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Gracias, Katy Perry, por viajar al espacio

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No entraba en mis planes defender el viaje al espacio de Katy Perry, pero cada día tiene más razón Ethel Cain cuando denunciaba que el mundo vive una epidemia de la ironía y que ya nadie se toma nada en serio. Proliferan en internet los memes de Perry hablando de polvo de estrellas y besando el suelo después de llegar a la Tierra reduciendo su experiencia a «cuatro minutos» de viaje espacial, como si viajar al espacio no fuera una experiencia absolutamente brutal que requiere un inmenso coraje. Y dinero en el banco, también, eso no lo niega nadie. Pero no reduzcamos la experiencia de estas seis mujeres a la nada, porque viajar al espacio no es cualquier cosa.

Está claro que la idea de viajar al espacio es menos interesante que antes para el público general. ¿Alguien recuerda que Lady Gaga iba a actuar en el espacio en 2015? El día anterior al viaje de Perry y sus compañeras, la periodista y prometida de Jeff Bezos Lauren Sanchez, la presentadora Gayle King, la científica y activista Amanda Nguyen, la productora de cine Kerianne Flynn y la ingeniera espacial Aisha Bowe, comenté la noticia entre amigos y nadie la conocía. La mejor reacción retrataba a Katy Perry yéndose al espacio a buscar fans de ‘143‘ porque en la Tierra no los encontraba. Pero, en general, a nadie le había impresionado este hecho. Claro, Jesús Calleja ya había ido al espacio dos meses antes y tampoco su travesía importó a nadie, a pesar de que su vuelo, como el de Perry y compañía, también lo lanzó Blue Origin y duró 11 minutos.

Sin embargo, Katy Perry parece estar en el centro de la conversación sobre esta visita a la línea de Kármán. Claro, es una estrella del pop reconocida mundialmente y su papel era exactamente ese, atraer atención a un episodio de viaje espacial cortesía de Jeff Bezos. Su luz -la de su celebridad- ha iluminado al resto de pasajeras a las que probablemente tenías menos ubicadas, incluida Amanda Nguyen, que es una verdadera astronauta, y que tuvo que abandonar su sueño de viajar al espacio después de sufrir una violación. Nguyen ha invertido una década de su vida denunciando abusos y ha logrado cambiar leyes. Ella y Aisha Bowe merecían estar ahí más que nadie.

Sin embargo, el último lanzamiento de Jeff Bezos no es una cuestión de mérito. O no solo exclusivamente. Katy Perry ha merecido realizar este viaje lo mismo que Jesús Calleja. Depende de cómo se mire, probablemente ambos «merecieran» viajar al espacio más que tú y que yo. Perry, en concreto, ha escrito multitud de canciones que han brindado alegría al mundo y dedica su vida a entretener, inspirar, influenciar y aportar color en cada uno de sus conciertos. Su papel en este viaje ha sido demostrar al mundo que el turismo espacial ya es posible y que será una realidad para todos tarde o temprano. Que en unos años dejará de ser solo cosa de ricos, como también dejó de ser cosa de ricos conducir coches, volar en avión, poseer teléfonos móviles, inyectarse bótox o comprar por internet. ¿Se supone que nos tiene que dar igual que una persona de a pie -sea famosa o no- pueda volar al espacio? ¿En serio?

El objetivo de la misión de Blue Origin -una empresa que existe desde hace 25 años y que ha lanzado cientos de cohetes al espacio- es el de realizar una investigación científica. Como mínimo, algo a tener en cuenta. Tanto Gayle King como Asha Bowe han hablado de los beneficios y avances que la investigación espacial genera en la vida en la Tierra y que en la actualidad disfrutamos todos. Quizá -solo quizá- este trayecto a la frontera de la atmósfera tenga algún propósito científico -y lo tiene- por mucho que nos obsesione examinarlo desde el cinismo más absoluto. ¿Y alguien puede acusar a Amanda Nguyen, una persona que es astronauta y que no es rica, de intrusismo laboral y de intervenir en la «destrucción» del planeta?

Perry está siendo el blanco fácil desde todos los frentes. De la misma manera que ella se ha puesto el traje espacial azul, el resto del mundo ha decidido ponerse zapatillas para participar en las Olimpiadas del critiqueo. Perry está siendo objeto de mofas por hablar sin tener mucha idea durante una entrevista previa al viaje sobre teoría de cuerdas, Pitágoras y sobre «los cálculos y esas cosas». Pues bien por Katy Perry por hablar de manera honesta sobre un tema que le interesa pero que no entiende y al que habrá dedicado horas mientras se preparaba para abandonar la Tierra unos minutos. Yo lo habría explicado igual de mal o peor, pero yo no tengo los ovarios de meterme en una cápsula espacial.

Es verdad que el discurso mágico de Katy Perry -que arrastra desde hace años, no es de ahora- da pereza. Que cuando vuelves a la Tierra lo primero que se te ocurra decir es que te sientes «más conectada al amor que nunca», no es lo más inspirador. Pero también es cierto que no parecía la única que iba colocada después de haber -literalmente- viajado al espacio. Y solo Diosa sabe qué pasaría por su cabeza horas antes de despegar: ella se llevó consigo una margarita para tener a su hija Daisy presente por si no volvía. Por suerte, regresó junto a sus compañeras, aunque muchos estén deseando que se hubiera quedado ahí. Se me ocurren muchas personas a las que chutar al espacio antes que a Katy Perry, la verdad.

Es criticable para muchos la mera asociación de Katy Perry y sus compañeras con el multimillonario Jeff Bezos. Uno de los argumentos más utilizados -y más falaces- es que, mientras este viaje espacial ha costado millones de dólares, las personas de a pie siguen sin llegar a fin de mes. Otros acusan a Perry exageradamente de participar en la «destrucción del planeta». No voy a defender a Bezos ni su adulación a Trump ni Amazon. Pero sí voy a defender a Katy Perry porque la realidad es que por mucho que su vuelo al espacio haya costado millones de dólares -pagados por una empresa privada- la realidad es que ese dinero nunca iba a solucionar el hambre y las desigualdades en el mundo. El hambre, las desigualdades y el cambio climático seguirán existiendo aunque Jeff Bezos no mande un solo cohete más al espacio en toda su vida. Comentar los cientos de miles de aviones que salen fletados cada día contaminando el mundo, o la cifra de países que han reducido su pobreza en los últimos 10 o 15 años, lo dejamos para otro momento. Ojalá sigamos avanzando en ambas direcciones, en el del avance tecnológico y en el de eliminar el hambre en el mundo.

Ha habido un evidente problema de comunicación promocionando este viaje espacial como un asunto feminista, mientras muchas mujeres de la NASA están siendo despedidas por asuntos varios. Es gracioso que se diga que este ha sido el primer viaje al espacio realizado por un equipo exclusivamente femenino desde 1963, cuando en 1963 el viaje hecho exclusivamente por mujeres lo hizo una sola mujer, la rusa Valentina Tereshkova, hace 62 años. Por supuesto, ya habíamos entendido que el feminismo no pasa solo por que las mujeres igualen el éxito de los hombres en las carrera profesionales que ellos mayormente persiguen. Sin embargo, este viaje sí es un éxito de representación; quizá en el futuro veamos a muchas más mujeres profesionalizadas en la ciencia espacial en parte gracias a este pequeño pero gran momento mediático. Porque esto ha sido este viaje, una comidilla para los telediarios. Pues muy bien.

Me niego a pensar que ver a Katy Perry flotando en gravedad cero no ha sido un gran momento televisivo que recordaremos en el futuro. Si yo estuviera en su posición, me sentiría muy orgulloso. Y, la verdad, mientras en cuestión de semanas o meses se han encadenado en las noticias una tragedia humana tras otra absolutamente horribles -el incendio en una discoteca macedonia, el derrumbe del techo de una discoteca de Santo Domingo, la muerte de dos fotógrafos en un festival mexicano, la muerte de una familia catalana tras estrellarse su helicóptero en el río Hudson de Nueva York, la muerte de tres personas tras estrellarse su avioneta en Florida 24 horas después-, mientras los telediarios nos saturan cada día con imágenes de guerras y muerte, yo me voy a permitir el lujo de celebrar que al menos una cosa ha salido bien.

Alba Morena: «Me veo la antidiva pop»

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Dani Tezla

Me enamoré de Alba Morena cuando la vi de telonera de Kae Tempest, pero la artista aún tiene que entregarnos su segundo disco, varios años después. En esta entrevista justifica todo retraso: no solo está presentando el EP ‘Trámite’ que ha salido esta semana y no es ningún «trámite», tiene una perfecta razón de ser. También nos cuenta que ha estado escribiendo temas para los próximos álbumes de Ana Torroja o Luz Casal. Casi nada. Hablamos en un hotel de Madrid con la artista sobre su pasado, su presente y su futuro.

El futuro más inmediato incluye un teloneo a Camila Cabello en Madrid el próximo 25 de junio como parte de la programación de Alma Festival.

¿Por qué sacas ahora mismo un EP de cinco canciones? ¿Por qué un EP y no finalmente tu segundo disco?
A nivel sónico y en general estaba yo un poco perdida. Me mudé a Madrid, cuando yo venía de estar en Barcelona, haciendo mucha música. Sacamos aquel EP de ‘Yo te quiero pero’, que era música acumulada que tenía. Y de repente empecé a trabajar de productora para mucha gente y no sabía bien por dónde ir. Porque a mí me encanta el reguetón, pero yo no voy a hacer reguetón porque soy como el «anti-flow»: soy como el «Duolingo» del castellano, no tengo flow para hacer reguetón. Pero tampoco quería quedarme en tintes muy antiguos, muy de canción de raíz o folclóricos. En esa búsqueda encontré todo el concepto sónico de este EP; primero queríamos dar esta pincelada. Y luego ya voy a hacer el disco, que está en proceso.

¿Y la idea de este EP cuál es?
La música que escuchaba Alba con 14 años: Radiohead, Nirvana, MGMT, Gorillaz… Volver a la música que me movía cuando era adolescente y a la vez crear un personaje e historias desde ahí.

El personaje es como una femme fatale, un poco agresiva, ¿no? Está un poco loca…
Pero está loca porque la han vuelto loca. Es como reapropiarse de la histérica. Hay un tema que se llama ‘Una salida’, que es como «si te vinculas conmigo, no vas a salir. Estoy loca. Te voy a perseguir. Soy como un laberinto».

¿Qué ha supuesto para ti centrarte en esta música más de cuando eras adolescente?
Una liberación enorme, porque realmente estaba muy perdida y no sabía por dónde tirar, haciendo canciones para tanta gente. Entonces ha sido como un juego, es lo que a mí me resonaba de adolescente, y es por lo que mucha gente también empieza a hacer música, por sus referencias de adolescente.

La primera vez que escuché ‘Nirvana’ pensé en Alizzz, pero nunca has trabajado con él…
Para mí la referencia en ‘Nirvana’, aparte de Nirvana, fue Dillom, más que Alizzz, que me encanta, pero me fijé más en cómo Dillom trata a las bandas y las distorsiona.

La canción de llorar, ‘A la vez’, está en medio del EP y no al final, como suele ser habitual, ¿por qué?
Me obsesiona mucho el concepto interludio. Y de hacer piezas cortas muy intensas, como de viaje, de principio a fin, y ponerlas en medio, y que se las coma la peña (risas).

En esto de hablar de «desgarrarte el cuello», de persona violenta y tal, ¿también te has sentido liberada? ¿Tienes mucha rabia dentro o algo así?
No tanto rabia. Esa canción, ‘Otro chico +’, es un poco el storytelling de «Enemys to lovers» que dicen en las novelas o en las películas. Gente que se odia, pero luego que se ama mucho. Y fue más una liberación sexual, en el sentido de que yo nunca hablo de sexo en mis canciones. Y si lo hiciese sería de esta manera un poco más sutil o poética. Me gustaba el concepto de «me pones tanto que ya no solo quiero besarte, sino que te quiero arrancar el cuello». Un poco ya casi entre zombis, vampiros, ese mundo un poco más onírico…

Y la canción del final vuelve a ser rockera tipo Strokes y dices: «No tengo amigos que digan lo mala persona que eres».
Strokes también increíbles, pero en esta canción yo tenía de referencia a Radiohead. Quería sonar como Radiohead en el principio de ‘Jigsaw Falling Into Place’. Pensaba en el interludio de chillidos y de noise, es como que me imagino a todos ahí, a Johnny Greenwood (risas)… Nunca había creado una canción a partir de un riff de bajo y era ese experimento.

Tras mudarte de Barcelona a Madrid, ¿tienes una presión de Sonido Muchacho o Universal por hacer un disco?
No, no, no. Yo la verdad es que he sido muy feliz y estoy viviendo mi sueño desde hace mucho tiempo gracias a todo este equipo. A mí lo que me generó más conflicto es que nunca había conocido la industria tan de cerca. Yo siempre he estado en Barcelona sola produciendo, y de repente empiezas a trabajar para tantos artistas… De repente, toda esa creatividad que yo daba no la tenía para mí. No todas las sesiones vienen de discográficas, hay gente que me ha escrito por Instagram. Yo he aceptado todo porque también quería empaparme de todo y para mí ha sido un mundo nuevo. De repente me «despersonifiqué» un poco, me puse como en tintes más «superficiales». Y para mí hacer música es conectar muchísimo, bajar a tierra y estar muy conectado. He tardado mi añito en adaptarme a Madrid, la verdad.

«Ana Torroja ha venido a mi casa a componer: para mí fue uno de los «peaks» de mi vida. También he trabajado con Luz Casal»

¿Qué colaboración te parece más chula de las que has hecho con la gente?
Pues ahora estoy haciendo una EP para Marina Carmona, otra productora que me encanta. Lo que me encanta de producir a otra gente es que no me cierro a nada. De repente he hecho desde flamenco a movidas experimentales rollo Arca, a puro pop. Por eso también es algo que no he querido dejar de hacer ni quiero dejar de hacer, porque a mí me llena un montón. Pero luego también he compuesto para Ana Torroja, que eso para mí fue uno de los «peaks» de mi vida. Vino a mi casa Ana Torroja, a componer. Y también he estado trabajando con Luz Casal.

¿Esas cosas han salido ya?
No, Ana Torroja sale ahora en su próximo disco.

¿Y lo de Luz?
En principio para su próximo disco también, que sale en otoño.

Yo te he visto en directo y me parecía muy guay el concierto. ¿Te gusta más liderar tu proyecto o hacer este pedazo de colaboraciones que en realidad son tan top?
Me gusta todo. Me encanta el escenario, y ahora he montado un directo con amigos de toda la vida. Esto de volver a la adolescencia también ha sido coger músicos con los que he estudiado. Hemos vuelto al formato banda, pero con sus movidas electrónicas: Radiohead, ese concepto. Si tuviera que escoger, yo creo que me quedaría en crear para mí, pero es que no tengo que escoger. Creo que yo toda la vida voy a escribir para mucha gente: es muy liberador. Y ahora también me he empezado a meter un poco en el mundo bandas sonoras y eso me flipa.

«Escribir para otros es una liberación. La gente que solo es artista en solitario tiene una presión brutal: yo no podría»

Hace poco entrevistamos a Vega, que vino a un podcast nuestro, y nos contó que ella hace sus discos, que le encanta, por supuesto, tiene unos fans súper fieles, pero de lo que vive es de haber escrito canciones para David Bisbal…
Totalmente. Total: Benny Blanco. Ese concepto (risas) Es que me encantaría ser él de repente, haber hecho Maroon 5 (risas). Él vive de eso y luego te hace lo que él quiera. Yo creo que eso es una liberación también, el poder no estar siempre en ti, en ti, en ti… y poder crear para otros, meterte en el mundo de otros, de esos poder sacar dinero para vivir o lo que sea, y poder hacer tu proyecto como tú quieras, a tu ritmo… Yo siento que a veces, la gente que solo es artista y solo tiene eso, tiene una presión brutal. Como no gustes, como no consigas recuperarlo… No, no, no. Yo no podría.

Te veo súper tranquila y súper bien, y lo entiendo todo, pero en JENESAISPOP llevamos esperando tu segundo disco mucho tiempo. Yo soy súper conservador para eso, en plan «quiero el disco».
Sí, yo también. De hecho, ‘Trámite’ también lo llamé así porque es mi EP «Trámite» para poder hacer mi disco (risas)

¿Tienes el disco ideado?
En mayo ya entrego cosas. De hecho, va a ir bastante seguido. En principio, lo que queremos es sacar ya singles a partir de otoño y el disco a principios del año que viene.

Tampoco me hagas caso, ahora no hace falta sacar un disco…
Lo entiendo, a veces veo que artistas dicen que han estado tres años haciendo un disco. Yo no podría. Seguro que lo haré alguna vez, pero a mí me funciona mucho el decir «en mayo entrego 10 canciones». Yo trabajo así, bajo presión.

En El Sol presentaste una canción medio rapera sobre tus padres. ¿Estará en el disco? No sé si me gustó, es un poco «la amas» o «la odias»…
Puede ser, puede ser. ‘Mami papi’. Es que es rarísima. Tengo que decir que el disco no está yendo tanto a lo electrónico… Vuelven los 60 un poco.

Le vas a dar a todo literal.
Creo que va a ser un poco la línea de LP, a nivel de producción y demás, pero a nivel compositivo estoy tirando a canciones armónicamente Beatles. Luego a nivel producción, no. Ha sido como un dilema recuperar canciones del pasado o no, porque estoy en otro punto muy diferente. Pero ahí estamos, no sabemos…

Te vi teloneando a Kae Tempest y no sé si de ahí te vino lo de hacer un pequeño rap.
Creo que estoy creciendo y ahora puedo dar algo mucho más maduro y más claro y ya no bajarme de ahí y estar ahí bastante conscientemente. No sé si volveré a rapear…

¿Puede ser que en aquel concierto llevaras una camiseta de Lady Gaga?
Sí.

«Tengo un teloneo a Camila Cabello en Alma Festival y estoy cagadísima»

¿Y eso?
Pues no lo sé, la verdad, no me acuerdo. Pero yo adoro a Lady Gaga. Las divas pop me encantan, pero yo no soy diva pop, creo, para nada. Me da como vergüenza. Justo ahora tengo un teloneo a Camila Cabello en Alma Festival…

¿Y cómo lo ves?
Yo, cagadísima… Yo como que me veo la antidiva pop. ¿Tate McRae? Yo no sé bailar, yo no sé hacer nada. Sé cantar y ya está.

Tienes buena voz…
Claro, yo sé cantar y me vuelvo loca y ya está.

Puedes ser una diva pop de las que mueven así el bracito y ya está, como Mariah Carey. O Kylie.
O rollo Miley Cyrus ahora que está como más rockera y no se mueve mucho… Pero bueno.

Te propuse una vez para Benidorm Fest. ¿Te llamaron?
No, creo que no. Pero me suena que cuando fue mi amiga DeTeresa, como que me dijo: «Alba, que tú podrías haberte venido», como que les interesaba en cierta manera, creo. Pero no sé si hacerlo, la verdad, no lo sé.

Preséntate, yo te animo. A mí me encanta el formato y yo sé que tú cantas muy bien. Eso en Eurovisión cuenta mucho.
Sí, yo lo pensaba. Me lo dicen siempre mis padres, que siempre lo ven y votamos en casa y tal: «Alba, una canción Salvador Sobral muy bonita, y ya está». Si tengo alguna canción así buena, me lo voy a pensar, la verdad.

Te quería preguntar finalmente por la canción ‘A mi hermano’, que a mí me flipa esa canción y me parece que ha pasado desapercibida. Yo miro tus streams a veces y como que no entiendo nada… ¿Cuál es la historia de esta canción?
Pero envejecerá muy bien, ya verás. Pienso que mi música envejecerá guay. ‘A mi hermano’ sí es de mis canciones favoritas. La escribí el cumpleaños de mi hermano Rubén, que murió hace años, cuando yo tenía 17 y él tenía 26. Hace 7 años. Y fue cuando estaba yo a dos semanas de mudarme a Madrid. Estaba recogiendo mi casa, que vivía en una casa sola en Barcelona, muy pequeñita, en el Born, una casa que me la pasó un músico, el típico chollo que se pasa entre gente así pequeñito. Estaba recogiendo todo, era su cumpleaños, estaba muy triste y la hice como en una hora. Hice esta canción a mi hermano como regalo, para homenajearle.

‘Year of the Snake’ es un temazo de Arcade Fire… ¿o en absoluto?

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Parte de la redacción evalúa ‘Year of the Snake’, el primer adelanto del nuevo álbum de Arcade Fire, ‘Pink Elephant‘:

«Con la misma rotundidad que afirmo que los cuatro primeros discos de Arcade Fire son cuatro obras maestras, afirmo que el bajón de calidad en los dos siguientes es considerable. ‘Everything Now‘ (2017) contiene algunas de sus mejores canciones, pero se ve lastrado por contener también algunas de las peores, y ‘WE‘ (2022) era más “regular” en ese sentido, pero no lograba alcanzar la excelencia de antaño… incluso, en lo que hasta ese momento la banda era infalible: lanzar tremendos lead singles.

En ese sentido, aunque mire al séptimo disco con cautela en cuanto a expectativas, ‘Year of the Snake’ es una muy buena señal: vuelve a ser un temazo. El punto épico que tan bien se les da no termina de llegar (hay edging al respecto, que diría Mike White), pero diría que parece intencionado teniendo en cuenta esa búsqueda de la calma que vemos entre la letra de la canción y, a tenor de lo que han revelado en notas de prensa, el contenido de este nuevo disco.

Win y Régine producen junto a Daniel Lanois (con quien trabajaron en ‘We Don’t Deserve Love’, una de las muy-buenas de ‘Everything Now’), y se estrenan en instrumentos (él en batería, ella en bajo) entregando otro de esos himnos generacionales marca de la casa, éste bastante más tranquilito pero igualmente efectivo: “It’s the season of change / and if you feel strange / it’s probably good”. Pablo Tocino

«El disco de Arcade Fire se titula ‘Pink Elephant’, una imagen que en el mundo anglo se asocia a las visiones alucinógenas. Es famosa la escena de los elefantes rosas de ‘Dumbo’, por ejemplo. Sin embargo, el primer adelanto, ‘Year of the Snake’, no es tan alucinógeno o surrealista, sino que promete un colocón que nunca llega a través de un loop de teclado más típico imposible. Hay más ideas psicodélicas en muchos discos africanos completamente desconocidos que aquí.

‘Year of the Snake’ es una de las composiciones pretendidamente maduras de Arcade Fire. Sobre todo, desarrolla una épica de bajos vuelos, alimentando muy poco a poco el crescendo de ‘Year of the Snake’ con efectos -o efectismos- varios que no impresionan. Aunque la serpiente se vista de seda, serpiente se queda. Y a la serpiente le falta veneno.

La ironía de todo esto es que ‘Year of the Snake’ versa sobre el cambio y la transformación vital. La canción pretende ofrecer un mensaje inspirador, animando al oyente a hacer con su vida «lo que quiera, y no lo que deba». Sin embargo, frases como «si sientes algo raro, eso es bueno» suenan más tópicas que lúcidas y la producción es excesiva para tan poca canción. Durante cinco largos minutos, Arcade Fire estiran más el chicle que Dalí las patas de sus elefantes». Jordi Bardají

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SVSTO / CRISIS

Hablando de artistas que merecen una actuación en La Revuelta, ha salido al fin el disco de SVSTO, el proyecto en solitario de una de Las Bistecs, Carla Parmenter. La crítica social que se detectaba en ciertas canciones del dúo -no sólo en su mayor hit, ‘Señoras bien’- pasa a primer plano en este disco que se titula ‘CRISIS’, porque nos habla de las «crisis económicas, sociales y existenciales en la Europa del siglo XXI».

El pelotazo urbanístico es el tema principal del single ‘Mil €’ y también de otras canciones como ‘Cemento’, es decir, si Biznaga fueron al programa de Broncano a alzar su voz sobre todo esto desde un prisma rock, también podrá hacerlo SVSTO desde un prisma electropop.

Recuerda SVSTO incluso más que las producciones de Las Bistecs a aquel electroclash del cambio de siglo que se regodeaba en el absurdo del mundo. Inspirada por el techno alemán, y acompañada del productor Alejandro Da Rocha, SVSTO cuestiona la deriva de Europa y sus contradicciones. Su mejor idea es usar los sonidos industriales para retratar las contradicciones de un mundo post-industrial. De hecho, hay un tema llamado ‘Industry’ que habla sobre «trabajar sin cobrar, hasta sangrar».

En ‘Cemento’, una colaboración con Erik Harley, la única del álbum, usan el sonido de una taladradora para hablar de la insostenible situación de la vivienda en Occidente. «Soy socialista y empresaria» dice la letra. Por su parte, ‘Mil €’, a todas luces la mejor canción de SVSTO, observa un terreno y concluye primero: «Antes todo esto era campo / Ahora es propiedad de los bancos». Y después: «Si vas a votar a la derecha, vaya hija de puta estás hecha».

Además de tan concreto cometido político, SVSTO se presenta en este trabajo como una «villana feminista», que podría pasar por «un personaje de Virginie Despentes en medio de una rave berlinesa». ‘Alfa’ la introduce entre referencias a Madonna, Juana de Arco y Grace Jones. «Somos arpías y somos santas (…) si me las tocas, me pongo violenta», desafía defendiendo a las mujeres. «En la pista soy terrorista» es el estribillo de ‘En la pista‘. Por su parte, ‘Venganzza’ nos habla de una «Kill Bill catalana» dispuesta a vengar ataques a mujeres y público LGTBIQ+. «Mi tacón hundido en tu frente es mi firma de delincuente, y que vaya pasando el siguiente», dedica a un «machirulo».

SVSTO integra castellano, inglés y catalán con naturalidad y desparpajo, logrando que ‘AP7’ sea una de las mejores canciones, definitivamente emparentándola con los tiempos de Miss Kittin o los de Ana Matronic. Luego coquetea con el folclore patrio en la melodía de ‘Pantalla’. Le ha faltado algún single más, pues el desenlace del álbum va sabiendo cada vez más a «filler» -‘La noche’ y ese «finale» recitado-, aunque ojo con los «growers»: ‘Technocastanyera’ es tanto una reivindicación del polígono como otro viaje a Berlín, que resume muy bien este disco. Una muy deseada continuación de lo que nos dieron Las Bistecs, bastante satisfactoria.

SVSTO actúa el 25 de abril en Barcelona (Sala Apolo) y el 26 de abril en Madrid (Ochoymedio, Sala Changó).

Thom Yorke y Mark Pritchard estrenarán su peli en España

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Thom Yorke y Mark Pritchard publican su disco conjunto, ‘Tall Tales’, el próximo 9 de mayo. ‘Tall Tales’ se ha presentado con los singles ‘Back in the Game’, ‘This Conversation is Missing Your Voice’ y, el pasado 9 de abril, ‘Gangsters’.

El lanzamiento de ‘Tall Tales’ se acompañará de una película dirigida por Jonathan Zawada que se estrenará en cines de todo el mundo. En España, la proyección podrá verse en exclusiva en el cine Phenomena Experience de Barcelona el mismo día 9 de mayo a partir de las 20 horas, gracias a la colaboración de Primavera Sound y MIRA Festival. Toda la info, aquí.

«Los asistentes a este evento único en Barcelona», explica la información oficial, «serán los primeros en sumergirse en esta fábula moderna ideada por este triunvirato creativo, un universo onírico donde los cálidos ecos de los sintetizadores de los 70 y los paisajes sonoros envolventes se funden con imágenes que transitan entre un futuro inquietante y una atemporalidad mágica. La narrativa cinematográfica de Tall Tales promete adentrarse en territorios inexplorados, desafiando las convenciones y expandiendo los límites de la experiencia audiovisual como tal».

‘Gangsters’ continúa la promesa de la influencia del kraut en ‘Tall Tales’ y la cruza con otra referencia citada en la nota de prensa, la de Joe Meek, a cuyo visionario ‘I Hear a New World’ de 1960 recuerda ‘Gangsters’ en elementos como la producción vocal y las atmósferas.

‘Tall Tales’ será otra reflexión de Thom Yorke sobre el mundo moderno acompañada de la producción futurista de Mark Pritchard. Recorriendo otros sonidos como el prog, el synth-pop o la Library music, Yorke y Pritchard examinarán la el impacto tecnología en la existencia humana. «Tall Tales se presenta como un cuento de hadas para la era contemporánea, una declaración artística que invita a la reflexión sobre el progreso y a redescubrir el poder trascendente del arte. La obra plantea una reflexión sobre la tecnología y su impacto en nuestra existencia, donde los ordenadores, inicialmente concebidos para la contabilidad, hoy intentan pintar nuestras imágenes y cantar nuestras canciones, gracias a la llegada de la inteligencia artificial. Una fábula tecnológica que, al igual que los mejores cuentos, equilibra la luz y la oscuridad, con los coros reverberantes de Thom Yorke entrelazándose con la brillante electrónica de Mark Pritchard y el imaginario especialmente creado por Jonathan Zawada».

Qué se sabe de ‘Vie’, el nuevo disco de Doja Cat

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Doja Cat sigue compartiendo el proceso de creación de su próximo álbum. El último movimiento de Doja Cat ha sido mostrar en redes un adelanto de un nuevo tema llamado ‘Jealous Type’ que suena al new jack swing que popularizó Janet Jackson en los 80. El pasado mes de marzo, Doja reveló el sonido de otros dos temas llamados ‘Acts of Service’ y ‘Lipstain’.

El próximo disco de Doja Cat lleva el título provisional de ‘Vie’, «vida» en francés, informa Billboard, y parece que su influencia francesa va más allá de su título. En las primeras imágenes promocionales de ‘Vie’, Doja posa con un vestuario y peinado parecidos al de Grace Jones, quien versionó ‘La vie en rose’ de Édith Piaf hace muchos años. La estética es elegante y sexy a partes iguales.

Sin embargo, las referencias musicales de ‘Vie’ pueden ir por otro lado. En su última publicación de Instagram, Doja sube la imagen de unos tacones rojos asomando por la ventana del coche, y acompaña la publicación con el sonido de ‘Saturday Love‘, el éxito de Cherrelle y Alexander O’Neal de 1985. O’Neal y Jackson tienen en común haber trabajado con los productores Jimmy Jam y Terry Lewis. Parece que la nueva música de Doja Cat tirará por una onda funk.

Los 80 parecen guiar la dirección de esta nueva era. En una publicación de Instagram anterior, Doja Cat posa con un estilismo que recuerda al de la cantante Vanity, y de fondo suena la canción principal de la película ‘Doble cuerpo’ (1984) compuesta por Pino Donaggio. En otro post, la canción elegida es la BSO principal de ‘El coche fantástico’ (1982). ¿Estará Doja Cat sampleando algo de esto, como sampleó ‘Walk on By‘ de Dionne Warwick en su macrohit ‘Paint the Town Red’?

‘Vie’ promete un regreso de Doja Cat al pop, en este caso al black pop de Janet Jackson, Alexander O’Neal, Grace Jones y Vanity 6. Sin duda, Doja tiene talento de sobra para hacer justicia a todas estas estrellas de la música estadounidense.

El tracklist provisional de ‘Vie’ compartido por Doja Cat -y que ha sufrido cambios respecto al listado revelado hace meses- y recogido por Billboard incluye ‘Turn the Lights On’, ‘Slide’, ‘One More Time’, ‘Make It Up’, ‘Kink’, ‘I Like You’, ‘Happy’, ‘Gorgeous’, ‘Couples Therapy’, ‘Come Back’, ‘Cards’, ‘Amen’ y ‘All Mine’, además de los mencionados ‘Acts of Service’ y ‘Lipstain’.

‘Vie’ ha de suceder a ‘Scarlet‘ (2023) dos años después de la publicación de este último trabajo de Doja Cat centrado en el rap. La reedición ‘Scarlet 2 CLAUDE’ vio la luz hace un año. La última novedad de Doja ha sido ‘Just Us‘, un tema con Jack Harlow.

Lil Nas X, hospitalizado por una parálisis facial

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Lil Nas X ha preocupado a sus seguidores después de publicar un vídeo de él en la cama de un hospital. El rapero ha sido hospitalizado después de sufrir un episodio de parálisis facial en el lado derecho de su cara. Incrédulo, pregunta «What the fuck?!»

«Este soy yo sonriendo totalmente. ¿Qué cojones?», denuncia Lil Nas X en un vídeo subido a su muro de Instagram, en el que muestra que el lado izquierdo de su cara se mueve, pero no el derecho. Lil Nas confirma que ha «perdido el control del lado derecho de mi cara».

Lil Nas X ha calmado a sus fans en una serie de publicaciones en Instagram, reafirmando que se encuentra bien y que se está tomando la situación con humor. Montero ha pedido a sus fans que, en lugar de estar tristes por él, «meneen el culo» mientras él no pueda. Y ha señalado «Puede que mi cara se vea rara por un breve tiempo, pero eso es todo».

Montero no es el único pop star que ha sufrido una parálisis facial en los últimos años. Su colega de profesión, Justin Bieber, padece el síndrome de Ramsey Hunt.

Lil Nas X se encuentra en plena promoción de su próximo mixtape, ‘Dreamboy’, del cual ha lanzado hasta ocho singles, el último de ellos, ‘Lean On My Body’. El mejor, ‘Hotbox‘.

Carolina Durante, Alizzz… completan el cartel de Sonorama

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Sonorama Ribera comunica el cierre de su cartel de 2025, que se celebra los días 6, 7, 8, 9 y 10 de agosto en Aranda de Duero. Carolina Durante, Judeline, La La Love You, Alizzz, Cala Vento, Hens o Walls se encuentran entre los artistas confirmados.

A Sonorama se suman también Carlos Sadness, Nil Moliner, Green Valley, Fernandocosta, Queralt Lahoz, Cupido, Dorian, Enol, Javiera Mena, Mr. Kilombo o Arizona Baby. Además, destaca el regreso a los escenarios de Fermín Muguruza.

Franz Ferdinand, Duncan Dhu o Amaia se encuentran entre los nombres anunciados por Sonorama Ribera a lo largo de las últimas semanas y meses, entre los cuales también figuran Zahara, Delaporte, Natalia Lacunza, Ginebras, Don Patricio, Chambao, Carlos Ares, La Zowi o Barry B. Más de 100 artistas construyen el programa de Sonorama Ribera 2025.

Como es habitual, Sonorama Ribera desplegará una programación matinal que tendrá lugar en la Plaza del Trigo, mientras que el recinto principal acogerá las actuaciones nocturnas. El 10 de agosto, el festival cerrará con una jornada gratuita con actividades repartidas por el pueblo.

Tanto los bonos generales (90€ + GG) y VIP (170€ + GG) ya están disponibles en este enlace. Este año el festival dispondrá de glamping y zona de acampada. Estando la zona de acampada en el Parque del General Gutiérrez, con mejoras en su espacio y un precio de 20€ + GG para todos los días del evento.

Aminé baila la «Macarena» sampleando a los Streets

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Aminé, el rapero estadounidense conocido por su hit de 2017 ‘Caroline’ y por su chulo Tiny Desk, ha anunciado que su nuevo disco sale a la venta el 16 de mayo bajo el título de ’13 Months of Sunshine’. El primer adelanto ha sido el colorido ‘Familiar’ y el segundo se puede escuchar desde este viernes.

En ‘Arc de Triomphe’, Aminé fanfarronea de talento, éxito y atractivo sampleando ‘Has it Come to This?’, el éxito de The Streets de 2002. La base de ambos temas es prácticamente la misma, pero la voz de Aminé sustituye a la de Mike Skinner.

‘Arc de Triomphe’ es la sobrada habitual de Aminé, que no desaprovecha la oportunidad de rapear sobre un vibrante beat de 2step británico. En algunas frases destacadas de la letra, Aminé declara que «Jesucristo llevaba rastas» (porque él las lleva), dice bailar la «Macarena» en «mocasines» o asegura que «no es un nepo baby».

’13 Months of Sunshine’ será el primer disco en solitario de Aminé en cuatro años, sucediendo a ‘TwoPointFive’ (2021). En 2023, Aminé publicó ‘Kaytraminé’, un disco colaborativo con KAYTRANADA.

En cuanto a The Streets, acaba de lanzar el single ‘You Think You’ve Been Buried’ y la colaboración ‘Hooligan’ con Jaykae.

Eladio Carrión toma la lista de singles española

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La lista de Singles España no presenta novedades en su top 3 y sigue liderada por ‘La Plena‘ de W Sound, Beéle y Ovy on the Drums en el 1, seguida por ‘Flipa’ de JC Reyes en el 2 y ‘Still Luvin’ de Delaossa, Quevedo y Bigla the Kid en el 3.

Aunque Leiva lleva su disco ‘Gigante‘ al número 1 de la lista de álbumes, la de singles la toma completamente el reguetonero estadounidense Eladio Carrión, que coloca 11 de los 22 cortes de su álbum ‘DON KBRON’ en la tabla. La mayor entrada es para ‘Romeo y Julieta’ en el número 5. Su artista invitado, Quevedo, suma gracias a ‘Romeo y Julieta’ un nuevo single top 5 en España.

Además, ‘Vetements’ con Myke Towers entra en el 12, ‘El reggaeton del disco’ con Cris MJ en el 20, ‘H.I.M.’ en el 27, ‘Me muero’ con Lia Kali en el 51, ‘100 conmigo’ en el 56, ‘Ohtani’ en el 61, ‘Invencible’ en el 66, ‘Broly’ con Neutro Shorty en el 67, ‘Tiffany’ con Peso Pluma en el 77 y ‘Piedras en la ventana’ en el 90. ‘DON KBRON’ es top 3 en su correspondiente lista.

Leiva también disemina un puñado de temas de ‘Gigante’ en la tabla de singles. El mejor debut es para ‘El polvo de los días raros’, que abre en el puesto 46 tras su presentación en La Revuelta. Además, ‘Bajo presión’ entra en el 81, ‘Cuarenta mil’ en el 84 y ‘Gigante’ en el 91. De estos temas, el único que no había sido single es ‘Cuarenta Mil’. ‘Caída libre’ con Robe se mantiene en el 34 tras haber llegado al top 10, un raro logro para ser un tema de rock.

La lista deja un par de entradas más, la de ‘Nubes’ de De La Rose y Omar Courtz en el 17 y ‘Sexo Seguro’ de Franco «El Gorilla» y Yandel en el 59. ‘Sexo Seguro’ es una canción originalmente publicada en 2009 que estos días se ha vuelto viral.



Vídeo pro de Katy Perry flotando en el espacio

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Katy Perry ha vuelto a la Tierra tras haber pasado 10 minutos en el espacio, que han sido retransmitidos, en directo, para el mundo a este lado. Perry ha revelado el setlist de la gira de 143 flotando en el espacio, enseñando una hoja de papel con forma de mariposa. Puedes ver el setlist en el hilo de Katy Perry en nuestros foros.

Como informa Billboard, su vuelo «Blue Origin», compuesto solo por mujeres, iba a saltar al espacio hoy lunes 14 de abril a las 9.30am ET, esto es, a las 15.30 hora peninsular española. Se contemplaba que podía retrasarse dependiendo de las condiciones climatológicas, pero finalmente ha sido puntual.

El viaje espacial ha durado unos 11 minutos, llegando a volar 100 kilómetros sobre la Tierra. En Estados Unidos ha sido un acontecimiento que televisado desde la CBS y también desde Paramount+. Katy Perry ha compartido un vídeo en el que aparece conmovida por la coincidencia de que la nave tenga el contorno de una «pluma» y además se llame «Tortoise», pues su madre la llama «Feather» y «Tortoise».

La superestrella hace así realidad (más o menos) el videoclip de ‘E.T.’ con la ayuda del magnate Jeff Bezos. Por suerte, o por desgracia, Kanye West no forma parte del viaje.

La cantante ha ido acompañada de Lauren Sánchez, prometida de Bezos, y Gayle King, presentadora de televisión. Este es el undécimo viaje de la compañía de Bezos. La tripulación es completada por Amanda Nguyen, activista por los derechos civiles; Kerianne Flynn, productora de cine; y Aisha Bowe, exingeniera aeroespacial de la NASA.

El Lifetimes Tour comienza el próximo 23 de abril en México y termina en noviembre, pasando por España.

Podcast: ¿qué es un flop, si Katy Perry agota entradas?

Leiva, nº1 de discos en España; Ethel Cain, nº23

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Leiva entra en el número 1 de álbumes en España con ‘Gigante‘, siendo de los pocos artistas capaces este año de deponer a Bad Bunny de esa posición (los últimos fueron Lady Gaga y Juanjo Bona a mediados de marzo). ‘Gigante’ da a Leiva su sexto número 1 de álbumes en España tras los obtenidos con ‘Pólvora’, ‘Monstruos’, ‘Nuclear‘, el directo de ‘Madrid Nuclear’ y ‘Cuanto te muerdes los labios‘. ‘Diciembre’, el debut de Leiva en solitario, quedó en el puesto 3.

Dentro del top 10 registran entradas también Eladio Carrion con ‘DON KBRN’ en el número 3 y Veintiuno con ‘La balada del delirio y equilibrio’ en el 8. En el 12 abre ‘Super H’, el disco homenaje a Los Planetas, en el que participan desde Carolina Durante hasta Melenas.

La subida más fuerte de la semana la protagoniza Viva Suecia con la reedición en vinilo de su exitoso álbum de 2022 ‘El amor de la clase que sea‘: el disco, que ya fue número 2 en España, sube al 11 desde el 23 y, además, sube al número 5 de la tabla de vinilos. ‘El amor de la clase que sea’ suma en total 131 semanas en lista y está certificado con un Disco de Platino.

Hablando de vinilos, ha movido unos cuantos alrededor del mundo Ethel Cain con la esperada reedición en este formato de su debut de 2022 ‘Preacher’s Daughter‘, que acaba de abrir en el puesto 10 tanto de Estados Unidos como de Reino Unido. En España, ‘Preacher’s Daughter’ debuta en el puesto 23 de la lista general y se posiciona como el 4º vinilo más vendido de la semana. Además, ha registrado entradas en Escocia (2), Australia (5), Países Bajos (10) o Alemania (15).

La semana discográfica deja otro par de entradas nacionales y otro internacional. Elton John y Brandi Carlisle colocan su álbum conjunto ‘Who Believes in Angels?’ en el puesto 32, Skrillex posiciona su disco sorpresa «Andy Warhol» en el 91 y el dueto formado por los rockeros Adrian Smith y Richie Kotzen meten ‘Black Light / White Noise’ en el 94.

En cuanto al resto de entradas nacionales, los catalanes The Tyets colocan ‘Cafè pels més cafeteros’ en el 35 y los granadinos Pepe y Vizio sirven su ‘Puchero’ en el 44.

Bon Iver / SABLE, fABLE

Justin Vernon no sabía si ‘SABLE, fABLE’ iba a ser su último disco. «Estaría increíblemente satisfecho y orgulloso del trabajo», contaba en su reveladora entrevista con Lil Yachty para Spotify. Este no es su álbum más profundo, ni atrevido, ni revolucionario, pero se puede entender por qué lo tiene en tan alta estima. En su quinto disco, Bon Iver deja de lado lo críptico y lo puramente evocador de sus anteriores proyectos para entregar su pieza más honesta, directa y reconfortante.

‘SABLE, fABLE’ relata la repentina entrada de la luz en la oscura vida del autor, sirviendo como resumen de la vida emocional de Vernon desde su último LP, ‘i,i’ (2019), hasta el día de hoy. Así, está compuesto de dos partes bien diferenciadas: ‘SABLE’, en referencia al color negro (nada que ver con un arma afilada) y lanzada en forma de EP el pasado octubre, y ‘fABLE’, asociada al color salmón y llena de pequeñas lecciones, como su nombre indica. En realidad, todo va de una persona que puso patas arriba el mundo de Bon Iver, sacándolo de lo que parecía un pozo sin fondo.

‘THINGS BEHIND THINGS BEHIND THINGS’ fue escrita durante la pandemia y trata la confusión provocada por un sentimiento no bienvenido. Por otro lado, ‘There’s A Rhythmn’, que da fin al LP, se siente como el canto del cisne de Bon Iver tras haber alcanzado finalmente la paz. Él la describe como «la imagen más veraz de quién soy ahora mismo como persona» y la favorita de toda su carrera. También incluye múltiples referencias al primer disco de Vernon, mencionando la posibilidad de «dejar atrás la nieve».

En este sentido, todo ‘SABLE’ es un regreso al espíritu de ‘Forever Emma, Forever Ago’, tanto en las instrumentales acústicas como en su contenido lírico, pesado y desolador en ocasiones. «Ahora ya sé que no puedo hacer bien / Pero cómo desearía poder», canta en ‘SPEYSIDE’. Las mareas empiezan a cambiar en ‘AWARDS SEASON’, un tema extraminimalista que roza el a cappella y cuya progresión resulta cautivadora, pese a exigir algo de paciencia.

Es aquí donde Bon Iver se desprende totalmente de la melancolía que de alguna manera siempre ha caracterizado su música para dar paso a las canciones más inmediatas de su discografía. Pop del bueno, influenciado ampliamente por el mejor soul. Esto es claro en ‘Everything Is Peaceful Love’, una brillante pieza que mezcla texturas lo-fi con las melodías de Motown y que transmite pura dicha en su estribillo: «Maldita sea si no estoy escalando un árbol ahora mismo / Y cada pequeña cosa es amor».

Todas las canciones de ‘fABLE’ coinciden en lo poco desafiantes que son, pidiendo realmente poco al oyente. Por eso, no suenan como nada que haya lanzado previamente Bon Iver. No tienen estructuras complicadas (más bien lo contrario), ni rarezas en su producción, y todas están escritas con los pies en la tierra. ‘Walk Home’ es una sencilla y efectiva pieza sobre encerrarse en casa con tu persona especial, mientras que la elevada ‘If Only I Could Wait’, a dueto con Danielle Haim, se explica entera desde su título.

El fuerte de estas canciones está precisamente en su simpleza. Es un regalo que Bon Iver haya decidido hacer un disco formado principalmente por canciones de pop sin rodeos, cuando él siempre se ha especializado en deconstruir este género con el objetivo de crear algo diferente. Si alguien puede hacer la mejor versión de este tipo de música, es él. En ‘SABLE, fABLE’ no hay trucos ni efectismo. Solo puro corazón.

También se trata de un paso de testigo a dos de los artistas más prometedores de su generación, que se encargan de poner la guinda a dos de las mejores canciones del LP. Estos son Dijon, cuya voz brilla en la preciosa ‘Day One’, y mk.gee, con su ya icónica guitarra en ‘From’, plagada de melodías redondas y buen gusto. Ambos artistas contribuyen a una escucha amena y bella a partes iguales, que es de agradecer en los tiempos que transcurren. Es como un plato de cocido en un día helado. Un pequeño rayo de luz entre las tinieblas.

«Una casa no es un hogar»: te lo cuenta Andrea Buenavista

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La cantautora donostiarra Andrea Buenavista publicaba a finales de 2024 su disco debut, llamado ‘Penas de amor’. «Qué hijo de puta, qué hijo de puta» era el estribillo de la balada orquestada ‘Alguien mejor’. En su Instagram, define -su estilo, de cantautor más bien- como «rock para divorciadas».

Si su sello Sonido Muchacho apuntaba a un estilo de «otro tiempo», «eterno y etéreo, crudo y terrenal», sus canciones invitan al recogimiento. Por eso tiene todo el sentido que Andrea Buenavista haya escogido hablar de «la casa», de la importancia del «hogar», cuando le hemos pedido participar en MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección «freako» comisariada por Jägermusic. La casa como lugar que nos equilibra y reconforta. También que nos obsesiona. La artista referencia canciones y ajenas y nos habla tanto de orden, como de sexo, por el camino.

¿Por qué has elegido hablar sobre tu casa, el hogar, tener bien la casa?
Es de las primeras cosas que me vienen a la mente cuando pienso en lo que es importante para mí. Me va por ahí la neura. Si estoy inquieta con algo, lo proyecto sobre mi casa (y viceversa).
¿Siempre has sido igual de casera o es más una etapa reciente?
Diría que soy especialmente casera en invierno y, sí, de siempre. Las tardes de invierno, cuando por fin he acabado de trabajar, se me hacen de lo más hostil. A veces salgo a tomar una cerveza para despejar la cabeza, pero intentar hacer vida normal con la oscuridad y el frío me parece ir contranatura. Me hace sentir desamparada.

¿Cómo ha sido el invierno para ti? ¿Ves series, compones, te dedicas a ordenar?
Me entristece mucho, como te digo, la falta de luz. Mando discos por correo y corrijo exámenes como si no hubiera un mañana, ya que soy profesora. Y he ordenado el canapé, estoy muy orgullosa de eso.
En cuanto a la idea de ordenar, ¿qué opinas de la organización de Marie Kondo?
No me he metido mucho, el documental ese me da una grima que no puedo, pero creo que he cogido unas cuantas cosas de su método. La mejor: llevar cada trasto a la estancia que le corresponde antes de dejarlo en el sitio definitivo de la forma definitiva. También su sistema de doblado, porque trabajé en una tienda de ropa que lo usaba. Eso sí, tengo muchas cosas que no me hacen feliz. Y tanto.

¿Qué es lo que más te gusta y lo que menos de una casa?
Lo que más me gusta es limpiarla, adecentarla, optimizar cada rincón para que todo tenga sentido. Y lo que menos me gusta es ponerme a hacer todo eso.
¿Hogar y casa es lo mismo?
Te respondo con dos títulos de canciones: ‘A House Is Not a Home’ de Dionne Warwick y ‘Home Is Where the Heart Is’ de Elvis Presley.

¿Hay más canciones sobre este tema que hayan sido importantes para ti? ¿O incluso algún disco completo?
Estaba pensando en alguna que no fuera evidente y me he dado cuenta de que asocio con el tema muchas canciones que seguramente no mencionan el término, y eso que en inglés las hay a patadas. ¿Springsteen, por ejemplo, habla mucho del tema o es cosa mía? Diré ‘Our House’ de Crosby, Stills, Nash & Young.


A veces se asocia ser una persona casera con un desagrado por la fiesta o con alguien “aburrido”. ¿Tiene algo que ver?
Sí. Entiendo que para mis amigos seré aburrida cuando decido no salir de casa, pero “no todo va a ser follar”.

Dices que «no todo va a ser follar» como en contraposición a ser casera, ¡pero mucha gente usa su casa para follar! XD Cuando piensas en ser casera, ¿estamos hablando más bien de una idea de soledad? ¿Por qué?
Lo decía por la canción de Krahe, no era literal. Me refería a que no se puede estar todo el día de pingo. En ningún sitio se folla como en casa, desde luego. Pero, hablando en serio, llevo muchos años viviendo sola: sí que lo asocio. Tanto la casa como la soledad (deseada, como se dice) son un refugio del mundanal ruido y de las propias payasadas que uno hace cuando está acompañado. Diría que uno de los momentos en los que mayor plenitud siento es que cuando todo está limpio, la luz mola, pongo un disco y me abro un botellín para ponerme a cocinar… gloria bendita.

«La casa y la soledad deseadas son un refugio del mundanal ruido y de las propias payasadas que uno hace cuando está acompañado»

Nuestra casa es sinónimo de seguridad, tranquilidad… ¿Qué otras cualidades asocias con tu casa?
Obsesión.

¿Por qué asocias la idea de «obsesión» con la de «casa»?
La asocio a la obsesión porque siempre hay algo que no está como debería y que me taladra el cerebro. Es uno de los temas más recurrentes cuando mis amigos me preguntan qué tal. Me trae por la cuesta de la amargura, pero un par de semanas al año, como ahora que he ordenado el canapé, me dan un gustito y una paz…

¿Cómo se refleja el amor a tu casa en tú música?
Una canción que se llama ‘Íñigo’ empieza así: «Tengo una casa / con su despensa. / A todas luces, / la mejor». Después tengo otra que relaciono con el concepto de hogar o de refugio, pero no habla de una casa; sería un hogar simbólico: ‘Copa C’.

¿Qué piensas sobre el problema de la vivienda que hay en España?
Está jodido.


Leire Martínez ya no es «la niña que llora en tus fiestas»

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Leire Martínez ha revolucionado el mundo del pop español con su primer single en solitario. Una sucesión de entrevistas sin prejuicios, llenas de humor y fuerza interior precedían la semana pasada a un pequeño torbellino de canción llamada ‘Mi nombre’.

La composición lograba colarse en el top 50 de lo más escuchado en Spotify España el día de salida, exactamente en el puesto 49. Tiene mérito porque la lista está plagada de reggaeton, sonido urban y sobre todo mucho featuring. Pero ‘Mi nombre’ tenía que ser una canción en solitario.

‘Mi nombre’, nuestra Canción del Día hoy, es un tema de autoafirmación, que solo puede estar dirigido a los miembros de La Oreja de Van Gogh. «Búscate a alguien que me sustituya / Ya lo hiciste una vez / Pero tú ya no podrás esconder más / Dos caras y un nombre». Y además, no oculta cierto sabor a venganza: «¿Dónde firmo para que te cobren las mentiras que tan bien escondes, pero que te volverán… gritando mi nombre?».

Leire ha elaborado esta canción con dos autores llamados Pedro Elipe y Marc Montserrat, a los que llegó a través de su sello, tras unas primeras sesiones con el cantautor Andrés Suárez. Así nos habló del proceso creativo en una entrevista con JENESAISPOP: «La parte de escribir la tenía muy clara y me veía capacitada para ello, pero estaba un poco bloqueada con el tema musical, con crear unas melodías. Ahí empecé a pedir ayuda a quien tenía alrededor. Inicialmente fue la oficina de management la que me dijo que conocían gente que escribe canciones y que me podían enseñar, dar pautas, lo que sea. Y así fue. Esta canción nace después de muchas conversaciones con Pedro y con Marc. Al principio, una de las cosas que más me costó fue exponerme y crear junto a gente a la que no conozco y de la que no sé nada. Yo necesité hablar y sentir que de alguna manera empezamos a conocernos mínima o máximamente».

Con ellos, se ha encargado de construir un tema que no tiene los recovecos imposibles que solían identificar los textos de Pablo Benegas y Xabi San Martín de LOVG, pero sí replica claramente sus trucos melódicos. Un tema pop-rock 100% La Oreja de Van Gogh que contiene una referencia a ‘El último vals’ («bienvenido a este lugar») y recuerda muchísimo a ‘La niña que llora en tus fiestas’. Solo que, claro, Leire, ya ha llorado lo suficiente.

  • Opina en nuestro foro de Leire Martínez.

  • Lizzo intenta relanzar era en SNL y estrena tema

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    Lizzo ha lanzado de momento dos singles de su próximo disco, ‘Love In Real Life‘ y ‘Still Bad’. Ninguno ha conquistado las listas de éxitos. Tras varias semanas, el primero suma aún solo 4,5 millones de streams en Spotify, y el segundo, 6,7 millones. Un puesto 100 para ‘Still Bad’ en Canadá es el mejor dato que hemos encontrado para cualquiera de las dos canciones. ¿De verdad Lizzo no ha sido capaz de lograr un top 100 en UK ni en USA?

    La cantante ha recurrido este fin de semana a Saturday Night Live para intentar relanzar la era y allí ha interpretado un medley entre las mencionadas canciones: ‘Love In Real Life’ y ‘Still Bad’.

    Lizzo ha comenzado la primera aporreando la guitarra eléctrica, acompañada de un coro, y ha terminado bailando la segunda, con todo un cuerpo coreográfico. También ha lucido durante el programa una camiseta de Britney Spears, tras haber afirmado hace unos días que esta era una imitadora de Janet Jackson. La cantante parece buscar redimirse de sus errores.

    Aunque el mayor intento es el estreno de un nuevo tema. Lizzo ha presentado una nueva canción llamada ‘Don’t Make Me Love You’, que es puro años 80. Un cruce entre una melodía de Freddie Mercury -circa ‘I Want to Break Free’- y, como dicen en nuestro foro de Lizzo, Tina Turner. ¿Funcionará cuando se publique?

    Más Alcalá Norte y menos Mario Vaquerizo en La Revuelta

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    En plena polémica en el Ayuntamiento de Madrid por el reconocimiento que le quieren hacer las instituciones del Partido Popular tras haberle contratado ya por actuaciones que implican más de 100.000 euros de dinero público, Mario Vaquerizo ha concedido otra entrevista. En este caso, el tema que ha llamado la atención de los medios es su ausencia en ‘La Revuelta’.

    El marido de Alaska ya había revelado previamente en The Objective que en el programa de David Broncano no le quisieron como invitado: “Yo llamé y dije que quería ir, pero me dijeron que no interesaba”. Concluyó, entonces, diplomático: «En cada casa va quien quiere el jefe». Ahora, en el podcast «Ponte los cascos» ha lamentado, escocido, que sigan sin llamarle para ‘La Revuelta’. No, no le basta con salir regularmente en ‘El Hormiguero’ o haber acudido hace un mes al Late Xou de Marc Giró, que también es de RTVE: también quiere ir a ‘La Revuelta’.

    “No, no llaman”, ha declarado al tiempo que ha querido hacer hincapié en el hecho de que este programa lo paguemos todos: «A la casa de todos tiene que ir todo el mundo».

    Mario Vaquerizo pone así el dedo en la llaga del que ha sido uno de los debates más repetidos durante los últimos meses: el dinero que el programa de David Broncano nos cuesta a todos, y que en el fondo no es mucho más de lo que cuestan otras series y formatos de RTVE.

    ‘La Revuelta’ cuesta 87.500 euros por episodio, mientras ‘Cuéntame cómo pasó’ podía costar 762.000 euros por episodio, y ‘Masterchef Celebrity’, 775.500 euros por episodio. No está mal para un programa que siguen todos los días unos 2 millones de personas solo en la televisión tradicional, sin contar el altísimo impacto que tiene en RTVE Play y en redes.

    Pero sobre todo en ese «a la casa de todos tiene que ir todo el mundo», Mario Vaquerizo está obviando que el potencial de invitados para el programa es infinito, pero los programas son finitos, y por tanto, «no, no puede ir todo el mundo». ‘La Revuelta’ no se centra específicamente en el mundo de la cultura o las artes. A menudo acuden doctores, científicos, deportistas, activistas y personalidades públicas de toda índole.

    Incluso centrándonos en la música, la lista de artistas que no han acudido a ‘La Revuelta’ será siempre infinita. Tanta como una oferta que hoy en día incluye reggaeton, trap, indie, rock, cantautor, bedroom pop y un inacabable etcétera. Ciñéndonos a un estilo parecido al de Nancys Rubias, el grupo de Mario Vaquerizo, ¿por qué no deberían ir antes Ojete Calor, que llenan espacios en Madrid para 15.000 personas, o Ladilla Rusa, que multiplican por 4 el número de oyentes en Spotify del grupo de Vaquerizo? Y sobre todo, ¿cuándo van a ir a ‘La Revuelta’ Alcalá Norte, el grupo ganador del Premio Ruido a Disco Nacional del Año, y que lo llevan pidiendo en redes sociales desde hace meses?

    Al final, cada uno tendremos una opinión sobre quién tiene que ir al programa de David Broncano: quién lo merece, quién daría juego, quién lo hará mejor que Amaia o Leiva… pero en definitiva, quien tiene la última palabra, es ‘La Revuelta’.


    Muere Mario Vargas Llosa

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    Mario Vargas Llosa ha fallecido este domingo 13 de abril en la ciudad de Lima a los 89 años. Considerado uno de los escritores más importantes de la literatura contemporánea, era autor de obras como ‘Conversación en La Catedral’, ‘La ciudad y los perros’ o ‘La fiesta del Chivo’. En 2010 recibió el Premio Nobel de Literatura. Fue el año en que publicó ‘El sueño del celta’.

    En 2023 editaba su última novela, ‘Le dedico mi silencio’, que suponía abiertamente su despedida, y también decía adiós a su faceta de columnista en medios como El País, donde tenía la tribuna llamada «Piedra de toque«.

    El comunicado de sus hijos indica que “su partida entristecerá a sus parientes, a sus amigos y a sus lectores, pero esperamos que encuentren consuelo, como nosotros, en el hecho de que gozó de una vida larga, múltiple y fructífera, y deja detrás suyo una obra que lo sobrevivirá».

    También aseguran que, siguiendo sus «instrucciones», «no tendrá lugar ninguna ceremonia pública»: «Nuestra madre, nuestros hijos y nosotros mismos confiamos en tener el espacio y la privacidad para despedirlo en familia y en compañía de amigos cercanos. Sus restos, como era su voluntad, serán incinerados”.

    Aparte de por su trabajo como novelista y múltiples premios, del Cervantes al Príncipe de Asturias; Vargas Llosa fue noticia por su deriva política -del comunismo en su juventud al liberalismo desde los 80, presentándose a las elecciones de Perú en 1990-, y por sus parejas, lo que incluyó a su prima Patricia Llosa Urquidi, y a Isabel Preysler entre 2015 y 2022.

    Merina Gris / ZULOA

    «No estar mal es estar bien» es una de las últimas frases de ‘ZULOA’, el trabajo con el que Merina Gris ponen banda sonora al dolor de toda una generación. De esto es justamente de lo que hablaban Sara, Paskal y Julen en su entrevista con JENESAISPOP: «Con todas las expectativas que tenemos con respecto a absolutamente todo, se crea una frustración generalizada que es una mierda». Pese a sus temas centrales -desapego, desamor, soledad, miedo-, ‘ZULOA’ no suena deprimente, sino liberador.

    Camufladas bajo pegadizas melodías, las letras recogen los sentimientos más vulnerables que una banda enmascarada puede regalar. Tanto, que una persona que entienda euskera y otra que no pueden disfrutar de dos experiencias totalmente diferentes. ‘lilili’ es un banger absoluto que coquetea tanto con el hyperpop como con el jersey beat en su recta final. Está listo para el club. Sin embargo, Sara canta: «¿Cómo dejar ir a quien quieres y dejar atrás todo lo vivido?».

    Lo mismo ocurre con ‘Hiru Damatxo’, un alegato encubierto contra la gentrificación («La ciudad no lo va a perdonar / Dejad en paz Donosti»); ‘Lotu Zure Txakurrak’, un minimalista corte de rap convertido en himno feminista («Si deja que te rayes, ahí no es / Si no se pone en duda, ahí no es»); o ‘Triste Dabil Aita’, un tema totalmente impredecible y cuyo título (‘Aita está triste’) no casa nada con su eufórico final.

    En lo musical, Merina Gris son de la escuela del glitch y de los detalles minuciosos. Parten de ahí para jugar con un mar de géneros: hyperpop, electrónica, hip hop, drum ‘n’ bass, dream pop… Siempre con una sensibilidad melódica sorprendente. También se permiten el lujo de introducir samples de algunas de las canciones más queridas de la década de los 2000, como son ‘Mr. Brightside’ de The Killers y ‘I Miss You’ de blink-182. Ellos nos cuentan que sirven como guiño más que otra cosa, pero en mitad de este océano de sentimientos, la nostalgia es totalmente bienvenida.

    Solo hay una canción que realmente suena dramática, acorde al tema que trata, y resulta que también es la mejor del proyecto. ‘Mejor*’, descrita por el grupo como «un funeral», comienza con unas punzantes cuerdas sobre las que Sara reflexiona sobre los cabos sueltos de una ruptura («Cantarte así no va a servir, ya no escuchas Merina Gris»). Para terminar, una interpretación de Julen tan desgarradora como impresionante. Es a la vez una de sus pocas intervenciones vocales en el proyecto. «Quiero que seas feliz pero que nada te sepa a mí», grita repetidamente en el clímax del tema. Él mismo nos confesó que le «dolía el pecho» al terminar.

    ‘ZULOA’ se traduce al castellano como «el agujero», y hay múltiples referencias a lo largo del LP a los distintos significados de esta palabra. «Puede ser un sitio por donde te caes, pero también por donde entra la luz», nos contaba Julen. En ‘Irteera’, un revival de la balada ochentera que perfectamente podría estar en el soundtrack de ‘Drive’, se da una especie de resolución a esta cuestión: «El agujero era la salida». ¿Cómo de un lugar tan oscuro puede haber salido algo tan brillante?

    ‘Spike Island’ es el triunfal regreso de Pulp

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    Pulp, los gigantes del britpop, vuelven con su primer disco en 24 años, ‘More’, que se lanzará el 6 de junio. ‘More’ será el sucesor de ‘We Love Life’, publicado en el lejano 2001. ‘Spike Island’, el primer adelanto del LP, es la Canción del Día.

    El propio Jarvis Cocker cuenta en la nota de prensa oficial que ‘More’ es el disco que han grabado «más rápido» de toda su carrera. En concreto fueron tres semanas de grabación en Londres el pasado noviembre con James Ford en el papel de productor. Ford asumió la producción de ‘More’ antes de ser diagnosticado con leucemia. Richard Hawley, Jason Buckle y la familia Eno participan en el álbum.

    Cocker también detalla que todo empezó en su regreso a los escenarios en 2023, cuando presentaron la canción ‘Hymn of the North’ en Sheffield: «Esto abrió las puertas y el resto de canciones se nos ocurrieron durante la primera mitad de 2024». También aclara que «un par de ellas son una recuperación de ideas del último siglo», que no se ha usado la IA en el proceso musical (aunque sí en el videoclip) y que el disco está dedicado al difunto Steve Mackey.

    La versión grabada de ‘Spike Island‘, la canción que estrenaron en directo en 2024, es el primer single. Es un regreso total de Pulp al britpop que les hizo triunfar en los 90. La nostalgia está introducida hasta en la letra, en la que Cocker canta sobre el mítico recinto en el que los Stone Roses tocaron en 1990: «Spike Island come alive by the way / This time I’ll get it right», canta el frontman.

    Tracklist de ‘More’:
    01 Spike Island
    02 Tina
    03 Grown Ups
    04 Slow Jam
    05 Farmers Market
    06 My Sex
    07 Got to Have Love
    08 Background Noise
    09 Partial Eclipse
    10 The Hymn of the North
    11 A Sunset

    Podcast: ¿Qué fue del britpop? con Viva Suecia

    Mariah Carey presenta la reedición de ‘The Emancipation Of Mimi’

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    Mariah Carey ha anunciado una reedición de ‘The Emancipation Of Mimi’ por su 20 aniversario que llegará el próximo 30 de mayo. Lo ha hecho con el lanzameinto de un nuevo remix de ‘Don’t Forget About Us’ por parte de KAYTRANADA.

    La nueva edición del aclamado disco incluirá 5 discos de vinilo con el disco original, la edición Ultra Platinum, y una serie de nuevos remixes de KAYTRANADA y Esentrik. Asimismo, el box set incluirá docenas de bonus tracks, instrumentales y a cappellas, además de un libreto de 28 páginas con fotografías de la cantante y una carta suya dirigida a los fans.

    «Mientras trabajaba en esta edición, pude revivir todos los recuerdos de este momento crucial en mi vida personal y profesional. Este disco contiene algunos de mis éxitos más grandes hasta la fecha, así como algunas favoritas que son muy especiales para mí», ha declarado Carey.

    Bernie Sanders presenta a Clairo; Charli proclama el «Lorde Summer» en Coachella

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    Después del espectacular concierto de Lady Gaga en la jornada inaugural, el segundo día de Coachella ha destacado por sus reivindicaciones políticas. En concreto, con la aparición de Bernie Sanders antes del set de Clairo, a la que ha alabado por usar su «prominencia para luchar por los derechos de las mujeres y para intentar acabar con la terrible guerra en Gaza».

    Sanders salió al escenario y antes de presentar a la artista aseguró a las miles de personas presentes que Estados Unidos estaba atravesando un momento difícil y que «el futuro de lo que ocurra depende de vuestra generación». Entonces, animó a los jóvenes asistentes a «luchar por la justicia económica, social y racial».

    Este aprovechó el momento para dedicar unas palabras a la administración de Trump, despertando los abucheos inmediatos de la multitud. «Estoy de acuerdo», reaccionó Sanders: «Él piensa que el cambio climático es una estafa. Está peligrosamente equivocado, y tú y yo vamos a tener que enfrentarnos a la industria de los combustibles fósiles y decirles que dejen de destruir este planeta».

    Antes de la aparición de Clairo, Sanders dejó claro que él estaba ahí para presentarla, «no porque sean una gran banda, y no porque Clairo ya estuviese subiendo vídeos a Internet con 13 años como cantautora», sino porque «Clairo ha usado su prominencia para luchar por los derechos de las mujeres, y para intentar acabar con la terrible y brutal guerra en Gaza».

    Por otro lado, Charli xcx también regaló uno de los conciertos más memorables del día, invitando al escenario a Troye Sivan, Billie Eilish y Lorde para interpretar sus respectivos remixes. A esta última le pasó el testigo de ‘BRAT’, proclamando el próximo verano como el «Lorde Summer». Hace unos días, la neozelandesa publicaba un teaser que parecía anunciar la llegada de su cuarto disco.

    10 estrenos recientes que no han pasado por los cines

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    The Order (Justin Kurzel)
    Los caminos de la distribución cinematográfica española son inescrutables. ¿Cómo es posible que un thriller que ha triunfado en el festival de Venecia, dirigido por un director tan valorado entre la cinefilia como Justin Kurzel (‘Macbeth’, ‘Nitram’) y protagonizado por dos estrellas de Hollywood como Jude Law y Nicholas Hoult, no haya encontrado distribuidora en España y haya entrado directamente a engrosar el catálogo de Prime Video? Viendo lo que se estrena cada semana, ¿de verdad esta película no tiene suficiente tirón comercial como para pasar por las salas?

    ‘The Order’ es un policiaco duro, áspero y violento, basado en un caso criminal real ocurrido en el noroeste de Estados Unidos en 1983, protagonizado por un grupo paramilitar supremacista (“La orden” del título). Kurzel logra un equilibrio notable entre el cine de acción más físico (los tiroteos son impresionantes), el drama personal y familiar (los personajes están perfilados con gran precisión, con un Jude Law extraordinario en el papel de un agente del FBI bastante chungo), y la descripción del contexto político, con evidentes resonancias contemporáneas. Un duelo casi de western, con una potencia visual y narrativa arrolladora. Imprescindible para quienes disfrutan de la relectura del género que están llevando a cabo cineastas como S. Craig Zahler o Taylor Sheridan. 8’7
    Dónde verla: Prime Video

    The Last Stop in Yuma County (Francis Galluppi)
    Otra maravilla del thriller. En este caso, se trata de una pequeña pieza de cámara, un modesto debut rodado en apenas un par de escenarios y con una veintena de actores (encabezados por el también director Jim Cummings), que funciona extraordinariamente bien gracias a un guion ingeniosísimo, un manejo excepcional de la tensión dramática y una puesta en escena enormemente eficaz, a la que no le sobra ni un solo plano.

    Con ecos (no estruendosos) de Hitchcock, Tarantino y los hermanos Coen, ‘The Last Stop in Yuma County’ (ganadora del premio a la mejor película en la sección Òrbita de Sitges, dedicada al thriller), es un ejemplo de concisión narrativa y de habilidad para combinar distintos tonos: del humor negro a la acción criminal, pasando por el suspense psicológico. No por casualidad, Sam Raimi ha fichado a su director, Francis Galluppi, para que ruede la próxima entrega de ‘Evil Dead’, tras la que va a firmar este año Sébastien Vanicek, realizador de ‘Vermin: La plaga’ (2023). 8’5
    Dónde verla: Movistar+

    Entre los templos (Nathan Silver)
    Hasta el año pasado, cuando la Seminci organizó una retrospectiva de su obra (la mano de José Luis Cienfuegos se nota en este tipo de iniciativas), el neoyorquino Nathan Silver era prácticamente desconocido en España. Ninguno de sus nueve largometrajes se ha estrenado comercialmente y apenas se han podido ver en festivales especializados, como el barcelonés Americana Film Fest.

    ‘Entre los templos’ es su película más popular hasta la fecha, gracias a su recorrido en festivales (Berlín, Sundance), las nominaciones en premios indies (Independent Spirit Awards, Gotham) y la presencia de intérpretes conocidos: el “chico Anderson” Jason Schwartzman y la veterana Carol Kane, un icono del Nuevo Hollywood de los años setenta (‘Tarde de perros’, ‘Annie Hall’), con el que la película de Silver comparte más de un punto en común. ‘Entre los templos’ es una divertidísima y heterodoxa comedia romántica protagonizada por personajes grises y deprimidos: un cantor de sinagoga viudo que ha perdido la voz y una profesora de música jubilada que busca un horizonte vital en la religión. Una suerte de screwball comedy esquinada con un trasfondo de drama existencialista, que supone una puerta de entrada perfecta al particular universo de un cineasta que, poco a poco, empieza a recibir el reconocimiento que merece. 8’3.
    Dónde verla: Movistar+, Prime Video, AppleTV+, RakutenTV

    The Rapture (Iris Kaltenbäck)
    Ha sido uno de los debuts más aplaudidos del año pasado en Francia. Premiada en Cannes y nominada en los premios Cesar, ‘The Rapture’ es un drama psicológico sobre la maternidad, sobre cómo afecta el nacimiento de un hijo en una relación de amistad, inspirado en un caso real. La historia de una pequeña mentira que se va haciendo cada vez más grande, a medida que la protagonista, una comadrona con problemas sentimentales, va añadiendo capas y capas a su engaño hasta verse atrapada en él. Una huida hacia adelante con consecuencias fatales.

    La cineasta Iris Kaltenbäck construye un personaje extraordinario, lleno de matices y complejidad psicológica. Este es el principal interés de la película: no juzgar al personaje sino comprenderlo; explicar cómo una persona “normal” puede llegar a hacer algo así; mostrar los mecanismos psíquicos y emocionales que pueden empujar a alguien a comportarse de esa manera. Y Kaltenbäck lo hace de forma excepcional, demostrando tener un enorme control del ritmo narrativo y la tensión dramática. Una joya de una directora a seguir muy de cerca. 8
    Dónde verla: Filmin

    Fremont (Babak Jalali)
    Ha sido uno de los descubrimientos más estimulantes del cine reciente. Una película estadounidense verdaderamente indie (ganó el premio John Cassavetes a la mejor película con presupuesto inferior a 500.000 dólares), de un director, Babak Jalali, muy premiado en festivales (Rotterdam, Karlovy Vary) pero muy poco distribuido internacionalmente (en España no se ha estrenado nada, ni siquiera en plataformas).

    Su inesperada nominación en los British Independent Film Awards, junto a pesos pesados como ‘Anatomía de una caída’, ‘Fallen Leaves’ y ‘Vidas pasadas’, le ha proporcionado una visibilidad (también impulsada por la presencia de Jeremy Allen White) que no había tenido hasta ahora. Por medio de una puesta en escena muy despojada, influida por el primer Jim Jarmusch, ‘Fremont’ narra una melancólica historia de soledades y desarraigo, protagonizada por una traductora afgana que trabaja en una fábrica de galletas de la suerte tras haber huido de los talibanes. 8’3
    Dónde verla: Movistar+, Filmin, AppleTV+, RakutenTV

    Gasoline Rainbow (Bill y Turner Ross)
    Los hermanos Ross llevan más de una década realizando documentales y acumulando premios. Con su primer largometraje de ficción han optado por una narración híbrida, estrategia que ya habían explorado en la anterior ‘Bloody Nose, Empty Pockets’ (2020). ‘Gasoline Rainbow’ narra el viaje que emprenden cinco adolescentes de un pequeño pueblo de Oregón, recién graduados en secundaria, hasta la costa del Pacífico, en la desembocadura del rio Columbia, donde se va a celebrar un fiestorro.

    Sobre ese mínimo andamiaje dramático, los directores construyen una melancólica y poética road movie juvenil, donde la realidad se va filtrando en la ficción de forma parecida a como ocurría en ‘Quien lo impide’ (2021) de David Trueba. La película avanza como un diario audiovisual: vemos a los protagonistas (actores no profesionales) en su trayecto y escuchamos, a través de una voz en off, sus reflexiones más personales. El resultado es un tierno y emotivo coming of age, cuyos referentes estéticos son más noventeros que contemporáneos: Gus Van Sant, Gregg Araki, Larry Clark, las primeras fotografías de Ryan McGinley, la cultura skate… 8’5.
    Dónde verla: MUBI

    La venus de plata (Héléna Klotz)
    El segundo largometraje de Héléna Klotz, cineasta que se dio a conocer (aparte de por ser hija del director Nicolas Klotz) con la prometedora ‘La edad atómica’ (2012), es un notable drama de formación, un coming of age ambientado en el mundo de las finanzas y el trading.

    Protagonizada por Niels Schneider (‘Golpe de suerte’, ‘Sangre y dinero’) y la estrella del pop francés Pomme (Claire Pommet, en su debut como actriz), ‘La venus de plata’ se puede ver como una mezcla, en clave femenina, juvenil y tardocapitalista, de ‘Wall Street’ (1987) y ‘Martin Eden’ (2019). Un relato visualmente hipnótico de arribismo, deserciones de clase y paso a la madurez, protagonizado por una aspirante a “loba de Wall Sreet” caracterizada por su aspecto andrógino, talento para las finanzas y una fuerza de voluntad tan férrea como despiadada. La película fue la ganadora del Atlàntida Mallorca Film Fest 2024. 7’9
    Dónde verla: Filmin

    ¡Linda quiere pollo! (Chiara Malta, Sébastien Laudenbach)
    No es fácil sacudirse el dominio estilístico impuesto por Disney y Japón en la animación dirigida a todos los públicos. Salirse de esos patrones gráficos conlleva un riesgo comercial que no todos están dispuestos a asumir. Por eso es una gran noticia que una película tan a contracorriente, desde el punto de vista formal, como ‘¡Linda quiere pollo!’ se haya estrenado en Francia y vaya a tener vida más allá de los festivales (arrasó en Annecy y fue la principal rival de la española ‘Robot Dreams’ en los Premios del Cine Europeo).

    Dirigida por Chiara Malta y el animador Sébastien Laudenbach (conocido por ‘La jeune fille sans mains’), la película es una encantadora comedia musical llena de ternura, humor alocado, rebeldía infantil y unas estupendas canciones compuestas por Clément Ducol, autor de la banda sonora de ‘Emilia Pérez’ junto a su pareja Camille. Todo ello articulado a través de un estilo de animación brillante, con una utilización muy creativa y simbólica del dibujo y el color. 7’5.
    Dónde verla: Movistar+

    Banda sonora para un golpe de estado (Johan Grimonprez)
    En 1961, el presidente del Congo, Patrice Lumumba, fue asesinado durante un golpe de Estado promovido por Bélgica y la CIA. Su muerte tuvo un gran impacto a nivel mundial, particularmente entre el activismo afroamericano, para el cual el líder congoleño se había convertido en un símbolo de la lucha contra el colonialismo y el racismo. El crimen llevó a los músicos Abbey Lincoln y Max Roach a irrumpir en una sesión de la ONU como señal de protesta.

    Partiendo de ese suceso, el documental ‘Banda sonora para un golpe de estado’ disecciona el complot para matar a Lumumba en forma de ensayo visual y sonoro. El cineasta belga Johan Grimonprez (nominado al Oscar por este trabajo) explora la relación entre el colonialismo, el capitalismo y los movimientos de resistencia negra de los años 60. Y lo hace de forma más poética que histórica, a través de un brillante montaje de imágenes de archivo y actuaciones de grandes nombres del jazz como Nina Simone, Louis Armstrong o Thelonious Monk. Quizás le sobre algo de metraje (dura dos horas y media), pero el experimento es tan audaz como deslumbrante. 7.
    Dónde verla: Filmin

    Lynch/Oz (Alexandre O. Philippe)
    Alexandre O. Philippe lleva dos décadas realizando documentales sobre cine desde enfoques bastante originales. Su película más conocida, ‘78/52: La escena que cambió el cine’ (2017), se centraba en analizar una única secuencia: los 52 planos de la célebre escena de la ducha de ‘Psicosis’ (1960). Coincidiendo con el fallecimiento de David Lynch -y a la espera de que alguna plataforma estrene su último trabajo, ‘Chain Reactions’, sobre el impacto que tuvo ‘La matanza de Texas’ (1974) en la historia del género de terror- qué mejor momento para recuperar otro de sus documentales más celebrados: ‘Lynch/Oz’, sobre la decisiva influencia que tuvo el clásico ‘El mago de Oz’ (1939) en el universo creativo del genio de Montana.

    La crítica de Los Angeles Times Amy Nicholson, el también documentalista de cine Rodney Ascher (‘Habitación 237’) y los cineastas John Waters, Karyn Kusama (‘La invitación’), David Lowery (‘A Ghost Story’) y la dupla Justin Benson, Aaron Moorhead (‘El infinito’) son los comentaristas que analizan la obra de Lynch y trazan sus vínculos con la película que encumbró a Judy Garland. Aunque a veces coinciden en sus interpretaciones y resulta algo reiterativo, este ensayo visual ofrece un ejercicio fascinante de análisis fílmico, que no solo ilumina nuevas capas en la obra de Lynch, sino que también invita a reconsiderar ‘El mago de Oz’ como una de las grandes fuentes mitológicas del cine contemporáneo. 7.
    Dónde verla: Filmin

    San Tosielo reciben el verano con la nostálgica ‘Good old days’

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    Nostalgia y verano son las mejores palabras para describir el nuevo single de San Tosielo. Los canarios Pablo y Adrián regresan con ‘Good old days’, el primer adelanto de su próximo disco y la Canción del Día de hoy.

    Recomendada por raperos como Cruz Cafuné y ABHIR, paisanos de San Tosielo, ‘Good old days’ es un paseo por el ayer que invita a la vez a disfrutar del presente. La letra, que habla de esos «momentos que realmente valen la pena», como «cuando me enamoré» o «cuando me atreví y la besé», es capaz de encoger el corazón a cualquiera.

    Esta casa perfectamente con el indie pop instantáneo, full de reverb y buen rollo, que Pablo y Adrián despliegan en el tema. El videoclip, por otro lado, refleja el humor que también caracteriza al dúo canario. Tal y como hizo recientemente Doechii con ‘DENIAL IS A RIVER’, San Tosielo deciden convertir ‘Good old days’ en una sitcom de los años 80.