 2019. Rodada entre Cataluña y Galicia, ‘Elisa y Marcela’ contará en su reparto, entre otros, con Natalia de Molina, Greta Fernández, Sara Casasnovas, María Pujalte, Francesc Orella, Manolo Solo y Lluís Homar.
En un vídeo promocional para Netflix publicado este martes, Coixet explica que “hacer lo que Elisa y Marcela hicieron en ese momento, en un ambiente tan hostil para el amor de dos mujeres, fue realmente heroico”. “Si la película es la mitad de fascinante como yo me la imagino en mi cabeza, será una gran película”, añade.
Tras casarse, Elisa y Marcela, el engaño de las dos maestras fue descubierto por el párroco, aunque su matrimonio jamás fue anulado -siempre según la Wikipedia anglosajona- y se piensa que ambas huyeron posteriormente a Argentina, tras lo cual nada más se supo.
Tidal, la plataforma de streaming de Jay-Z que cuenta con socios como Beyoncé, Madonna, Nicki Minaj, Daft Punk o Rihanna, ha sido acusada de inflar, por los cientos de millones, los streamings reales de ‘The Life of Pablo’ de Kanye West y ‘Lemonade’ de Beyoncé, y por tanto de pagar royalties inflados a sus discográficas “a costa de otros artistas”. Music Business Worldwide publica un detallado informe sobre las investigaciones que el medio noruego Dagens Næringsliv ha realizado a lo largo del último año junto a Midia, una reputada empresa dedicada a la investigación en la industria de la música, para demostrar que las espectaculares cifras en streaming publicadas por Tidal en relación a ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ son falsas.
Christina Aguilera había confirmado que emprendería una gira en presentación de 
Ronnie Spector visitará por primera vez España este verano junto a nueva formación de las Ronettes para presentar los temas de la histórica formación fememina. Y, posiblemente, también para recordar los varios en temas en solitario que ha publicado durante su carrera al margen de las Ronettes, como ‘Say Goodbye to Hollywood’.
Con el cartel de “entradas agotadas” desde hace más de tres meses, Arenal Sound anuncia nuevos artistas para su novena edición, que tendrá lugar del 31 de julio al 5 de agosto en la playa de Burriana. Llama la atención, en esta nueva tanda de incorporaciones, la presencia de Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017 y próximo representante de España en Eurovisión junto a la ganadora de la edición, Amaia Romero. García es cantautor, colega de PAVVLA y ha actuado con Love of Lesbian (de hecho, podría 
A solo dos meses de que se celebre una nueva edición del FIB, el festival de Benicàssim suma 27 nombres a su cartel, entre los que destacan las incorporaciones de The Horrors, que presentarán su 
Este 4 de mayo ha salido a la venta ‘Good Thing’, el nuevo álbum de Leon Bridges, que reseñaremos próximamente. Los dos singles principales del disco, ‘
El grupo británico Jungle lleva varios años presentando por todo el globo su 
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Jon Hopkins se ha hecho un nombre en muchos sentidos, no solo en el mundo de la electrónica, durante los últimos años: ‘
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