Drake había anunciado que su nuevo disco, ‘ICEMAN’, se podría escuchar a partir de hoy, 15 de mayo. Lo que ha mantenido como sorpresa hasta hoy es que planeaba lanzar hasta dos discos más, y es que desde hoy la discografía de Drake suma 11 títulos: aparte de ‘ICEMAN’ están disponibles ya otros dos álbumes nuevos, ‘Maid of Honour’ y ‘HABIBTI’.
¿Cuál es la diferencia entre los tres lanzamientos? Así, a bote pronto y escuchando por encima, parece que ‘ICEMAN’ es el disco más centrado en los ritmos del trap de los tres, mientras que ‘Maid of Honour’ explora sonidos electro y ‘HABIBTI’ otros más R&B y “moody”. Sus fans están de enhorabuena, ya que estos tres álbumes suman 43 canciones nuevas de Drake en un solo día.
De momento, el focus track es ‘Ran to Atlanta’, con Future y Molly Santana, que pertenece a ‘ICEMAN’. El que quizá no debamos olvidar es el principal lanzamiento de Drake de hoy, y el que llevaba teaseando desde hace meses. De hecho, hace unas semanas ideó una curiosa estrategia de marketing que consistió en revelar la fecha de lanzamiento del disco con un bloque de hielo.
Hoy 15 de mayo publica Drake no uno, sino hasta tres discos de golpe: ‘ICEMAN’, ‘MAID OF HONOUR’ y ‘HABIBTI’. El focus track pertenece al primer disco. Otros lanzamientos largos destacados de la jornada son los de Julieta Venegas, Triángulo de Amor Bizarro, Kevin Morby, Maluma, Porches, Rostam y Laaza. Y sí, has visto bien: SALEM han sacado disco sorpresa.
La lista de discos que salen hoy se amplía con interesantes títulos de Dua Saleh, Genesis Owusu o Emilia Pardo y Bazán.
En materia de singles tenemos comebacks de Tove Lo, Avalanches, Gracie Abrams y Overmono, así como los de Eartheater, Sondre Lerche, Bloc Party y The Mountain Goats. Por su parte, Alcalá Norte y The Strokes presentan el segundo single de sus respectivos álbumes.
La jornada deja colaboraciones destacadas de Belén Aguilera, Cupido con l0rna, Maria Escarmiento con RUSLANA, Rakky Ripper con SIMONA, Helado Tropical (Helado Negro y Reyna Tropical), Shakira y Burna Boy o el francés Rémi Fa con Rigoberta Bandini.
Ampliamos la playlist con novedades de Sofia and the Antoinettes, Gala Nell, bb trickz, Jorja Smith, Dinamarca, Toundra, Noga Erez, Mafalda Criminal, Giveon o Muyaio. Madonna, por su lado, lanza el remix de ‘I Feel So Free’ realizado por Peggy Gou.
Desde que en los años 90, tras el auge del festival de Sundance y la irrupción de cineastas como Steven Soderbergh, Jim Jarmusch o Quentin Tarantino, los grandes estudios de Hollywood se lanzaron a capitalizar el cine independiente empaquetándolo como un producto más dentro de sus estructuras industriales, la etiqueta “indie” comenzó a diluirse como la carrera de Gregg Araki o Tom DiCillo. Lo que en origen designaba una forma de producción al margen de Hollywood pasó a convertirse en una categoría estética y, en muchos casos, en una estrategia de marketing.
Más tarde, a partir de 2010, y en paralelo al abandono por parte de Hollywood del cine de presupuesto medio, ese espacio fue ocupado por una nueva generación de compañías independientes como A24, Annapurna, Neon o Blumhouse en el terror. Estas “mini-majors” consolidaron un modelo híbrido, apoyado en alianzas puntuales con estudios y plataformas para la distribución. Era un cine que, independientemente de su calidad, se presentaba como alternativo, pero nacía integrado en las lógicas industriales que pretendía esquivar.
Esta situación ha creado una enorme paradoja: en 1999, los principales premios del cine indie americano, los Independent Spirit Awards, tuvieron que crear una nueva categoría, el premio John Cassavetes, para premiar a las películas verdaderamente independientes.
En resumen, separar el grano de la paja, dilucidar lo que es cine independiente y lo que no (obviamente no voy a entrar en producciones que “se pagan” sus propios autores, como Coppola y su ‘Megalópolis’, porque eso ya sería otro tema), es bastante complicado. Aun así, vamos a recomendar 10 títulos recientes disponibles en plataformas.
Buena chica (India Donaldson)
El debut en el largometraje de India Donaldson (la mayoría de los filmes de esta selección lo son) es un filme minúsculo, modesto en presupuesto (rodado en apenas doce días, durante una caminata por el bosque y con un equipo mínimo), pero enorme en resultados. La película se presentó en Sundance, fue seleccionada para Cannes y obtuvo nominaciones en los premios Gotham y los Independent Spirit. Adivinad quién la ha fichado: A24, claro. ‘The Chaperones’, su segundo filme, está producido por esta y Plan B Entertainment, la productora de Brad Pitt.
Siguiendo los pasos de Kelly Reichardt, Donaldson narra una excursión por las montañas de Catskill, en Nueva York, protagonizada por una chica de 17 años, su padre y un amigo de este en plena crisis posdivorcio. Narrada desde el punto de vista de ella, la película extrae toda su fuerza dramática de la tensión existente entre el deseo de pasar un buen fin de semana y la creciente incomodidad que surge por el comportamiento de los dos adultos. Un conflicto narrado con sutileza y discreción, en voz baja, pero que resuena tan fuerte como un roble cayendo en el bosque. 8 Dónde verla: Movistar+, Filmin, Prime, Rakuten
Más allá del muro (Kate Beecroft)
Si a India Donaldson la podemos considerar heredera de Kelly Reichardt, la debutante Kate Beecroft sería la alumna aventajada de Chloe Zhao. Tanto ‘Songs My Brothers Taught Me’ (2015) como, sobre todo, ‘The Rider’ (2017) son el abrevadero de donde bebe ‘Más allá del muro’. Rodada en Dakota del Sur, y moviéndose constantemente en un territorio híbrido entre la ficción y el documental, la película sigue a una familia de rancheras y sus dificultades para mantener su modo de vida en un entorno marcado por la precariedad.
Si bien los elementos de ficción no terminan de encajar del todo, cuando Beecroft se abandona al registro documental, el film cobra una fuerza inusitada. Las imágenes de las adolescentes en los rodeos, galopando a caballo y subiéndolo a TikTok, o la secuencia del cumpleaños, donde varias mujeres mayores evocan con crudeza sus vidas golpeadas por la pobreza, la violencia o el suicidio, son destellos de verdad con más potencial dramático que la propia ficción. 7’5 Dónde verla: Prime, AppleTV
Mi sueño americano (Luke Gilford)
Seguimos con caballos, rodeos y música country. Y también con cierto desequilibrio entre lo real y su construcción dramática. ‘Mi sueño americano’ se puede ver como la cara B de ‘Más allá del muro’. El debut del fotógrafo y realizador de videoclips (Troye Sivan, Christina Aguilera, Kesha) Luke Gilford es una adaptación de su libro ‘National Anthem: America’s Queer Rodeo’.
‘Mi sueño americano’ quizás sea la menos “indie” en cuanto a su producción de toda esta selección. Gilford está muy asentado dentro de la industria audiovisual estadounidense y la compañía LD Entertainment tiene una vocación claramente de mini-major partner, con un catálogo, en general, bastante mainstream. Sin embargo, en cuanto a temática, gramática y discurso, es una de las más “indie”. La película, con ecos estéticos de Warhol o el primer Gus Van Sant, se plantea como un contraplano de las representaciones del imaginario rural estadounidense. Allí donde el cine ha fijado una iconografía reconocible, la película toma ese mismo repertorio y lo desplaza hacia una sensibilidad queer, que no lo parodia ni lo subvierte desde el sarcasmo, sino que lo habita con una fascinante naturalidad. 7 Dónde verla: Filmin
Un gran chico (Corey Sherman)
El cine indie y la temática de iniciación, el “coming of age”, son como Fangoria y la polémica: van casi siempre de la mano. El debut en el largometraje de Corey Sherman podría formar perfectamente un programa doble con la reseñada ‘Buena chica’, ya que también transcurre durante una excursión campestre de fin de semana.
‘Un gran chico’ narra el despertar homosexual de un adolescente durante una acampada en las montañas de San Bernardino (California). Lo que distingue a esta historia de otras muchas de temática parecida es su protagonista. Interpretado por el muy prometedor Isaac Krasner (fue nominado en los Independent Spirit), el “gran chico” del título (el original ‘Big Boys’ tiene un matiz más machista, como “hombretón” o “tiarrón”) es un personaje excelentemente escrito, un prodigio de sutileza, profundidad psicológica y variedad de matices. A través de una puesta en escena que privilegia el punto de vista del chico, la película narra ese despertar de forma muy delicada pero nada ñoña, apoyándose en los pequeños gestos, las miradas y las vacilaciones propias de la adolescencia. 8’2 Dónde verla: Filmin
The Last Stop in Yuma County (Francis Galluppi)
Otro director fichado por Hollywood. En este caso por Sony, para quien Francis Galluppi va a rodar ‘Evil Dead: Wrath’, la próxima entrega del universo ‘Posesión infernal’. ‘The Last Stop in Yuma County’ es una pequeña pieza de cámara: un modesto debut rodado en apenas un par de escenarios y con una veintena de actores (encabezados por el también director Jim Cummings), que funciona extraordinariamente bien gracias a un guion ingeniosísimo, un manejo excepcional de la tensión dramática y una puesta en escena enormemente eficaz, a la que no le sobra un solo plano.
Con ecos, nunca estruendosos, de Alfred Hitchcock, Quentin Tarantino y los hermanos Coen, ‘The Last Stop in Yuma County’ (ganadora del premio a la mejor película en la sección Òrbita del Festival de Sitges, dedicada al thriller) es un ejemplo perfecto de concisión narrativa y habilidad para combinar distintos tonos: del humor negro a la acción criminal, pasando por el suspense psicológico. 8’3 Dónde verla: Movistar+
Riddle of Fire (Weston Razooli)
Los niños de ‘Riddle of Fire’ van en moto (sin casco), llevan rifles, roban y sueltan tacos. Solo les falta fumar. El aplaudido debut de Weston Razooli (presentado en el festival de Cannes, premiado en el BAFICI y apadrinado por Tarantino) es una auténtica rara avis en el panorama actual. Una película de aventuras infantil con vocación autoral, rodada en unos setenteros 16 milímetros (en película Kodak), que combina el cine juvenil de los ochenta, la fantasía épica y la lógica narrativa de un videojuego de aventura gráfica.
La premisa es mínima: verano, tres amigos y una pequeña odisea que deben atravesar casi como un rito iniciático. Algo reiterativa por momentos (el filme no da para dos horas), ‘Riddle of Fire’ funciona sobre todo como evocación. Evocación de unos veranos eternos en los que los niños pasaban el día entero fuera de casa, y evocación de un tipo de cine prácticamente desaparecido, ajeno tanto al infantilismo más plano como a la codificación del cine juvenil contemporáneo. 7 Dónde verla: Movistar+
Blue Sun Palace (Constance Tsang)
Otro debut presentado en Cannes y rodado en celuloide, y otra rara avis. ‘Blue Sun Palace’ es como trasladar el cine de Tsai Ming-liang (uno de los protagonistas es su “muso” Lee Kang-sheng) a un salón de masajes del neoyorquino barrio chino de Flushing, en Queens. Allí nació Constance Tsang, hija de inmigrantes chinos. Y allí se desarrolla esta historia de inmigración, desarraigo y solidaridad femenina.
‘Blue Sun Palace’ es un pequeño y muy sutil drama intimista narrado siguiendo los códigos estilísticos del llamado slow cinema: encuadres fijos, profundidad de campo y tiempos dilatados como forma de dejar que la vida -a veces feliz, a veces trágica, casi siempre monótona- se filtre en el plano. Unas vidas que transcurren casi siempre en interiores -el salón de masajes, el restaurante, las habitaciones anexas- donde las mujeres trabajan, conviven y comparten sus penas, sueños y aspiraciones. Nueva York está ahí fuera, pero solo para quien se lo puede permitir. 8’2 Dónde verla: Filmin, Movistar+
Gasoline Rainbow (Bill y Turner Ross)
Los hermanos Ross llevan más de una década realizando documentales y acumulando premios. Con su primer largometraje de ficción han optado por una narración híbrida, estrategia que ya habían explorado en la anterior ‘Bloody Nose, Empty Pockets’ (2020). ‘Gasoline Rainbow’ narra el viaje que emprenden cinco adolescentes de un pequeño pueblo de Oregón, recién graduados en secundaria, hasta la costa del Pacífico, en la desembocadura del río Columbia, donde se va a celebrar un fiestorro.
Sobre ese mínimo andamiaje dramático, los directores construyen una melancólica y poética road movie juvenil, donde la realidad se va filtrando en la ficción. La película avanza como un diario audiovisual: vemos a los protagonistas (actores no profesionales) en su trayecto y escuchamos, a través de una voz en off, sus reflexiones más personales. El resultado es un tierno y emotivo coming of age, cuyos referentes estéticos son más noventeros que contemporáneos: Gus Van Sant, Gregg Araki, Larry Clark, las primeras fotografías de Ryan McGinley, la cultura skate… 8’4 Dónde verla: MUBI
Mass (Fran Kranz)
Si por algo destaca ‘Mass’ en lo que respecta a la realización es por su sensacional dirección de actores. No resulta sorprendente, por tanto, que su director y guionista sea un intérprete: Fran Kranz, visto en películas como ‘La cabaña en el bosque’ (2011) o ‘La torre oscura’ (2017).
‘Mass’ es un filme modesto en medios (está rodada prácticamente en una única habitación), pero ambicioso en intenciones. Un desgarrador relato sobre la culpa y el perdón, protagonizado por dos parejas marcadas por una enorme tragedia en común. Gracias a su inteligente guión, que dosifica la información al espectador con precisión; a la labor de los actores, todos soberbios; y a una eficaz puesta en escena, donde los cambios de formato (de cuadrado a apaisado) y de caligrafía visual (de encuadres estáticos a inestables) funcionan como reflejo del estado de ánimo de los protagonistas, el director construye un (in)tenso y doloroso drama capaz de generar jugosos debates políticos, sociales y morales. 8 Dónde verla: Filmin
We’re All Going to the World’s Fair (Jane Schoenbrun)
Convertido en la gran esperanza del cine de autor americano tras el impacto de ‘El brillo de la televisión’ (su próxima película, ‘Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma’, presentada en Cannes, promete ser uno de los títulos de 2026), no está de más recuperar el algo irregular pero personalísimo debut de Jane Schoenbrun.
‘We’re All Going to the World’s Fair’ es una incursión en el universo creepypasta a medio camino entre el relato de terror y el drama juvenil. Con las melancólicas canciones de Alex G como perfecto acompañamiento musical y atmosférico, la película narra la historia de una chica solitaria, una emo de pueblo, que contacta con un enigmático personaje después de aceptar participar en un siniestro MMORPG (juego de rol multijugador online). Aunque aquejado por algunos bajones de ritmo, el filme consigue trascender con mucho estilo el simple cuento de terror indie youtubero, para convertirse en un tierno y perturbador relato sobre la soledad y la angustia adolescente. 7’4 Dónde verla: Filmin
Gracie Abrams se ha convertido en una de las artistas revelación de los últimos años. Lo ha logrado gracias a la épica emocional de temas como ‘That’s So True’, aunque sin conseguir desprenderse de las comparaciones con su colega y colaboradora Taylor Swift. Ambas comparten cierto gusto por la dramatización sentimental, aunque Abrams todavía se queda demasiado en la superficie de lo que intenta contar.
En ‘Hit the Wall’ vuelve a recurrir a clichés e imágenes algo prefabricadas. La canción intenta muy fuerte transmitir que Abrams atraviesa una especie de infierno emocional, pero las imágenes y metáforas sobre “fortalezas de cristal”, “doctores” y “alucinaciones” -siempre relacionadas con lo terapéutico, la salud mental o incluso lo clínico, al menos la canción sí sigue un concepto concreto- resultan demasiado previsibles.
No tendría por qué ser así, pero en ‘Hit the Wall’ incluso la referencia a ‘A Case of You’, de Joni Mitchell suena obvia. En algunos momentos, la canción peca de literal (“I want you so badly, but I close off”), mientras que expresiones como “I am pattern of breakdowns”, de tan exageradas, suenan a puro drama teenager sobreactuado. ‘Hit the Wall’ acumula frases exageradas que buscan conectar con el oyente desde el primer segundo. Y no, desde luego esta canción no es ningún “problema por resolver”.
Compositivamente, ‘Hit the Wall’ es algo más elegante, aunque aún no demasiado personal. Su mezcla de pop, indie folk y atmósferas etéreas construidas con guitarras y teclados sigue evocando la propuesta de Phoebe Bridgers o el ‘Folklore’ de Taylor Swift. Seguramente no es casualidad que tanto The National como Justin Vernon, de Bon Iver, figuren en los créditos.
‘Hit the Wall’ es una canción eficazmente construida, con alguna imagen interesante («watch my blade ricochet»), pero se echa de menos un enfoque más profundo y concreto en la letra, menos dependiente de lugares comunes. Y no, no vale decir que su target es adolescente: Abrams tiene 26 años. No voy a nombrar las obras maestras que otros artistas ya habían publicado incluso antes de esa edad.
Dove Ellis apareció de la nada en la conversación mediática. Poco se sabía de él, más allá de su corta edad (22 años), su lugar de nacimiento (Galway), su currículum como telonero en la gira estadounidense de Geese y la feroz batalla de sellos que tuvo lugar tras el descubrimiento de su música en Bandcamp. En un gesto de sensatez, el elusivo artista irlandés eligió firmar con una disquera independiente, pese a recibir ofertas de algunas majors. Es justo el mundo al que ‘Blizzard’, que este viernes se publica en formato físico, pertenece.
No es que Ellis no tenga proyección mainstream, es que tiene demasiado gusto. Las comparaciones con algunos de los artistas más grandes de la historia han sido un gran punto de debate en la conversación alrededor de él y este ha conseguido lo más difícil: estar a la altura de todas ellas.
Su voz, protagonista absoluta de ‘Blizzard’, recuerda a la de Thom Yorke en la fantasmagórica segunda mitad de ‘Feathers, Cash’ o en el tremendo falsetto que despide el disco. Por otro lado, tampoco van desencaminadas las menciones a Jeff Buckley. La emoción que este conseguía transmitir está presente en ‘Pale Song’, probablemente la más accesible del proyecto, o ‘When You Tie Your Hair Up’, que contiene una de las interpretaciones vocales más arrebatadoras del tracklist.
Las composiciones de ‘Blizzard’ no atienden a la tradición pop de separar claramente los versos del estribillo y viceversa. Estas se asemejan más a una cascada en la que todo se funde en una estructura única que, de forma muy acertada, también deja espacio a la improvisación vocal de artistas como Van Morrison. A lo sí que juegan las canciones de Dove Ellis es a un contraste constante entre la calma y la exuberancia. Ocurre de forma progresiva en la introductoria ‘Little Left Hope’ y de forma totalmente brusca en ‘Love Is’, que pasa de 0 a 100 en su último minuto. «Estaría jodido sin ellos», cuenta Ellis sobre los músicos que le acompañan, en una de las pocas entrevistas que ha concedido.
En toda esta mezcla de folk, indie rock y pequeños guiños a la música irlandesa, exhibidos de forma clara en la frenética ‘Jaundice’, Ellis no descuida el elemento pegadizo de las melodías. Tanto sus composiciones como sus letras tienen un punto abstracto, pero esto no las hace menos memorables. En este sentido destaca ‘To The Sandals’, cuyo elemento más reconocible es el riff que atraviesa toda la canción. Las letras hacen mención a «pesadillas» y «noches largas» en un club, mientras que la enumeración final se parece a aquella de Rosalía en ‘La Yugular’, yendo desde los «dientes traseros» hasta «las sandalias», pasando por «la oferta de leche» o el «oído taponado».
Ya sea la animada ‘Heaven Has No Wings’ o la encantadora ‘It Is A Blizzard’, las canciones del debut de Dove Ellis se disfrutan mejor cuando se dejan reposar. Quizás esta sea la razón por la que, pese a haberse lanzado en diciembre de 2025, ‘Blizzard’ está destinado a aparecer en las listas de fin de año como uno de los primeros grandes discos de 2026.
El próximo martes 19 de mayo a las 19.00 horas, JENESAISPOP formará parte del evento ESTACIÓN PODCAST a través de su podcast para Fundación SGAE, «ALGO CAMBIÓ…» Sebas y Claudio realizarán un podcast en directo con público, sobre campamentos de composición en el Espacio Cultural SERRERÍA BELGA.
Las invitaciones para acudir como público a este evento son gratis: tan solo tenéis que descargarlas en Ticketeame.
Nos acompañarán Irenegarry, que nos hablará de su carrera en solitario y con otros artistas como Amaia (‘M.A.P.S.’, ‘Nanai’), y también María Baena de Sony. Baena nos hablará de #FollowTheSong, el campamento que realiza Sony con Fundación SGAE en Primavera Sound y del que han salido canciones como estas.
VVV [Trippin’you], que recientemente han publicado el tema ‘Espadas en guadañas’ con Erik Urano, han actuado este martes 12 de mayo en las fiestas de San Isidro de Madrid. El show formaba parte de la programación ideada por el ayuntamiento de la ciudad, donde gobierna el PP con mayoría absoluta.
Como informa El Diario, en un momento dado, la banda de synth-pop experimental interrumpió el show para proyectar un vídeo del Sindicato de Vivienda de Carabanchel, en el que protestan por el desahucio de una mujer y su hijo.
En el vídeo, y bajo el lema «Llenan la Pradera, desahucian Madrid» se denuncia que “mientras se celebran las fiestas más importantes de Madrid, a tan solo unos metros Ayuso quiere desalojar bloques enteros de vivienda pública para vendérselos a inversores privados”.
También critican la inacción del gobierno central, pese a que las competencias en vivienda son locales: «Ayuso y Almeida están vendiendo Madrid a los especuladores mientras el Gobierno central se dedica a hacer la misma mierda». Por todo ello, emplazan a una manifestación el próximo domingo 24 de mayo, a las 12 de la mañana en Atocha.
Un día después, Amor Líquido se han sumado a la protesta al grito de «fuera fondos buitres de nuestros barrios». Han indicado este miércoles: «esta mañana se ha echado a una familia de su casa. Madrid se está vendiendo a fondos buitres». El grupo ha criticado a algunos partidos por intentar sacar «rédito de una lucha por la que no están haciendo nada». Concluyen: «Tenemos el gobierno más progresista de la historia y están echando a la gente de sus casas».
Morrissey siempre ha dicho que ya está bien de hablar de los Smiths, porque su carrera en solitario ya es casi 10 veces más larga. Aunque no 10 veces mejor, el artista sí ha entregado una enorme colección de singles y también varios álbumes impecables. Sucediendo al capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO que dedicamos a la carrera de los Smiths, analizamos la carrera en solitario de Morrissey, en compañía de Inma García, ex Mano de Santo.
Y es que aunque el artista no ha publicado este año ese álbum de reconciliación que anhelamos, sí le ha dado por visitarnos. Canceló en Valencia por las razones más peregrinas, pero sí hizo acto de presencia días después en Zaragoza y Sevilla y vuelve a España en julio. Morrissey actuará, si él quiere, el 25 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona, y el 29 de julio en el Movistar Arena de Madrid. Las entradas están disponibles en Primavera Tours.
Inma, que estuvo en Zaragoza, nos ofrece la crónica de tan reciente show que denomina como «genial», no sin antes confesar que utilizará este podcast como «terapia» por lo que ha sido la deriva de Morrissey en los últimos años. Hablamos de sus polémicas declaraciones políticas, a veces próximas a la ultraderecha, a veces amenazando con denunciar a quien sostenga que es de extrema derecha.
Pero sobre todo nos centramos en lo musical, yendo de las bondades (y no tan bondades) del nuevo ‘Make Up Is a Lie‘ -del que apenas está interpretando 3 temas en directo- a lo mejor de su repertorio. Hablamos de todos los álbumes post-Smiths de Morrissey, pues de todos damos alguna pincelada, si bien centrándonos en 5 imprescindibles. Entre ellos, el debut ‘Viva Hate’ -quizá algo irregular, pero conteniendo sus 2 temas más señeros-, ‘Vauxhall and I’, ‘Morrissey, You Are the Quarry’… y después alguna sorpresa.
García nos confiesa que decidió ser vegetariana en un concierto de Morrissey y nos revela curiosidades como la inspiración de Morrissey en el «kitchen sink realism» («realismo de fregadero de cocina»). Por ejemplo en la obra ‘A Taste of Honey’ de Shelagh Delaney. El movimiento que retrataba el desencanto juvenil en los años 50 y 60 podría tener su paralelismo con el día de hoy.
El tracklist de ‘Confessions II’ de Madonna ha comenzado a aparecer online, en forma de cartelería. La misma Madonna se ha grabado pegando los carteles de Londres, que revelan la secuencia de la versión reducida a 12 canciones.
1.-I Feel So Free
2.-Good for the Soul
3.-One Step Away
4.-Bring Your Love
5.-Danceteria
6.-Read My Lips
7.-Everything
8.-Love Without Words
9.-Bizarre
10.-School
11.-Fragile
12.-My Sins Are My Savior
La instantánea del tracklist no revela los «featurings», pues el nombre de Sabrina Carpenter no aparece. El tema dedicado a la muerte de su hermano, ‘Fragile’, será la pista 11.
De manera llamativa, uno de los temas que Madonnna y Stuart Price, productores del disco, pincharon en un club de Estados Unidos, ‘Love Sensation‘, estará solo en la versión deluxe, aunque integrado como pista 8, no al final de la secuencia. El tracklist de este formato se ha revelado en Spotify: aparece como vídeo cuando pinchas cualquier tema de la edición original de ‘Confessions on a Dancefloor’.
Se desconoce qué ha pasado con ‘Forgive Yourself’, uno de los temas que Madonna adelantó hace unos meses en un podcast. Podría haber sido descartado o mutado de nombre. El tema que se identificó como ‘Freedom’, DrownedMadonna confirma que es ‘One Step Away’.
1.-I Feel So Free
2.-Good For The Soul
3.-One Step Away
4.-Bring Your Love
5.-Danceteria
6.-Read My Lips
7.-Everything
8.-Love Sensation
9.-Love Without Words
10.-Bizarre
11.-School
12.-Fragile
13.-My Sins Are My Savior
14.-Betrayal
15.-The Test
16.-L.E.S. Girl
Heavenly Recordings ha publicado esta primavera el excelente disco del británico de origen nigeriano Joshua Idehen, a quien conocimos como «poeta» gracias a Sons of Kemet. Ayudado por el músico y amigo Ludvig Parment (él dice que «Joshua es un grupo como Sade»), ha querido hacer un álbum que supere «el ciclo de malas noticias en el mundo» pero sin fingir que todo eso no está ahí.
Estamos ante un compendio de música de baile divertidísima y elegante, que recuerda a los Avalanches más espídicos o a los Disclosure más centrados. El álbum se llama ‘i know you’re hurting, everyone is hurting, everyone is trying, you have got to try’ y está lleno de singles excelentes. Se presenta esta noche de 14 de mayo en Razzmatazz 3 de Barcelona y mañana 15 de mayo en El Sol de Madrid. Hay descuentos para clientes de Fever.
El álbum se abre con una de esas pistas que ya lo esclarecen todo: ‘You Wanna Dance Or What?’. ‘Turn It Around’ y ‘This Is the Place’ están entre los «bangers» del álbum y después, ojo, la canción que se ha viralizado es un «spoken word» llamado ‘Mum Does the Washing’ en el que se reflexiona sobre machismo, socialismo, capitalismo, feudalismo o fascismo.
Entre las frases demoledoras de este tema que se fraguó como hilo de Twitter, atención: «mansplaining: tu madre hace la colada y le dices cómo se hace la colada, nunca has hecho la colada / matrimonios del mismo sexo, tu madre hace la colada (o lava los trapos sucios) / Patriarcado: tu madre no existe».
Para mentes cerradas al spoken word aunque sea tan subyugante, seleccionamos como Canción del Día ‘It Always Was’. Una eufórica grabación también con connotaciones políticas («Nací con alas y la respuesta está aquí») que cuenta con un videoclip con todo el buen «vibe». Joshua dedicaba el tema a sus amigos, madre e hija y animaba a seguir adelante: «si el mundo grita, cantaremos más fuerte».
La nota de prensa enviada por PIAS España esclarece que ‘It Always Was’ se inspira en los tiempos en que Joshua iba en un coche roto junto a su amigo Benji y no les dejaban entrar en ciertas discotecas al ser negros en el West End de Londres. Benji consiguió un trabajo, empezó a hablar de planes a 5 años y ambos concluyeron que «lo que tenga que ser para mí, me encontrará».
Lizzo ha estrenado recientemente ‘BITCH’, el adelanto de su nuevo álbum ‘BITCH’. La canción se inspira en uno de los mayores hits mundiales del pop-rock de finales de los 90. ‘Bitch’ de Meredith Brooks se convirtió en un icono del feminismo, al apostar por muy distintos tipos de mujer («zorra», «amante», «pecadora» o «santa») y ser muy pionera en aquello de reapropiarse un insulto.
Lizzo escribía en X que quería dedicar este tema «a las mujeres a las que llaman «zorra» por poner límites, por ser sexual, por hablar por ellas mismas, por trabajar duro y tener sus propios negocios. Si no sonreímos y tocamos todo el rato somos «desagradecidas». Si seguimos un programa estricto somos «tacañas». Si disfrutamos del sexo somos «zorras» y nos avergüenzan».
El tema está lleno de buenas intenciones, pero el camino al infierno, también. No estamos oyendo hablar demasiado de ‘BITCH’ porque el tema original era demasiado conocido (tiene 300 millones de streams), además lo que en 1997 era revolucionario ahora puede sonar peligrosamente a lugares comunes y, finalmente, Lizzo ha cometido el «pecado» de ser demasiado literal en lo musical.
Un ejemplo palmario de cómo recuperar una canción del pasado y hacerla brillante es lo que hicieron Elton John y Dua Lipa con un clásico de él, ‘Sacrifice’. La palabra «Sacrifice» y aquel estribillo desaparecían por completo en la remozada ‘Cold Heart’, que añadía nuevos ganchos melódicos como ese precioso en el que Dua cantaba lo de «and it’s gonna be a long long time…»
En cambio, ‘BITCH’ es ‘BITCH’, salvo un par de frases del estribillo y unas estrofas que remiten a sus «meltdowns» («si pierdo seguidores, no es una gran pérdida»). No hay más transformación en su gran baza: simplemente se ha llevado la producción post-grunge a los territorios de Mary j Blige o Erykah Badu.
Lizzo no se quita ese complejo que ha arrastrado siempre de «sonar a» en esta canción cuyo estribillo principal es el estribillo principal de Meredith Brooks, pareciendo realmente una versión hecha casi 30 años después, más que una adaptación demasiado personal. Y el tema, titula su nuevo álbum. Al menos no se llama ‘Blurring the Edges’.
The Pandoras representan uno de los episodios más peculiares y quizá más injustamente olvidados del rock estadounidense. La banda de garage rock fue una de las primeras formadas íntegramente por mujeres en fichar por una gran discográfica, pero los constantes cambios de formación y la trágica muerte de su vocalista original, Paula Pierce, en 1991, con apenas 31 años, a causa de un aneurisma cerebral, han contribuido a complicar su historia.
Y eso que su propuesta artística, surgida en el contexto del revival ochentero del garage y la psicodelia de los años 60, era directa y efectiva. Canciones como ‘It’s About Time’ o ‘He’s Not Far’, incluidas en su debut de 1984, ofrecían una combinación explosiva de riffs ramonianos, armonías sesenteras y energía desatada. Por su parte, ‘He’s All Talk’, de ‘Stop Pretending’, destacaba por su delirante riff de órgano. Veréis cómo suenan como un precedente de Hole.
Los lanzamientos de The Pandoras continuaron a finales de los 80 en distintos sellos vinculados a grandes compañías, pero los continuos cambios de integrantes hicieron que la trayectoria del grupo se fragmentara en múltiples direcciones: reuniones parciales de miembros originales, nuevas incorporaciones, formaciones paralelas y alineaciones cambiantes entre grabaciones y directos.
La banda, que volvió a reunirse en 2013, contó con Kim Shattuck -líder de The Muffs y durante un tiempo bajista de los Pixies- como figura principal de esta nueva etapa, pero Shattuck falleció en 2019. La formación actual, integrada por músicos que han ido entrando y saliendo de The Pandoras a lo largo de los años -Melanie Vammen, Karen Basset, Sheri Kaplan y Natalie Grace Sweet-, se encuentra de gira reivindicando el legado de Paula Pierce, Kim Shattuck y la fundamental contribución de The Pandoras a la historia del rock.
La gira actual de The Pandoras pasará por España de la mano de Escenarios Madrid by VIBRA Mahou este viernes 15 de mayo en la Sala GRUTA77 de Madrid. El concierto comenzará a las 21:30 y contará con AntiMums, grupo estilísticamente afín, proveniente de Vigo, como telonero.
El Mundial de Fútbol se celebra a partir del 11 de junio en México, Estados Unidos y Canadá. Finalizará el día 19 de julio en Nueva Jersey y en esa fecha se ha anunciado un «halftime show» para la final, similar al de la Super Bowl con tres grandes cabezas de cartel: Madonna, Shakira y BTS. El partido está previsto tal día a las 21.00 horas en la península, las 20.00 en Canarias.
En un vídeo subido a redes, Chris Martin explica a Elmo que será la primera vez que este show se realice, con fines benéficos, en colaboración con Global Citizen. Madonna es la primera sugerencia, luego BTS aparecen al teléfono y la cerdita Peggy y la rana Gustavo sugieren que se una alguien más que resulta Shakira.
BTS vienen de publicar su primer disco tras un parón durante el cual sus miembros han estado realizando el servicio militar, ‘ARIRANG‘, ya rondando los 4 millones de copias y a la cabeza de las ventas de 2026. Shakira ha compuesto el tema ‘Dai Dai‘, a punto de estrenarse, y seguramente lo interpretará, un par de meses antes de actuar en el Estadio Shakira en Madrid.
En cuanto a Madonna, durante el mes de julio publicará el esperado ‘Confessions II’, que está teniendo una de las promos más imaginativas de su carrera, de Coachella junto a Sabrina Carpenter al corto de más de 10 minutos que se presentará en Tribeca.
Una escucha de la mitad de los temas del álbum ha tenido lugar estos días en Londres y otra en Nueva York. Los asistentes hablan de un disco de house de Chicago y techno de Detroit con pasajes de spoken word, destacando la pista llamada ‘Danceteria’. Podéis ver recopiladas las impresiones de la fiable periodista y escritora Lucy O’Brien (MOJO, el libro ‘Like an Icon’) en nuestro foro de Madonna.
Netflix ha anunciado una gira mundial de conciertos de ‘K-Pop Demon Hunters’ junto a la promotora AEG Presents. La plataforma ha confirmado la gira durante su presentación en el evento anual Upfront y promete un show “espectacular” que llevará al directo el universo de la película, incluido todo el imaginario demoníaco y pop que la ha convertido en fenómeno entre públicos mucho más amplios que el fandom habitual del k-pop.
De momento no hay ciudades, fechas ni detalles concretos confirmados. Tampoco se sabe si participarán las voces de Huntrix -EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami- o los Saja Boys, aunque las primeras llevan meses exprimiendo la promoción de la película en televisión estadounidense, especiales de Nochevieja e incluso en los Oscar, cantando el megahit ‘Golden‘. Lo único activo por ahora es una lista de espera para recibir información cuando Netflix abra la venta.
El movimiento tiene sentido, dado el fenómeno global de la película. Además, el mercado de giras k-pop sigue funcionando a gran escala, aunque con altibajos, y AEG ya ha trabajado con nombres como BLACKPINK, Jennie o Tomorrow X Together. Mientras tanto, BTS sigue inmerso en otra macro gira mundial por estadios.
Tove Lo tiene enfilado un nuevo disco que se pondrá en circulación el próximo 18 de septiembre bajo el título de ‘ESTRUS’. Tove explica así el título: “El estro es un animal en celo. Es un caos emocional primitivo y contradictorio. Es mi mente y mi cuerpo queriendo cosas diferentes, queriéndolo todo. No hay buenos consejos en este álbum… solo muchos sentimientos, ninguna solución”. El disco incluirá la única colaboración de Stromae.
No se sabe si el enfoque house y sexy de ‘HEAT‘, su reciente EP con S.G. Lewis, habrá influido en el material de ‘ESTRUS’. De momento, el primer avance es igualmente bailable y oscuro: ‘I’m Your Girl, Right?’ evoca una tenebrosidad y una propulsión propias de la propuesta de artistas actuales como Artemas, quien ha reinventado el darkwave para la generación tiktokera.
Ahí nos lleva el ritmo extático de ‘I’m Your Girl, Right?’ y su mezcla de bajo y sintetizadores, así como cierto toque gélido de su producción. Sin embargo, ‘I’m Your Girl, Right?’ destaca por sus retazos de piano house, percusiones “baggy” y por su melodía contenida pero adictiva, que la convierte en una composición 100% Tove Lo, al final. ¿’Cool Girl’ ya tiene hermana oscura?
‘ESTRUS’:
1.- A lot of feelings, no solutions
2.- I’m your girl right?
3.- If I could I would
4.- Des fleurs ft. Stromae
5.- DNH
6.- F.A.M.T
7.- I’m the cake
8.- The bad one
9.- Die for my art with a lonely heart
10.- Are we on a break
11.- Idiot
12.- Roomie
13.- Source of life
The Mountain Goats publicaron disco el pasado mes de noviembre, pero eso no les ha impedido terminar el siguiente antes de lo esperado. Apenas unos meses después de ‘Through This Fire Across From Peter Balkan’, el grupo de John Darnielle ha anunciado que lanzará ‘Days’ el próximo 7 de agosto.
‘Days’ fue concebido originalmente como una secuela del álbum de 2017 de The Mountain Goats, ‘Goths’, y su sencillo título no anticipa los curiosos nombres de las canciones que contiene el disco: tenemos muchas ganas de escuchar ‘Best Hard Rock Albums 2013’ y ‘Hidden Majesty of Later Venom Albums’. Según explica Darnielle, las canciones de Days “hablan más o menos de los 70, los 80 y los 90”.
De momento ya está disponible un adelanto de ‘Days’ con un título igualmente llamativo, que hace referencia a un famoso actor estadounidense: ‘Charlie Sheen Reaches Out to the Feds’. Traducido como “Charlie Sheen contacta con las autoridades federales”, el título alude al episodio real en el que Sheen vio una película snuff y llamó a las autoridades al creer que estaba presenciando un asesinato real.
El sonido de indie-rock enérgico y animado de ‘Charlie Sheen Reaches Out to the Feds’, que incorpora riffs de saxofón bajo producción de John Congleton, presenta una historia de tono cómico e irónico, protagonizada por un Charlie Sheen convencido de estar descubriendo una conspiración criminal, mientras los agentes intentan hacerle entrar en razón.
Days:
01 Song for Layne Staley
02 Charlie Sheen Reaches Out to the Feds
03 Shallow Grave
04 Candlebox
05 Annie Haslam Imperial Phase
06 Crying on Eddie Nash’s Grave
07 Days
08 Best Hard Rock Albums 2013
09 Going to Fennario
10 Woodstock
11 Hidden Majesty of Later Venom Albums
12 Last Day
Eartheater, la cantante de pop electrónico experimental, conocida por canciones deslumbrantes como ‘Below the Clavicle’, por su elástica voz y por su impactante estilo, ha anunciado que su nuevo disco podrá escucharse a partir del próximo 14 de julio.
Titulado ‘Heavenly Body: If I’m The Bottle You’re The Message’, el nuevo álbum de Alexandra Drewchin sigue a ‘Powders’ (2023) y está dedicado a su embarazo y maternidad, en concreto a las “angustias y alegrías de ser madre”.
«Heavenly Body» se compondrá de 11 pistas, una de las cuales incluye colaboración con otra madre reciente: Oklou. Ambas unirán fuerzas en ‘Fast Asleep’. La pista final, ‘Nova’, recibe su título del nombre de la hija de Eartheater.
‘Paradise Rains’, el primer adelanto de «Heavenly Body», sigue la faceta más emocional de la artista, ayudándose de melancólicos pianos y cuerdas, una sentida melodía vocal, y una tensa y sutil vibración electrónica que entra, reptante, hacia el final.
Eartheater cuenta que la canción trata sobre recuperar la granja de su infancia, que su familia había vendido, y volver a ella 20 años después con su marido. Ese regreso estuvo lleno de emociones y coincidencias importantes, incluyendo que concibió a su bebé el mismo día que visitaron la granja por primera vez.
Después de los 350 millones de streams en Spotify para ‘Amapolas’ (más 100 extra para su remix con Danny Ocean), Leo Rizzi continúa su carrera. Esta semana sucede ‘Pájaro azul‘ con un álbum llamado ‘La belleza de las flores’ con cierto sentido espiritual.
En el álbum, Leo Rizzi habla de amor pero también de religión y de muerte, concluyendo que no es posible matar a un músico porque siempre permanecerán sus canciones. Hablamos con el artista en las oficinas de Warner en Madrid. El artista prepara una gira por México en este momento. Detalles, en su web.
En este disco parece que hablas sobre el amor, la belleza y, en parte, la muerte. Serían los temas principales?
Sí habla de eso, pero creo que la esencia del álbum va más en sintonía con la frase de Byung-Chul Han de la que sale el nombre del disco: “La belleza de las flores se debe a un lujo que está libre de toda economía”. A partir de ahí se desgrana todo. Yo creo que habla, sobre todo, del amor, pero no solo del romántico, sino del amor en el sentido más amplio de la palabra: como devoción, presencia o cuidado.
Cada vez hay más artistas que hablan del amor no solo romántico, sino también de otros tipos de amor, incluso de la amistad. Aunque a veces es difícil identificarlo. ¿Me puedes poner algún ejemplo de canciones del disco que hablen del amor desde otro lugar?
‘Fe’, por ejemplo. Se podría interpretar como una canción de amor romántico, pero realmente habla de la fe en una utopía. Si lees bien la letra, te das cuenta de que no es una canción de desamor, sino que trata sobre esa búsqueda utópica, sobre la lucha con uno mismo y con la fe incluso. Tiene esa doble lectura bastante clara.
Me llama la atención que pongas precisamente el ejemplo de ‘Fe’, porque remite mucho a algo religioso. Además, hay otra canción en la que dices “¿Cuál es la importancia de mi religión?” o algo parecido. Parece que la religión también es un tema importante en el disco, ¿no?
Realmente todo surge a partir de una lectura de Byung-Chul Han. El primer libro suyo que llegó a mí fue ‘La desaparición de los rituales’. Ahí habla de volver a mirar la tradición a través de los ritos religiosos, y me pareció muy interesante. Paralelamente surgía todo lo de Rosalía y cierto movimiento neocatólico o de imaginería cristiana. Pero, lejos de querer estar dentro de esa ola, mi aproximación a la religión va más por buscar en ella una tradición y una tierra que creo que, en el contexto actual, nos están faltando. Una narrativa que nos acompañe en la vida cotidiana y que esté alejada del consumo y de la producción. Mi relación con la religión va más por ahí.
«Más que del movimiento neocatólico, busco una tradición que nos está faltando»
¿Crees que hoy en día nos falta una base? Todo va rapidísimo: productividad, consumo… Tú, además, como artista, estás constantemente pendiente de las novedades y de los oyentes mensuales. ¿Como que buscas algo a lo que agarrarte que no sea la novedad constante?
Sí, el disco nace precisamente como respuesta a eso. Creo que la inmediatez, los ritmos de consumo y producción y el cambio de valores que estamos viviendo me han llevado a plantearme estas cosas. Y creo que ese movimiento del que hablas, esa búsqueda de Dios o de un sentido, surge justamente como reacción a todo esto. Nos hace falta reconectar con ciertos valores, y la religión siempre ha sido ese lugar al que uno se aferra: una forma de vivir, una narrativa que te ayuda a no perderte. Si no, acabamos supeditados únicamente al rendimiento, y eso es una barbaridad.
De repente, mencionar siquiera la posibilidad de que exista un Dios omnipresente parece algo marciano. A mí ya se me había olvidado desde el colegio, la verdad. ¿Esto crees que puede ser un tema en 2026?
Yo creo que Dios puede cambiar de forma. Lo que no puede convertirse en Dios es un billete. Ahí está el problema. Más allá de que haya gente más escéptica o gente con más fe en algo desconocido, creo que el ser humano no debería moverse solo por producir y consumir. Y ahí es donde surge la necesidad de una narrativa que nos dé unos valores. No hablo de crear un Dios para justificar nuestros males y nuestros bienes, sino de encontrar una forma de transitar la vida de una manera más humana, más sana, más divertida incluso, y celebrar un poco que estamos vivos.
«Dios puede cambiar de forma. Lo que no puede convertirse en Dios es un billete»
En cualquier caso, ‘Fe’ tiene una segunda mitad en la que la canción cambia completamente y entra una especie de coro monacal o algo parecido, que refleja bastante bien eso que quieres transmitir.
‘Fe’ habla de la devoción hacia algo en lo que uno cree, aunque sea utópico. Es el camino que decides elegir. Y en ese final invité a un amigo que también ha sido maestro para mí: Manu Om, un cantante muy ligado al canto devocional y a los mantras. Él trabaja mucho el bhakti. Yo quería incluir de forma natural a Hanuman, que es un dios hindú, y también un mantra dedicado a él: “Hanumate Namah”. Le pregunté a Manu qué le parecía y si quería participar en la canción. Y ahí surgió esa segunda parte, que funciona casi como una outro y que me recuerda mucho a los cantos que viví en sus clases y ceremonias. De alguna manera, también representa una vuelta a mis inicios en la música.
Aun así, es casi una excepción dentro del disco. El resto no va tan lejos en esa dirección. ¿Nunca te planteaste llevar esa idea hasta el extremo?
Sí, pensé: “Esta arista del disco está situada en la religión, la fe y el hinduismo, así que voy a llevarla al máximo”. Creo que es una rareza dentro del álbum, pero una rareza que tiene sentido.
¿Tú lo ves como un disco cercano al rock progresivo o te parece más un disco de pop?
No sabría decirte. Creo que sí tiene algo progresivo, porque no sigue estructuras ni ritmos tan habituales dentro del pop actual. Yo lo escucho y pienso que no es puro entretenimiento. Hay canciones con dinámicas muy largas y cambios de intensidad que probablemente aburrirían a parte del público más acostumbrado al consumo rápido.
Tú has vivido en varios sitios, has viajado mucho… ¿Te sientes cercano a una escena española como la de Carlos Ares o Rufus T. Firefly, o tus influencias van más por lo anglosajón y los 70?
Me influencio de muchísimas cosas muy distintas entre sí. Pero sí puedo verme dentro de una escena alternativa o de pop underground en España, junto a artistas como Rufus o Carlos. Aunque siempre he mirado mucho hacia lo anglosajón -Radiohead, por ejemplo-, también hacia el folclore uruguayo o artistas como Fernando Cabrera. Pero sí, si tengo que relacionarme con algo en España, sería más por ahí.
¿Qué canción tiene más influencia del folclore uruguayo?
‘Gatos’. Está inspirada en ‘Por ejemplo’, de Fernando Cabrera y Eduardo Mateo, incluida en su disco homónimo de 1987. Me inspiré sobre todo en el riff de guitarra, que tiene algo muy rítmico.
La canción «Samba» del disco es como un «bug». ¿Está ahí? ¿Tiene sentido?
Sí, es literalmente un bug, un hidden track. No aparece en la versión de Spotify y, de momento, solo está en el vinilo.
A mí es de las que más me han gustado. Me encanta cuando aparece de repente un ritmo distinto y rompe con el resto de un disco.
Sí, salió también un poco desde esa referencia al Río de la Plata, a Eduardo Mateo y toda esa mezcla de samba y bossa nova. Me apetecía hacer algo así, pero no tenía cabida dentro del disco como tema central. Tenía que ser más bien una ventanita.
¿No te ves haciendo un disco entero de samba o de ritmos así?
Sí me imagino haciendo algo con mucha referencia a la bossa nova, pero este disco pedía otra cosa.
¿Para ti era importante hacer un álbum más centrado en un estilo concreto?
Totalmente. Quería hacer algo coherente, que escuchases cualquier canción y sintieras que pertenece a un mismo álbum, y no que un tema fuese súper electrónico y el siguiente una bossa nova.
«Los artistas estamos un poco volados: hoy queremos hacer una cosa y mañana la contraria»
En los últimos años esa idea de cohesión parece haberse perdido un poco.
Sí, porque ahora el artista tiene mucho más acceso a los medios de producción y también ejerce como productor. Y los artistas estamos un poco volados: hoy queremos hacer una cosa y mañana la contraria. Creo que en esa rapidez productiva a veces se nos va un poco la cabeza. Para mí, la cohesión demuestra enfoque.
También has secuenciado con mucho cuidado las partes más pop del disco. Temas como ‘Nueva era’ o ‘Año nuclear’ aparecen cada tres o cuatro canciones.
Sí, intentaba encontrar los momentos donde el ritmo podía decaer un poco para meter ahí una canción más uptempo.
¿Para ti el ritmo llega a decaer y el disco puede hacerse largo?
El disco no tiene la ambición de ser escuchado entero del tirón. Las canciones son las que me gustaban y ya está. No pretendía hacer un álbum pensado para consumir en una tarde, sino uno que se fuese descubriendo poco a poco, que a cada uno le llegue la canción que le tenga que llegar.
¿‘Nueva era’ y ‘Año nuclear’ están entre tus favoritas?
Mi favorita diría que es ‘Párpados’. ‘Nueva era’ me gusta mucho porque tiene cierta reminiscencia al pop-rock español clásico, incluso algo de The Police. Pero mi favorita es ‘Párpados’. No sé si por puro onanismo, pero me encanta el riff de guitarra que salió ahí.
¿cómo ha sido trabajar toda la parte instrumental? Hay muchísimos arreglos: vientos, cuerdas, guitarras españolas, como en ‘Halo’…
Ha sido un pifostio, porque queríamos grabarlo todo con músicos profesionales y acabamos trabajando con unas 300 pistas. RYO son dos chavales con mentalidad de compositores y productores, y yo también funciono así: componiendo, produciendo y arreglando. No había hueco que no quisiéramos llenar con algún detalle. Luego se sumaron Andoni Narváez y Cristian Delgado, que también son músicos y compositores. Y, por suerte, Rubén Montes en la mezcla consiguió dar espacio a todo. Las cuerdas y los vientos añaden una tercera capa que hace que el disco sea muy envolvente y maximalista.
¿Crees que el disco representa una etapa triste o alegre de tu vida?
No diría ni triste ni alegre. Más bien es un disco muy contemplativo. Tiene de todo: ‘Samba’ es muy juguetona, mientras que ‘Fe’ es más oscura. Quizá la balanza cae un poco hacia lo melancólico, pero sobre todo lo veo como un disco reflexivo.
«Al artista no lo puedes matar, porque sus canciones permanecen»
También hay una especie de huida de la muerte, ¿no? Además de la canción con Love of Lesbian, hay otro momento en el que dices algo como “aunque me entierren, siempre estaremos vivos”.
‘Aquí nadie se puede morir’ nace de un proceso un poco traumático dentro de la industria, de enfrentarme a su parte más oscura. Y de ahí surge esa idea de que al artista no lo puedes matar, porque sus canciones permanecen. En ‘Cruz invisible’ hablo de eso.
¿Pero quién ha intentado “matarte” dentro de la industria?
Gente que no obtuvo los beneficios que esperaba de mi proyecto. Y te encuentras con personas que, cuando dejas de interesarles, intentan hundirte.
Pero a ti te va bien, ¿no? Sobre todo después del viral de OT en la tele, ¿no? ¿En qué momento has estado “muerto”?
No es que me hayan matado literalmente. Es más un manifiesto frente a ese intento. Cuando ves que alguien quiere ponerte piedras en el camino, piensas: “No juegues con esto”. Va más por ahí.
¿Y ahora estás bien? Estás en Warner y parece que todo va bien.
Sí, sí, todo bien.
Te preguntaba también por el viral de ‘Amapolas’. ¿Te ha repercutido mucho? ¿Estás harto de la canción?
Es el mal de cualquier artista: tener un hit viral y sentir que todo tu repertorio compite constantemente contra ese techo. Pero ya he aprendido a tomármelo con más calma. Fue una viralidad nacida en TikTok y, cuando pasa algo así, se descontrola completamente. De repente suena en Tailandia, ¿sabes?
Pero, en el fondo, es mejor eso que no tener ningún hit. Parece que muchos artistas lo viven casi como un trauma. Radiohead todavía no ha superado lo de ‘Creep’.
Es una dualidad. Por un lado está tu vida normal, cuando te bajas de la industria y vuelves a ser una persona corriente. Pero luego, dentro del circuito, en los camerinos se habla mucho de estas cosas. Todos sentimos que podemos hacer más o que queremos ir más allá.
Pero tú la canción la sigues tocando.
Sí, claro. Y me encanta. Me parece una canción preciosa y estoy muy orgulloso de ella.
Decía Wilhelm Reich que «la organización de la energía sexual es la base de la reacción política». El concepto de líbido politizado ha sido ampliamente explorado en filosofía, cine y también en la música, especialmente en el post-punk. La conexión con el disco de MUNA es directa: ‘Dancing on the Wall’ es un disco post-punk en espíritu, donde el trío formado por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson -esta última productora- explora precisamente el citado tema, desde diversos lugares.
Aunque el estilo de las canciones de ‘Dancing on the Wall’ siga aferrado a la herencia new-wave de sus primeros discos, es evidente desde el segundo cero que el tono se ha oscurecido. Empezando por la tensa pista de inicio, ‘It Gets So Hot’, que dibuja la imagen de un calor tórrido abrasando la dura acera. Si ‘Dancing on the Wall’ es un disco de verano, explica Katie Gavin, es solo porque «estamos en el verano más caliente de la historia, por culpa del cambio climático».
El solape entre deseo sexual y preocupación política vertebra ‘Dancing on the Wall’ y produce una obra donde el deseo es implícitamente político. MUNA, que por su condición de banda queer ha sido politizada en entrevistas y críticas, nunca han eludido la política en su propia música -‘Loudspeaker’ es uno de sus primeros singles- y la clave de ‘Dancing on the Wall’ es que toma la típica afirmación «lo personal es político» y la demuestra sin sermonear ni aleccionar.
Precisamente el primer adelanto ‘Dancing on the Wall’ es personal y autobiográfico en su descripción de la tendencia a enredarnos en relaciones que nos hacen daño, mientras la energía y adictiva melodía construye un single perfecto. En un estilo de synth-pop contundente, ‘Eastside Girls’ le da la vuelta a la letra de ‘We Didn’t Start the Fire’ de Billy Joel llevándola a la fluidez de género, el lesbianismo y la transexualidad, imaginando un pasado más tolerante incluso que el presente.
Las historias de ‘Dancing on the Wall’ convencen gracias a su concreción y nunca resultan estereotipadas, ni siquiera cuando ‘So What’, el aclamado segundo single, analiza el vacío que produce asistir a una fiesta de Hollywood donde todo es pose y artificio, o cuando ‘Wannabeher’ habla del clásico dilema «la quiero o quiero ser ella», fusilando ‘Rebel Girl’ de Bikini Kill, como ellas han reconocido.
Aunque a veces la complejidad de los temas tratados no da lugar a otros igualmente complejos o interesantes, como ‘On Call’, que suena a la faceta menos memorable de Bleachers, o la redundante ‘Girl’s Girl’, ‘Dancing on the Wall’ sale reforzado gracias a su línea más política.
Esta queda explicitada sobre todo en dos pistas: la propulsiva ‘Big Stick’ critica el imperialismo americano, la censura y la guerra a través de la imagen del «Gran Hermano», y ‘Buzzkiller’ cierra el álbum bajando revoluciones y, en forma de balada atmosférica, deja bien atadas las dos caras del disco, describiendo una inseguridad amorosa («no soy fácil de amar») en medio de pasajes que describen la buena forma de la propia banda, y la asistencia a una manifestación que ha dejado a Katie «aún sin esperanza».
‘Dancing on the Wall’ no es un disco «aguafiestas»; de hecho, en momentos como la citada ‘Wannabeher’ o esa ‘Mary Jane’ que evoca a Kylie Minogue, de repente, resulta bastante divertido. Simplemente quizá no es sostenible mantener la esperanza en un mundo donde la extrema derecha acapara el poder, las personas queer ven recortados sus derechos, y los ídolos de tu vida colapsan en tus narices como piezas de ajedrez. Por eso ‘Dancing on the Wall’ es post-punk en el fondo, ya que hace convivir la conciencia política con la firme voluntad de seguir bailando… y deseando.
El segundo adelanto del que será, probablemente, el último álbum de Paul McCartney es un emocionante regalo para cualquier fan de The Beatles. Después de la melancólica ‘Days We Left Behind’, McCartney celebra su Liverpool natal con un bop de rock clásico que también resulta ser el primer dueto de su vida con Ringo Starr. Como no podía ser de otra forma, este también se encarga de la batería. ‘Home To Us’ es la Canción del Día.
Inicialmente, la canción empezó como una jam entre los dos ex-Beatles. McCartney quería a Starr en la batería pero cuando escribió la letra y grabó la demo, le pidió al icónico batería que grabase unas voces. Aunque Ringo tenía pensado grabar solo un par de líneas, McCartney propuso que ‘Home To Us’ fuese un dueto total, y así fue. De esta forma, ambas leyendas intercambian frases nostálgicas sobre la vida en Liverpool, la «mujer de la colina» o sus propias madres. Además, en los coros colaboran Chrissie Hynde, de The Pretenders, y Sharleen Spiteri, de Texas.
En lo musical, ‘Home To Us’ es un tema de pop rock que no juega a inventar la rueda, sino a recordarte cómo se inventó esta. Así, la canción está llena de guiños a la música de The Beatles, desde el ritmo que toca Ringo en el puente hasta los coros de esta misma sección.
«El mundo que nos rodeaba no era seguro, el lugar se caía a pedazos / Pero era mi ciudad / Y nuestro hogar», cantan ambos artistas en el estribillo, que no deja de ser inspirador. McCartney cuenta que Ringo era uno de los barrios más peligrosos de Liverpool: «Él decía que solía ser atracado cada vez que volvía a casa, porque trabajaba. Aunque era loco, era nuestro hogar». Esto no le impidió formar parte de la banda más importante de la historia.
Amaia Montero ha publicado un comunicado en su cuenta de Instagram en el que, además de actualizar su estado y abordar las críticas en redes, también ha negado que vaya a abandonar la gira actual con La Oreja de Van Gogh. Este es un rumor que ha ido circulando en Internet durante los últimos días y que ahora Amaia desmiente rotundamente: «Hemos vuelto de verdad», asegura.
La vocalista de La Oreja de Van Gogh cuenta que se ha centrado en descansar durante los últimos días, tras el inicio de la gira del grupo en Barakaldo. Cuenta cómo llegó de Bilbao e hizo de todo menos mirar el móvil: «Descansé como una niña después de su mejor cumpleaños y al despertar estaba muy feliz», cuenta.
Montero cuenta que recibió una llamada de un amigo que le que preguntó si iba a abandonar la gira: «Le respondí muy sorprendida: ¿cómo? Él volvió a hacer la pregunta y entonces salió de mí una carcajada de esas que te dejan sin respiración, de esas que quieres contestar pero no puedes porque sigues riéndote. Y cuando ya puede retomar la conversación le respondí con un rotundo NO y le dije por qué me lo preguntaba», ha explicado la cantante.
Su amigo, probablemente, le contó los rumores que habían surgido en redes sobre un posible abandono de la cantante, unido a las numerosas críticas que recibió por su actuación: «Caí en que vivir salvaguardando tu propio bienestar lejos de ser ingenuo es lo más sano e inteligente que uno puede hacer», comenta la artista. Esta asegura que «las mentiras de la gente» es algo que no le sorprende.
El comunicado termina explicando lo agradecida que está con «ese público tan maravilloso, agradecido y entregado» y con una frase lapidaria: «Si algo puedo sacar en positivo de bajar al infierno es que te hace prácticamente indestructible», concluye la cantante.
Chris Brown está claramente dolido por la terrible reseña que ha recibido su último disco, ‘BROWN’, en Pitchfork, descrito como «un buen pedazo de mierda». Esto ha provocado que el cantante suba una Storie a su cuenta de Instagram en la que, además de afianzar a sus fans, también revive el beef con Zara Larsson que lleva activo desde 2016.
La viralidad de la reseña de Pitchfork ha conseguido que Chris Brown suba un desesperado vídeo a redes sociales en el que asegura saber exactamente «quiénes son mis fans y quién esta escuchando este disco»: «Si no eres mi fan, no quiero que estés escuchando mi mierda», sentencia Brown. Por último, el cantante no puede evitar hacer un namedropping de manual: «Iros a escuchar a la puta Zara Larsson o algo».
Cuando el beef entre Chris Brown y Zara Larsson comenzó en 2016, la artista sueca estaba empezando a despuntar en el mundo del pop gracias al lanzamiento de ‘Lush Life’, pero tenía claros sus valores. Ella fue quien comenzó todo llamando «basura» a Brown en lo que antes se conocía como Twitter, asegurando que no entendía como alguien con su historial de abuso pudiese tener fans.
Brown interactuó con la artista por primera vez después de que esta participase ese mismo año en un juego llamado ‘Tinder de canciones’ durante una entrevista en Alemania. Cuando le tocó una canción de Kid Ink en la que colaboraba Brown, Larsson no dudó en deslizar a la izquierda: «No me gusta él. Puede bailar y cantar muy bien, pero no es una buena persona», comentó.
Chris Brown, entonces, pensó que la mejor manera de responder a las palabras de Zara Larsson era dejar dos comentarios en una publicación de una fan de la cantante en Instagram: «Ella es PÉSIMA!», escribió el cantante. Sin embargo, su segunda respuesta es la que pasó a la historia, con Chris Brown llamando a la artista «culo apestoso». Por si esto no fuese lo suficientemente humillante para el cantante, Larsson le dedicó algunas stories de Snapchat en las que explicaba con detenimiento su punto de vista.
«Sé que es mucho más grande que yo y que es mucho más exitoso que yo pero eso no significa que pueda decir esas cosas. Así que, siempre que veáis algo en lo que no creéis, como comentarios homófobos, sexistas o racistas, da igual si son personas famosas o no: llamadles la atención. Prefiero ser un culo apestoso que un gilipollas sexista, homófobo y tránsfobo», declaró Larsson.
10 años después, Zara Larsson es una de las artistas más exitosas en el mundo del pop, mientras que Chris Brown está de capa caída. El pasado febrero, la artista sueca no perdió la oportunidad de dedicar otro comentario a Brown durante una entrevista de Cosmopolitan, ahora entre iguales. Al ser preguntada por los artistas que nunca aparecerían en su playlist, Larsson explicó que tiene muchos artistas bloqueados en Spotify, «la mayoría por ser abusadores»: «Desde luego, no encontrarás ninguna canción de Chris Brown», concluyó.
Chris Brown via ig:
“if you not my fan I don’t want you to listen to my shit, go listen to motherf*cking Zara Larson or somebody.” pic.twitter.com/OF8IcRf86E
Que estemos en la semana de Eurovisión es una sorpresa para muchos europeos estos días. Hacía años que no se llegaba al festival con un «hype» tan escaso. Su ausencia de la conversación social se ha extendido de los países que no participamos a los participantes en lugar de a la inversa. Un eurofán español -muy orgulloso de ser español- puede estar sugestionado respecto a la pésima calidad artística de la edición 2026 por el desdén provocado por la UER tras su gestión de la participación de Israel, en medio de un genocidio y de otra guerra más, y de sus trampas. Pero los datos hablan.
No hay virales que hayan circulado de los países participantes hacia los no participantes. Las canciones de Eurovisión 2026 se están escuchando un 45% menos que el año pasado. Según un estudio de ESCStreams recogido por Vertele, si en 2025 a una semana del festival, los temas sumaban 218 millones de streams en Spotify, este 2026 la cifra se ha reducido a casi la mitad, 119 millones. Para recordar una edición tan poco «hypeada» hay que viajar hasta 2021, la primera post-pandémica.
A la retirada de las delegaciones de España (RTVE), Países Bajos (AVROTROS), Irlanda (RTÉ), Eslovenia (RTVSLO) e Islandia (RÚV), hay que sumar la desconfianza que muchos países sienten en esta edición. Por ejemplo, los trabajadores de la televisión pública portuguesa han pedido boicotear Eurovisión, después de que varios concursantes de su final local decidieran retirarse de la carrera hacia el certamen.
El desprestigio de Eurovisión ha llegado al otro lado del Atlántico. The New York Times ha publicado un artículo llamado «Cómo ganar Eurovisión con solo unos pocos cientos de votantes» en el que revelan data desconocida. Explican que se necesitaba convencer a menos de 500 personas en España de votar por Israel, para que Israel ganara el televoto. Y si diplomáticos, cuentas de embajadas y hasta el propio Netanyahu posteaban invitando al voto masivo -cosa explícitamente prohibida-, el 2º puesto de Israel el año pasado queda más que garantizado, como intuíamos todos.
La UER ha cambiado algunas normas para prevenir esto pero son tan cosméticas como que ahora los individuos pueden votar 10 veces en lugar de 20. Para sorpresa de nadie, Israel ha vuelto a incumplir las normas al emitir anuncios pidiendo el voto masivo, pero a pesar de eso no ha sido expulsada, participó anoche y por supuesto se clasificó para la final del sábado.
Arropada por un spot de Moroccanoil, de financiación israelí, que hace rato que resulta grotesco, la semifinal celebrada en Viena no dejó más alegría que la aparición de Vicky Leandros, autora griega muy querida en los países germanos. Para lavar los oídos, había que terminar la noche recuperando su himno ‘Ich liebe das Leben’, aunque aquello de «amo la vida» suene tan agridulce, tan contradictorio con el presente mundial como el propio eslogan oficial del festival: «unidos por la música». ¿Pero de verdad?
Nada «unido por la música», antes de que el israelí Noam Bettan interpretara su balada afrancesada, un eurofán con muchos pulmones logró colar varios «STOP THE GENOCIDE» en la retransmisión, pese a todas las medidas que suele tomar la UER para censurar los comportamientos reivindicativos. Otro se quitó la camiseta, mostrando el lema «FREE PALESTINE» escrito en su cuerpo. En la semifinal de anoche la música era lo de menos, aunque la selección tampoco es que ayudase mucho. Por no decir, nada.
No tengo datos pero tampoco dudas de que la calidad de este año está mermada por que debe de haber un porcentaje de artistas -alto o bajo, más bien apunto a lo primero, pero el que sea- que no haya querido presentarse este año a este circo político, para sufrir un escrutinio público y ver cuestionada su carrera de por vida. Las actuaciones se sucedían, cual viaje a 2010 o incluso más atrás, devolviéndonos un Eurovisión añejo, pasado de rosca, que recordaba a la decadencia del festival en los años 90. Ni rastro de bedroom pop, ni música latina, ni folclore mezclado con vanguardia. Nada.
El rock de Estonia parecía apuntar hacia algún lado pero se desintegraba enseguida y de hecho fue eliminado. Grecia optaba por el humor en una noche sin cuerpo para ello. Hasta Suecia lucía despistada. Boy George, por alguna razón acompañando a Senhit por San Marino, fue la única nota de color en una noche gris: también fueron eliminados. Parecen partir como favoritos Linda y Pete por Finlandia con una canción a un violín pegada y un subidón estridente, tanto que no habría desentonado en ‘Eurovisión’, la película. Pero a quién le importa. Hay una tristeza en ver el certamen sin los comentarios locales -RTVE no lo emite, recordemos- que termina de convertir el visionado de Eurovisión 2026 en algo muy deprimente. Desesperanzador. Y es justo que así sea.
Si sente urlare “stop, stop the genocide” durante il brano di Israele all’Eurovision. pic.twitter.com/hTVh0YIDCU
«Estaba con el disco de Lykke Li, me levanté a por agua y ya se había acabado», nos comentaba alguien el día de salida de ‘The Afterparty’. Incluso quienes defendemos el valor de los álbumes escuetos, tan acordes a estos tiempos de tantísima prisa, tenemos alguna duda sobre los 24 minutos de duración del proyecto. ‘The Afterparty’ corre el peligro de saber a poco, sobre todo si la artista sueca cumple su palabra de no volver a publicar álbumes, algo que dejó caer hace unas semanas en Los Ángeles. Y título de disco final tiene.
También cierta filosofía. La artista ha explicado que después de que todos sus álbumes hayan dado vueltas en torno a su adicción al amor, esta vez quería hacer otra cosa. «Me adentro en mi era existencial, es como el samsara, la rueda de la vida: ganar, perder, vivir, morir. Haber tenido algo y rezar por tener algo otra vez, bien sea sexo, dinero, vitalidad, amor».
De ahí que el single ‘Lucky Again’ samplee a Vivaldi, no porque la música clásica se haya puesto definitivamente de moda en sintonía con nombres como Rosalía o RAYE. Es que este es el tema que Lykke Li siempre imaginó en su «boda o en su funeral».
Con cierto aire a Western también, el tema fluye entre una letra un tanto emo y el característico sonido lo-fi de Lykke Li, que ni sumando una orquesta de 17 músicos escoge sonar grandilocuente ni pulcra. Su referente continúa pareciendo el siempre turbio Phil Spector, cuyo muro de sonido también identificamos en ‘Not Gon Cry’.
Tiene gracia este tema cargado de arreglos de cuerda y percusión cuando dice «no voy a llorar, es la lluvia». Porque en verdad estamos ante otro disco de amor y desamor de Lykke Li. No caben más celos ni más «lágrimas en la disco» en la muy soul ‘Sick of Love’, mientras ‘Euphoria’ duda de la existencia de la misma entre ecos de la Velvet Underground y la Lady Gaga de ‘Shallow‘.
Junto a curiosidades como ‘Future Fear’, que no sabemos si situar cerca de SOPHIE, Lorde o Mac DeMarco, Lykke Li entrega algunas de las mejores composiciones que ha publicado en mucho tiempo. Recordemos que venimos del olvidado ‘EYEYE‘. Este álbum, por el contrario, será recordado como mínimo por habernos regalado ‘Happy Now‘, una fundamental pieza de northern soul con retazos de trance, que deja la música de Lykke Li al borde de lo inclasificable. Con sus cajas de ritmo como de juguete, sus percusiones infantiles en pistas como ‘So Happy I Could Die’, su candidez revestida de oscuridad (como la portada del álbum), la artista sigue siendo la misma que cuando nos cantaba aquello de «estoy un poco enamorada de ti», ya con un regusto amargo.
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