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Kanye West «samplea» a Backstreet Boys en su nuevo disco

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Everybody‘ de Nicki Minaj no será el único tema titulado así que salga esta semana fusilando un clásico del pop. Kanye West también prepara su propio ‘Everybody’, pero él no ha recurrido a ‘Move Your Feet’ de Junior Senior (2002), sino a un single publicado unos años antes, el archiconocido ‘Everybody (Backstreet’s Back)’ de Backstreet Boys (1997).

Kanye ha estrenado ‘Everybody’ este 12 de diciembre en directo durante la presentación de ‘Vultures‘, su nuevo disco conjunto con Ty Dolla $ign, en Miami. Ye no ha sampleado el single de Backstreet Boys, sino que ha recreado el estribillo, aunque, en lugar de cantarlo él, lo canta su colaborador Charlie Wilson. Lil Baby también aparece en el tema.

Acorde con el tracklist oficial de ‘Vultures’, ‘Everybody’ abrirá el largo, que estará compuesto por 18 cortes, a menos que West modifique el contenido de ‘Vultures’ a última hora, como ha solido hacer con otros de sus lanzamientos. Hablando de Nicki Minaj, se espera que la autora de ‘Pink Friday 2’ aparezca en ‘Vultures’, concretamente en el tema ‘New Body’.

En la «listening party» de ‘Vultures’ han pasado otras cosas. North West, hija de Kanye, se ha personado en el escenario para interpretar el verso que ha grabado -a sus 10 años- para el álbum de Kanye y Ty Dolla. North West rapea justamente en ‘Vultures’, el corte que da título al disco.

En otro momento del evento, Kanye ha vuelto a expresar que él no es «antisemita», un año después de declarar públicamente su admiración por Hitler. Kanye ha recibido críticas por el atuendo de color negro que ha vestido durante el evento, similar al de Ku Kux Klan.

Anitta, ‘Pop Pop’… en el disco de Bad Gyal: portada y tracklist

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Después de tres mixtapes y de incontables singles, Bad Gyal publicará el que se considera su álbum debut oficial, ‘La Joia‘, el próximo 26 de enero.

Además de concretar la fecha de lanzamiento de ‘La Joia’, Bad Gyal ha desvelado su portada y también su tracklist. Compuesto por 15 cortes, el repertorio de ‘La Joia’ incluye cinco singles ya publicados, ‘Mi Lova’ con Myke Towers, ‘Sin Carné’, ‘Chulo Pt. 2’ con Tokischa y Young Miko, ‘Sexy’ y ‘Real G‘ con Quevedo.

Entre las novedades de ‘La Joia’ encontramos una colaboración con Anitta en ‘Bota Niña’, otras con Ñengo Flow, Morad y el jamaicano Tommy Lee Sparta, y títulos como ‘Pop Pop’ y ‘Perdió Este Culo’. Así queda el tracklist completo:

01 Intro
02 Mi Lova ft. Myke Towers
03 Give Me
04 Bota Niña ft. Anitta
05 La Que No Se Mueva ft. Tommy Lee Sparta
06 ‘Perdió Este Culo’
07 Sin Carné
08 Bad Boy ft. Ñengo Flow
09 Skit
10 Chulo Pt. 2 ft. Tokischa, Young Miko
11 Así Soy ft. Morad
12 Sexy
13 Pop Pop
14 Real G ft. Quevedo
15 Otra vez más

Bad Gyal presentará ‘La Joia’ en una gira por España el próximo mes de febrero. La gira La Joia · 24 Karat Tour pasará por Zaragoza, Barcelona, A Coruña, Bilbao, Madrid, Valencia y Granada.

Residente pospone el lanzamiento de su disco «por el genocidio en Gaza»

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Residente ha comunicado que ha pospuesto el lanzamiento de su nuevo disco debido al «genocidio macabro que destruye lentamente Palestina».

En un vídeo publicado en su cuenta de Instagram, Residente explica que el conflicto le hace pensar en su hijo todos los días, que le «duele demasiado» y que «no puedo ser indiferente ante esto». Además, se pregunta «cuándo fue el día en el que nos deshumanizamos a tal nivel que podemos ver cómo explotan las cabezas de niños y niñas en frente nuestro y no decimos nada».

Residente se pregunta por qué el conflicto entre Israel y Gaza no ha detenido el mundo, «como la pandemia», y critica a quien utiliza las redes sociales para «subir un story modelando ropa, o mostrando el plato de comida que te estás comiendo o la noche de fiestas en donde te emborrachaste», en lugar de para «denunciar el genocidio que está cometiendo Israel con el apoyo de Estados Unidos contra la población civil de Palestina».

No obstante, Residente asegura que sus palabras «no vienen desde el lado del reproche», sino «desde el lado de la decepción», y señala que le «entristeció ver que durante toda la premiación de los Grammys nadie dijo nada sobre este genocidio».

Residente, ex integrante de Calle 13, ha publicado solo un álbum en solitario, homónimo, en el año 2017. En 2020 lanzó ‘René’, una de las mejores canciones de ese año. Y, en 2022, Residente se marcó un «mic drop» de órdago gracias a su sesión con Bizarrap.

Lori Meyers: «No confiamos en Spotify, lo mismo que no confiamos en los políticos»

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Lori Meyers se encamina a su final de gira de 2023 con un concierto en el WiZink Center este 30 de diciembre, que supondrá la segunda parada de su carrera en este recinto. JENESAISPOP es medio oficial de esta fecha en Madrid. La primera vez fue hace 5 años, pero desde entonces no han dejado de sacar música, incluyendo el disco ‘Espacios Infinitos’ (2021). Ahora, el grupo también aprovecha para presentar un nuevo single, ‘Ya No Dices Nada’, en el que colaboran con Manola, y que es la Canción Del Día de hoy.

Es en una tarde de diciembre, a tan solo unos pocos días del que quizá puede ser el concierto más importante del año para Lori Meyers, cuando me reúno con Antonio López “Noni” (voz) y Alfredo Núñez (batería) para hablar sobre sus raíces en Loja (por casualidades de la vida yo también soy de allí), el cierre del tour, la canción que acaban de sacar y los cambios a los que se sigue sometiendo la industria musical. El grupo también actúa el 23 de diciembre en Barcelona, como parte del Festival Mil.lenni.

¿Cómo se explica que un grupo que nace de una pequeñísima ciudad como es Loja, pueda llegar a cerrar su gira en el WiZink?
Noni: Pues porque teníamos pan élfico en Loja, teníamos los roscos de Loja, y si tú comes roscos de Loja de chiquitillo…
Alfredo: Es curioso, porque en nuestra generación adolescente, en Loja había mucho movimiento musical, había otros grupos mayores en los que nos fijábamos y había un ambiente musical que nos gustaba. Nos unía eso, el que nos gustara la música y el tocar algún instrumento. Había un montón de bandas.
Noni: Hubo una época en la que hacían las ferias de Loja y el sábado se llevaba a un artista un poco más nacional, más importante, y el viernes era el día de todos los grupos locales. Hemos llegado a estar hasta 12 bandas ese día. Además, muchos amigos nuestros se dedicaron al teatro, otros a las artes, a la ilustración… fue una generación muy próspera en ese aspecto. Y ya luego Granada nos dio el paso a establecernos dentro de un circuito en el que había grupos formados y, de ahí, una carrera paso a paso hacia arriba.

Uno de los conciertos más esperados de esta gira era precisamente en Loja, el pasado 25 de agosto. Supongo que sería muy especial.
Noni: Sí, fue uno de los conciertos en los que más nervios podíamos tener. Pero no son los nervios de tocar, porque nosotros el show lo damos a mil por mil sea en el sitio que sea, pero sí es verdad que en Loja tenemos familiares, amigos… y te preocupas por que todo el mundo esté cómodo. De eso no te preocupas cuando vas a otra ciudad o cuando haces un concierto en A Coruña o Barcelona, por ejemplo. Tenemos amigos, pero no tienes a toda la familia. Y eso te pone un pelín nervioso, pero fue muy especial hacer el concierto allí. Había mucha gente que quería vernos en nuestro pueblo, en nuestro hábitat. De hecho hicimos un vídeo especial en Instagram en el que la gente nos contaba lo que le había parecido nuestro pueblo, y todo el mundo estaba flipando. Loja tiene mucho encanto, pero ha perdido muchas guerras de logística y tal. Y eso ha llevado a mucha gente a tener que acabar en la capital.

Porque supongo que Loja es uno de los lugares que os brinda más apoyo, ¿no? ¿O en realidad no tanto?
Alfredo: Siendo sensatos, ha habido un tira y afloja durante años. Es verdad que hacer un concierto en Loja, donde no hay un espacio regular como una sala para hacer un concierto, es difícil. Entonces siempre estábamos esperando alguna contratación un poco más externa. No solo dependía de nosotros, sino de la estructura que tenga cada gobierno en este caso o cada concejalía de cultura. A veces ha sido un poco por eso, otras veces porque nosotros no hemos podido ir por cuestiones de que si cierras conciertos en Granada no puedes tocar a ciertos kilómetros por temas de exclusividad. Han ido pasando los años y es verdad que ya se reclamaba un concierto nuestro, y más después de que el año pasado fuera Izal y era raro que Lori Meyers, siendo estandarte de esa música alternativa, no hubiera estado antes. Pero bueno, hemos estado este año, no vamos a pensar en lo anterior, y es un concierto en el que ya nos desquitamos también de todo este tiempo.

¿Os da la impresión de que sois menos reconocidos en casa?
Noni: No, nosotros estuvimos ensayando en Loja hasta hace un tiempo, pero luego todos vivimos en Granada. Y hubo también desde hace tiempo mucho éxodo de gente de Loja a Granada por las oportunidades de trabajo. Es complicado porque cada vez en los pueblos hay más despoblación. Antes nosotros volvíamos en Navidad y éramos muchos allí, cada vez hay menos gente en los pueblos… Pero cada vez que vamos a Loja nos sentimos queridos y en Granada también. La verdad es que ojalá tocar más en Loja, pero ojalá también tocar más en Bilbao, en Barcelona… ojalá tocar más en todos los sitios.

«Pedro Sánchez es fan de los Lori desde hace ya bastante tiempo, pero bueno, también lo es Moreno Bonilla, Paco Cuenca de Granada…»

La verdad es que por esta gira no os ha faltado nada, hasta reunión con el presidente del Gobierno. Subió una foto con vosotros a Instagram tras a asistir a uno de vuestros conciertos. ¿Qué tal fue el encuentro?
Noni: Pues normal. Pedro Sánchez es fan de los Lori desde hace ya bastante tiempo, pero bueno, también lo es Moreno Bonilla, Paco Cuenca de Granada… Nosotros no somos muy políticos, cuidamos a la gente como persona. Cualquier persona que venga a nuestro concierto, sea alguien que no tenga nada o sea alguien que tenga mucho poder, simplemente es un espectador más para nosotros. Y bueno, sabes que es el presidente del Gobierno y siempre es un halago que venga a verte.

Ernest Urtasun es el nuevo ministro de Cultura. ¿Os ha gustado dicha elección? ¿Le reclamáis algo? Se dice que los artistas no están contentos con el estatuto del artista.
Noni: Los artistas nos tendríamos que unir. Confiar en los políticos es un error. Hay que confiar en el gremio, donde nos podemos unificar y cambiar las cosas. Pero para ello tendríamos que unificarnos todos, en la música es mucho más complicado que en el cine o que en otro tipo de aspectos culturales. Y para eso hace falta que todos nos unamos. No necesitamos políticos, los políticos solo van a lo suyo. Tienen una pegatina como la de cualquier equipo de fútbol y van a lo suyo. Esos nunca van a mirar por nosotros, ningún político.

«Los músicos tenemos que unificarnos todos, aunque sea más complicado que en el cine u otros ámbitos. Los políticos nunca van a mirar por nosotros»

Bueno, y última parada el WiZink el 30 de diciembre. Si ya suena fuerte que vayáis al WiZink, suena todavía más fuerte que sea vuestro segundo concierto en el WiZink, cinco años después del primero. ¿Consideráis que han cambiado mucho las cosas desde entonces?
Alfredo: Socialmente en el mundo, sí. Todos sabemos a lo que nos hemos tenido que enfrentar en 2020. Pero nosotros siempre nos hemos mantenido en esa tesitura de seguir avanzando. Todos estos años han volado. No encuentro un cambio tan grande, aunque por supuesto sí el cambio de grupo: después de la pandemia Miguel López ya no siguió en el bajo, Doria tampoco estaba en la guitarra y entraron Toni y Miguel de Lucas. Eso nos ha dado también una visión nueva, pues tocar en el escenario con dos personas talentosas como ellos nos ha sumado. Más que cambios, hemos visto que Lori Meyers sigue sin tener un techo y que la gente sigue estando ahí, que quiere ver los conciertos y que los disfruta. Nosotros estamos con ganas de seguir diciendo cosas y de desgranar energía en el concierto, que es donde hemos aprendido desde que empezamos a tocar en Loja en el bar Alperchín todos los viernes.

¿Fue más importante aquella vez, o ahora esta?
Alfredo: Es que aquel concierto resumía una carrera, era hacer un repaso un poco más cronológico a todo, por lo que era más especial y diferente a lo que normalmente hacía la banda. Y este, realmente te pone tenso porque es un espacio difícil y donde hay que hacerlo bien, pero lo tenemos más asumido como un concierto natural dentro de la gira que como la especialidad de conmemorar algo. Esto es más un punto y seguido, pero al que le tenemos muchas ganas por el espacio que es y porque estamos solos con los fans.

¿Planeáis algo especial para este concierto?
Noni: Alguna sorpresilla hay, sí.

¿Y lleváis colaboraciones? Porque ahora todo el mundo espera invitados cuando se trata de un fin de gira y más si es en el WiZink. Vaya faena que el fin de una etapa tenga que ser con colaboraciones, ¿no?
Noni: No, ¡al contrario! Cuando desvelemos todas las colaboraciones y las veáis, veréis que queríamos terminar esa noche con todos nuestros amigos. Con los más posibles y los que han tenido algo que ver con Lori Meyers. Y es difícil de juntar eso, ¿eh?
Alfredo: Sí es verdad que ahora hay grupos que hacen colaboraciones casi con nombres más ilustres de la música para hacer una canción con ellos, pero nosotros vamos a pensar más en que en el concierto haya colaboradores que hayan trabajado mucho con Lori. No queremos llamar a alguien por el nombre para que parezca que esto va a ser mejor.
Noni: De hecho, las colaboraciones casi todas son con artistas emergentes, así que lo guay va a ser que vamos a estar todos entre amigos y lo bonito es que el público va a descubrir cosas. A nosotros no nos gusta que se tenga que juntar a este con este o al otro con el otro, no nos gusta juntar cromos. Pero todos aquellos que hayan tenido mucho contenido con Lori en estos últimos años, son ya amigos nuestros y nos gustaría que estuvieran con nosotros en el escenario o en la parte técnica. Yo creo que va a ser muy especial para nosotros.

Supongo que una canción que no faltará en el setlist es ‘Ya No Dices Nada’, vuestro nuevo tema.
Noni: Pues sí, estará.

¿Cómo surgió?
Noni: Pues Teresa Manola es teclista de Rufus T. Firefly, y como compartimos a Miguel de Lucas y todo el rollo, nos hicimos amigos y me mandó su disco, que es como soul y R&B. Escuché algunas cuantas canciones y me gustó mucho. Tuve alguna ideílla de cómo nuestras voces podían casar bien. Se vino un par de días a Granada y empezamos a crear la canción, que salió rápido y muy fresquita. Manola es una artista emergente pero con muchísimo talento y son gente de la que hemos aprendido mucho.

El tema es a dúo con Manola, ¿por qué ella? También podría haberla grabado Anni B Sweet, que es vuestra voz femenina más cercana, ¿no?
Noni: Anni B Sweet tiene muchos más proyectos y, además, también está haciendo ahora cosas con Rufus. Estamos muy juntos: mientras nosotros hacemos el feat con Manola, Anni hace el feat con Rufus. Tengo amigas artistas con las que me gustaría hacer también cosas, como Dani, pero no tenemos tiempo para todo y vamos poco a poco. Anni, además, ya canta en ‘Espacios Infinitos’.

¿Hará ella las voces en directo?
Noni: Anni está ya confirmada para el WiZink, fue la primera confirmada. Pero ella no quiere trabajar tanto como para hacer los coros. Seguramente va a coger su canción y dirá: «Me voy a beber».

Entonces podemos esperar que sea Manola quien haga la voz en directo, ¿verdad?
Noni: Sí, la canción de Manola sí. Anni hará su canción y también haremos la canción con Kora, si no nos deja tirados (ríe).
Alfredo: Claro, cada una tendrá su espacio. No van a hacer algo que no han hecho, no vamos a juntar cromos porque sí. Van a ser colaboradores que ya saben lo que han hecho en la canción.
Noni: Hay alguna sorpresilla… dos sorpresillas muy guays.

¿Esta canción con Manola pretende ser como una actualización del típico dúo de Nancy & Lee de los años 60?
Noni: Una de las cosas que le dije al productor fue algo así. Realmente es una canción en la que no necesitamos tanto ruido, tanta destrucción… Así que, ya diciéndole eso, va por ahí: cuando las voces son importantes y empiezan a casarse entre ellas, la música toma el relevo que tiene que tomar.

La narrativa de la canción es muy interesante porque trata sobre una ruptura amorosa, pero al mismo tiempo hay versos como «Y convencerte de que no es el fin» que se pueden relacionar con este final de era. ¿Habíais pensado en ese doble sentido? ¿Ha sido intencional sacarla ahora?
Noni: No, está hablando de una relación. Es cuando le dices a alguien: «Tío, sé que estamos pasando un mal momento, tú vas en el coche y te acuerdas de mí y escribes». Como es moderna en aspecto de comunicación, es más eso. Es ese proceso de relación en el que te acuerdas de la otra persona. Y el estribillo lo que te dice es que, aunque esto se acabe, no es el fin de nada. Tú tirarás por tu camino y yo tiraré por el mío.

¿Qué expectativas tenéis con respecto al desempeño del tema en las listas de éxitos?
Noni: ¡Nada! Pues ninguna. Que guste a la gente.
Alfredo: Es una canción que es totalmente natural. Pero si llega a las listas de éxitos como ha sucedido con otras canciones, pues genial. Nosotros vamos a trabajar la canción de forma normal sin esperar nada.
Noni: No creo que ningún artista que no sea el argentino este que siempre es número 1 piense en ello cuando compone. Solamente algunos de este tipo de artistas que lo saben ya directamente.

«Que haga lo que quiera Spotify, que le pague 0,0001 a quien quiera y que haga lo que sea, nosotros intentaremos sobrevivir»

El panorama ha cambiado mucho. Ahora, plataformas como Spotify posibilitan que los artistas puedan llegar a un público más amplio. ¿Ayuda a darte a conocer y a expandir distintos estilos de música, quizá no tan comerciales?
Noni: No confiamos en Spotify lo mismo que no confiamos en los políticos. Es una plataforma que no nos va a ayudar. La música, de hecho, desde los años 90 hacia acá siempre ha ido a peor para los artistas. Ya estamos en el modo «relegados». Que haga lo que quiera Spotify, que le pague 0,0001 a quien quiera y que haga lo que sea, nosotros intentaremos sobrevivir. La mayoría de los artistas como nosotros sobrevive de los directos, porque la industria musical se ha vuelto muy difícil, y las plataformas algo tendrán que ver. Ahí estamos los artistas, lo he dicho siempre. Cuando nos unifiquemos, lucharemos.

¿Ha influido negativamente en vuestro caso, que lleváis activos desde incluso antes de que estas plataformas existan?
Alfredo: Es una cuestión de adaptación y de que se trata de un medio más para reproducir música. Somos un grupo que venimos de la primera caída de la industria que es cuando no empezaban a venderse discos. Y ahora la transformación hacia lo digital, que vemos lo rápido que está cambiando todo. Es una buena plataforma para descubrir y para que la gente pueda acceder rápido a oír cosas, pero en ese momento también estás cambiando la forma que tiene la gente en su cabeza de reproducir canciones: en vez de discos enteros se demandan playlists. Y en esas playlists es donde se lucha ahora por estar. Ahí está la fuerza de las compañías o de los artistas de introducirse en esos espacios.

Empezasteis vuestra gira por los festivales españoles allá por abril, que coincidió con el lanzamiento de ‘No Me Merecía La Pena’, el tema junto a Kora que decíais. Ahora vais a cerrar el tour con el lanzamiento de otra canción, ‘Ya No Dices Nada’. ¿Hay alguna conexión temática o conceptual entre ambos temas?
Noni: No, pero sí es verdad que estaba pensado con quién se iba a colaborar. La conexión más básica es que son las dos últimas canciones que hemos compuesto. Cuando haces un disco, algo va enlazado automáticamente. Pero sí, puede ser que estén enlazadas en ese sentido.

En una industria que parece que cada vez da más importancia a los singles que a los álbumes, ya uno no sabe si estos son los primeros adelantos de vuestro próximo álbum… ¿O son canciones sueltas?
Noni: Pues puedes hacer las dos formas. Se pueden quedar como singles sueltos o meterlas en tu disco si calan con el concepto de las otras canciones que has hecho. En composición todo se engloba.
Alfredo: Sobre el disco no hay nada todavía. Se irá viendo. Hay ideas, hay composiciones, pero no sabemos todavía cómo hacerlo, si merece la pena sacar un disco o ir sacando canciones bien trabajadas para que, al final, esas canciones las pueda oír la gente y no salgan en un disco donde nacen muertas prácticamente. Tendremos que ir viendo la estrategia a seguir, pero desde luego habrá una continuidad y vamos a seguir trabajando. No va a haber un parón de años. Vamos a seguir trabajando y, sobre ese trabajo que vayamos haciendo y esa continuidad, iremos viendo.

«En los últimos años todos estamos sufriendo con tener un puesto en un festival»

Por cierto, ¿qué ocurre ahora con los grupos que parece que se están separando muchos después de la pandemia? Como por ejemplo El Columpio Asesino.
Noni: De hecho somos amigos de ellos. También Niños Mutantes recientemente. Cada uno tiene su excusa y tiene su decisión, que hay que respetar. Porque seguramente todos los casos serán distintos. A nosotros nos llegará en algún momento también, son cosas que le pasa a todo el mundo. La música va cambiando. Nosotros tenemos la suerte de que, cuando empezamos, teníamos 16 años. Por eso ahora estamos rondando los 40 y todavía estamos en este nivel. Pero es muy complicado. Yo entiendo también a los grupos que dicen: «Hasta aquí hemos llegado». Ya sea porque no tengan nada que componer o nada que decir. Pues no sé, a todos nos llegará ese momento. Me entristece mucho lo de El Columpio Asesino, pero es otra cuestión lo que pasa ahí. Y con lo de Niños Mutantes me quedé un poco en shock porque no me lo esperaba. En los últimos años todos estamos sufriendo con tener un puesto en un festival, ya que ahora los festivales se abren más y son más multiculturales. Pero bueno, me quedé triste porque son amigos, cada vez que vamos a verlos disfrutábamos y porque son de Granada. Perdemos un activo grande en Granada.

¿Y vais a seguir trabajando en Granada? Fíjate que es común que los artistas se muden a Madrid para conseguir conciertos, publicidades, patrocinios con marcas…
Alfredo: Nosotros desde siempre. Lo pensamos alguna vez, pero bueno, tuvimos la suerte de que la carrera siguió y nos hemos podido reunir siempre en Granada con nuestro equipo técnico. Eso nos ha posibilitado quedarnos allí. Y hoy, con todos los métodos de comunicación vía online, es mucho más fácil teletrabajar. Nosotros ya empezamos a teletrabajar hace muchos años. Pero siempre matuvimos el querer quedarnos allí, porque estábamos a gusto y porque no había necesidad. Eso quizá nos matuvo los pies en la tierra de decir, «oye, vamos a trabajar desde aquí y defender lo nuestro». Hace unos años, si nos hubiéramos venido en otra época, igual Madrid nos hubiera cambiado o habríamos hecho las cosas de manera diferente.
Noni: Nosotros en Granada estábamos cerca de la familia, y hay tantos grupos que no es raro. Pero claro que has pensado siempre que Madrid está a 4 horas de todo, y nosotros llevamos el doble de kilómetros desde aquí.
Alfredo: Entiendo que a lo mejor un grupo que es de Cuenca, por ejemplo, o Badajoz, a lo mejor si no hay tantas infraestructuras o movimiento en ese aspecto de la cultura musical, entiendo que sí se desplacen a Madrid para establecer una zona de logística e infraestructura que necesiten.

¿Qué podemos esperar de Lori Meyers en 2024?
Noni: Empezamos actuando en Logroño el día 4. Es el primer festival. Pero luego ya sí hay un pequeño parón y empezamos el año en México, en el Vive Latino. Latinoamérica es un sitio donde estamos yendo últimamente y también nos lo estamos pasando bien, con la misma sensación a cuando empezamos hace mucho tiempo y eso reconforta al grupo y lo rejuvenece. Y hay algunos festivales cerrados para este verano en España.

Sidecar se transforma en «coctelería», pero «programando música»

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Sidecar, la mítica sala de Barcelona, ubicada en la Plaça Reial, se traspasa. Su actual director, Roberto Tierz, cederá el testigo a los propietarios del club Sauvage del Born. El 31 de enero de 2024, la sala Sidecar tal y como se conoce desde su apertura en el año 1982, dejará de existir. El nuevo proyecto convertirá el espacio en una coctelería, confirma El Diario, pero Tierz aclara que «el equipo habitual continuará al mando de la nave» y que la sala seguirá programando música.

A lo largo de su historia, Sidecar ha ofrecido conciertos de figuras internacionales como Nick Lowe, Manu Chao o Pete Doherty, pero, sobre todo, ha servido de punto de encuentro con la cosecha del underground barcelonés y/o nacional durante varias generaciones. Hidrogenesse, Manos de Topo, Medalla, Dani Dicostas o, últimamente, Mushkaa han pasado por su escenario.

Así anuncia Roberto Tierz el fin de Sidecar en un comunicado: «Tras más de cuarenta y un años al frente de Sidecar, ha llegado el momento de cambiar de vida y dejar paso a otros que lideren la sala con la programación más longeva de la ciudad. Estos años han sido una aventura llena de momentos emocionantes, amigos y cuyos objetivos iniciales se han cumplido sobradamente.

Lo que comenzó en 1982, movidos por amor a la música y empujados por un espíritu rebelde e inconformista, se ha mantenido a lo largo del tiempo sin perder su esencia. A pesar de todas las dificultades que representa hoy en día, Sidecar ha mantenido un local en el centro de la ciudad, abierto a todos y especialmente a los barceloneses.

Pero ¡que nadie se alarme! el equipo habitual continuará al mando de la nave y la programación de conciertos está garantizada.

El último día que el actual Sidecar abrirá sus puertas será el 31 de enero de 2024. Hasta entonces seguiremos aquí para ofreceros la mejor música del mundo, amor y copas.

En un próximo comunicado anunciaremos los días de fiesta de despedida que, naturalmente, contará con conciertos y buena música».

Beyoncé, acusada de robar los visuales de ‘Renaissance Tour’

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El artista japonés Hajime Sorayama, muy conocido por sus ilustraciones de robots femeninos, ha acusado a Beyoncé de usar su arte sin autorización en los visuales de la gira de ‘Renaissance‘.

«Hey Beyoncé, me podrías haber pedido permiso «oficialmente», así podría haber hecho un trabajo mejor para ti, como hizo mi amigo The Weeknd», ha escrito Soroyama en su cuenta oficial de Instagram, donde ha colgado imágenes de la gira de ‘Renaissance’, acompañadas de algunas de sus ilustraciones.

En cuanto a Beyoncé, Soroyama parece referirse, en concreto, al casco de color cromado que lleva puesto la cantante de Houston en uno de los vídeos utilizados durante la gira, en la canción ‘Break My Soul’, para más señas. El casco es extremadamente similar al dibujado por Soroyama en algunas de sus ilustraciones más populares.

Beyoncé, quien no es conocida por meterse en polémicas, no ha comentado sobre la acusación de Soroyama. Sus fans, no obstante, han salido en defensa de la cantante, recordando que, en 2007, Knowles ya apareció vestida de robot en una gira, y señalando que la obra de Soroyama parece haberse inspirado también en obras previas, como la icónica película de ciencia ficción de 1927 ‘Metropolis‘, poniendo en entredicho la originalidad del artista nipón.

Beyoncé acaba de estrenar la película de la gira de ‘Renaissance’. La cinta no solo exhibe el concierto, sino que, también, muestra imágenes de la vida personal de Beyoncé, y está siendo un éxito en taquilla: en su primera semana ha recaudado 21 millones de dólares.

Beyoncé ha celebrado el estreno de la película de ‘Renaissance Tour’ lanzando una curiosa canción nueva. ‘My House’ parece ser un descarte de ‘Renaissance’, pero lo seguro es que es una de las canciones más agresivas que ha publicado la artista. Perfecta para el voguing, pues mezcla hip-hop y música dance, pero también para hacerse el hooligan gracias a ese engorilado coro masculino, la canción incluye un mensaje inspirado en RuPaul: «siempre os amaré, pero nunca esperaré que me améis a mí, si no os queréis a vosotros primero».

Volviendo atrás en el tiempo, hoy 13 de diciembre se cumplen 10 años desde el lanzamiento de ‘BEYONCÉ‘, el histórico álbum de Beyoncé de 2013. Knowles ha celebrado la efeméride colgando un vídeo en Instagram, donde ya reúne comentarios de su hermana Solange («¡historia!») o de Caroline Polachek, quien afirma que ‘BEYONCÉ’ «inventó el nuevo paradigma del pop». Por supuesto, Polachek es co-autora de una de las pistas incluidas en el largo, ‘No Angel’.

Publicado por sorpresa en diciembre de 2013, ‘BEYONCÉ’ puso de moda la práctica de publicar grandes lanzamientos sin previo aviso. Pero, sobre todo, ‘BEYONCÉ’ marcó un antes y un después en la carrera de Beyoncé a nivel creativo, siendo la primera de sus siguientes grandes obras maestras perfectamente conceptualizadas y cerradas de principio a fin. Beyoncé pasaría, a partir de ese momento, a convertirse en una de las grandes creadoras de álbumes de nuestra era, siendo ‘Renaissance’ por supuesto la última expresión de Knowles en este sentido.

Nicki Minaj / Pink Friday 2

PinkFriday2

Nicki Minaj salió del bucle de «mixtape por año» de sus inicios con un primer disco en 2010. Ahora, recién llegada a los 40, acaba de publicar su secuela. Muchas de las frases que hace 13 años empleábamos para hablar de ‘Pink Friday’ valen para ‘Pink Friday 2’. «El mundo del sampleo está a punto de llegar a lo sonrojante». «El límite de los sampleos y el mal gusto de recurrir a canciones demasiado conocidas y recientes es digno de ser analizado». Pero ojo, también: «Sería una pena centrarnos en los temas errados de este disco y oscurecer las virtudes de Nicki Minaj». Como en cierta ocasión, emerge la tentación de copiar y pegar la misma crítica, a ver si alguien se da cuenta.

Que no tengamos nada nuevo que decir de la llamada a ser la mejor rapera del siglo XXI no es bueno. Sobre todo porque tenía material personal para hacer un disco con el que caerse de culo. Su padre ha fallecido en circunstancias muy trágicas, ha sido madre, su competencia está a por uvas. Y salta a la vista que por mucho que haya querido hypear esto con grandes alharacas y retrasarlo como si fuera la Sagrada Familia, este disco no va a suponer un antes y un después en la carrera de Nicki Minaj. Ninguno la supuso.

Los singles principales definen esta era. En toda su diferencia, siendo casi antagónicos, sí resultan representativos. Por un lado, ‘Super Freaky Girl‘, con su sample del conocidísimo tema de Rick James -también popularizado por MC Hammer-, y su destreza para cabalgar pollas, cual «cowgirl» en toro mecánico. Por otro, un tema sensible, una balada como es ‘Last Time I Saw You’, sobre la pérdida de un ser querido. Ambas ideas -la de samplear y la del amor, no la del cerdeo- convergen en el tema de apertura. ‘Are You Gone Already?’ samplea un tema tan conocido como ‘when the party’s over’ de Billie Eilish, transformando la reflexión sobre el dolor en un tema sobre la tristeza que a Nicki le provoca que su bebé no vaya a conocer al abuelo. Recuerda que el dinero no da la felicidad. Por manida que esté la idea, funciona.

Pronto el disco pasa a otra cosa, con Nicki Minaj postulándose como «madre del año» (‘Barbie Dangerous’) y como «mejor rapera» (‘FTUC’) en temas a medio camino entre el rap y el trap. También pronto se alternan las naderías cuasi interludios (‘Beep Beep’, ‘Pink Birthday’) con la búsqueda de lo sublime. ‘Fallin 4 U’ está cargada de cuerdas y ‘Let Me Calm Down’ es una canción chulísima, en la que Nicki y J Cole reflexionan sobre lo que hace falta para que el amor funcione, sobre un bucle de voces adulteradas la mar de eficiente. Será el primero de los muchos momentos de buen pop que nos dejará el disco.

Especialmente brillante es la parte central de ‘Pink Friday 2’. El dembow con Drake, ‘Needle’, demuestra que ninguno de los dos está comprendiendo muy bien el paso de los tiempos y el cambio de las modas, pues la gente lleva tanto tiempo esperando por esto que la idea original debe de proceder de 2016, pero al menos es un single clarísimo. Tiene un recuerdo al día en que Björk se disfrazó de ganso («Poppin’ out like a cork, ducking ‘em like Björk») y una buena idea de partida por sencilla que parezca: «eres una aguja, y la vida, un pajar».

Justo ahí se abre un tramo de disco muy notable, con varias cosas que funcionan muy bien. ‘Cowgirl’ es una dulcísima -que no almibarada- colaboración con Lourdiz, con una guitarra de corte poético y contemplativo. ‘Everybody‘ confía en los daneses Junior Senior tras el éxito que ha reportado a Nicki haber confiado en los daneses Aqua para la banda sonora de ‘Barbie’, y apunta ya a ser el gran éxito de este álbum. ‘Red Ruby Da Sleeze’, con su sample de Lumidee, se crece en la secuencia tras haber pasado medio desapercibida hace unos meses. ‘Forward From Trini’ es una reivindicación de hedonismo recién traída del Caribe, y ‘Pink Friday Girls’ del archiconocido hit de Cyndi Lauper, que con esto superará definitivamente los 1.000 millones de streamings en Spotify, como si hubiera salido este 2023. Cuando una canción muy conocida es sampleada, provoca cierto rechazo inicial, pero no podemos decir que su filosofía no pegue a Nicki Minaj ni esté bien integrada. Lauper ya le ha dado su aprobación en redes sociales, y no precisamente para llevarse royalties: la escribió Robert Hazard.

Más desapercibida pasa la adaptación de ‘Heart of Glass’ en ‘My Life’ aunque se agradece la buena intención. Nunca se hablará lo suficiente sobre Blondie. Pero es verdad que ese tramo final es puro desconcierto, acudiendo ya únicamente al rescate la presencia de ‘Last Time I Saw You‘ y las aceptables baladas ‘Blessings’ y ‘Just the Memories’. Incluyendo pistas que aseguró que no iban en el álbum porque no le gustaban (‘Bahm Bahm’) o que han ganado encuestas para ser incluidas finalmente (‘Nicki Hendrix’ con Future), uno puede ir concluyendo que 15 años después, Nicki Minaj no tiene la más mínima idea de cómo se finiquita un disco bueno en su conjunto. Por alguna razón no lo debe de tener asumido de su niñez ni de su adolescencia. Es como si hubiera crecido más con singles sueltos de Foxy Brown que escuchando ‘The Blueprint’ y ‘Miseducation of Lauryn Hill’. Sabe cómo empezarlo, sabe cómo terminarlo, sabe cómo entreternos como los mejores. Pero no cómo darle empaque.

El Último de la Fila, nº1 en Discos España; Peter Gabriel, nº19

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El Último de la Fila entra directo al número 1 de la lista de álbumes de España con ‘Desbarajuste piramidal’, su nuevo disco. Se trata de una colección de 24 canciones de El Último de la Fila regrabadas. El dúo de Manolo García y Quimi Portet, muy reivindicado últimamente por artistas como El Último Vecino, celebra así su legado, 25 años después de su separación. ‘Desbarajuste piramidal’ es además número 1 en vinilos.

Se queda a las puertas del número 1, entrando en el 2, Feid con su nuevo trabajo, ‘FERXXOCALIPSIS’, con el que el rapero colombiano logra colocar hasta 7 temas dentro de la lista de singles española.

Dentro del top 10 de discos destacan otras dos entradas, las de ‘Una tarde cualquiera’ de El Arrebato, en el número 8, y ‘El sueño eterno’ de Medina Azahara, en el 9.

ZIZOU‘, el EP conjunto de DELLAFUENTE y Morad, entra en el 12 (‘Manos rotas’ sube al nº1 de singles), y la siguiente entrada -ahora sí- la protagoniza Peter Gabriel. ‘i/o’, su nuevo álbum de estudio, el primero en 12 años, debuta en el puesto 19. Esto es, muy lejos del número 1 en Reino Unido o del top 10 en Francia y Países Bajos, y más cerca del dato australiano (20). ‘Scratch My Back’, el anterior álbum de Gabriel, llegó al número 11 en España en el año 2010. Era aquel un álbum de versiones. ‘Up’, el último disco de material original de Peter Gabriel antes de ‘i/o’, publicado en 2002, no entró en lista, pero ‘Us’, el disco anterior a ese, llegó al puesto 7 en 1992 y está certificado con un Disco de Oro. ‘So’ sí fue número 1 de álbumes en España, en 1986. Os recordamos que ‘i/o’ está siendo el Disco de la Semana en la web.

Entre las siguientes entradas se encuentran ‘1 1 1’ de Milo J, en el 23, ‘Nombre dirección’ de Kaze & Toni Anzis, en el 50, o ‘Basakabitik Mundura’ de GO!AZEN en el 84. Además, el disco de la Gala 1 de Operación Triunfo 2023 se coloca en el 56 y ‘Santa‘ de Zahara en 61 gracias a su reedición en vinilo. Una reedición del famoso recopilatorio de los Corrs, ‘Best of the Corrs’, entra en el 76.




El pop-trance de Jordan Boyd busca su «espacio»

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Jordan Boyd es una cantante de Palma de Mallorca que lleva publicando música desde hace unos pocos años. Jordan se dio a conocer, como tantos otros artistas, versionando éxitos ajenos: ‘Cuéntaselo a otro’ de Rels B, ‘Arde’ de Aitana o ‘Te Amo’ de Piso 21 y Paulo Londra se encuentran entre los covers que forman parte de su repertorio publicado hasta ahora.

En sus composiciones originales, Jordan Boyd ha ido buscando su sonido. En ‘Dime la verdad’, su canción más escuchada, ofrecía una balada de R&B con guitarra acústica que podía recordar a Jorja Smith. Es un sonido que sienta bien a su voz y que Jordan seguía explorando en singles como ‘Dónde estabas’. Después, ‘Media vuelta’ se atrevía con la bachata.

Poco a poco, el potencial de Jordan Boyd se ha ido haciendo más evidente, sobre todo, en otros singles sueltos igualmente recomendables como ‘Desconectar’, que suena a ese C. Tangana que aún vivía a medio camino entre ‘Ídolo’ y ‘El Madrileño’, y ‘Dime cómo hago’, donde la electrónica de club se imponía de verdad, marcando el camino de lo que ha venido después.

Nos referimos a ‘Necesito espacio’, un nuevo epé de Jordan Boyd publicado estos días bajo el paraguas de la distribuidora OneRPM, y que contiene tres canciones. En este epé, Jordan ha trabajado evidentemente un concepto centrado en el «espacio», pues los títulos de estas tres pistas miran más allá de la atmósfera: ‘Modo luna’, ‘Eclipse’ y ‘De sol a sol’ comparten más cosas, en especial, su interés por los sonidos trance y electrónicos.

Los sintetizadores inspirados en el trance se hacen notar ya en ‘Modo luna’, una canción que precisamente busca «desconectar» del móvil y emprender un viaje de autoconocimiento espiritual, sirviéndose por supuesto de esa electrónica que te hace volar. En ‘Eclipse’ el riff trance hipnotiza como el de ‘My Love’ de Justin Timberlake, volviendo de nuevo al club. Y en ‘De sol a sol’ el nombre de Flume viene a la mente en cuanto se deja caer el primer beat. Zeper, L14M o Drunk and Drops se encuentran entre los productores con los que Jordan Boyd busca su «espacio».





La fiesta perversa de Tokischa y Sexyy Red evoca a ‘Barbie’

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Barbie‘ ha sido uno de los fenómenos cinematográficos de 2023. También su banda sonora está reconocida en las nominaciones a los Globos de Oro. Ha habido justicia poética, especialmente, para Nicki Minaj, quien ha reivindicado la figura de Barbie desde el inicio de su carrera. ‘Barbie World’, su single con Ice Spice, ha sido un gran éxito.

Ese single de Nicki sampleaba ‘Barbie Girl’ de Aqua. Y las referencias a ‘Barbie’ se siguen sucediendo en el mundo del pop muchos meses después del estreno de la película dirigida por Greta Gerwig. En su nuevo tema conjunto, Tokischa y Sexyy Red citan esa frase inolvidable de «come on, Barbie / let’s go party», pero le dan una vuelta ligeramente perversa.

Barbie pasa a ser Daddy en este tema de corte piano house y dembow -mezcla ambos ritmos- donde encontramos compartiendo créditos a Yeti Beats (Doja Cat) y a El Guincho. Es la Canción Del Día de hoy.

‘Daddy’ es tan machacona -y macarra, y divertida- como las mejores canciones de Tokischa. El gancho «yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy / yo soy tu daddy» se clava necesariamente en el cerebro. Pero aún cabe en la letra esa evocación a Barbie en forma de invitación a una fiesta mucho menos rosa: «come on Daddy, let’s go party», rapea Tokischa. En esa fiesta la magia está servida, solo que Tokischa prefiere el tequila, y Sexyy Red el «molly».

Con ‘Daddy’, Tokischa puede estar descubriendo a Sexyy Red a un nuevo público. Y seguro que a la inversa sucede lo mismo. Aunque Janae Nierah Wherry -este es el nombre de Sexyy Red- ya era una de las raperas de Estados Unidos con mayor proyección en la actualidad. No solo su single ‘SkeeYee’ supera los 50 millones de streamings, sino que Janae es una de las artistas invitadas en el último disco de Drake.

En cuanto a Tokischa, ‘Daddy’ es solo uno de muchos singles sueltos que ha publicado a lo largo de 2023. En ‘Candy’ ya cabía una referencia al «molly». Recientemente, ha presentado el tema en GALLERY. Por cierto, Tokischa ha estado muy atenta al lanzamiento de ‘Pink Friday 2’ en redes… ¿para cuándo una colaboración entre estas dos artistas?

Las mejores versiones de 2023… y la peor

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Decía Dorian “pero vuelves a caer” y sí, ha vuelto a ocurrir: estamos enganchadas a una edición de ‘Operación Triunfo‘ como si esto fuese 2017, y cada lunes nos sentamos frente a la tele a escuchar versiones. Estas versiones nos gustan sobre todo por la relación parasocial que desarrollamos con los concursantes, pero ojo, porque una buena versión puede tener mucho encanto. Este año, desde luego, tenemos buenos ejemplos, así que la publicación por parte de Lana del Rey de una doble cover (‘Take Me Home, Country Road’ y ‘Unchained Melody’) nos ha llevado a seleccionar grandes versiones que nos ha dado 2023, y que quizás no habías escuchado.

Chico Blanco / Cadillac
Asociamos a Chico Blanco con desfase, techno y cositas, pero uno de sus temas más escuchados (quizás por la inclusión en ‘A través de mi ventana’) es ‘Fantasía’, una estupenda balada electrónica a la que no terminábamos de verle continuación en su obra… hasta ahora. Porque el granadino coge el ‘Cadillac Solitario’ de Loquillo y le baja las marchas hasta casi frenar. En el videoclip vemos cómo Chico Blanco, al que le gusta más un twink que a Lady Gaga decir que es italiana, recuerda al “último rubio que vino a probar el asiento de atrás”, mientras la producción se mantiene en un lugar casi de ambient y solo empieza a explotar al final (para desaparecer). Porque Pablo Cobo cambiará a la nena de Loquillo y dirá “nene por qué no me volviste a llamar”, pero la melancolía de la original no solo se mantiene sino que está elevada a la máxima potencia. Los “no estás tú” están mucho mejor aprovechados aquí y, a su vez, la voz de Cobo tiene un poso triste que nunca se había aprovechado tan bien como aquí. De hecho, aunque este año ha publicado un disco con más de un temazo, para mí es este ‘Cadillac’ lo mejor que ha hecho Chico Blanco en 2023. ‘Cadillac Solitario’ es perfecta para cantarla en un karaoke; ‘Cadillac’ es perfecta para cantarla literalmente borracho en el cadillac.

Slayyyter / Monster
Las sesiones de Spotify nos han dado grandes versiones: Ethel Cain versionando ‘Everytime’ de Britney Spears, Georgia con ‘everything i wanted’ de Billie Eilish, Lido Pimienta con ‘Declare Independence’ de Björk, Anitta con ‘thank u next’ de Ariana Grande o YUNGBLUD con ‘Like a Virgin’ de Madonna son algunas de las sorprendentes covers que hemos podido oír aquí. Y faltan muchas en esta lista… entre ellas, la versión que Slayyyter ha hecho de ‘Monster’, uno de los temas más infravalorados del excelente ‘The Fame Monster‘. Catherine Grace Garner ha recibido muchas comparaciones (para bien) con la primera etapa de Lady Gaga, así que esto tiene más miga aún. La artista rebaja los beats y acerca ‘Monster’ a un medio tiempo de electropop que podría estar en la recta final de su recomendado ‘STARFUCKER‘, por supuesto con sus queridísimos sintes. ¿Una pega? Que no empieza diciendo “don’t call me Slayyyter”.

LEX / La Llorona
Uno de los descubrimientos de este año ha sido LEX, incluida entre las Apuestas para 2024 que podéis leer en nuestro Anuario. La artista mexicana Alexa Arzate es una apasionada del futuro y de la tecnología, y para presentar sus canciones se apoya en videoclips, en artes plásticas y hasta en pequeños videojuegos. Y lo que más nos importa: temazos y una mezcla de tradición, electrónica y mucho pop, ya sea con canciones propias (la excelente ‘San Junipero‘) o, como aquí, atreviéndose a convertir el clásico ‘La Llorona’ en toda una fiesta techno. “Llorar bailando”, ese viejo conocido.

Depresión Sonora / Camino
Este año hemos asistido a un cruce de versiones de artistas de Sonido Muchacho: ‘Ya no hay verano’ de Depresión Sonora ha sido versionada por Carolina Durante, por Javiera Mena y por Los Punsetes, y él ha hecho lo propio con ‘Cayetano’, ‘Cámara lenta’ y ‘Camino’. Pero esta última es sin duda la joya de la corona: ya la original es una de las mejores (y más descarnadas) canciones de Los Punsetes, y por supuesto la amargura, la desesperanza y, en definitiva, la autodestrucción de esa letra no puede pegarle más a Marcos Crespo. Con el sonido característico de sus temas, esta nueva ‘Camino’ parece aún más suicida que la original.

Amaia / Fiebre
Qué decir de las versiones de Amaia Romero. La conocimos en ‘Operación Triunfo’ haciendo una versión cada semana, y nos conquistaba también con las que se marcaba a solas con el piano en la Academia: entre galas y ratitos suyos, la vimos cantando por Bowie, Florence, Arcade Fire, Antonio Vega, Rosalía, Serrat, Marisol o Rihanna. Una vez fuera, sorprendía en sus directos llevando completamente a su terreno ‘Cuando zarpa el amor’ de Camela… o ‘Fiebre’ de Bad Gyal. La original es una de las mejores canciones en español de la década pasada (podría hacer un artículo entero argumentándolo) y, como les pasa a las grandes canciones, pueden adquirir otro significado y a la vez mantener su esencia si el artista adecuado las pasa por su filtro.

Holly Humberstone / Ivy
Paint My Bedroom Black‘ es uno de los discos más interesantes de este año, aunque lo he descubierto (y a Holly Humberstone en general) un poco tarde, como me pasó el año pasado con ‘Preacher’s Daughter‘ de Ethel Cain. Y he descubierto a Humberstone por una versión: la que hizo de ‘Ivy’ en el Live Lounge de BBC. La original es uno de los mayores éxitos de Frank Ocean, y Humberstone se la lleva al folk-rock, un poco como hizo Ryan Adams en esa formidable ida de olla que fue versionar ‘1989‘ enterito.

Troye Sivan / What Was I Made For?
Troye Sivan ha conseguido este 2023 sacar dos temazos que compiten por ser su mejor canción, ‘Rush’ y ‘One of Your Girls’. Pero no ha olvidado al Troye baladista, responsable de algunas de sus mejores canciones (‘Strawberries & Cigarettes’, ‘Animal’, ‘Take Yourself Home’ o ‘The Good Side’), y este año lo mejor de ese good side suyo no lo encontramos en su disco, sino en su versión del tema de Billie Eilish para ‘Barbie‘, ofrecida en el Live Lounge de BBC. La mezcla entre dulzura y abatimiento de su voz aleja ‘What Was I Made For’ del punto etéreo que podía tener la original, acercándola más a la realidad.

Lana Del Rey / Unchained Melody, y Take Me Home, Country Road
La última en unirse a la lista ha sido Lana del Rey, que hace unos días sacó oficialmente una versión de ‘Take Me Home, Country Road’ de John Denver, justo unas horas después de versionar en la tele otro clásico, ‘Unchained Melody’, popularizada por los Righteous Brothers y por Elvis Presley, y que todos asociamos a ‘Ghost’ –y, por qué no, a Rosa López, pues fue la actuación con la que ganó el primer ‘Operación Triunfo’. Y si aquello fue una demostración de torrente vocal, la de Lana es una prueba más de lo personal que es su voz, que se adueña incluso de una canción tan conocida como ésta (o como ‘Take Me Home…’, que los fans de Ghibli relacionarán más con la preciosa ‘Susurros del corazón’). Lizzy nos ha maravillado con versiones anteriormente (la de ‘The Other Woman’ es oro) y con esto cierra un año en el que no se puede quejar: ‘Did you know…?’ ha sido un éxito de crítica, ‘Say Yes to Heaven’ un pequeño hit (más los dineritos por ‘Snow on the Beach‘) y ella es la 10ª artista más escuchada en Spotify este 2023 (viendo el ránking es todavía más flipante)

Bonus track: Chanel / Un año más
No todo puede ser bueno. Decimos muchas veces que una buena versión se lleva el original a otro estilo distinto, o resignifica su mensaje, pero hay veces que puedes hacer esto y que salga mal. Chanel acertó con ‘Clavaíto‘ (Abraham Mateo nos ha callado la boca a muchos), pero esta cover del clásico de Mecano es un despropósito. Y ojo, porque soy poco sospechoso de ser hater de ‘Un año más’: me parece, no ya la mejor canción de Mecano, sino una de las grandes canciones del pop nacional. Si el concepto “Españita” pudiese transformarse en una canción, sería ‘Un año más’. Asocio la Navidad a ‘Un año más’ tanto o más que a ‘El tamborilero’ de Raphael o a los niños andaluces cantando ‘Navidad en Canal Sur’. Music makes the people come together, y ‘Un año más’ es buen ejemplo. Pero así no. Esta producción no funcionaría ni con el punto desenfadado de ‘All I want for Christmas’, así que menos va a funcionar con la nostalgia de ‘Un año más’.

Santander Music confirma a Louis Tomlinson, Mikel Izal…

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Santander Music ha desvelado el cartel de su edición de 2024, que tendrá lugar los días 2 y 3 de agosto en la Península de la Magdalena.

El cartel destaca dos headliners claros. Y los dos tienen algo en común: vienen de una banda que se ha separado (indefinidamente). Es el caso de Louis Tomlinson, ex integrante de One Direction, y de Mikel Izal, líder de la banda que lleva su apellido. Izal acaba de publicar su álbum debut, ‘El miedo y el paraíso’.

Dani Fernández, La La Love You, Sen Senra y Ginebras se encuentran también entre los confirmados de Santander Music. Se suman dos de las revelaciones nacionales de las que más os hemos hablando últimamente, Aiko el grupo y Alba Morena.

Completan el cartel de Santander Music 2024 Amygdala, Ciudad Jara (proyecto de Pablo Sánchez, ex líder de La Raíz), Edgar Kerri, Malmö 040, Pablopablo, Siloé, Merino y Trashi.

Las entradas para la próxima edición de Santander Music se pondrán a la venta el viernes 15 de diciembre a las 12.00 horas en la web del festival.

Shirley Manson de Garbage para una pelea durante un concierto

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Garbage se encontraba ofreciendo su esperado concierto en el evento ‘Almost Acoustic Christmas’ de la emisora de radio estadounidense KROQ, cuando Shirley Manson advirtió que dos personas estaban peleando en el público y decidió detener la reyerta desde el escenario.

En un vídeo que documenta la escena subido a Youtube se aprecia a Manson cantando ‘Wolves’ cuando la cantante escocesa detiene la actuación de repente. «¿Qué coño estáis haciendo? ¿Qué coño os pasa? A la mierda eso. No sé, chicas, no sé qué ha pasado y, francamente, no me importa», expresa la artista.

Visiblemente afectada por la situación, Manson insiste en que los motivos de la pelea no le incumben: «Ya hay mucha mierda ocurriendo en el mundo. ¿No tenemos suficiente mierda en el mundo, que os tenéis que poner agresivos en medio de una fiesta navideña?» A continuación, Manson recurre a seguridad: «quiero que averigüéis lo que está pasando, no quiero que nadie salga herido».

‘Wolves’ era apenas la tercera canción del set de Garbage en el evento navideño celebrado en Los Ángeles. Además, tocaron ‘Vow’, ‘Stupid Girl’, ‘#1 Crush’, ‘Only Happy When it Rains’ y ‘Push It’.

Garbage lanzaron su último álbum de estudio, ‘No Gods, No Masters‘, en 2021. Entonces tuvimos ocasión de hablar con Shirley sobre él y de repasar la discografía de Garbage en profundidad. En 2022 llegó al mercado ‘Anthology’.

DELLAFUENTE consigue su primer nº1 de singles en España

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DELLAFUENTE ha logrado su primer número 1 en España con ‘Manos Rotas’, su single junto a Morad que lo está petando en plataformas musicales y que se ha visto impulsado gracias a la publicación del EP ‘ZIZOU’, que mete también ‘Figo’ (#61). Esto lleva al granadino a desbancar a Iñigo Quintero, que seguía imponente en lo más alto de Singles España con ‘Si No Estás’.

La entrada más alta de la semana es para otra colaboración, ‘Luna’, que hacen debutar a Feid y Atl Jacob en el número 18. Pero esta no es la única nueva canción que Feid mete esta semana en la lista, pues su recién sacado disco ‘FERXXOCALIPSIS’ posiciona hasta otros 6 temas nuevos: ‘Alakran’ (#43), ‘Desquite’ (#53), ‘50 Palos’ (#62), ‘Cual Es Esa’ con Pirlo (#69), ‘La Vuelta’ con Mañas Ru-Fino (#78) y ‘Esquirla’ (#95).

En cuanto al resto de entradas, destaca Estopa con ‘El Día Que Tú Te Marches’ en la posición 84. Un puesto por debajo debuta el nuevo tema de Iñigo Quintero, ‘Lo Que Queda De Mí’, bastante más debajo de lo que podría esperarse tras el éxito rotundo que sigue teniendo ‘Si No Estás’. Por último, ‘Al Safir’ de Shars 2023 entra en el puesto 89.




The Eras Tour de Taylor Swift es la gira más taquillera de la historia

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La gira de Taylor Swift, The Eras Tour, se ha convertido en la gira más taquillera de la historia. El récord es tal que, además, la ha llevado a convertirse en la primera gira que supera en recaudación la marca de los 1.000 millones de dólares.

El tour, que empezó hace tan solo ocho meses, ha recaudado hasta la fecha 1.040 millones de dólares. Según Pollstar, Taylor Swift ha vendido en los primeros 60 conciertos de la gira un total de 4,3 millones de entradas a un precio medio de 238,95 dólares, destacando que dicha cifra ni siquiera se trata de la más alta de la historia.

Atendiendo a las estadísticas, The Eras Tour ha conseguido recaudar más de 17 millones de dólares por concierto, algo sin precedentes en la industria musical. Pero el enorme impacto de la gira es casi más evidente si se compara con el resto de giras de este mismo año: ha recaudado más que las dos siguientes giras más taquilleras de 2023 combinadas (la de Beyoncé y la de Bruce Springsteen).

Hasta ahora, la gira más grande de la historia la ostentaba Elton John tras recaudar 939 millones de dólares con su Farewell Yellow Brick Road Tour en un total de 328 conciertos. Taylor Swift podría doblar esta cifra el año que viene, cuando se espera que alcance una recaudación de 2.000 millones de dólares si realiza todos los conciertos que tiene programados para 2024.

Según Variety, el equipo de Taylor Swift ha comunicado a algunos medios que no publicará ninguna cifra oficial de taquilla ni siquiera cuando llegue a su fin el próximo noviembre, por lo que los totales son en gran medida proyecciones.

A diferencia de Pollstar, las listas de Billboard solo utilizan cifras presentadas oficialmente, y sin que el equipo de Swift o los estadios en los que actúa revelen ningún resultado, la gira de Beyoncé tiene la recaudación oficial más alta de 2023 en sus listas con 570,5 millones de dólares. Ningún concierto de Taylor Swift aparece en la lista Billboard Boxscore de los 30 conciertos más taquilleros del año debido al bloqueo informativo y a la reticencia de Billboard a basarse en estimaciones.

Queens Of The Stone Age actuarán en A Coruña y Madrid

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Queens Of The Stone Age ha anunciado conciertos en nuestro país: el 18 de junio de 2024 en Coliseum de A Coruña y el 20 de junio en Noches del Botánico de Madrid.

Formada en California por Joshua Homme durante la década de los 90, Queens Of The Stone Age se ha dado a conocer por temas como ‘No One Knows’, ‘Little Sister’, ‘My God is the Sun’ o ‘The Way You Used To Do’, entre otros.

Las entradas para Madrid estarán a la venta el jueves 14 de diciembre a las 12h en www.livenation.es. Las entradas para A Coruña estarán a la venta el viernes 15 de diciembre a las 10h en www.livenation.es y Ticketmaster.es. Los registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa para el concierto de A Coruña en nuestra web el jueves 14 de diciembre a las 10h.

Precios de las entradas:
Madrid: Pista: 70€ (+gastos) – Grada: 75€ (+gastos)
A Coruña: Pista: 55€ (+gastos) – Grada: 50€ (+gastos)

Tate McRae / Think Later

Tate McRae está en camino de convertirse en una superestrella global. De momento tiene un hit incontestable, ‘Greedy’, otro que tiene los mimbres para serlo, ‘Exes’, y ahora, también, un nuevo disco publicado a toda prisa, con el que seguirá arañando buenos números mientras prepara el estreno de una gira mundial que pasará por España la próxima primavera.

La propia Tate McRae ha reconocido que el lanzamiento de ‘Think Later’ ha sido apresurado. La canadiense lo ha acabado de grabar en apenas una semana por exigencia de su discográfica, y se nota, porque el producto final podría ser muchísimo mejor.

El pelotazo de ‘Greedy’ ha tenido que pillar a RCA Records por sorpresa. Como a todo el mundo. Pero parece que ha pasado tiempo suficiente para que el sonido que pregonaba Timbaland en 2006 vuelva a triunfar. ‘Greedy’ es una buena imitación de ese estilo, aunque la composición queda en un segundo plano. ‘Exes’ opta por un sonido más garage y, sobre todo, por un estribillo irresistiblemente bobo: ese “oh, I’m sorry, sorry that you love me” no se va de mi cabeza.

Tate McRae sabe defender su música no solo cantando en cursiva, como toda buena pop star de hoy, sino también dejándose la piel en el escenario. El baile es definitivamente su seña de identidad y, en una época en la que las coreografías atléticas de los 2000 no están en absoluto de moda, y Tinashe lo sabe mejor que nadie, McRae puede sentar precedente. Sin embargo, sus canciones luchan por hacerse notar, pareciéndose demasiado a otras cosas, mientras las melodías rara vez salen fortalecidas del intento.

Algunas canciones de ‘Think Later’ salen airosas del reto “acaba el disco en una semana”. ‘Cut My Hair’ es una buena declaración de intenciones: Tate canta que el papel de “niña triste” que vendió en su debut ya no va con ella, y que las chicas buenas están “sobrevaloradas”. ‘Hurt My Feelings’ busca el sonido de ‘Greedy’ y lo clava casi igual de bien. The Weeknd es una inspiración obvia en ‘Run for the Hills’ en uno de los pocos momentos del disco en los que la creación de una atmósfera densa y opresiva tiene sentido. Y las baladas a Tate no se le dan nada mal: ‘Stay Used’ está muy evidentemente inspirada, y muy pronto, además, en ‘Nobody Gets Me’ de SZA, pero SZA no ha inventado la balada emo, y ‘Stay Used’ no es una mala canción en absoluto. Lo mismo se puede decir de la pista final, ‘Plastic Palm Trees’. El problema es que llegar a ella cuesta más de lo que debería.

La falta de buenas melodías en ‘Think Later’ se hace evidente muy pronto. Que un disco que no llega a los 40 minutos de duración, parezca que dura el doble, nunca es buena señal. Los productores de ‘Think Later’, entre los cuales se encuentra Ryan Tedder, tratan de disimular la ausencia de melodías sólidas sobrecargando la producción con reverb y efectos diversos, pero esta decisión lastra el disco, pues las canciones terminan inevitablemente fundidas unas con otras.

Es por ejemplo el caso de ‘Grave’, cargada de unas percusiones tremebundas que buscan desesperadamente provocar emoción. ‘Calgary’, dedicada a la ciudad done Tate nació, es la típica balada atmosférica embriagada de sí misma. Y ’Messier’ es otra composición donde el reverb y la elaborada producción trata de sacar petróleo donde no lo hay. Solo ‘We’re Not Alike’ logra diferenciarse dentro de la secuencia agregando guitarras de inspiración grunge, pero la canción tampoco es gran cosa.

Vale la pena, como decimos, llegar a la bonita ‘Plastic Palm Trees’, pero llega demasiado tarde. ‘Think Later’ tiene evidentemente el acabado brillante y lustroso de una superproducción internacional, pero la materia prima no es tan sólida como debería. Lo mejor que se puede decir de ‘Think Later’, por tanto, es que abre el camino a que el próximo disco de Tate McRae sea mucho mejor. No será difícil la tarea.

Niños Mutantes anuncia su separación, y conciertos finales

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Niños Mutantes ha anunciado su separación. El grupo autor de ‘Otoño en agosto’ (2002), ‘Todo es el momento’ (2009) o, últimamente, de ‘Ventanas‘ (2020) y ‘Cuchillos y diamantes’ (2022) ha comunicado que, con el 30º aniversario de su formación llegará, también, su disolución.

Será en 2024 cuando se cumpla el trigésimo aniversario de Niños Mutantes y también cuando el grupo ofrezca sus dos conciertos finales. Estos tendrán lugar el 2 de noviembre en LaRiviera de Madrid y el 23 de noviembre en el Teatro CajaGranada de Granada. En ambos casos las entradas están disponibles en la web de la banda.

Niños Mutantes explica así su separación: «El año que viene cumplimos 30 años. Nunca lo hubiéramos imaginado. Es un milagro, nos sentimos muy afortunados. Gratitud eterna por habernos traído hasta aquí, ha sido el viaje de nuestras vidas, y ha sido precioso. Pero todo camino llega a su fin, y hemos decidido que el nuestro es este 2024 en que llegamos a esos 30 años tan vertiginosos.

Vamos a echar de menos componer, grabar, viajar, subir a escenarios, ver vuestras caras, oír vuestros aplausos, reír juntos, llorar juntos, discutir, comer como gorrinos, pelearnos, contar chistes solo nuestros, emborracharnos hasta hacerse el día, emocionarnos con nuestras cosas. Perder eso es duro, pero sentimos que hemos dicho ya lo que teníamos que decir y que toca dejar el relevo a una nueva generación. Es ley de vida, nada es eterno».

Niños Mutantes se dio a conocer a finales de los 90 y se consolidó durante los primeros años de los 2000 ofreciendo una emocionante mezcla de indie rock anglosajón, influido por grupos como Radiphead, Placebo, Suede o Dinosaur Jr, y letras interpretadas en español. ‘Errante (Canción mutante)’, ‘No puedo más contigo’, ‘Mi niño no quiere dormir’ o ‘Todo va a cambiar’ se cuentan entre sus singles más populares.

Noches del Botánico confirma a PJ Harvey, James Blake, Take That…

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Noches del Botánico ha anunciado los primeros nombres de su edición de 2024. PJ Harvey, James Blake, Take That, Julieta Venegas o Queens of the Stone se encuentran entre los artistas confirmados hoy por el ciclo de conciertos madrileño.

La primera fecha de Noches del Botánico anunciada, el 7 de junio, marca el concierto de PJ Harvey, autora de uno de los mejores discos de 2023. La última, el 27 de julio, el de Toto, el grupo autor de la archiconocida ‘Africa’, entre otros éxitos.

Durante el mes de junio están previstos, además, y según revela el avance de la programación de Noches del Botánico, los conciertos de Mikel Izal el 13 de junio, Status Quo el 15, Queens of the Stone Age el 20 y Glen Hansard / St. Paul & the Broken Bones el 23.

James Blake abrirá la programación de julio, con una actuación programada el día 4. A continuación, Lorena McKennitt actuará el 9, Julieta Venegas y Kevin Johansen el 13, Take That el 17, Vulfpeck el 21, James Blunt el 22, Simple Minds el 24, Passenger el 25, hasta llegar a Toto.

Las entradas para Noches del Botánico se pondrán a la vente el jueves 14 de diciembre a partir de las 12 horas en la web del festival, que volverá a tener lugar en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII, en la Universidad Complutense de Madrid.

Libianca entrega una nueva joya en ‘Mistaken’

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En enero, os recomendábamos ‘People‘, el maravilloso afrobeat de Libianca, una cantante de 22 años curtida en The Voice. Entonces, ‘People’ era la canción más viral en el mundo. Con el paso de los meses se convertía en uno de los grandes «growers» del verano… y, al llegar diciembre, se puede decir que ‘People’ ha sido uno de los grandes éxitos del año.

‘People’ ha sido número 1 en Países Bajos, número 2 en Reino Unido, Irlanda y Nueva Zelanda y número 5 en países como Dinamarca, Sudáfrica o India. El tema está certificado con varios discos de Platino (también en Estados Unidos) y acumula 520 millones de reproducciones solo en Spotify. Con estos datos en la mano, ‘People’ representa una de las grandes ausencias en las nominaciones a los premios Grammy. Como mínimo Libianca merecía competir en la categoría de Artista revelación, pero no ha habido suerte.

Pero no todo son premios. Libianca continúa su carrera después de ‘People’ y, este pasado viernes, ha lanzado su epé de debut. ‘Walk Away’ contiene ‘People’, también el popular single ‘Juh’, y cuatro nuevos temas en los que vale la pena detenerse. Especialmente en ‘Mistaken’, una nueva maravilla de Libianca que hoy seleccionamos como Canción Del Día.

Libianca sigue en ‘Mistaken’ mimando ese sonido de afrobeat suave y relajado que la ha dado a conocer. Un humeante saxofón emerge ahora, no obstante, en la grabación, llevándola a la sensualidad de Sade. Acompañada por Chloë y del cantante nigeriano Oxlade, Libianca entrega una composición preciosa e hipnótica que no renuncia a la melancolía de su canción más popular. Vocalmente, su manera de acariciar la melodía le hace merecedora de todos los premios habidos y por haber, los reciba o no.

En cuanto a la letra, ‘Mistaken’ habla de ese amor que provoca más dudas que certezas. Libianca cree que puede estar «equivocada» con su elección, pero está dispuesta a descubrirlo. «Me entretengo con un hombre, que no merece mi amor, quizá deberíamos salir algún día, creo que podrías ayudarme a llenar el vacío que siento en mi interior», canta. La depresión ya era un tema abordado en ‘People’. En ese caso, Libianca cantaba sobre su dependencia del alcohol. En ‘Mistaken’, el «error» podría ser otro, pero la canción vuelve a ser un acierto.

Bethany Consentino habla sobre la mala recepción de su último disco

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Bethany Consentino, la persona detrás de Best Coast, ha publicado un disco este año firmado con su nombre de pila. ‘Natural Disaster‘ ha recibido buenas críticas en general. Entre las excepciones, Pitchfork lo ha puntuado con un 5,9 sobre 10, una nota muy próxima a la otorgada por JENESAISPOP (6 sobre 10).

Sin embargo, ‘Natural Disaster’ no ha logrado captar la atención del público. Ya sea por el cambio de nombre o por el cambio de sonido, ‘Natural Disaster’ no ha generado el mismo interés que habría suscitado un nuevo disco de Best Coast. De hecho, sus streamings son muy bajos, y no ha habido gira de presentación.

Consentino no se ha querido quedar callada y ha expresado su «decepción» por el desempeño de ‘Natural Disaster’. Ella opina que en absoluto ha hecho un «disco malo» y culpa al «estado de la industria de la música» por la mala recepción que el álbum ha obtenido. En concreto, Consentino denuncia «toda la promoción que tienes que hacer, todo lo que te tienes que vender» hoy en día, solo para que el disco salga y el público se olvide de él a los cuatro días. «No quiero que penséis que soy un fracaso, estoy bien», asegura, «pero realmente pensaba que el disco iba a ir mejor, y que iba a llevarlo de gira».

Consentino revela que el pobre resultado de ‘Natural Disaster’ le ha llevado a plantearse dejar la música, pero que la música es «todo lo que sé hacer» y lo que le da «vida». Sin embargo, no entra en sus planes recuperar el proyecto de Best Coast, pues dice que representa un sonido con el que ya no se identifica, «como intentar meterte en unos pantalones que ya no te caben», y defiende que ella quiere poder evolucionar a nivel creativo, igual que lo hace a nivel humano, sin que el público se olvide de ella.

Después de que las declaraciones de Bethany Consentino hayan empezado a circular por redes y medios, la artista ha querido matizar -contestando un titular de Stereogum- que ella no ha criticado el «lanzamiento» de ‘Natural Disaster’, pues considera que su publicista «hizo un gran trabajo» para que el disco saliera en medios, sino el funcionamiento de la industria actual: «estoy decepcionada con el hecho de que parece que desapareces de esta industria si te pierde el algoritmo».

Vox elimina el Festival Periferias de Huesca

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El Festival Periferias de Huesca, referente de la oferta cultural de vanguardia en Aragón, no se celebrará en 2024. Así lo ha anunciado el Ayuntamiento gobernado por la alianza de PP y Vox durante la presentación de sus presupuestos para el siguiente curso. Vox Huesca había advertido que solo aprobaría dichos presupuestos si el Festival Periferias quedaba fuera de las cuentas del año que viene.

Vox Huesca tenía el Festival Periferias en el punto de mira. Recientemente, el partido de ultraderecha había expresado que «VOX Huesca no tiene líneas rojas, pero sí líneas verdes» y que una de esas líneas verdes «es el festival Periferias, que sólo sirve para regar a culturetas progres con cientos de miles de euros». Vox Huesca había calificado de «despilfarro» la celebración anual del evento.

El Ayuntamiento estudia ahora sustituir Periferias por un «festival lúdico-cultural-festivo destinado al ámbito juvenil” y «basado en la participación ciudadana» que ofrecería «actos en una semana y también espaciados a lo largo del año”.

El Ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha expresado su pesar por el fin del festival aragonés: «Lamento profundamente la cancelación del festival Periferias de Huesca, que durante 23 años ha sido una referencia para todo el país. El deber de las administraciones es fomentar la cultura, no censurarla».

Por el Periferias de Huesca han pasado artistas de enorme prestigio nacional e internacional como Enrique Morente, Anohni and the Johnsons, Sun Ra Arkestra, Niño de Elche, The Human League, Vladislav Delay, Waterboys, Sugarhill Gang o Paco Ibáñez. Cada edición se dedicaba a una temática concreta, como la fiesta, el cosmos, las raíces o los estados alterados. La cultura gitana ha marcado la última edición del festival celebrada hace apenas unos meses.

OT Gala 3: Mariquita el último

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Existe la percepción colectiva de que OT es un programa queer. Pero es solo eso: una percepción. Echando cuentas, la mayoría de concursantes LGB (la T sigue ausente en el programa) pasaron por la academia sin mencionarlo explícitamente en cámara. Lo más queer de OT ha sido siempre su público. Hasta anoche. La gala 3 desplegó tal plumaje que compensó la heteronormatividad por defecto de las once ediciones anteriores: cultura queer es Salma cantando ‘Péiname Juana’ con actitud de “lesbiana a la que le tienes que pedir permiso para ser lesbiana cuando entras en la cárcel”, cultura queer son Juanjo y Álvaro disfrazados de dos lesbianas de la República de Weimar y cultura queer es Martin, ante la pregunta sobre los síntomas de las ITS, respondiendo “fluidos con color sospechoso” con cara de que si no hubiera una cámara delante habría dicho “si chorrea, es gonorrea”.

La gala empezó, eso sí, con Álex Márquez y Omar, dos heterosexuales con cara de salirte mucho en Tinder aunque deslices a la izquierda porque pagan Premium. Aunque nadie lo sabe, claro, porque nadie les ha deslizado a la izquierda ni por accidente. Álex cantó ‘Ladrona’ con la energía que requería el tema, la de un cantante que ya existe interpretando una canción que ya has escuchado mil veces. Y eso no da buena televisión, pero desde luego da para salvarse con un 72% de los votos. Que ni Omar fuera Trizia. Omar eligió ‘La canción más hermosa del mundo’ de Joaquín Sabina (inciso: todo el mundo sabe que la canción más bonita del mundo es ‘La playa’ de La oreja de Van Gogh, si hasta el propio estribillo lo dice) y demostró por qué Sabina es un cantautor que se compone las canciones solo para cantarlas él mismo: el fraseo medio hablado, los juegos de palabras canallitas y la autocompasión de perdedor empedernido no funcionan cuando las canta un maromo cuya voz tiene las cejas arqueadas y cuya postura por defecto es encogerse de hombros y con una escenografía, además, que era literalmente la misma que les pusieron a Rosa y Manu Tenorio para cantar ‘Somos novios’. Si lo más canalla que ha hecho Omar en su vida es doblar una servilleta en un bar para convertir “Gracias por su visita” en “Gracias puta”.



Al terminar, Álex reestableció el rollo queer de la noche cuando se encaramó a Omar como un koala a una secuoya. Porque qué duda cabe de que ese es el efecto que provoca Omar en las personas. De hecho, justo después de su expulsión y justo antes de convertirse en la segunda persona a la que Noemí Galera regala un teléfono móvil esta semana, Omar recibió la visita de su hermana y ella nada más verlo saltó y se encaramó a él porque si alguien tiene la oportunidad de escalar ese árbol por qué iba a no hacerlo incluso aunque sea familia directa.

Con dos eliminados, empieza a formarse un patrón: el nominado que cante la canción más radiada en Cadena Dial se queda. La que desde luego está aquí para quedarse es Chenoa, que incluso cuando suelta frases tan incoherentes como “Vamos a ver la semana de los profesores. Un besito” lo hace con la convicción de una presentadora que lleva años en el cargo.

Bea, Juanjo y Álvaro llevaban toda la semana prometiendo un cuadro con C mayúscula… hasta que empezó la actuación. Los chicos arrancaron sentados en un sofá y vestidos como figurantes de The Hole, una escenografía muy mariquita que por alguna razón salpimentaron con bailarinas que les ponían, a falta de una descripción mejor, el coño en la cara. Juanjo acarició el brazo de una de ellas con cara de “ay me encanta cómo huele tu crema hidratante” y Álvaro se agachó ante él con la actitud de alguien que ha hecho eso más de una vez: flexionó las piernas, sí, pero mantuvo el culo en pompa porque nunca se sabe lo que puede pasar. Más que recrear un antro de perversión, la actuación era lo que tu madre cree que haces cuando sales por bares de mariquitas: ponerte corsés y collares de perlas y abrirte de piernas sin venir a cuento (y a veces tu madre tiene razón). Mientras tanto, Bea lo miraba todo desde el escenario principal como buena mariliendre que está esperando a sus dos amigos que le han dicho que iban al baño y llevan mogollón de rato ya. Pero cuando llegó su turno, Bea, como dirían los jóvenes, recibió su título de Cuntología por la Universidad de Servington. No, resulta que Bea no era la amiga mariliendres. Era la dueña del burdel. No importó que la hubieran vestido con ropa para tres personas (un vestido drapeado de terciopleo Y transparencias Y una corbata Y los tirantes del sujetador al aire) y no importó que hubiera 200 personas en ese escenario, porque Bea consiguió que el mundo se detuviera para mirar cómo se follaba al plató. Para cuando Juanjo y Álvaro se pusieron a su lado, por supuesto de rodillas, el público ya se había olvidado de ellos y ella los miró desde arriba con cara de “Y en cuanto acabemos me vais a hacer la manicura”. Después de la actuación, una vez sentados en el sofá, la cámara pinchó al trío y Bea estaba recostada con los brazos por detrás de sus dos zorras. Se había convertido en una mafiosa para la cual cualquier asiento es un jacuzzi de Marbella. De fondo, Buika iba tomando notas y la cámara hizo zoom a su libreta: ponía “Maricones” y “¿Hay una chica nueva? Preguntar a Noemí. Ah no, es Álvaro Mayo”.

La actuación de Martin y Ruslana de ‘Inmortal’ pareció un concurso de imitadores de Leire. Y Martin gana por goleada. Se lo pasaron bien, tuvieron química y supieron pisar el escenario. La presencia de Martin consiste en que siempre está haciendo algo con la boca (y una vez que te fijes no vas a poder dejar de verlo), o bien la deja entreabierta, o bien se humedece los labios, o bien pone media sonrisa. Martin es el concursante de OT que más se ha tomado su paso por el programa como unas vacaciones: siempre está de buen humor, siempre parece que ha dormido ocho horas y cuando tiene un ratito libre se da una ducha.

Asignarle ‘I Kissed A Girl’ a dos chicas del colectivo es una muestra más de que OT es la gran fiesta de la literalidad española. Pero también supone una reescritura de la canción original, que Katy Perry lanzó cuando todavía era provocador que una niña bien blanca se enrollase con sus amigas borrachas para seducir a los chicos. La versión de anoche era decididamente queer y Chiara lo entendió mejor que Violeta, porque resulta que Chiara es todo lo que creímos que Violeta iba a ser en la gala 0. Chiara iba vestida de Alicia Silverstone en ‘Fuera de onda’ y puso posturas de Selma Blair en ‘Crueles intenciones’ (en concreto, en la escena en la que su madre le dice “Cierra las piernas, no estamos en Jamaica”). Y Violeta… ¿qué llevaba puesto Violeta? Terrorismo. Más que lesbianas de verdad, Chiara y Violeta parecían lesbianas de ‘Élite’, pero mientras Violeta se dedicaba a fruncir el ceño (algo que solo le sale bien a Dua Lipa), Chiara sabía jugar a su favor su permanente expresión de “No, no te voy a dejar los apuntes, haber estudiado”. Porque las chicas buenas también pueden ser malas si se ponen la falda de tablas adecuada y este comentario resultará rijoso pero sin duda recibiría la aprobación de Chenoa, que después de cada actuación se abanicaba con los tarjetones porque “la noche está muy muy caliente”. “¡Menos mal que no me han puesto chaqueta!”, exclamó para subrayar lo “hot” que estaba. No, no le pusieron chaqueta. Le pusieron una toga.


Los chavales recibieron una charla sobre infecciones de transmisión sexual, lo cual podría sorprender en cualquier edición de OT pero en esta se antoja necesario. Los encargados fueron los divulgadores de la organización Imagina +, pero, si querían más información, bastaba con que les preguntasen a las personas encargadas de limpiar las duchas en la academia. En algún lugar de Aragón, los padres de Juanjo cenaban en silencio sin girar la cabeza para mirarse.

Naiara se puso un vestido color fluido sospechoso para cantar ‘Tómame o déjame’. En cuanto empezó la música y ella mantuvo la mirada fija en la cámara mientras esta bajaba al escenario, ya era la mejor actuación de la noche. Durante los ensayos, Naiara llevaba una camiseta en la que pone “Diva” porque evidentemente es ese tipo de chica. Y durante la actuación, demostró que “Diva” no es solo un rótulo en su camiseta: invocó al fantasma de Mónica Naranjo y le añadió un deje aflamencado, pero muy sutil, porque a ella no le viene de escuchar flamenco puro sino de escuchar a La húngara en el parking del Carrefour Augusta Zaragoza. En contra de lo que cabría esperar (dado lo cercana que es fuera del escenario), Naiara no cantó como una novia dolida sino como una estrella del pop. Las emociones eran teatrales pero moduladas y pasaban de la vergüenza al enfado y a la lástima y a la cara de “te he dado mi código pin y aun así no es suficiente para ti”. Pero nunca como una persona normal. Siempre como una diva. Y sin necesidad de florituras vocales, ni de cantar con aire, ni de trucos ñoños, sino con voz completa en todo momento. Naiara supo interpretar la complejísima letra de la canción y consiguió resultar misteriosa, porque nunca quedaba del todo claro lo que estaba sintiendo, aunque su mayor misterio sigue siendo cómo puede parecer tan de Valencia alguien que ha nacido en Zaragoza. Naiara también demostró que ser diva no es una cuestión de actitud, eso lo sabe impostar cualquiera, ser diva consiste en haber peleado por todo lo que tienes. En solo tres semanas, Naiara ha pasado de evocar a Rosa Peral a transformarse en Úrsula Corberó interpretando a Rosa Peral.

El referente estilístico del departamento de vestuario de OT siempre ha sido, sin duda alguna, Fórmul@ Joven de El Corté Inglés. Pero anoche ocurrió algo metaestético: varios concursantes parecían estar haciendo cosplay de OT1. hasta Pablo Rouss (el chico que se sienta al lado de Buika y que desde que empezó a trabajar en OT se levanta sin apenas energía cada martes) llevaba un jersey de canalé con degradado. La “boy band” formada por Paul, Lucas y Cris cantó ‘Back For Good’ y hay que aclararle dos cosas a los espectadores más jóvenes: sí, las boy bands de los 90 eran así de absurdas y hacían coreografías intensas en las baladas; y sí, el pelo que llevaba Paul estuvo de moda en algún momento, requería una cantidad ingente de gomina y dolía muchísimo al apoyar la cabeza contra la almohada. Paul tuvo una mala semana, pero poco se podía imaginar que su verdadero infierno empezaría al entrar en el vestuario y saludar a una mujer, probablemente llamada Chelo, que le vistió como a un figurante de la cabecera de Nosolomúsica. La actuación fue blanda, pero al menos Paul intentó hacer algo. Por desgracia, ese algo fue comportarse como el líder de la banda y hacerle miraditas a una chica del público. Si esa chica no era su novia, su amiga o su hermana, sus gestos de seducción bordearon el delito (bueno, si era su hermana desde luego que eran delito) y según las reglas los allegados de los concursantes no pueden ir de público así que hay ahora mismo una chica en Barcelona partiéndose de risa en todos sus grupos de WhatsApp.

En un momento dado, Chenoa decidió “salirse del guion” para decirles a los chavales: “Sois fabulosos y sois humanos”. Chenoa puede gustar o no (aunque si a alguien no le gusta Chenoa es porque lleva metido en un búnker desde noviembre de 2001), pero hay que admirar su capacidad para ser la artista más inmediatamente icónica de España: ¿Qué otra persona podría convertir el concepto mismo de ser humano en una marca personal? Antes de anunciar al eliminado, Chenoa confesó que tenía un nudo en la garganta. No, Chenoa, lo que tienes es un nudo en el vestido.

A continuación Masi apareció para recordar que “el favorito de la semana pasada fue * chequea las notas * Naiara”. El premio fueron 3000 euros y una conversación con Morat, que, sinceramente, hay mucha gente que pagaría 3000 euros con tal de no ir a ver a Morat. Y entonces arrancaron las nominaciones. La jurado invitada fue Cami (a estas alturas, OT está directamente inventándose personas), quien nada más empezar decidió levantarse a abrazar a Bea porque para escaleta la que te va a dar esta. Cris Regatero le dijo a Salma que le hace falta “más seguridad en la voz” y, sinceramente, Salma puede tener muchas cosas (y Twitter se ha dado un atracón de todas ellas esta semana) pero inseguridad en la voz no es una de ellas. Buika inició su intervención con “Quiero hablar con… Violeta” mientras su cara añadía “Sea quien sea Violeta”. “Te voy a dar un as en la manga”, le dijo. No, Buika, la vas a nominar. Este jurado está a dos semanas de empezar a comunicarse mediante jeroglíficos con tal de no usar el verbo “nominar”. Buika enseguida se dio cuenta que vampirizar la energía de Violeta no le daría ni para llegar al miércoles, porque Violeta la pobre está exhausta de arrastrar aquella etiqueta de favorita prematura que le colgaron en la gala 0. Así que Buika fue a por Denna. Buika es muy lista y sabe que una chica a la que sus padres bautizaron como Almudena pero se ha puesto Denna todo lo que tiene en este mundo es energía e ilusión en sí misma. “Tú quieres cantar, ¿no?”, empezó. “Pues deja de sufrir”. Ah, bueno, Buika, haber empezado por ahí. No se me había ocurrido que era tan fácil como decidir dejar de sufrir. “El éxito es tuyo”, añadió con cara de “pero tu alma es mía”. Y antes de mandarla sentarse, cuando Denna estaba más Almu que nunca, Buika rebañó los huesos: “Trabájatelo, Mimi”.

Trabajátelo. Mimi.

Si alguien trabaja en esa academia esa es Denna, que hizo una actuación ni mucho menos merecedora de la nominación. Tres galas, tres nominaciones. OT no es un programa de cantantes, es un programa de aspirantes a cantantes y por tanto necesita gente como Denna, con ganas y potencial, en vez de seguir salvando a chicos intercambiables que claramente tienen como máximo objetivo en la vida ser Beret. Al terminar la gala, la página de Wikipedia de OT 2023 indicó que Denna había abandonado voluntariamente la academia. Es falso. Es un golpe bajo para hundirla más de lo que está. Lo que no saben es que Buika, al llamarla Mimi, ha despertado a un dragón. ¿Y qué dragón es ese? Pues es como si el meme de “Este cartel no puede detenerme porque no sé leer” se hubiera puesto medias de rejilla y extensiones.

Acabar la noche con Denna y Violeta nominadas es lo que ocurre cuando el jurado propone a cuatro de los artistas más interesantes y deja dentro a todos los genéricos. Se salva de la nominación también Chelo la de vestuario, porque en realidad las catástrofes estilísticas son imprecindibles en OT: en esta edición todos se presentaron en la gala 0 vestidos como superestrellas porque tienen el Shein machacado, pero los concursantes de OT no deben parecer superestrellas. Deben parecer gente normal disfrazada de superestrellas. Y eso debería jugarle a favor a Denna. Pero antes, el público tiene que tomar una decisión: ¿Es Violeta la próxima gran popstar española o solo ha encontrado el corte de pelo más adecuado para su cara? Gane quien gane, los mariquitas pierden. La gala fue la más queer de la historia de OT, sí, pero si a algo está acostumbrado el colectivo es a acabar la noche mucho peor de lo que la empezó.

Galas Anteriores:
Crónica de la Gala 2 de Operación Triunfo: El Efecto Cepeda
Crónica de la Gala 1 de Opetación Triunfo: Los Amigos de Mis Amigas son Mis Amigos

La fascinante relación entre religión y música pop

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Ha querido la casualidad que el capítulo 13 de la 4ª temporada de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, verse sobre religión. En concreto sobre música y religión. El éxito de ‘La Mesías‘ y la confirmación de Stella Maris -actual top 1 en JENESAISPOP con vuestros votos- en Primavera Sound nos lleva a debatir sobre algo más de 1 hora sobre la curiosa vinculación en ambas áreas. Nos acompaña nuestra admirada periodista Paloma Rando, «muy creyente hasta los 19 o 20 años», y en su momento habitual de esa parroquia que estáis viendo últimamente en las noticias, sita en la calle Ferraz.

Rando nos habla sobre cómo hay entornos en que más difícil hablar de tu fe «que salir del armario», mientras Claudio nos pregunta si ha llegado el momento de separar artista y religión. Entre otras cosas, porque últimamente han sido muchos los artistas que han manifestado su fe, como Rosalía, Rigoberta Bandini, Justin Bieber, Kanye West e… ¿Íñigo Quintero?

Hablamos por supuesto de ‘La Mesías’. En ese sentido, el podcast contiene SPOILERS únicamente entre los minutos 13 y 21, cuando desgranamos su desenlace. Rando explica por qué cree que el último episodio no ha gustado a alguna gente: «Mucha gente esperaba una impugnación de la religión. Y lo que los Javis hacen en ‘La Mesías’ no es una impugnación de la religión, sino una impugnación del uso manipulador y torticero de la religión. Montserrat usa el vehículo de la religión porque la tiene muy a mano para inculcar terror y miedo, y sirve como metáfora de lo que ha hecho la religión a lo largo de la historia: ejercer un control de la población y tenerla sometida. Pero eso no impugna la religión per se. Y eso es lo que cuenta ‘La Mesías’. Lo que me gusta de cómo tratan Los Javis la religión es que creen que el ser humano tiene una necesidad de trascendencia». Añade en otro momento: «la fe es muy difícil que se acabe. No se acabaría ni aunque diéramos respuesta a las grandes preguntas del ser humano, del tipo «qué hay después de la muerte»».

Paloma recuerda que la religión católica no tiene por qué ser ultra conservadora, habla de la teoría de la liberación que llevó a algunos cantantes «progres» a abrazar la religión, y del origen del musical ‘Godspell’, también reivindicado en la serie de Calvo y Ambrossi. «Hay una forma de vivir la religión en España que no implica pensamiento ultra».

En cuanto a la vinculación de pop y religión, Rando cita a Tarantino cuando dice que «desde que la religión ha perdido peso en las sociedades modernas y las sociedades se han ido secularizando, ese peso lo ha cogido la cultura, en especial la cultura popular». Habla de «cómo generan comunidades, cómo se venera a los ídolos, los rituales que se generan a partir de determinadas dinámicas relacionadas con la música pop» y bromea sobre lo que podría brillar la iglesia, si aceptara al público LGTB+: «Si la iglesia quisiera ganar adeptos de verdad, lo que tendría que hacer sería aceptarnos a los LGTB de una vez por todas. No habría mejor campaña que la que podríamos orquestar nosotros. Si todos los capillitas de Sevilla fueran abrazados por la Iglesia, no tendrían rival. Se organizarían unos espectáculos… Imaginaos, con toda la liturgia de la iglesia… En el Concilio del Vaticano II se autorizó el uso de la canción popular en la liturgia. Desde Bob Dylan al coro rociero. Y eso cambió la manera de concebir los ritos. Cómo ha permeado bautizos, bodas, el único contacto con la religión al año de mucha gente…» Exclama, excitada: «¡El siguiente concilio somos nosotros!».

Sobre el apego de gente como Rosalía a la religión o el uso de su iconografía por parte de C. Tangana, nos indica: «Son artistas que no niegan el suelo cultural en el que se han movido. Durante mucho tiempo, no aceptar lo popular era lo guay y te generaba una distinción. Y ahora aceptar el casticismo, la tradición… está bien visto, cuando antes estaba mal visto. Antes si yo decía “soy creyente” me miraban raro. Y eso genera una reacción, que puede llevar a que ahora ser creyente pueda ser rebelde. Lo que se dice de que ser de derechas es punk. Hay un poco de eso. La ventaja que creo es que en el caso de Rosalía, eso no va aparejado ni muchísimo menos a un mensaje conservador. Porque luego es una tía dueña de su sexualidad».

En otros puntos del podcast, volvemos a recomendar la excelente serie ‘Leftovers’, hablamos del acorde demoníaco «diabolus» de Black Sabbath, o comentamos algunos artistas que han hablado de Dios (o del diablo) en su música. Desde Amistades Peligrosas a la adaptación como «Padre Nuestro» de Simon & Garfunkel, pasando por The Killers, Sufjan Stevens, Cat Stevens, Leonard Cohen o Low.