Dos años después de asombrar al mundo con su anuncio para Calvin Klein, FKA twigs, autora del gran ‘LP1’, sigue sin publicar nueva música, pero por lo menos continúa protagonizado anuncios, y ella es la estrella del nuevo spot publicitario de Apple dirigido por Spike Jonze para su nuevo altavoz inteligente, HomePod.
El anuncio presenta a una ejecutiva FKA twigs que, agotada tras un arduo día de trabajo, regresa a su apartamento, se pone una copa y le pide a Siri que reproduzca “alguna canción que me guste”. Casualmente, HomePod selecciona un tema nuevo de Anderson .Paak, ‘Til It’s Over’, y la calidad de sonido es tan buena que FKA twigs empieza a flipar en colores literalmente, bailando por toda la casa y convirtiéndola a cada paso y golpe de cadera en un paisaje surrealista, alegre y colorido.
Apple vende HomePod como “el nuevo sonido del hogar”, y aunque aún está por ver si este producto se convertirá en básico de los hogares de todo el mundo en los próximos años, los bailes de FKA twigs, el color de Spike Jonze y el ritmo de Anderson .Paak casi pueden llegar a convencernos a desembolsar los aproximadamente 400 euros que vale el juguete.
El debate sobre si el rock aún sigue siendo importante frente a la creciente escena del urban pop está vivo y no hay unanimidad ni un criterio claro al respecto. Pero lo cierto es que siguen surgiendo bandas muy jóvenes de guitarras y actitud punk-rock que intentan imponer su personalidad y buscar su espacio en la industria y, a menudo, lo consiguen. O sea, el fuego sigue vivo y no se agotan ni el combustible ni quién quiera calentarse. Uno de los grupos recientes que ejemplifican esa nueva savia rock son Dream Wife.
El trío afincado en Reino Unido (aunque no todas sus miembros son británicas –Alice y Bella lo son mientras que Rakel, su guitarrista y cantante, es de Reikiavik, como deja entrever su broken english–) se mostró desde el principio como una suerte de nuevo eslabón del rock con marcado carácter femenino, alternando el glam y el descaro de Blondie con la actitud contestataria de Bikini Kill, pasando por el pop saltarín de Elastica.
Su álbum de debut se nutre en buena parte de prácticamente todas sus primeras canciones –aunque regrabadas, con un considerablemente mayor empaque–, como la Strokes-esca ‘Kids’, la nerviosa ‘Hey Heartbreaker’, la asalvajada ‘F.U.U.’ –“Fuck U Up”– o la enorme ‘Somebody’, por lo que aquellas impresiones persisten. Con eso, evidentemente, tienen mucho ganado, pero no sería suficiente para armar un álbum notable que sostenga su propuesta. Y ahí están trallazos como la irresistible ‘Let’s Make Out’, ‘Fire’, ‘Taste’ o ‘Spend The Night’ para levantar en volandas y hacer ver que no estábamos equivocados con ellas.
Pese a puntuales bajones –‘Love Without Reason’ y ‘Right Now’ no gozan del magnetismo del resto del álbum–, ‘Dream Wife’ es un muy buen debut que, además, no solo se basa en lo estrictamente musical: su discurso lírico, en el que se muestran comprometidas con el feminismo –en ese sentido, la letra de ‘Somebody’ (“I am not my body, I am just somebody”) no podía aunar más claridad y potencia– pero no renuncian a la sexualidad (‘Taste’ se iba a llamar “mamada”, según ellas mismas), tomando la iniciativa (‘Let’s Make Out’) aunque pueda doler (‘Hey Heartbreaker’). Una actitud y un mensaje saludable que ejemplifica una manera de pensar cada vez más extendida, felizmente, en los más jóvenes. En ese sentido, ‘Dream Wife’ es ejemplar en su equilibrio de diversión y conciencia.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Let’s Make Out’, ‘Somebody’, ‘Hey Heartbreaker’, ‘Spend The Night’ Te gustará si te gustan: Blondie, Elastica, Bikini Kill. Escúchalo: Spotify
‘Hell-On’ viene presentado, además, por un espectacular –aunque no podemos decir que sea especialmente bonita– portadón, en la que Neko ahueca su larga melena rojiza para dejar salir un incendio. La diadema de pitillos que luce nos ha hecho pensar en las gafas-cigar que lucía Lady Gaga en el vídeo de ‘Telephone’, inevitablemente. ¿No tiene en la imagen, además, un notable parecido con Céline Dion?
Case también ha compartido el tracklist del disco y, además, el tema titular: una especie de nana de arreglos ricos pero delicados, cuya letra no habla de un infierno metafórico sino bíblico, puesto que comienza diciendo “Dios no es un contrato o un tipo”. ¿Estamos ante un disco espiritual?
Tracklist de ‘Hell-On’:
01 “Hell-On”
02 “Last Lion Of Albion”
03 “Halls Of Sarah”
04 “Bad Luck”
05 “Curse Of The I-5 Corridor”
06 “Gumball Blue”
07 “Dirty Diamond”
08 “Oracle Of The Maritimes”
09 “Winnie”
10 “Sleep All Summer”
11 “My Uncle’s Navy”
12 “Pitch Or Honey”
Como cada tarde de martes de las últimas semanas, hoy tendrá lugar una nueva semifinal del certamen de bandas noveles que viene organizando cada año la Sala Apolo, con el nombre de Bala Perduda. Desde las 18:30 horas y por un precio de 4€ con consumición, actúan en directo tres nuevos nombres en la que será ya la última semifinal de este curso, previa a la final que se celebrará el día 23 de marzo. Recordamos que el ganador del concurso obtiene como premio la inclusión en el cartel de Primavera Sound 2018 y la grabación de un disco en un estudio profesional.
En esta ocasión se miden tres nuevos nombres, aunque un par de ellos no te resultarán desconocidos si sigues con frecuencia nuestra web. Porque ya hemos venido apostando por North State como uno de los nombres más prometedores de la escena del pop electrónico estatal. El dúo formado por los hermanos Pau y Laia Vehí viene mostrando su particular visión del future bass con un filtro más mediterráneo y cálido, sin perder la melodía vocal y el formato canción tradicional de vista. Canciones como ‘I Know You‘ o ‘Can’t Forget You‘ son una inmejorable carta de presentación, que deberán refrendar con su directo –aunque por lo que hemos visto, su propuesta está madura en ese sentido–.
Por otra parte, estará Demmy Sober, otra artista a la que ya dedicamos un artículo de nuestra sección Revelación o Timo. Esta belga-estadounidense afincada en Barcelona, que primero militó en el grupo Sanjays, lleva ya algunos años madurando una propuesta que, con un carácter bastante pop, también se mueve con soltura en los márgenes del R&B contemporáneo y el soul. Tras colaborar en algunos singles con la excelente productora AWWZ, en los últimos meses ha publicado dos singles –’Nadie (Like Home)’ y ‘Ella no‘– que se aproximan a las últimas tendencias urban y adoptan el castellano como lengua primordial.
Finalmente, los terceros en discordia en esta semifinal serán Lookmomnohands, un dúo guitarra/batería que apuesta por el ímpetu de un blues rock vitalista que, de manera abierta, muestra rasgos de punk, britpop y soul. Tras un par de EPs publicados –el último de ellos, ‘welldoneboys’, en 2017–, hace escasos días han presentado en Soundcloud un ¿álbum? titulado ‘Well Spent Youth’, con 10 nuevas canciones en las que muestran un perfil aún más ecléctico y rico en recursos.
“Ed me caía bien. Era simpático, abierto, sensible y tenía sentido del humor”. Así describe el ex agente del FBI John Douglas a Edmund Kemper, un asesino en serie que empezó matando a sus abuelos con quince años, y acabó decapitando, violando y comiéndose a su madre –en ese orden- nueve años después. Entre medias asesinó, violó y desmembró a seis adolescentes. Como colofón, invitó a cenar a la mejor amiga de su madre y la decapitó. Luego se entregó y sugirió cuál debía ser su castigo: “Morir torturado”. A pesar de ese historial, a Douglas le caía bien. Y ese sentimiento le inspiró una de las reflexiones más inquietante de ‘Mindhunter’: muchos de los más depravados asesinos psicópatas son tipos encantadores.
Douglas sabe muy bien de lo que habla. Al igual que en la fabulosa serie de David Fincher y Joe Penhall (ignorada, por cierto, en todos los premios importantes menos en los Satellite), la parte más jugosa de su libro (editado por Crítica) son las entrevistas con asesinos convictos que el autor realizó a lo largo de su extensa carrera. Y algunos, es verdad, parecen bastante simpáticos. Por las páginas del libro desfilan celebridades de la crónica negra como Jerry Brudos, un asesino obsesionado por los pies femeninos; Richard Speck, quien violó y mató a seis enfermeras de una tacada; David Berkowitz, el célebre «Hijo de Sam»; o el recientemente fallecido Charles Manson. También aparece mencionado Dennis Rader, el famoso “BTK” (“Bind, Torture and Kill”), que aún no había sido atrapado cuando se publicó el libro en Estados Unidos en 1995 y que algunos ya habrán adivinado quién es en la serie.
Pero ‘Mindhunter’ es mucho más que una rueda de reconocimiento de asesinos más o menos famosos y locuaces. También es un interesante libro de memorias y un revelador manual de psicología criminal. Douglas cuenta que cuando ingresó en el FBI en 1970 la psicología criminal era algo más propio de las novelas de Sherlock Holmes o Edgar Allan Poe que del trabajo de un agente federal. “Muchos lo consideraban brujería o magia negra”, explica el autor, “y algunos pensaban que era un engaño». Al joven agente le costó convencer a sus superiores de la utilidad de sus novedosos métodos de trabajo. Pero cuando lo consiguió, revolucionó el estudio de la psicología criminal.
‘Mindhunter’ comienza donde termina la primera temporada de la serie (ya se está rodando la segunda). Douglas sufrió un derrame cerebral en 1983 como consecuencia del exceso de trabajo. Y en ese momento empieza su narración. Como si fuera un flashback de una película de cine negro (como Fred MacMurray en ‘Perdición’), el autor rememora su vida y su carrera profesional cuando ve cerca su final. Narra cómo entró en la agencia, su experiencia en negociación de rehenes y cómo pasó de elaborar precarios perfiles psicológicos en un solitario sótano de la academia del FBI, a viajar por todo el país formando a policías, ayudando a resolver crímenes especialmente complicados y asesorando a novelistas como Thomas Harris para escribir sus novelas sobre Hannibal Lecter. Si te gustó la serie, no te lo puedes perder. 8. Disponible en Amazon.
Como ya sabíamos desde hace unos días, Sade planeaba hacer un regreso –en principio, solo ocasional– al mundo de la música. Se trata de una canción inédita que ha prestado a la banda sonora de la nueva película de Disney de acción real, ‘Un pliegue en el tiempo’ (‘A Wrinkle In Time’), que se estrena en cines de todo el mundo esta semana. La directora del filme, Ava Duvernay, pidió expresamente a la artista británica quería colaborar en la música de la película y, para su sorpresa, dijo que sí.
Hoy al fin podemos escuchar esa canción, que se titula ‘Flower of the Universe’, por cortesía del productor de la canción, que no es el equipo habitual de Sade Adu en el grupo sino el productor No I.D., miembro del grupo Cocaine 80s que ha trabajado con Common, Kanye West o Jay-Z. El músico ha subido a su perfil de Twitter la canción –por el momento, no está en plataformas de streaming–, que es una delicada balada soul que equilibra toques de producción contemporánea con sonidos acústicos. Por supuesto, la voz de Adu brilla.
Como decíamos, parece que este regreso no implica un auténtico comeback del grupo británico, aunque tampoco sería descabellado pensar que suceda, puesto que, como ya comentamos en nuestro repaso a la carrera de Sade en 6 canciones, desde finales de los 80 sus discos se espacian durante años e incluso lustros. Su último disco de estudio fue ‘Soldier of Love‘, de 2010.
Beyoncé actúa el mes que viene en Coachella, donde el año pasado hubo de cancelar debido a su avanzado estado de gestación, pero se desconocían más planes por su parte al menos hasta hoy. A falta de averiguar si publica canción nueva antes o durante el festival como hacía en 2017 su sustituta Lady Gaga, de momento se ha medio confirmado que este año habrá gira conjunta con su esposo, Jay Z. Un tour sobre el que se lleva hablando años, puede que en compañía de disco conjunto… o no.
Se han publicado una serie de fechas del tour ‘On the Run 2’ que incluían una visita a Reino Unido en junio y a Estados Unidos en julio, pero las fechas de esta gira han desaparecido de Facebook en cuestión de miutos, probablemente porque aún no estaría todo bien atado para el anuncio.
En cualquier caso, sus seguidores tienen que estar muy atentos a las redes, pues las fechas que se barajaban para vender esas entradas no podrían ser más inminentes. Según han avistado los foreros de Popjustice, saldrían las entradas a la venta general el lunes 12 de marzo, pero habría una preventa en Tidal este mismo martes 6 de marzo, que suponemos que se va a posponer, y otra en Live Nation este mismo 9 de marzo. Seguiremos informando.
Elefant ha fichado a un dúo de Philadelphia llamado Rush Week, bastante diferente a los grupos más emblemáticos del catálogo del sello madrileño (Le Mans, La Casa Azul, La Bien Querida, Camera Obscura). En este caso, Rachel K. Haines y el productor James Benjamin Thomas se dedican más bien al pop a secas (nu-disco, italo, algo de primigenio R&B), aunque el álbum que editan a principios de abril es a su vez muy variado y no siempre parecido al single que acaban de dar a conocer.
Este single, que también abre el largo, es ‘Feelings’ y se presenta con un espectacular videoclip que ha dirigido Juanma Carrillo, muy conocido en nuestro país por realizar cuidadísimos vídeos para La Bien Querida. Si la base de la canción puede hacernos pensar en la Lorde de ‘Royals’ o en los ritmos electrónicos y sensibilidad de los últimos The xx, la canción pretende también ser un homenaje al espíritu «new jack swing».
La mención a The xx no es casual, pues el vídeo protagonizado por jóvenes («gente perdida pero enamorada», oficialmente), encantará al público LGTB+ tanto como el de ‘On Hold’. Lo estrena hoy Popmatters, donde Carrillo explica que la canción le llevaba «a las películas indies de los 90 de Gus Van Sant y Larry Clark», por lo que ha decidido seguir su estética. A pesar de que la composición le resulta alegre, su letra tiene un claro poso amargo, pues habla del fin de una relación, del deseo de que vuelva y de que la amistad se convierta en algo más. «Could you leave her / Would you leave her», dice en un momento la letra de manera descarada.
El disco, como decíamos, incluirá temas más abiertamente disco en la onda de Sally Shapiro, también alguna balada, y como curiosidad hay una canción llamada ‘Barcelona’.
Durante años se han alzado varias voces (las de Barei, Anabel Conde, Ramón) poniendo en duda que RTVE realmente quisiera ganar Eurovisión, casi 50 años después de la última victoria española. Pero parece que el éxito inesperado del regreso de Operación Triunfo está poniendo en tela de juicio esas dudas, y no parece que la peor posición espere a España en Lisboa como sucediera en Kiev. Se van conociendo más y más canciones aspirantes al festival y seguimos bien posicionados en las apuestas, donde ahora somos cuartos.
El próximo paso en el camino a Eurovisión será el estreno del vídeo de ‘Tu canción‘ de Amaia y Alfred en prime-time. Será este viernes después del Telediario y justo antes de un nuevo programa llamado ‘Dicho y hecho’, a cargo de Anabel Alonso. Se dará la circunstancia de que este anuncio a bombo y platillo supondrá el regreso del formato videoclip a la parrilla televisiva de La 1 por primera vez en años (¿o son décadas?). Lo más parecido que puede venirnos a la mente es la difusión de algún gag humorístico tipo Los Morancos o la emisión de fragmentos de actuaciones musicales que tiene lugar en ‘Cachitos’ en La 2, pero estas además son editadas, mientras que este vídeo podrá verse al completo.
El vídeo se emitirá en un programa presentado por Roberto Leal que contará con la presencia de los representantes Amaia y Alfred. Como adelanto, pueden verse 30 segundos del videoclip dirigido por Gus Carballo, quien también se ha encargado del videoclip de ‘Lo malo’, como nos revelaban Aitana War durante una entrevista.
Rosendo Mercado ha anunciado hoy la última gira de su carrera, ‘Mi tiempo, señorías…’. Habrá quien piense que su nombre no es comparable con el de otros artistas que también se despiden de los escenarios este año, como Paul Simon, Slayer, Joan Baez o Elton John. Y, en términos globales, quizá tengan razón. Sin embargo, algo ha dolido especialmente al conocerse esta noticia. Fotografía de Sebastián Rocotovich, tomada de la web del artista.
Con la retirada de Rosendo se irá de las tablas uno de los artistas más talentosos, íntegros y carismáticos del rock español que, tan apartado de las apariencias como fiel a su idiosincrasia de barrio –es lo más parecido a un dios vivo en el barrio madrileño en el que se crió y que nunca ha abandonado, Carabanchel–. Rosendo es Madrid con melena, pitillos y narizota.
Por suerte sus canciones permanecerán, así que no hay mejor manera de lamentar y celebrar, a un tiempo, esta despedida que recordando algunas de las más significativas de cada etapa de su carrera, aunque sea una osadía dado lo vasto de su repertorio si sumamos sus trabajos con Ñu, Leño y en solitario.
El tren
Casi 40 años nos separan de este vídeo del programa Aplauso. Los recién formados Leño interpretaban esta canción que, dicen escribió Rosendo con José Carlos Molina durante su paso por el grupo de este, Ñu. Rosendo, con Tony Urbano y Ramiro Peñas personificaban la respuesta española al blues rock con toques glam y sinfónicos de grupos y artistas como Canned Heat, Deep Purple o Rory Gallagher –uno de sus mayores referentes– en esta metáfora, si no nos equivocamos, de algún tipo de sustancia estupefaciente.
Maneras de vivir
Curiosamente, uno de los grandes hitos del rock en castellano no fue grabada para un disco de estudio sino para un directo. ‘Maneras de vivir’ se registró en un concierto en la Sala Carolina de Madrid para el tercer disco de Leño, ‘En directo’ (1981). Su versión de estudio se grabó como un single previo, pero se convirtió en mucho más que el éxito más memorable del trío –producidos con por Teddy Bautista, que ponía teclados en ese disco–. Su riff de guitarra es el ‘Smoke on The Water’ cañí, y su letra es un reflejo de una época de depresión, confusión y despertar a otra realidad de una ciudad, de un país.
Sorprendente
Ya como algo parecido a unas estrellas –este disco se grabó en Londres y con muchos más medios–, Leño lanzaron su último disco ‘Corre corre’ en 1982, antes de separarse al año siguiente, tras la célebre gira comandada por Miguel Ríos ‘Rock de una noche de verano’. Aunque el single principal de aquel disco final fue el tema que lo da título, los años han situado otras canciones como las grandes composiciones de la época: Me refiero a ’¡Qué desilusión!’ y ’Sorprendente’ que habitualmente tienen reservado un lugar especial en sus conciertos. Con ‘Sorprendente’, además, sentaba uno de sus estándares líricos, con esa visión ácida que le permite mantenerse desafiante pero indiferente ante miradas celosas y recelosas.
Agradecido
El debut en solitario de Rosendo se publicó en 1985 y es uno de las obras capitales de la música contemporánea española, sin más retruécanos. Y eso que en su momento fue denostado por los factótums del heavy metal patrio, que no veían nada clara aquella producción un tanto nuevaolera de Carlos Narea (Miguel Ríos, Antonio Vega). de entre clasicazos como ‘Pan de higo’, ‘Loco por incordiar’, ‘… y dale’ o ‘Corazón’, tenemos que quedarnos con ‘Agradecido’, una canción bárbara en su sencillez y eficacia que, además, espanta moscones y chupópteros con una elegancia que ya querrían tener en los barrios bien. Aunque no lo pareciera, era el rasero con que medir todo lo que se llamó el rock urbano.
Por meter entre mis cosas la nariz
Tras ‘Fuera de lugar’ (1987), el tercer disco de Rosendo supuso su divorcio total con los rockeros de pro del país. ‘… a las lombrices’. Esta vez no cabía culpar al popular en aquellos días Joe Dworniak (Radio Futura, Jarabe de palo), bastante ortodoxa incluso para contener arreglos de metales. ‘El asa del cubo’ sigue siendo un tema frecuente en los directos de Rosendo, pero personalmente tengo debilidad con ‘Por meter entre mis cosas la nariz’, un boogie bastante clásico en el que destacan esos memorables giros vocales hacia el falsete.
Flojos de pantalón
Tras dejar RCA y fichar por Twins –luego absorbida por DRO, que luego fue absorbida por Warner–, Rosendo se desquitó de sus críticos con ‘Jugar al gua’, su disco más puramente rock –aunque contiene guiños al reggae, a partir de aquí frecuentes, como el de ‘Del pulmón’– en años, producido por él mismo. En él brilla la que quizá sea la mejor y más memorable canción de toda su carrera, ‘Flojos de pantalón’. Otro riff descomunal que esta vez le sirve para retratar la vida nocturna del foro a finales de los 80, la pose, el artificio, la decadencia, el desencanto tras las luces ilusorias y el exceso de maquillaje.
Majete!
Rosendo comenzó los 90 como terminó los 80 y como ha seguido siempre, yendo a lo suyo. Sin embargo, tras ‘Deja que les diga que no’ (1991), cuyo himno aún vigente es ‘Borrachuzos’, llegaba un ‘La tortuga’ en el que se mostraba permeable al sonido de la época, atreviéndose incluso a pseudo-rapear e incluir una intro casi rumbera en el hit ‘Majete!’, que caló más allá de la escena del rock. Uno de sus típicos retruécanos (“majete, no todo el que saca mete”) de barra de bar que tan bien funcionan.
Listos para la reconversión
Ya avanzados los 90, la integridad de Rosendo había logrado calar a aquellos que le veían con frecuencia en la tela cuando eran chiquillos y ahora estaban por el rollo del grunge. Una corriente que, a su vez, caló en los discos de la época del madrileño, ‘Para mal o para bien’ (1994) (con ‘¿De qué vas?’, otro himno de esa era), ‘Listos para la reconversión’ (1996) o la BSO de ‘Dame algo’ (Héctor Carré, 1998), que compuso íntegramente Mercado. El tema que bautizaba al segundo de estos destaca especialmente al mostrar esa querencia: los teclados desaparecieron en buena medida y bajos slap, de querencia funk. Un esfuerzo por sonar más contemporáneo que, al menos en este corte, no suponía ninguna merma en su pericia compositiva.
Masculino singular
Tras su etapa “alternativa” –entiéndaseme, es por acotar de alguna manera–, Rosendo volvió a la ortodoxia rock con ‘A tientas y barrancas’ (1998), ‘Canciones para normales y mero dementes’ (2001) y ‘Veo, veo… mamoneo’ (2002). Este último tuvo un considerable éxito gracias al single ‘Masculino singular’, que más allá de sus malabares para insultar con mano izquierda, a mí me gusta pensar que atiza al típico gallito machista cisgénero. Algo de lo que el rock va bien sobrado.
Harto
Tras publicar ‘Lo malo… es no darse cuenta’ (2005) y recibir la Medalla de Oro a las Bellas Artes en el año 2006, en 2007 publicó uno de sus discos más singulares, ‘El endémico y el incauto pertinaz’, que jugaba con la estética del medievo para mostrar su crítica con la clase política y las oligarquías. ‘Harto’ es, además de uno de las mejores canciones que ha escrito Mercado en la última década, una buena muestra de su desapego, que es el de buena parte de la sociedad, mostrando lo preclara, incisiva y directa que puede ser su escritura.
Los Javis habían anunciado que tan pronto como concluyeran con su labor en Operación Triunfo se pondrían manos a la obra con el rodaje de la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, para alegría de seguidores de la serie como James Rhodes o nosotros mismos. Paquita fue lo mejor de la última edición de Los Goya, merendándose en 5 minutos toda intervención de Joaquín Reyes y el equipo de Muchachada nuí, y hoy se conocen más detalles sobre cómo será esa segunda temporada.
Según informa la agencia de comunicación de Netflix, Brays Efe (Paquita), Belén Cuesta (Magüi), Lidia San José (Lidia), Álex de Lucas (Álex), Mariona Terés (Mariona), Anna Castillo (Belén de Lucas) y Yolanda Ramos (Noemí Argüelles) encabezan el reparto de los nuevos capítulos de esta segunda temporada, que llegará a Netflix «a nivel global en verano de este año». El rodaje ya ha comenzado y se ha compartido esta instantánea que veis en la que podemos observar a Javi Calvo, como siempre, con la boca semi abierta.
Además de contar con algunos secundarios como Andrés Pajares (Paco Cerdeña) y Secun de la Rosa (Fernando Canelón), presentes en la primera temporada, la audiencia podrá disfrutar de los cameos de Verónica Echegui, Ana Obregón o Pepa Charro “La Terremoto de Alcorcón”. Concluye la nota: «no obstante, habrá muchas otras apariciones sorpresa que no se revelarán hasta el estreno y colaboraciones muy especiales, como las de Roi y Alfred de OT».
Madrid Popfest llegaba a su 8ª edición este fin de semana en Madrid con sus abonos agotados con antelación y también las entradas de día para su emplazamiento en Galileo Galilei, con capacidad para 500 personas. En este artículo repasamos el éxito de este festival autogestionado, realizado sin grandes patrocinadores y sin ánimo de lucro.
El conciertazo de BMX Bandits
La originalidad del cartel, enfocado claramente al indie pop, y teniendo como público objetivo a aquellos que tenían 15 años cuando salió ‘Súper 8’, es una de las claves de este festival. Huyendo de los mismos nombres de siempre tanto en el plano nacional como en el internacional, Madrid Popfest apuesta en su lugar por rescatar nombres olvidados, no tan frecuentemente reivindicados o también noveles. El gran acierto de este año ha sido contar el sábado con BMX Bandits, uno de esos grupos británicos que en el sello español Elefant han reivindicado más que en su propio país, si bien ellos tienen poco que ver con Camera Obscura, The School o The Yearning.
La banda de Glasgow liderada por Duglas T. Stewart ofreció un conciertazo basado en el encanto de temazos tan variados como ‘It’s In Her Eyes’, ‘Serious Drugs’, ‘And It’s You’ (dedicada a los románticos, porque «todos somos románticos, menos el teclista», bromeó Duglas), la melancólica y contagiosa ‘I Wanna Fall In Love’ (menuda maravilla), ‘Take Me To Heaven’ o una ‘Girl At the Bus Stop’ dedicada entre lágrimas a su autor, Daniel Tracey (Television Personalities). Duglas T. Stewart ejerció las veces de sobresaliente maestro de ceremonias: cada cara que ponía, cada gesticulación, cada presentación de cada canción era muestra de un enorme carisma que no debe pasar inadvertido para la historia del pop.
El buen concierto de Eggstone
Otro gran acierto del sábado fue la recuperación de Eggstone, un grupo sueco coetáneo y similar a los primeros Cardigans que como estos se miraba en el pop sesentero más jazzy y juguetón. Su concierto en formato sexteto osciló entre el indie de unos Smiths (el timbre de Per Sunding recuerda a Morrissey bastante de vez en cuando), las coloridas percusiones, arreglos de easy-listening y algún ramalazo bossa nova. Lamentablemente, tras una decena de canciones, Per (en la imagen principal) tuvo que anunciar que abandonaba el escenario por una indisposición, mientras sus compañeros le esperaban indicando que había pasado la tarde vomitando. Al menos pudo volver para interpretar, con total entereza, el gran hit de Eggstone, un celebradísimo y bailadísimo ‘Taramasalata’.
La paridad
El indie pop no era solo cosa de hombres, y eso se notó tanto entre el público como sobre los escenarios. Desconozco si contar con tantas mujeres artistas fue deliberado, casual o simplemente la organización no concibe las cosas de otra manera, pero tocaron varios grupos de chicas, como las rockeras The Tuts, que el viernes animaron a lo grande con su versión de ‘Wannabe’ de las Spice Girls; Melenas, cuya dicción y sonido es mucho mejor de lo que se comentaba hace unas semanas en nuestras páginas (podían seguirse sus letras bastante bien, teniendo en cuenta que se dedican al noise pop); y otros tantos grupos mixtos. Entre ellos, Soda Fountain Rag, con un original formato de cantante y batería en pie en primera línea; o Fever Dream, que no era la rapera que alguien metió en la playlist de Popfest de Spotify sino una banda post-grunge con momentos más Sonic Youth y My Bloody Valentine y otros más Clap Your Hands Say Yeah! sobre todo por la voz de su líder, único chico del trío.
La atención a los grupos españoles minoritarios
Festivales españoles, hay más bandas aparte de Love of Lesbian y Lori Meyers. Esta parece ser la máxima de Madrid Popfest, que ha contado con otros talentos como las mencionadas Melenas, Terry Vs Tori (perfecto aperitivo en sus largos pasajes instrumentales a los conciertos inminentes de Slowdive, como el día anterior había sido el caso de The BV’s) o Cosmen Adelaida. Estos, confiados de jugar en casa, renunciaron por supuesto a los éxitos de sus primeras maquetas pero también de manera inexplicable a ‘Becerro de oro’, dejando casi todo el peso en ‘Hermanos Wright’ y ‘Contra la pared’, reservadas para casi el final. Buen concierto, pero tienen repertorio para otro mejor incluso.
Pero el grupo nacional que más público congregó fue Ataque de Caspa, quienes actuaban el sábado a la hora del vermú de manera gratuita en la Nave de Terneras, una suerte de gimnasio con altavoces medio caseros sito en el Matadero de la ciudad. Mientras la gente poco a poco decidió irse a comer durante los shows de Soda Fountain Rag y Fakuta en formato dúo, quienes cerraron con su hit ‘Tormenta solar’ en lo que resultaba una necesaria contrapartida electropop a tanto indie de guitarras, Ataque de Caspa habían llegado a colgar el cartel de «aforo completo» dos horas antes.
Su show fue, no obstante, víctima de su deliberada recreación en el amateurismo, con las letras de Carmen volando de su atril durante ‘Sol’, o la posterior broma sobre si recordaría la letra de una canción que no encontraba. Al menos esta banda olvidada de los 80 que podemos considerar antepasada de Los Punsetes, no dejó de tocar las imprescindibles ‘Viaje a Egipto’ o ‘Nigeria’ y tampoco podemos decir que se ciñeran a la nostalgia de la nostalgia tras su revival de hace 6 años: tienen ya en la calle nuevo disco (!) y de él sonaron pistas como ‘Espejos’ o ‘Sistema solar’.
Popfest como acto social
Madrid Popfest, aparte de una reivindicación de indie pop, funciona como lugar de encuentro para un público entre los treinta y muchos y los cuarenta y pocos, melómano desde los años 90. En muchos sentidos es una fiesta antes que un festival, como muestra el hecho de que Galileo Galilei permaneciera abierto con DJ’s hasta más allá de las 5 de la mañana, cuando el alcohol llevaba corriendo de lo lindo desde las 7 de la tarde. Hubo algún momento de locura total (ese pelotón de gente haciendo cola en la barra el sábado durante el vermú nada más abrir puertas) y en ocasiones llegó a prevalecer el acto social sobre los conciertos, muy visiblemente durante el show de los monos St Christopher, también rescatados de los 80, con una considerable cantidad de gente que no callaba; pero especialmente el sábado ganó lo entrañable: el merchan de vinilos y camisetas estaba arrasado. Soda Fountain Rag vendieron los 32 discos que trajeron, Melenas también vendieron todo, y la sintonía que Cosmen Adelaida han creado para Madrid Popfest se ha convertido en himno para muchos. Está en Bandcamp.
Alaska, experta en ocultismo además de cantante, ha visitado este domingo el plató de Cuarto Milenio para hablar sobre el mago y ocultista inglés Aleister Crowley, conocido como la “gran Bestia” y por ser creador de la religión y filosofía esotérica Thelema, cuyo lema es “haz tu voluntad, el amor es la ley”. A través de esta religión, Crowley llevó a cabo polémicos rituales con la presencia de sexo y drogas.
Pero la religión Thelema influyó también a numerosos artistas de la música durante los 60 y 70, como David Bowie, que era un gran fascinado del ocultismo y llegó a mencionar a Crowley en su canción de 1971, ‘Quicksand’. Pero de quienes habla Alaska en su paso por Cuarto Milenio, ante un Íker Jiménez asombrado, es de los Beatles y Led Zeppelin.
Alaska atribuye en parte a Crowley los “influjos orientales” presentes en la contracultura de los 60, y recuerda que Crowley aparecía en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ y que su filosofía transpiró en el viaje de los Beatles a la India y en la posterior creación de aquel disco.
Especialmente fuerte por la influencia de Crowley en Jimmy Page de Led Zeppelin. Como recuerda Alaska, Led Zeppelin desarrollaron una “imaginería” de ocultismo en su carrera y Page llegó a abrir una tienda de libros de ocultismo en Londres y a comprar Boleskine, la casa de Escocia donde Crowley residió, en el Lago Ness.
Tame Impala ha anunciado varios directos en 2018, entre ellos, en el festival Mad Cool de Madrid, por lo que es muy posible que su nuevo disco esté en camino. No sería de extrañar, ya que el último trabajo de Kevin Parker, ‘Currents’, se publicó en 2015, hace ya tres temporadas. ¡Qué grande fue y sigue siendo ‘Let it Happen’, la mejor canción de aquel año!
Pero Parker va asomando la cabeza al exterior poco a poco, y tras presentar recientemente en directo, junto a Mark Ronson, una canción nueva en la que han colaborado SZA, el músico australiano oficializa su “comeback” en ‘My Life’, la nueva canción de ZHU, el productor estadounidense autor de éxitos house como ‘Automatic’ con AlunaGeorge, ‘Working for It’ o ‘Faded’ y del álbum ‘GENERATIONWHY‘, editado en 2016.
La contribución de Parker en ‘My Life’ se limita a unas pocas frases, sobre todo “let me live my life”, que se repite ad nauseam a lo largo de la canción, creando un efecto hipnótico. El tema no es la panacea, pero desarrolla una atractiva tensión de principio a fin, incluye un arreglo feísta de saxofón y además supone la entrada de lleno de Parker en la pista de baile. ¿Irá el sucesor de ‘Currents’ por el mismo camino?
Solo un año después del lanzamiento de su último disco, ‘De escalde y trinchera’, Rosendo anuncia gira de despedida, ‘Mi tiempo, señorías…’, sumándose así a una larga lista de artistas veteranos que han anunciado sus conciertos de despedida recientemente, entre ellos Aretha Franklin, Elton John, Paul Simon, Neil Diamond, Lynyrd Skynyrd y Slayer.
Rosendo, de 64 años, pone punto y final a una larga carrera en carretera desde sus inicios en Ñu y Leño, y que sobre todo en su trayectoria en solitario le ha llevado a convertirse en una de las figuras más representativas e icónicas del rock español, gracias a canciones como ‘Agradecido’, ‘Flojos de pantalón’ y ‘Masculino singular’.
Estas son las fechas de la gira ‘Mi tiempo, señoría’, que comparte Get in Music y recorrerá toda España desde marzo hasta diciembre, cuando Rosendo realizará los últimos cuatro conciertos de su carrera en A Coruña, Bilbao, Madrid y Barcelona.
MARZO 16 Jerez de la Frontera- Festival Primavera Trompetera/ 24 Burlada Navarra Entradas agotadas
ABRIL 12 Cáceres- Festival Extremusika/ 28 Tarragona- Festival Tony Urbano
MAYO 12 Madrid- Rivas Rock/ 18 Cascante (Navarra)/ 19 Granada- Bull Music Festival
JUNIO 16 Ponferrada (León)/ 23 Jaén- Lagarto Rock/ 27 Orense- Jardín Do Posío/ 30 Getafe- Festival Cultura Inquieta
JULIO 7 El Bonillo (Albacete)- Alterna Festival/ 13 Quintana de la Serena (Badajoz)- Granirock/ 14 Manzanares (Ciudad Real)
AGOSTO 8 Villena (Alicante)- Leyendas del Rock/ 25 Las Mesas (Cuenca)
Lana Del Rey se ha encargado de interpretar ‘You Must Love Me’, la canción principal de ‘Evita’, para ‘Unmasked: The Platinum Collection’, el nuevo recopilatorio de éxitos de Andrew Lloyd Webber, autor junto a Tim Rice de esta misma canción que cantó originalmente Madonna -que interpretó a Eva Perón en ‘Evita’-, logrando el Oscar y el Globo de Oro a Mejor canción en 1997.
El disco, anunciado a finales del mes de enero, complementará la biografía recién publicada de Andrew Lloyd Webber, ‘Unmasked’, y saldrá en ediciones de 2 y 4 discos conteniendo canciones de toda su carrera, lo que incluye la nueva versión de Lana Del Rey, así como de Nicole Scherzinger (‘Memory’, de ‘Cats’) y Gregory Porter (‘Light at the End of the Tunnel’, de ‘Starlight Express’). Lana ha dicho que ha sido un “sueño” cantar una canción de Lloyd Webber, una de sus “mayores inspiraciones”.
Andrew Lloyd Webber ‘Unmasked: The Platinum Collection’ Tracklisting:
CD ONE
01 Superstar • Murray Head & The Trinidad Singers
02 The Phantom Of The Opera • Sarah Brightman & Michael Crawford
03 Oh What A Circus • Antonio Banderas & Madonna
04 Love Changes Everything • Michael Ball
05 Stick It To The Man • Alex Brightman & The Broadway Cast Of School Of Rock
06 Memory* • Nicole Scherzinger
07 No Matter What • Boyzone
08 With One Look • Barbra Streisand
09 Buenos Aires • Glee Cast
10 Don’t Cry For Me Argentina • Julie Covington
11 Take That Look Off Your Face • Marti Webb
12 I’m Hopeless When It Comes To You • Joanna Riding
13 Light At The End Of The Tunnel* • Gregory Porter
14 The Music Of The Night • Michael Crawford
15 Gethsemane ( I Only Want To Say) • Ian Gillan
16 Any Dream Will Do • Donny Osmond
17 Amigos Para Siempre • Sarah Brightman & José Carreras
18 I Don’t Know How To Love Him • Yvonne Elliman
Cd Two
01 As If We Never Said Goodbye • Glenn Close
02 Theme And Variations 1-4 • Andrew Lloyd Webber
03 Unexpected Song • Sarah Brightman
04 You Must Love Me* • Lana Del Rey
05 Everything’s Alright • Yvonne Elliman, Ian Gillan & Murray Head
06 The Vaults Of Heaven • Tom Jones & The Sounds Of Blackness
07 Another Suitcase In Another Hall • Madonna
08 You’re In The Band • Broadway Cast Of School Of Rock
09 It’s Easy For You • Elvis Presley
10 Cold • The Everly Brothers
11 Come Back With The Same Look • Denise Van Outen
12 I Am The Starlight* • Mica Paris & George Ure
13 Mr. Mistoffelees • Paul Nicholas
14 Tell Me On A Sunday • Michael Crawford
15 Think Of Me • Emmy Rossum & Patrick Wilson
16 Rainbow High • Elaine Paige
17 All I Ask Of You • Cliff Richard & Sarah Brightman
18 Wishing You Were Somehow Here Again (Live At The Royal Albert Hall) • Sierra Boggess
Bonus Track Learn To Be Lonely* (Live At The Oscars) • Beyoncé & Andrew Lloyd Webber
Cd Three
01 Jacob & Sons/Coat Of Many Colours • Janet Metz, Donny Osmond, Michael Fletcher & The Canadian Cast
02 Close Every Door • Donny Osmond
03 Heaven On Their Minds* (Live – Arena Tour) • Tim Minchin
04 King Herod’s Song • Alice Cooper
05 Skimbleshanks • Ken Wells & The Original London Cast Of Cats
06 Macavity: The Mystery Cat • Wendy Edmead & Donna King
07 You’ve Never Had It So Good • Stephen Ward Original London Cast
08 I’d Be Surprisingly Good For You • Elena Roger & Philip Quast
09 Evermore Without You • Martin Crewes
10 I Believe My Heart • Duncan James & Keedie
11 If Only You Would Listen • The Broadway Cast Of School Of Rock
12 Sing • Military Wives
13 Hosanna • Jesus Christ Superstar London Cast
14 Hosanna • Plácido Domingo, Sarah Brightman & The Choir Of Winchester Cathedral
15 Pie Jesu • Sarah Brightman & Paul Miles-Kingston
16 By Jeeves • Steven Pacey, Simon Day & Nicholas Haverson
17 Where Did The Rock Go?* • Florence Andrews
Cd Four
01 Phantom Phantasy† • Original London Orchestra
02 Masquerade • Original Motion Picture Cast
03 ’Til I Hear You Sing • Ramin Karimloo
04 Love Never Dies Orchestral Suite† • Original London Orchestra
05love Never Dies•Sierra Boggess
06the Beauty Underneath*•Ben Lewis & Casey Lyons
07 Variations On Variations† • Andrew Lloyd Webber
08 Jesus Christ Superstar Overture • Original Jesus Christ Superstar Orchestra
09 Overture And The Beautiful Game† • Original Cast And Orchestra From The Beautiful Game
10 If This Is What We’re Fighting For • Josie Walker
11 Cats Overture • The Original London Orchestra
12 The Jellicle Ball • Cats Motion Picture Orchestra
13 Sunset Suite† • Original Broadway Orchestra
14 Sunset Boulevard • Kevin Anderson
15 Aspects Of Aspects • Orchester Der Vereinigten Buehnen Wien
16 Seeing Is Believing • Michael Ball & Sarah Brightman
17 Anything But Lonely • Sarah Brightman
Ariana Grande ha terminado su cuarto disco. Esta es, al menos, la información que comparte TMZ al respecto del nuevo trabajo de la cantante, que no hace tanto se dejaba ver trabajando en el estudio en las redes sociales.
El medio estadounidense asegura que Grande se ha reunido recientemente con su sello Republic Records y con su mánager Scooter Braun para ponerles el “álbum entero” y que este es el “más personal” que ha grabado hasta la fecha. De hecho, la artista habría participado en la composición de todas las canciones. Aunque la curiosidad de este álbum recae, de nuevo, en sus productores. Parece que se han repartido el trabajo sobre todo dos personas, Pharrell Williams y Max Martin.
En verano del año pasado, Pharrell reveló encontrarse trabajando en el “increíble” nuevo disco de Grande, además de en el de Justin Timberlake recientemente publicado. El productor ya colaboró con Grande en ‘Heartstroke’ de Calvin Harris. Por su parte, Max Martin ha participado en la producción de ‘Problem’, ‘Break Free’, ‘Love Me Harder’, ‘Dangerous Woman’ e ‘Into You’, entre otros.
Por otro lado, parece que Grande está a punto de realizar su gran papel en Broadway (Grande debutó en Broadway en 2008). El tabloide británico The Sun comparte que la intérprete de ‘Break Free’ ha conseguido el papel de la bruja Elphaba en ‘Wicked’, el musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman basado en la novela de 1995 del mismo nombre.
El pasado viernes, Buffalo Tom publicaban ‘Quiet And Peace’, su 9º disco de estudio cuando, precisamente, se cumplen 30 años desde que se publicó su álbum de debut. La carrera de este trío, formado por Bill Janovitz –guitarra y voz–, Chris Colbourn –bajo y voz– y Tom Maginnis –batería y prestatario del nombre del grupo, combinado con el de Buffalo Springfield– podría ser una más entre la de tantos grupos de los 90 que obtuvieron notoriedad al amparo del grunge y lo alternativo pero, llegados al nuevo siglo y a su propia madurez, se esfumaron… o eso parecía.
Sin embargo, Buffalo Tom no son unos más, puesto que su carrera está cargada de buenos discos (algunos, mucho más que eso) y su sonido ha servido de inspiración para muchas otras bandas posteriores, quizá sin ser nunca aludidos de manera explícita o frecuente. Pero es que además tampoco hay tantas bandas que hayan resistido 30 años de vida manteniéndose fieles a sí mismos, lo cual incluye su formación –sin variaciones desde su origen– y su estilo, lo cual es directamente heróico. Porque si de algo puede presumir ‘Quiet And Peace’ es de que, ya sus dos avances ‘All Be Gone’ y ‘Roman Cars’ dan muestra de que no han perdido ni la personalidad (en lo que las voces alternas de Bill y Chris tienen mucho que ver) ni la fuerza de antaño.
Pero vayamos algo más atrás, a sus inicios: el trío se formó en 1986 en Boston, en medio de aquel bullir de bandas de finales de aquella década en la que nombres como Pixies y Throwing Muses estaban inmersos –aunque ellos estaban estilísticamente más próximos a Hüsker Dü, a decir verdad–. Bill, Chris y Tom se hicieron amigos en la Universidad de Massachusets –Buffalo Tom fue uno de aquellos grupos cuyo éxito se basó en buena medida en el apoyo de las radios universitarias– y pronto formaron un grupo en cuya gestación tuvo mucho que ver J Mascis, de Dinosaur Jr. Mascis impulsó la grabación de su debut homónimo de 1988: lo co-produjo e incluso tocó la guitarra en uno de sus temas, ‘Impossible’.
Ese sonido eléctrico, tan cargado de fuzz como de melodía, a medio camino del pop y el punk, impregnaba canciones como aquella o ‘Sunflower Suit’, aunque en ‘The Bus’ también mostraban esa faceta más de balada/medio tiempo que les ha caracterizado siempre y les conectaba, en cierta medida, con la canción tradicional norteamericana. Y es que, aunque no sean unos referentes tan evidentes como Uncle Tupelo, Buffalo Tom son, a mi juicio, culpables en buena parte de la posterior eclosión de la nueva Americana.
Algo que se evidencia a partir de su primera obra maestra, ‘Let Me Come Over’ (1992), que llegaría tras la mejora de sonido en ‘Birdbrain’, su segundo disco. Producido por el tándem Paul Q. Kolderie/Sean Slade (que por entonces también produjeron ‘Pablo Honey’, debut de unos chavales británicos llamados Radiohead), ‘Let Me Come Over’ establecía un nuevo estándar no solo para el propio grupo sino también en el rock alternativo yanqui, con una colección de canciones soberbia en la que brillaban los singles ‘Taillights Fade’ y ‘Mineral’, pero en la que ni uno de sus otros 11 cortes quedaba a la zaga: ‘Staples’, ‘Velvet Roof’, ‘Frozen Lake’, ‘Porchlight’… Todo un discazo que reflejaba un momento de la historia de la música y que a cualquier otro grupo le hubiera pesado.
Pero no a ellos, que respondieron a la primera de cambio –apenas un año después– con otro disco sobresaliente. ‘Big Red Letter Day’ es otro álbum inapelable en el que afinaron con los ganchos y limpiaron un poco su sonido (co-produjeron ellos mismos con The Robb Brothers, que por entonces trabajaban con otras grandes estrellas de la época, Lemonheads). Esa limpieza no fue muy bien vista en círculos alternativos –en aquellos momentos, no molaba nada que tu grupo favorito se hiciera masivo, ¿saes?– pero a su vez ayudó enormemente a que pegaran muy fuerte en las listas norteamericanas: temas como ‘Sodajerk’, ‘I’m Allowed’ o el baladón ‘Late at Night’ se acercaron a ser hits. Esta última, además, obtuvo especial repercusión cuando apareció en la por entonces popular serie televisiva ‘Es mi vida’ (‘My So-Called Live’), donde ponía base musical al amor adolescente de, atención, Jared Leto y Claire Danes. Un momento de esos que marcan a una generación.
En 1995 Bill, Tom y Chris, algo arrepentidos de sonar tan pulidos, recurrieron a John Agnello para volver a su lado más enérgico y desmelenado. Eso es lo que contiene ‘Sleepy Eyed’, otro gran disco de rock melódico con muy buenas canciones que, cosas de las modas, fue algo peor acogido pese a comenzar como un tiro con ‘Tangerine’, ‘Summer’, ‘Kitchen Door’. Quizá no andaba tan sobrado de canciones redondas, pero no supone ninguna tacha en su carrera, ni mucho menos. Como un signo, quizá, de madurez, Bill Janovitz vio que sus nuevas canciones pedían teclados, y trabajó con Tom Gorman de Belly para arreglarlas. El resultado fue ‘Smitten’ (1998), un disco que, de manera inequívoca, sonaba a tradición norteamericana y, a la vez, resultaba más espeso y menos inspirado que sus antecesores. Parecía abocado a marcar un cierre de ciclo para el grupo que, por aquel entonces, pareció una separación.
Tras los inevitables recopilatorios de caras As y Bs, algún directo y varios discos en solitario de Janovitz (aunque su trayectoria comenzó antes, en 1996, y aún prosigue intermitentemente), Buffalo Tom reaparecieron actuando en el SXSW de 2007, como uno de los grandes atractivos de la edición. Ese mismo año publicaron su primer disco en casi una década, ’Three Easy Pieces’, un nuevo regreso a su cara más fiera y aguerrida, y con un buen puñado de canciones (‘Bad Phone Call’, ‘September Shirt’ o ‘You’ll Never Catch Him’ al frente) con las que reivindicarse como autores.
Una política y estética que extendieron en el igualmente notable ‘Skins’ (2011) y que, parece, persiste en su nuevo disco. Resulta un placer que, aunque lo tengan que hacer desde la discreción de una teórica segunda fila, tengan la generosidad de seguir escribiendo canciones notables que sobrevivan tendencias y, ojalá, calen en nuevas generaciones. Porque no merecen menos que su nombre sea reivindicado como unos de los más dignos (y escasos) supervivientes de su época. ¿Cómo es posible que su nombre, con semejante repertorio y disco nuevo bajo el brazo, no esté en la mitad de los festivales del mundo este verano?
Quisiera reaccionar ante las desgracias como lo hace Matthew Johnson (MJ), compositor y productor de la banda Hookworms: con determinación, coraje y energía. Y no ha padecido precisamente desgracias desdeñables. Antes de grabar ‘Microshift’ (el Boxing Day de 2015: 26 de diciembre), tercer álbum del quinteto de Leeds, el músico sufrió una terrible inundación en su estudio de trabajo, perdiendo de golpe equipo musical, instrumentos, material, infinidad de objetos personales, ropa, libros y recuerdos, además de su coche. La banda siguió adelante, rehizo el local gracias a donaciones y contribuciones, y el disco, obviamente, ha acabado viendo la luz; pero la cosa no acabó ahí. Porque además de este hecho (‘Boxing Day’), MJ también afronta mediante el álbum el inesperado y reciente fallecimiento de un amigo muy cercano (‘Negative Space’), una especie de miembro extra de la banda, la cruel enfermedad –Alzheimer– de su padre (‘Ullswater’) y sus propios problemas psicológicos (‘Static Resistance’, ‘Opener’, etc.). Todo con una valentía y un ímpetu realmente encomiables, y desde un lenguaje musical que se ha simplificado y aclarado lo suficiente como para que su fórmula resulte ahora más accesible, directa y efectiva que nunca.
La receta maestra de ‘Microshift’ mezcla algo de rock psicodélico (en retroceso) con algo de drone industrial, noise pop, garage e incluso con algunas trazas selectas del dance-punk de LCD Soundsystem, dando vida y accionando un tipo de motor lleno de combustible explosivo que, al menos a lo largo de los casi 20 minutos que duran las tres primeras canciones, parece que no va a detenerse nunca. Sobre todo en el final robusto y victorioso (en lo formal) de ‘Ullswater’, amargo y alentador (en lo lírico), que grita eso de “So stay strong / Stay strong / Yeah, stay strong”. Así culmina el tremendo tema dedicado a la enfermedad de su padre: un trote que intensa y progresivamente se va transformando en musculoso galope, regado con duras y emotivas reflexiones como “You see, this man before / Taught me how to be tender / I’m so glad it’s still a part of you / I shouldn’t ask for more / I shouldn’t chase the past, but / There’s so much I wanna show you, too / (There’s no chance, now)”, “You’re long gone away, you’ve long lost the truth / If that’s hard for me to say, it must be awful for you” o “Oh, one day you’ll forget / That I’ll always love you”. Para llorar apretando los puños al cielo de manera eufórica. ¡Chapó, MJ!
Así culmina también la primera fase del disco, ese inicio arrollador protagonizado por ‘Negative Space’, donde Hookworms logran trazar ante la muerte de su amigo un espacio épico-bailable delimitado por LCD Soundsystem, Kasabian, Klaxons, Death From Above o TV on the Radio (llamadme loco pero, ¿los primeros Arcade Fire?), por la imparable ‘Static Resistance’, una catarata de power pop y psicodelia translúcida al estilo King Gizzard & the Lizard Wizard, y por la propia ‘Ullswater’. El resto del álbum a partir de aquí no mantiene el nivel de carburación ni de estimulación porque prácticamente alterna canciones agarrotadas con otras dilatadas, pero el traca-traca ha inoculado y el motor sigue funcionando por empuje e inercia.
Así, tras la semi-pausa etérea y volátil de ‘The Soft Season’ –que podría ser una intro de Phoenix–, recuperan el ímpetu en ‘Opener’, aunque ya con menos mordiente. Un tema que trata sobre la fragilidad y la inseguridad personal, y que se va abriendo en una progresión lineal pero fuerte del tipo Preoccupations. Del mismo modo, después de una acolchada y anestésica (y un poco dreampop alternativo rollo Broadcast) ‘Each Time We Pass’ llega la claustrofóbica y oscura ‘Boxing Day’, donde no es posible percibir ni una brizna de luz y la energía parece estancarse hasta pudrirse. Y tras la instrumental, ambiental y arrítmica ‘Reunion’, ‘Shortcomings’ cierra el álbum recuperando el enfoque optimista, ya con menos impulso en las ruedas pero con el final del túnel a la vista.
Lo extraordinario del disco, por tanto, es ese motor, ese impulso y empuje energéticos, esa inercia que mantiene viva la fuerza, el valor y el arranque del principio, sostenida incluso en la fase del álbum en la que el desboque ha dado paso a un cierto equilibrio de fuerzas (todas ellas entendidas de forma psicológica y formal, musicalmente hablando). Su procesamiento de la desgracia es, en ese sentido, ejemplar, entregándonos ‘Microshift’ como receta y medicina a la vez. Ojalá la vida fuera un plácido valle donde todo va rodado, pero como no lo es, los discursos y los discos así resultan tan valientes como necesarios.
Calificación: 8,2/10 Te gustará si te gustan: Stereolab, King Gizzard & the Lizard Wizard, LCD Soundsystem, TV on the Radio, Preoccupations, Protomartyr. Lo mejor: el inicio arrollador de ‘Negative Space’, ‘Static Resistance’ y ‘Ullswater’, 20 de los mejores minutos musicales de lo que va de año. Escúchalo: Spotify
Patrick Doyle, batería de Veronica Falls e integrante único de Boys Forever y Basic Plumbings, ha fallecido este domingo 4 de marzo a los 32 años de edad. La causa de su muerte se desconoce por el momento. La página de Boys Forever ha dado la noticia en Facebook, escribiendo que Doyle fue “un querido hijo, hermano, tío y amigo, y [que] su familia está inmensamente orgullosa de lo que ha conseguido”.
Son varios los compañeros de profesión que han despedido a Doyle en redes sociales, entre ellos su compañera de banda Marion Herbain: “todo duele y ha sido difícil encontrar las palabras adecuadas para enfrentar sentimientos que van desde la máxima angustia al remordimiento”. También Alex Kapranos de Franz Ferdinand y Bright Light Bright Light lamentan la muerte de su amigo. The Cribs y Frankie Rose, entre otros, le recuerdan asimismo en Twitter.
El último disco de Veronica Falls fue ‘Waiting for Something to Happen‘, de 2013. El disco contenía su mayor éxito en streaming, ‘Teenage’. Recientemente, Doyle publicaba un nuevo tema a través de su alias Basic Plumbings, ‘When You Disappear’, pidiendo a sus fans que, en lugar de pagar por la canción, donaran lo que pudiesen a Los Angeles LGBT Center.
Absolutely horrified to hear that my friend Patrick Doyle has died. So young. He will be missed by many, many people and all the fans of his music. RIP love <3
A few years ago Patrick Doyle and I got matching airplane tattoos because no matter what, we were always just a plane away. I’m never gonna see him again and my heart is broken. Rest In Peace, buddy.
Devastating loss of the beautiful Patrick Doyle. Funny, crazy, talented, crazily creative and completely unique. Won’t ever forget you, Patrick or the most bonkers New Years Eve ever ❤️ RIP
RIP Patrick Doyle. Here’s a pic of a wonderful day we had in LA this past Sept. I’m just really sorry. I’ve known him for many years but only started to get to know him as a good friend. I hope I see him in the next dimension when it’s my time. ❤️ pic.twitter.com/itV3XpK6BC
Heartbroken at the passing of my dear friend Patrick Doyle. He was cherished .What a loss for us all. He was one of the most talented, funny, smart and all around incredible humans I have ever known. See you on the other side my buddy.
So sad to hear about Patrick Doyle’s passing. Although we didn’t know him well, we hung out a few times and always really liked him and all of his bands. RIP sir.
‘Dancing’ de Kylie Minogue se está quedando muy lejos de lograr la repercusión esperada en listas: en Reino Unido no ha ido más allá del puesto 47 y en Australia ha registrado un número parecido. El éxito del tema en Europa está siendo ultra moderado, y en Estados Unidos, que nunca ha sido un gran mercado para Minogue, inexistente.
Pero la australiana tiene un as en la manga. Debido a que el sonido country-dance de moda de ‘Dancing’ no ha funcionado, Minogue aprovecha el tirón de ‘Despacito’ y prepara un nuevo single latino junto al dúo de reggaetón cubano Gente de Zona, al que recientemente has oído en ‘Ni tú ni yo’ de Jennifer López. Junto a Alexander Delgado y Randy Malcom Martinez ha sido Minogue vista en La Habana rodando el vídeo para esta canción que aspiraría a ser la canción del verano.
Eran varios los datos que apuntaban a que ‘Golden’ sería el disco country de Kylie Minogue, y de hecho en los créditos publicados del disco no hay rastro de Gente de Zona. ‘Stop Me from Falling’ es una composición de Steve McEwan (Carrie Underwood, Keith Urban) y Danny Shah (Zak Abel) y una producción de Sky Adams que apuntaba más bien a una canción similar a ‘Dancing’. Parece que, en cualquier caso, ahora tendrá también su punto latino.
Una de las posibles próximas sensaciones del pop nacional (y, dado que cantan en inglés, puede que también internacional, ¿por qué no?) se llaman Fru Katinka. Por raruno que suene el nombre –inspirado por un cuadro de Hans Heyerdahl, al parecer–, detrás de él está un dúo de nombres tan de aquí como Marta Domingo y Álex Vidal, conocidos anteriormente por separado: la primera es también 50% de Meridian Response, mientras que el segundo es el también conocido como Guardabosques –aquel al que vimos participar en First Dates–, del grupo Alien Tango que, por cierto, el pasado viernes publicaban su nuevo EP.
El dúo de Valencia ha grabado un álbum completo que está próximo a editarse y del que ya han presentado dos singles, ‘Green’ e ‘Inside’. A tenor de estos, podemos decir que su sonido se debate entre el dream pop de Beach House, el post-pop de Dirty Projectors y el psico-pop delirante de Connan Mockasin. Aunque también, gracias al sentido de unidad que ofrecen sus vídeos, imágenes promocionales y vídeos, podríamos verles como una suerte de iamamiwhoami mediterráneos (y modestos).
Si el clip de ‘Green’ –en la que Marta presenta un registro vocal próximo al de Joanna Newsom– es una concatenación de imágenes de fauna que plasman su preocupación por el medio ambiente, el de ‘Inside’ es más metafórico: producido por 808 Audiovisual, dirigido por Rubén Segovia y protagonizado por Paula Sahuquillo, muestra un universo lleno de color y artificiosidad que se pone en contraste con, de nuevo, la Naturaleza. Veremos cuánto da de sí este concepto en ese debut que, de momento, ya resulta estimulante por lo atípico que resulta en la escena underground estatal.
Frances McDormand hizo levantar a todas las mujeres nominadas en los Oscar y Emma Stone presentó a Greta Garwig y a los otro “cuatro hombres” nominados a Mejor dirección en una ceremonia de los Oscar marcada por #MeToo, y en la que Guillermo del Toro se hizo con el premio más prestigioso, el de Mejor película, por ‘La forma del agua’.
Pero la última ceremonia de los premios de la Academia dejó otro tipo de sorpresas relacionadas con el vestuario de los asistentes (St. Vincent fue de emoji, Salma Hayek de lámpara) y varios “invitados” inesperados de la gala, entre ellos, “Jorge Javier Vázquez y Pad Padilla” (en realidad, el Oscarizado Jordan Peele y su mujer, Chelsea Peretti) y la “madrina de Shrek” (en realidad, Meryl Streep).
No, finalmente Sufjan Stevens no ganó el Oscar a Mejor canción, pero no dejó de ser una alegría verle en la ceremonia cantar ‘Mystery of Love’ junto a su grupo de músicos, entre ellos St. Vincent y Moses Sumney. No sabemos si se llegó a cruzar con Jennifer Lawrence, pero la actriz subiéndose por las butacas, copazo en mano, fue también uno de los momentazos de la noche.
The legendary, Rita Moreno, hits the #Oscars red carpet in the dress she wore back in 1962 when she won her Oscar for 'West Side Story' pic.twitter.com/1rUXZIjl7K
‘La forma del agua‘ ha resultado la gran ganadora de los Oscars 2018 al hacerse con el premio a mejor película y mejor director. La cinta de Guillermo del Toro fue estrenada en España en el festival de Sitges el pasado otoño, varios meses antes de llegar a las grandes pantallas del país. ‘La forma del agua’ también se ha hecho con el premio a mejor diseño de producción y mejor banda sonora.
La mejor canción ha sido ‘Remember Me’ de ‘Coco’, interpretada en la ceremonia por Miguel, Gael García Bernal y Natalia Lafourcade, lo que ha dejado sin premio a Sufjan Stevens, quien, como se había anunciado, ha interpretado ‘Mystery of Love’ en compañía de St Vincent, entre otros artistas. La composición de ‘Call Me By Your Name‘, película que ha logrado arañar el Oscar a Mejor Guión Adaptado, era interpretada con los artistas elevándose desde una plataforma subterránea. Esta es la actuación de la versión reducida de la canción.
No ha habido sorpresa en cuanto a los actores, por Gary Oldman ha ganado el galardón por ‘El instante más oscuro’ y Frances McDormand lo ha hecho por ‘Tres anuncios en las afueras’. Los mejores secundarios han sido Sam Rockwell también por ‘Tres anuncios en las afueras‘ y Allison Janney por ‘Yo, Tonya’. La excelente ‘Déjame salir‘ ha conseguido quedarse con el premio a mejor guión original, merecedísimo. Para ‘Dunkerque‘ han sido varios de los Oscars técnicos (sonido, efectos sonoros), además del de mejor montaje.
MEJOR PELÍCULA
‘La forma del agua’
MEJOR DIRECTOR
Guillermo del Toro por ‘La forma del agua’
MEJOR ACTOR
Gary Oldman por ‘El instante más oscuro’
MEJOR ACTRIZ
Frances McDormand por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Sam Rockwell por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Allison Janney por ‘Yo, Tonya’
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
James Ivory por ‘Call Me by Your Name’
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Jordan Peele, por ‘Déjame salir’
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Una mujer fantástica (Chile)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Coco
MEJOR DOCUMENTAL
Icarus
MEJOR FOTOGRAFIA
Roger Deakins por ‘Blade Runner 2049’
MEJOR SONIDO
Dunkerque
MEJORES EFECTOS SONOROS
Dunkerque
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
La forma del agua
MEJORES EFECTOS VISUALES
Blade Runner 2049
MEJOR VESTUARIO
El hilo invisible
MEJOR BANDA SONORA
Alexandre Desplat por ‘La forma del agua’
MEJOR CANCIÓN
‘Remember Me’ de ‘Coco’
MEJOR MONTAJE
Dunkerque
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
El instante más oscuro
MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN
Dear Basketball
Mejor Corto de Acción Real:
The Silent Child
MEJOR CORTO DOCUMENTAL
Heaven is a Traffic Jam on the 405