Fangoria, Sexy Zebras, Niña Polaca, Varry Brava, Delaporte, Hofe, Oro Jondo y Marie Malarie son los ocho nombres que se suman a la programación de Low Festival, que se celebra los días 25, 26 y 27 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, en Benidorm.
El cartel de la edición de 2025 sigue expandiéndose, mientras ya se habían anunciado en el programa grandes reclamos como Pet Shop Boys, Empire of Sound, Bomba Estéreo, Viva Suecia o Carolina Durante. Low Festival informa que aún «quedan alicientes por despejar».
La organización de Low Festival comunica, por otro lado, que los abonos de tres días generales, VIP y VIP POOL están disponibles a 67,99 euros hasta el domingo (o agotar cupo) en la web del festival. Esta es la lista de todos los nombres confirmados hasta el momento:
PET SHOP BOYS
EMPIRE OF THE SUN
BOMBA ESTÉREO
THE KOOKS
VIVA SUECIA
FANGORIA
AMAIA
CAROLINA DURANTE
ZAHARA
MISS CAFFEINA
SILOÉ
SEXY ZABRAS
NIÑA POLACA
VARRY BRAVA
RALPHIE CHOO
XOEL LÓPEZ
JUDELINE
HOFE X 4:40
MARÍA ESCARMIENTO
CAMELLOS
CORA YAKO
GRANDE AMORE
MELIFLUO
TEO LUCADAMO
BESTIA BEBÉ
COOLNENAS
ORO JONDO
NUSAR3000
TRISTÁN
MARIE MALARIE
Wolfgang Flür vive un lanzamiento de disco agridulce. El que fuera miembro de Kraftwerk entre 1974 y 1986 ha publicado este viernes nuevo disco, ‘Times’, un trabajo que contiene colaboraciones estelares de Peter Hook (ex New Order), Boris Blank (ex Yello) o un tal «Thomas Vangarde». Las notas oficiales afirman que Thomas Vangarde es el alias de Thomas Bangalter del extinto dúo Daft Punk. Sin embargo, ha resultado ser un impostor.
El «historiador de Daft Punk» Luke Perez, cuenta Billboard, ha descubierto el timo y ha constatado, gracias a una persona próxima al círculo de Daft Punk, que la supuesta colaboración de Bangalter con Wolfgang Flür nunca ha existido.
La supuesta colaboración de Wolfgang Flür y Thomas Bangalter se concibió en 2023 cuando el presunto ex-integrante de Daft Punk escribió a Flür por redes sociales para colaborar. En una extraña interacción con Flür, «Bangalter» pidió a Flür una copia firmada de su disco de 2022 ‘Magazine I’: «¿Me puedes enviar una copia firmada? Colecciono discos y el tuyo tiene que estar firmado por ti», expresó el Bangalter ficticio. «Sin Kraftwerk, en Daft Punk nunca habríamos encontrado nuestro estilo robótico. Te quiero, Wolfgang, ¿me podrías mandar el disco?»
Flür le mandó una copia firmada de ‘Magazine 1’ al presunto Bangalter y la colaboración entre ambos se materializó. El nombre de Thomas Vangarde aparece en dos cortes de ‘Times’, ‘Über_All’ y ‘Monday to the Moon’, ambos junto a Peter Hook. Sin embargo, el entorno de Daft Punk ha desmentido que esta colaboración se haya producido. Según Perez, el impostor ha usado un nombre alternativo para esconder su paradero, pero la elección de nombre está directamente relacionada con el verdadero Bangalter, pues es un alias que utilizó su padre en su antigua carrera musical.
Para Perez la presunta colaboración olía a chamusquina desde el principio, y el historiador de Daft Punk expresa su sorpresa por que nadie del entorno de Flür, ni su sello discográfico, Cherry Red Records, que ha editado ‘Times’, hayan puesto en duda esta colaboración en absoluto y simplemente hayan asumido que Bangalter ahora utiliza el alias de Thomas Vangarde por alguna razón. Tiendas en España como Fnac o Rotor Discos venden ‘Times’ con el reclamo de una colaboración con Thomas Bangalter de Daft Punk que nunca ha tenido lugar.
Una noticia mala y otra buena en el mundo de k-pop. La mala es que NJZ -la banda anteriormente conocida como NewJeans– ha anunciado la suspensión de sus actividades musicales después de que un tribunal de Corea del Sur haya fallado en favor de ADOR, su agencia, a la que acusan de abusos, determinando que la banda de ‘Super Shy’ no puede continuar su carrera musical de manera independiente.
NJZ ha anunciado, durante un show en Hong Kong, que ese será «su último concierto en un largo tiempo». El grupo ha estrenado un tema nuevo en directo, ‘Pit Stop‘, un pedazo de drum n’ bass que nadie sabe si se lanzará oficialmente algún día.
El retiro de NJZ es dramático: es la mejor banda de k-pop con muchísima diferencia. Sin embargo, la buena noticia es que una nueva girl group ha emergido y puede tomar a NJZ el relevo de la inquietud musical. Y tiene un nombre igual de absurdo: KiiiKiii.
KiiiKiii es un quinteto creado por Starship Entertaiment, una de las cinco principales agencias de k-pop, y en 2025 ha lanzado su primer single, el synth-pop ‘I Do Me’. Como es costumbre, la influencia del pop anglosajón (en todas sus variantes) empapa el sonido de KiiiKiii y en su EP de debut, las integrantes Ji Yu, Lee Sol, Su I, Ha Um y Kya exploran diferentes estilos y ritmos, aprovechando que todas ellas desempeñan los roles de cantantes, raperas y bailarinas.
El enfoque es experimental desde el primer corte de ‘Uncut Gem’, que se titula sin mayor misterio ‘Debut Song’ y mezcla beats urbanos y flautas. Después, ‘Groundwork’ hace buen uso del ruido y la distorsión pareciendo una canción de The Go! Team. Y cuando KiiiKiii endurece los ritmos de hip-hop, estos pueden ser tan atractivos como los de ‘There They Go’. Están metidos en el EP productores anglosajones como Dem Jointz o Vaughn Oliver, pero también el sucoreano Ryan S. Jhun, todos atando cabos.
El tema estrella de ‘Uncut Gem’ puede ser ‘BTG’, una de esas producciones mutantes del pop de hoy. Es la Canción Del Día para hoy martes.
‘BGT’ (siglas de «been there girl») pasa del Jersey Club al bass británico y al hip-hop y llega trufada de ganchos. Entre los compositores que se aseguran de que ‘BTG’ sea un producto óptimo se encuentra Jack Brady, que ha trabajado con Jisoo o NMIXX, y seguro que él se encuentra entre los responsables de que ‘BTG’ incluya uno de esos puentes que elevan una canción. «Kill it, fit in, KiiiKiii winnin’» es claramente el lema de la canción.
Sony Pictures ha confirmado el reparto de ‘The Beatles — A 4-Film Cinematic Event’, el biopic cuádruple de los Beatles dirigido por Sam Mendes, y compartido la primera imagen promocional oficial del proyecto.
Los rumores eran ciertos y, de izquierda a derecha, Harris Dickinson (‘El triángulo de la tristeza‘, ‘Babygirl’) hará de John Lennon, Paul Mescal (‘Gladiator II’, ‘Aftersun‘) de Paul McCartney, Barry Keoghan (‘Saltburn’, ‘Bird‘) de Ringo Starr y Joseph Quinn (‘A Quiet Place: Day One’, ‘Stranger Things‘) de George Harrison.
Los cuatro actores han intervenido este lunes en la presentación de ‘The Beatles — A 4-Film Cinematic Event’ en la convención de Sony CinemaCon 2025, en la que Sony ha presentado sus próximos proyectos cinematográficos. En el evento se ha compartido una fecha de estreno de la tetralogía basada en la vida de los cuatro Beatles, abril de 2028.
‘The Beatles — A 4-Film Cinematic Event’ es la primera película sobre los Beatles que cuenta con los derechos musicales y biográficos de los Fab Four. ‘Get Back‘ (2021) de Peter Jackson era un documental.
Este año, los Beatles han recibido dos nominaciones a los Grammy por su canción final ‘Now and Then‘, una vieja maqueta de John Lennon optimizada con inteligencia artificial.
En la portada de ‘Glory’, el séptimo disco de Mike Hadreas, la intimidad del hogar es interrumpida por la mirada acechante de un misterioso personaje que observa desde fuera, en la distancia. Su presencia no resulta inocente, sino peligrosa, en cambio, tanto él como Alan Wyffels -su pareja sentimental y creativa desde hace años- no se alarman ante una posible amenaza, sino que parecen dispuestos a exponerse a lo que venga. La música de Perfume Genius siempre ha tenido mucho de eso; de abrazar el misterio, de enfrentarse a los demonios de uno mismo.
Quizá por ello, el álbum se abre con dos pistas melódicamente muy accesibles, resplandecientes, que invitan al oyente a entrar en esa habitación acogedora y tomar asiento. ‘It’s a Mirror’ y ‘No Front Teeth’ son dos espléndidas muestras de indie rock exuberante, ambas atravesadas por tonalidades country.
Las letras, sin embargo, tienen un carácter más introspectivo e intimista. En la primera, Hadreas pone sobre la mesa muchos de los temas que aparecerán a lo largo de la secuencia, como el aislamiento, la depresión o la inseguridad en uno mismo. En la segunda, en colaboración con la artista neozelandesa Aldous Harding, medita sobre la fugacidad de la vida, aunque sobrevuela la esperanza de “días mejores”.
No obstante esa comodidad sonora no tarda en irse, ya que a medida que el álbum avanza, se va adentrando por territorios menos complacientes, pero igual de satisfactorios. La producción de ‘Clean Heart’, con sus rítmicas percusiones, también posee la luminosidad de las pistas anteriores, pero es más atmosférica y etérea. Mientras que ‘Me & Angel’ se libera de esa instrumentación barroca para centrarse en la voz y el piano, de forma similar a las baladas de ‘Learning’ o ‘Put Your Back N 2 It’.
Es un momento de catarsis emocional que se presenta de forma tímida, pero cuyo calado es inmenso. Una preciosa reflexión sobre el amor que siente por su pareja, despojándose de todo lo que puede darse por hecho en una relación larga y simplemente mirando a esa persona por un instante con la ingenuidad del amor más puro, como si fuera un ángel: “Long afloat until your singing eyеs / and mine enfold long enough to hold on to / and I’m on your sidе [Flotando por mucho tiempo hasta que tus ojos cantarines/ y los míos se abracen lo suficiente para aferrarse/ y estoy a tu lado]».
En ‘Left for Tomorrow’, Hadreas se anticipa al duelo. La canción empieza como si la pérdida de su madre acabara de suceder, pero el final se queda abierto, sin resolver, reconociendo que es algo que tendrá que empezar a aceptar porque un día pasará. ‘Full On’ encapsula a la perfección la esencia de una canción de Perfume Genius, creando una tensión constante entre lo críptico de la letra -que trata sobre la masculinidad tradicional- y la deslumbrante sofisticación de la producción, que aquí enamora con unas guitarras acústicas celestiales.
Musicalmente, ‘Glory’ se va haciendo progresivamente más abstracto, empleando estructuras menos convencionales y acercándose a los paisajes experimentales de ‘Ugly Season’, como en ‘Hanging Out’, una pieza pausada y siniestra guiada por sintetizadores apesadumbrados, cuya letra termina con el narrador comiéndose a su pareja. La pista titular también se mueve en esos parámetros ambient misteriosos, aunque a nivel temático, Hadreas finalmente parece encontrar cierta paz en dejar las cosas estar.
‘Glory’ está lleno de enigmas y cavilaciones existencialistas donde el artista se abre en canal, mostrando una vulnerabilidad que conmueve. Su forma de hacerlo, por supuesto, no es la fácil ni la obvia, en primeras escuchas puede incomodar o desconcertar el rumbo que las canciones toman, pero hay mucho que rascar en estas once composiciones, a veces esquivas, a veces cálidas. Pero sobre todo, hay una sensibilidad e imaginación desbordante en cada una de ellas.
Sufjan Stevens ha celebrado el 10º aniversario del queridísimo ‘Carrie and Lowell’ con el anuncio de una reedición especial de dos discos y el lanzamiento de la maqueta de ‘Mystery Of Love’. La edición deluxe de ‘Carrie and Lowell’ estará a la venta a partir del 30 de mayo.
La edición extendida del disco incluirá siete demos inéditas de algunas de las canciones del disco. Entre estas, una versión de 14 minutos de ‘Fourth Of July’ y una alternativa de ‘Wallowa Lake Monster’. Además, la reedición vendrá con un libreto de 40 páginas y un nuevo ensayo firmado por el propio Sufjan.
‘Mystery Of Love’, cuya demo ya está disponible, fue grabada en las sesiones de ‘Carrie and Lowell’, pero fue regrabada completamente para la banda sonora de ‘Call Me By Your Name’.
Miley Cyrus ha lanzado los primeros adelantos de ‘Something Beautiful’, la orquestal ‘Prelude’, que también actuará como primera pista del disco, y la canción titular del proyecto. Con ellas, un vistazo más detallado al ambiente psicodélico en el que nos adentraremos en la parte visual. ‘Something Beautiful’ estará disponible a partir del 30 de mayo.
Musicalmente, ‘Prelude’ es una instrumental que se sitúa entre lo sinfónico y lo electrónico, con múltiples arreglos de cuerdas y sintetizadores. Cyrus actúa de narradora, arrojando algo de luz sobre las temáticas que tratará el disco: «La belleza que uno encuentra por su cuenta es una oración que anhela ser compartida», dice al final de la canción.
Por otro lado, en ‘Something Beautiful’ Miley sí canta. El tema empieza como una sentida balada a lo Prince («Dime algo bonito esta noche, hasta que tus labios se vuelvan azules») para convertirse en un torbellino de distorsión en el estribillo («Chico, estoy perdiendo el aliento»).
En cuanto al tracklist de ‘Something Beautiful’, además de estos dos adelantos, solo se conocen el nombre de la tercera canción: ‘End of the World’. Esta ya está siendo promocionada por Miley con un fragmento de la canción: «Hagamos como que no es el fin del mundo».
Promo for Miley Cyrus’ new song, “End of The World,” from her forthcoming album ‘Something Beautiful.’ pic.twitter.com/iuz4A41hlj
Lady Gaga ha anunciado la gira mundial de ‘Mayhem‘, que recorrerá América del Norte y Europa/Reino Unido a partir del 16 de julio y que llegará a España a finales de octubre con dos fechas confirmadas en el Palau Sant Jordi de Barcelona, los días 28 y 29 de octubre. Previamente, Gaga había anunciado una serie de conciertos de primavera en Ciudad de México, Brasil y Singapur.
Las entradas para los conciertos de Lady Gaga en Barcelona saldrán a venta general el 3 de abril a partir de las 12 horas en Livenation.es y Ticketmaster desde 55 euros + gastos de distribución. La preventa se abre el 31 de marzo a las 12 horas a través de Live Nation-S.SMusic.
Actualización: Debido a la «altísima demanda», Lady Gaga ha añadido una tercera fecha en Barcelona, que además coincidirá con la noche de Halloween. Será el próximo 31 de octubre en el Palau Sant Jordi. La preventa de Live Nation y Santander SMusic comenzará este martes a las 10h, mientras que la venta general será este jueves 3 de abril a las 12h en Livenation.es y Ticketmaster, al igual que las fechas originales.
The MAYHEM Ball arrancará el 16 de julio en Las Vegas y visitará ciudades alrededor del mundo como Seattle, Nueva York, Miami, Toronto, Chicago, Londres, Estocolmo, Milán o Berlín, además de Barcelona, sumando múltiples fechas por ciudad.
Lady Gaga ha explicado en un post de Instagram que no planeaba salir de gira después de sus conciertos en Singapur pero que la buena recepción de ‘Mayhem’ le ha hecho cambiar de opinión. Además, ha apuntado que su gira será de arenas y no de estadios porque el formato de arenas le permitirá llevar a cabo el tipo de concierto que tiene en mente para ‘Mayhem’.
THE MAYHEM BALL – EUROPA/REINO UNIDO 2025
Lun 29 de septiembre – Londres, Reino Unido – O2 Arena
Mar 30 de septiembre – Londres, Reino Unido – O2 Arena
Jue 2 de octubre – Londres, Reino Unido – O2 Arena
Mar 7 de octubre – Mánchester, Reino Unido – Co-Op Live
Dom 12 de octubre – Estocolmo, Suecia – Avicii Arena
Lun 13 de octubre – Estocolmo, Suecia – Avicii Arena
Dom 19 de octubre – Milán, Italia – Mediolanum Forum
Lun 20 de octubre – Milán, Italia – Mediolanum Forum
Mar 28 de octubre – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
Mié 29 de octubre – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
Vie 31 de octubre – Barcelona, España – Palau Sant Jordi
Mar 4 de noviembre – Berlín, Alemania – Uber Arena
Mié 5 de noviembre – Berlín, Alemania – Uber Arena
Dom 9 de noviembre – Ámsterdam, Países Bajos – Ziggo Dome
Mar 11 de noviembre – Amberes, Bélgica – Sportpaleis Arena
Jue 13 de noviembre – Lyon, Francia – LDLC Arena
Vie 14 de noviembre – Lyon, Francia – LDLC Arena
Lun 17 de noviembre – París, Francia – Accor Arena
Mar 18 de noviembre – París, Francia – Accor Arena
Jue 20 de noviembre – París, Francia – Accor Arena
En otro orden de cosas, Lady Gaga ha sido la última invitada en el show de Howard Stern. En promoción de ‘Mayhem’, Gaga ha interpretado dos de sus canciones en formato acústico. En primer lugar, Gaga ha reducido ‘Abracadabra’ al piano y ha revelado que escribió la canción en 30 minutos. Después, Stefani ha cantado ‘Perfect Celebrity’ acompañada de una guitarra acústica.
Bilbao BBK Live se celebra este verano entre los días 10 y 12 de julio. Es un cartelazo en el que destacan Pulp y Kylie Minogue, además de Amaia, RAYE, Michael Kiwanuka, Bad Gyal, Nathy Peluso o Japanese Breakfast, que acaban de sacar nuevo disco. Las entradas están a la venta a un precio especial hasta este martes 1 de abril.
Hidrogenesse
Recientemente Hidrogenesse han llevado su gira de 25º aniversario a salas de Madrid y Barcelona. Es un gran espectáculo de arte pop, con proyecciones y vestuario muy cuidados, que tendrás ocasión de revivir en Bilbao BBK Live. Carlos Ballesteros y Genís Segarra repasan temazos como ‘Disfraz de tigre’, ‘no hay nada más triste que lo tuyo’, ‘Así se baila el siglo XX’ o ‘Eres PC eres Mac’.
Sparks
Una de las mayores inspiraciones de Hidrogenesse precisamente son Sparks. 5 décadas en activo les avalan. Además de sus hits, este año presentan nuevo disco. ‘MAD!’ saldrá el 23 de mayo, es decir, a tiempo de que te lo aprendas para Bilbao BBK Live y de hecho ya puedes echar un vistazo a los dos primeros singles, que seguramente sea los que interpreten de ese nuevo trabajo: la martilleante ‘Do Things My Own Way’ y la divertida ‘JanSport Backpack’.
Jessica Pratt
La cantautora estadounidense es una de las voces más singulares de nuestro tiempo, con una versatilidad que le permite tanto colaborar con A$AP Rocky como transportarnos a los años 60 del folk, la bossa y la psicodelia. El pasado noviembre ya pasó por España para presentar el maravilloso ‘Here in the Pitch’, uno de los mejores discos de 2024, y se espera que haga lo mismo en Bilbao BBK Live.
Alice Phoebe Lou
Directa desde Sudáfrica, Alice Phoebe Lou ha conquistado la escena indie gracias a la profundidad y belleza de sus composiciones. ‘Better’ es su último single, grabado mientras estaba de gira con Clairo, y obviamente podremos disfrutar de él en Kobetamendi. El próximo 26 de abril en Barcelona, antes de Bilbao BBK Live, se podrá disfrutar en exclusiva del atmosférico directo de la artista.
Julieta
La artista española de 24 años ha despuntado en la escena catalana sirviendo un sólido pop electrónico que brilla en temas como las recientes ‘Jean Blau’ y ‘Taxi’. Estas además adelantan la llegada de un nuevo disco, después de la sorpresa de ‘5AM’. Su directo en Bilbao BBK Live promete ser una celebración total del mejor pop.
Maria Arnal
Tras marcar una maravillosa época con sus discos colaborativos con Marcel Bagès, como ‘Clamor’ o ’45 cerebros y 1 corazón’, la artista catalana ha emprendido un nuevo camino en solitario. Así, Arnal ha sido nominada al Goya a Mejor canción por ‘La virgen roja’ y ha colaborado con artistas como Alizzz, entre otras cosas. Sin embargo, en Bilbao BBK Live podremos disfrutar tanto del pasado, con su especial fusión de tradición y electrónica, como del prometedor futuro.
L’Impératrice
La fusión perfecta de disco, funk y pop llega a Bilbao BBK Live de la mano de L’Impératrice. El sexteto parisino lanzó el pasado junio su experimental tercer disco, ‘Pulsar’, y acaban de lanzar la canción ‘ENTROPIA’. Aunque esta pretendía ser una pieza exclusiva para conciertos, el groove es tan sólido que se han visto obligados a lanzarla en plataformas.
English Teacher
Los ganadores más recientes del Mercury Prize, el premio musical mas prestigioso de Reino Unido, son English Teacher. Su propuesta, entre el indie y el post-punk, alcanza una nueva cima con ‘This Could Be Texas’, un trabajo lleno de letras ingeniosas y marcado por un inconfundible estilo. Así, la banda de Leeds es uno de los nombres imprescindibles en Bilbao BBK Live para los amantes del rock alternativo.
Amateur
Además de las canciones de sus dos álbumes hasta la fecha, Amateur suelen tocar un par de temas de sus tiempos en La Buena Vida, en concreto ‘Vapor de carga’, que es de las que escribió el vocalista, Mikel. Pero ellos no han dejado de crear y este mismo fin de semana han publicado una canción con Alondra Bentley. Dominada por los teclados, ‘Pompeya’ es una de sus grabaciones más electrónicas, y mejores.
pablopablo
pablopablo se ha implicado con la producción ejecutiva de Guitarricadelafuente, que está siendo una de las revelaciones de la temporada. Pero continúa con su carrera en solitario lógicamente y además de una espectacular colaboración con Ralphie Choo y Carin Leon, acaba de publicar un tema llamado ‘Vida nueva’, guiado por un bonito riff de piano, en la estela del Bon Iver más dulce.
Desde México para el mundo, The Warning han sido una de las revelaciones del rock internacional durante los últimos años. El trío vuelve en breve a Madrid para actuar el próximo 11 de abril de 2025 en el Palacio Vistalegre. La banda formada por las hermanas Daniela (voz principal y guitarra), Paulina (batería, voz y piano) y Alejandra (bajo, piano y coros) ya había actuado en salas, agotando entradas con meses de antelación, pero ahora suben de nivel. Presentan las canciones de su último álbum, ‘Keep Me Fed’.
Muchas veces se ha dicho en los últimos años que el rock estaba sepultado por el urban y el reggaeton. ¿Cómo habéis vivido la evolución del rock, de las tendencias, en vuestros 10 años de carrera?
Dany: «En nuestros 10 años de carrera hemos visto cómo el rock ha ido cambiando. Yo creo que es un fenómeno de nuestra generación que no importa qué tipo de música acostumbres escuchar, siempre estamos abiertos a explorar nuevos géneros. Pienso que el rock se ha beneficiado de esto, ya que la juventud siempre está buscando esta rebeldía y sentido de comunidad tan únicos del genero».
¿Y vuestra propia evolución? ¿Hay canciones de vuestros inicios que ya no os gusten tanto o que les hayáis cogido algo de manía?
Ale: «En nuestro primer EP éramos realmente unas niñas, y le tenemos mucho cariño a esas composiciones porque fue ahí donde nos dimos cuenta de que queríamos tener una banda y hacer música juntas. Pero definitivamente no es el material que más nos emociona tocar hoy en día. Ha habido una evolución a lo largo de estos 10 casi 11 años como banda en los que hemos tenido la oportunidad de compartir escenario con artistas que nos han inspirado toda la vida. Hemos aprendido mucho y crecido, tanto
personas como músicos».
¿Qué canción de ‘Keep Me Fed’ ha funcionado mejor en la carretera? ¿En cuál os ha sorprendido más la reacción del público?
Pau: «‘Sharks’ fue una canción que hicimos con un show en vivo en mente, siempre supimos que queríamos tener una canción con suficiente energía para que, al tocarla en vivo, el público tuviera la oportunidad de loquear. Nos da mucho gusto que nuestros fans y gente que nos escucha por primera vez tienen esa reacción de la que soñábamos al crearla».
Muchas de vuestras canciones tienen estribillos potentes y puentes muy cañeros, como ‘Six Feet Deep’ o ‘Sick’. ¿Os condiciona a la hora de componer, pensar en el directo?
Ale: «‘Keep Me Fed’ fue un álbum que compusimos con nuestros shows en vivo en mente. Queríamos tener música que nos emocionara tocar en vivo y en la cual la gente pudiera disfrutar de su energía en vivo».
‘Hell You Call a Dream’ justo habla de lo bueno y lo malo de estar de gira, de lo asfixiante que puede ser para los artistas. ¿Cómo está siendo esta gira en ese sentido? ¿De las más gratificantes o de las más agotadoras?
Dany: «Llevamos cuatro años seguidos girando y, de ser una banda que nunca lo había hecho, hemos aprendido muchísimo de cada show. Hemos buscado formas de que no sea tan agotador ni para nosotras ni para nuestro equipo. Esta gira de «Keep Me Fed World Tour» acaba de empezar, entonces ahorita todavía estamos con mucha energía y mucha emoción de compartir esta música nueva en vivo con ustedes por primera vez».
¿En la portada de ‘Keep Me Fed’ os estáis rebelando contra la industria discográfica, contra el mundo, las oligarquías? Hay un hilo en Reddit debatiendo al respecto…
Pau: «Nos encanta leer sus teorías. En la portada de ‘Keep Me Fed’ estamos arriba de esta mesa que está llena de comida y lujos que demuestran el exceso y el consumismo. A pesar de que estamos causando caos en esa mesa, seguimos siendo parte de este ciclo vicioso de consumismo en el cual vivimos actualmente todos».
¿Seguiréis explorando el castellano ahora que es cada vez más dominante en el mundo e imagináis un disco entero de The Warning en español?
Alex: «Hacer canciones en nuestro idioma natal es muy bonito ya que nos encanta compartir nuestra cultura a través de nuestra música. Siempre estamos abiertas a explorar estas ideas. Nunca sabes cuándo podría salir un álbum completamente en castellano de The Warning».
Habéis teloneado a Muse, GunsNRoses o Foo Fighters. Lo pone en casi todos vuestros artículos, ¿pero en qué caso lo disfrutasteis más, cuál fue más rutinario, cuál no salió tan bien como lo esperabais?
Dany: «Todas han sido experiencias increíbles de las cuales estamos totalmente agradecidas. Con Foo Fighters fue nuestra primera vez tocando en el Estadio GNP en la Ciudad de México, que es un recinto legendario en nuestro país. Con Guns N’ Roses tocamos en nuestra ciudad y también en Estados Unidos, fue una experiencia de mucho aprendizaje. Muse nos llevó a Europa por primera vez, así que cada una de estas bandas, ha sido muy especial para nosotras y para nuestro equipo. Es imposible que se vuelva rutinario vivir tu sueño con las bandas que te inspiran desde que somos pequeñas».
Fue muy comentada vuestra versión de ‘Enter Sandman’ , Alessia Cara. ¿Os gusta también el pop, más de lo que pueda parecer?
Ale: «La invitación para participar en esta colaboración fue por parte de Alessia y fue todo un honor poder hacer nuestra versión de esta canción junto a ella. Nosotras escuchamos todo tipo de música».
Casi todos los grupos que se asocian al metal suelen ser de hombres, pero también ha habido referentes femeninos como Doro Pesch o Evanescence. ¿Algún disco favorito de estas artistas o de otras artistas femeninas que os hayan servido de inspiración?
Pau: «Tuvimos el honor de girar con Evanescence y Halestorm el año pasado. Amy y Lzzy nos han inspirado mucho a través de toda nuestra carrera y es muy motivante ver a otras mujeres romperla en el escenario».
Y aun así quedan muchos temazos en la recámara, como la preciosa canción junto a Luz Casal, ‘CXT (Club xavalas tristes)’, ‘Todas tienen ganas de jaleo’ o ‘JAJAJA’, que seleccionamos como Canción del Día hoy.
En una entrevista que publicaremos esta semana, Rigoberta Bandini nos cuenta que ‘JAJAJA’ versa sobre «esa noche loca de todo». La letra alude a un «colocón» en una segunda estrofa que no puede ser más explícita tras haber referenciado al alcohol y a las drogas. «Qué colocón, qué comunión, qué conversación / tienes un don, para cabrón, no quiero follón / me da terror, me da pavor volverte a besar / me tomarás, me tocarás, me torturarás».
La producción llevada a cabo por Alizzz y Esteban Navarro es de corte latino: casi se puede perrear con ella. Destacan los divertimentos vocales que podrían representar una voz interior o el monstruo al que alude el texto. El tema recuerda por cierto a otro titulado con carcajadas: ‘HAHA’ de Charlotte Adigéry y Bolis Pupul.
Os dejamos con las fechas de la gira de arenas. Las entradas están a la venta en Last Tour.
31 DE MAYO SEVILLA
6 DE JUNIO BILBAO
7 DE JUNIO PAMPLONA
13 DE JUNIO MALLORCA
20 DE JUNIO ZARAGOZA
21 DE JUNIO A CORUÑA
28 DE JUNIO BARCELONA
4 DE JULIO MURCIA
5 DE JULIO VALENCIA
16 DE JULIO MADRID (AGOTADO)
18 DE JULIO MÁLAGA
1 DE AGOSTO GRAN CANARIA
2 DE AGOSTO TENERIFE
Chimamanda Ngozi Adichie, escritora nigeriana autora de ‘Todos deberíamos ser feministas’ (2014), es noticia por haber revelado en una entrevista que ha sido madre de gemelos por gestación subrogada. La entrevista a Adichie ha sido publicada en Volkskrant, un periódico neerlandés, y sus declaraciones están circulando por redes traducidas y han sido recogidas, por ejemplo, en la cuenta de Instagram de Código Nuevo, cuya sección de comentarios se ha llenado de comments de usuarios expresando su decepción con Adichie, clamando que se les «ha caído un mito» o anunciando que tirarán o quemarán sus libros.
Adichie ya anunció que había sido madre de gemelos en 2024 en una entrevista con The Guardian previa a la que está rondando en redes, pero entonces no entró en detalles. Sus gemelos tienen 11 meses. Adichie ya era madre natural de una niña de 9 años.
Adichie explica al medio neerlandés que decidió tener hijos por gestación subrogada porque no podía conciliar el embarazo con la escritura de su nuevo libro, ‘Dream Count‘. «Han nacido con un madre sustituta. De lo contrario, habría sido imposible», cuenta en la entrevista. «Cuando escribo me vuelvo obsesiva y maníaca. Quería continuar. Al mismo tiempo, también quería comprometerme plenamente como madre». Chimamanda cuenta que escribía durante la noche y dormía durante el día, y que su marido y su primo se turnaban para trabajar turnos de noche, mientras Adichie redactaba el libro. Sin embargo, Chimamanda no detalla las condiciones de esta gestación en la entrevista. Adichie, por otro lado, nunca se ha opuesto categóricamente a esta práctica, aunque haya cuestionado sus implicaciones.
La revelación de Adichie complica el discurso de la autora responsable de «hacer el feminismo mainstream», por muchos descubierta a través de la reivindicación de su figura por parte de Beyoncé, que sampleó un discurso de Chimamanda en su éxito de 2013 ‘Flawless’. De hecho, Chimamanda aparece acreditada en ‘Flawless’ en las plataformas de streaming, como si fuera un «featuring» más. Beyoncé se limitó a samplear un famoso TED Talk de Chimamanda, pero cuando Knowles apareció en la gira de ‘BEYONCÉ‘ (2013) posando detrás de una pantalla gigante con la palabra «FEMINISTA» proyectada en el centro, mientras la voz de Adichie sonaba de fondo, la deuda de Beyoncé con la escritora nigeriana saltaba a la vista.
La evolución feminista de Beyoncé -en la que se basa gran parte de su imagen a día de hoy- se atribuye en parte a la influencia de Chimamanda Ngozi Adichie, y sus respectivas visiones del feminismo probablemente coincidan en muchos aspectos: ambas son mujeres afroamericanas, madres, económicamente privilegiadas; ambas han lidiado con el machismo y el racismo y ambas han ayudado a llevar el mainstream a la discusión pública. Sin embargo, también han afrontado diferencias. Chimamanda se ha mostrado reacia al feminismo de Knowles por considerarlo demasiado dependiente de las «necesidades de los hombres». Por otro lado, Chimamanda ha afrontado una polémica tránsfoba en el pasado, mientras Beyoncé ha reivindicado figuras queer pioneras en sus discos o videoclips.
Adichie por supuesto no es la única celebridad que ha revelado su maternidad mediante el vulgarmente llamado «vientre de alquiler», pues le preceden los mediáticos casos de Kim Kardashian, Paris Hilton, Grimes de figuras masculinas como Cristiano Ronaldo, naturalmente Elon Musk o el presentador de ‘Queer Eye’ Tan France, o en España el de Ana Obregón en el caso más retorcido que se recuerda. Sin embargo, la gestación subrogada está en auge también entre la población general y es considerada una «industria comercial» que habrá multiplicado por diez sus ingresos en 2032, según un artículo de Forbes publicado en 2023. Este crecimiento está «impulsado por el aumento de los casos de infertilidad, el creciente número de parejas del mismo sexo que buscan tener hijos y una mayor conciencia sobre las opciones reproductivas».
El contexto en el que vive Chimamanda -que reside en Baltimore, capital de Maryland, estado donde la gestación subrogada es legal- es diferente al de España o al de otros lugares. En Estados Unidos, la gestación subrogada es legal según el estado (es ilegal en otros) y sus condiciones varían dependiendo del estado. En Reino Unido, Australia o Canadá, la gestación subrogada solo es legal si se realiza de forma altruista, sin una transacción económica de por medio. En países como Rusia o Georgia, la gestación subrogada es legal por vías altruistas o comerciales. España, como en otros países, la gestación subrogada es ilegal, aunque no todos los partidos políticos se oponen a ella. Por ejemplo, Podemos se ha mostrado en contra, el PP neutro, y Ciudadanos a favor si la gestación se produce de forma altruista.
El post de Código Nuevo cobija comentarios de un lado y otro del debate. Algunos defienden la libertad de la mujer gestante de «hacer con su cuerpo lo que le dé la gana» o incluso plantean que la gestación subrogada podría ser aceptable si la experimentase «una hermana, una amiga o alguien cercano». Otros, sin embargo, condenan la decisión de Chimamanda por «hipócrita», acusan a la autora de ejercer «violencia económica» contra la madre gestante y de anteponer su «deseo» a sus «principios», y señalan que «ver a otra mujer como una incubadora es inadmisible». Sin embargo, de nuevo es importante recalcar que las condiciones bajo las cuales la madre gestante ha engendrado a los gemelos de Chimamanda se desconocen.
Emerge también en la sección de comentarios de Código Nuevo el asunto del trabajo sexual, a raíz de que el trabajo sexual, al igual que la gestación subrogada, implica la explotación del cuerpo de la mujer -voluntaria o condicionada- a cambio de dinero. Sin embargo, afirmar que el «feminismo es abolicionista» ignora deliberadamente que existe una pluralidad dentro de los feminismos que no solo no es abolicionista sino que reivindica los derechos de las trabajadoras sexuales y considera el trabajo sexual un asunto irrefutable del feminismo.
La revelación de Chimamanda Ngozi Adichie plantea dilemas éticos y de feminismo y clase. Para muchas feministas, la implicación de la decisión de Chimamanda es que ella «no puede ser feminista» porque ha decidido «explotar» el cuerpo de otra mujer aprovechando su privilegio económico. Sin embargo, mientras ella no aclare la situación exacta de la maternidad subrogada de sus gemelos, ya sea de forma altruista o a cambio de dinero (para muchos la opción más probable, dado el estatus económico de Chimamanda), todo serán especulaciones. El debate, en cualquier caso, está sobre la mesa…
Entre las novedades de la semana se encuentra el nuevo single de Mon Laferte, ‘Otra noche de llorar’, el primer adelanto de su próximo disco, ‘Femme Fatale‘. ‘Otra noche de llorar’ es una sentida balada de pop con aires de jazz que permite a Laferte entregar una actuación vocal desgarradora.
‘Otra noche de llorar’ es, además, la historia de una mujer que se siente sola en Navidad. Su amante pasa las fiestas en familia. En la imagen de la ‘Femme Fatale’ clásica, Laferte espera la llamada que nunca llega y se fuma un paquete de tabaco detrás de otro. Su look, elegante y decadente, recrea los de las estrellas de Hollywood clásicas, de Marilyn Monroe o Marlene Dietrich.
‘Femme Fatale’ será el sucesor de ‘Autopoiética‘, uno de los Mejores Discos de 2023 por su aventurada fusión de estilos. Un álbum que, además, Laferte presentó en España.
Laferte ha cantado ‘Otra noche de llorar’ en directo en su reciente gira, por ejemplo en el concierto que la cantante chilena ha ofrecido esta última semana en Lollapalooza Argentina. Este concierto ha sido noticia también por el momento en que Laferte dedica su show a Britney Spears, a raíz de la coincidencia de horario de los conciertos de Laferte y Justin Timberlake.
«Pensé que no iba a venir nadie. Dije «todos se van a ir con ese Justin», expresó Laferte sobre el escenario, antes de sentenciar: «Por ti, Britney». Casualmente, Spears ya encarnó la figura de la ‘Femme Fatale‘ en su séptimo disco. En el caso de Laferte, será el noveno.
Smerz, el original dúo noruego formado por Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt, publica nuevo disco el 23 de mayo, ‘Big City Life’. El sucesor de ‘Believer‘ (2021) se ha hecho esperar cuatro años. En medio, Smerz publicaron un EP inspirado en el pop de los 2000, ‘Allina’, y una obra coral junto al conjunto vocal GAEA, ‘Tidligere den dagen‘, ambos en 2024.
El primer adelanto de ‘Big City Life’ ha sido ‘A Thousand Lies’, pero la verdadera apuesta para la promoción del disco es ‘You Got Time and I Got Money’, la Canción Del Día para hoy domingo.
‘You Got Time and I Got Money’ es algo así como el ‘Bittersweet Symphony‘ de Smerz, una comparación inevitable escuchando el arreglo de cuerdas de la canción. Aunque la composición de ‘You Got Time and I Got Money’ bebe más de la canción romántica de los 70 que del britpop, es innegable que la melodía de cuerdas convierte la canción en una joya.
‘You Got Time and I Got Money’ expone otro tipo de romanticismo basado en una convergencia entre dinero, amor y deseo, no se sabe si en este orden o en el inverso. El punto de vista es masculino («soy tuyo, soy tu chico») pero no turbio, sino enamorado y devoto: «Quiero verte desnuda, aunque me guste cómo vistes», «Cuando estoy contigo me siento paciente, quiero llevarte de vacaciones» o «Me gusta cómo te mueves, cuando me despierto a tu lado» son algunas de las frases que expresa el narrador. Aquí hay moneda, pero también sentimiento.
Billboard Women in Music, la gala que celebra el trabajo de las mujeres en la música, ha celebrado una nueva gala este sábado 30 de marzo. Laverne Cox ha presentado la ceremonia, que ha desplegado su alfombra en el YouTube Theater de Hollywood Park, Inglewood, en California.
La protagonista de la noche ha sido Doechii, que ha recogido el premio a Mujer del año (en otras ediciones entregado a Madonna, Lana Del Rey o Taylor Swift) y ha ofrecido un discurso reivindicando la «necesidad» de que se celebre un evento de este tipo.
Otras premiadas en la gala de Billboard Women in Music han sido Aespa (Grupo del año), Erykah Badu (Icono), Gracie Abrams (Compositora del año), Jennie (Fuerza global), Meghan Trainor (Hitmaker del año) o Muni Long (Estrella en ascenso).
Algunas de las artistas galardonadas han actuado, a destacar Erykah Badu, que ha cantado ‘Appletree’ vestida con un curioso atuendo. aespa, Ángela Aguilar, Gracie Abrams, Megan Moroney, Muni Long y Tyla también se han subido al escenario del Youtube Theatre. Entre las invitadas, Kali Uchis, Becky G, Tina Knowles o Heidi Montag.
Perfume Genius lleva más de una década construyendo un universo musical único que le ha convertido en un nombre imprescindible en el indie contemporáneo. Tres años después del experimental ‘Ugly Season’, Mike Hadreas regresa con ‘Glory’, un álbum rebosante de personalidad e ideas. Hablamos con él en su visita a Madrid sobre cómo ha sido su proceso creativo en esta ocasión, el auge del country en la música actual o la alarmante situación a la que se enfrentan ahora mismo las personas trans en Estados Unidos, entre otras cosas.
Este es tu séptimo álbum. Han pasado 15 años desde tu debut, ¿qué has aprendido de ti mismo como artista en este tiempo?
Muchas cosas. Casi todo según lo iba haciendo. En mi primer álbum están las primeras canciones que había escrito nunca, todas las grabé en casa y nunca había cantado delante de alguien antes. En esa gira fue la primera vez que actué delante de gente y no sabía ni cómo usar un micrófono. Recuerdo que en mi primer concierto estaba cantando y vino alguien [del equipo técnico] y me lo puso delante de mí. [risas] Con el segundo disco, era la primera vez que estaba en un estudio y empecé a pensar en cómo podía perderle el miedo a mirar al público. Me deshice del piano, empecé a moverme más en el escenario… Han sido muchas cosas.
Se puede ver en tu música. Tus dos primeros álbumes eran más íntimos, después hay una especie de explosión con ‘Too Bright’.
Sí, y es una locura hacer ese cambio delante de gente. Me resultó muy intenso, porque hasta ese primer disco, nunca había escrito una canción, todo pasó muy rápido. Y con este álbum en concreto he pensado un poco en eso. Me encanta mi primer disco, estoy muy orgulloso de las letras y quería escribir de esa forma otra vez. Creo que lo necesitaba para las cosas de las que quería hablar.
Es curioso que digas esto, porque escuchando el disco me vino a la cabeza tu canción ‘Mr. Peterson’, esa manera tan poética y esquemática de escribir.
Buscaba eso, porque en mis dos últimos álbumes había mucho sentimiento a flor de piel. En los primeros dos discos había una especie de distancia en la escritura, parecía que estaba observando desde lejos, tomando referencias de diferentes lugares. Había cierta elegancia en esa forma de escribir, pero dejó de inspirarme tanto. Por eso los últimos dos álbumes tenían una energía más visceral, me inspiraba estar en el centro de las cosas. En este sigue habiendo muchas emociones catárticas e intensas, aunque con un tono más reflexivo, más sereno. De alguna manera, volví a la forma en que solía escribir, que creo que estaba muy influenciada por la lectura. Cuando comencé a escribir canciones, leía muchísimo, historias cortas sobre todo. Pero dejé de leer durante unos diez años, y quería retomarlo porque siento que escribo mejor cuando leo. De la misma forma que creo que mi música es mejor gracias a que escucho muchísima música.
¿Qué has leído últimamente?
No demasiado [risas]. He leído ‘Lapvona’. Siempre tiendo a leer cosas bastante sombrías… No sé por qué lo hago, pero me gustan los textos que son muy concisos y llenos de sentimiento. No diría que son fríos, pero sí están escritos de manera directa y precisa. Leí ‘Rejection’, una colección de cuentos cortos que era bastante jodida. También he pasado años leyendo mucha fantasía y ciencia ficción. Así que, en realidad, nunca dejé de leer, pero cuando era más joven solo quería leer cosas difíciles, como si tuviera más resistencia o algo así. Lo mismo me pasó con la televisión y el cine. He estado mucho tiempo viendo mucha basura. Pero siento que para este disco era importante aprovechar todo lo que he aprendido y todo lo que tengo a mi alcance. La gente que conozco y quiero, las personas con las que hice estos discos… sé que somos capaces de cualquier cosa. Podemos hacer algo pequeño y minimalista si fuera adecuado, pero también podríamos llevarlo completamente al otro extremo si quisiéramos. Y creo que en cada etapa de este proceso fui mucho más consciente de esto.
«Cuando empecé a escribir este álbum pensaba: «¿Qué más tengo que decir? ¿Qué me queda por decir que realmente importe?»»
¿Dirías que has ganado confianza como artista?
En cierto modo, sí, confianza, pero también sentí [haciendo ‘Glory’] que era difícil porque he pasado por esto muchas veces. Recuerdo que cuando empecé a escribir este álbum pensaba: «¿Qué más tengo que decir? ¿Qué me queda por decir que realmente importe?». Llevo diciendo cosas mucho tiempo, así que me preguntaba qué podía decir que se sintiera inspirado y diferente de lo que ya había dicho antes. Hacer un disco en el que usara todo lo que he aprendido pero que no sonase a nada que ya hubiera hecho, que tuviera conexión con todo, pero que aún se sintiera nuevo e importante.
¿Cómo fue el proceso de crear ‘Glory’?
Cada vez que hago un disco, el proceso es más o menos el mismo. Paso mucho tiempo haciendo un montón de cosas y luego mi cerebro necesita vaciarse por completo. No hago nada, solo juego videojuegos. Alan, mi novio, se enfada mucho conmigo por eso. Y yo le digo: «Alan, ten un poco de fe en mí». Porque realmente estoy vaciando mi mente para que pueda entrar algo nuevo. Él cree que es una excusa, pero no lo es. De verdad es importante, porque si no, acabaría repitiéndome.
Necesito ese vacío para poder descubrir qué hay ahí dentro. No quiero hacer lo mismo de siempre, quiero llegar a un nivel en el que no haya estado antes. Quizás sí me estoy excusando, no lo sé. Pero hasta ahora, este método me ha funcionado. Me encanta este nuevo disco y ya he hecho muchos antes, así que debe haber algo en mi proceso que realmente funcione.
Esta vez has incluido a más gente en ese proceso de lo habitual, ¿no?
Sí. Alan es muy bueno ayudándome a enlazar ideas. A veces tengo una canción que me encanta pero que no siento terminada, y él me dice: «¿Te acuerdas de esa otra demo? Podría funcionar como el estribillo de esta canción». Es mucho más meticuloso, más riguroso que yo. Tuvo una educación musical clásica, le encanta ensayar y repetir las cosas una y otra vez. Y yo no soy así, no me gusta, pero lo necesito. Entonces encontramos un punto de equilibrio. Lo mismo pasa con Blake [Mills] y la banda. Todos nos complementamos, nos ayudamos a potenciar las ideas del otro. Y aunque esta vez fue más colaborativo, se siente más mío también.
Canciones como ‘It’s a Mirror’ o ‘No Front Teeth’ tienen cierto toque country. Me parece muy interesante lo que está pasando con el género últimamente, con tantos artistas acercándose a él de formas tan diversas, ¿por qué crees que ahora mismo resulta tan atractivo explorarlo?
No sé, creo que hay algo de sinceridad en ello. Las canciones country siempre han sido muy directas, todo está sobre la mesa. Explican el problema completamente, tipo «Ella me engañó, así que la maté» [risas]. Hay algo muy satisfactorio en eso, quizá porque por un tiempo no fue así, porque la sinceridad ha estado en segundo plano. Creo que la gente estaba antes obsesionada con que todo pareciera distante, como en aparentar, en “servir”, en cierto sentido. Pero eso ya no me interesa. Con este disco, le dije a Cody, el fotógrafo: «No quiero servir en absoluto». O sea, no quiero… pero sí, quiero servir no sirviendo. ¿Me entiendes? [risas]
¡Lo de esa portada es “servir”!
¡Lo es! Pero no estaba intentando «servir». No sé cómo explicarlo. Pero eso, creo que el country ha sido un género muy excluyente, poco accesible si no encajabas en su demografía. Así que hay algo muy satisfactorio en romper con eso. También, yo crecí escuchando country, sobre todo el más antiguo. No tanto el country moderno, aunque hay algunas canciones geniales. No sé realmente por qué me atrae. Tal vez haya algo en el ambiente.
«Ya no me interesa «servir»»
Me encanta ‘Me and Angel’, me recuerda a las baladas de ‘Put Your Back N2 It’.
A mí también. Me emociona muchísimo. Estoy muy orgulloso de ella porque, cuando la escribí, todavía no tenía todas las líneas. Sentía que, para que funcionara, la letra tenía que ser muy buena. Tenía que ser muy sincera. Y eso es difícil. Es muy difícil sentarse y decir: «Voy a escribir algo sincero y real». Si fuera solo para mí, quizá sería más fácil, pero sé que voy a tener que llevarla al estudio, compartirla con todos, y después la escuchará mucha gente. Así que despojarme de todo eso y llegar a un lugar más humilde, donde solo escribo mi primer pensamiento, lo que realmente siento, se vuelve complicado. Pero cuando lo consigues, es muy especial. Estoy muy orgulloso de esa canción.
Para mí tus canciones son muy cinematográficas, ¿hay algún director o alguna película cuyo estilo te inspire?
Totalmente. Hasta las referencias para la portada eran escenas de películas. Le envié a Cody una web que hice con todas estas escenas, no por lo visual, sino por cómo se sentían. Creo que he estado hablando mucho de David Lynch hoy, y con razón. Es una gran influencia para mí. Las partituras de Angelo Badalamenti, son muy importantes para mí, al igual que Julee Cruise.
También me atrae ese estilo frío y minimalista, como en las películas de Michael Haneke, ‘La pianista’, por ejemplo. Ese tipo de cine perturbador, con actuaciones como la de Isabelle Huppert. Pero, por ejemplo, puedes poner la banda sonora de Twin Peaks en una habitación y, de inmediato, se siente inquietante y extraña. Pienso en la música de esa manera. Casi físicamente. Pienso en cómo cambiaría una canción la atmósfera en un espacio, o cómo afectaría la forma en que alguien se siente en su cuerpo. Es parecido a lo que sucede con las películas. Cuando las ves, te sumerges completamente en ellas. No suelo llorar en mi día a día, pero lloro muy fácilmente con la música y el cine. Me afectan de inmediato. Puedo estar en el coche riéndome con Alan y, de repente, una canción empieza a sonar y me pongo a llorar. Cuando veo una película de terror, Alan se burla de mí porque dice que las veo con los ojos bien abiertos, completamente inmerso. Creo que cuando hago música, intento crear algo así, algo tridimensional. No solo una idea intelectual, sino algo que lo abarque todo.
Los vídeos de ‘No Front Teeth’ e ‘It’s a Mirror’ parecen cortometrajes, ¿qué me puedes decir de la representación del género, la sexualidad y el cuerpo en ellos?
Es curioso porque no es que lo haga con una intención política o deliberada. Es solo lo que quiero hacer. Y supongo que, al hacerlo, termina convirtiéndose en una elección o en una declaración de algún tipo.
Sobre el género… Recuerdo que en la época de ‘Too Bright’, sí era muy intencionado, muy rebelde. Estaba muy interesado en desafiar las normas y en confrontarlas. Pero ahora creo que ya no lo pienso tanto, tal vez porque sé que, de todas formas, voy a seguir haciéndolo, así que no necesito preocuparme por ello. Creo que, más que nada, cuanto más mayor me hago, menos me obsesiona descubrir mi identidad. Ya no me importa tanto. Pero justamente porque ya no me importa, todo se ha vuelto mucho más abierto. Tal vez la gente más joven que yo llegó a esta conclusión antes, pero yo ya no me siento tan atado a nada. Mis ideas sobre mí mismo son mucho más flexibles. Me reía con Alan porque le decía que me siento no binario en todo, incluso con mi edad, con todo en general. No siento que haya nada binario. Pero, al mismo tiempo, cuando lo hay, tampoco me importa. Es como si existiera y no existiera a la vez, y ya no intento reconciliar esas ideas. Antes pensaba en mi masculinidad como algo que funcionaba en una escala, como si al aumentar una parte, la otra tuviera que disminuir. Ahora simplemente siento que ambas cosas están ahí juntas, en un nivel alto. Y eso me ha liberado de preocuparme por ello. Solo hago lo que quiero.
«Cuanto más mayor me hago, menos me obsesiona descubrir mi identidad»
Estados Unidos atraviesa un momento preocupante para la gente LGTB, especialmente para las personas trans, ¿crees que la música puede, en cierta medida, aliviar ese miedo?
Creo que sí y también sirve como un recordatorio de que existen, de que no puedes deshacerte de las personas trans, de que no puedes borrarlas. Es un documento de su existencia.
Sinceramente, no tengo ninguna fe en ningún sistema ni en ninguna persona con poder para cambiar las cosas. No creo que eso vaya a mejorar, creo que solo va a empeorar. Tampoco soy una persona activa en el sentido de organizar movimientos, creo que el activismo es una verdadera habilidad. Hay personas que tienen una gran capacidad para organizar, y yo no la tengo en absoluto. Puedo hacer cosas que sé que serán esperanzadoras, pero no sé si eso realmente cambia mucho. Lo que he estado pensando últimamente es en mis amigos, en lo que puedo hacer por las personas que conozco. Y también lo que puedo hacer a mayor escala. Siento que es muy importante cuidar a los demás, especialmente porque los sistemas grandes no lo harán por ti. Todo el mundo está asustado. La gente no sabe cómo reaccionar, no sabe qué hacer. El mundo nunca ha sido seguro para las personas trans, pero cuando cada día en las noticias hay algo aún más aterrador, no sé cómo uno puede seguir adelante. Se hace cada vez más difícil seguir viviendo en un lugar donde constantemente tratan de hacerte sentir que no deberías existir.
Completamente. Aunque la visibilidad creo que ha aportado muchas cosas buenas, y sigue haciéndolo. Cuando lanzaste ‘Too Bright’ el tema del nobinarismo era muy nuevo, ahora se ve muchísimo más. Hay algo esperanzador ahí, ¿no?
Por supuesto. Y también se siente más orgánico. He conocido a mucha gente joven que no tiene el mismo apego a esas ideas [antiguas], al bagaje que conllevan. Esas ideas fueron difíciles de alcanzar para mucha gente, requiere mucho esfuerzo llegar a ellas colectivamente. Y seguro que todavía hay muchas dificultades, pero también siento que ahora es algo más integrado, algo que está en el tejido mismo de las cosas para la gente. Simplemente, un hecho reconocido. Creo que también por eso quitar la «T» de LGBT y cosas por el estilo es tan aterrador, porque parecía que las cosas se estaban acercando a ser un hecho establecido, a algo que simplemente forma parte de la existencia.
Para terminar, una pregunta más ligera: ¿Cómo describirías ‘Glory’ en tres palabras?
Asustado, tierno y dispuesto.
El cantautor canadiense Yves Jarvis llega a su quinto álbum con el propósito de buscar una mayor claridad sonora. Para conseguirlo, decidió probar estructuras más convencionales de lo que solía acostumbrar, haciendo un amplio uso de ganchos y estribillos. Además, hay una evidente intención de depuración estilística, de atrapar lo máximo posible en muy poco tiempo.
A diferencia de la música mainstream, que cada vez se va acortando más por culpa de algoritmos y presiones de la industria, las canciones de ‘All Cylinders’, pese a su brevedad, no buscan un viral en TikTok ni más reproducciones en Spotify, sino que responden a una elección 100% artística. El álbum completo dura tan solo 26 minutos, pero está cargado hasta los topes de ideas y géneros. Basta con una escucha activa para darse cuenta de que es un trabajo complejo, a menudo camuflado con una levedad engañosa gracias a sus melodías accesibles. Cada canción en ‘All Cylinders’ está repleta de giros impredecibles y detalles inesperados.
‘The Knife In Me’ parece un animado corte funk hasta que se transforma, de manera muy orgánica y sin brusquedad, en una balada folk de tintes sesenteros. El folk psicodélico del principio de ‘I’m Your Boy’ va mutando progresivamente en un pop rock tipo Beatles. Las primeras notas de ‘Warp and Wolf’ se acercan al country pero no tarda en asentarse en el rock & roll clásico. O al menos en su mayor parte, porque las canciones de Jarvis nunca llegan a asentarse del todo en nada concreto, son escurridizas y juguetonas.
Las mejores, sin embargo, son a menudo las más tangibles -para los estándares del artista-, como ‘Decision Tree’, el tema más pop de proyecto, muy en la línea del R&B guitarrero de Mk.gee y Dijon, por poner referentes actuales. También destacan ‘With A Grain’, la apertura del álbum, que es una sólida y muy agradable muestra de rock jazzístico, y los números soul de la delicada balada ‘All Cylinders’, y la más psicodélica ‘Gold Filigree’.
Mediante producciones muy cuidadas y exclusivamente compuestas por él, Yves Jarvis entrega más protagonismo a su voz y las letras que nunca. Él mismo cuenta que nunca se había considerado un cantautor como tal hasta este disco, ya que en su música lo principal eran los experimentos sonoros. En ‘All Cylinders’ ha logrado equilibrar ambas cosas sin perder un ápice de autenticidad, demostrando que su arte es polifacético. Su sello autoral permanece intacto a lo largo de las doce pistas que componen un trabajo tan accesible como esquivo, tan ligero como denso.
Una semana ha durado la felicidad a Chappell Roan como lo más votado de JENESAISPOP, pues Lady Gaga recupera el número 1 con ‘Abracadabra’ en los días en que se han anunciado sus conciertos en España. Lady Gaga ha ganado en las Stories de Instagram con el 45% de los votos, dejando a Chappell Roan en segundo lugar con el 34%. Esta es verdad que competía contra sí misma con una novedad y ‘The Giver‘ de hecho es la entrada más fuerte de la semana. Lil Nas X también llega al top 10 y Rebecca Black, al top 15.
Hollywood ha rectificado su respuesta al ataque sufrido por el cineasta palestino Hamdan Ballal en Cisjordania tras la presión ejercida por más de 600 miembros de la Academia que habían firmado una carta conjunta expresando su decepción con el equidistante comunicado inicial publicado por la Academia, que denunciaba el ataque a Ballal indirectamente sin nombrar al cineasta ni su documental galardonado con un Oscar, ‘No Other Land’.
«Nos disculpamos sinceramente con el Sr. Ballal y todos los artistas que se sintieron insatisfechos con nuestra declaración anterior y queremos dejar claro que la Academia condena este tipo de violencia en cualquier parte del mundo», reza el comunicado citado por Heraldo. La Academia condena el «brutal ataque de Israel» y la «supresión de la libertad de expresión bajo cualquier circunstancia».
Penélope Cruz y Javier Bardem se encontraban entre los más de 600 miembros de la Academia de cine de Estados Unidos que firmaban una carta conjunta condenando la «falta de apoyo» de Hollywood a Hamdan Ballal, el cineasta palestino galardonado este año con un Oscar que esta semana ha sido secuestrado, agredido y finalmente liberado por fuerzas israelíes en Cisjordania.
En su comunicado, la Academia aludía al ataque sufrido por Ballal de manera indirecta, sin nombrar directamente ni al cineasta ni el documental que ha co-dirigido. Además, destacaba que «la Academia representa a cerca de 11.000 miembros de todo el mundo con perspectivas muy diversas”.
A Cruz y Bardem, entre otros, la respuesta de la Academia a este «asalto brutal» sufrido por Ballal les parecía insuficiente. Por ello, suscribían un comunicado alternativo, en el que argumentaban que «es indefendible que una organización reconozca una película con un premio la primera semana de marzo y luego no defienda a sus cineastas tan solo unas semanas después”. Opinaban que la Academia se ha quedado corta y que su comunicado no refleja «el sentimiento que este momento requiere».
En el texto, los firmantes destacaban los «riesgos extremos» a los que se exponen los documentalistas «para iluminar al mundo», prometían seguir cuidando de Ballal y de su equipo y anunciaban que «no nos andaremos con rodeos cuando esté en juego la seguridad de nuestros compañeros artistas”.
Rufus T. Firefly continúa la promoción de su próximo disco, ‘Todas las cosas buenas’, que se publica en una fecha por determinar del mes de abril. ‘Canción de paz‘, el primer adelanto, ha sido sorprendente por su aproximación a la bossa nova. El segundo, ‘La Plaza’, vuelve a renovar el sonido de la banda de Aranjuez tirando de influencias muy diferentes.
‘La Plaza’ es una canción de puro indie-pop, accesible, inmediata y luminosa como muy pocas canciones de Rufus T. Firefly lo han sido. Si visitas ‘La Plaza’ para encontrar una capa psicodélica que te remita a la obra temprana de los Rufus, buena suerte.
Pero, en esta depuración de su sonido, Rufus T. Firefly obtiene una de sus mejores canciones. El estilo de ‘La Plaza’ lleva a influencias -citadas en la nota de prensa- de los Smiths o los Cure de ‘Boys Don’t Cry’. Mirando al siglo XXI, el recuerdo de los Real Estate de ‘Days‘ (2011) es inevitable (consciente o no). A Víctor Cabezuelo toda esta luz no le ciega a la hora de escribir otra de sus elegantes melodías.
Cargada de melancolía, ‘La Plaza’ es otra de esas canciones de Rufus T. Firefly escritas en tercera persona que retratan, de manera más o menos idealista, una figura femenina. La canción «habla, con admiración, de alguien que, a pesar de la adversidad y los continuos golpes de la vida, consigue sacar fuerzas para seguir adelante, cruzando la plaza día tras día». La protagonista de ‘La Plaza’ es tan valiente que «ni siquiera el diablo va a plantarle cara», y tan íntegra que, aunque «todos tenemos una alma que vender», ella «no lo hará».
La gira con auriculares de ‘Todas las cosas buenas’ sigue a partir de este domingo en las siguientes ciudades:
30 de marzo, Zamora
3 de abril, Barcelona
4 de abril, La Laguna
5 de abril, Lanzarote
10 de abril, Valencia
19 de abril, San Vicente do Mar
Young Scooter, rapero estadounidense conocido por su éxito ‘Jugg King’, ha muerto este viernes 28 de marzo, en el día de su cumpleaños, tras una persecución policial en Atlanta. Según la información oficial, Scooter saltó dos vallas mientras huía de los agentes, en la caída se hirió una pierna y finalmente falleció en un hospital de Atlanta. Tenía 39 años.
La policía acudió a la residencia donde se encontraba Young Scooter alertada por la llamada de unos vecinos que habían escuchado disparos y visto a una mujer siendo arrastrada hacia el interior de la casa mientras intentaba escapar, informa el New York Post. La persecución empezó cuando la policía llamó a la puerta, un hombre la abrió y la cerró inmediatamente al ver a los agentes. Un hombre huyó por la parte trasera de la casa y Young Scooter saltó dos vallas.
Young Scooter, cuyo nombre real era Kenneth Edward Bailey, fue un rapero relativamente conocido en Estados Unidos, sobre todo en el entorno de Future, que fichó a Young Scooter a su sello, Freebanz, en 2012. En aquel año, Scooter obtuvo su primer éxito regional, ‘Colombia’, incluido en su primer mixtape.
Young Scooter publicó una veintena de mixtapes y es conocido por su éxito en solitario ‘Jugg King’, que suma cerca de 30 millones de streamings en Spotify, y por ‘Jet Lag’, una colaboración con Future y Juice WLRD que dio a Scooter su única entrada en el Billboard Hot 100 en 2018. Scooter colaboró también con Gucci Mane, Juicy J, Migos o Young Thug.
La representación de la vejez propia es un recurso empleado en el pop de forma más esporádica que habitual. Últimamente, The Weeknd ha salido envejecido en la portada de uno de sus discos. Y no quedan lejos el videoclip de ‘The One that Got Away‘ (2010) de Katy Perry o aquel sketch de Saturday Night Live en el que una anciana Lady Gaga recordaba sus años de gloria.
Ariana Grande utiliza este recurso en ‘brighter days ahead’, la película que acompaña el lanzamiento de la reedición de su último disco, ‘eternal sunshine’ (2024). Es una auténtica superproducción audiovisual que concluye la era por todo lo alto.
En ‘brighter days ahead’, Ariana recupera el personaje de Peaches, el mismo que protagoniza el videoclip de ‘we can’t be friends (wait for your love)‘, inspirado en la película ‘¡olvídate de mí!’ (2004). En ‘brighter days ahead’, Ariana interpreta una versión del personaje ambientada en un futuro muy lejano, blackmirroresco, convertida en una anciana que ha perdido la mayor parte de su memoria y conserva apenas cuatro recuerdos de su vida (además de sus uñas de gel).
En silla de ruedas e incapaz de hablar, Peaches decide visualizar sus últimos cuatro recuerdos, los cuales se autodestruyen para siempre una vez han sido reproducidos. Sin revelar demasiado del contenido de la película, Ariana incluye referencias que van de ‘Frankenstein’ al apocalipsis pasando por su fascinación por la figura de Imogen Heap o su infancia.
La selección musical de ‘brighter days ahead’, por otro lado, no se limita a las pistas recién publicadas de la reedición, sino que recupera algunas liberadas en la primera edición del álbum, como ‘eternal sunshine’ o ‘supernatural’. En ‘brighter days ahead’, Ariana ofrece una emotiva reflexión sobre la madurez, el paso del tiempo y la importancia de «vivir cada día como si fuera el último».
Martin Urrutia ha hablado con la prensa estadounidense, en concreto con el portal Variety, sobre su trabajo en ‘Mariliendre‘, la nueva producción de Suma Content, la productora de Los Javis, y sobre la creación de su disco de debut. Urrutia confirma que «la idea es lanzar singles a lo largo de 2025 y publicar el disco a finales de año».
Eso es todo lo que Urrutia comparte sobre su disco. No confirma si el álbum cobijará su primer single, ‘Rompeolas’, que supera los 12 millones de streamings en Spotify, o ‘El Destello’, su dueto con Juanjo Bona producido por Hidrogenesse, una de las Mejores Canciones de 2024.
Sobre ‘Mariliendre’, Urrutia comenta el carácter de su personaje, Jeremías, que en la ficción cuenta 30 años, cuando él va a cumplir 20 este domingo 30 de marzo. «He tenido que imaginar todo lo que ha vivido, el duelo, la distancia de los amigos, el trauma. He trabajado codo con codo con mi profesor Rubén Martínez para construir la corporalidad y el peso emocional que requería el personaje. La versión más joven de Jeremías ha salido de forma más natural».
La primera presentación oficial de ‘Mariliendre’ ha tenido lugar esta semana en la clausura del Festival de Málaga. En rueda de prensa, Javier Ambrossi y Javier Calvo han declarado que, en la serie, «se ha hecho un homenaje a ese momento de nuestra vida en el que las personas LGTBI podemos ser felices».
‘Mariliendre’, una creación de Javier Ferreiro (‘Vestidas de azul’), que dirige los seis capítulos de la serie, está protagonizada por Meri Román (Blanca Martínez Rodrigo), una «antigua reina de la noche gay madrileña que, diez años después de alcanzar esa fama, se ha convertido en una diva destronada y atormentada por su pasado». Urrutia comparte reparto con Omar Ayuso o Yenesi, entre otros. La serie se estrena en AtresPlayer el 27 de abril.
Violeta Hódar no llegó a la final de OT 2023, pero igualmente se convirtió en una de las concursantes favoritas de la temporada. La artista de 24 años, nacida en Motril, ya demostró su capacidad para el pop de calidad con lanzamientos como ‘el x venir‘, ‘LIBERTÁ’ y, la más reciente, ‘Palmas y Desamores’. Ahora, está preparada para desvelar el proyecto que mejor le representa: un disco conceptual que sale este mismo año. Exclusiva, por cierto.
‘Ojalá’ es el reposado primer adelanto del misterioso álbum, del cual Violeta da detalles a cuentagotas. Hablamos con ella sobre los aspectos que más le han chocado de la industria musical, el amor, los fans de OT y su devoción por Beyoncé y el R&B.
¿Cómo has vivido toda esta etapa después de OT?
Mi principal objetivo era aprender, entender la industria, entender cómo funciona un proceso creativo y descubrirme mucho a mí también, porque al final yo siempre he hecho música. Estuve en el conservatorio diez años de mi vida, pero es muy diferente tener la oportunidad de hacer tu proyecto personal.
Tocabas el clarinete, ¿no?
Sí.
¿Ya no lo tocas?
¡Sí! Me lo he subido a Madrid y a veces lo toco, pero es verdad que el conservatorio era una relación muy tóxica. Lo pasé mal, pero ahora lo agradezco mucho y me alegro de tener ese bagaje musical y ese conocimiento que te da el conservatorio. Aunque parezca que no tiene nada que ver porque es música clásica, al final es conocimiento musical que nunca está de más.
«La industria parece que está muy expuesta, pero también es muy hermética»
¿Qué es lo que más te sorprendió de la industria?
Es una industria que siento que aunque está muy expuesta, a la vez es muy hermética. Creo que hay muchos focos, hay muchas cámaras y parece que se ven muchas cosas, pero realmente se ve poco de cómo es el proceso de hacer un álbum, de cuánto cuesta… Por ejemplo, Bad Gyal sacó ‘La Joia‘ y se vio que a veces no todo es pisar rosas y que no haces una canción y al dia siguiente se puede publicar. Hay muchos intereses que no van contigo, pero de repente se ven envueltos en algo que haces tú de manera genuina.
He hablado con Paul Thin, Martin Urrutia y Juanjo Bona y a todos les he preguntado por cómo han llevado la fama, los fans… ¿Cómo lo has gestionado tú? Porque los fans de OT son muy especiales.
Sí, es como una cosa incondicional que, evidentemente, no hay que dar por sentado, porque considero que tengo mucha suerte por toda esta gente que me sigue, que me apoya y tal, pero hay que cuidarlo. Siento también que los fans de OT muchas veces son fans del formato y realmente la hora de la verdad es cuando tú empiezas a presentar tu música y te enseñas al mundo. Sobre todo, tengo ganas de que conozcan realmente cuáles son mis aspiraciones musicales.
¿Cuáles son?
¡Uf! Diría que mi mayor ambición en la música es tener una huella personal y auténtica, y que todo el mundo me siga por lo que soy y por lo que hago.
Ha salido ‘Ojalá’, el primer adelanto de tu disco. Para mí, ‘el x venir’ y ‘LIBERTÁ’ eran bangers directos y en esta he encontrado un tono más recatado, con más profundidad.
Cuando hice ‘Ojalá’ sabía que tenía que salir pronto porque siento que estoy mostrando una nueva faceta. Siento que tiene un sonido más maduro. Hay otro semblante. De hecho, hay gente que grabó conmigo cuando yo salí de OT y que al escuchar estas nuevas canciones me han dicho que se me nota en la forma de interpretar.
«La industria a veces se convierte en un McDonald’s, rollo fast music, fast fashion»
¿Es una canción que ha surgido directamente en el estudio o…?
Todavía no puedo desvelar muchas cosas porque llevo mucho tiempo preparando esto y hay un álbum conceptual muy claro y muy sólido. La industria a veces se convierte en un McDonald’s, rollo fast music, fast fashion, fast food, fast todo… Mi intención es que se saboree también el camino. Los proyectos artísticos que más admiro tienen ese peso y se disfrutan poco a poco. Un día, me acosté en la cama sÚper tarde, muerta de trabajar y, de repente, me vino como una epifanía: «Esto es lo que estoy buscando, este tiene que ser el concepto y no hay otra opción posible». Desde ahí, todo lo que hice fue caminar hacia allá. Así que cuando se desvele un poco… aunque ya hay mucha gente que yo leo en redes y que como que…
¿Que tiene una idea de lo que puede ser?
Sí, y están caliente, caliente. Me quedo flipando. Yo soy mucho de soltar pistas por redes y la gente es muy lista. ‘Ojalá’ es la primera ventana y ya se descubrirá en qué punto de la historia está. De forma general, sin adentrarme mucho, la canción va de un amor incondicional. Creo que cuando se ama de verdad, el amor no es egoísta. Y creo que también forma parte del amor querer que esa persona esté bien aunque no sea contigo. «Ojalá alguien te sepa querer como yo», porque no me importa de qué manera acabe esto, que quiero lo mejor para ti.
Esa frase también tiene un punto de: «Que sepas que nadie te va a querer como yo», ¿no?
La verdad es que cuando estaba haciendo la canción en el estudio me gustaba esa dualidad. Quiero que te quieran muchísimo, muchísimo, muchísimo, pero bueno, que sepas que yo te he querido mucho. Como que todas sentimos que nadie va a querer a nadie como lo hacemos nosotras, pero creo que es bonito. Me parece precioso pensar que damos todo y que todo nuestro concepto del amor es lo que ponemos en el asado cuando estás enamorado.
¿El disco sale este año?
Sí. Eso te lo has llevado tú, ¿eh? No se lo he dicho a nadie.
Tu música es pop electrónico, podríamos decir.
Mucha gente me pregunta y yo realmente no sabría decir qué género es. A veces me ha pasado que me subo en un taxi y escuchan que estoy teniendo una conversación de música y me preguntan si soy cantante y qué tipo de música es. ¡Y no lo sé! Creo que, y me encanta, que cada vez los géneros están más disueltos. Ahora está todo mucho más fusionado.
«Beyoncé es mi escuela»
Según lo que he leído por ahí, y corrígeme si me equivoco, a ti te gusta el R&B y tu artista favorita es Beyoncé. ¿Puede ser?
Bueno, soy fanática de Beyoncé. O sea, voy a verla ahora por la gira de ‘Cowboy Carter‘. Amo a Beyoncé. Es mi escuela. He aprendido todo de Beyoncé. Entonces, ¿cómo no voy a tener estándares altos? Yo empecé a escuchar música contemporánea española, porque los clásicos y eso ya lo escuchaba en mi casa, pero cuando estaba creciendo era un poco niña rara porque, como soy de Motril, que es una ciudad pequeñita de Granada, pues era una niña de 12 años que escuchaba ópera y música clásica y que le encantaba Christina Aguilera y Beyoncé. Es como, ¿qué pasa aquí? Evidentemente, hay muchísima gente que ha vivido esa experiencia, pero es verdad que de pequeña eso era diferente a lo que era mi entorno en el colegio.
Ya, yo escuchaba rock y me sentía raro.
¿Cuánta gente escucha rock o Christina Aguilera? Pues muchísima, pero si te pilla cuando tienes 10 años, pues a lo mejor los otros niños no lo entienden. Yo te diría que toda mi formación, desde los 12, que empiezas como a «bichear» tu propia música, hasta los 18, ha sido muchísimo R&B.
¿Nunca has experimentado con ese estilo?
Me da mucho respeto. Hay muchos estilos que me dan respeto porque siento que hay que tener… Es como interpretar una canción de Nina Simone. Para cantar una canción de Nina Simone tienes que tener un bagaje dentro. Como el flamenco. Nunca me atrevería a cantar una canción de flamenco. Me pasa igual con el R&B, y creo que llegará porque me encantaría hacerlo, pero solo cuando realmente sienta que tengo los conocimientos y que me conozco lo suficiente como para que sea algo que nazca de mí, no intentar copiar algo que ya existe. Al final, el R&B proviene de una escena cultural a la que yo, como niña de Motril, no formo parte, aunque me inspire muchísimo.