En 2015, Porcelain Raft, el proyecto unipersonal del neoyorquino de origen italiano Mauro Remiddi, estrenó sello propio, Volcanic Field, editando un EP titulado ‘Half Awake’, su primera referencia desde 2013, cuando lanzó su segundo álbum de estudio, ‘Permanent Signal‘. El EP contenía la destacada ‘All in My Head’ que, finalmente, ha quedado fuera de su nuevo álbum, que se acaba de anunciar. Se titula ‘Microclimate’ y sale el 20 de enero.
Para la creación de ‘Microclimate’, Remiddi se mudó a Los Ángeles, donde le inspiraron los «nuevos paisajes, topografía y clima» de la ciudad. «A lo largo de ‘Microclimate’ escuchamos guitarras acústicas mezcladas con sintetizadores de textura oxidada, cuerdas que se transforman en ritmos programados subacuáticos y, en el centro de cada canción, la voz de Remiddi está más presente que nunca», lee la nota de prensa.
«Por definición, un microclima es un conjunto de condiciones atmosféricas locales que difieren de aquellas áreas que le rodean», sigue la nota. «La temperatura única y humedad de la línea costera, el musgo que crece en una roca grande cerca del mar, todo esto son microclimas y estas 11 canciones son microclimas por sí mismas [porque] cada una contiene un mundo y atmósfera específicos, cada una es una experiencia independiente de la anterior, pero si escuchas las letras, puedes percibir un trabajo cohesionado».
El primer sencillo de ‘Microclimate’ es la electrónica ‘Distant Shore’.
‘Microclimate’:
01 The Earth Before Us
02 Big Sur
03 Rolling Over
04 Rising
05 Kookaburra
06 The Greatest View
07 Bring Me To The River
08 Accelerating Curve
09 The Poets Were Right
10 Zero Frame Per Second
ANOHNI ha hecho un vídeo para una de las canciones más importantes de su disco, precisamente la que lo titula, ‘Hopelessness’, en la que la artista captura su pesimista visión del mundo en una melodía tenebrosa y una letra que va al grano. «He estado cogiendo más de lo que merezco / sin reservar nada para nadie», lamenta. «He cavado hasta secar el banco del río, viviendo una mentira». «Paso de mí / lo que siento es que los animales y los árboles no tienen adónde ir / paso de ti, me importa una mierda lo que ocurra contigo / lo hemos echado todo a perder».
Para el vídeo de ‘Hopelessness’, ANOHNI no se ha conformado con utilizar un plano de su cara como en el vídeo de ‘I Don’t Love You Anymore’ o el de otra persona como en el vídeo de ‘Crisis’ sino que ha acudido a los directores Alex Carver y Daniel Schmidt para situar ‘Hopelessness’ en un contexto surrealista donde «el pasado lejano y los futuros distantes se fusionan irracionalmente en una visión extraña e icónica de martirio donde los animales son ciudadanos y las personas drones». Protagoniza la pieza una «mujer de negocios anónima» que sufre una alucinación, según la nota de prensa.
Por otro lado, ANOHNI se disculpaba hace unos días en Facebook por sus palabras sobre Apple Music no por su opinión sobre esta plataforma sino por que estas sugirieran ingratitud hacia las personas involucradas en el vídeo, principalmente Naomi Campbell, Nabill y Riccardo Tisci. «El vídeo de ‘Drone Bomb Me’ es el vídeo favorito de mi vida y estas son tres de mis personas favoritas», escribía. «Me quiero disculpar con todas ellas públicamente y honorarlos por su generosidad hacia mí y hacia el proyecto. Y quisiera aclarar que mis sentimientos hacia Apple son totalmente míos y no reflejan la opinión de estas personas en ningún sentido».
Bruno Mars visita estos días Reino Unido en plena promoción de de ’24K Magic’, su nuevo álbum, que se pone a la venta el día 18 de noviembre. Allí, en visita a la radio estatal británica, Mars y su banda han interpretado en un estudio algunas canciones. Por supuesto, ha caído el estupendo tema que da nombre a su nuevo álbum, pero sobre todo ha sorprendido al rehacer a su manera (recordando el R&B meloso de Boyz II Men o BVSMP) ‘All I Ask’, baladón incluido en el multiplatino ‘25‘ de Adele.
Por sorprendente que pueda parecer la elección, lo cierto es que no lo es en absoluto si recordamos que la canción fue co-escrita por Atkins con el propio Mars. De hecho, en los últimos días Bruno ha hablado de su experiencia junto a ella y, sorprendentemente, no parecía haber demasiado feeling entre ambos, al menos al principio: «Ella entró al estudio, con toda esa actitud, como una diva, como «no quiero esto, no quiero aquello», decía. Sin embargo, pronto la cosa mejoró: «Tan pronto como dimos con un par de acordes que le gustaron, todo comenzó a rodar, y de ahí salió esa canción». Más abajo podréis comparar ambas versiones en directo.
Pese a verse en entredicho por la acusación de plagio como co-autor de ‘Uptown Funk’, Bruno Mars va a tope con la promoción del sucesor de ‘Unorthodox Jukebox’. Mañana mismo presentará un nuevo adelanto, que no será la versión de estudio de ‘Chunky‘, sino un tema llamado ‘Versace On The Floor’. No hay nada de ironía en el título, puesto que Donatella y Bruno han profesado su admiración mutua en varias ocasiones. También hemos sabido estos días que el cantante será uno de los artistas invitados al famoso desfile anual de Victoria’s Secret, junto con Lady Gaga y The Weeknd, nada menos. Y además, ha sido elegido para abrir la gala de los Amercian Music Awards 2016 que se celebran el 20 de noviembre. Se viene un fin de año con Bruno hasta en la sopa.
Dudo que nadie que accediera a Japandroids entre los años 2009 y 2012 haya podido olvidar su rock clásico y melódico, ultravitaminado con una dosis brutal de vatios. Nosotros desde luego no. Por aquel entonces, el dúo de Vancouver publicaba ‘Post-Nothing’ y ‘Celebration Rock‘ (además del disco de rarezas y caras Bs ‘No Singles’), dos álbumes que les valieron grandes críticas y una aún mayor legión de seguidores que caía rendida ante su energía y sus certeros ganchos. Tras cuatro años de silencio, al fin Brian King y David Prowse han vuelto a dar señales de vida. Una expresión tópica que en su caso va que ni pintada.
El grupo ha anunciado la publicación, el próximo día 27 de enero, de ‘Near To The Wild Heart Of Life’. El disco será publicado por su nuevo sello, el poderoso Anti, y ha contado con producción de su colaborador habitual Jesse Gander. En una entrevista con Pitchfork, la pareja asegura haber buscado una mayor variedad de estilos en este disco, adentrándose en el uso de sintetizadores e incluyendo baladas. Nadie lo diría a tenor de la canción que lo adelanta y, además, le da título: se trata de un latigazo marca de la casa, a tope de vatios y con The Replacements en el retrovisor de su melodía. Podréis escucharla bajo el tracklist del disco:
1. Near To The Wild Heart Of Life
2. North East South West
3. True Love And A Free Life Of Free Will
4. I’m Sorry (For Not Finding You Sooner)
5. Arc Of Bar
6. Midnight To Morning
7. No Known Drink Or Drug
8. In A Body Like A Grave
La suma de Hope Sandoval de Mazzy Star y Colm Ó Cíosóig de My Bloody Valentine iguala a The Warm Inventions, que no es una de las formaciones paralelas con más proyección mediática del mundo, entre otras cosas porque ha editado solo dos discos desde su formación en 2001, pero sí una de las que más culto ha recibido gracias al origen de sus dos integrantes principales así como a la calidad de sus preciosas canciones. Mañana 4 de noviembre The Warm Inventions sucede a ‘Through the Devil Softly’ con un tercer largo titulado ‘Until the Hunter’ sobre el que hablamos, entre otras cosas, con Hope y Colm que, sí, por teléfono son tan recogidos como en disco, como percibiréis al instante.
Quería empezar la entrevista preguntándoos por la portada de vuestro nuevo disco. Es una medusa, ¿no? Que contiene un paisaje dentro… Es una portada curiosa. ¿Qué habéis querido expresar con ella? ¿En qué modo creéis que refleja el contenido del disco?
Hope: No creo que sea tan diferente a nuestras portadas anteriores. Tiene más detalle, quizás…
Colm: Es más luminosa.
Kurt Vile canta y toca la guitarra en ‘Let Me Get There’. ¿Cómo surgió esta colaboración? ¿Sois fans de él?
Colm: Un día, Hope y yo estábamos en una tienda de discos, Kurt Vile empezó a sonar de fondo y pregunté quién era. Compramos sus discos y nos gustaron. Hope pensaba que estaría bien que ‘Let Me Get There’ incluyera a un artista invitado, así que se lo pedimos a Kurt y aceptó.
El videoclip es intrigante, contiene cabezas voladoras, como tzantzas… ¿Qué habéis querido expresar con este vídeo?
Hope: No creo que sea un vídeo oscuro. Nos influyó el trabajo de Maya Deren. Parece oscuro porque los colores son oscuros pero las imágenes del vídeo son alegres.
Colm: Es una historia de amor diferente, que va más allá de la simple historia de amor, una historia que se desarrolla en otro mundo.
‘Into the Trees’ es muy distinta al resto del disco. Dura 9 minutos y es bastante mística.
Colm: No sé cuál es la historia de ‘Into the Trees’, Hope se sabe la letra.
Hope: Alguien a quien conocí en Londres me llevó al bosque. Y si ninguno de los dos sabéis lo que eso significa, tendréis que investigar…
«Alguien a quien conocí en Londres me llevó al bosque [de eso habla ‘Into the Trees’]. Y si ninguno de los dos sabéis lo que eso significa, tendréis que investigar…
– Hope Sandoval»
‘I Took a Slip’ es una canción que llama la atención desde el principio. Es muy vívida y contiene arreglos muy variados. ¿Qué me puedes contar de ella?
Colm: ‘I Took a Slip’ era una canción acústica en principio, pero entonces empezó a crecer y la llevamos a un espacio diferente con la ayuda de nuestros músicos. Es una canción… «sagrada», como de iglesia, tirado muy por los pelos…
¿Alguna canción del disco de la que os sintáis especialmente orgullosos?
Colm: Eso es como preguntarle a una madre por su hijo favorito. Estoy orgulloso de todas. ¿A qué se refiere ese orgullo? ¿A la canción más exitosa o a la que tiene la composición más interesante?
Me refiero a la canción que te haga sentir, como compositor, que has logrado algo superior a nada de lo que hayas hecho antes.
Colm: [Piensa] Espero que Hope pueda responderte a eso. Yo no puedo señalar una en particular. Todas me gustan. Todas tienen buenas historias.
Hope: Todas son muy buenas, si no pensáramos eso de todas, no estarían en el disco. Mi favorita cambia cada día. Pero hoy diría que mi favorita es ‘Into the Trees’. Cuando la grabamos, éramos solo Colm y yo; entonces, un día compré un órgano precioso de Alemania. Era la primera vez que lo tocaba e hicimos una sesión improvisada espectacular en una torre en Irlanda llamada Martello Tower. La sesión fue larguísima, lo pasamos genial, tocamos y bebimos vino hasta las tres de la mañana. No podíamos dejar de escuchar la canción cuando la grabamos. Me encanta, tiene un rollo muy oscuro y mágico.
Colm: Fue genial grabar en esta torre. Es una atmósfera diferente a la del estudio, con todas esas paredes de piedra…
«No pienso en la música en términos [de géneros]. No sé ni qué es la música electrónica. ¿Es música eléctrica?»
– Hope Sandoval
Hope, has cantado en ‘The Spoils’ de Massive Attack. Ya cantaste con el grupo, de hecho, en 2009, cuando salió el anterior disco de Warm Inventions…
Hope: Massive Attack y yo hemos escrito un montón de canciones juntos. No sé cuántas ya. El grupo me envía ideas de vez en cuando y me pide si puedo pasarle una melodía vocal y una letra y eso es lo que pasó con ‘The Spoils’.
¿Nunca has pensado en grabar un disco enteramente electrónico?
Hope: No pienso en la música en esos términos. Si alguien me envía música, no sé qué cómo se llama, no sé el estilo, pienso más en que me han enviado una melodía de teclado, una línea de bajo… Para mí solo es música. No sé ni qué es la música electrónica. ¿Es música eléctrica?
No sabes nada del disco de Massive Attack, ¿verdad?
Hope: No tengo ni idea de qué está haciendo el grupo pero seguro que tiene planes de sacar un disco. He trabajado en un par de canciones para este proyecto. El grupo ha trabajado con varios artistas y creo que, en algún momento, decidirá qué canciones encajan mejor en su concepto.
«No sé quién es Lana del Rey [pero] me gusta su nombre»
– Hope Sandoval
¿Percibes la influencia de Mazzy Star en artistas actuales como Beach House o Lana del Rey?
Hope: Sí pero Beach House tiene un estilo variado, no me parece que su último disco o el anterior suenen a Mazzy Star, aunque sí escuché esta influencia en uno de sus discos, creo que ‘Devotion’.
Colm: Puedes escuchar la influencia de su sonido en Beach House pero el grupo tiene su propio estilo.
Hope: Siempre es positivo que alguien se inspire en tu trabajo. Está destinado a suceder, [Colm y yo] llevamos tocando muchos años.
‘Ultraviolence’ de Lana Del Rey también es bastante Mazzy Star, ¿no crees?
Hope: No sé quién es.
Colm: No hemos escuchado el disco. Sé quién es pero no hemos oído el álbum.
Hope: No sé quién es. ¿Es americana?
Sí, es norteamericana, de Nueva York.
Hope: No sé quién es, la buscaré. Me gusta su nombre.
No es su nombre real, ella se llama Elizabeth Grant.
Hope: Se le ha ocurrido un buen nombre artístico.
Hope, ¿has percibido algún cambio en el modo de cantar que se lleva últimamente, por ejemplo en los programas buscatalentos tipo ‘American Idol’, con el que te caracteriza?
Hope: Siempre ha habido gente con voces grandes y gente con voces más pequeñas. Yo no tengo una voz grande, por eso canto tranquilamente, no sé cómo usar mi voz de esa manera, si lo supiera, probablemente lo haría [ríe].
«Percibo la influencia de My Bloody Valentine en muchas bandas actuales, también en grupos metal»
– Colm Ó Cíosóig
Colm, ¿has leído la lista de los mejores discos shoegaze de Pitchfork? ‘Loveless’ es número uno. Los otros dos discos del grupo también salen. No sé si te interesan las listas…
Colm: No he leído Pitchfork en los últimos días. Francamente, no me interesan las listas pero está bien saber eso [ríe].
¿Percibes la influencia de My Bloody Valentine en bandas actuales?
Colm: Sí, hay muchas bandas actuales en las que percibo el sonido de My Bloody Valentine. Luego también han salido algunos tributos como uno japonés llamado ‘Yellow Loveless‘, que es un disco muy interesante y entretenido. También he percibido la influencia de la banda en algunos grupos de metal modernos, por ejemplo en la manera que usan las guitarras. Es raro que nuestro sonido haya llegado a otros territorios musicales como este.
¿Hay novedades de My Bloody Valentine? No publicáis nada en las redes sociales desde 2014…
Estamos pensando en hacer un disco nuevo, quizá el año que viene…
Bravo Fisher! cambió de idioma entre su primer y segundo disco, pero el cambio del tercero es mucho más radical. Tanto que ya sólo es posible imaginar los coloridos estribillos de viejas canciones como ‘Go Back to Spain’, ‘Miradas‘ o ‘39‘ como bises de sus conciertos. El proyecto de Guillermo Galguera consiguió su propio lugar en el mundo del synth-pop ochentero, ese que no tanta gente en nuestro país ha reivindicado con acierto últimamente, por mucho que internacionalmente sí triunfaran proyectos como Chvrches. Si Amatria toca constantemente otros palos como el folclore y Joe Crepúsculo podría estar virando hacia el trap, en su tercer álbum ‘Solos’ Bravo Fisher! se aleja también del nicho ochentero para acercarse a la electrónica de los 90.
Y esto no es ni mucho menos como un disco de Disclosure. ‘Solos’ está dedicado a C. en su libreto («siempre te querré porque crecimos juntos, porque aprendí contigo. Me enseñaste a amar, y después, a decir adiós») y se plantea abiertamente como un álbum post-ruptura que «refleja tanto la soledad estando en pareja, como la soledad estando sin ella». Aunque el house es una influencia obvia, con este panorama nadie puede esperar hits tipo ‘White Noise’: el álbum se abre con una intro como de película de terror y retazos más bien de «witch-house» en un corte llamado ‘Luto’, con la frase «el tiempo ha muerto hoy, mi amor» por toda letra.
La primera impresión es un susto. Galguera, que ha ejercido durante una década como profesor de inglés, sabe seguramente que frases como «el mal se llevó cada gota de tu olor» y «no te volveré a soñar, eres mi luz negra» suenan muchísimo mejor en inglés que en castellano. Por otro lado, si bien se agradece la ausencia de gotitas de tropical house prestas para los nuevos 40 Principales, también es cierto que la producción del disco no suena demasiado moderna, más bien algo fuera de onda, cuando se la pone al lado de las últimas entregas de Jamie xx, Kaytranada o Caribou.
Sin embargo, las sucesivas escuchas van revelando la valentía de Bravo Fisher! al enfrentarse a este proyecto, su versatilidad como compositor y finalmente también lo acertado de la dirección artística. Aunque se insiste en que la composición y la pre-producción de las canciones la realizó en solitario, Ed Is Dead, autor de ‘Change‘, ha sido la persona adecuada para acabarlas. Con ese fondo tenebroso, falsamente austero, como grabado en blanco y negro, sorprende especialmente lo bien que funciona el uso del Spanglish en el álbum. Como si hubiera sido grabado en Nueva York en lugar de en Madrid, en ‘Despídeme‘ con Niccó, ‘Soñamos’ -irresistibles voces tratadas- y ‘Alas’ fluye con total naturalidad el diálogo entre castellano e inglés e incluso las tres, especialmente las dos primeras, están entre los mejores momentos del largo.
A ellos hay que sumar ‘Ruido’, que se debate tristemente entre las bases reptantes y los ritmos cortados y el bombo y la guitarra eléctrica que pelean por desmelenarse. Hay un falso final instrumental que es pura gloria… sólo para que la canción vuelva a caer en la oscuridad de la distorsión vocal, con una letra repetida hasta la saciedad -una constante en todo el disco, y las letras de Bravo Fisher! nunca habían sido tan cortas y repetitivas-, como en búsqueda de la asunción de que el amor se le va para siempre.
Entre guiños a los últimos Depeche Mode (‘Fuego’, ‘Brillar’) y a gente tipo Purity Ring o The xx en los momentos más sombríos (‘Luznegra’), y a Delorean en los más luminosos (‘Soñamos’), hay un par de canciones que, sin desentonar en el conjunto, llaman la atención por la variedad de sus influencias. El disco se cierra con un número como de jungle o big beat contenido llamado ‘Solos’ que recuerda a los Chemical Brothers de ‘Let Forever Be’, y más interesante aún, el pseudo piano jazz de ‘Frío’ lo podríamos relacionar con el trabajo que Ed Is Dead ha realizado con la cantante de flamenco Ariadna Castellanos. Ignoro si sus viejos fans comprenderán este disco o si se abren nuevas posibilidades para Bravo Fisher!, pero al menos ha podido dejar atrás sus fantasmas personales evolucionando en el terreno artístico.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Despídeme’, ‘Soñamos’, ‘Ruido’, ‘Solos’ Te gustará si te gustan: los últimos Depeche Mode, Ed Is Dead, Purity Ring, Jamie xx Escúchalo:Spotify Cómpralo: esta vez sí hay vinilo.
La secuela de ‘Trainspotting’, seminal película que se estrenó en 1996 y marcó a toda una generación, se estrena el próximo 27 de enero. El film, jugando con la denominación de una línea ferroviaria, lleva el título de ‘T2: Trainspotting’, está dirigido, de nuevo, por Danny Boyle y su guión se basa en la novela de Irvine Welsh, ‘Porno’, secuela a su vez de la novela en la que se basaba aquel. También cuenta con el cásting original, con Ewan McGregor (Renton), Ewen Bremner (Spud), Jonny Lee Miller (Sick Boy), Robert Carlyle (Begbie) y Kelly Macdonald (Diane) al frente. Tras haber podido ver un breve teaser el pasado verano, hoy llega el tráiler oficial de esta segunda parte que, o mucho engaña el montaje o parece tan trepidante como la primera.
En él, por supuesto, vemos a los protagonistas 20 años mayores, pero todo comienza de nuevo con otro monólogo de Renton, análogo al que abría ‘Trainspotting’: aquel «Choose Life. Choose a job. Choose a career. Choose a family» hoy se ha convertido en «Choose life, choose Facebook, Twitter, Instagram and hope that someone, somewhere cares».
También destaca en él la música, un elemento importantísimo en esta obra. Aunque volvemos a encontrarnos con el glorioso ‘Born Slippy’ de Underworld, esta vez la BSO está abierta a bandas actuales. En un momento del tráiler, de hecho, suena ‘Silk’, incluido en el celebrado debut de Wolf Alice ‘My Love Is Cool’.
Una de las muchas sorpresas de ‘Lemonade‘ era la incursión country de Beyoncé en ‘Daddy Lessons’. El trío de country Dixie Chicks había versionado la canción durante su gira y ahora Beyoncé y las chicas se han unido para hacer una versión de estudio de la canción que se está regalando a través de la web de Dixie Chicks y Soundcloud. La nueva versión es más larga, contiene una instrumentación que lleva los arreglos country de banjo y cuerdas mucho más allá, y una outro comentada por las artistas.
Además, anoche se celebró la 50ª edición de los Premios de la Música Country en Nashville y, quién iba a decirlo, Beyoncé se pasó por allí vestida de gala para actuar junto a Dixie Chicks. Lógicamente, interpretaron la versión conjunta de ‘Daddy Lessons’. Entre los grandes ganadores de la noche, Little Big Town han llevado al número 1 de la lista de iTunes USA su tema ‘Better Man,’ que no es otro que el que ayer sabíamos donado por Taylor Swift.
Con 2,5 millones de copias reales vendidas, ‘Lemonade’ es el disco editado en 2016 más vendido del año en todo el mundo, si bien ninguno de sus singles ha terminado de arrasar en las listas debido, en parte, a que el álbum continúa sin aparecer en las plataformas de streaming. ¿Puede ser ‘Daddy Lessons’ el ‘Love on Top‘ de este álbum?
The xx compartían recientemente una playlist con su música favorita durante la grabación de su tercer álbum, que se espera para algún momento de 2017. Ahora, la web Indiespot ha notado que en esa playlist ha aparecido una misteriosa pista de 55 segundos que parece representar de manera bastante clara nueva música del trío formado por Romy, Jamie y Oliver. En la pista casi instrumental, continuista con respecto al sonido de su primer álbum y también parte del segundo, incluso se escucha lo que parece la voz de Romy. ¿Qué otra cosa puede ser si sumamos que el sello bajo el que aparece este fragmento de tema es el mismo de The xx, Young Turks?
Aunque la pista no dice mucho sobre un posible sonido de The xx, el resto de la playlist que se compartía hace unas semanas, revela que sí podría haber una gran evolución en su sonido, seguramente inspirada por el exitazo del disco en solitario de Jamie xx, que llegaba a ser nominado para el Mercury y retrasaba el lanzamiento del mismísimo tercer disco del grupo. En la playlist estaban Floating Points, Kaytranada con The Internet, Christine and the Queens, Arca, el remix de Four Tet para Rihanna, Solange, Drake con PARTYNEXTDOOR y Sampha, entre otros.
‘Evening Souvenirs‘ es uno de los discos más bonitos que se han editado últimamente. Fascinados por ese hombre que ha compuesto y producido todo solo, y además ha tocado todos los instrumentos, asistido eso sí por la guitarra de Mark Kiff, la voz principal de Maddie Dobie y un coro de 25 personas que incluye dos Rogers, dos personas apellidadas Rodgers y tres Sarahs; le hemos pedido una lista de canciones que han influido en este segundo álbum.
Joe Moore no utiliza Spotify, pero ha tenido la amabilidad de pasarnos esta lista que adaptamos para la red de streaming con dos excepciones: los temas de Claudine Longet os los presentamos vía Youtube. Por lo demás, no íbamos desencaminados al citar como influencia muy específicamente ‘Comment te dire adieu’ de Françoise Hardy, más por sus arreglos que por la composición de Gainsbourg, y ‘Ne me quitte pas’ de Jacques Brel o una de las canciones de ‘Nancy & Lee’. Sorprende más la presencia de Jeanette, ABBA o Pet Shop Boys, aunque junto a ‘You Still Believe In Me’ de Beach Boys, ‘Manchester et Liverpool’ de Andre Popp, ‘Deeper Tones Of Blue’ de Nick Garrie o ‘Windmills Of Your Mind’ de Noel Harrison conforman una playlist exquisita y ciertamente conectada con el maravilloso ‘Evening Souvenirs’.
Francoise Hardy – Comment Te Dire Adieu
Astrud Gilberto – Once I Loved
Claudine Longet – Love Is Blue
Beach Boys – You Still Believe In Me
Sandie Shaw – Always Something There To Remind Me
Jeanette – Soy Rebelde
André Popp – Manchester Et Liverpool
ABBA – The Day Before You Came
Pet Shop Boys – Rent
Dusty Springfield – I Close My Eyes And Count To Ten
Noel Harrison – Windmills Of Your Mind
Jacques Brel – Ne Me Quitte Pas
Claudine Longet – Meditation
Nancy & Lee – Some Velvet Morning
Nick Garrie – Deeper Tones Of Blue
Getz/Gilberto – The Girl From Ipanema
Francoise Hardy – Message Personnel
El estreno simultáneo en todo el mundo de la tercera temporada de ‘Black Mirror’, con sus 6 episodios subidos a la vez con sus correspondientes subtítulos, es la prueba de que hemos llegado al futuro. Se han acabado así un montón de problemas de primer mundo: las torturas de bajarse «fakes», subtítulos descuadrados, expresiones mal traducidas y de tragarse spoilers en tuits de webs americanas porque algo se ha estrenado allí unas semanas, unos días o ya unas horas antes.
Ese «futuro» en el que nos hallamos es también una de las razones por las que ‘Black Mirror’ gusta tanto y da tanto miedo: casi siempre la realidad virtual de sus historias representa algo tan creíble como para generar más inquietud que el 80% de películas catalogadas «de terror» de tu plataforma online de series y películas favorita. A diferencia de los futuros distópicos que ha planteado en ocasiones la ciencia ficción, con mundos fantásticos a los que no terminamos de llegar por más que pasan los años, todo lo que vemos en ella se parece demasiado a la realidad, nos es demasiado familiar… cuando no se ha producido ya de facto.
Esta nueva temporada se abre con un episodio llamado ‘Nosedive’, cuya foto principal de promoción es el día a día de las calles de cualquier gran ciudad: gente mirando un móvil chocándose con otra gente que también está mirando su smartphone. Su temática, una sociedad en la que todo individuo está puntuado de 0 a 5, con la nota visible para todos los demás, ya la vivimos de manera parecida en Uber, donde conductor y cliente se dejan una valoración mutua basada en estrellitas nada más despedirse; y el episodio, de hecho, ha sido comparado con la APP Peeple, que valora personas en el ámbito personal, profesional e incluso romántico.
‘Black Mirror’ triunfa porque por supuesto como serie de ficción lleva las fronteras éticas de todo esto un paso más allá, pero muchos de sus planteamientos están ya en las páginas de los periódicos. Hay, por ejemplo, una reflexión política sobre la inmigración y el exterminio de los que se consideran los más desfavorecidos en el quinto episodio ‘Men Against Fire’ que más que futuro hipotético suena a doloroso pasado. El Diario escribe un interesante artículo sobre este capítulo relacionándolo con la crisis de los refugiados, con la demonización de los que piden ayudas en Occidente o con la deshumanización de la pobreza en general. Asimismo, la serie, a lo largo de sus diversos capítulos reflexiona sobre la manipulación del gobierno, la falta de accesibilidad a las ayudas precisamente cuando más se necesitan, la marginalidad como fuente de más marginalidad, las dificultades para distinguir lo real y lo virtual o los límites de esa realidad virtual.
Hay un añadido más que ya se ha visto en otras temporadas de ‘Black Mirror’ pero ahora se ha elevado al cubo porque los tiempos han cambiado desde que se emitió el inolvidable piloto de la serie. En todos los guiones cumple una función fundamental la locura de las redes sociales y las últimas apps. Y nada como algo que ha crecido de manera exponencial hasta hacernos olvidar -en 0,04 segundos a lo sumo- que existía la vida sin ello mejor para sumar dolor, impotencia y miedo, sobre todo mucho miedo, al visionado de todos estos episodios. El retrato en una serie de la tiranía de las redes sociales, la necesidad por ser aceptado en ellas o en un grupo social, las muestras de odio públicas a que asistimos a diario y que de manera tan abrumadora aparecen retratadas en el último episodio de una hora y media de duración (‘Hated in the Nation’) es impresionante. Quizá sólo porque dedicando una hora a su visionado somos un poquito más conscientes de que noticias parecidas ya las hemos leído en la prensa, aunque en otro momento solo tuviéramos unos segundos para ellas: se suicida una mujer tras viralizarse lo que le decía a su novio tras una felación, muere una persona haciéndose un selfie, se filtran las fotos privadas de decenas de actrices, Donald Trump se jacta de que levantaría un muro entre Estados Unidos y México, y de que además lo pagaría México…
Puede que Charlie Brooker, que escribe en general en solitario los guiones de todos los episodios de ‘Black Mirror’, simplemente sea un gran lector de diarios online, pero hay que reconocerle que además de seleccionar las historias, sabe orquestar cada uno de los capítulos de manera bastante diferente a los demás. Alguna vez le falta algo de credibilidad (Spoiler: en el primer episodio de esta tanda cuesta creer que una persona que lleva toda una vida labrando un 4,2 sobre 5, no sepa cómo NO comportarse en un aeropuerto o cómo NO puede acudir a una boda), y alguna vez le sobra el gusto por aleccionarnos, pero en general alucina su modo de hacer reflexionar al espectador poniéndole simplemente un espejo en frente, de sorprenderle con inesperados giros de guión (‘Shut Up and Dance’), y de dejar escenas que son poesía pura, como la última del capítulo ‘Nosedive’, paradójicamente un desahogo de libertad, muy relacionada con una de las citas de ese episodio («They are fake-smile jail cells!»).
Entre todos, aunque no el más ambicioso en su deseo de salvar el mundo de la guerra y la estupidez, ni tampoco el más realista, ‘San Junipero’ permanecerá como uno de los favoritos de toda la historia de ‘Black Mirror’. Fue el primero escrito esta vez por Brooke, aunque se prefirió no situarlo en primer lugar, quizá porque juega un tanto al despiste. Durante gran parte del capítulo ni siquiera sabes qué pinta su trama en ‘Black Mirror’ y al final termina abriendo uno de los debates éticos más ricos, en este caso sobre la vida, la realidad, la irrealidad, la felicidad, el deseo de olvidar o la muerte. Precioso. 9.
Parte de la redacción valora el single ‘After the Afterparty’ de Charli XCX.
«No cabe ninguna duda que Charli XCX es un culo inquieto. Cambia de chaqueta a cada disco: en su debut le daba al post-nuclear chic trasladado al tecnopop; con ‘Sucker’ nos hizo fantasear con un nuevo futuro en el que una versión contemporáneo del bubblegum-punk gobernara el mundo; y con ‘Vroom Vroom‘ demostró que no le asustaba arrimarse a la vanguardia del vaporwave. En ese sentido, puede que ‘After The Afterparty’ tenga aspecto de arrepentimiento, de paso atrás, pero de lo que no deja dudas es de la enorme capacidad de esta joven británica para dar con ganchos arrebatadores. Es, otra vez, el caso de este single de producción más convencional que difícilmente podrás sacar de tu cabeza desde casi en la primera escucha. Yo diría que estamos ante una de las compositoras de música pop más preclaras de su generación». Raúl Guillén.
«Desde que Charli XCX sampleara a Gold Panda, siempre espero una superproducción de sus sencillos. Ella, en cambio, apuesta por centrarse en buscar melodías que consigan que sus composiciones se queden grabadas en tu cerebro. Y bien por Charli, porque esa con la que arranca este single de fiesta post-after (toma vocal y piano), que se repite en varios puntos y de varias formas a lo largo del tema, es la principal vía para que esto se convierta en otro mini hit internacional o en nuestros corazones. De nuevo, la artista no decepciona». Sebas E. Alonso.
«Cuento con Charli XCX para que saque una canción POP con todas las letras que, a su vez, suene puramente personal y a 2016. No ha decepcionado con ‘After the Afterparty’, un número bombástico que aúna hip-hop con otra de esas melodías chicle que Aitchinson es experta en componer y en el que la cantante encuentra un buen balance entre su lado agresivo y su lado más melódico y empalagoso, no sin un puntito de experimentación. En definitiva, aparentemente el mejor adelanto posible para su disco PC Music, que se espera para el año que viene». JB.
En los últimos años, el movimiento Black Lives Matter ha influido el trabajo de algunos de los artistas afroamericanos más relevantes de la actualidad como Beyoncé, Kendrick Lamar, Solange, D’Angelo o Blood Orange. Todos estos artistas han protestado contra la violencia racial en Estados Unidos entregando algunos de sus mejores discos hasta la fecha.
Y luego está Lil Wayne. El autor de ‘A Milli’ no edita un disco verdaderamente relevante desde hace años, pero siempre es noticia por un motivo u otro, ya sea por alguna filtración polémica o por sus problemas de salud. Lo último ha sido una entrevista con Nightline en la que ha asegurado no sentirse identificado con el movimiento Black Lives Matter. «Me suena raro que hasta tenga un nombre», ha dicho. «No es esta cosa o la otra, es un policía que ha disparado a alguien por la horrible razón que sea. Yo no me siento identificado con una puta mierda que no tenga que ver conmigo».
A continuación, Wayne revela, sin querer, el secreto de sus palabras, un ego desmedido que no le deja ver más allá de su propia persona. «Soy un joven negro rico, si eso no te hace entender que América entiende que los negros importan hoy en día, no sé qué lo puede hacer. Ese tío blanco me está grabando a mí. Soy un negro. No me venga con esas chorradas, señora, mi vida importa, sobre todo a mis zorritas». Se acabó el racismo en Estados Unidos, ¡habíamos olvidado que Lil Wayne es rico!
La reacción de Wayne es curiosa, como si se hubiera sentido atacado por que a alguien se le haya ocurrido que pueda tener algo remotamente interesante que decir sobre un asunto de interés social como es Black Lives Matter siendo él afroamericano, habiendo escrito canciones sobre racismo o incluso habido mencionado el mismo movimiento en un concierto no tan lejano en el tiempo. ¿Quién habrá tenido la idea? Para la próxima, en serio, no más preguntas sobre política a Lil Wayne. Así nos ahorramos disgustos.
Lil Wayne says he doesn't feel connected to Black Lives Matter movement. Watch tonight on Nightline at 12:35am ET. pic.twitter.com/28eBGfpSja
Adele es noticia estos días por haberse disfrazado de La Máscara en Halloween, como veis en las imágenes de abajo, que dan más miedo que Jim Carrey o casi. Pero, sobre todo, lo es por su última entrevista a Vanity Fair, donde la cantante se ha sincerado sobre varios asuntos que tienen que ver con su vida profesional y personal, lo que incluye la fama, el dinero y su maternidad. Sobre este último asunto, la autora de ‘25’ ha confesado que sufrió depresión posparto tras el nacimiento de su hijo Angelo en 2012. Adele ha dicho que ama a su hijo «más que a nada» pero que lo buscó por presión social («todos mis amigos se sintieron presionados por ser padres porque eso es lo que hacen los adultos», ha indicado) y no ha tenido ningún reparo en confesar que «cada día, por un minuto o dos, me gustaría hacer lo que me diera la puta gana cuando quisiera» (pero que no puede porque es madre, se entiende). De hecho, cuando la periodista de Vanity Fair felicita a Adele por su valentía al decidir ser madre durante el éxito de ‘21’, Adele responde que es «más valiente no tener hijos».
En un punto particularmente doloroso de la entrevista, Adele recuerda que llegó a sentir que «había tomado la peor decisión de [su] vida» cuando fue madre. «Mi conocimiento de la depresión posparto», ha señalado, «es que no quieres estar con tu hijo [porque] te preocupa hacerle daño, te preocupa que no estés haciendo un buen trabajo, pero yo estaba obsesionada con mi hijo, me sentía muy poco adecuada [para cuidarlo]». La artista asegura que superó su depresión primero admitiendo que odiaba ser madre y, después, tomándose unos días de descanso sin su criatura, agregando que se sintió mal al hacerlo «pero no tan mal como me habría sentido si no lo hubiera hecho».
En cuanto a la fama y al dinero, Adele tiene también algo interesante que decir. La autora de ‘Rolling In the Deep’ reconoce que le gusta escribir música y dar conciertos pero no ser famosa y que se la fotografíe fuera de los escenarios porque «nadie debería ser famoso por ir al supermercado o al parque». «El problema», continúa Adele, «es que no puedes hablar de las desventajas que conlleva la fama porque la gente tiene esperanza y se aferra a esa esperanza de cómo sería ser famoso, ser adorado, tener la capacidad de crear y hacer cosas buenas. [Pero] el dinero hace que la gente actúe de manera súper rara, es como si les intimidara, como si yo llevara mi puto dinero encima».
Os dejamos con las imperdibles fotos de Adele disfrazada de La Máscara:
Finalmente, Foxygen no se ha separado tal y como parecía que había sugerido en 2015, cuando el grupo anunció su retirada de los escenarios en un comunicado en las redes sociales en la que agradecía a fans y equipo por su apoyo y decía «adiós». La banda de California liderada por Jonathan Rado no solo ha anunciado hoy nuevo disco sino también gira norteamericana. ¿Pasará esta por España?
El nuevo álbum de Foxygen se titula ‘Hang’ y sale el 20 de enero a través de Jagjaguwar. Este incluye ocho canciones, entre ellas la dramática ‘America’, que conocíamos hace unas semanas, y el nuevo single, ‘Follow the Leader’. El disco contiene arreglos de orquesta dirigidos por Trey Pollard con asistencia de Matthew E. White (colaborador de Natalie Prass) y la colaboración del dúo Lemon Twigs, que pasó recientemente por nuestra sección «revelación o timo». También Steven Drozd de los Flaming Lips aparece por aquí.
‘Follow the Leader’ vuelve a ser un número sorprendente en su acercamiento sin prejuicio alguno al pop orquestado de los 70. Efectivamente contiene cuerdas, vientos, percusiones y una melodía como un sol de buena que remite a buena parte de los éxitos de la época. Su vídeo, dirigido por Cameron Dutra, ya puede verse y está protagonizado por un bailarín Rado que se acompaña de un grupo de personas para hacer tonterías en un parque. Tiene un punto absurdo bastante divertido.
‘Hang’:
01 Follow the Leader
02 Avalon
03 Mrs. Adams
04 America
05 On Lankershim
06 Upon a Hill
07 Trauma
08 Rise Up
«Con Dios me acuesto / con Dios me levanto / conmigo me callo / conmigo yo canto». Esto, repetido hasta la saciedad en portugués, es la mitad de la letra del hitazo de Sofi Tukker, que se acerca a los 15 millones de reproducciones en Spotify tras haber sido adoptado por un anuncio de Apple. Y no es esa repetición lo que termina de hacer de ‘Drinkee’ una de las canciones más mónguer -para bien- de los últimos meses, sino ese gracioso punteo de guitarra que dicen que salió en cuanto Sophie se colgó este instrumento.
Ellos son el dúo Tucker Halpern y Sophie Hawley-Weld, dos jóvenes sitos en Nueva York que se conocieron durante el último año de carrera, que se conforman con cualquier lugar de esta ciudad en el que «pongan house y estén sus amigos» y que consiguen que lo difícil parezca muy fácil. Este año debutan con este EP llamado ‘Soft Animals’ que les puede llevar a tocar en multitud de festivales durante los años venideros. En él alternan eso, la música house, los ritmos latinos y una electrónica sofisticada, de un modo similar a lo que hacían los Moloko del tercer disco, el exitoso ‘Things to Make and Do’.
Tomando algunas letras del escritor brasileño Chacal, al que Sophie conoció personalmente en la universidad estudiando portugués (‘Drinkee’ está inspirada en su poema ‘Relógio‘ y ‘Matadora’ toma de ‘Ai de mim, aipim‘ ese «Transa uma com a cebola / Aquele hálito? / Que hábito, me faz chorar»), y algunos instrumentos andinos como el charango, que abre la misma ‘Matadora’ (intrigantes luego esos vientazos), Sofi Tukker consiguen crear un pequeño mundo bastante personal. En él caben tanto la divertida ‘Awoo’ con su colega Betta Lemme, unas notas de piano hipnóticas y unas percusiones que invitan al baile tribal, como incluso la reflexión social, con una ‘Hey Lion’ inspirada en El Rey León, de clarísimas inclinaciones feministas («Hey lion, you’re not my king / And I don’t want your worship / I’m already tall / Hey lion, you keep your gifts / I’ve got many of them / And I’m already full»).
La voz de Sophie también es dulce y apta para las baladas y mientras ‘Moon Tattoo’ es un poco más monótona con un crescendo vocal algo frustrado que simplemente nos recuerda a los primeros Hooverphonic, ‘Déjà-vu Affair’ sí presenta más matices, con un fondo electrónico en la estela de Moderat, una letra seductora que habla de champagne y txakolí y una guitarra surfera que conectará con los fans de ‘Toxic’.
El vídeo de ‘Drinkee’ da, en definitiva, una buena idea de lo que es el dúo: un combo de influencias coloridas, tropicales y urbanas (a veces se dejan llevar por la moda R&B de distorsionar las voces) que sin duda supera los méritos que ambos iban a alcanzar por separado, ella en un desconocido grupo de baladas bossa nova que a él le aburría, él como jugador de baloncesto. ¿No es una suerte que se hayan encontrado?
Sofi Tukker actúan este viernes 4 de noviembre en Madrid con Stereo Total, Hidrogenesse y Die Katapult y el 5 de noviembre en RazzClubs, Barcelona (mismo día que Stereo Total o Satellite Stories).
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Matadora’, ‘Drinkee’, ‘Déjà-vu Affair’ Te gustará si te gusta: Moloko, Cansei de ser Sexy, Hooverphonic, Bomba Estéreo Escúchalo:Spotify
Hace unos días, Morrissey afirmaba en una entrevista que la victoria del Brexit (que implica la salida del Reino Unido de la UE) en el referéndum de hace unos meses le parecía «magnífica». Lo que parecía solo una nueva declaración controvertida que sumar a su larga lista personal, podría tener otro tipo de consecuencias, porque parece que, tras ella, una hipotética reunión de The Smiths estaría más lejos que nunca de ser posible. Así lo ha afirmado Johnny Marr en declaraciones a Sky News (precisamente uno de los medios de comunicación a los que Mozz criticaba en la misma entrevista).
Preguntado por una periodista sobre el tema y recordando también que Mozz había alabado antes a Nigel Farage, ex-lider del UKIP, como un «educador liberal», Marr aseguró que «probablemente ya no tenían nada en común ideológicamente. Siempre se me olvida». El guitarrista hizo campaña, como muchos otros músicos, a favor de la permanencia en la UE, y comparó la campaña pro-Brexit con la propaganda nazi. «Son cosas que no escucho de primera mano. Si es cierto que es pro-Farage, entonces habría un leve retroceso en ello, como todo el mundo puede imaginar», dice con ironía.
En todo caso, antes de eso, en la entrevista ya había indicado previamente que no tiene demasiado interés en que esa teórica reunión tenga lugar. «No creo que sea necesario en absoluto, me gusta mirar al futuro. Andy y yo tocamos juntos, cuando voy a Nueva York. Le invito a subir a escena y tocamos un par de temas. Para mí, eso es todo lo lejos que necesito llegar», sentencia. En cualquier caso, la pregunta no es tan marciana como parece, puesto que hace unos días se ha confirmado que en 2008 Marr y Morrissey mantuvieron algunos encuentros para hablar de una posible reunión que no fructificó, finalmente.
A principios de este año, la gala de los Premios Goya 2016 fue presentada, por segundo año consecutivo, por el actor malagueño Dani Rovira. Tras una gala en 2015 en la que recibió numerosos elogios, la última edición de los premios otorgados por la Academia de Cine española le valieron algunas críticas, que le llevaron a arrepentirse de haber presentado el evento. Sin embargo, los meses han servido para que el protagonista de ‘Ocho apellidos vascos’ recapacite y ahora confirme lo que hace días era un rumor: volverá a presentar la gala de los Goya en 2017.
Hace unos días, entrevistado por Pablo Motos en ‘El Hormiguero’, ya decía que él y los Goya se estaban «volviendo a gustar». Hoy, en un reportaje de El Periódico de Cataluña, Rovira confirma que efectivamente será el conductor de la gala y que se ha reunido en varias ocasiones con Yvonne Blake (la premiada figurinista que preside la Academia tras la salida de Antonio Resines y su equipo hace unos meses) para buscar el enfoque del evento. Asegura haber cambiado el enfoque a las críticas recibidas en Twitter («Tantos enemigos tienes en Twitter tanto vales, por ejemplo»), y ha decidido hacerlo porque disfrutó mucho de las dos ocasiones anteriores:
“Esto de los Goya es una patata caliente que nadie quiere. Yo debo ser tonto, pero disfruto con el marronazo, me lo paso muy bien. De hecho, el año pasado también me lo pasé bien. Pero luego todo fueron gritos. Se enfadaron hasta los que fabrican yates. Lo podía haber hecho mejor, claro. Pero también peor. Yo estoy muy orgulloso de las dos galas. ¿Por qué cojones cuatro amargados me van a impedir hacer algo que lo hago bien si, además, la industria me apoya?”
El actor promociona estos días la película ‘100 metros’, en la que da vida a un hombre que, tras ser diagnosticado de esclerosis múltiple, se propone correr un triatlón. Quizá os suena más por la canción principal del film, que corre a cargo de Amaia Montero, la que nos pareció una de las interpretaciones más delirantes de su carrera.
No podemos olvidar que, antes de ser una ominpresente estrella del pop en su más amplio espectro, Taylor Swift se inició triunfando en los circuitos del country-pop de su país. Rememorando aquellos días, se acaba de hacer público que el nuevo single de los veteranos Little Big Town, titulado ‘Better Man’, ha sido cedido por la autora de ‘1989’ a este grupo formado a finales de los 90. El single anticipa la salida en 2017 de ‘The Breaker’, su octavo álbum de estudio tras ‘Wanderlust‘, un miniálbum editado este año en colaboración con Pharrell Williams.
El tema en cuestión es un medio tiempo marca de la casa (un poco ‘Wildest Dreams’, pero con una producción más tradicional), cuya letra parece hablar sobre una ruptura sentimental con un hombre «que no sabía lo que tenía». «Ojalá hubieras sido un hombre mejor, podríamos seguir enamorados si hubieras sido un hombre mejor», canta Tay… perdón, Karen Fairchild. «Estoy mejor sola que con un hombre que era capaz de cambiar de idea a cada minuto», sentencia. ¿Está mandando algún tipo de mensaje a Calvin Harris? ¿O quizá a Tom Hiddleston, el actor por el que le sustituyó durante un breve periodo de tiempo?
De forma extraña, parece ser que Taylor dio la canción al grupo pidiendo que mantuviera su anonimato pero, finalmente, el grupo ha optado por revelar su autoría (¿cómo dejar pasar tan estupenda promoción, verdad?) y ella lo ha celebrado en un mensaje en Instagram. ¿No suena un poco como aque la rocambolescahistoria detrás de ‘This Is What You Came For’, el éxito de Calvin Harris de este verano que pudo ser el detonante en la separación de la pareja? Por otra parte, recordemos que ya hay señales que indican que Swift podría hacer su comeback más pronto que tarde.
Días después del lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Lady Wood’ (una expresión que, según la artista sueca, es el equivalente femenino de una erección), Tove Lo ha presentado el cortometraje ‘Fairy Dust’. Se trata de una pieza visual de algo más de 30 minutos dirigida por Tim Erem, también co-guionista junto a Lo, en el que se presenta la conflictiva relación entre Tove y Lorna (la actriz Lina Esco), dos chicas que eluden los roles femeninos convencionales y que se dejan guiar por sus instintos, tanto en el sexo como en sus tendencias autodestructivas.
El corto, por supuesto, es un soporte visual de lujo para varias canciones de ‘Lady Wood’, concretamente para las incluidas en el «Capítulo I» del disco, que se llama precisamente ‘Fairy Dust’ (¿suponemos que ‘Fire Fade’, la segunda mitad, también tendrá película?). Incluyendo el ya conocido clip de ‘Cool Girl’, dentro de la línea argumental de la película hay momentos dedicados a ‘Influence’, ‘Lady Wood’ (la canción), ‘True Disaster‘ y ‘Vibes’, el dueto con el compositor e intérprete birtánico Joe Janiak.
Pero el momento más llamativo del film llega precisamente en los títulos de crédito (final inesperado incluido), cuando vemos a Tove sobre la cama del motel en el que se alojaba con Lorna masturbándose de una forma absolutamente explícita. Vamos, que no podríamos decir si está interpretando su papel o algo más. De hecho, el vídeo llegó a ser retirado de Youtube durante unas horas, aunque después volvió a ser subido. Tove habló sobre esa censura en Twitter, diciendo que no lo entendía, si ni siquiera estaba desnuda. En ese momento, además, suena una canción nueva titulada ‘What I Want For The Night (Bitches)’. ¿Será parte de ese otro disco del que Tove nos habló en una reciente entrevista? ¿Habrá un ‘Lady Wood’ Parte II antes de lo que imaginamos?
Como se había anticipado hace unas semanas a través de Facebook, hoy se publica «el cartel casi definitivo» del XXII Minifestival de Música Independiente de Barcelona, que tendrá dos fechas: el sábado 11 de marzo en el Espai Jove Les Basses y el sábado 25 de marzo en La Capsa del Prat. A falta de varios artistas «to be announced» así en inglés, ya se conoce la presencia de gente como Luke Haines, Linda Guilala, Helen Love, Ana Béjar y Cristina Quesada, entre otros. Más información, en su página web.
En 2011 publicamos un repaso por la discografía del singular Luke Haines (The Auteurs, Black Box Recorder), aunque desde entonces ha sido generoso en lanzamientos también de lo más peculiar: el notable ‘Rock And Roll Animals‘, un ‘New York in the 70’s‘, vinculado a la muerte de Lou Reed; una sátira ininteligible en forma de micro-ópera, y ahora un álbum llamado ‘Smash the System‘, entre otros lanzamientos. En 2013 nos dejaba toda una mina de titulares durante una entrevista, como «ser famoso no tiene ningún beneficio».
Os dejamos con el calendario de Minifestival:
11 de marzo:
ANA BEJAR
TBA
SALAD (UNDRESSED)
CRISTINA QUESADA
TBA
25 de marzo:
ESCENARI CARCHOFA
17:30 TBA
18:30 TBA
ESCENARI PRINCIPAL
19:30 ZELIG
20:30 ÚLTIM CAVALL
21:30 FALSE ADVERTISING
22:30 LUKE HAINES
23:30 LINDA GUILALA
00:30 HELEN LOVE
2016 pasará a la historia como el año en que perdimos a David Bowie y a Prince, y la nueva actualización de iOS, la 10.2, es muy consciente al menos de lo primero. Como ha notado la redacción de Consequence of Sound, a su vez citando como fuente a Metro, esa nueva actualización, entre nuevas profesiones del tipo astronauta, chef o granjero y nuevos iconos de varios tipos, incluye una adaptación masculina y femenina del look de David Bowie en ‘Aladdin Sane’, uno de los momentos más icónicos de toda su carrera. Despistados despistadísimos, podéis reconocer los emojis de Bowie en el cuadro adjunto abajo a la izquierda o a través de este enlace.
Este otoño se han lanzado las tres últimas canciones de David Bowie dentro de la banda sonora del musical ‘Lazarus’, en la que trabajó cuando ya estaba enfermo de cáncer, al igual que sucedía con ‘Blackstar‘, el álbum que se editaba el pasado mes de enero. La versión digital subida a Spotify no incluye el streaming de estas tres pistas sueltas, a las que solo se puede acceder mediante compra. También se lanza este 11 de noviembre un nuevo recopilatorio llamado ‘Legacy’, que incluye alguna muestra de ‘Blackstar’, si bien para su versión vinilo hay que esperar hasta enero de 2017.
El single de Francis and the Lights ‘See Her Out’, coproducido por Justin Vernon de Bon Iver, el propio Francis Starlite y BJ Burton no está en nuestra playlist de mejores canciones del momento, únicamente porque ya la metimos en la playlist del mes pasado. Pero es ahora cuando Francis Starlite ha decidido hacerle un videoclip que dirige Jake Schreier.
El vídeo es una tontería de paseo por las calles de Nueva York. Un plano de Francis Starlite un tanto aburrido, pero en el que merece la pena esperar hasta el medio minuto final, cuando Starlite salva los muebles. Un miembro de The Lights, Aaron Lammer, que escribió esta canción junto a Francis Starlite, la describió como «un cambio a la vuelta de la esquina tras un periodo oscuro». Y aunque Starlite no llegue a doblar la esquina al término de este plano secuencia, lo cierto es que su coreografía improvisada va en sintonía con esa descripción, mientras la letra habla de una despedida a la que enfrentarse con resignación, tristeza, optimismo y cierta esperanza («but that’s just life / I lived it twice / I treat you right / the way you taught me / that’s just life / so say goodnight / don’t say it softly»).
Dave Rosser, el último guitarrista de Afghan Whighs, uno de los grupos más importantes del underground internacional durante los años 90, informa de que sufre cáncer de colon. Se han organizado dos conciertos en Estados Unidos para apoyarle y en ellos se tocará su disco ‘Black Love’, que tendrá su reedición de 20º aniversario el próximo día 25 de noviembre.
El líder de Afghan Whigs ha enviado un comunicado a través de Facebook: «Dave Rosser ha sido mi amigo y compañero durante más de una década. Con estos conciertos, esperamos solventar los problemas financieros que puede afrontar por el tratamiento para combatir su enfermedad. El 100% de los ingresos de estos conciertos serán para su atención médica. Espero que la gente pueda venir y mostrar su apoyo por Dave, que estará tocando con nosotros». Será el día 10 de diciembre en Nueva Orleans y el día 14 del mismo mes en Los Ángeles. En el concierto de Nueva Orleans aparecerán Mark Lanegan y Ani DiFranco y en el de L.A. Moby además de Lanegan. También se pueden hacer donaciones a través de esta web. Van 34.000 dólares de los 50.000 que se piden. Dave Rosser también ha tocado con The Gutter Twins y Twilight Singers, además de con Mark Lanegan.
A discos como ‘Black Love’, ‘Gentlemen’ o ‘1965’, The Afghan Whigs sumaban ‘Do To The Beast’ en 2014 después de dieciséis años de parón.