De vez en cuando, el indie rock también trata sobre ser incondicionalmente feliz. Es justo la vibra que trae la última colaboración de Toldos Verdes con MaiteQuiero, exvocalista de shego. En ella, ambos cantan sobre esos días en los que todo parece perfecto. ‘100’ es la Canción del Día.
Nadie ha inventado la rueda con este tema, pero justamente por eso cobra más valor lo fácil que es tener ‘100’ en bucle. El caramelito de Toldos Verdes y MaiteQuiero habla sobre el gusto de «despertar», de estar «tirado en el sofá» y de los días en los que la única preocupación es «¿Qué me hago de comer?». Tampoco piden mucho para ser feliz: «Qué gusto caminar (con los cascos puestos)».
Sin embargo, el otro lado de la moneda también está presente en la canción. Días tan hermosos solo son posibles por la existencia de días no tan hermosos, tal y como canta Maite: «Hacía meses ya que no estaba tan bien».
La producción corre a cargo de los propios artistas y Diego Escriche, figura clave en el indie español, tras haber producido trabajos enteros de las propias shego, Depresión Sonora, La Paloma, Mala Gestión o hasta María Escarmiento. Que ‘100’ suene tan de ensueño tiene mucho que ver con él.
Sumando 70.000 personas entre sus tres jornadas, el Mallorca Live ha clausurado su novena edición con la closing party de David Guetta. Ha sido una edición inusual del festival, diferente, con Aitana como gran reclamo mediático. En los comentarios de JENESAISPOP ya auguran que se está convirtiendo en una “gigante” del pop. Ella, por su parte, también tuvo palabras para el resto de artistas del cartel a los que “admira”, especialmente para rusowsky, cuyo concierto se perdió mientras la maquillaban. Es un cliché a estas alturas pedir colaboraciones entre artistas, pero la de rusowsky y Aitana la pide el público. Podría ser algo muy grande.
El concierto de ‘DAISY‘ sigue siendo apabullante por su potencia sónica y su amalgama de estilos; incluso para quien lo haya visto en repetidas ocasiones, las canciones resultan tan estimulantes que es difícil aburrirse. El inicio con ‘Johnny Glamour’, sampleando a Las Ketchup sigue siendo un delirio; las percusiones de ‘PINK + PINK’ retumban en el recinto del Mallorca Live como mil pájaros carpinteros picando en la cabeza; el rage trap de ‘KINKI FÍGARO’ y las distintas referencias al R&B, el house, la samba o el trap construyen un set que funciona con una lógica propia basada en el eclecticismo.
Selector
Si acaso, se podría criticar que el tramo inicial del concierto depende en exceso de baladas como ‘SOPHIA’, la hipnótica ‘ALTAGAMA’ o ‘BBY ROMEO’, lo que da lugar a un show de ritmo algo desigual, que gana músculo cuando entra ‘KINKI FÍGARO’ tras el interludio visual “chronically online” de los gorilas coquetos, el macarrísimo “Papi Chulo” de La Zowi o, por supuesto, esa ‘malibu’ convertida en un éxito veraniego mainstream, prueba de que no todo en el mundo va mal.
rusowsky sigue jugando al misterio, manteniendo el escenario medio a oscuras, por lo que es prácticamente imposible verle a él y a su peluca durante gran parte del show. Como hype man, el concepto de pedir al público que deje de dormir la siesta durante todo el set se vuelve algo repetitivo tras tantos conciertos. Por otro lado, sigue siendo un plus que toque con banda, incluyendo un clarinete interpretado en directo, y es evidente que su propuesta musical está dejando de ser alternativa, lo cual supone un gran éxito.
Muchas de las críticas en redes dirigidas al concierto de Aitana en Mallorca Live provienen de fans de Cypress Hill que lamentan que la pista del escenario de Estrella Damm estuviera desde primera hora de la tarde plagada de padres y niños ocupando las primeras filas, mientras los fans del grupo no podían acceder y tenían que verlo desde más atrás. La propia Aitana señaló que nunca había tocado “tan tarde”, y seguramente los fans de Cypress Hill habrían agradecido que la banda actuara en su horario y no antes.
El concierto de Cypress Hill fue, en realidad, un tardeo que se convirtió en noche, construido en torno a un set de hip hop clásico. La formación en directo se basa en los MCs B-Real y Sen Dog, que se encargan de las voces, acompañados por el DJ y productor DJ Muggs, responsable de los beats y la dirección sonora del show. En ocasiones, también incorporan banda o apoyo instrumental según la gira, pero el núcleo del directo es ese trío artístico entre raperos y DJ.
Sus himnos del West Coast rap más reconocibles, como el psicodélico ‘Insane in the Brain’, se sucedieron con guiños metaleros y eslóganes populistas contra los “políticos mentirosos” que nos gobiernan. Trump acaba de cumplir 80 años, by the way.
El set de hora y media solapó los últimos 15 minutos con rusowsky, por lo que me ausenté unos pocos minutos de Cypress Hill para ver el inicio del show de ‘DAISY’. Al volver, el escenario estaba aún más lleno y la energía sonaba totalmente engrasada, mientras se sucedían los cánticos “Pick it up, pick it up” de ‘Hits from the Bong’ o la delicia West Coast de ‘When the Shit Goes Down’. Un gran acierto del Mallorca Live reivindicar a estos gigantes del early hip hop, cuyo show a la vieja escuela sigue levantando pasiones porque son auténticos maestros en lo suyo.
Xavi Torrent
El complejo montaje de Aitana obliga al equipo de Kaiser Chiefs a retrasar su concierto media hora. Para que se entienda el nivel de escenografía de Aitana, 45 minutos de margen entre conciertos no son suficientes para desmontar su “casa” y montar la escenografía de Kaiser Chiefs, a pesar de ser mucho más sencilla.
De todos modos, quizá supeditados al límite de tiempo del festival, Kaiser Chiefs van por faena y se fulminan varios de sus mayores hits antes de lo esperado, haciendo saltar como locos a todo el público, incluyendo ‘Every Day I Love You Less and Less’, ‘Never Miss a Beat’ y, sobre todo, la eufórica ‘Ruby’, que suena sorprendentemente temprano, dando al concierto un aire de grandes éxitos. La verdad es que, si tantos grupos asociados a la palabra “indie” han sido capaces de firmar un único hit tan reconocible, es de mérito que Kaiser Chiefs tengan tantos.
Combinando himnos como ‘I Predict a Riot’ con otros menos conocidos pero igual de enérgicos como ‘Good Days Bad Days’ o ‘Hole in My Head’, Kaiser Chiefs ofrece un show rítmico, colorido y muy divertido, sostenido sobre el carisma sumamente británico de su vocalista Ricky Wilson, que acaba el concierto, en su estilo, trepando la estructura del escenario.
Como dato curioso de la vida del periodista musical, acabo compartiendo el transfer del hotel al aeropuerto con Wilson, que iba al aeropuerto sin sus compañeros de banda. Le comenté que le vi trepando y contestó: “Oh yeah?”. Y eso es todo.
El choque entre dos helicópteros que ocurrió este domingo 14 de junio en Río de Janeiro dejó seis personas fallecidas, según lo reflejado en el listado del vuelo. Además de los pilotos de ambos vehículos, entre los fallecidos están el artista Oliver Tree, el youtuber Gaspi, el director de vídeos musicales Lucas Vignale y el productor brasileño Lucas Brito Chaves.
El alcalde de Río de Janeiro, Eduardo Cavaliere, ha asegurado que ambos pilotos trabajaban como instructores de aviación y contaban con «mucha experiencia». Las causas del accidente están siendo investigadas en estos momentos. Dado el suceso, Internet se ha volcado con los fallecidos y diferentes figuras mediáticas han compartido sus homenajes a las víctimas.
Oliver Tree, de 32 años, es descrito por Anthony Fantano como «el Andy Kaufman del pop», mientras que Bebe Rexha asegura que había grabado una canción con él para su nuevo disco y dice estar «en shock». Por otro lado, el artista estadounidense era expareja de Melanie Martinez, la cual le ha dedicado un extenso texto en Instagram: «Es muy difícil entender cómo alguien con el que compartiste una época tan específica y formativa de tu vida puede irse de repente».
Gaspi, de nombre completo Gaspar Prim, era más conocido en los círculos de YouTube, a raíz de sus bromas con cámara oculta en las calles de Buenos Aires. De tan solo 23 años, el argentino había aparecido en vídeos junto a los creadores más grandes de España, desde Ibai Llanos hasta El Rubius, llegando incluso a competir en La Velada. «Qué mierda es esta vida a veces», ha escrito Llanos en X. El Rubius, sin embargo, ha dedicado un bonito mensaje: «Pocas veces conoces en este mundo a alguien tan creativo, talentoso y buena persona».
Lucas Vignale había trabajado como director de vídeos musicales para artistas como Bizarrap, Trueno, Duki o Nicki Nicole. Tenía 29 años. Nicole ha asegurado estar «sin palabras» y ha agradecido al director argentino el compartir su arte con ella. Bizarrap también ha dedicado un mensaje al artista fallecido: «Luquitas, no hay palabras. Solo espero que puedas descansar en paz».
Melanie Martinez remembers ex-boyfriend Oliver Tree in heartfelt tribute after his passing:
“Been an absolute wreck today. It's really hard to understand how someone who you once shared such a specific and formative time of your life with can all of a sudden be gone.” pic.twitter.com/Gjqo5dZZbU
I’m in shock. I was in the middle of my cd signing in nyc when I found the news of Oliver tree. I can’t believe it. We recorded a record together to be on dirty blonde. He was so smart . Passionate. Talented. Kind. I’m so sad. May he rest in peace.
Sé de primera mano que los niños son muy fans de grupos como Oques Grasses o La Fúmiga, al menos en Cataluña, pero me sorprende más la cantidad de fandom infantil que sigue teniendo Aitana incluso hoy, después de publicar un álbum como ‘Cuarto azul‘, inspirado en su depresión. Aunque tampoco ha necesitado esconder la realidad de su salud mental detrás de metáforas: en el documental ‘Metamorfosis’ reconoce que la medicación le ayuda a afrontar el día a día.
En su masificado concierto del sábado en Mallorca Live, Aitana se muestra transparente y explica que parte del material de ‘Cuarto azul’ lo escribió cuando «no estaba bien». También cuenta que otra parte del disco nació cuando «veía la luz», como ocurre con los temazos que cierran el concierto, ‘Conexión psíquica’ y ‘Superestrella‘. Convertida ya en su mayor éxito en solitario, esta ha pasado de abrir el show en sus primeras fechas a cerrarlo de manera apoteósica, mezclada con la base de ‘We Found Love’ de Rihanna. We found love in a hopeless place.
El escenario Estrella Damm, este sábado a las 23:30, es un océano de niños acompañados por sus padres. Yo mismo tengo que ver el concierto a través de lo que solo puede definirse como una muralla de niños subidos a cubos, agarrados de la mano y formando una fila, como a punto de salir disparados hacia el espacio. Sus padres -y buena parte del público adulto presente- corean las canciones con el mismo entusiasmo o incluso más, prueba del alcance transversal de su repertorio.
Probablemente el público adulto sea mayoritario -considerablemente gay también-, pero me detengo en el infantil porque parte de la tensión que atraviesa la carrera de Aitana parece tener que ver con la necesidad de sostener una imagen de «role model» que es irreal. Por un lado, no quiere romper el vínculo con su audiencia más joven; por otro, necesita crecer como artista. Las giras de ‘Alpha‘ y ‘Cuarto azul’ han mostrado una evolución natural, pero el show de ‘Cuarto azul’ sigue siendo lo bastante elegante como para no asustar a nadie.
Ese equilibrio parece cómodo y óptimo para Aitana, aunque la catalana sigue mostrando cierta tendencia a justificarse y sobreexplicar cualquier decisión, por lógica que sea, «para que no haya enfados», en un claro modo people pleaser. De hecho, ya ha habido quejas por la brevedad de su repertorio, pese a que dedica buena parte del concierto a explicar que el formato festival obliga a reducir el setlist porque hay más artistas programados. Irónicamente, en algunos discursos de varios minutos cabrían una o dos canciones más. Aitana pasa una cantidad considerable de tiempo prácticamente pidiendo perdón por respirar. Solo diré que otra pop star people pleaser, Ariana Grande, está ahora mismo en su fase «hate that I made you love me«.
Aitana no debe más a sus fans que cumplir con la expectativa de ofrecer un estupendo espectáculo de pop, y eso lo hace con creces. Más aún teniendo en cuenta que este sábado actúa enferma, arrastrando problemas de salud desde el lunes. Se nota puntualmente en una proyección vocal algo más débil -en algunas baladas pide ayuda al público- y en una energía escénica menos expansiva. Por eso tiene aún más mérito que saque adelante un show tan exigente, con coreografía, baile, juego de cámaras y, por supuesto, voz en directo. Todo ello articulado alrededor de una preciosa y elaborada puesta en escena que recrea una casa azul e incluye incluso una habitación con cama doble, a la que saca partido abriendo el concierto con ‘6 de febrero’ -empezamos fuerte- o más adelante, durante ‘Ex Ex Ex’, cruzando las piernas junto a un bailarín.
El repertorio destaca más por la calidad de los temas rítmicos que por la de las baladas, y llama la atención cuánto disfruta el público infantil canciones como ‘Los Ángeles’ o ‘Ex Ex Ex’, tan influidas por el house, el trance o el dance-pop de vocación internacional. En un momento dado, Aitana vuelve a agradecer la atención de los niños porque «no es fácil captar su atención, porque están a mil cosas». Pero también tiene mérito que ofrezca música de calidad y referencias tan sofisticadas a un público que quizá de otra forma no estaría expuesto a determinados estilos. Ojalá su evolución siga el camino de ‘Cuarto azul’ mientras su audiencia continúa creciendo con ella.
A partir de ‘Los Ángeles’, el show entra claramente en una zona más interesante y adulta, y cabe preguntarse si el sample de ‘Toxic’ de Britney Spears durante un interludio encierra algún simbolismo. Spears también fue una pop star con tendencia a complacer y también fue infantilizada pese a ser una mujer adulta. Aitana sostiene ahora mismo una tensión parecida. Aitana cuenta además con una red de apoyo familiar que la sostiene, y eso le permite ofrecer un espectáculo de calidad mientras madura artísticamente.
Entre los números más disfrutones no destaca tanto el coreadísimo ‘Mon Amour’, cuyo éxito parece resultar inexplicable incluso para la propia Aitana, que observa incrédula la reacción del público, como ‘Las Babys’. Si le tenías tirria al principio, quizá viéndola en directo le cojas cierto cariño: les queda un número muy divertido, con una coreografía tipo Macarena capaz de dibujarte una sonrisa de oreja a oreja. Del azul, pasamos al rosa.
Andrés Iglesias
‘La chica perfecta’ es probablemente el momento más simbólico del concierto. Su performance presenta a una pop star que aprieta los dientes, enseña bíceps y aparenta fortaleza, pero que al mismo tiempo tiembla y está a punto de romperse. Ahí la tensión de la artista obligada a proteger una imagen empieza a hacerse visible. Su representación escénica demuestra que vivimos una época en la que a las pop stars se les permite mostrar sin tapujos la presión a la que están sometidas en lugar de ocultarla.
Aunque Ocaña está lejos de ofrecer la coreografía más compleja del panorama -hay cierto abuso de movimientos de bote y rebote que denotan más falta de ideas que otra cosa-, el show de ‘Cuarto azul’ demuestra que Aitana es la pop star perfecta precisamente porque no es ‘La chica perfecta’. Sobre todo, porque es una artista que vale más que la suma de sus partes: para las niñas es una figura inspiradora y aspiracional; para los adultos, una pop star con buen gusto para las producciones y las melodías; para todos, un carisma joven y arrollador a pesar de su timidez cada vez más entregado a su misión de ofrecer «pop perfection». Nadie podría hacerlo exactamente como ella.
Fuji? fue al instituto con rusowsky, lo que significa que empezaron a hacer música prácticamente en la misma época. Aunque su primer «disco», titulado ‘hanami’, constaba de 7 pistas que sí recordaban bastante al pop etéreo del colectivo de rusiaIDK, en ‘Super Sweet’ el artista y productor madrileño se desmarca por la vía del funk y la música de club. Es el tipo de álbum que convierte cualquier paseo en una fiesta.
Carlos Jiménez se inspira en la cultura japonesa, en la que estuvo inmerso durante un mes y medio mientras se recorría el país en bici, para el apartado estético y filosófico del disco, pero ‘Super Sweet’ no es un álbum de city pop. El groove recorre todos los cortes del proyecto, desde la relajada intro de ‘90%’ hasta sus estimulantes momentos finales con ‘TOP’, mientras se mezcla con elementos del hip hop, el pop, la electrónica y hasta la música caribeña en el acertadísimo remix de ‘muñekitos’, originalmente lanzada en 2023.
Otro de los pilares del disco es el humor. Los momentos en los que Fuji? se toma en serio a sí mismo se cuentan con los dedos de una mano, y sobran. No es solo por su excéntrica interpretación en temas como ‘Like!’ o ‘Gatito’, sino también por su capacidad de hacer temas tan meta como ‘Esto Es Un Interludio’, que más allá de la broma podría ser el tema más bailongo del disco. “Ya no tenía más canciones que sacar / Así que un interludio para rellenar”, canta Fuji? en las primeras líneas.
Uno de los momentos “serios” sería la canción ‘Momiji’, en la que Fuji? asegura tener “roto el corazón” a la vez que exige un amor de verdad: “Merezco que me quieran / Me merezco tu amor”, canta. Ni siquiera llega a ser el momento triste del LP, siendo más nostálgico que otra cosa. A la vez, estas también resultan ser algunas de las mejores letras del disco, que en general pone por delante una producción vistosa y unas melodías memorables a un apartado lírico sólido. En ‘Magika’ canta: “Yo tengo amiguitas que si botan hace ‘clap’ / Lo dije en otro tema pero pussy bomboclat”. Estas frases no van a cambiar la vida a nadie, pero sí te pueden poner a bailar fácilmente, apareciendo en una de las partes más pegadizas de la canción.
Según cuenta el propio artista, la creación del disco ha sido un tedioso proceso de 4 años, en los que ha tenido que aprender a tocar el bajo y la guitarra, entre otras cosas: “Todo el disco está hecho por mí”, asegura. Así, encontramos un punto de experimentación en la aparición de líneas de bajo imposibles, producto de grabarlo de toma en toma; compases inusuales, como el 7/4 de ‘Like!’, que en ningún momento la hace menos accesible; o puentes tan singulares como el de ‘Robotika’, que viene de la nada y resulta ser lo único que se mantiene de la versión original de la canción, creada hace 4 años.
Aunque técnicamente ‘Super Sweet’ se trata del segundo disco de Fuji?, podría considerarse como su debut al ser su lanzamiento más robusto hasta la fecha. Tras haber seguido una ruta distinta a la del colectivo de rusowsky o Ralphie Choo, Fuji? también ha encontrado un valioso filón que no se aprovecha lo suficiente en la industria nacional. Necesitamos más funk en España, y él lo sabe.
Durante una actuación en Nueva York, Martin Garrix ha pinchado lo que parece su colaboración con Madonna. Se escucha a la cantante pronunciar la palabra «bizarre», por lo que se asume que se trata del tema así llamado contenido en el álbum ‘Confessions II’.
Los fans de M le están dando veracidad porque una persona que asistió a la escucha del álbum en Estados Unidos mencionó «un banger que empieza con la letra B», desde antes de que se conociera el tracklist. El único tema de la secuencia que empieza por la letra B es ‘Bizarre’ y empezaba a ser raro que no se supiera nada de él.
Y es que ‘Bizarre’ no aparece en el corto sobre el disco que acaba de estrenarse en Tribeca, pero parece que Madonna se dirigirá a varios targets en esta era: ‘Danceteria’ para sus seguidores de siempre, ‘Read My Lips’ con Feid para el público latino, y este ‘Bizarre’ para los nostálgicos de la EDM.
Todo ello sumado a los 3 singles ya conocidos, a destacar ‘Bring Your Love‘ con Sabrina Carpenter, y a los teasers de otras 2 canciones, ‘Good for the Soul’ y ‘One Step Away’.
Martin Garrix es responsable de hits monstruosos junto a artistas como Bebe Rexha y Dua Lipa, como ‘In the Name of Love’ o ‘Scared to Be Lonely’. Menos repercusión ha tenido su tema reciente junto a Ed Sheeran, ‘Repeat It’.
É MAIS UM HINO CHEGANDO! Confira trecho de “BIZARRE”, música inédita do álbum CONFESSIONS II, tocada ontem por Martin Garrix durante seu show em Nova York pic.twitter.com/6jbGPnuf9G
El pasado mes de octubre Triángulo de Amor Bizarro grabaron un directo para KWXP en Bilbao, suponemos que en el entorno de BIME. El concierto se subió en febrero avanzando un tema nuevo llamado ‘Mi catedral’.
Pocos días después se compartió el primer single de su nuevo disco, mucho más comercial, ‘Sacrificio’, y de alguna manera nos olvidamos de ‘Mi catedral’. Parecía que hubieran elegido este tema solo porque el rodaje se realizó en la Iglesia de la Encarnación. ‘Mi catedral’ casi que dentro de una «catedral», dejando planos muy apropiados. Sin embargo, el tiempo está confirmando que esta es la canción más importante de esta era. No en vano es el tema que da título al álbum. ‘Mi catedral’ es nuestra Canción del Día hoy.
‘Mi catedral’ es la composición que mejor resume la filosofía artesana de Triángulo de Amor Bizarro. Una carrera de fondo al margen de la industria musical, en este caso fabricando con sus propias manos «una vasija». Esa es su «catedraaaaaaal», canta Isa Cea.
Se entiende mejor con la explicación que están dando en las entrevistas: «El álbum habla de que a lo mejor hay que crear nuestro propio futuro y eso es «Mi Catedral». Que hay que reinventar un poco todo, dejar atrás cosas que a lo mejor ya no son tan modernas como nos quieren hacer creer. Como las redes sociales, como el sistema turbocapitalista decrépito, y que a lo mejor hay que dar paso también a nuevas generaciones y que creen su propio mundo».
La producción del álbum enriquece la versión en vivo que conocimos de entrada, incorporando unos sintetizadores que parecen prestados de ‘Joan of Arc’ de OMD, lo que le da un toque melancólico. Todo ello sin que se pierda un ápice de la energía que va aportando poco a poco el baterista Rafa Mallo, que se luce especialmente en el clímax final.
Triángulo de Amor Bizarro tienen una agenda con decenas de conciertos repartidos por todo el país, culminando en Barcelona y Madrid ya el año que viene. No te los pierdas en las salas.
Casualidad o no, a Lola Indigo también le ha dado por Lorca. Como a Los Javis. Sin embargo, hasta el momento, sus “reinterpretaciones del universo lorquiano”, como las define la nota de prensa, no han resultado demasiado estimulantes visualmente.
Ni el videoclip de ‘Tus iniciales’ ni este ‘El Bachatón de la L’ parecen tener mucho que “reinterpretar” sobre ‘La casa de Bernarda Alba’ y ‘Bodas de sangre’.
Más que una reinterpretación, lo que encontramos en ‘El Bachatón de la L’ es la ilustración de algunos de los elementos más reconocibles de la obra. Ahí están los novios, los caballos, las navajas, la imaginería religiosa, el enfrentamiento final entre el prometido y Leonardo… Un repertorio de tropos y símbolos fácilmente identificables para cualquier espectador familiarizado con ‘Bodas de sangre’.
Pero poco más. No hay relectura de ningún tipo, ya sea esta pop, camp, meta, posmoderna, política, queer, feminista, revisionista… Y eso que el clip comienza con una imagen que sí tiene una fuerte carga semántica: la cantante perfilándose un ojo con una navaja, un gesto que evoca el célebre plano inicial de ‘Un perro andaluz’, de Buñuel y Dalí. Sin embargo, la referencia queda reducida a un simple guiño visual sin consecuencias narrativas o conceptuales.
El resto del videoclip continúa por la misma senda. La trama de ‘Bodas de sangre’ es reproducida de forma esquemática y reconocible, mientras que sus conflictos y símbolos quedan como un simple decorado de prestigio. Un catálogo de imágenes icónicas que desfilan ante nuestros ojos mientras Lucho RK se toca la barriga, nos señala con el dedo y acaricia un caballo como un niño en una granja escuela.
‘You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love‘, nuestro próximo Disco de la Semana, ha sido recibido con entusiasmo por crítica y público. A lo largo de este viernes, Spotify ya advertía que el álbum estaba siendo el disco más escuchado de una artista femenina en un solo día, durante 2026. Amazon Music también posteaba que este estaba siendo el disco más escuchado en sus primeras 24 horas de este año. Aunque no lo mencionaba, superaba lo último de Drake en esta plataforma, pues no especificaba género.
Las cifras concretas luego reveladas por Spotify respecto al primer día eran espectaculares, con más de 80 millones de streams, respecto a los 60 millones que conseguían sus dos anteriores álbumes en la primera jornada. ‘stupid song’ no solo se convertía en el tercer número 1 global para el álbum, con más de 10 millones de streams en un solo día, sino que las 13 canciones del álbum llegaban al top 20 a nivel global. El tema menos escuchado, el último, sumaba 4,5 millones de streams:
1 NEW Olivia Rodrigo – stupid song 10,109,559
2 +3 Olivia Rodrigo – the cure 7,290,175
3 +8 Olivia Rodrigo – drop dead 7,122,412
4 NEW Olivia Rodrigo – honeybee 7,067,696
5 NEW Olivia Rodrigo – maggots for brains 6,386,161
6 NEW Olivia Rodrigo – u + me 6,091,974
7 NEW Olivia Rodrigo – my way 5,978,782
9 NEW Olivia Rodrigo – what’s wrong with me (w/ Robert Smith) 5,875,678
10 NEW Olivia Rodrigo – begged 5,663,066
13 NEW Olivia Rodrigo – less 5,266,084
15 NEW Olivia Rodrigo – purple 5,199,585
16 NEW Olivia Rodrigo – expectations 5,031,444
18 NEW Olivia Rodrigo – cigarette smoke 4,509,987
En cuanto a España, aunque la única entrada en el top 10 es la de ‘pa ti toa’ de Ana Mena con Lola Indigo, en concreto, en el número 9, ‘stupid song’ conseguía llegar al puesto 12. ‘honeybee’ entraba al top 31, ‘the cure’ subía al 38, ‘drop dead’ al 41′, y la totalidad del disco figuraba en el top 100. La canción más discreta, de nuevo ‘cigarette smoke’, estaba en el puesto 90.
Más inesperada ha sido la respuesta crítica. 13 reseñas elevan el álbum hasta el 90/100 en Metacritic, destacando el 10 dado por tres medios. Rolling Stone ha optado por 4 estrellas y media, The Guardian por 4 estrellas, y el medio más crítico, The New York Times, 3 estrellas y media.
No ha habido «difícil tercer álbum para Olivia Rodrigo» sino la consolidación del proyecto que conocimos con ‘drivers license’.
La historia de Evanescence está repleta de turbulencias. Desde la fama lograda con ‘Fallen’ (2003), la banda ha estado constantemente sometida a crisis internas que, para bien o para mal, han ido marcando su destino. Tras ese trabajo, el co-fundador y guitarrista Ben Moody dejó la formación abruptamente por diferencias creativas con la cantante y su entonces pareja sentimental Amy Lee. En los años posteriores, otros miembros de la banda fueron saliendo y entrando, mientras se enfrentaban a disputas con la discográfica, que buscaban un sonido más comercial para ellos y quienes llegaron a descartar casi al completo las producciones originales de su disco homónimo en 2011.
Eso explica los larguísimos hiatos entre proyectos, especialmente los 10 años entre aquel álbum y ‘The Bitter Truth’ (2021). En esta ocasión, el grupo parece haber encontrado al fin cierta estabilidad, por lo que el sucesor de este último no se ha hecho tanto de rogar. ‘Sanctuary’ es un regreso más que competente, que en ocasiones, incluso ofrece los momentos más inspirados de la banda en más de una década.
Por supuesto, no es una reinvención: a estas alturas, Evanescence es un género en sí mismo. En más de un cuarto de siglo, el grupo de Little Rock ha ido puliendo un estilo tan reconocible que no se puede asociar a nadie más. En ‘Sanctuary’ no faltan las grandes instrumentaciones metal, los épicos pasajes cinematográficos conducidos por la expresiva y bellísima voz de Amy Lee o la balada a piano de rigor. Estamos en territorio conocido, pero más a gusto en él de lo que nos habíamos sentido en los últimos tiempos.
Esto se debe a un buen puñado de canciones muy bien construidas, como ‘Beautiful Lie’, que arranca el proyecto con energía, apoyándose en una percusión agresiva, o en ‘Tell Me When You’ve Had Enough’ , que cuenta con una producción más creativa, con oscuros riffs de bajo y guitarra. Ambos temas tratan, de una manera u otra, sobre la búsqueda de la verdad en tiempos en los que la desinformación y la división social y política la están emborronando cada vez más. ‘Who Will You Follow’ abarca esto de forma aún más directa. Es Evanescence en estado puro, aunando todo lo que tan bien saben hacer: atmósferas densas e industriales, denuncia social y una interpretación vocal que arrasa con todo.
‘Afterlife’, originalmente publicada como sencillo promocional del anime ‘Devil May Cry’, es otro de los puntos más álgidos que ha dejado la banda en mucho tiempo. Pese a que su objetivo en un principio fuera otro, su inclusión en el disco lo evidencia: era demasiado buena para dejarla fuera. Sobre todo, gracias a un estribillo que es pura épica, en el que no solo brilla Amy Lee, sino también todos sus músicos. Algo parecido puede decirse de ‘Sanctuary’, una canción que podría pertenecer a cualquier disco de la banda, pero qué importa si la pasión que transmite sigue siendo tan eficaz.
La parte baja de la secuencia está algo más desequilibrada. ‘How Do I Heal’ es un bonito número a piano donde, cómo no, Lee luce su impresionante talento vocal. Es un gusto escucharla siempre, aunque a la canción le hubiera venido bien algo más de trabajo compositivo, pues da la sensación de que no termina de explotar su potencial. Algo parecido sucede con la otra balada, ‘Forever Without You’, que más allá de la admiración hacia su cantante, no hay mucho más donde rascar.
‘About Us’ es más estimulante y probablemente lo más pop que ha firmado la banda en esta era. También dan cierto protagonismo a pequeñas dosis electrónicas en ‘Calm Down’, que tiene el mérito de intentar algo diferente, aunque no llegue realmente a tener un gran impacto. En ese sentido, es mucho más efectiva ‘Self Destruct’, que juega con una percusión tensa hasta romper con una inesperada sección de cuerdas.
Pese a perder fuelle al final y a que las canciones nunca lleguen a ser lo memorables que eran en ‘Fallen’ o ‘The Open Door’, ‘Sanctuary’ funciona. Tras unos cuantos años dando palos de ciego, Evanescence han recuperado parte de su magia, y lo han hecho tomando una vía tan segura como efectiva: copiando a la mejor versión de sí mismos.
Unas horas antes de que se abran las puertas del Fórum para la jornada gratuita del miércoles de Primavera Sound, ya funciona el escenario de conciertos de libre acceso de Primavera Pro, sito al aire libre en el Pati de les Dones del CCCB. Una veintena de conciertos tendrá lugar durante el día, de miércoles a viernes. El Primavera Pro reúne a profesionales de la industria musical (artistas, periodistas, mánagers, cazatalentos) para una serie de conferencias, debates, entrevistas y masterclasses, pero los showcases se abren al público y es habitual ver pasar a curiosos, vecinos, locales y por supuesto guiris de visita en Barcelona.
La jornada de viernes es más testimonial, pues la gente ya ha pisado el Fórum y está pensando en volver al Fórum para ver a sus artistas favoritos, pero la jornada del miércoles es muy intensa, con shows de 13.30 hasta las 21.30, y tan variados.
El día comenzó con la encantadora Yana, desde Polonia, sin separarse de piano más que para manejar unos secuenciadores que acercaban su sonido al ambient. También dio todo el neo-grunge a lo Courtney Love de naya mö, acompañada de tan sólo un batería; o por la noche Kara Boi (en la imagen). Sería fácil catalogar su música como bedroom pop, pero en un momento se colgó la guitarra eléctrica para interpretar en solitario un tema diferente. Su corte ‘La sensación’ se pega como un chicle porque, ante todo, llaman mucho la atención las letras personales de la artista, que pueden ir sobre «estar perfecta» o «loca de atar».
También fue mágico el concierto de la banda de April, con hechuras de clásicos como los de los deliciosos Lucky Soul, y melodías tarareables como salidas del indie pop de los años 90. Decoradas por un violín, sonaron algunas canciones de su reciente álbum ‘Axe to Grind’. En este artículo destacamos especialmente 5 conciertos que llamaron especialmente mi atención.
La Sécurité
Hara Amorós
Los conciertos de Primavera Pro tienen lugar todos seguidos, sin descanso, salvo 20 minutos entre show y show, para desmontar y montar lo siguiente. El colectivo de art-punk de Montreal pasó esos 20 minutos realizando una prueba de sonido que en otro contexto habría quitado algo de glamour a su salida. Pero aquí mereció la pena. No tantos proyectos de los que concurrían ofrecían un concierto de banda completa y sonaron estupendos en su homenaje al pop de finales de los años 70. Una gran base rítmica, mucha importancia de los teclados y a su vez buenas melodías. Temas como ‘Detour’ conectan con formaciones como B-52’s, Devo y Blondie, y su vocalista Éliane Viens-Synnott conecta con todo el mundo por alguna razón. Creo que lo llaman carisma.
L’aranna
Hara Amorós
La mayor cualidad de Primavera Pro es que te permite descubrir a nuevos talentos a los que no llegarías de otra manera. Es el caso del dúo catalán L’arannà, que tan solo cuenta con 2.000 oyentes mensuales en Spotify. Sobre el papel pueden parecerte de la escuela de Fillas de Casandra, Maria Arnal o Tarta Relena, pero hay que verlas para descubrir el brillo de su personalidad, que no teme a la aproximación eurovisiva. Deberían ir a Benidorm Fest: tremendas voces, a veces acompañadas incluso de improbables coreografías, con un gran sentido de lo escenográfico. Tan pronto se suben en una silla las dos al mismo tiempo, que insertan un bombo tecno o incorporan un tambor. Y al margen de trucos escénicos, canciones tan certeras como ‘Jardí vora el mar’ despuntarían de todas formas. Por algo se llevaron uno de los aplausos más cálidos del público.
3L3D3P
Hara Amorós
En este tipo de eventos con showcases de artistas noveles que están empezando es habitual detectar cierta timidez en algunos cantantes, como fue el caso del portugués d.dramatico, que se paseó por el escenario tranquilamente, sin demasiado garbo y portando un bolsito, dejando el protagonismo a sus bonitas canciones. Si 3L3D3P hubiera portado bolso alguno, habría terminado reventado, destruido, desgarrado. La artista, cuyo nombre su pronuncia LDP -en inglés, claro- no paró de hacer vibrar a la audiencia dando botes, vueltas sobre sí misma, acercándose al público, rodando por el suelo. Todo el problema que le pudieras poner a su playback lo resolvió con actitud, simpatía y lanzando también «vocals» en directo, que a veces fallaban, porque no paraba quieta, para desesperación de su DJ y de los técnicos de sonido. Pero dio igual. Todo el mundo movía con ella los brazos al ritmo de su hyper pop de tintes hardcore. La próxima, en horario de club.
Camille Keller
Hara Amorós
Otro que gastó una enorme presencia escénica, prácticamente en solitario, fue el artista afincado en Bruselas Camille Keller. No me atrevería a llamarle ni cantautor ni rapero, simplemente se paseó por el escenario expresándose a sí mismo, recordando a figuras tan particulares como Mac Miller. En ocasiones, la base podía ser más austera, en ocasiones la base podía pasarse más bien al noise, en ocasiones electrónica o cualquier cosa, siempre centrando en sí mismo las miradas, más como un MC desafiante que como el líder de un proyecto indie del tipo Panda Bear. Deslumbró especialmente al final, cuando estuvieron a punto de cortarle el sonido sin dejarle interpretar su nueva canción, y terminó proyectando que el show estaba dedicado a la memoria de alguien que acababa de perder.
Azikazin Magic World
Hara Amorós
Otros con los que la gente no paró de botar o mover la cabeza fueron los surcoreanos Azikazin Magic World. El dúo tiene matices en su música que van desde el drum&bass a la indietrónica pasando por lo machacón de lo que entendíamos que era j-pop, todo ello incluso dentro de la misma canción. Es el de Moogia & Lionclad un proyecto ultra 2026 que por algo se ganó la simpatía y la curiosidad de gente de muy diversas edades y estilos. En su caso, nadie abandonó.
Estos días hemos escogido como Disco de la Semana el nuevo de Joshua Idehen, a tenor de sus grandes conciertos ofrecidos en España, de mano de Primavera Tours. La forma de entrar en «I know you’re hurting…» es a través de bangers para la pista de baile como ‘This Is The Place’, ‘Turn It Around’ o ‘It Always Was‘, que ya fue Canción del Día.
Pero la canción señera, inolvidable, inconfundible del disco es ‘Mum Does the Washing’. Es increíble que un tema como este tenga casi 2 millones de escuchas, pero como parodia de los diferentes sistemas económicos, corrientes artísticas o movimientos sociales, en función de «quién hace la colada» ha calado entre el público. ¿Qué es eso que samplea? ¿Acaso una versión de ‘If I Were a Richman’ con el «pitch» cambiado? Antes que nada, Joshua Idehen es poeta, así que dejemos que sean sus palabras las que hablen:
«El mundo según cómo tu madre lava la ropa
Capitalismo:
Tu madre lava la ropa, le pagas un dólar
Le pides que lave la ropa de tu amigo, tu amigo te paga cincuenta dólares
Comunismo:
Tu madre lava la ropa, tú lavas la ropa
Todas las noches, saludas una foto de tu padre
Socialismo:
Tu madre lava la ropa, tú cocinas
Todos son felices, en teoría
Feudalismo:
Tu madre lava la ropa y te paga impuestos
Colonialismo:
Entras sin permiso en la habitación de tu madre
Dices que tú fuiste quien descubrió la habitación de tu madre
Y dejas toda tu ropa sucia en el suelo
Fascismo:
Tu madre lava la ropa
Y estás obsesionado con su nariz
Liberalismo:
Observas a tu madre lavar la ropa
Y te sientes realmente, realmente mal
«Hay que hacer algo», dices
Y puede que se haga o puede que no
Libertarismo:
Tu madre lava la ropa
Y crees que la lavaste tú
Religión:
Tu madre lava la ropa
Y le das gracias a Dios
Ateísmo:
Tu madre lava la ropa
Haces un vídeo de 12 partes en YouTube exigiendo pruebas revisadas
De que, efectivamente, lavó la ropa
Sionismo:
Empujaste a tu madre a la lavadora
Y el centrifugado la mareó
Y ese mareo la hizo vomitar
Y señalas ese vómito y lo llamas antisemitismo
Americanismo:
Tu madre lava la ropa
Está en la Constitución
Fin de la discusión
Mansplaining:
Tu madre lava la ropa
Le dices cómo hacerlo mejor
cuando nunca has lavado la ropa
Matrimonio entre personas del mismo sexo:
Vuestras madres lavan la ropa
Patriarcado:
Tu madre no existe
La ropa se lava sola misteriosamente
TERFas:
Tu madre no quiere que tu otra madre lave la ropa
Por cosas como los genitales y demás
Encuesta:
Hay un 70% de probabilidad
De que laves la ropa el sábado por la noche
100% de que tu madre la tenga lavada
el domingo por la mañana
Africanismo:
Vas a casa de Benny
La madre de Benny lava la ropa
Le preguntas a tu madre por qué no la lava ella
No sobrevives esa noche
Feminismo:
Tu madre insiste en que crezcas y laves tu propia ropa
Feminismo blanco:
Tu madre contrató a una mujer de color para lavar la ropa
Feminismo masculino:
La única vez que lavé la ropa
Le conté a todo el mundo que lavé la ropa
Escribí una entrada en mi blog
Presumí de ello
Me tomé una selfie
Historia de Instagram
Salí en la tele
Gané un Óscar
Jugué a Fortnite
Bailé
Soy un aliade
Hashtag #MeToo
Igualitarismo:
La única vez que lavaste la ropa
Es prueba de que todos somos iguales y que ya nadie necesita el feminismo
Hip-hop:
Todos los días me esfuerzo
Todos los días me esfuerzo
Cuando traigo la cesta
Mamá mete la ropa
Narcisismo:
Te ves bien con la ropa que lavó tu madre
Sony no se anda con chiquitas a la hora de promocionar la colaboración de Ana Mena con Lola Indigo. Y eso que esta última en realidad está fichada por Universal. La califican en nota de prensa como «el acontecimiento más esperado e importante del año». Exactamente las mismas palabras las repite el equipo de promoción de Ana Mena en una nota similar.
Cuentan que «la expectación en torno al proyecto ha sido extraordinaria» desde la aparición de Ana Mena como invitada sorpresa durante el concierto de Lola Índigo en Granada. Desde entonces ambas han seguido hablando a través de las redes, alimentando las especulaciones en torno a una colaboración que la gente pedía. ‘pa ti toa’ es el resultado de sus contactos, bajo la producción de Tunvao.
‘pa ti toa’ es una canción de amor y deseo en el que tanto Ana Mena como Lola Indigo se dirigen a un hombre que tienen «esposado como un preso» y que sabe quitarles «el estrés si me estreso». La disco está llena pero él es «mi favorito».
Introduciendo algunas palabras en inglés como «dive» o «lova» («lover»), las artistas mantienen un buen flow y sensualidad; Mena introduciendo el tema en solitario, Lola quedándose el verso más largo, todo ello sobre una base de merengue pop. Un estilo que han trabajado en los últimos años Rosalía o Karol G, y que han deconstruido vanguardistas como rusowsky.
El objetivo de ‘pa ti toa’ no es tanto romper estructuras a lo Rusia-IDK, como convertirse en una de las canciones del verano. A eso apunta el final en plan coral, truco que ya usaba ‘Si antes te hubiera conocido’. Es por eso -y porque sus bpm’s son más reducidos- que este tema agradecería un videoclip o unos visuales que terminen de elevarlo. Mucha gente lo está pidiendo. O eso o que «Éxitos España» le dé el amor que otras veces negó a estas artistas.
Actualización: el vídeo se ha estrenado dos días después, incluyendo coreografías de Ana Mena y Lola Indigo en un entorno blanco y negro.
La novena edición de Mallorca Live ha llegado con cambios de programación, principalmente la reducción del cartel a dos jornadas principales -se ha eliminado el jueves- y la adición de un «closing party» el domingo encabezado por el DJ set de David Guetta. El arranque del viernes ha contado con 18.000 asistentes que han difuminado lo que significa ser un cabeza de cartel nacional o internacional.
Porque hasta la llegada de Prodigy a las 2.00 de la noche en Calvià suceden muchas cosas, de punta a punta del recinto, desde el bailoteo del escenario La Plaza hasta los conciertos íntimos de La Isla, por cierto, muy recomendables para acercarte a propuestas menos masificadas pero muy sugerentes, como la de Carmesí, o incluso un popup de los conocidos Espresso Concerts que están conquistando la isla.
De hecho, aunque Prodigy son a todas luces el headliner internacional del viernes, su tardío horario -acorde a su propuesta de electrónica ravera industrial- hace que en esta jornada también los nombres nacionales congreguen una considerable densidad de asistentes, y ahí hay que hablar especialmente de Dani Fernández.
Andrés Iglesias
La actuación del manchego es especialmente esperada ya que es solo la segunda tras la operación de hombro que atravesó tras su caída el pasado mes de abril. Fernández pide en un momento del show que no le tengamos en cuenta si tiene que parar de tocar, pero nadie diría viéndolo actuar que ha pasado por quirófano recientemente: su intensidad performática -sobre todo vocal- sigue intacta y su capacidad para levantar al público también. A veces esa intensidad parece demasiado: Fernández interrumpe el concierto en un momento del show para que un asistente reciba atención médica.
Presentando canciones emotivas como ‘Todo cambia’ o animadas como ‘Bailemos’, Fernández ofrece pop-rock emocional y una curiosa puesta en escena integrada por varios muros de hormigón grafiteados, evocando los muros típicos de barrios humildes como recordando de dónde viene, y tiene palabras de agradecimiento para la organización del festival, el equipo sanitario, y para el público que «se gasta el dinero en ver música en directo».
De repente me sumerjo en un tramo británico de Mallorca Live, ya que me escapo brevemente para ver actuar a The Paisley Daze en el escenario La Isla, que son todo un torpedo rock ‘n roll y suben la temperatura del recinto gracias a sus enérgicas canciones, guitarrazos garajeros, y al evidente carisma de su vocalista, que en un momento lanza agua de una botella al público, como poseído por la excitación.
Y cuando me doy cuenta, The Libertines han subido al escenario Es Jardí. Ya entrada la noche, Pete Doherty y Carl Barât despliegan su característica elegancia decadente y británica ante su público más leal. Las guitarras con aroma clásico y blues siguen siendo su marca, también la puntual trompeta tocada en directo, y tanto el ‘shoop shoop’ de ‘What Katie Did’ como la sobria ‘Merry Old England’ configuran un repertorio bastante reposado en el que la voz de crooner de Doherty suena especialmente controlada y nítida.
Xavi Torrent
La fluidez y proximidad entre escenarios facilita acercarse a distintos conciertos durante la jornada, aunque mi experiencia del concierto de Samuraï se limita a dos canciones adscritas a su estilo pop-punk -por cierto, muy coreadas por un público entregado que llena el escenario Mallorca- y a una inesperada lluvia de globos hacia el público, cuyo origen ni la propia Samuraï sabe explicar. El concierto de Samuraï precede al de Viva Suecia, uno de los más concurridos de la jornada, aunque eso ya no es ninguna sorpresa: en este medio nos hemos cansado de informar sobre el ascenso comercial de Viva Suecia y las distintas distinciones discográficas que acumulan.
Los temas con madera de himno como ‘Dolor y gloria’ o ‘Deja encendida una luz’ vuelven a vertebrar un espectáculo centrado en la canción pop-rock más épica y victoriosa, con ecos de Bunbury en melodías y voces, y una puesta en escena bastante trabajada con diferentes visuales con coloridos gráficos.
El set de Viva Suecia se desarrolla con esa emoción y épica estilizada tan suya, combinando melodía hercúlea y el ritmo rock bailable; y cuenta con varios artistas invitados: junto a Hoonine interpretan probablemente el mejor estribillo del concierto, el de ‘Tú y yo contra los demás’, y después Dani Fernández aparece reconociendo que al principio iba a quedarse en el camerino, pero que al final no ha podido resistirse al calor del público. Especialmente interesante es la intervención de Samuraï, a la que Rafa Val agradece que les haya hecho descubrir que «la edad a veces está reñida con la madurez», una lección de inteligencia emocional canalizada en su tema conjunto interpretado por primera vez en vivo, ‘Melancolía’, con Val al piano.
En contraste con la sobriedad pop-rock de Fernández y Viva Suecia, el set de Belén Aguilera -que estrena EP este viernes, ‘mediterrania’-, es totalmente teatral y performativo, presentado con una puesta en escena que entra por los ojos y que representa quizá un barco a la deriva -simbolizado por un mástil que preside el escenario-, pero también un concierto de liceo, al que nos lleva el conjunto de cuerdas -violín y cello-, el teclado estilizado con tubos como si fuera un órgano, y el cuerpo de bailarinas simulando una cohorte de ninfas que apoyan -física y emocionalmente- a una Belén Aguilera que actúa con trapos y descalza, melena al viento, como si fuera una heroína lírica en mitad de un naufragio ritual.
El concepto detrás del show de Aguilera se sostiene sobre un repertorio que atraviesa las diferentes «facetas» emocionales de su propuesta: del baile electrónico de ‘Galgo’ o ‘Licántropo’ -con sample de ‘Thriller’- o la preciosa ‘Eclipse’, a la balada emotiva de ‘Soledad’, dedicada a su abuela, o la coreada ‘Mía’, pasando por un sorprendente sample de ‘Moi… Lolita’ de Alizée. El espectáculo es estéticamente 100% contemporáneo por su mezcla de códigos urbanos y pop clásico. Actuando frente a un fluido público -quizá demasiado-, Aguilera se entregó vocalmente y a sus elaboradas coreografías -que en ocasiones la llevan arrastrada por el suelo o elevada por los aires-, como si estuviera en el mismo Movistar Arena que llenó hace meses.
Llegadas las dos de la noche, la atmósfera se endiablaba con el set de ritmos raveros e industriales de The Prodigy, que, reconfigurados en torno al mastermind Liam Howlett y el veterano MC Maxim -encargados de las voces en directo y con el apoyo de Rob Holliday a la guitarra-, tras la muerte de Keith Flint en 2019, ofrecen un set que no decepciona.
Dispuestos en escena de forma esquemática y casi militarista -cada miembro toca en su propia plataforma, mientras Maxim se mueve de un lado a otro del escenario-, el grupo convierte Calvià en una mina de bombas sonoras, disparando sus excitantes beats industriales, sintetizadores radiactivos y espectaculares visuales que sin duda roban toda la atención, siendo el absoluto centro visual, en especial esos imponentes fusiles flotantes en diseño 3D que parecen estar físicamente sobre el escenario.
Con un Mallorca Live rendido ante la potencia sónica de The Prodigy, el set, que abre con ‘Omen’ y sigue con las explosivas ‘Light Up the Sky’ o ‘Invaders Must Die’, no escatima en envolventes rayos láser que bañan de amenazantes luces verdes y rojas toda la pista. El grupo remata con la apoteósica ‘Smack My Bitch Up’ justo antes de los bises, y yo no puedo evitar recordar aquel éxito de t.A.T.u. que estaba tan inspirado en ella. Para muchos, ‘Not Gonna Get Us’ fue nuestra puerta de entrada a Prodigy, sin saberlo.
Taylor Swift encabeza la nueva lista de singles en Reino Unido con ‘I Knew It, I Knew You‘, su tema para ‘Toy Story 5’. La canción ha logrado lo equivalente a 52.434 copias solo en las islas, y esta vez puede presumir de que habría sido top 1 igualmente sin la ayuda del soporte físico, o variante alguna.
El tema ha obtenido 42.978 puntos de streaming, por 42.116 de ‘Rein Me In’ de Sam Fender y Olivia Dean. Han ayudado a asegurar las 4.000 descargas de mp3 y los 5.000 CD singles vendidos por Taylor, pero no han sido determinantes como en otras ocasiones.
Este es el 7º número 1 para Taylor Swift en Reino Unido tras los conseguidos por ‘Look What You Made Me Do’ (2017), ‘Anti-Hero’ (2022), ‘Is It Over Now?’ (Taylor’s Version) (2023), ‘Fortnight’ (feat. Post Malone, 2024), ‘The Fate Of Ophelia’ (2025) y ‘Opalite‘. Como veis, son todos bastante recientes y ninguno procede de ‘Red’ o ‘1989’. Aquellos singles rondaron el top 5, destacando el número 2 conseguido por ‘I Knew You Were Trouble’ y ‘Shake It Off’.
En cuanto a ‘I Knew It, I Knew You’, debutó en el Global de Spotify en el número 1 y después ha ido bajando. En su 7º día de vida, la encontramos en el puesto 9, aunque seguramente remontará cuando ‘Toy Story 5’ se estrene la semana que viene.
Por otro lado, Taylor Swift está de actualidad por ser la artista más joven que jamás se haya reconocido en el Songwriters Hall of Fame. Sombr, que para ella representa el futuro de la música, ha interpretado dos temas en su honor, ‘Cardigan’ y ‘Dear John’. Como recoge Billboard, Swift ha dado un emocionado discurso de 20 minutos, en el que ha hablado de su recorrido profesional: “Si recuerdo mis 23 años de carrera musical, los altibajos y las batallas de la industria, las pruebas y tribulaciones, los vítores y las lágrimas y la avalancha de dudas, las críticas —tanto justas como injustas—, la pérdida total de privacidad, las giras mundiales y las guerras de egos, y los giros del destino, el caos mágico absoluto de este camino que elegí cuando era demasiado joven para recordar siquiera que fuera una elección, componer canciones fue lo más fácil que he hecho en mi vida”.
En la misma ceremonia se ha honrado a Alanis Morissette, a Gene Simmons y Paul Stanley (Kiss) o ha actuado RAYE.
En un contexto audiovisual donde ‘The Bear’ gana premios como mejor serie cómica y producciones como ‘Ted Lasso’ o ‘Terapia sin filtro’ se consideran “divertidísimas”, la despedida de ‘Hacks’ es una catástrofe de dimensiones homéricas, el fin de la comedia televisiva. Menos mal que aún nos queda ‘The Studio’.
En realidad, el final de ‘Hacks’ llega en el momento perfecto. Ni demasiado pronto, como ocurrió con la añorada ‘Mindhunter’, ni demasiado tarde, como les sucedió a ‘Homeland’ o ‘El cuento de la criada’. La cuarta temporada, aunque notable, ya dejaba entrever algunos síntomas de agotamiento: reaparecían las mismas dinámicas narrativas, los mismos conflictos dramáticos y debates ideológicos muy similares. La serie seguía funcionando porque Deborah y Ava son dos de los personajes mejor escritos de la ficción actual y su química es indestructible, pero empezaba a percibirse cierto desgaste.
Además, como ha ocurrido con ‘Euphoria’, cuadrar agendas iba a ser cada vez más complicado. La carrera de Hannah Einbinder está despegando de tal manera (acaba de presentar en Cannes la que promete ser una de las películas del año, ‘Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma’) que seguir rodando diez episodios al año como protagonista no iba a ser tarea fácil.
Esta quinta temporada ha sido, como adelantaron sus creadores Lucia Aniello y Paul W. Downs, “alegre y luminosa”. Tanto como esa versión de ‘Happy Days’ de Judy Garland y Barbra Streisand que suena al final del último episodio. El peso cómico y dramático de la serie sigue sustentado en la relación entre Deborah y Ava. Sin embargo, ya no se insiste en la dinámica basada en el antagonismo, el choque cultural o el conflicto generacional. Su vínculo se ha transformado en una amistad sincera y profundamente cómplice.
Ese cambio de tono, más amable, menos conflictivo, permite a ‘Hacks’ despedirse a lo grande. Y a lo grande en una comedia es haciendo reír. A carcajadas. Hay episodios en esta temporada, como el quinto (‘D’Amazing Race’) o, especialmente, el séptimo (‘Montecito’), que son pura chufla de principio a fin. También, como era de esperar en una despedida, hay momentos para sacarnos una lagrimilla.
Pero, como todo buen monólogo, siempre hay un chiste final. Un chiste -no lo voy a reproducir para no hacer espóiler- que condensa a la perfección todo lo que ha sido Deborah Vance durante estas cinco temporadas: una mujer incapaz de renunciar al humor (y a la vanidad), incluso cuando habla de aquello que más teme.
No habrá más temporadas de ‘Hacks’, pero sí nuevos proyectos de Lucia Aniello y Paul W. Downs. Ambos han renovado su contrato con HBO y ya han confirmado que están trabajando en una nueva serie. De comedia, por supuesto.
Olivia Rodrigo publica hoy su tercer disco, ‘you seem pretty sad for a girl so in love’, precedido de dos números 1 a nivel global, ‘drop dead‘ y ‘the cure‘. Ambos fueron top 1 en el Global de Spotify aunque fuera solo durante un día; ‘drop dead’ fue número 1 tanto en UK como en USA, y ‘the cure’ ha quedado en el top 2 en Reino Unido y en el top 5 en Estados Unidos.
El álbum de nuevo construido junto a su mano derecha Dan Nigro, reincide en el sonido pop-rock de otras entregas de Olivia Rodrigo, aunque ampliando la paleta a otros sonidos. Si ‘stupid song’ se va acercando poco a poco a la parte más bailable de Haim, otras dos canciones se zambullen en territorios ochenteros, ‘my way’ y sobre todo ‘expectations’.
Cuando parece que al final del álbum solo van a caber baladas como ‘less’ o la orquestada ‘cigarette smoke’, de 6 minutos de duración, ‘expectations’ es un soplo de aire fresco que recuerda incluso a Human League. También hay que destacar como nueva favorita ‘maggots for brains’, formada con una deliciosa caja de ritmos muy lo-fi.
El disco alterna piezas acústicas como ‘begged’ o ‘honeybee’ -esta última con coros de Conan Gray- con otras más indie pop como ‘u+me=<3'. Algunas van cambiando sobre la marcha, como 'purple'. Como indica el usuario ElPajarito en nuestro foro de Olivia Rodrigo, ‘what’s wrong with me’ con nada menos que Robert Smith ha perdido algo de fuerza respecto a lo visto en Primavera Sound. O eso, o fue el impacto de lo inesperado. Robert Smith no es co-autor del tema pero sí aparece acreditado como «corista», guitarrista, pianista, bajista e ingeniero.
En cualquier caso, el «focus track» y nuestra Canción del Día es ‘stupid song’, otra de sus composiciones in crescendo. El tema empieza a piano, no exento de toxicidad («dicen que el amor de verdad es una jaula que te hace sentir libre»). Después, coge carrerilla cuando Olivia «pasea por el parque con la cabeza bien alta, dejando atrás a las chicas de la universidad y a los chicos borrachos».
Ella está enamorada, aunque no parece ser tan correspondida («deberías sentirte como yo me siento cuando alguien dice tu nombre») y termina desquiciada en un pre-estribillo en el que reconoce estar «volviéndose loca». El título del tema viene de la gran frase: «Soy un coche que va a toda velocidad, por el bulevar sin frenos / Y te deseo más de lo que cualquier canción estúpida podría expresar».
El vídeo en este caso es bastante literal: un triste paseo con una Olivia Rodrigo afectadísima, a la que acaban acompañando unas bailarinas de ballet, también unos gatos, y una lluvia falsa como la casita del vídeo de ‘the cure’. Y es que el álbum «de canciones tristes de amor», según Billboard, podría haber terminado retratando o anticipando su ruptura con su novio durante dos años, Louis Partridge.
Anitta ha publicado esta primavera un disco diferente, marcado por las melodías brasileñas, más que por los ritmos, y con un muy visible carácter espiritual. Uno de los temas se llama ‘Deus existe’, la última canción es una oración directamente y hay en este ‘EQUILIBRIVM’ un gusto por la «Ternura» muy lejano al espíritu de hits tan brutos de la pasada década, como ‘Vai malandra’.
La simpática ‘Nanã’, que es una de las pocas canciones bailables, está dedicada a la deidad de origen yoruba, y en las entrevistas Anitta está contando que el álbum habla sobre cómo ve a Dios. El mantra de ‘Ouro’ es «buscar algo que valga más que oro», y su letra invita a abrazar lo negativo que nos ocurre para poder seguir adelante con nuestras vidas: «La vida no deja de presentarte momentos de tristeza, de estrés, ira, dolor / El equilibrio no es la ausencia de eso / El equilibrio es sentirlo, experimentarlo, pero regresar al camino del medio».
La bossa nova, la samba, el reggae, incluso los detalles jazz empapan una primera parte del álbum muy tranquila y chill, con una Anitta muy relajada, que se está buscando a sí misma. En principio el concepto del álbum implicaba que esa primera parte estuviera en portugués, y la segunda mitad se pasase al inglés y al castellano. Anitta no tiene la suerte de Bad Bunny -que 60 millones de personas hablen en Estados Unidos su lengua materna-, y después del pelotazo dado con ‘Envolver’ en español lo sabe demasiado bien. No podía arriesgarse tanto.
Sin embargo, lo que ocurre en la segunda mitad, más que un cambio de idioma (vuelve el portugués al final del todo) es que el concepto se va pervirtiendo. En la primera parte de ‘EQUILIBRIVM’ vemos a Anitta colaborar sobre todo con artistas femeninas brasileñas en canciones suaves: Melly en ‘Ternura’, Luedji Luna en ‘Bemba’, Liniker en ‘Caminhador’, Marina Sena en ‘Mandinga’… El dúo con Anitta es el tema más escuchado ahora mismo de casi todas ellas. Esto es, la superestrella internacional les ha dado visibilidad y Anitta, por su parte, se acerca a lo que se podría entender como un disco de madurez… que no lo es exactamente.
En realidad que Anitta se propusiera hacer un álbum «serio» ya era decepcionante para quienes consideráramos ‘Funk Generation‘ una cosa muy seria. Pero lo peor es que en un momento dado el que pretendía ser el álbum más brasileño de Anitta se deja llevar por Shakira en una ‘Choka Choka‘ que realmente choka choka en esta secuencia… como el sonido a lo Karol G de ‘So Much Love’ o el manido sample de ‘Moments of Love’ en ‘Vai dar Caô’. El clásico de Art of Noise contiene una de las melodías más hipnóticas de la historia, y ella lo integra con los ritmos brasileños, pero desvirtúa un poco un álbum que se había caracterizado por su vinculación con la tierra.
Sin grandes «highlights» en su parte más atemporal, ni tampoco en sus «bonus» más rítmicos, ‘EQUILIBRIVM’ contiene grabaciones agradables, solo que sin conformar el disco más «equilibrado» de Anitta.
Río Babel ha dado a conocer los horarios de su próxima edición, que volverá a celebrarse en el Auditorio Miguel Río de Rivas-Vaciamadrid durante los días 3, 4 y 5 de julio. Es otro año libre de grandes solapes. Además, se confirma la nueva incorporación de Orestes Gómez a la programación del domingo.
Bandalos Chinos inaugurarán la jornada del viernes 3 comenzando a las 18:20h. Iseo & Dodosound continuarán la fiesta a las 19:20, coincidiendo de forma parcial con Machaka (19:55h), mientras que Chambao celebrarán su 25 aniversario a las 20:25h. El único concierto de Amaia en Madrid de 2026 se celebrará a las 21.40h, La M.O.D.A. tomarán el relevo a las 23h, La Pegatina a las 00:35h y Ultraligera despedirán el día a la 1:50h. Juventude y Louta, en el escenario Ambar, estarán a las 22:20h y 00:00h, respectivamente.
El sábado 4 de julio incluirá las actuaciones de Oslo Ovnies (18:15h), Irepelusa (19:20h), Molotov (20:25h) y Chiquita Movida (22h), hasta la salida de los cabezas de cartel The Offspring, que saldrán al escenario a las 23:15h. Caramelos de Cianuro (00:50h) y Son Rompe Pera (02:05h) despedirán la jornada más rockera de Río Babel. Eskorzo (19:55h), Ilan Amores (21:25h) y Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad (00:25h) completan el día.
Por último, el domingo 5 de julio será el momento del esperadísimo concierto de Katy Perry, que estará en el escenario Johnnie Walker a las 22:25h, para una hora y media de show. Previamente, Tú Peleas Como Una Vaca (19:10h), Yami Safdie (20h) y Bomba Estéreo (21:05) ya habrán llevado a cabo su espectáculo. Despues de Perry, fiesta de despedida a cargo de La Casa Azul, justo a medianoche. Orestes Gómez (18:20h) y Yadam (20:30) tampoco se lo perderán.
El Auditorio Miguel Ríos de Rivas-Vaciamadrid contará con fácil acceso en transporte público gracias a la conexión con la estación de metro Rivas Futura (Línea 9, Zona B1) y diferentes líneas de autobús. También habrá servicio de taxi y VTC durante todo el evento.
Para quienes acudan en vehículo privado, el festival dispondrá de parkings gratuitos con plazas asignadas por orden de llegada y espacios reservados para personas con movilidad reducida. Asimismo, Río Babel pondrá a disposición del público un servicio de lanzaderas de regreso hasta la Estación Puerta de Atocha-Almudena Grandes al finalizar los conciertos.
Hoy 12 de junio se publican los nuevos discos de Olivia Rodrigo, Bebe Rexha, Algora, Mon Laferte (‘Femme Fatale 2’) y también el nuevo EP de Belén Aguilera. Un pedacito de todos ellos está disponible en nuestra playlist Ready for the Weekend.
En España las novedades están dominadas por lo nuevo de Dellafuente y la colaboración de Ana Mena con Lola Indigo. Pero también hay que hablar de lo nuevo de Ganges, La Tania, Blanca Paloma, Metrika, Juicy Bae, Bb trickz o, en un plano más indie, La Paloma y joseluis.
En el mercado internacional, hay tema de BTS, Tove Lo con Stromae, Interpol o incluso Kanye West. Suede publican un bonus de ‘Antidepressants’.
La Casa Blanca continúa usando con muy mal gusto música pop para acompañar acciones del ICE, el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas que ha aterrorizado a la población mundial y se ha llevado la vida de varias personas. En esta ocasión, han subido un vídeo a TikTok que incluye ‘Bye’ de Ariana Grande, un tema incluido en su último álbum hasta ahora, ‘eternal sunshine‘.
Ariana Grande ha sido contundente, dejándoles un comentario: “Por favor, no volváis a usar mi música en relación con este sinsentido de barbarie, inhumanidad y atrocidad”. Según informan varios medios, el comentario ha sido ocultado o eliminado por la Casa Blanca, cuando varios fans de Ariana Grande ya habían hecho pantallazos.
La artista está inmersa en la promoción de un nuevo álbum que sale a finales del próximo mes de julio. De momento conocemos el adelanto ‘hate that i made you love me‘, que ha conseguido ser la canción más escuchada del mundo durante 8 días no consecutivos, en Spotify.
Desde que el intermedio de la Super Bowl se ha instalado en la conversación social a nivel mundial, no solo en Estados Unidos, varios eventos deportivos han intentando muy fuerte lograr un impacto parecido. Pero ningún evento está poniendo los medios, ni siquiera la FIFA.
En la inauguración del Mundial de 2026 en Ciudad de México, Shakira y Burna Boy presentaron el himno oficial ‘Dai Dai’ en un escenario marcado por su austeridad. Los artistas ni se molestaron en quitarse las gafas de sol. O no podían, o no querían ver.
El cuerpo coreográfico de Shakira y la propia Shakira, con su movimiento de cadera particular, cumplieron. Eso nunca falla. En cuanto a Burna Boy, su voz no pudo sonar más enlatada. Lo mismo podría haber estado que no haber estado. En algunos planos seguía sonando su voz y él no estaba. Ese fue el nivel.
Aunque lo peor es ese suelo del tipo gimnasio que hizo imposible, por ejemplo, que cantantes y bailarines pudieran actuar en tacones. Unas telas, sí, unas telas provocaron que los artistas tuvieran que actuar con zapatillas deportivas. Los artistas al servicio del fútbol y no al revés, a diferencia de la Super Bowl, donde el encanto es que hasta se te olvide que estás viendo un partido.
Con todo, la actuación ha sido un éxito que promete relanzar ‘Dai Dai’, un tema que entró muy tímidamente en listas pero que ya ha subido al top 45 del Global de Spotify. Y al número 21 en España. Seguirá subiendo, pues la actuación ha sido vista en Youtube 6 millones de veces en 8 horas. El vídeo no se puede incrustar, pero puede verse en Youtube.
El 19 de julio, Shakira volverá a actuar en el Mundial, a su cierre, junto a BTS y Madonna.
Los tres primeros conciertos del ‘Lux Tour’ de Rosalía en Estados Unidos no han podido realizarse por una emergencia familiar. Billboard informa de que estos tres shows ya han sido reubicados. El concierto de Orlando pasa al 9 de septiembre, mientras que los de Miami serán los días 14 y 16 de septiembre.
Por otro lado, en la noche de este jueves 11 de junio, el tour ha empezado en Boston, con uno de los bailarines en el confesionario.
Rosalía se ha referido por primera vez en un momento al inconveniente de posponer algunas fechas, visiblemente emocionada: «Ha sido un viaje muy largo para poder veros aquí. Es un sentimiento muy bonito actuar para vosotros. Gracias por entenderlo. Los seres queridos tienen que ir primero. Cuando algo inesperado te pasa, puede ser muy difícil seguir adelante. Pero de verdad creo que hacer esto merece la pena».
ROSALÍA speaks for the first time about what happened that forced her to postpone three LUX TOUR shows:
“It’s such a long, long journey to see you all here. It’s such a lovely feeling to be able to perform for you. Thank you for being so…
Una de las satiristas más afiladas del mundo actual que tenemos, SVSTO (Carla Parmenter) ha vuelto estos días con el lanzamiento de un nuevo single que lleva totalmente su marca: ‘Bar Manolo‘ es una reivindicación de la sencillez a golpe de electroclash, construida en torno a la imagen del típico bar español que permanece impermeable a la gentrificación. Precisamente de la crisis urbanística hablaba ‘Mil €‘, mientras que la performance del feminismo radical estaba presente en esa ‘Venganzza’ que tenía como referentes lo mismo a Virginie Despentes que a la rave alemana.
Con motivo del lanzamiento de ‘Bar Manolo’, SVSTO es la nueva invitada a la sección comisariada por Jägermusic «Meister of the Week«, donde los artistas ahondan en aficiones no relacionadas con la música. SVSTO elige hablar de su fascinación por la Factory de Andy Warhol -que no por Warhol- y sus musas, entre las cuales se encuentran Nico o la mil veces referenciada Edie Sedgwick.
¿Por qué decides hablar de las superestrellas de Warhol?
En mi época de la uni estaba bastante obsesionada, hasta el punto de que hice el trabajo final de carrera sobre posmodernismo y las pelis de Warhol. Me atraía el hecho de que iba más sobre los personajes y la performance que sobre contar una historia con principio, nudo y desenlace. Tengo que decir que, más que el personaje de Warhol, me fascinaba el concepto de la Factory y de la contracultura en el Nueva York más decrépito de finales de los 60 y 70. También el hecho de rodearte de locas. I can relate.
¿Te identificas con alguna en concreto?
A ver, la mayoría eran niñas ricas que se habían rebelado. Las que más me gustaban eran Viva, que es una de las pioneras en hacer videoarte, y por supuesto Candy Darling (“no soy una mujer auténtica, pero ¿a quién le interesa la autenticidad?”) y Jackie Curtis. La Jackie, aparte de tener las mejores cejas del universo, era una performance viviente. Cada año se casaba con uno diferente y hacía bodorrio. Y claro, Nico, con su voz de haberse fumado 500 Ducados, me encandiló totalmente. Pensé: ah, ¿que se puede cantar mal y tener un grupo? Allá que voy.
Warhol exhibió a sus superestrellas en sus películas underground, como ‘Flesh’, ‘Heat’ o la controvertida ‘Blue Movie’; ¿cuál sería para ti la mejor película de Warhol?
Es fuerte pensar que las vi todas porque realmente son infumables. Parece ser que mi capacidad para prestar atención no estaba completamente devastada en 2010. Pero sí, recuerdo ‘Flesh’, ‘Heat’ y ‘Trash’ como las que más me gustaron. Cuando cumplí 22, mis padres me regalaron un viaje a París para ir a ver una expo de Warhol, y recuerdo que proyectaban la película de su amigo durmiendo durante 8 horas y estuve un buen rato viéndola. Fascinante, porque ahora no puedo ni acabar de ver un reel.
«La mayoría de superstars de Warhol eran niñas ricas que se habían rebelado»
¿Crees que las Warhol Superstars eran realmente “actores” o más bien personas interpretándose a sí mismas dentro del universo Factory?
Yo creo que la gracia era eso, que no sabías si estabas viendo un documental de gente completamente ida o si era una parodia de ellos mismos. Igual eran las dos cosas a la vez.
¿Cuánto de realidad y cuánto de ficción percibes en las películas de Warhol?
Un profesor que tuve decía que no existe la realidad en el cine. Los documentales también son ficción porque siempre hay una intención detrás, y el hecho de que decidas colocar la cámara en un lado u otro ya es manipular la realidad, igual que lo que decides montar.
¿Warhol explotaba emocionalmente a sus musas o les ofrecía una plataforma de visibilidad que no habrían tenido de otra forma?
Creo que las dos son verdad. Por un lado, alzar a personas queer y disidentes al estatus de superstar en aquella época me parece genial, pero no creo que ninguna acabara mejor de lo que estaba antes. Y Warhol tenía una pinta de ser una bicha que flipas.
Edie Sedgwick es la superestrella warholiana más influyente, inspirando trabajos de The Velvet Underground, Lady Gaga o un disco entero de Alizée. ¿Cómo explicas esta fascinación por ella? ¿Qué la diferencia de las otras “musas”?
A mí lo que me pasa con Edie es que tuvo este revival hipster millennial y la hemos visto hasta en la sopa. De ella me quedé con el look de ir en bragas y medias.
¿Las superestrellas de Warhol han inspirado la obra de SVSTO u otros de tus proyectos?
Sí, a nivel estético sobre todo. También estaba obsesionada con los primeros tres álbumes de The Kills, que bebieron mucho de The Velvet Underground, y me flipaban sus letras. Y también me interesaba cómo Warhol, en vez de crear cosas de 0, cogía imágenes ya existentes y las recontextualizaba. Esto, de manera obviamente muy mamarracha, es algo que nos gustaba hacer con Las Bistecs. Por ejemplo, coger un trozo de poema de Machado y ponerlo en una canción electrónica. Sorry, Machado, en realidad eso no tiene perdón.
«Alzar a personas disidentes a superstars en aquella época me parece genial, pero no creo que ninguna acabara mejor de lo que estaba antes»
Fue muy sonado el caso de Valerie Solanas, que intentó matar a Warhol. ¿Crees que su atentado contra Warhol debe leerse como un acto político, psicológico o una mezcla de ambos?
En mi tema ‘Venganzza’ tenía un verso dedicado a Valerie Solanas, pero al final no lo puse. Ella escribió el manifiesto ‘SCUM’, que literalmente quería, entre otras cosas, aniquilar el sexo masculino. Disparar a Warhol no fue un acto político por eso, fue porque tenía la paranoia de que este le quería robar un manuscrito.
Hay verdaderas curiosidades en el grupo de superestrellas: Bibbe Hansen es la madre de Beck, Ultra Violet es la madre de Gaby Hoffmann (‘Girls‘)… ¿Hay alguna que quieras destacar y que la gente conozca menos?
No sé mucho sobre ella, pero me acuerdo de su nombre, que me parece increíble: International Velvet. ¿Hola? Ponerte International de nombre me parece ideal.
Si la Factory hubiese existido en la era de las redes sociales, ¿qué superestrella crees que habría sido influencer hoy?
Creo que ellas hubieran sido antiinfluencers porque de wellness nada jajajaja.
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