Viva Belgrado lanzaron uno de los mejores discos de 2024 y este mismo año podremos escuchar su sucesor. Mientras que ‘Cancionero de los cielos’ mezclaba los inicios screamo y pesados del grupo cordobés con sonidos más luminosos, ‘Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye’ apunta a ser un proyecto «más oscuro y riffero, más conciso y menos etéreo». Este verá la luz el próximo 23 de octubre.
El primer adelanto del proyecto se llama ‘Un andalucito más’ y es la Canción del Día. Esta cumple todo lo que describe la banda sobre el que será su quinto disco, que llegaría en «uno de los momentos más dulces en la historia de la banda»: un potente riff que atraviesa todo el tema, letras furiosas ancladas en la realidad y la misma capacidad de fusionar distintos campos del rock.
«Si me persigues corro como un galgo o cruzo el mar si es necesario, llego hasta el sustrato» o «Si me asaltan las dudas al cuello, voy sin pensar» son algunas de las frases que Cándido Gálvez dispara en los versos. Este grita que «es la única forma al final» justo antes del melódico estribillo de la canción: «No dejo de varear, un andalucito más».
Este primer adelanto también será el track 1 del álbum, el cual tratará sobre «el peso del pasado, los procesos cíclicos que nos llevan una y otra vez de vuelta al inicio, la celebración de la amistad o el deber de ofender».
Tracklist:
1. Un andalucito más
2. Y fluye
3. Demasiado pasado
4. Calienta que sales
5. Amor a 136 bpm
6. Amor en Em
7. Menquitofla (feat. Alain Johannes)
8. El deber de ofender
9. Varios demonios
10. Memorabilia
11. Súper futuro
Si alguna vez hubo beef entre Rosalía y Karol G, se ha terminado oficialmente. En el último concierto del LUX Tour, la artista catalana ha presentado a «la única e inigualable» Karol G para que la acompañe en el confesionario, donde ha contado la historia del ex al que no le gustaba celebrar sus cumpleaños con ella.
Allá por 2024, se rumoreaba que podía haber alguna especie de enemistad entre Karol G y Rosalía a raíz del lanzamiento de ‘Si antes te hubiera conocido’ y su parecido con ‘Despechá’. De hecho, JENESAISPOP hasta publicó un artículo comparando los parecidos entre ambas canciones. Anoche, en el KIA Forum de Los Ángeles, todo se arregló.
«Qué alivio conocerte», dice Karol después de abrazar a Rosalía. «Ya nos conocíamos de alguna vez, de decirnos hola y adiós rapidísimo, pero ahora se siente como otro nivel de amistad», respondió la artista española. Toda la interacción en el confesionario la llevaron a cabo en español: «Yo estaba en una relación donde esa persona no le gustaba celebrar su cumpleaños conmigo», confesó Karol.
Después de describir cómo esperaba «la excusa para el siguiente año» cada vez y preguntar «cuál es la oración que tengo que hacer», Rosalía intenta buscar una razón válida: «Sé que hay gente a la que no le gusta cumplir años, pero aun así tendría que querer estar contigo», declaró. Karol fue clara: «No era el caso, le gustaban sus cumpleaños».
Por último, esta contó la peor parte de la historia, en la que la dejaron en la sala de espera de un aeropuerto: «En el último cumple nos íbamos de viaje, ya estábamos con las maletas en el aeropuerto porque íbamos a celebrar el cumple en otra parte del mundo. ¿A ti te han dejado alguna vez en la sala de espera del aeropuerto?», contó La Bichota. Rosalía terminó animándola a su manera: «Si en el tercero no lo quiere celebrar y en el cuarto cumple me deja en el cuarto de espera, yo le digo que venga, hasta luego y nunca más».
ROSALÍA INTRODUCES KAROL G TO HER AUDIENCE AT THE KIA FORUM ARENA TONIGHT ON THE LUX TOUR:
Karol G talks about a relationship in which her partner did not like celebrating his birthday with her and, every year, found an excuse to avoid spending that date with her. She shares this during a confession at the Confessionario of the LUX TOUR tonight in California.
41 comentarios en la noticia del single de un artista emergente son una hazaña poco habitual en JENESAISPOP. Lo logró Montedapena hace meses gracias a la pegada de ‘No te tires a un facha‘, su single guitarrero y antifascista, que contenía incluso algún trazo metal que ahora empezamos a entender mejor, ya que en su entrevista para la sección comisariada por Jägermeister, «Meister of the Week«, Montedapena ha decidido desempolvar su afición musical más temprana: el metal sinfónico. Una influencia en la música del pontevedrés Héctor Rodríguez que puede ser más o menos evidente -cortes como ‘Lista de checks’ tiran más por el punk rock-, pero que está ahí. Montedapena nos habla de sus artistas y discos favoritos y explica por qué este estilo musical ya no es mainstream, como lo fue hace un par de décadas gracias a grupos como Within Temptation.
¿Por qué eliges hablar de metal sinfónico?
Porque es el estilo musical que más me hizo apasionarme por la música, ser fan loquito de bandas y querer hacer un grupo musical del estilo.
¿Qué elementos crees que necesita una música para ser considerada metal sinfónico?
Igual es una respuesta un poco obvia, pero algo de metal (guitarreo y base rítmica metal), algo sinfónico (con unos violines a veces es suficiente, pero hay grupos que graban con orquestas sinfónicas enteras) y, en la mayor parte de ocasiones, una voz femenina al frente.
¿Hay algún momento (una canción, un arreglo o una introducción orquestal) que te haya marcado especialmente?
Yo creo que la epicidad que tiene, ‘Nightfall’ de Xandria me marcó mucho.
¿Cuándo descubriste esta música y a partir de qué artistas o discos?
La descubrí cuando era adolescente, más o menos a los 14 años. Me empezaba a interesar el rock y el metal en general y, descargándome música para meter en el mp3, descargué un par de temas de Epica (eran del disco ‘The Phantom Agony’). No conocía el grupo, pero a veces descargaba cosas que me aparecían recomendadas, y estuve escuchando esas dos canciones en bucle toda una semana que estuve de camping con mi familia. Estábamos sin internet y no podía descargar nada más del grupo ni ver cómo eran ni nada, entonces creo que esto me generó mucha expectación e interés sobre la banda. En cuanto llegué a casa, ya me puse a descargar toda su discografía y a ver directos en YouTube y de todo sobre ellos.
¿Qué artista o grupo representa mejor el género, sea o no tu favorito, y por qué?
Yo creo que Nightwish es el claro ganador, por la trayectoria que tienen y por ser quienes más pusieron este género en el mapa.
Si tuvieras que recomendar una sola canción para entender el género, ¿cuál sería?
‘Ghost Love Score’ de Nightwish.
¿Qué discos de metal sinfónico te parecen los mejores de la historia?
‘Imaginaerum’ de Nightwish, ‘Design Your Universe’ de Epica, ‘Mother Earth’ de Within Temptation y ‘Apocalypse and Chill’ de Delain.
¿El metal sinfónico te ha influido o inspirado en tu propuesta musical?
Totalmente, sobre todo en las melodías y armonías que usan, que generalmente suelen ser bastante pop.
Por otro lado, tengo una teoría de por qué me inspiraron y atraían tanto estos grupos. Yo tenía unos gustos musicales muy marcados con el metal y, a la vez, me atraía mucho esa figura de las divas del pop, que son una clara influencia para las personas del colectivo (¿qué gay no tiene en un pedestal a una Madonna, Britney, Lady Gaga…?). Pues creo que para mí esas divas eran Floor Jansen, Simone Simmons, Tarja, Charlotte Wessels…
«El metal sinfónico no sale en la prensa porque no está de moda y la prensa solo habla de lo que interesa a la gente. Hacen falta más referencias mainstream»
¿Qué opinión te merecen bandas como Within Temptation, que llegaron a vender millones y a sonar en Los 40 Principales? ¿Por qué crees que el metal sinfónico no ha vuelto a repetir este nivel de impacto comercial?
No lo sé, la verdad, pero a veces las modas comerciales vuelven. No descarto que pueda volver a pasar en un tiempo.
¿Crees que es un género incomprendido por moverse entre dos mundos?
Un poco sí. Incluso hay festivales de metal donde su presencia es prácticamente nula, ya que hay gente a la que le gusta el metal que, por algún motivo, rechaza este género.
¿Crees que el metal sinfónico está infravalorado en la prensa musical?
Supongo que no está de moda y la prensa habla de lo que a la gente le interesa y de lo que puede ser más mainstream, y a ese nivel sí que es un género que está de capa caída. Aunque haya muchas bandas nuevas buenísimas, no hay muchas súper conocidas, y menos aquí en España.
¿Qué importancia tienen para ti las letras dentro del metal sinfónico?
Si te digo la verdad, aunque es algo muy importante, nunca le di mucha importancia, pero es mi caso personal. Cuando me empezaron a interesar estos grupos no sabía mucho inglés (ahora no mucho más, ¿eh?), y las letras pasaban a un segundo plano, ya que todo lo importante para mí era la música.
¿Cómo ves la evolución del metal sinfónico en los últimos años?
Hay muchos grupos nuevos que salen buenísimos, no paran de salir bandas underground que flipas con ellas, pero sí es verdad que igual hacen falta algunos nuevos referentes más mainstream. Al final, muchas preguntas de esta entrevista las respondí con las mismas bandas, porque son los mayores referentes y parece que no hay nuevos como tal.
Si el metal sinfónico desapareciera mañana, ¿qué crees que perdería la música en su conjunto?
Perdería mucho más allá de no tener bandas del género, ya que muchos arreglos de directo de artistas pop actuales son claramente arreglos de metal sinfónico y hay mucha gente que bebe de aquí.
La audiencia de JENESAISPOP está a tope con el disco de Olivia Rodrigo. Una semana después de que la cantante lograra su primer top 1 histórico en nuestra web con ‘stupid song’, consigue llevar a la cima un single anterior, ‘the cure’. Muestra de la calidad compositiva de ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘.
Las entradas más fuertes directas al top 10 esta semana son las de Bebe Rexha, Rose Gray, Algora y Broken Social Scene. También entran Lori Meyers, Mon Laferte, DELLAFUENTE y Cupido.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
The Rolling Stones han lanzado otra dupla de sencillos con motivo de la publicación de su próximo disco, titulado ‘Foreign Tongues’ y esperado para este 10 de julio. Los nuevos adelantos del disco son ‘Jealous Lover’, un melódico y sexy R&B que podría recordar al de ‘Beast of Burden’, y ‘Divine Intervention’, un rock ‘n’ roll clásico en el que participa el mismísimo líder de The Cure a la guitarra.
Lo que más sorprende de ‘Jealous Lover’ en la primera escucha no es su aparente frescura, sino el inesperado falsetto con el que Mick Jagger da comienzo a la canción y que mantiene hasta la llegada del estribillo. A estas alturas de la película, obviamente el tema no representa nada nuevo en la carrera del grupo británico, pero sí demuestra que Jagger y los suyos siguen siendo capaces de firmar buenas canciones con su esencia intacta.
‘Divine Intervention’, por otro lado, suena como un tema de blues rock clásico, pero la interpretación del mítico frontman es tan viva que la canción acaba convenciendo totalmente y es nuestra Canción del Día hoy. El estribillo, eso sí, funcionaría por sí solo en cualquier contexto: «Intervención divina / No es una posibilidad / La vida es un juego de apuestas», canta un poderoso Jagger de 82 años.
Es en este tema en el que Robert Smith toca la guitarra eléctrica. El motivo de esto es totalmente insólito. Así lo cuenta Jagger, que se encontró un día a Smith en el estudio: «Había un tío dándome la espalda con una largo traje puesto. Cuando se giró, estaba cubierto de pintalabios. Y dije -nunca le había conocido- ‘¡Tú eres Robert Smith de The Cure!'». Smith confirmó quién era y Jagger no perdió el tiempo: «Bueno, ya que estás aquí, más vale que te pongas a hacer algo».
No está claro qué parte de guitarra es de la que se encarga el líder de The Cure, pero sí sabemos que no será su única contribución al nuevo disco de The Rolling Stones. Según Music Radar, a Smith sí se le podrá escuchar en la canción ‘Never Wanna Lose You’, en la que también toca el sintetizador.
No hay grandes entradas en la lista de singles española esta semana. Sin embargo, sí continúa la progresiva subida en la tabla de ‘Dai Dai’, el nuevo himno del mundial de fútbol de Shakira y Burna Boy. La semana pasada, esta pasaba del décimo al cuarto puesto, y siete días después la vemos entrar en el podio de la tabla, directa al tercer puesto. Eso sí, superar ‘Al Golpito’ y ‘La Graciosa’ de Quevedo estará mucho más difícil.
Por otro lado, la última colaboración de Ana Mena y Lola Indigo sí que ha tenido una de las mayores subidas de la semana. ‘Pa Ti Toa’ ha pasado del número 12 al 7, situándose justo entre las marcas históricas de ‘Madrid City’ (#8) y la de ‘Carita triste’ (#6), y superando esta semana a ‘Superestrella’ de Aitana, que también sube un puesto desde el número 9. La canción que más posiciones ha superado esta semana es ‘BNB’ de Young Miko y Clarent, que debutó en el número 23 y ha aparecido hoy ya dentro del top 10, en el número 9 concretamente.
La mayor entrada de la semana no la encontramos hasta el puesto 48 de la lista, con ‘Patolasgyales’ de Saiko y Chencho Corleone. Se trata de la única canción del nuevo disco del andaluz que ha conseguido entrar en la lista. ‘Los Angelitos’ sí que ha obtenido una gran posición en la lista de discos española.
El resto de entradas son de RVFV, que coloca ‘Corrupta’ en el número 52; Jay Wheeler, con ‘Fuga’ en el número 67; Mauvais Djo con ‘Maladie’ en el número 97 y, por último, ‘Guantánamo’ de Yapi, que entra en el puesto 98.
Olivia Rodrigo consiguió arrebatar el número 1 a Quevedo la semana pasada, gracias al lanzamiento de su tercer disco. Sin embargo, el reinado de la artista estadounidense ha llegado a su fin después de una semana, con ‘El Baifo’ desbancando a ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ del primer puesto. Rodrigo ahora se encuentra ocupando la segunda posición de la lista de discos en España, mientras que Bad Bunny continúa en tercer lugar después de 77 semanas.
Quien se ha quedado a las puertas del podio ha sido DELLAFUENTE. El artista granaíno se convierte en la entrada más fuerte de la semana en la lista gracias al lanzamiento de ‘BRIGADO,’, su octavo disco. La mejor posición histórica del artista en la clasificación se dio con su anterior LP, ‘Torii Yama’, que llegó al número 2 de la lista. Sin embargo, es difícil que se repita en esta ocasión con la presencia de Bad Bunny, Olivia Rodrigo y Quevedo.
Saiko, de la misma ciudad que DELLAFUENTE, también ha conseguido una buena posición en lista, con ‘Los Angelitos’ aterrizando en el número 6. El último disco de Kase.O, ‘Camisa de Fuerza’, también ha tenido muy buena recepción en la lista, teniendo en cuenta que no aparecía en esta desde 2018. Su nuevo disco ha entrado en el número 12. RVFV y Blessd completan las entradas de la primera mitad, con ‘Éxitos España’ entrando en el top 14 y ‘El Peor Hombre del Mundo’ en el 25.
Los dos conciertos de Linkin Park en Madrid (Rivas) han tenido su efecto en la lista de discos, con el último proyecto de la banda subiendo muchos puestos en la clasificación. ‘From Zero’ se encontraba en el número 55 de la lista, pero ahora representa la mayor subida de la semana al posicionarse en el top 28.
El resto de entradas de la semana lo completan Xiyo, Fernandezz y Dn.Aire con ‘$F VERANO MIX VOL.3’ (#53), Placebo con su ‘Placebo Re:created’ (#64) y, por último, Iazaak con ‘Millito’ (#93).
Benson Boone es una de las estrellas más divisivas del pop estadounidense actual. Mientras sus canciones suman reproducciones multimillonarias, la crítica pone en entredicho la calidad de su propuesta y se burla de su obsesiva afición a hacer saltos mortales.
Nada de esto cambiará con ‘The Time of My Life’, un single independiente que ve la luz apenas un año después de ‘American Heart‘ (2025) y que incide en las mismas virtudes y defectos de la propuesta de Benson Boone, tan dependiente de la nostalgia como incapaz de plantar cara a sus influencias.
‘The Time of My Life’ destaca por su desarrollo progresivo, que desentraña el drama poco a poco hasta llevarlo a su clímax emocional. Hay algo de Queen y de Billy Joel, así como del primer Harry Styles. Hay que elogiar la capacidad vocal de Boone para afrontar melodías muy agudas, sobre todo en el estribillo, y la ambición que demuestra la canción, al menos.
Pero ‘The Time of My Life’ no cuaja por dos motivos. La composición melódica no es brillante; de hecho, da la sensación de que aspira a la grandeza de los clásicos sin alcanzarla. Por otro lado, la letra recurre a los contrastes más simples: “Ahora cada día es una fiesta, pero cada noche es una pesadilla”. Por no hablar de la repetición del mismo verbo en el puente: “¿Cómo puede el mundo seguir adelante? Nunca me permitiré seguir adelante”. ¿No había otro verbo a mano?
‘The Time of My Life’ es la enésima canción de Benson Boone que abraza el drama excesivo -algo no tan habitual en pop stars masculinos- pero no puede evitar sonar a recreación de temas mejores. Al videoclip le han puesto esmero, eso sí, con un Boone más performer que nunca. Y no falta el salto, por supuesto.
Eran las 5 de la madrugada de una noche cualquiera de 2004, cuando Radio 2, la emisora de música adulta de la BBC, decidió pinchar ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’. Stuart Price viajaba junto a su conductor de Liverpool a Londres. En aquella época tenía una residencia en un club llamado The Masque y, tras acabar, volvía a casa. El DJ estaba ya medio dormido, pero aun así tuvo una revelación al escuchar el clásico de ABBA: tenía que hacer algo con esa línea de sintetizador tan chula. La sampleó para su siguiente sesión, añadiendo el «tic tac» de un reloj, y le gustó tanto que estuvo pinchando el resultado durante un par de meses.
Semanas después, se reunió casualmente con Madonna, a la que ya conocía por haber encarado la dirección musical de dos de sus giras, e incluso haber co-escrito uno de los temas de ‘American Life’ (2003), el acústico ‘X-Static Process’. La cantante había estado trabajando en dos musicales, uno llamado ‘Hello Success’ y otro que incluiría música punk, de los años 20 y también de la era disco. Por esto último le pidió a Stuart Price una pieza muy concreta: algo que sonara a «Danceteria, Studio 54 y ABBA tomando drogas». Stuart Price vio la luz y le dijo: «Espérate un momento», para buscar la pieza que había estado pinchando. A Madonna le encantó instantáneamente e improvisó un estribillo por encima, el que conocemos hoy.
Así nació ‘Hung Up’, el germen de ‘Confessions on a Dancefloor’. Concretamente, Madonna vio que sería un éxito cuando se lo puso a su propio conductor y este se emocionó tanto que estampó el coche contra un «stop». Madonna le despidió, según cuenta Giulio Mazzoleni en ‘Madonna Songbook’, pero supo definitivamente que lo que tenía entre manos no era moco de pavo.
Un emisario con una carta escrita por Madonna se presentó personalmente en Suecia para convencer a Benny Andersson y Björn Ulvaeus de ABBA de dejarles usar dicho sample. Los autores de «Gimme!», que habían rechazado toda petición de samplear su música salvo honrosas excepciones, se dejaron seducir por las formas tan educadas mostradas por Madonna, porque les gustaba la nueva canción… y porque exigirían el 50% de los créditos de tamaño hit, lo que sin duda iba a engrosar sus arcas en un momento en el que el streaming todavía no había explotado.
Para Madonna fue fácil abandonar el proyecto de los dos musicales que había barajado. Al recibir el guión de uno de ellos, de 300 páginas, se dio cuenta de que simplemente no le gustaba. De repente era mucho más estimulante trabajar con Stuart Price, a quien había infravalorado como autor, desarrollando algunas ideas que tenía para el musical. ‘How High’ y ‘Like It Or Not’ vendrían de aquellos guiones.
Quien no quiso trabajar en ‘Confessions on a Dancefloor’ fue Mirwais. Está aceptada generalmente la idea de que Madonna exprime a sus productores hasta dejarlos secos y luego los abandona como una servilleta de usar y tirar. Sin embargo, fue Mirwais quien se bajó del barco, no sin antes dejar gemas como ‘Future Lovers’, inspirada en Giorgio Moroder y con el mismo sintetizador Moog de ‘I Feel Love’; o ‘Let It Will Be’. «Se suponía que yo iba a hacer gran parte de «Confessions», pero lo tuve que dejar. Trabajé en dos pistas, que se suponía que iban a ser cinco o seis. Para serte sincero, hoy no me habría bajado del proyecto. Pero tenía algunos asuntos que resolver (…) Yo ya era artista antes de conocer a Madonna. Ese es uno de los secretos de nuestra relación, y ella lo sabe», declararía a The Guardian en 2020.
Madonna trabajaría con Anders Bagge y Peer Åström en ‘Get Together’ y con Bloodshy & Avant en ‘How High’ y ‘Like It Or Not’. Ella nunca puede parar de colaborar y buscar cosas nuevas. Pero el encanto de ‘Confessions on a Dancefloor’ es que es un álbum desarrollado mayoritariamente junto a Stuart Price. Sin cien mil co-autorías en los créditos. Grabado en el estudio casero e ilegal que el responsable de Zoot Woman y Les Rythmes Digitales tenía en Londres, y al que solo se podía acceder subiendo una aparatosa escalera. Allí no había habitualmente ni comida, ni bebida, ni tabaco, hasta el punto de que Madonna tenía que pedir al personal de servicio de su casa en Londres que les acercaran víveres. Y sin embargo, estaba encantada porque aborrece los estudios profesionales. No se quita de la cabeza cuánto cuesta alquilarlos, y grabar de manera rudimentaria le recuerda la espontaneidad de sus inicios.
En ‘Confessions On a Dancefloor’ hay mucho de esa espontaneidad, algunas canciones salieron muy rápidamente y se nota. Su proceso de grabación se comparó con el de «dos niños jugando en el estudio» hasta altas horas de la madrugada, el horario en el que Stuart Price estaba acostumbrado a pinchar. Por ejemplo allí construyeron ‘Forbidden Love’ y terminaron ‘I Love New York’, que había salido en una prueba de sonido de la gira anterior, después de que la policía escoltara a la artista hasta uno de sus conciertos en el Madison Square Garden.
La libertad es uno de los temas más repetidos de un álbum de letras un tanto intrascendentes y hedonistas, sobre todo en su primera mitad. Pero Madonna ya decía en esta época que «la música dance no es superficial» -ahora una de las letras de ‘Confessions II’- y quiso dar una pátina de profundidad sobre todo a la segunda mitad del largo. En primer lugar, le gustaba la relación de «confesarse» con el catolicismo. Le parecía, para variar, sexy. «Hay algo travieso y subversivo en contarle tus secretos a alguien a quien no estás viendo». Sus «confesiones» aquí tienen mucho que ver con la fama, y en ‘Let It Will Be’ -todo un exorcismo en directo gracias al remix de Stuart Price- y ‘How High’ habla de cómo a su muerte su éxito no importará nada, mientras ‘Like It Or Not’ es una clara respuesta al fracaso de ‘American Life’.
La palma de la profundidad se la llevaría ‘Isaac’. Menos recordado de esta era perfecta es que Madonna era fotografiada a diario entrando en su Kabbalah Center, y de allí fue que sacó al cantante Yitzhak Sinwani, que improvisó una preciosa interpretación del poema hebreo del siglo XVII ‘Im Nin’alu’, también popularizado por Ofra Haza. Es el momento más místico de un álbum que había empezado representando una fiesta absoluta, con sus tres sencillos principales, y mantendría el ritmo durante toda su secuencia, pues como promocionaron Warner y su mánager Liz Rosenberg en la época, «aquí no hay baladas».
El álbum ya era estupendo sumando el potencial de la trepidante ‘Jump’; la maravillosa melodía de ‘Forbidden Love’, cuyo último minuto es un sueño; o contando que ‘Push’ puede ser el único tropezón en cuanto a calidad compositiva. Pero la obra se terminaba de redondear con varias decisiones artísticas no tan obvias. Las referencias melódicas a ‘Can You Feel It’ de los Jackson 5 en ese monumento de capas y ganchos llamado ‘Sorry’ (curiosamente jamás favorita de Madonna), a los Stooges en ‘I Love New York’, a ‘Saturday Night Fever’ en las coreografías de vídeos y gira y a Farrah Fawcett en la estética, constituían homenajes a diferentes disciplinas de los años 70. El aire a Visage de ‘Forbidden Love’ y el guiño a Pet Shop Boys al principio de ‘Jump’ -el dúo después remezclaría con éxito ‘Sorry’- llevaban también el disco ligeramente hacia los 80.
En ese contexto las autorreferencias campan a sus anchas años antes de que se hable de conceptos como «Easter Eggs»: ‘Hung Up’ se construye sobre la letra de ‘Lovesong’, ‘How High’ recuerda ‘Nobody’s Perfect’ y ‘I Deserve It’, ‘Isaac’ tiene el estribillo de ‘Frozen’, ‘Let It Will Be’ las cuerdas de ‘Papa Don’t Preach’… De manera casi premonitoria, ‘Sorry’ es referenciada tan pronto como al inicio de ‘Like It Or Not’.
Aunque nada como la decisión de presentar todo el álbum como una sesión sin descanso. Incluso temas que parecen menores como ‘I Love New York’ terminan engrandecidos por la construcción de crescendos y transiciones. La pista de baile era el centro del proyecto, hasta el punto de que Stuart Price explicaba: «puedes trabajar 12 horas en un tema, y al pincharlo, en solo 10 segundos saber si va a funcionar a no». En aquella época ya se habían publicado álbumes como ‘As Heard on Radio Soulwax Pt. 2’ o ‘Richard X Presents His X-Factor Vol. 1’, discos con hits, featurings y samples mezclados, al tiempo que se había popularizado la serie «DJ Kicks». Pero una vez más Madonna se había adelantado a su tiempo, pudiendo referenciar su disco de remezclas ‘You Can Dance’ de 1987. Aquel ya se había concebido como una sesión «non stop». Stuart Price lo tenía claro cuando tenía que hablar de Madonna: «tiene un halo «dance» flotando sobre su cabeza». Un halo que dura hasta hoy: algunos tenemos más ganas de escuchar las transiciones de ‘Confessions II’ que las mismísimas canciones sobre la muerte que Madonna acaba de escribir.
‘Confessions on a Dancefloor’ vendió más de 10 millones de copias, triplicando las ventas conseguidas por ‘American Life’: un huracán en Europa y también doble platino en Estados Unidos pese a la reticencia de las radios de este país a pinchar a una «artista tan mayor» (47 años en aquel momento). Es curioso recordar lo desubicado que sonaba el álbum en 2005, un año en el que la palabra «dance» estaba «prohibida» -son palabras de Stuart- entre el rap imperante y el indie de los blogs de moda. La eclosión de las divas de 2008 estaba por llegar aún, e incluso una canción como ‘Get Together’ podía sonar desfasada más de un lustro después de ‘Music Sounds Better With You’. Madonna hizo bien en ir a su bola, ganando una nueva generación de seguidores -son los que veis hoy con 30 ó 35 años en sus conciertos y en sus «listening parties»-, entre ellos Dua Lipa. «Quiero hacer mi obra maestra a los 40 o a los 45, como Madonna», llegó a decir esta durante la promoción de ‘Future Nostalgia‘. Llevó un tiempo asumir que no se refería a ‘Ray of Light’.
Cannelle es una modelo de 20 años originaria de Marsella, Francia, que ha dado recientemente el salto a la música. Curiosamente, tras colaborar con importantes marcas y medios de moda, la portada de su disco ‘CINNA’ parece casi más propia de una artista outsider, apostando por el feísmo y la estética amateur más que por la excelencia editorial.
La música, sin embargo, es cosa seria. Los sintes electro de ‘Restless Dreams’ sirven como una introducción apabullante; ‘Dis-Moi’ es mucho más contundente de lo que sugiere la inclusión de Cannelle en las playlists de hyperpop; ‘French Kiss’ recupera el espíritu de los primeros Justice y los primeros Crystal Castles y ‘BB Blue’ es otro estupendo single con el que descubrir a esta artista.
Se agradece el uso del francés, por otro lado, en una industria aún demasiado obsesionada con lo anglófono. Cannelle, que trabaja mano a mano con el productor londinense Oscar Scheller, mezcla francés e inglés en otro de los singles destacados de su disco, ‘Stereo’, la Canción del Día de hoy.
‘Stereo’ es un banger electro de Cannelle dedicado a la vida de la fama y el glamour. “La lumière et les flashs, c’est c’que j’adore”, canta casi parafraseando a Kim Petras. En esta pasarela propia hacia el estrellato, Cannelle se reconoce dentro de una corriente moderna (“je ride la nouvelle vague, je suis la mère”), se mistifica a sí misma describiéndose como un ángel (“Oréoles sur ma tête comme dans un rêve”) y se postula como reina de la discoteca: clama que “nadie la puede parar”.
Al final, cuando crees que la canción no puede subir más, la producción pisa el acelerador y estalla en una ráfaga de golpes y disparos sintéticos que hacen enloquecer. Fans de Slayyyter, Charli xcx o la propia Kim Petras, la última, no os lo perdáis.
Las hermanas gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, conocidas conjuntamente como Ibeyi, se dieron a conocer gracias al maravilloso single ‘River‘ y al reconocimiento de Beyoncé, quien las invitó a participar en la película de ‘Lemonade‘ hace ya 10 años. Ahora, las parisinas, hijas del percusionista cubano Anga Díaz, publican su cuarto disco, el primero de forma independiente.
Con sus habituales referencias espirituales, en especial a los orishas de la cultura yoruba, y su característica mezcla de idiomas -solo en este disco cantan en inglés, castellano, francés y yoruba, por separado y mezclados-, Ibeyi presentan un álbum que reúne sus principales virtudes, dividido claramente en una mitad más agresiva y otra más calma. El hilo conductor parece ser un duelo que las lleva a atravesar “el proceso” habitual, pasando de la rabia a la aceptación.
Las percusiones combativas de ‘Aset’, el single principal, se sitúan claramente en el primer grupo, mientras Lisa y Naomi invocan a Osiris y suenan más desafiantes que nunca: “Soy incendio en tu bosque / Sin mi luz, no eres nadie”. El álbum se abre con una invocación en yoruba construida sobre percusiones igualmente épicas, y si aquí es ‘Olokun’ la divinidad invocada, en ‘Baba’ comienza a irrumpir una sensación de autoaceptación, con un llamamiento a Eleguá que anticipa la sanación: “Mis instintos son la cura, yo soy a quien estaba buscando”.
Esta última frase resume el espíritu de un disco creado de forma independiente, ya que Ibeyi querían demostrarse a sí mismas que eran capaces de construir un trabajo largo sin intermediarios. Curiosamente, les resultan más accesibles las canciones menos contundentes. ‘Moshpit’ promete “ya no complacer a nadie” mientras se recrea en el trap, pero queda como un mero ejercicio de estilo. Y aunque ‘Focus’, que alterna ecos también traperos con un instrumental de arpa de fondo, funciona más como oración (“guíame, sabiduría, guía mi renacimiento”) que como canción que se sume a sus clásicos.
Por el contrario, la nana ‘La tendresse d’un mot’, interpretada junto a Sofiane Pamart, es una preciosa promesa de lealtad pese a las adversidades: “No importa el fracaso ni el éxito / Y si los demás se cansan de ti, si te abandonan, nunca olvides que yo me quedo” es un pasaje especialmente logrado. La canción, ensoñadora y flotante, representa la mejor faceta de ‘Offering’, aquella que se desprende de la armadura y abraza la ternura sin renunciar a la «complejidad de las emociones».
‘The Process’ aboga por afrontar el dolor sin anestesiarlo, aunque su mensaje tiene más calado que la canción en sí. El downtempo ligero de ‘Offering’, el corte titular, con toques de R&B, resulta más elaborado e incluye unos hermosos coros celestiales, y abre una segunda mitad donde el resentimiento deja paso a la luz. ‘I Know You Loved Me’ propone un mensaje especialmente profundo al describir un amor complejo: “Tú lo llamabas amor, sé que me querías”, cantan las hermanas.
En este tramo del disco destaca el single de ecos afrobeat ‘Hurry Hurry’, un tema ligero que funciona como bálsamo musical para la ola de calor, pero sobre todo predomina un mensaje de paz interior, que transmite la celestial ‘Good Life’ y especialmente la acústica ‘Lucky’, que cierra el disco con un gesto simple pero honesto: pedir perdón. Ibeyi se sintieron “frustradas” e “ingratas” en el pasado, pero ya no más, y su arrepentimiento suena tan sincero que conmueve: “Lo siento, lo siento, ahora veo que era afortunada”. Pura emoción, sin florituras.
Ibeyi presentarán ‘Offering’ en España los próximos 30 de noviembre en La Paloma de Barcelona y el 1 de diciembre en la Sala But de Madrid. Dentro de la península también ofrecerán un concierto en el Teatro Capitólio de Lisboa, el 2 de diciembre. Las entradas están disponibles aquí.
Bertín Osborne quiere que creas que su nueva operadora 100% española, llamada Española de Telefonía, no tiene ningún espíritu político detrás, a pesar de que oficialmente se enorgullece de ser una operadora dirigida a “personas que amen a su país, esto es, España”, y presume de un servicio donde predominan “las cosas bien hechas, las cosas a derechas”.
Cuando le han preguntado por las críticas por el tono españolista de su nueva empresa, Osborne no ha escatimado en palabras bastante despectivas hacia sus críticos: «Me la soplan las críticas, sobre todo de los retrasados». Eso sí, sobre las acusaciones de FACUA-Consumidores en Acción de posibles incumplimientos legales y publicidad engañosa en la web, no ha dicho nada.
Osborne ha explicado que «la compañía se llama así porque nos sentimos orgullosos de ser españoles, porque hay 200 personas en un call center y todos son españoles, no llamas y te contestan desde Marruecos o desde Túnez, te contestan desde Córdoba”. Esta cifra de 200 trabajadores ha llamado la atención de FACUA, que ha cuestionado su veracidad, ya que sería más propia de una empresa con alrededor de 700.000 clientes.
La organización también ha denunciado una “larga lista de irregularidades en su nueva compañía de telecomunicaciones, que en su mayor parte han sido eliminadas de la web de Española de Telefonía”, incluyendo supuestos casos de publicidad engañosa y la falsa «prueba de velocidad» de conexión a internet.
Osborne, por otro lado, no ha abandonado por completo su carrera musical. Aunque el flop de su disco de rancheras fue histórico, el también presentador de televisión ha lanzado esta primavera un single con El Sevilla, ‘Tú no eres mi amigo’.
📱🔥 Bertín Osborne responde sin filtros a la polémica por su nueva operadora ‘Española de Telefonía’ El cantante y empresario ha reaccionado a las críticas con contundencia: “Me la soplan, es una compañía cien por cien española”. 🇪🇸📶 Una declaración directa con la que defiende su proyecto de telecomunicaciones, que ha generado opiniones divididas desde su lanzamiento. 💬⚡ #BertinOsborne #EspañolaDeTelefonía #Actualidad #Noticias #Telecomunicaciones #España #Polémica #Celebrities #ÚltimaHora
Teyana Taylor y Clipse han sido los grandes triunfadores de los BET Awards 2026, los premios que celebran la excelencia de la comunidad afroamericana en la música, el cine, la televisión y el deporte, al alzarse con tres premios cada uno en la gala celebrada este domingo 28 de junio en el Peacock Theater de Los Ángeles.
Taylor, que este año ha recibido un Globo de Oro y una nominación al Oscar por su interpretación en ‘Una batalla tras otra’, ha ganado los premios a Mejor actriz, Mejor directora de vídeo y Visionaria de la moda. Además, ha recibido el galardón honorífico Icono del Año de manos de Janet Jackson, un reconocimiento que la ha hecho romper a llorar sobre el escenario.
Por su parte, Clipse se ha llevado los premios a Álbum del Año por ‘Let God Sort Em Out’, Mejor grupo y Mejor colaboración por ‘Chains & Whips’, junto a Kendrick Lamar. Lamar ha sido otro de los grandes nombres de la noche al sumar dos galardones, entre ellos el de Mejor artista masculino de hip hop. También dos premios ha conseguido Kehlani, reconocida como Mejor artista femenina de R&B y por el Vídeo del Año gracias a ‘Folded’.
Entre el resto de ganadores destacan Olivia Dean como Artista revelación del año, Leon Thomas como Mejor artista masculino de R&B, Cardi B como Mejor artista femenina de hip hop y Michael B. Jordan como Mejor actor.
La ceremonia también ha rendido homenaje a Ms. Lauryn Hill con una actuación tributo. La autora de ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ ha subido al escenario para agradecer el reconocimiento y compartir unas palabras con el público.
Además, la gala ha recordado a D’Angelo, fallecido este año, con un emotivo homenaje en el que han participado artistas como RAYE y Ari Lennox, entre otros.
Que la música tiene un lado oscuro que no se ve tanto lo hemos percibido recientemente en entrevistas con Cariño o Pipiolas. También se aprecia en ‘Y aun así me quedé’, la canción recitada que encontramos en el debut de la catalana Admire. Mireia Gómez expone las miserias que pasa un artista que está empezando: ofrecer un concierto para 10 personas que son todas amigas, preparar un show durante 2 meses y que se cancele por lluvia, que te dejen tirada a 5 días de rodar un videoclip cuando estaba todo listo…
Para Admire recordar esto y subrayar su carácter de supervivencia es tan importante que encontramos esta pista no al final de su debut, ni en medio, sino en la primera mitad de su primer álbum. También existe un documental subido a Filmin en el que vemos cómo prepara su primer gran show en Apolo, cómo lidia con bailarinas, coristas y técnicos, o cómo incrusta pegatinas en mecheros en compañía de su madre porque a esta «se le dan bien las manualidades». Nada que ver con el ostentoso mundo de lujos y privilegios que ha vendido muchas veces la industria musical.
Admire siempre sortea dificultades con una sonrisa en la cara. Uno de sus mejores temas, ‘Esa gente que HMM’, un eufemismo de «esa gente que va por ahí con cara de asco», es un alegato contra la gente «que ni se ríe ni se compromete», contra la gente «que no sueña». El sueño de Admire era entregar este álbum que lleva preparando 2 o 3 años y en el que mezcla ritmos afrobeat y dembow con otros mucho más personales. Que su gran referente es Beyoncé es algo que se aprecia en el vídeo de ‘SEFUE’, una canción de vocación feminista, que va mutando, y que reivindica que «el mundo está enfermo y hay que salvarlo», que «ninguna mujer ha nacido para ser puta» y que ella no tiene fuerza para combatirlo «sola».
Lo cierto es que sí parece tenerla en un álbum sin voces invitadas en el que el centro es su visión del mundo. El disco pretende seguir un concepto inspirado por la simbología de las trompetas del apocalipsis -quizá de ahí su intro llena de vientos-, y supuestamente separado en las fases de «negación, miedo, destrucción, rendición y redención».
Aunque queda poco definido ese viaje, salvo cuando empezamos con la «Revelación» de querer comerse el mundo desde Barcelona, y terminamos con una «redención» muy Rosalía o Llergo, en la que afirma que ya no volverá a amar sin perdonarse cosas; el largo sí mezcla influencias y temas muy variados, con sentido y personalidad.
A nadie va a chocar en 2026 la presencia de canciones más disfrutonas y sensuales como el afrobeat de ‘BABYBAD’ o el dembow de ‘BABYLON’, con otra visión más introspectiva. Si ‘Estrella fugaz’ es una grabación que podría haberse desarrollado hacia el indie de Björk y CocoRosie, el flamenco, o las mal llamadas músicas del mundo; y ‘Nostalgia peligrosa’ una canción de amor de R&B o neo-soul clásica; apuntan alto las intenciones sociales de ‘Esa gente que HMM’ («me pasé toda mi vida en quitarme kilos y mentir») y sobre todo ‘SUPERMÁN’.
Es esta una grabación a la guitarra, que podría haber entregado una cantautora del tipo Karmento, y que recuerda que los hombres no son nadie para desnudar, ni siquiera mentalmente, a las mujeres sin su consentimiento. A ella pertenece únicamente su sexualidad, por mucho que se haya subido a un escenario. «Sé que no soy la más bella del cuadro / porque yo pinto, no poso», añade contundente en ‘Loto‘.
Bruce Miller ha estado exprimiendo ‘El cuento de la criada’ como yo la botella de Fairy en el fregadero: la puso bocabajo y la estuvo apretando durante seis temporadas, aunque desde la tercera ya no salía más que aire. Suerte que Margaret Atwood le “compró” una botella nueva hace siete años.
La novela ‘Los testamentos’ (Salamandra, 2019) era una secuela muy disfrutable. Un thriller repleto de suspense, giros dramáticos y potencia alegórica que, aunque no estaba a la altura de la obra original (ni del premio Booker que recibió), funcionaba muy bien como versión ligera, actualizada y young adult del clásico publicado por Atwood en los años 80.
La adaptación televisiva, nuevamente a cargo de Miller, ha respetado el espíritu del libro (Atwood, por cierto, hace un cameo en el décimo episodio). ‘Los testamentos’ (Disney+) se puede ver como la versión adolescente, disneyana en el mejor sentido, de ‘El cuento de la criada’. Una afortunada mezcla de coming of age feminista y distópico, romance de instituto y thriller de espionaje articulada a tres voces, las de las dos jóvenes protagonistas y Tía Lydia, en pleno corazón de Gilead.
La letra, sin embargo, no se ha respetado tanto. Aunque fiel al texto de la novela, la narración está claramente estirada para llenar, en principio, dos temporadas (aunque Miller ya ha insinuado que podrían ser tres o incluso cinco). Ese es el principal problema de ‘Los testamentos’: la sensación de que los guionistas regresan una y otra vez a los mismos conflictos y mecanismos dramáticos.
Aun así, esa tendencia a la dilatación se compensa con una puesta en escena que sigue siendo uno de los grandes atractivos de la franquicia. Miller continúa explorando con notable eficacia el poderoso imaginario visual de Gilead: los uniformes, los espacios monumentalizados, las ceremonias y los distintos mecanismos de adoctrinamiento conservan intacta su capacidad de fascinación. Incluso cuando la trama se demora más de la cuenta, resulta difícil apartar la mirada de ese ecosistema de normas, símbolos y jerarquías.
También ayuda el carisma de sus intérpretes. Ann Dowd vuelve a adueñarse del personaje de Tía Lydia con una mezcla de fanatismo, vulnerabilidad y ambigüedad moral que la convierte, una vez más, en uno de los motores de la serie. A su alrededor, Lucy Halliday y Chase Infiniti (quizá la actriz joven más prometedora de Hollywood tras su papel en ‘Una batalla tras otra’) aportan la fragilidad, la rebeldía y el conflicto identitario necesarios para que esta versión del universo de Atwood no termine pareciendo un mero esqueje. Ambas encarnan el relevo generacional que define la serie.
Por eso, aunque ‘Los testamentos’ arrastra los mismos problemas de dilatación narrativa que las últimas temporadas de ‘El cuento de la criada’, sigue siendo un entretenimiento muy eficaz. No tanto por lo que cuenta, que ya conocemos en buena medida, sino por la fuerza visual y el magnetismo con que vuelve a contarlo. Gilead y toda la mitología creada por Atwood continúan ofreciendo un terreno fértil para combinar fascinación estética, comentario político y suspense narrativo. 7.
Aún sin ser ARMY ni saberme las canciones, tenía la certeza de que iba a asistir a un concierto espectacular. La primera vez de BTS en España, ni más ni menos. Ya no se puede estar seguro de nada. El debut en el Metropolitano del grupo surcoreano ha ido sobrado del calor de los fans, pero ha sabido a poco en todo lo demás.
El anticipadísimo comienzo del show, con los siete integrantes de la banda siendo escoltados al escenario por decenas de bailarines enmascarados, sí parecía estar a la altura del descanso de 4 años que se han tomado para terminar el servicio militar obligatorio de su país. Sin embargo, fue desde este mismo momento cuando se estableció una de las constantes del concierto: gritos como nunca antes los había experimentado. Nivel: sin tapones no llegaba al final del concierto. Imagina estar esperando más de una década para que tus artistas favoritos, que además representan el mayor fenómeno fan del mundo, pasen por tu ciudad. Pues eso.
De ‘Hooligan’ no se oyó casi nada, y por una vez, no tenía nada que ver con la acústica del estadio. Cada vez que el cámara enfocaba a Jungkook, mis oídos morían un poco más. Mentalmente, le supliqué a Jimin que no mandase ningún guiño a cámara, pero no me oyó. En esta primera parte del concierto, BTS exhibieron sus galas más extravagantes y, las cosas como son, todos tenían un aura magnética que pocas veces he visto en un concierto. La locura que se desató con su presencia solo sumaba. Mientras mis tímpanos se recuperaban de la embestida, las llamas y la pirotecnia empezaban a inundar el escenario poco a poco.
Este se trataba de una enorme plataforma 360 inspirada en el pabellón Gyeonghoeru Pavilion del palacio de Gyeongbokgung. La idea era unir la arquitectura tradicional con el diseño moderno de un set, pero a efectos prácticos lo que la mayoría de los asistentes veía era un armatoste de metal que, de forma general, le vino demasiado grande a BTS, aunque sí permitía una visibilidad muy buena en todas direcciones. El concierto estaba dividido en tres actos: ‘BTS’, ‘COREA’ y ‘ARIRANG’. Estos incluían vestuarios diferentes, distintas dinámicas de escenario y hasta una ducha entre medias si nos apuramos. Demasiados momentos de descanso para tan poca chicha. Siempre que parecía que la cosa estaba arrancando, resultaba ser el momento del ‘break’.
Mientras que el fin del primer acto se inauguró con una bonita performance de baile y luces que buscaban imitar el mar, el espacio entre el segundo y el tercero se llenó con una ‘fan cam’ con la que el público celebró los carteles de los asistentes. BTS no tenía que hacer nada y los asistentes seguían gritando como si les hubieran pagado por ello. Algunos de los mensajes más destacados fueron el de aquella persona que aseguraba haber venido desde Taiwán a ver el concierto o la que reveló tener un “bebé ARMY en camino”.
Aunque el consenso parece coincidir en que ‘ARIRANG’ podría ser el peor disco de BTS, este es precisamente el que ocupa casi la mitad del tracklist. El lead single, ‘SWIM’, apareció en el primer acto, con los siete miembros subidos en una tabla de madera rodeada por una lona blanca con la que los bailarines intentaron imitar las olas del mar de forma bastante casera, metidos debajo de ella. Está claro que BTS tienen dinero para hacer el show más maximalista del mundo, pero en esta primera parte deciden hacer las cosas a la antigua usanza. Al final de esta sección, con la tranquilita ‘Merry Go Round’, desgraciadamente todos nos dimos cuenta de que el sonido no mejoraba con la ausencia de gritos.
Los amantes del pop sí disfrutamos con el segundo acto, que se asemejaba muchísimo más que cualquiera de los otros a lo que tenía en mente al pensar en un concierto espectacular. Es la parte en la que escenario estaba lleno de bailarines en todo momento, desde la coreografía con palos luminosos de ‘Not Today’ hasta el desfile multitudinario de ‘Body To Body’ y ‘IDOL’, abarrotado de banderas digitalizadas y con el que se recorrieron todo el estadio alrededor de la pista. Seguramente, el mejor momento de todo el show. Los momentos de más revoluciones, con temas como ‘FYA’ o ‘Mic Drop’, convierten el escenario en una fuente gigante de dopamina comparable a estar mirando reels durante horas. Fuego por todos lados, bailarines saltando de un lado a otros, cañones de camisetas que en realidad son lanzallamas, pirotecnias… Y tengo la sospecha de que tendría que haber sido todavía más espectacular. Había láseres, pero no se apreciaban porque todavía era de día, a eso de las 21:30.
Hay 6 momentos de “charla” durante el show, definidos de antemano con una escaleta. Aparte de que esto ya mata cualquier atisbo de naturalidad posible, tampoco son demasiado interesantes. Juegan con los chistes internos de su fandom, como el “mucho picante” y demás, pero en general se siente como si cada uno dijese lo primero que se le viene a la cabeza. Al menos, está menos guionizado de lo que me esperaba. Jin pudo haber sido el más divertido de los 7, siempre mandando una mueca o adoptando una pose irónica frente a la cámara. Sin embargo, la charleta final pareció una competición de comentarios genéricos, como el “espero que hayáis disfrutado del concierto”, o directamente extraños, como el “estaba concentrado en el show, pero me habéis hecho reír mucho”. Tal y como adelantó J-Hope, está claro que “en la próxima gira no podremos dejar Madrid fuera”.
Con el buen sabor de boca del acto II, había una pregunta en mente: ¿Qué habrán preparado para la última parte? La respuesta es… ¿Absolutamente nada? El escenario se mantuvo vacío, mucho más que en el acto I, en todo momento, con BTS improvisando un poco lo que hacer mientras interpretaban algunas de sus canciones más escuchadas, como ‘Butter’ y ‘Dynamite. Imagino que para mucha gente estos eran dos de los temas más esperados. También es un ‘power move’ que estos números sean tan sumamente sobrios, pudiendo haber preparado cualquier locura, y es interesante ver a los chicos mostrar su cara más divertida y transparente al no tener que preocuparse demasiado por lo ensayado. Sin embargo, no me esperaba que lo mejor del show ya hubiese pasado hace media hora. No todos los conciertos pueden ser tan visualmente espectaculares como el de Tame Impala, pero las interpretaciones y las coreografías no lo compensaron en ningún momento.
Desde este momento hasta el final, el show perdió todo el fuelle que tenía. El público si pareció disfrutar muchísimo con la elección de las canciones sorpresa: ‘Airplane pt.2’ y ‘Wings’. Y esta es justamente la apreciación más clara que me llevo del concierto de BTS. No es para todo el mundo. Si no te sabes las canciones ni estás dentro del rollo, es difícil que te convenza, porque lo más poderoso que tiene que ofrecer es la presencia de BTS. Si con eso te basta, será el mejor concierto de tu vida.
Madonna ha servido a sus fans durante la promoción de ‘Confessions II’: un corto de 10 minutos, una actuación en Times Square, una aparición en Coachella con Sabrina Carpenter, sesiones de DJ’s en clubs y recintos como la que se espera apoteósica el próximo jueves en Londres… Sus seguidores temen la bajona que se pueda producir una vez pasado el 3 de julio. Si este álbum y esta campaña han tardado 7 años en llegar, ¿cuándo podríamos esperar su sucesor entre la serie biográfica y una hipotética gira? ¿En 2031 como pronto?
Por suerte, cada vez está más claro que la artista guarda ases en la manga y que una vez más va a fijarse en ‘BRAT’ como disco vivo (para algo ha contratado a sus estrategas Special Offer). Empiezan a conocerse las primeras pistas de cuáles serán sus planes una vez lanzado el álbum y presentado en el intermedio de la FIFA.
Madonna ya se había referido, extrañamente, en las entrevistas, a 2 temas que no están en este disco: ‘Forgive Yourself’ y ‘What Will Save Me’. Ahora en el show de Graham Norton en la BBC ha revelado que tiene hasta 8 canciones descartadas que le gustan y que quiere encontrar la forma de publicar. ¿Huele a «BRAT IT’S THE SAME BUT IT’S NOT»? Su colaboración con Max Martin permanece guardada en un cajón. Y un posible tema con Kylie Minogue.
Kylie ha sido la estrella invitada del programa de Madonna con Graham, dejando algunos de los titulares. Minogue se presenta con su copia del debut de Madonna que tenían ella y su hermana, y Madonna reconoce que tenía celos de ella porque Guy Ritchie la encontraba muy atractiva. Cuando Graham Norton les pregunta si han colaborado para ‘Confessions II’, sus caras lo dicen todo. Hay quien incluso cree que Minogue podría ir en el tema titulado ‘Everything’ porque la respuesta de Madonna a Graham es «Why do you have to know EVERYTHING?». Pero de momento Kylie no aparece acreditada en los «featurings» del largo, como sí vemos ya a Stromae y Martin Garrix. Por lo que quizá haya que esperar un poco más para escuchar ese tema.
En otros momentos de la entrevista se pincha un fragmento de ‘Fragile’, el tema dedicado al hermano fallecido de Madonna, Christopher Ciccone, que remite a ‘Ray of Light’, no necesariamente a sus baladas. Y la cantante avanza que, en cuanto a giras, va a hacer «un tour de conciertos promocionales». Y después, algo gordo el verano que viene. Se cree que podría ser, finalmente, su esperada presentación en Glastonbury.
Graham Norton asks Madonna if Kylie Minogue is featured on ‘Confessions II’:
El 18 de septiembre es el día en que llegará ‘Day and Night’, el nuevo disco doble de Carly Rae Jepsen del que supimos hace unos días. Sabíamos que el álbum se dividiría en 2 partes, como su propio nombre indica, y ahora Interscope da muchos más detalles sobre este disco. Aunque sea un tópico, afirman que es «su declaración artística más amplia hasta la fecha», así como «una mirada más profunda e íntima a su mundo interior».
El álbum tiene 24 temas como 24 horas tiene el día y dicen que «captura una sensación borrosa y onírica del tiempo donde las noches se extienden en mañanas y los días se disuelven en noches, creando la sensación de estar suspendido dentro de un momento».
El primer adelanto, que pertenece a la etapa «Día», habla del «deseo impaciente que surge en las primeras etapas del cortejo» y también pulula «entre la amistad y el romance». Por su parte, el vídeo ha querido igualmente versar sobre una dicotomía, entre la maternidad y la carrera. Como veis, Caio Viera (KATSEYE) la retrató en su sexto mes de embarazo.
‘On Wires’ es un precioso medio tiempo de corte épico, al estilo del primer Harry Styles y de Feist, marcado por un piano completamente 70’s. Ya se dijo hace unos días que esta década marcará especialmente la parte «Day», en este caso con pinceladas someras de glam, prog y algo de jazz.
La letra reincide en su temática principal («quiero que seamos más que amigos esta semana»), si bien añadiendo cierto contexto social («el mundo entero está en llamas aunque no nos demos cuenta»).
Carly Rae Jepsen presentará ‘Day and Night’ con una actuación principal en el All Things Go Festival de Nueva York el domingo 27 de septiembre. Será su primera actuación en directo de 2026.
Dagny ha publicado uno de los discos destacados de pop de 2026 sin que demasiada gente se haya enterado. ‘Dancefloor Erotica’ es el trabajo más cohesivo de esta cantante y compositora noruega que se dio a conocer en el mainstream cuando Katy Perry adaptó su single ‘Love You Like That’ en ‘Never Really Over‘. Su carrera ha contenido temazos pop como Somebody o Heartbreak in the Making, pero este sería su disco más compacto.
El principal objetivo de Dagny al crear ‘Dancefloor Erotica’ ha sido escribir sobre sí misma en lugar de sobre los demás. Cuenta la artista en una entrevista que su modus operandi ha solido ser escribir sobre las personas que le han roto el corazón, pero que esta vez ha querido mirar hacia adentro. Por eso, el single ‘Closet Disco Queen’ invita a dejar de ser “self conscious” y perder las inhibiciones, sobre una base entre el future disco, la melodía de ABBA y pegadizas cuerdas sintéticas.
Quizá la gran curiosidad de ‘Dancefloor Erotica’ es que en parte ha sido escrito con otros artistas en mente. Dagny acudía al estudio con la intención de escribir “una canción para Lady Gaga” o “una canción para un grupo de K-pop”. En ese sentido, hay que subrayar los ecos del título a la discografía de Madonna y, sobre todo, ese ‘Rain’ que repite “rain on me, rain on me”, solo que Dagny va donde Gaga y Ari no se atrevieron, ofreciendo un gospel electrodisco apoteósico.
Todas las pistas ofrecen algo diferente, aunque algunas funcionan mejor que otras. El nu-disco galáctico de ‘C’est La Vie’ apuesta por mirar el vaso medio lleno tras una ruptura, dando a las cuerdas de ‘Rasputin’ de Boney M una excitante pátina futurista, y ‘Turns Out I’m Not a Robot’ insufla una gran emoción al tipo de producción robodisco que Alison Goldfrapp ha entregado en sus álbumes en solitario.
La pista titular es otro momento a destacar, sobre todo por su recreación del funk de Prince y con ecos incluso a los B-52s, si bien la letra “this is the mantra, everyone’s a dancer” y las menciones a Moulin Rouge, Madonna y el Nueva York de los 90 saben más a “gay pandering” -recurso muy habitual en el pop de hoy- que a una expresión auténtica de la club life. En ese sentido, las producciones más enfocadas en el club, ‘Gosh!’ y ‘Black Bugatti’, en todo su filo rave y techno, funcionan menos que las más pop.
Dagny le pone cierta imaginación, al menos, en sus producciones ya que, al ser noruega -y lo dice ella misma-, con la ayuda de nombres como Nick Hahn o Matias Tellez ofrece un sonido distintivamente frío y sintético que ayuda a separar su propuesta de sus influencias. La pista “outlier” es claramente ‘Running Down a Hill’, que se toma un respiro de la pista de baile para sonar al pop post-triphop de cambio de siglo. Este cambio de tercio, como todo el disco, es intencionado.
En algún momento de la década pasada, entre ‘Roar’ y ‘Swish Swish’, nos olvidamos de que, en realidad, conocimos a Katy Perry en un registro bastante rockerillo. Tanto ‘I Kissed a Girl’ como ‘Hot’N Cold’ contaban con una guitarra eléctrica prominente, como vimos en la Super Bowl de mano de Lenny Kravitz.
Ahora Katy Perry deja atrás la EDM chusca de ‘Smile’ y ‘143’ para volver a ese emo… ¿chusco? Puede ser, pero melódicamente ‘Watch It Burn’ es bastante incontestable. Diría que un retorno a plena forma de no ser porque ‘bandaids‘ – canción con la que esta novedad aparece emparejada en plataformas, suponemos que en anticipo de un nuevo disco- ya estaba bastante bien con ese efecto trémolo tan The Smiths.
‘Watch It Burn’, que conecta también con el sonido de rock de los 2000 de unos Linkin Park, trata de resolver los problemas de imagen pública de la cantante. «Dices que era difícil de amar, durante años he intentado crecer (…) lo di todo y ahora me rindo, no quiero hacer una escena, pero dame gasolina».
Así que no, Katy Perry no se rinde; así que sí, el estribillo sí monta «esa escena». Katy Perry prende la mecha, que es justo lo que vemos en su videoclip. En él la artista emerge de una camilla, luce endemoniada con la cola que arrastra, sobrevive en las calles, hasta que llega a una iglesia y topa con agua bendita…
Una metáfora nada sutil en lo que pretende ser una canción de resurrección que seguramente gozaremos en la próxima edición de Río Babel en Madrid, que se celebra ya el fin de semana que viene. Por lo visto en otros lugares, ‘Watch It Burn’ ya está incorporada a su repertorio.
Hoy 26 de junio es un día cargado de novedades musicales. De entrada, tenemos entre manos nuevos álbumes de Muse, Ibeyi, Beth Orton, Chanel Beads, Juicy BAE, Ryan Beatty, Temples o Heidi Montag.
Pero lo bueno está en la cosecha de singles. Recibimos nuevos temas de Charli xcx, Madonna con FEID, sombr, Katy Perry, Rebe con Amaia, Ravyn Lenae, Gracie Abrams, Steve Lacy con SZA, La Roux, Cobrah con Grimes, Benson Boone o el gran estreno de Morreo, que habéis escuchado en primicia en JENESAISPOP.
No solo eso: también están de estreno, presentando por primera vez sus nuevos discos, Phoebe Bridgers, Carly Rae Jepsen, Brandon Flowers, Sam Smith, beabadoobee, Blondshell o el estupendo single de la banda @ («at»). Además, PJ Harvey lanza un misterioso nuevo single.
Hay otros lanzamientos destacados, tanto en solitario -de artistas tan dispares como Tyler, the Creator, Viva Belgrado o El Último Vecino- como en colaboraciones, por ejemplo las de Peggy Gou con Ayra Starr, el dueto de Ptazeta y Quevedo o el nuevo single dance de Jennifer Lopez con Alok, con versiones «AM» y «PM».
Más novedades destacadas las protagonizan Marta Sango, Bella Poarch, Hidrogenesse, Lennixx (el dúo que integra la hermana de Zara Larsson), Icona Pop, Perdón (que publican un nuevo EP), KAJ con su veraniega ‘Gelateria’, la colaboración de Disco Bambino con Sophie Ellis-Bextor y Nile Rodgers, Cris Lora, Midnight Generation, Travis Birds con Bunbury…
El tercer avance de ‘Music. Fashion. Film’, el nuevo disco de Charli XCX, también dura 2 escasos minutos. Pero su vídeo, que por algo se lanza a la vez y desde ya es indisociable de la canción, completa lo que le pueda faltar a la composición.
‘Wink Wink’, nuestra Canción del Día hoy, es una grabación rockera, pero lo-fi, bastante Strokes o Stereo Total -que por algo fueron sus teloneros-, que acaba antes de que te des cuenta. Aunque su letra tiene bastante enjundia: Charli XCX se muestra sexy como nunca, asegurando que se tiró a tu padre, pero de bromi, o respondiendo una crítica de su amigo Rostam (ex Vampire Weekend).
En un momento dice este «Guiño Guiño»: «mi amigo Rostam me dijo que vestía como una zorra, así que ahora compro en APC», en referencia a la sobria y recatada cadena francesa.
El vídeo dirigido por Aidan Zamiri es el que termina de poner la salsa en todo esto, con una Charli XCX que no puede parar de darse placer a sí misma en diferentes situaciones, bien esté en el campo, en un invernadero o leyendo un libro digital. Es su vídeo más sexy y colorido en una era que -recordemos- empezó muy en blanco y negro.
Charli XCX ha sido noticia esta semana por acompañar a Madonna hasta dos veces en las fiestas de presentación de ‘Confessions II’ en París. También ha dicho que en su propio álbum hay una colaboración que no adivinaremos ni con 1000 intentos. Por si sirve de algo, la portada del largo -es un decir- es una instantánea de John Cale, Martin Scorsese y Marc Jacobs.
La promoción de ‘Confessions II’ continúa con un movimiento inesperado y -de nuevo- no anunciado. La FIFA publica un «edit» de ‘Read My Lips’, la colaboración de Madonna y Feid que se presentó en el corto de Tribeca. Sin embargo, esta versión dura 2 minutos menos que la del álbum; no aparece en los perfiles de Madonna ni de Feid como single; ni se ha promocionado en demasiadas playlists de «Novedades Viernes».
De momento es una exclusiva del disco de la FIFA que también incluye ‘Dai Dai‘ y otros temas de LISA, Rolling Stones, Andrea Bocelli con David Guetta, Ava Max, ciento y la madre.
‘Read My Lips’ es una de esas vigorosas producciones de Tainy, uno de los grandes genios de la música latina del último lustro, muy en sintonía con lo que dejó ver en su notable disco ‘DATA‘. Cualquier estilo puede emerger en cualquier momento, sin necesidad de tocar el reggaeton. La canción está dividida en dos, casi de manera radical.
El tema empieza con la despechada estrofa de Madonna sumergida en una línea de guitarra casi country, no tan lejana a lo grabado por la artista en ‘Don’t Tell Me’ y sobre todo ‘Hollywood’. El bombo coge fuerza en el estribillo llevando el tema a la pista de baile, una distinta a lo exhibido en ‘Confessions I’, pero una pista de baile al fin y al cabo. Los momentos más «latin house» de Moloko y Basement Jaxx pueden venir a la cabeza.
Por el contrario, la estrofa de Feid cambia radicalmente de tercio, como para mostrar su visión. El protagonismo queda en manos de una suerte de vientos sintetizados, sampleados y en loop, mientras Feid se defiende de las acusaciones de infidelidad en un español lleno de slang, de «no se enzorre» a «me mandó pa la mier». Para entonces, no queda rastro alguno de la línea de guitarra, y el tema se acerca al funk carioca.
Con tanto potencial comercial como ‘Faz gostoso‘, aunque demasiado breve, con solo dos estribillos sin tiempo para una repetición del mismo, ni mucho menos un triste «middle eight» que termine de integrar todo, la canción promete ganchos y diversión, pese a toda su amargura, en la Final del Mundial el día 17 de julio. Allí, Madonna actuará junto a Shakira y BTS. Parece claro que ese es su destino, como el de ‘Give Me All Your Luvin’ fue la Super Bowl.
Al mismo tiempo, se avanza un bonus track exclusivo para Absolut, que en la enésima variante del disco ‘Confessions II’, sonará justo tras ‘Read My Lips’. Se llamará ‘Hot Sauce’ y en este caso sí sabe más que nada a eso, a bonus track.
Hablar de Broken Social Scene es hablar de una de las piezas clave del indie moderno: un colectivo cambiante, casi comunitario, que ayudó a definir la estética del indie rock de los 2000 con discos como ‘You Forgot It in People’ y del que emergieron nombres tan aclamados como Feist o Metric. Su propuesta ofrecía una forma de entender la música como red, colaboración y escena antes que como banda tradicional. Ese legado sigue siendo una referencia para generaciones posteriores de artistas y continúa influyendo en cómo se entiende el indie hoy.
En este contexto, su regreso a los escenarios españoles tiene un valor especial, ya que presentan su primer disco en casi una década. El 21 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 22 de septiembre en Razzmatazz 1 (Barcelona) serán las ocasiones de escuchar ‘Remember the Humans‘ en vivo en nuestro país. Las entradas siguen disponibles.
La gira de Broken Social Scene ya está en marcha y, cuando tengo la oportunidad de charlar con Brendan Canning vía Zoom, el artista me atiende desde la habitación de un hotel en San Francisco mientras desayuna. Hablamos de la conexión de ‘Remember the Humans’ con la inteligencia artificial y la política, así como del documental que narra su aparición en la escena indie de Toronto, ‘It’s All Gonna Break’, que acaba de estrenarse internacionalmente.
¿Cuál es la cosa más caótica que ha ocurrido al reunir a tanta gente de nuevo?
Nada realmente caótico; es más bien lo de siempre. Siempre hay mucha gente cuando Broken Social Scene hace lo suyo. Y ahora todos somos mayores y tenemos familia, hijos, sobrino… además de los amigos que has tenido durante años… es como una película divertida ocurriendo todo el tiempo.
¿Todos usáis WhatsApp o algo para contactaros?
No. En la banda usamos solo mensajes de texto en grupo. Nadie es realmente de WhatsApp; simplemente escribimos. Cosas como: “hoy la prueba de sonido es a las 11”, “el soundcheck es a las 16”, y así funciona. Nuestro tour manager se encarga de que la logística vaya bien.
¿Cómo suenan las nuevas canciones en directo?
Estamos tocando de media cuatro o cinco canciones nuevas por noche, además de las antiguas. Intentamos abarcar material de tantos discos como hemos publicado.
El título del álbum parece una respuesta a ‘You Forgot It in People’. ¿Qué sentís que os faltó decir en aquel disco que necesitabais decir ahora?
No es como volver atrás en el tiempo para decir “deberíamos haber hecho esto hace 22 años”. El título es una respuesta al auge de la IA y, de forma divertida, imagina qué diría la IA si le escribieras “haz un disco que suene como ‘You Forgot It in People’”; probablemente algo como “recuerda a los humanos”. El título se quedó porque refleja dónde estamos como sociedad y la cantidad de atención que se está dando a la IA. También nuestras granjas de servidores son una fuerza muy destructiva para el medio ambiente. Me genera dudas gastar tanto dinero en IA cuando hay gente pasando hambre, muriendo o sin poder pagar atención médica… aunque supongo que el mundo necesita que la tecnología avance; siempre ha sido así.
¿Existe una especie de pánico respecto a la IA, como cuando se da cualquier progreso tecnológico?
En lo personal, y en el punto en el que estoy en mi carrera, no puedo entrar en pánico por la IA. A la banda todavía la contratan para tocar, la gente sigue comprando nuestros discos, y yo sigo hablando con alguien de España para promocionar dos conciertos. Luego voy a una tienda de discos y compro vinilos [enseña los discos a través de la cámara].
¿Qué has comprado?
Un disco de Stephanie Mills y algunos discos de disco y boogie de los 70 y principios de los 80, como Universal Robot Band. Se llama ‘Barely Breaking Even’. Sigo siendo DJ y pincho discos, aunque no lo considero una carrera.
La gente habla de la IA como si fuera una cuestión de “humanos o robots”, pero en realidad se está integrando de forma más sutil. ¿Cómo lo ves?
Obviamente la gente la usa, pero a veces le quita la diversión. Es como cuando tenías que escribir un ensayo sobre Macbeth en el instituto: podías ir a la librería y pedirle a alguien que te resumiera el significado, pero aun así tenías que leerlo. Te pierdes los detalles más finos. En un disco como el nuestro hay muchísimos matices; no puedes enseñar a una máquina a comportarse como un humano, aunque puede acercarse bastante. Y eso estaría bien para mucha gente. Yo, que a veces tengo problemas para usar mis auriculares Bluetooth, tampoco es que la IA me vaya a convencer del todo.
¿Os preguntan mucho los periodistas sobre esto?
Sí, claro, es lo nuevo ahora. Pero no puedes obsesionarte. Quiero decir, hay una guerra ocurriendo y a la gente le interesa más el fútbol… y no me parece extraño; el fútbol también da buenas noticias.
¿Esa tensión es algo en lo que piensas mucho?
Con la edad te das cuenta de cómo las guerras, que parecen lejanas, pueden afectar tu vida directamente. Por ejemplo, el precio del diésel está subiendo mucho, lo que significa que la banda gana menos dinero porque necesitamos combustible para el autobús. Es una forma egoísta de verlo, pero es verdad. La gente está muriendo todo el tiempo…
«Me genera dudas gastar tanto dinero en IA cuando hay gente pasando hambre, muriendo o sin poder pagar atención médica»
Se supone que también debes preocuparte por ti mismo, ¿no?
Por supuesto. Y somos una banda política en la medida en que intentamos aportar cierta unificación a los seres humanos que se sienten polarizados.
¿Te incomoda que vuestra banda no sea más política? ¿Debería serlo?
Creo que si tuviéramos un micrófono más grande seríamos más políticos. U2 no era necesariamente una banda política al principio; con canciones como ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’ casi parecían una banda cristiana. Luego se hicieron muy famosos y Bono empezó a involucrarse en política porque tenía una gran plataforma. Estoy seguro de que ha ayudado de alguna manera. Si tuviera mucho dinero, también haría más trabajo benéfico. Como cualquier persona que se preocupa, das lo que puedes y hasta donde puedes, pero también tienes tus propias facturas.
No te dedicas a la política, así que tampoco tienes una influencia directa en el cambio. ¿Te sientes cómodo con esa limitación del artista, donde tu poder es más simbólico que material?
Como artista intentas escribir algo que sea empático con la humanidad, lo suficientemente evocador como para que alguien ideológicamente muy distinto a ti pueda emocionarse y quizás cambiar el mundo a su manera. Solo intentas formar parte de la conversación y hacer algo útil con tu tiempo mientras estás en la Tierra.
El álbum es muy personal y muestra la complejidad de ser humano. Las letras pueden ser oscuras, aunque la música suene ligera y esperanzadora. ¿Es intencionado ese contraste?
Como no soy el letrista principal en este disco, no puedo hablar de eso en detalle. Pero, a medida que te haces mayor, lidias con la muerte, la pérdida y la tristeza a tu alrededor, y ves el mundo con una perspectiva distinta. Si haces música honesta y empática que refleje el momento en el que vivimos, no puedes hacer lo mismo que hace 20 años, porque ya no eres la misma persona. Intentas ofrecer puntos de vista artísticos sobre cómo sientes las cosas. Siempre hay esperanza en nuestras letras, y esa es una de las razones por las que la gente conecta con la banda.
¿Crees que ‘Relief’ funciona como catarsis emocional dentro del álbum? Yo lo veo así, aunque esté bastante al principio del disco. ¿Qué opinas?
‘Relief’ es de Lisa Lobsinger; ella envió la canción. Como la conocemos, sabemos que viene de un lugar honesto. Ha pasado por muchas cosas emocionalmente. Creo que es un componente necesario del disco. Hay mucha introspección, pero no puedes hacer un álbum solo de eso. Necesitas algo como un ritmo disco, como ‘Relief’ o ‘The Call’, que es mi canción favorita para tocar en directo porque me siento muy libre al tocarla y es muy edificante.
¿Qué puedes decir de ‘Think of You’? La letra parece casi un mantra, una repetición obsesiva. ¿Es sobre el amor o más bien un pensamiento intrusivo?
Esa es una pregunta muy de Kevin Drew; no puedo responderla del todo. Lo que sí puedo decir es que, cuando la escuché por primera vez, no estaba seguro. No la entendía del todo.
¿No te pareció que debiera formar parte del álbum?
No me convencía, pero gana con las escuchas.
«Si tuviéramos un micrófono más grande seríamos más políticos. Como cualquier persona que se preocupa, das lo que puedes y hasta donde puedes, pero también tienes tus propias facturas»
¿Cuál es tu canción favorita del álbum?
Me gustan ‘The Call’ y ‘The Briefest Kiss’. También me gusta mucho ‘Only the Good I Keep’.
Siento que ‘Only the Good I Keep’ tiene mayor equilibrio entre sonido y mensaje. ¿Qué significa para ti?
Para mí es una canción muy Broken Social Scene. Temáticamente, es una progresión natural de lo que hemos estado haciendo durante veinte años. Es más concisa como canción pop, gracias al aporte de Hannah Georgas, que no ha tocado con la banda desde hace tiempo.
¿Cuál es una canción esencial de Broken Social Scene que no sea tan conocida?
Curiosamente, anoche alguien nos dijo que descubrió la banda a través de una cara B llamada ‘Song for Dee’, que escribí sobre la muerte del perro de un amigo mío. La escribí para él y está en el EP de 2010 ‘Lo-Fi for the Dividing Nights’. Comentó que le encantaba esta canción, lo cual es muy inusual. No es el típico clásico de Broken Social Scene del que habla la gente. La letra dice: “You’re such a pretty dog, aren’t you, Dee?”. Me pareció adorable que esta canción haya servido para que alguien descubriera Broken Social Scene.
El documental tiene dos años, pero ahora se estrena internacionalmente. ¿Cómo recuerdas la escena indie canadiense de aquella época?
Cuando empezamos la banda y tocábamos en conciertos, era como una especie de pandilla, no solo nuestra banda. Nunca dudamos de que estábamos haciendo algo bueno, y había mucho apoyo de la comunidad. Los alquileres eran baratos. Eso fue antes de la gran comercialización de Toronto. Había un espíritu local muy fuerte, muy característico de la ciudad. Era una época liberadora, y eso se refleja en la película. Yo ya había estado en otras bandas y todo me parecía distinto con Broken Social Scene: no estábamos persiguiendo nada, solo creíamos en lo que hacíamos. Éramos personas afortunadas que nos encontramos.
¿Alguna escena del documental que os diera risa o vergüenza?
No me da vergüenza en absoluto, pero es bonito ver las imágenes antiguas porque son como una cápsula del tiempo. Debería sentirme muy afortunado de que alguien estuviera siguiéndome a mí y a mis amigos, documentándolo todo, y de que 20 años después a la gente todavía le importe, e incluso salga de casa para ir al cine a ver la película.
¿Sigue habiendo terreno fértil en Toronto para que una banda como BSS exista en la era digital?
Siguen surgiendo escenas locales. Ya no estoy tan conectado como antes porque yo ya estuve ahí. Obviamente nunca será lo mismo. Cuando empezamos, salir a tomar café no era algo habitual; te hacías el café en casa. Ahora hay muchísimas cafeterías distintas y gastas 6 dólares en tu café “de diseño”. Nosotros salimos antes de la “revolución del café”.
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