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Spotify desafía a YouTube con un Top 50 global de videoclips

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Hace tiempo que se habla de la muerte del videoclip, pero basta echar un vistazo a YouTube para comprobar que nunca ha dejado de estar muy vivo (Shakira y su ‘Dai Dai’ dicen hola). Spotify acaba de lanzar Music Video Charts Global, un ranking diario con los 50 videoclips más vistos de la plataforma, en un nuevo intento de llevar este formato al streaming por suscripción.

El lanzamiento viene con varios cambios para los artistas, informa Billboard. Desde ahora, los equipos podrán subir videoclips completos a través de Spotify for Artists y también «pitchearlos» al equipo editorial, igual que ya sucede con las canciones, para intentar colarlos en playlists como Best New Videos, Today’s Top Videos, Live Performances o House Party.

Spotify asegura que la apuesta tiene sentido porque los vídeos aumentan el consumo musical. Según datos de la compañía, un usuario tiene un 64% más de probabilidades de reproducir una canción después de ver su videoclip oficial o una actuación en directo. Además, es 1,4 veces más probable que guarde o comparta el tema y un 57% más probable que siga escuchando el catálogo del artista.

El movimiento no llega de la nada. A principios de año, Taylor Swift estrenó el videoclip de ‘Opalite’ primero en Spotify y Apple Music, antes de subirlo a YouTube, convirtiéndolo en el primer gran lanzamiento pensado para esta nueva estrategia de las plataformas de streaming. Aquella maniobra, ligada a los cambios en la contabilización de reproducciones de videoclips para Billboard, sirvió de adelanto de hacia dónde quería ir Spotify.

En realidad, Spotify lleva años tanteando el terreno. Primero llegaron los Canvas en 2019 y después los Clips promocionales. Pero fue en 2024 cuando la plataforma anunció la llegada de videoclips musicales completos, un movimiento que la situó por primera vez como rival directo de YouTube en este terreno. Ahora, con un ranking específico para vídeos y herramientas para promocionarlos, esa estrategia da un paso más.

PJ Harvey, Teo Planell, Jungle… en el top 40 de JNSP

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Madonna mantiene el número 1 de JENESAISPOP con el 87% de los votos para ‘Danceteria’. No deja opción a PJ Harvey, que solo llega al 5% de los votos con ‘Voyager’. Eso sí, al menos puede presumir de tener la entrada más fuerte de la semana, por encima de Fcukers o Muse. Entre las entradas de la semana, también Jungle, Kelela, Suki Waterhouse o Teo Planell.

Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Danceteria Madonna
2 2 1 Voyager PJ Harvey
3 3 1 if you wanna party, come over to my house Fcukers
4 3 3 3 Watch It Burn Katy Perry
5 8 2 3 Wink Wink Charli XCX
6 5 5 2 BESITO Judeline
7 16 7 2 Helicrisum Kiko Veneno
8 6 6 2 Lost Boys Phoebe Bridgers
9 10 1 13 I Feel So Free Madonna
10 11 1 11 Bring Your Love Madonna, Sabrina Carpenter
11 4 1 5 stupid song Olivia Rodrigo
12 2 2 3 On Wires Carly Rae Jepsen
13 17 13 2 Divine Intervention The Rolling Stones
14 7 4 4 Club to Your Arms Rose Gray
15 15 1 Nightshift Superstar Muse
16 34 3 6 UNA PERSONA TRISTE Los Punsetes
17 9 9 3 Locos por el ritmo Morreo
18 35 2 6 Bar Manolo SVSTO
19 15 15 2 espiral Ela Minus, Nick León
20 12 7 4 Oda a Géminis Algora
21 19 1 22 Reliquia Rosalía
22 18 2 7 hate that i made you love me Ariana Grande
23 13 2 8 SS26 Charli XCX
24 24 1 8 the cure Olivia Rodrigo
25 31 5 5 Every Single Weekend The Avalanches, Jamie xx
26 25 1 37 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor
27 28 22 4 Troleo Cupido, l0rna
28 21 3 9 I'm your girl right? Tove Lo
29 29 1 Someday, Somewhere Jungle
30 30 1 idea 1 Kelela
31 31 1 Notting Hill Suki Waterhouse
32 32 1 Camila Teo Planell
33 40 6 9 Mi catedral Triángulo de Amor Bizarro
34 14 11 5 mejores momentos Belén Aguilera
35 30 13 5 Black Prada Dress Ellie Goulding
36 32 3 10 Rock Music Charli XCX
37 26 7 7 Girl Like Me PinkPantheress
38 29 5 13 drop dead Olivia Rodrigo
39 33 4 6 Prophecy at 1420 MHz Boards of Canada
40 36 9 6 I Knew It, I Knew You Taylor Swift
Candidato Canción Artista
Clique XO
I’d Be Lyin’ Kelly Clarkson
Maldito Cupido Cupido, Cuco
Hazte así joseluis
My Body Isn’t Ready sombr
Easy Street Queens of the Stone Age
Tu recuerdo Blanca Paloma
Dollar Bill Jack White
AFILADO Sienna
Light The Way Leon Bridges

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Vuelven Nosoträsh con un «miniconcierto único»

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Nosoträsh, responsables de discos fundamentales del indie español como ‘Nadie hablará de…’ (1998), ‘Mi vida en un fin de semana’ (2000) o nuestro querido ‘Popemas‘ (2002), vuelven a los escenarios por primera vez desde 2011. El regreso tendrá lugar en la Fiesta CPOP 30 de Contempopránea, los días 21 y 22 de agosto en Alburquerque, en Badajoz.

El festival deja claro que no se trata de una reunión al uso: habla de un «miniconcierto único y ceñido a la estricta excepcionalidad». Será, por tanto, una oportunidad muy poco habitual para volver a ver a la banda asturiana, que llevaba más de una década sin actuar tras su reunión puntual en Primavera Sound 2011.

La organización también ha anunciado el cartel por días. El viernes 21 actuarán Aurora Roja, Pálida Tez, Apartamentos Acapulco o Meteosat, otro de los regresos celebrados de esta edición y a los que hemos entrevistado recientemente en el podcast Revelación o timo. Esta jornada estarán también Pequeño Mal y Yaveremos, con La Merienda DJ cerrando la noche.

El sábado 22 será el turno de Julien Elsie, Miguel Rivera revisitando el repertorio de Maga en acústico, Patronato, el anunciado concierto de regreso de Nosoträsh, La Habitación Roja y Nadie Patín, antes de la sesión final de Fotomatón DJ.

Marta Sánchez y Sebastián Yatra lideran Hispanidad 2026

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Marta Sánchez y Sebastián Yatra son los primeros grandes nombres de Hispanidad 2026. La Comunidad de Madrid ha presentado la programación de la próxima edición, que se celebrará del 2 al 12 de octubre y volverá a llenar Madrid de música y cultura hispana.

Yatra actuará el 10 de octubre en la Plaza de España, mientras que Marta Sánchez hará lo propio el 11 de octubre, en pleno aniversario de sus 40 años de carrera, repasando éxitos desde su etapa en Olé Olé hasta la actualidad.

Con Estados Unidos como país invitado, la ya clásica Cabalgata de la Hispanidad volverá a recorrer la Gran Vía la tarde del 4 de octubre. También hay confirmadas más de 150 actividades, con la presencia de artistas como Arturo Sandoval, Nat Simons, La Chica, Aymée Nuviola, Lin Cortés o el espectáculo del Corral de la Morería, además de propuestas de cine, teatro, gastronomía y folclore repartidas por distintos espacios de Madrid. Entre la programación musical también habrá sitio para propuestas de jazz, flamenco, cumbia, rock tropical y folk latino.

Por qué seguimos sin superar la muerte de John Lennon

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Jack Mitchell / Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0) https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Lennons_by_Jack_Mitchell.jpg

El año en que se cumplen seis décadas de ‘Revolver’, también toca volver a enfrentarse a la muerte de John Lennon gracias a la reedición de ‘Season of Glass‘, el primer disco que Yoko Ono publicó tras su asesinato. Volver a mirar esa portada, con las gafas ensangrentadas que Lennon llevaba la noche en que Mark David Chapman le disparó frente al edificio Dakota, sigue siendo una experiencia impactante. El contraste entre ese objeto, convertido en símbolo de la violencia, y el resto de la escena -las vistas al parque, el vaso de agua, la luz tenue- transmite una inesperada, aunque muy intencionada, sensación de calma después de la tragedia.

Lo curioso es que, más de cuatro décadas después, seguimos enfrentándonos constantemente a la muerte de Lennon. No solo por ‘Season of Glass’, sino porque nunca realmente hemos dejado de hablar del icono británico. Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, apenas unas semanas después de publicar el entonces incomprendido ‘Double Fantasy‘ junto a Yoko Ono y cuando se preparaba para volver a la palestra tras un lustro. Su historia quedó interrumpida de forma tan abrupta que siempre parece haber una conversación pendiente con él.

Las circunstancias de su asesinato tampoco han dejado de alimentar esa sensación. La inolvidable fotografía de Annie Leibovitz, tomada apenas unas horas antes, con Lennon desnudo abrazando a Ono; la maqueta recién terminada de ‘Walking on Thin Ice’, cuya cinta llevaba consigo cuando recibió los disparos; o el hecho de que Mark David Chapman siga vivo (tiene 71 años) y continúe solicitando sin éxito la libertad condicional hacen que la historia vuelva una y otra vez al presente. Cada noticia relacionada con cualquiera de estos elementos reactiva inevitablemente el recuerdo de aquella noche.

A ello se suma que el universo de los Beatles sigue expandiéndose. En los últimos años hemos vuelto a ver a John Lennon en el documental ‘Get Back‘ de Peter Jackson, hemos escuchado su voz en ‘Now and Then‘ gracias a la restauración asistida por IA y pronto lo veremos encarnado por Harris Dickinson en el biopic de Sam Mendes, una película que probablemente no eludirá su muerte. Porque es imposible hablar de la vida de John Lennon sin mencionar lo corta que fue: murió con solo 40 años, una edad demasiado temprana para cualquiera. Como ocurre con otras muertes prematuras de la música, la sensación de una obra inacabada nos sigue fascinando.

También influye el hecho de que Paul McCartney y Ringo Starr continúen publicando discos, ambos este mismo año, y subiéndose a los escenarios. Los dos Beatles supervivientes mantienen vivo el legado del grupo más popular de la historia, pero sin Lennon no hubo Beatles. Recientemente, Macca ha reconocido que Lennon era el favorito del resto de los Beatles: «Todos le admirábamos. Era un líder y un tipo muy ocurrente».

El legado de Lennon tampoco depende únicamente de los Beatles. Canciones como ‘Imagine’ -a pesar de la animadversión que ha podido suscitar- o su versión de ‘Stand by Me’ siguen acumulando cientos de millones de streams, mientras Yoko Ono y Sean Ono Lennon han trabajado durante décadas para preservar su obra mediante reediciones, documentales y publicaciones inéditas. Incluso la carrera de Sean, colaborando con artistas contemporáneos, mantiene vivo un vínculo con la figura de su padre. Del mismo modo, entrevistas como la que Lennon y Ono concedieron a Dick Cavett en 1971 siguen descubriendo a nuevas generaciones la persona que existía detrás del icono.

Quizá por eso conviene recordar, ahora que Hollywood vuelve a interesarse por esta historia, que John Lennon y Yoko Ono no eran personajes de un true crime cutre de Netflix, sino personas de carne y hueso. ‘Season of Glass’ conserva toda su fuerza precisamente porque humaniza a ambos. Ono deja de ser el personaje sobre el que tantos proyectaron prejuicios para convertirse en alguien que acaba de perder a su compañero de vida, mientras Lennon deja de ser una estatua del rock para recuperar la condición de hombre cuya vida fue arrebatada de forma absurda.

La reedición de ‘Season of Glass’ recupera además un disco que ofrecía una dignísima reflexión sobre el duelo y la resiliencia. Lejos de quedar paralizada por el miedo, Ono convirtió el trauma en una obra que buscaba seguir adelante. Ella misma rechazó interpretar la muerte de Lennon como «el fin de una era» y prefirió afirmar que los años 80 estaban llenos de posibilidad, convencida de que eso era lo que a él le habría gustado escuchar. Lennon nunca llegó a conocer esa década, pero el tiempo ha demostrado que la era de los Beatles nunca terminó. Y, de algún modo, tampoco la de John Lennon.

The Temper Trap / Sungazer

‘Sweet Disposition’ es una de las cumbres del indie de los 2000, un tema que acumula cerca de mil millones de reproducciones solo en Spotify. Su sonido ensoñador, sumado a la elástica y preciosa voz del cantante Dougy Mandagi, forjó un clásico que The Temper Trap no han logrado repetir, por mucho que lo hayan intentado o por mucho que también ‘Love Lost’, especialmente en su remix con Mac Miller, acumule escuchas millonarias.

¿Qué tienen que ofrecer The Temper Trap 15 años después de aquello y una década después de su último disco (que habría llegado antes de no haber sido por la pandemia, según han reconocido)? De pronto, un nuevo álbum, ‘Sungazer’, que debería reintroducirlos tanto a quienes se olvidaron de ellos como a un público nuevo sediento de canciones creadas para perdurar más allá de las modas.

Concebido hace solo un par de años, ‘Sungazer’ sigue apelando a los grandes sentimientos sin descuidar el buen gusto compositivo. La catarsis marca todas las pistas, ya sea la trepidante ‘Giving Up Air‘, con ecos de ‘Born Slippy’ de Underworld, o las épicas baladescas ‘Into the Wild’ y ‘These Arms’, que hacen brillar la voz de Dougy, un instrumento poderoso también en ‘Halfway’, donde los coros de «oh oh oh» no suenan impostados ni desesperados, sino plenamente supeditados a la emoción.

El grupo logra que varias de sus nuevas canciones suenen a auténticos clásicos de su repertorio, en especial la soberbia pista titular, también muy representativa de un disco repleto de mensajes de apoyo emocional. A veces estos bordean el cliché o la autoayuda, algo evidente en la también vibrante y victoriosa ‘Bird on a Wire’, que se dirige directamente a alguien que ya no puede más, que siente que tiene el agua al cuello, como la persona de la portada.

Mientras destaca la distorsión guitarrera de ‘Lucky Dimes’, encargada de abrir el disco, la segunda mitad de ‘Sungazer’ convence algo menos porque ofrece variaciones menos inspiradas de las ideas planteadas en la primera. ‘Runaways’ se parece demasiado a ‘Giving Up Air’, mientras que ‘Dystopia Radio’ repite algunas de las ideas de ‘Lucky Dimes’ y ‘Halfway’ las de ‘These Arms’, aunque en todos los casos estamos ante buenas canciones.

Aunque ‘Kuru’ es un final apoteósico para el disco, extendiéndose durante 5 minutos de puro éxtasis emocional, funciona más como un ejercicio de estilo que como una canción a la que vayamos a volver con frecuencia, algo que sí consigue por méritos propios ‘Sungazer’ gracias a su elegante melodía. Solo ‘Lifeline’ suena algo desubicada, recordando por momentos a Maroon 5, aunque su juego de vocoders le hace ganar puntos. Aun así, su mensaje resume bien un disco dedicado al amor como forma de salvación.

¿Las próximas Little Mix? Así suenan XO y su pegadizo ‘Clique’

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¿Puede una girl band británica volver a colarse en las listas de éxitos sin pasar por el filtro del K-pop? Es pronto para saberlo, pero XO se postulan como firmes candidatas. Primero tendrán que acercarse al impacto -más crítico que comercial- de FLO y, más adelante, demostrar que pueden llenar el hueco que dejó Little Mix, que no es precisamente pequeño.

Formadas por Polydor en 2024, XO ya habían dejado buenas sensaciones con ‘Fashionably Late’, un EP que incluía ‘Real Friends’, una estupenda canción co-escrita por Charli xcx con un punto Sugababes. Antes habían debutado con ‘Lovesick’, de ecos a Britney Spears, y también se habían acercado al pop de Nelly Furtado en ‘Rush Hour’. En octubre publican el minidisco ‘Need to Know’.

Su nuevo single, ‘Clique’, es el más inmediato de todos. Arranca con unas percusiones casi marciales y un beat de hip-hop muy Timbaland, pero enseguida se abre a un estribillo coral imposible de quitarse de la cabeza. «That’s my girls, that’s my clique», cantan una y otra vez, entre «na-na-nas», mientras reivindican la amistad femenina con el típico descaro.

Si ‘Hotline’ ya era un pelotazo potencial gracias a su base de freestyle ochentero y un estribillo que animaba a bloquear el número del novio inútil («If he don’t keep you satisfied, block his number…»), ‘Clique’ da un paso más. Tiene más personalidad, un gancho aún más evidente y suena exactamente al tipo de single que podría sacar a XO del circuito de promesas para ponerlas, por fin, delante del gran público.

Arde Bogotá, top 59 de singles en España; sube ‘Wonderwall’

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La lista de singles española se presenta esta semana sin apenas cambios, con ‘La Graciosa’ y ‘Al Golpito’ de Quevedo ocupando los dos puestos más altos, seguidos de ‘Dai Dai’ de Shakira y Burna Boy. En los que eran los últimos días de Mundial, la colombiana se mantiene fuerte en el top 3.

Para conocer las únicas entradas de la semana en la lista hay que mirar a partir del top 50, con ‘Aire’ de Lucho RK entrando en el número 53. Arde Bogotá, que se están pasando el verano sorprendiendo al público festivalero bajo el nombre de Bigger Splash, colocan el tema del mismo nombre en el puesto 59. Tiene mucho mérito en una tabla dominada por el reggaeton.

Por último, Anmi, La Pantera y Kabasaki colocan ‘No me guillo V2’ en el número 61, mientras que los DJs HUGEL Y SOLTO (FR) entran por los pelos en el número 100 con ‘Jamaican (Bam Bam)’, que recupera el éxito del hit de Sister Nancy de 1982 y fue usado por la Selección Española para celebrar su entrada en la final de la competición. Anoche, además, también fue reproducido por DJ Borja Iglesias.

La semana pasada, Oasis volvía a entrar en la lista con ‘Wonderwall’, relanzada por el Mundial, en el número 62. En esta ocasión, el hit del grupo británico avanza casi 40 puestos y se postula como la mayor subida de la semana, alcanzando el puesto 26 de la lista. Al mismo tiempo, ocupa ya el top 4 en el Top 50 Global de Spotify.

Si la canción ocupaba la semana pasada el número 11 en las listas británicas, unos días después se quedaba cerquísima de alcanzar por primera vez el número 1 en Reino Unido, quedando en 2ª posición. Con la derrota de Inglaterra, es posible que el fin del hype llegue antes que el récord, más teniendo en cuenta que en el Top 50 del país en Spotify ocupa el número 3 de la clasificación.

El Estatuto del Artista avanza, pero no regulará el uso de la IA

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El Consejo de Ministros aprobará este martes 21 de julio el Real Decreto sobre el Estatuto del Artista, por el cual se regulará el trabajo de las personas que desarrollan su actividad en las artes escénicas, audiovisuales y musicales, así como de las tareas técnicas o auxiliares necesarias para llevar a cabo estas prácticas. Aunque en un momento se dijo lo contrario, este no prohibirá el uso de la IA.

El objetivo del Estatuto del Artista, desde su aprobación por unanimidad en 2018, siempre ha sido que los empleados del sector cultural gozasen de los mismos derechos que el resto de trabajadores y de un marco jurídico adaptado a sus necesidades.

El pasado enero se anunció que el Estatuto prohibiría a la IA sustituir a los trabajadores del sector. Sin embargo, según confirma elDiario.es, esto ya no será así. Aunque fuentes del ministerio aclaran que se está trabajando para recuperar la promesa, indican que el motivo de que no se incluya tiene que ver con un «informe desfavorable» sobre la moción.

Algunos puntos que sí siguen incluidos en el documento son la regularización del trabajo de los menores, la incorporación a la jornada laboral de actividades relacionadas con la producción, promoción o ensayos, la obligatoriedad de una figura de coordinación de intimidad para las escenas sexuales y la incorporación de planes y protocolos para el acoso.

The Rolling Stones, top 2 en España; Madonna baja al número 4

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Tras conseguir su décimo número 1 en España y vender 11.000 copias de ‘Confession II’, Madonna ha sido relegada al cuarto puesto de la lista de discos española en su segunda semana. Por otro lado, Quevedo ha evitado que The Rolling Stones alcancen el número 1.

La legendaria banda británica ha igualado el dato que ya consiguió con su anterior disco, ‘Hackney Diamonds’. En su momento, este entró en la lista en segundo lugar, con Bad Bunny impidiendo el primer puesto. Ahora, ‘Foreign Tongues’ repite la marca, con ‘El Baifo’ volviendo a su posición original. Por otro lado, Bad Bunny se mantiene fuerte en tercera posición con ‘Debí Tirar Más Fotos’.

El resto de entradas de la semana son para Conep, que debuta con ‘Trappii 2’ en el número 42; Future, con el decepcionante ‘The Real Me’ aterrizando en el número 79, y Jack White, que consigue colocar su último disco, ‘Frozen Charlotte’, en el puesto 94.

También son interesantes las marcas de My Chemical Romance y Bruno Mars, ambas conectadas directamante a sus conciertos de Madrid. El autor de ‘The Romantic’ protagoniza la subida más fuerte de la semana, pasando del número 20 al 16, a raíz del concierto que celebró en el Estadio Metropolitano la semana pasada. El grupo liderado por Gerard Way, por otro lado, ha colocado su disco ‘Danger Days: The True Lives Of The Fabulous Killjoys’ por primera vez en la lista, en el número 58.

Leire Martínez pide «normalizar y visibilizar la homosexualidad» en el fútbol

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Leire Martínez ha compartido una reflexión sobre el amor libre en el fútbol masculino durante su actuación en el Orgullo de Barcelona, justo en la víspera de la final del Mundial. La autora de ‘Historias de aquella niña’ ha sido clara con su petición: normalizar la homosexualidad en el fútbol.

La cantante empezó mencionando que había estado reflexionando después de escuchar «lo orgullosos que estamos»: «Es verdad que es el mes del Orgullo y que ahora lo estamos celebrando en Barcelona, pero esto también lo estoy escuchando mucho con temas deportivos», aseguró.

Esta aclaró estar orgullosa del desempeño de la Selección Española en el Mundial, pero apuntó que «ojalá como país, como sociedad, nos moviéramos tanto por otras causas además de por el fútbol y que causas como la libertad, la igualdad, la libertad, la educación o la sanidad fueran los temas que nos unen y nos hacen echarnos a la calle».

Para rematar, Leire se acordó del estigma que todavía existe en el mundo masculino del fútbol con respecto a la homosexualidad, primero recordando que «las mujeres en este sentido hemos sido mucho más valientes». Esta se ganó el aplauso de todos los presentes con sus últimas palabras, dirigidas a tender puentes: «A ver si por fin el mundo deportivo masculino empieza a normalizar y visibilizar la homosexualidad», concluyó.

Arca anuncia su nuevo y «oscuro» disco, ‘XXXXX’

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Arca ha anunciado su primer álbum en cinco años y llegará a finales de este mismo mes. La artista venezolana ha revelado que el sucesor de la última entrega de ‘KICK’ se titulará ‘XXXXX’ y estará disponible el próximo 31 de julio. Su inquietante portada, inspirada en el trabajo de H. R. Giger, y la lista de 16 canciones también han sido descubiertas.

El octavo disco de Arca es descrito como un trabajo «más oscuro, más agresivo, más experimental y reacio a encajar en una forma fija», según indica la nota oficial. Además del esperado lanzamiento, la autora de ‘Puta’ también ha anunciado la retransmisión de un directo «único» dirigido por Daniel Sannwald, el cual está detrás de los vídeos de ‘Motomami’ o ‘Sola’, de la propia Arca.

El directo tendrá comienzo este jueves 23 de julio a las 21:30h desde Barcelona y promete «difuminar los límites entre IRL, streaming, performance duracional y alucinación». Se podrá ver en Twitch y YouTube e incluirá canciones inéditas del nuevo LP.

Tracklist:
No End
Willow
Eidolon
Heart
Syncope
Raver
Cinch
Fxck
Finisher
Taconeando
Futurality
Grip
Enraptured
Throb
Everything
Sueño

La Selección celebra el Mundial en Cibeles: el karaoke masivo de Aitana, Borja Iglesias rapeando Kase.O…

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La Selección Española de Fútbol celebró este lunes 20 de julio su victoria en el Mundial con todos sus aficionados sin dejar de lado el espectáculo. La celebración se dio en el Palacio de Comunicaciones de Cibeles y contó con una gran programación de actuaciones musicales que incluía algunos de los artistas más importantes del país, entre los que se encontraban Aitana, Arde Bogotá, Ana Mena o Lola Indigo.

El evento comenzó alrededor de las 18h y culminó con la llegada del equipo ganador alrededor de las 22h, aunque tenían programada su llegada a las 21h. Mientras tanto, el público pudo disfrutar del ambiente de Barce, Álex Martini y DJ Pawly o de las actuaciones de Tony Grox y Lucycalys o Viva Suecia.

Los momentazos se empezaron a suceder desde que la Selección Española tomó el escenario en Cibeles, con alrededor de dos millones de personas recibiéndoles con los brazos abiertos, según fuentes oficiales. Todas y cada una de estas acabaron cantando ‘Superestrella’ a pleno pulmón en la que fue la actuación más esperada de la noche, con una Aitana que describió el protagonismo de su tema en el Mundial como «un poco meme», pero también algo «muy especial».

Antes de ella, Arde Bogotá soltaron a ‘Los Perros’ y Ana Mena junto a Lola Indigo se encargaron de provocar los mejores pasos de baile con ‘pa ti toa’. En una entrevista antes del show, Indigo aseguró que no podía esperar a «subir a cantar y ya irme de fiesta». Los jugadores de La Roja, por otro lado, ya tenían la fiesta montada en el escenario gracias a los chops de batería de Marc Cucurella o a Borja Iglesias rapeando ‘Cantando’ de Kase.O prácticamente de principio a fin. Este fue uno de los momentazos de la velada.

Cada jugador podía elegir su canción de entrada, con Pedro Porro decantándose por El Barrio o Gavi por ‘NUEVAYoL’. Otros, como Marcos Llorente o el seleccionador Luis de la Fuente, han optado por los clásicos de Julio Iglesias. El timing, regular. Mikel Merino, por otro lado, ha recordado el Mundial de 2010 con la banda sonora de Danny Elfman para ‘Alicia en el país de las maravillas’.

Madonna abre el halftime show del Mundial con un videoclip junto a Ronaldinho y Ronaldo

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FIFA

La FIFA ha estrenado este domingo su cacareado halftime show en la final del Mundial entre España y Argentina, que ha acabado con la victoria de España. El cartel era todo un delirio de grandeza: Madonna, Shakira, BTS, Justin Bieber y Burna Boy han compartido escenario en un espectáculo que ha pretendido trasladar el modelo de la Super Bowl al fútbol. A algunos, como a Robert Smith de The Cure, no les ha gustado nada la idea, aunque cuesta imaginar que el cantante no haya acabado sintonizando el partido. El show completo está subido en el canal de la FIFA en Youtube.

La música ha empezado bastante antes del pitido inicial, aunque con un considerable protagonismo del playback, como es habitual en este tipo de macroeventos televisados. Post Malone ha estrenado en directo su nuevo single, ‘Chrome Heartbreaker’, durante el espectáculo previo al partido, y ha «cantado» también ‘Wow’ y ‘Sunflower’ junto a Swae Lee. Y, como estaba anunciado, Jennifer Hudson ha interpretado el himno nacional, mientras Robbie Williams, Nicole Scherzinger y Laura Pausini han presentado ‘Desire‘, el himno oficial de la FIFA. Tom Cruise, por su parte, ha aparecido sobre el césped para ofrecer un breve discurso de ánimo antes de la final.

@clipzforyou108 #postmalone #worldcup #worldcupfinal #messi #argentina ♬ original sound – Clipzforyou108

@la1_tve La música y el deporte se unen en la FINAL del Mundial. #OjaláLaSegunda 🌟🌟 #MundialRTVE ♬ sonido original – La1 de TVE

Detrás del cartel está Chris Martin, líder de Coldplay, junto a Global Citizen. Ninguno de los artistas ha cobrado por actuar: el espectáculo forma parte de la campaña del FIFA Global Citizen Education Fund, destinada a recaudar fondos para proyectos educativos.

Con el 0-0 todavía en el marcador, Madonna ha inaugurado el primer halftime show de la historia del Mundial con una actuación aparentemente pregrabada, es decir, un videoclip, aunque con toda la intención de seguir promocionando ‘Confessions II‘. Madonna ha recuperado ‘Music Inferno’ -el remix de ‘Music’ en clave disco- junto a Stuart Price, situado a los platos, sobre un escenario que recreaba una pista de patinaje muy similar a la del videoclip de ‘Sorry’. El remix ha incluido un guiño a ‘Danceteria’ con Madonna y Price subidos a un enorme descapotable conducido por Ronaldinho y Ronaldo. Solo en los últimos segundos Madonna ha aparecido físicamente sobre el césped, acompañada por ambos futbolistas: el resto del número ha sido pregrabado, o al menos esa ha sido la impresión.

@la1_tve La final del #MundialRTVE va de reinas. Si alguien tenía que arrancar esta actuación histórica del descanso de la final, tenía que ser ella: ✨MADONNA✨ #OjaláLaSegunda #LaCasaDeLaMusicaRTVE ♬ sonido original – La1 de TVE

El relevo lo ha tomado Gustavo Dudamel, al frente de la New York Philharmonic y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, con una versión orquestal nada predecible de ‘Seven Nation Army’ de los White Stripes, melodía que un Donald Trump de cuerpo presente habrá escuchado con mucho gusto, dada su enemistad con Jack White, y la que se han sumado también Los Teleñecos, en un evidente intento de Martin de apelar al público infantil. Después, BTS han apostado por ‘Dynamite’ recurriendo a la coreo esperada y Justin Bieber ha sorprendido interpretando una versión acústica ‘Everything Hallelujah’ acompañado de su guitarra. Ha sido todo un «vibe kill», que diría Madonna.

Menos sorpresa ha habido con Shakira y Burna Boy, que han repetido ‘Dai Dai’, actual número 1 global, ya presentada durante la inauguración del Mundial. Esta vez, eso sí, ambos se han quitado las gafas de sol y han cuidado algo más la puesta en escena, rodeados de un cuerpo de baile infantil. El cierre ha quedado en manos del PS22 Chorus -que recordarás por su versión viral de ‘Jóga’ de Björk- y Chris Martin, que en su papel habitual de mesías del pop, ha convertido el lema «We Believe in Love» en un gigantesco final coral lleno de color e ilusión. Shakira se ha sumado después al abrazo colectivo. Madonna, en cambio, ya no ha vuelto a aparecer. Music makes the people come together. Bueno, casi.

@la1_tve La banda de K-pop @BTS conquista el MetLife Stadium con su canción 'Dynamite' 💥 "Cause I, I, I'm in the stars tonight…". ¡Sí, hoy estamos entre estrellas! #OjaláLaSegunda #MundialRTVE #LaCasaDeLaMusicaRTVE ♬ sonido original – La1 de TVE

@la1_tve @Justin Bieber, el icono canadiense, brilla en el show del descanso con ‘Everything Hallelujah’ 🥹✨ #OjaláLaSegunda #MundialRTVE #LaCasaDeLaMusicaRTVE ♬ sonido original – La1 de TVE

@la1_tve La reina de los himnos de los mundiales está de vuelta. @Shakira vuelve al mayor escenario del fútbol. #OjaláLaSegunda #MundialRTVE #LaCasaDeLaMúsicaRTVE ♬ sonido original – La1 de TVE

Lido Pimienta / Caribenya

«Ser multimillonario es tan cutre» es el titular que ha dejado Lido Pimienta en una entrevista reciente. La frase resume bien la postura de una artista que se resiste a reducir su música a mero entretenimiento. El activismo forma parte indisociable de su obra, aunque haya quien le sugiera que hable menos de política y se limite a explotar su extraordinaria voz. El racismo, el colonialismo y la misoginia ocupan un lugar central en sus canciones, y Pimienta seguirá utilizando el micrófono mientras lo conserve para señalar las injusticias que percibe en el mundo, especialmente en su Colombia natal.

‘Caribenya’, su segundo disco en un año, concluye con la declaración «Yo no me quiero ir de mi país». Antes, el luminoso dembow de ‘Marea’ ironiza sobre el colonialismo y el turismo extractivo: «De donde tú vienes solo ocupan y trafican / Tengo tu amor, tengo tu cuerpo, tengo tu amor, tengo tu tiempo». El remate, «Váyanse de mi isla bonita», suena como una expulsión directa de quienes convierten el Caribe en un objeto de consumo y aceleran la gentrificación.

El registro cambia de una canción a otra a lo largo de este minidisco de apenas ocho cortes. Hay un enfado palpable mezclado con humor en la cumbia ‘Tóxica’, dedicada a una amiga de la industria que rechazaba las posiciones políticas de la cantante, pero también hay espacio para la reivindicación queer en la luminosa ‘Libélula’ -con Ana Macho y una flauta de pan- y en ‘Arrúllame’, que abre el álbum recuperando las cuerdas de Owen Pallett, tan decisivas en ‘La belleza’.

Las canciones de ‘Caribenya’ fueron escritas durante las sesiones de ‘La belleza’, aunque conforman un repertorio claramente diferenciado. Aquí desaparece casi por completo el lenguaje orquestal en favor de una producción más doméstica. Pimienta empezó a maquetarlas en la cocina de su casa, entre las tareas cotidianas de cuidar a sus hijos, llevarlos al colegio u hornear lo que fuera. Más tarde, productores como Grupo Jejeje o Chancha Vía Circuito terminaron de desarrollarlas, con la propia artista implicada en buena parte del proceso.

Ese método dota al disco de toda su espontaneidad. En ocasiones da lugar a piezas especialmente vivas, como el dancehall de ‘Talento’; en otras, temas como la lúgubre ‘Así nací’, con sus extraños coros aniñados, no terminan de encontrar una forma convincente. Donde esa combinación de proceso artesanal, discurso político y sentido comunitario alcanza su mejor expresión es en ‘Hoy por ti’, impulsada además por una Nelly Furtado que aporta toda la personalidad intacta de su voz.

Conviene entender ‘Caribenya’ como una suerte de nota al pie de ‘La belleza’, un álbum que, por cierto, anticipó el movimiento que después popularizaría ‘Lux’ de Rosalía al incorporar el lenguaje de la música clásica al pop. Pero también hay que entender ‘Caribenya’ como el cierre de la etapa de Lido Pimienta en Anti. Tras este lanzamiento, la colombiana emprende una nueva etapa como artista independiente. Y, a estas alturas, ya sabemos que ese parece ser el futuro.

‘I’d Be Lyin’ de Kelly Clarkson tiene más ingenio del que parece

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El nuevo single de Kelly Clarkson contiene probablemente una de las composiciones más inusuales que se han escuchado en el pop reciente.

No nos referimos a la música, que vuelve a ser la mezcla de estilos habitual. ‘I’d Be Lyin’ se mueve entre el pop-rock, el funk y unas claras raíces country, con guitarras que evocan tanto el ‘Kiss’ de Prince como los punteos de HAIM y un guiño al mayor éxito de Clarkson.

La Canción Del Día para hoy, ‘I’d Be Lyin’ quizá no sea el himno inmediato que fue ‘Since U Been Gone’, pero melódicamente tiene papeletas para convertirse en un éxito. El desarrollo está medido al milímetro, construyendo tensión hasta desembocar en un estribillo catártico, mientras el puente es ya pura exhibición vocal. Y sí, la canción todavía se toma la molestia de incluir un puente de verdad.

Pero cuando decimos que I’d Be Lyin’ es una canción inusual no es por su producción, sino por su letra. Clarkson construye toda la canción sobre un ingenioso juego de retractación e ironía: cada estrofa parece una confesión de desamor para desmentirse inmediatamente después.

«It’s not the same without ya», «You are right where I belong» o «There’s not a day that goes by without you crossin’ my mind» parecen las palabras de alguien incapaz de superar una ruptura. Sin embargo, el preestribillo lo invalida todo: «»Ain’t what I’m sayin’ / If I said that then… I’d be lyin'». Ironía country al cuadrado.

La clave llega en el estribillo con «You’re hearin’ only what you’re wantin’ to» («Solo estás escuchando lo que quieres escuchar»). Esa frase da sentido a toda la canción: la expareja sigue creyendo que Kelly la echa de menos, mientras ella deja claro que ya ha pasado página: «It took a while, but now I’m bulletproof». O como ella dijo una vez: lo que no te mata, te hace más fuerte.

Muere Jennifer Finch de L7

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Jennifer Finch, bajista clave de L7 durante los años de mayor impacto de la banda, ha fallecido a los 59 años tras una larga lucha contra un cáncer cerebral que se comunicó públicamente la semana pasada.

El grupo ha confirmado la noticia con un comunicado en redes sociales: «Con el corazón roto anunciamos que nuestra querida compañera de banda, amiga y cómplice Jennifer Finch ha fallecido hoy. Tuvo una larga y valiente batalla contra el cáncer cerebral. La queremos».

Más tarde, L7 ha compartido otro mensaje: «Estamos destrozadas por la pérdida de nuestra querida compañera, hermana y amiga Jennifer Finch, cuyo espíritu feroz, humor y creatividad sin límites ayudaron a dar forma a L7 y cambiaron nuestras vidas para siempre. Jennifer era una auténtica original. La queremos más allá de las palabras. Descansa en poder».

Finch se incorporó a L7 en 1987 y fue la bajista de discos fundamentales de la era grunge como ‘Bricks Are Heavy’ o ‘Hungry for Stink’ antes de abandonar la formación en 1996. Regresó con la reunión del grupo en 2015 y participó en su último álbum, ‘Scatter the Rats‘ (2019). Además de L7, formó parte de OtherStarPeople y The Shocker, fundó el sello Little Pusher Records y desarrolló una prolífica carrera como fotógrafa.

La semana pasada, familiares y amigos habían puesto en marcha una campaña de GoFundMe para ayudar a cubrir los costes de su tratamiento, preservar su archivo artístico y completar uno de sus últimos proyectos creativos. La recaudación ronda ya los 400.000 dólares.

El insólito concierto de Poppy sin Poppy por culpa del humo

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Pocos conciertos se nos ocurren que transcurran sin su vocalista principal. Quizá alguno de Morrissey, aunque en ese caso lo habitual es que ni siquiera empiece. El último de Poppy en el Upheaval Festival de Grand Rapids (Michigan), sin embargo, sí llegó a celebrarse… solo que sin Poppy.

Debido a la mala calidad del aire provocada por el humo de los incendios forestales que siguen asolando Canadá, la cantante decidió no salir al escenario. Su banda, eso sí, mantuvo el horario previsto y ofreció un set instrumental de una hora, mientras sus integrantes se protegían con mascarillas N95.

La escena desconcertó a buena parte del público: un asistente cuenta en redes que, cuando llevaban ya media hora de concierto, seguían esperando la aparición de Poppy, sin terminar de entender si aquello formaba parte del espectáculo o si algo había salido mal.

Como era de esperar, no todo el mundo se lo tomó igual. Muchos entendieron que se trataba de una cuestión de salud, pero otros criticaron que nadie avisara con tiempo de que Poppy no iba a salir al escenario.

Horas después, Poppy acudió a Instagram para explicar la situación: «Debido a los peligrosos niveles de contaminación del aire y a nuestro horario, no pude unirme a la banda en el escenario. En esas condiciones no era seguro. Quizá os disteis cuenta de que nuestro set fue solo instrumental. A quienes desafiasteis esas condiciones, os aplaudo».

Por su parte, el Upheaval Festival publicó un comunicado insistiendo en que la seguridad de artistas y asistentes era la prioridad, al tiempo que recomendaba el uso de mascarillas y seguir las indicaciones de las autoridades locales mientras persistieran los elevados niveles de contaminación.

Leon Bridges exhibe gusto y oficio en la veraniega ‘Light the Way’

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Ni dos años después de ‘Leon‘, el soulman más elegante de la música actual está de vuelta. Leon Bridges ha anunciado un disco de temática veraniega, ‘Happiness Anytime’, y ya ha estrenado cuatro de los doce cortes que contendrá. Todos ellos están producidos por nada menos que dos miembros de Jungle: Lydia Kitto y Joshua Lloyd-Watson.

La mano de Jungle se aprecia en el tratamiento de los coros y las guitarras, especialmente visible en ‘Your Love Is Electric’, el tema que más se acerca a una fusión clásica de R&B y disco.

En los demás es palpable, sobre todo, la influencia del highlife nigeriano, tanto en los ritmos como en los arreglos vocales, con coros grupales como los «oh, don’t worry» de ‘Tears of Joy’ o los cánticos de ‘Illusion’. Muy ricos en arreglos instrumentales de percusiones, vientos y guitarras, estos cuatro temas demuestran el oficio de Leon Bridges componiendo canciones que van más allá del gancho fácil.

Y eso no significa que carezcan de gancho. Especialmente ‘Light the Way’, que con sus percusiones entrelazadas, una guitarra de punteos funky, sintes de aire psicodélico, cánticos de «da, da, da» y riffs de trompeta crea una atmósfera vibrante y rebosante de matices. Sobre ella, Leon Bridges canta con la naturalidad y la calma que caracterizan su estilo, en una interpretación chill y relajada que convierte la canción en una compañera ideal para esta ola de calor.

La sofisticación instrumental de ‘Light the Way’, sin embargo, convive con una intención de ligereza, como ha contado Leon en una entrevista. Y ojo a lo que explica: «Existe esa sensación de que tenemos que solucionar los problemas del mundo; eso puede hacer que te sientas insuficiente o incluso llegar a paralizarte. Mi papel es aportar ligereza. Espero que eso se refleje en este álbum». En estas cuatro canciones, desde luego, así parece. ‘Happiness Anytime’ sale el 25 de septiembre.



Future / The Real Me

Future aseguraba en un reel promocional que ha creado ‘The Real Me’ a raíz del sufrimiento de no poder «enseñar a la gente quien eres de verdad». Sin embargo, lo que nos dice su décimo álbum es que el icónico artista de Atlanta ha sido su yo real durante, al menos, los últimos 10 años.

El lead single del proyecto, que no contiene ninguna colaboración, y único adelanto era prometedor. En ‘Radio’, Future deja claro que la canción no es para las masas y entrega algunas frases realmente interesantes, como cuando dice que no poder estar de luto «es parte de ser un rey» o como cuando desmonta uno de sus mayores mitos al jurar que «las putas vienen para la inspiración, no es lo que parece».

Por otro lado, ‘If I Could’ destaca como la canción más interesante del LP, tanto por su ensoñador beat con vibras ochenteras como por el contenido de sus letras o la gran interpretación del artista. Future se muestra como una persona normal al hablar de sus hijos («El pequeño está intentando seguir mis pasos, pero necesita terminar el colegio / Les dije a mis hijos que fuesen mejores que yo, les dije la verdad») y tremendamente vulnerable al presentarse como alguien que no sabe expresar sus sentimientos a su entorno más cercano: «Amo a mi familia, es difícil decirles cómo me siento».

Si la mayoría del proyecto estuviese compuesto por canciones como estas, con el Future más clásico espolvoreado por el tracklist, ‘The Real Me’ podría haber sido un gran disco. La realidad es justo la contraria, por lo que la sensación final es que se trata de un álbum fallido. No es que el rapero de Atlanta vaya en piloto automático, porque es un grandísimo especialista en lo suyo. Así lo muestra en temas como ‘Fukk A Interview’, ‘Weight Up’, ‘Trench Coat’ o ‘Tank Top Pluto’. Lo que ocurre es que no ofrece absolutamente nada nuevo, ni temática ni musicalmente.

De hecho, cuando intenta adentrarse en estilos más cercanos al pop hacia el final del LP los resultados son terribles. Ni siquiera la imaginativa producción de Pharrell consigue levantar el claro intento de hit que es ‘Alice’, que resulta repetitiva y pesada desde la primera escucha. La performance de Future también deja mucho que desear, al igual que el desanimadísimo beat, en ‘Hollywood’. El experimento se asemeja al de ‘DIE TRYING’ de Drake y PARTYNEXTDOOR, pero con la diferencia de que absolutamente nadie, ni siquiera el oyente más casual, se va a tragar esta versión del rapero.

El resto del LP bascula entre el Future más misógino -‘California Girls’ comparte concepto con el clásico de The Beach Boys, pero sin ningún tipo de encanto-, el más genérico y el más atrevido, en el peor sentido. El exageradísimo falsetto de ‘2018’ es criminal, pero al menos te puedes echar unas risas. Por otro lado, la frescura del etéreo beat de ‘Build A Bitch’ es eclipsada por su casposa temática. Si el Future de verdad es así, que nos den el de pega.

SIENNA suena más ‘AFILADO’ y trepidante que nunca

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SIENNA es un cantante y compositor valenciano que cuenta con tres discos publicados y ha construido un sonido que lo emparenta con algunas de las propuestas más populares del indie-rock español, como Vetusta Morla, Viva Suecia o el Alizzz más guitarrero. La fuerza de sus canciones y una personalidad vocal muy marcada lo convierten en un artista con potencial para dar un salto importante en cualquier momento.

Entregado a las grandes emociones, su música combina guitarras y sintetizadores con una interpretación llena de carácter. Esa fórmula ha llevado a temas como ‘Épico y mortal’ a bordear los 5 millones de reproducciones en Spotify, mientras que ‘Esto no es el cielo’ formó parte de la banda sonora de la reciente adaptación de Física o Química.

Desde 2017 ha publicado los álbumes ‘Trágico y fugaz’, ‘Tiempos de impacto’ y ‘Trance’. Ahora amplía su discografía con ‘LINCE’, un nuevo trabajo que presentará en una gira por distintas ciudades españolas entre noviembre y febrero del próximo año, más las que quedan por confirmar. Las entradas están a la venta.

En este disco, SIENNA incorpora nuevas texturas electrónicas, como demuestra el corte synth-pop ‘X los siglos de los siglos’, sin renunciar a las guitarras que siempre han definido su propuesta. De hecho, ‘Afilado’, su último sencillo, es probablemente la canción más directa e inmediata del álbum.

Si en ‘Loco’ apuesta por un tono más íntimo y en ‘Garra’ abraza una producción más distorsionada, ‘Afilado’ se sitúa más cerca de esta última. Es una composición de indie-rock vibrante que remite a bandas como Placebo y hace de la intensidad emocional su principal motor. La voz aparece deliberadamente en primer plano para que cada frase llegue con total claridad.

La canción aborda la necesidad de protegerse de quienes utilizan sus propias heridas como excusa para justificar el daño que provocan a los demás. Más que un tema sobre el enfrentamiento, ‘Afilado’ reivindica la importancia de poner límites y preservar el propio equilibrio emocional. En palabras del propio SIENNA: «AFILADO habla de protegerte, de anticiparte, de estar alerta. Nadie debería estar vigilante pero, en ocasiones, no puedes permitir que las heridas de los demás se proyecten sobre ti».

13.11.26 – Valladolid (PortaCaeli)
14.11.26 – León (Espacio Vías)
20.11.26 – Sevilla (Malandar)
21.11.26 – Córdoba (Impala II)
27.11.26 – Murcia (REM)
28.11.26 – Alicante (Stereo)
08.01.27 – Madrid (La Riviera) (Inverfest)
15.01.27 – Oviedo (Tribeca)
16.01.27 – Vigo (Mondo Club)
22.01.27 – Granada (PlantaBaja)
06.02.27 – Zaragoza (Sala López)
12.02.27 – Barcelona (La Nau) (Cruïlla)


Cupido / Amor compartido

Cupido se han caracterizado siempre por cantar al amor hasta bordear lo autoparódico, incluso realizando lanzamientos, anuncios o conciertos por el Día de San Valentín. Su nuevo álbum le da una vuelta al concepto de la formación. Sin el fantasma de las relaciones abiertos -por el recelo de sus letras, no les pega-, se llama ‘Amor compartido’ porque se compone de colaboraciones. De esta manera, pretende ser un recorrido por la música popular latinoamericana contemporánea, representando un viaje, un diálogo, un «amor compartido» entre países como España, México, Chile, Argentina, Puerto Rico, Guatemala y Estados Unidos.

Las vacaciones más exóticas nos las trae Cuco, que aparece en una especie de bolero llamado ‘Maldito Cupido’, un tema que hace sonar el desamor habitual de las canciones del grupo más doliente, quizá debido al piano. Un instrumento que también es protagonista de ‘Dolor de muelas’.

Pero también hay rastro de vaporwave en esa petición de ayuda titulada ‘Parada del bus’ que se han marcado junto a Little Jesus; o incluso algo de rumba catalana de la mano del viejo amigo Kinder Malo en el desarrollo de ‘Calle de la pena’. Un tema muy españolete que lamenta que dos amantes no hayan quedado ni como amigos.

Ese dramatismo propio del carácter romanticón de las letras de Cupido continúa siendo lo mejor de sus discos, da igual el estilo. Guitarras, teclados y diferentes ritmos han construido la identidad del grupo sin lugar a dudas, pero la música no puede prevalecer sobre las letras cuando estas incluyen pasajes tan canallitas como los que escuchamos en ‘Troleo’.

Esta colaboración con l0rna es uno de los singles principales del álbum, lleno de gracietas («desde que te fuiste no sé dónde meter los dedos»), muestras de independencia («No te necesito pa poder eyacu-«) y discusiones de corte pimpinelesco, como ese momento en que la artista invitada y Pimp Flaco discuten sobre quién de los dos es más tóxico. Gana él, después de desaparecer una noche y aparecer el día siguiente con el Instagram cargado de nuevos contactos.

También arranca una sonrisa esa ‘404’ en la que DrefQuila rima «Mi sueño es morir de asfixia debajo de ese cu» con «ataúd». Y resulta muy peliculera -y muy pegadiza, por extensión- la onomatopéyica ‘Ouch :-(‘ firmada con Usted Señlemelo, en la que Pimp Flaco recibe golpes hasta sangrar e implora: «no es dinero, son tus besos lo que pido». El pop-rock carpetero del tema que abre el álbum junto a Álvaro Díaz, el repaso costumbrista de los días de la semana de ‘LMXJVS-D’ o la dulce voz de Zoe Gotusso en ‘más valen cien pájaros volando que uno en mano’ impiden que la fórmula de Cupido se agote, una vez más. Llegará un día en el que la llama del amor empiece a extinguirse, como en todo «amor compartido». De momento, no termina de pasar.

Cupido están de gira por varias ciudades este año. Entradas para Madrid, Zaragoza y Bilbao, aquí.

RFTW: Gracie Abrams, Steve Lacy, Carly Rae Jepsen, Leon Bridges…

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Las novedades de hoy 17 de julio vienen evidentemente marcadas por el esperado lanzamiento de Gracie Abrams. Pero no es el único disco que merece la pena destacar, ya que también podemos escuchar los nuevos trabajos de Eartheater, Steve Lacy, su colega Syd, Yard Act, Nia Archives, Lido Pimienta, Helado Tropical o incluso Tricky. Entre los lanzamientos curiosos llegan la reedición de ‘Daydream’ de Mariah Carey con motivo de su 30º aniversario y el nuevo EP de Gala Nell.

Mientras Cupido completa su disco con el añadido del tema que faltaba, conocemos también nuevos singles de Carly Rae Jepsen (en plan Jungle), Brandon Flowers (en plan country), Kelly Clarkson (en plan Pink) o Tinashe (en plan Tinashe).

Esta última ha anunciado su disco ‘Popstar’, y no es la única que ha arrancado campaña esta semana: también Leon Bridges, Beck y Echo & the Bunnymen han anunciado disco en los últimos días, mientras que Julia Jacklin lo había hecho anteriormente. Por no hablar del nuevo recopilatorio de David Bowie.

Siguen adelantando sus próximos lanzamientos beabadoobee, Rose Gray y Overmono, además de Queens of the Stone Age, cuyo Josh Homme hace doblete en el single de Mastodon. Hoy destacamos en portada el estupendo debut de Claudia Arenas, y su compañero de OT 2025 Guillo Rist también estrena un single de corte electrónico.

El pop nacional en español deja novedades notables de Bloodstein, BRAVA con Leo Tucadamo, Karmento, Kristina, Euskoprincess, Blackpanda o un nuevo tema de Maria Arnal, que sucede a su disco de este año y sigue esa misma línea.

Burger King larga a El Xokas tras las polémicas

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Uno de los «tontos» mencionados en el último single de Parquesvr, ‘Tonto‘, ha visto rescindido su contrato con Burger King. La cadena ha puesto fin a su colaboración con El Xokas tras una bochornosa semana de declaraciones polémicas.

Entre las perlas del streamer, presumir de haber «ganado más en una promo de Burger King que tus padres en 20 años trabajando» durante una discusión en directo y asegurar que no le compensaría salir con Ester Expósito por sus ideas políticas. Decía que preferiría salir «con un seis», en un alarde de autoestima admirable.

Burger King ha anunciado que rompe su relación con el creador de contenido al considerar que sus recientes declaraciones «no representan los valores» de la compañía. La marca también ha retirado su imagen de la campaña Grand King, que compartía con Marta Díaz, Peldanyos y Marina Rivers.

La polémica ha llegado incluso al Congreso. La diputada de Compromís Águeda Micó ha respondido a las palabras de El Xokas sobre Ester Expósito recuperando una frase popularizada por Mariang (La Pija y la Quinqui): «Hay que empezar a llamar tonto de mierda a los tontos de mierda». Un lema que conecta con la canción mencionada al principio de este artículo.

Se desconoce cuánto dinero ha llegado a cobrar El Xokas por la campaña, aunque cuesta imaginar que fueran menos de unas cuantas decenas de miles de euros. En cualquier caso, algo nos dice que su frase sobre haber ganado «más en una promo de Burger King que tus padres en 20 años trabajando» no ha envejecido muy bien.