Olivia Rodrigo ha anunciado Daisy Chain Fields, su propio festival de música, que se celebrará el 29 de agosto en Irvine, California. La cantante llevaba años soñando con organizar un evento así y, sí, lo has adivinado, ha tomado como referencia el el mítico Lilith Fair, que ya en los 90 convirtió en realidad un festival integrado exclusivamente por mujeres.
El cartel estará formado exclusivamente por artistas femeninas o bandas lideradas por mujeres. Entre los nombres destacan Chappell Roan, Doechii, Mitski, Bikini Kill, Garbage, The Breeders (teloneras de Olivia durante la gira de ‘GUTS’), Katseye, Santigold y Rachel Chinouriri, además de invitadas especiales como Stevie Nicks, Karen O y Sarah McLachlan.
Los beneficios netos de las entradas se destinarán a organizaciones que trabajan por los derechos y la salud de mujeres y niñas, entre ellas Planned Parenthood o Center for Reproductive Rights. Además, ningún artista cobrará beneficios por su actuación.
Olivia Rodrigo logra ser lo más votado esta semana en JENESAISPOP, al obtener el 51% de los votos en Instagram con ‘stupid song’. Es su primer top 1 en nuestro top 40 semanal. Cada canción en esta era ha ido gustando más que la anterior: ‘drop dead’ llegaba al número 5, y luego ‘the cure’ al número 2. En álbumes anteriores, ‘vampire’ entró al puesto 3 contenida por ‘Padam Padam’ de Kylie y una de las colaboraciones de Amaia con Alizzz. Un par de años antes, ‘drivers license’ quedaba en el puesto 14.
Aparte de Olivia Rodrigo, la entrada más fuerte estos días es la de Avalanches con Jamie x, que aparece por el top 5. Belén Aguilera y Ellie Goulding llegan al top 20. Otras entradas en lista son las de Paycheque, Tinashe, Joshua Idehen y Vince Staples.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Las novedades musicales de la semana están marcadas por Olivia Rodrigo. La artista es número 1 de álbumes en España y, como ya os hemos contado en el análisis de la lista de Discos, ha metido hasta 11 temas en el top 100 oficial español de canciones. ‘stupid song’ es número 17.
Pero la entrada más fuerte es ‘Pa ti toa’ de Ana Mena con Lola Indigo, directa al top 12. Es una buena entrada para ambas, aunque queda fuera del top 10 a diferencia de ‘Madrid City’ que fue top 8, o ‘Carita triste’ con Emilia, que fue top 6.
Y la noticia de la semana la vuelve a dar Shakira con Burna Boy. En marcha el Mundial de Fútbol, ‘Dai Dai’ sigue subiendo y pasa del puesto 10 al puesto 4, representando la subida más fuerte estos días. Eso sí, por lo que se ve en Spotify España, el número 1 continúa lejos y en manos de ‘La graciosa’ de Quevedo. Como curiosidad, el Waka Waka’ reentra en el puesto 92 en España, certificado como 5 veces platino.
Completan las entradas de la semana ‘BNB’ de Young Miko con Clarent en el 23; ‘Contigo na más’ de Luar La L con Dei V, Bryant Myers, etc en el puesto 60; ‘Cabernet’ de Mora en el 65 y ‘Se le ve’ de Kybba, Ryan Castro, Bad Gyal y Topboy en el 87.
Bad Bunny no ha podido desbancar a Quevedo del número 1 en España, ni actuando 12 veces en nuestro país. Al fin y al cabo ‘Debí tirar más fotos’ salió hace más de 70 semanas.
Quien sí logra desbancar a Quevedo, en concreto después de 7 semanas de reinado de ‘El Baifo‘, es Olivia Rodrigo, que ya había sido top 1 por aquí con sus dos primeros álbumes. ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘ es el nuevo número 1 de discos en España y no solo eso, sino que además, 11 de las 13 canciones del álbum entran en la lista de singles. Son las siguientes:
17 (E) stupid song
36 (81) the cure
43 (E) honeybee
46 (RE) drop dead
55 (E) maggots for brains
57 (E) what’s wrong with me
61 (E) my way
66 (E) u + me
73 (E) LESS
75 (E) expectations
88 (E) begged
El huracán Olivia Rodrigo no consiente que haya demasiadas novedades en el mercado anglosajón. Bebe Rexha tiene que conformarse con el puesto 63 en nuestro país con ‘Dirty Blonde‘. Y Yes con el puesto 95 con ‘Aurora’. Este último álbum ha alcanzado el puesto 42 en UK, pero Bebe Rexha únicamente ha sido número 71 en Reino Unido. Sí, ha llegado más alto en España.
Los Delinqüentes han llegado al puesto 45 con la reedición de ‘El sentimiento garrapatero que nos traen las flores’. Cruz Cafuné, al puesto 59 con ‘Me muevo con Dios’, Lérica al número 68 con ‘Kien me presta una guitarra?’ y Feid al puesto 100 con ‘El moco verde’, un EP de tan solo 5 canciones.
Carly Rae Jepsen había inundado en los últimos días su perfil de Instagram con publicaciones de coloridas y estéticas imágenes acompañadas de escritos, horas y ubicaciones, casi a modo de diario personal. Estaba claro que tramaba un comeback y ahora se confirma. Sin embargo, el regreso será aún más satisfactorio para sus fans de lo esperado, ya que el nuevo disco que acaba de anunciar es doble.
‘Day and Night’ se compondrá de 24 temas: los 12 primeros estarán reunidos en la sección «Day» y los 12 restantes en la sección «Night». Algo parecido a lo que hizo Miley Cyrus en ‘Endless Summer Vacation‘, aunque, de momento, Carly Rae no ha dicho que su álbum sea conceptual. La fecha de lanzamiento es el 18 de septiembre.
Según la nota de prensa recogida por Variety, la parte «Day» es «orgánica y cruda, con instrumentación en directo y toques de pop psicodélico inspirado en los años 70». Por su parte, «Night» es «exploratoria e intensa, y se adentra en un universo elegante de dance pop impulsado por sintetizadores».
Jepsen, que ha sido madre recientemente, ha colaborado con Tavish Crowe, Kyle Shearer, Nate Cyphert y Cole M.G.N. (su marido) en este nuevo proyecto. El primer avance ‘On Wires’ sale este viernes.
Ha muerto Clive Davis, una de las figuras más influyentes de la industria musical estadounidense, a los 94 años. El ejecutivo discográfico ha fallecido este lunes en Nueva York después de haber sido hospitalizado el pasado viernes por una infección respiratoria.
Pocos ejecutivos discográficos tuvieron tanto impacto en la historia del pop como Clive Davis. Fue presidente de Columbia Records, después fundó Arista Records, y su nombre aparece ligado al descubrimiento y desarrollo de algunos de los artistas más importantes del pop contemporáneo.
Entre los talentos que fichó e impulsó destacan Whitney Houston, de quien fue uno de los principales mentores, y también nombres tan dispares e icónicos como Bruce Springsteen, Billy Joel, Santana, Aerosmith, Janis Joplin, Pink Floyd, Barry Manilow o, más recientemente, Alicia Keys.
Ganador de cinco premios Grammy e incorporado al Rock and Roll Hall of Fame en el año 2000 en la categoría de no intérprete, Davis continuó vinculado a Sony Music durante las últimas décadas de su vida como director creativo.
En un comunicado, la familia de Davis ha destacado tanto su legado en la industria musical como su faceta personal. Sus familiares han recordado que, pese a su enorme éxito profesional, siempre dio prioridad a su familia y a las personas más cercanas.
Madonna protagoniza la portada de verano de Interview Magazine, en promoción de ‘Confessions II’, que sale ya el viernes de la semana que viene, dentro de 10 días. Además de unas fotos en las que «crea un nuevo personaje» como sugiere la introducción a su nuevo disco, en concreto una mujer que ha llamado Dee Dee, ha concedido obviamente una entrevista.
En ella da los detalles de cómo surgió este álbum, cuando se fue descartando su biopic con Universal por problemas de presupuesto. «Encontré la manera de hacer la película por menos dinero en Serbia, pero no creo que les entusiasmara la idea… Quizás simplemente no creyeron en mí. Una de sus primeras reacciones fue: «No creemos que aguantes en Serbia más de cuatro días». Y yo les dije: «¿Habéis leído el guion?». Toda mi vida ha sido una lucha por la supervivencia. No me voy de vacaciones». Fue entonces cuando Netflix le propuso otra cosa. «Estaba en el limbo cuando Netflix se me aproximó para hacer una serie. Y ese iba a ser otro proceso largo, porque no podía usar el guión que tenía con Universal a menos que lo comprase al precio de un extorsionador, aunque yo lo hubiera escrito. Mejor ni preguntes».
Dándose cuenta de que tardaría mucho tiempo en encontrar el/la guionista adecuado para la serie, decidió hacer un disco con Stuart Price. La idea era que, en tiempos tan oscuros, la gente necesitaría música de baile, por lo que pensó en ‘Confessions II’. «Me dije que tenía que ser tan bueno o mejor que el primero. He hecho otros discos, como ‘Ray of Light’ con William Orbit o las cosas que hago con Mirwais. Me encantan todos, pero mi sonido con Stuart… ni siquiera es algo que tengamos que pensar. Sintonizamos. Eso es lo que creo que pasó. Y es lo que producir significa para mí. Pones en común tus gustos, conocimiento, tu visión, y a una gente que está alineada contigo». No obstante, Madonna reconoce que ha estado 15 años sin ver ni hablar con Stuart Price.
En cuanto al disco, se compone de confesiones, y habla de la muerte de su hermano o su madrastra, con quien tuvo una relación muy complicada, aunque también hay canciones simplemente de diversión, como ‘Love Sensation’. Otro tema son las redes sociales, y lo que le deprime usar Instagram «más de 10 minutos». «Si miramos Instagram durante 2 horas, realmente pensamos que hemos estado con alguien. Es una actividad profundamente perturbadora».
Madonna sorprende al hablar de un tema hecho con Arca y Stuart Price que no estará en el álbum, ‘What Will Save Me’, pero sí estará la colaboración con Stromae ‘My Sins Are My Savior’, descrita como «una fantasía de los 90 sexy y profunda», y otra llamada ‘The Test’ con su hija Lourdes León que promete ser más profunda que ‘Superstar’. «Mi hija se me aproximó con la idea de escribir una canción juntas como forma de reparar nuestra relación. Fue un momento muy importante y consolidó la idea de que este era el momento de hacer este disco».
La artista cuenta historias hilarantes sobre cómo consiguió que el DJ de Danceteria la pinchara con un poco de cocaína y la complicidad de Debi Mazar, aunque quizá la declaración más interesante la deja hablando del tema con Stromae, sobre el qué dirán: «Solía importarme mucho porque pensaba: «No puede ser que la gente sea tan estúpida. No lo entienden. Hago muchas cosas provocativas pero siempre hay una razón detrás, que nadie se molesta en investigar, lo que te hace tirar la toalla sobre los seres humanos. Te das cuenta de que la gente no tiene pensamiento crítico. No examinan lo que ven ni lo que oyen. No miran las sutilezas ni las capas. Y no lo hacen sobre todo si viene de una mujer. Picasso era una mierda para las mujeres y se comportaba como un cretino, pero era un pintor brillante. La gente lo pasa por alto porque era un gran pintor. No me estoy comparando con Picasso, pero cuando una mujer lo hace… la gente es ahora un poco más abierta de mente sobre las mujeres que hacen cosas provocativas».
DELLAFUENTE ha dejado claro en X que su nuevo disco no es una despedida de ningún tipo: “Los que decís que ‘BRIGADO,’ es una despedida, que buya tenéis??”. Desde luego, no es toda la culpa de quien lo dice. El último disco del misterioso artista granaíno comparte la vibra melancólica del ‘Hurry Up Tomorrow’ de The Weeknd, sin llegar a ser un funeral; está lleno de menciones al agotamiento y la reconstrucción, y termina con una carta de agradecimientos. En el contexto de su carrera, viniendo de hacer historia tras vender casi 120.000 entradas para sus dos fechas en el Metropolitano, también tendría sentido que esto fuese un final. La nota de prensa dice que se trata de un comienzo. En realidad, es un punto de inflexión.
Este cambio de rumbo viene representado por varios elementos, siendo el más notable la única colaboración que incluye el proyecto, 3NOC, un álter ego del propio DELLAFUENTE (Pablo Enoc Bayo Ruiz). Su equipo describe a 3NOC como “una nueva identidad dentro del universo sonoro” del artista, concretamente su “visión musical más orgánica”. Efectivamente, ‘La vida te da sorpr3sas’ y en especial ‘Mi modo de vida’ muestran una faceta del granaíno nunca vista. Ambos temas coinciden en la influencia de los ritmos caribeños y en su intersección con las melodías flamencas, con lo que el artista ya había experimentado sutilmente en el pasado e indaga de forma más incisiva en este LP. ‘BRIGADO,’, siendo un proyecto muy variado y casi un compendio de todas las caras del andaluz, se parece más a ‘Lágrimas pa otro día’ que a cualquier otro disco anterior.
Sin embargo, lo que no tenía ese LP eran las grandes instrumentaciones y arreglos de vientos y teclas que sí se presentan en esta ocasión. ‘Mi modo de vida’, en concreto, es el clímax absoluto del disco y la culminación de la faceta más salsera de DELLAFUENTE. En la letra, Enoc rinde homenaje a su esposa e hijos, además de declararse en paz con la vida: “No me preocupa el dinero, pa mí es un medio, no un fin”. Es la invitación al baile y la celebración después de un tracklist que va de menos a más, tanto en calidad como en BPMs.
La primera mitad de ‘BRIGADO,’ no tiene nada que ver con las secuencias más desenfadadas del artista. Es justo lo contrario. ‘Vida en PNG’ da comienzo con un dramático bolero en el que el granaíno canta sobre volver “a caer” y no poder ver “el fondo de esto”. La mayoría de canciones que le siguen también muestra esta cara más reflexiva, íntima y, en definitiva, más lenta del artista, pero no todas resultan tan interesantes como esta intro. ‘Na me sabe a na’ y ‘Modo avión’ se asemejan al DELLAFUENTE clásico en su producción y funcionan bien dentro de que no presentan nada nuevo. ‘2:3 Filipenses’ sigue con las revoluciones bajadas, pero los arreglos de cuerdas lo dan todo para que sea una de las baladas más bonitas del disco.
Son justamente las canciones más movidas de esta sección las que no acaban de encajar. Un merengue del Xino es una sorpresa, pero que tenga tan poca sustancia como ‘Me olvido’ es una decepción. Por otro lado, el problema de ‘Sin explicacion3s’ tiene que ver con su posición en el tracklist. Este reggaetón tenía que ir en segundo lugar para mantener atenta a la gente, pero está lejos de ser una de las mejores canciones. También contiene alguna frase que no parece que haya venido de DELLAFUENTE, sino de Pol Granch: “Sin darme cuenta todo cambió / Saqué de la playlist nuestra canción”.
Eso sí, la segunda mitad de ‘BRIGADO,’ es todo un banquete. ‘Espíritu Santo’ es uno de los tracks que más luz arrojan sobre el lugar mental del artista en este disco: “Me gusta imaginar que soy desconocido y la única intención de conocerme es que te hizo gracia lo que dije”, canta en la primera línea. Este continúa queriendo “matar esa versión de mí que tú estás alabando” o jurando que le da “seguridad esta inseguridad”, además de dejar frases tan icónicas e hilarantes como “Me dicen no es pa’ tanto, yo les digo no es pa’ tontos”. Es la mejor versión del DELLAFUENTE que ya conocemos, capaz de mantenernos pegados a los cascos solo por lo que dice. El efecto es el mismo en ‘Caravaggio’, el hit indiscutible del disco en el que el granaíno se declara no humano de una forma fascinante: “A veces quisiera sentirme humano y supongo hacer cosas que hacen los humanos / Como criticar a la espalda, ser individualista, querer ser famoso y buscarlo siendo artista”. ‘El baile del agua’, por otro lado, es capaz de hacer olvidar los instantes más flojos del álbum por su mezcla de emoción y producción maximalista, casi rozando el EDM.
‘Agradecío’ son los títulos de crédito de un álbum que va y viene en su primera parte y que es capaz de crear escuela con lo que sigue, pero que resulta emocionante en casi todo momento. Así debería tomarse esta canción, que no por casualidad también fue el primer adelanto. DELLAFUENTE dice estar “agradecío de lo que me está pasando, de ser padre, hijo y espíritu santo”, muy en su línea, pero también da las gracias por todo lo malo, por “cada llanto” y “cada muerte”. Está totalmente listo para la próxima etapa de su carrera: “Estoy agradecido y lleno”. De todo lo que ha perdido, lleno.
De acuerdo con El Diario de Sevilla, la expresión “tesquiyá” es “la interjección con la que podemos expresar desacuerdo o incredulidad cuando nos dicen algo que consideramos falso o exagerado. Procede de la pregunta retórica ‘¿te quieres ir ya?’ o ‘¿te quieres ir ya por ahí?’, dicha de manera contraída, con un toque de ironía y con una dicción propia de Cádiz”.
Una variación de esta forma, ‘Teskiya’, titula el nuevo single del gaditano CURRO, que es uno de los mejores de su carrera y la Canción del Día de hoy.
El autor de ‘A Toro Pasao‘, una de las mejores canciones de 2025, vuelve con un tema alegre y muy rítmico, marcado por una melodía coreable y rumbera y por un espectáculo de producción repleta de palmas y percusiones y detalles instrumentales, como los tensos arreglos de cuerda o vientos que emergen sutilmente en varios puntos de la canción.
Con ecos también al funk carioca y matices de latin club, que en ningún caso diluyen el espíritu festivo y comunitario de la canción, ‘Teskiya’ sirve además como afirmación de la independencia de CURRO, que tiene muchas novias y novios pero advierte: “yo no me caso con nadie, no me vale cualquier cosa”. Eso sí, se postula como boyfriend material: “Soy lo que quieren las madres / educado, guapo y exclusivo / un premio pa’l que le toca”, dice el genial estribillo.
La cosa se complica en la segunda estrofa, que incluye la rima: “tengo todo lo bueno que de un gran hombre se espera / menos dinero, sírvase usted lo que quiera”, y lo que parece la confesión de un desorden emocional: “Soy algo inestable, pero fiel compañera / juro, el día que cambie / quedarme una vida entera”. Hasta que llegue el amor de su vida, que no pare la fiesta.
Kylie Minogue vuelve a colocarse en el radar del cine tras confirmarse su participación en el nuevo proyecto del director galés Jamie Adams, donde compartirá reparto con Quentin Tarantino, que también aparecerá frente a la cámara, como actor.
El filme, aún sin título ni sinopsis oficial, se está rodando en Gales y ha sido descrito como una «pieza de estilo improvisado», según Variety, muy en la línea del cine “Nouvelle Vague” que caracteriza a Adams. En las últimas semanas, el equipo ha sido visto grabando escenas en la localidad de Porthcawl, parece que en torno a un funeral y velatorio.
Para Kylie Minogue, este nuevo papel suma otro capítulo a una filmografía breve pero muy variada, donde ha alternado cameos icónicos y papeles de culto. Entre sus apariciones más recordadas están su debut en ‘The Delinquents’ (1989), su mítico salto pop en ‘Street Fighter’ (1994), su participación en ‘Moulin Rouge!’ (2001) o su inesperada reaparición cinematográfica en ‘Holy Motors’ (2012) de Leos Carax.
En cuanto a Tarantino, su participación como actor no es ninguna rareza: el cineasta ha aparecido ocasionalmente como actor sus propias películas, como ‘Reservoir Dogs’ o ‘Pulp Fiction’, además de diversos cameos en proyectos de otros directores.
Anthony Fantano es uno de los periodistas musicales más influyentes de internet. Si sus más de 3 millones de suscriptores en YouTube no bastan para demostrarlo, el creador de contenido al frente de The Needle Drop acaba de publicar una entrevista presencial con nada menos que Olivia Rodrigo.
Quien posiblemente nunca estará en esa posición es Halsey. El crítico puntuó su último disco, ‘The Great Impersonator‘, con un 1 sobre 10 y lanzó una crítica demoledora hacia la calidad de las canciones y sus «egocéntricas» letras, que calificó poco menos que de pataletas adolescentes y como ejemplos de «síndrome del personaje principal». Muchos fans señalaron la «insensibilidad» de este comentario, debido a que que ‘The Great Impersonator’ está profundamente marcado por los problemas de salud que Halsey ha atravesado en los últimos años, incluido un tratamiento de quimioterapia para combatir un cáncer hematológico.
Ahora, aprovechando la viralidad de la entrevista con Olivia Rodrigo, la cantante ha decidido responder con descalificaciones y algún argumento razonable. Halsey reduce al crítico a la categoría de «youtuber de reacciones», lo asocia con la cultura de 4chan sin pruebas y lo describe como «abusón». También tira de humillación personal al asegurar que «estoy segura de que mi canción menos memorable será recordada con más cariño que cualquier cosa que hayas hecho en tu vida».
La artista, sobre todo, critica el uso de «main character syndrome» en una reseña de un disco que habla, en buena medida, de su enfermedad. Y comparte una interesante reflexión: «Ser una mujer que enfrenta problemas de salud graves a menudo significa tener miedo de decir la verdad sobre el dolor que estás sufriendo porque temes no ser creída o parecer que buscas atención», escribe. Según Halsey, Fantano acabó «validando ese miedo ante miles de mujeres».
Aunque la reseña de Fantano sobre ‘The Great Impersonator’ dista mucho de ser amable -e incluso podría decirse que era bastante hostil hacia su trabajo artístico-, lo cierto es que el crítico nunca menciona el cáncer de Halsey en su análisis, ni siquiera para contextualizar el álbum.
Porque podemos estar de acuerdo en que Fantano fue insensible obviando el contexto del disco. Se puede argumentar que un 1 sobre 10 es una nota absurda para un disco que está muy lejos de ser inaudible. Incluso se puede señalar que existe cierta animadversión hacia Halsey en la manera en que enfoca la crítica. Lo que cuesta más defender es que estuviera atacando a la cantante por hablar de su enfermedad.
Ciñéndonos a lo que Fantano dice realmente en su reseña, lo más cuestionable de toda esta respuesta es la insinuación de que la enfermedad de Halsey debería bastar para blindar el disco frente a las críticas. ¿Es realmente esa la crítica musical que queremos?
De la misma manera, Halsey haría bien en admitir que las críticas sí le importan y en entender que su trabajo no merece ser aclamado por defecto ni por el mero hecho de ser autobiográfico. Tiene todo el derecho a escribir sobre su experiencia con la enfermedad y a sentirse ofendida por una reseña que considera injusta. Pero, como señala un acertado tuit: «No quedas bien siendo tan reactiva a la crítica cuando eres un artista en el ojo público. Es música, joder. El intercambio es que ganas como 20 millones de dólares. Si no te gusta, seguro que habrá alguien que sí».
El que hasta hoy era nuestro Disco de la Semana, ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘, está obteniendo unas cifras de venta alucinantes. Ha sido número 1 en Reino Unido con casi 103.000 copias vendidas en 7 días, con lo cual es disco de oro directo, y mejor aún, es número 1 en Estados Unidos con lo equivalente a 485.000 unidades. Es la mejor semana histórica de Olivia Rodrigo en USA y la mejor de 2026 para cualquier álbum solista.
Sumando los números 1 obtenidos en Australia, Austria, las «dos Bélgicas», Holanda, Finlandia, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Nueva Zelanda, Suecia o Suiza, es evidente que el álbum roza ya el millón de copias en solo 7 días. El disco solo ha quedado en el número 2 en Noruega y en el puesto 21 en Japón. En el resto del mundo es número 1, lo que ha incluido finalmente España, desbancando a Quevedo y Bad Bunny.
Desgranando las cifras del Billboard 200, el álbum ha vendido 273.000 copias reales y 211.000 puntos proceden del streaming. 1.000 son por venta de pistas sueltas. Ha habido 15 variantes distintas de ‘you seem pretty sad for a girl so in love’, incluyendo 2 firmadas y solo en vinilos se han vendido 164.000 unidades en Estados Unidos. Sin duda, uno de los mayores éxitos de 2026.
Y es que una semana después de su edición, todo el álbum continúa en el top 100 Global de Spotify, con 5 canciones aún ancladas en el top 25: los tres singles en el top 10, más ‘honeybee’ resistiendo ahora mismo en el puesto 12 y ‘maggots for brains’ en el número 24.
A pesar del innegable parecido, con el pelo rubio que sobresale de su cabeza y los pañales con la bandera de Estados Unidos, Vince Staples ha aclarado que el bebé de la portada de ‘Cry Baby’ no es Donald Trump, sino «todos nosotros»: «Es el sistema sociopolítico que adoptamos y del que nos quejamos al mismo tiempo. Mientras operamos dentro de él sin querer liberarnos, estamos alimentando al bebé, a la bestia, por así decirlo. Este disco trata sobre las distintas formas en las que puedes hacer eso».
Entonces, ¿el primer lanzamiento independiente de Staples trata sobre cómo liberarnos del sistema o sobre cómo alimentamos al bebé sin saberlo? Ambas. Abrazando el punk y el post rock como bases de la protesta, el rapero californiano pretende entregar con ‘Cry Baby’ una vacuna contra el conformismo. La gran mayoría de los temas tratados en el disco ya han sido visitados en el pasado a lo largo de la historia de la música, especialmente la música negra, pero pocas veces habían sido presentados tan en tu cara.
Vince evita las anécdotas personales para dirigirse en todo momento al oyente y bombardearle con distintas observaciones políticas y sociales que no acaban de cambiar. La violencia policial es la más prominente («¿Por qué vivo con miedo de una pistola y una placa? / Es el mayor enemigo que hemos tenido nunca»), pero Staples también trata la guerra (‘7 In The Morning’), la obediencia de las masas (‘TV Guide’), el patriotismo (‘Only In America’) y el capitalismo, con énfasis en la industria musical («La música te hace sentir como si fueras algodón»).
‘Cry Baby’ es una escucha que no resulta nada pesada teniendo en cuenta los temas que trata. La primera frase de ‘Blackberry Marmalade’, que abre el disco, describe la historia de los Estados Unidos y la intención de Staples con el proyecto: «Imperios construidos en terreno manchado de sangre / Kanye West, rezo porque todos se derrumben». A la vez, usando una melodía pegajosa desde la primera escucha.
Staples no sacrifica en prácticamente ningún momento lo pegadizo de sus canciones por la parte intelectual del proyecto, que tampoco se siente diluida. Más fácil no lo puede poner: importantes declaraciones en forma de memorables hooks.
La mayoría de temas están construidos alrededor de un riff que se repite durante toda la canción a modo de ancla. Por cierto, con instrumentación en vivo. ‘The Big Bad Wolf’, con elementos de scratching y con el conveniente sample de ‘Children’s Story’ de Slick Rick, y ‘Do You Know The Devil’ tienen las instrumentales más detalladas. Las líneas de guitarra de ‘TV Guide’ o el groove de ‘White Flag’, por otro lado, podrían presentar más evolución, resultando algo básicas en comparación.
Quizás esta es la mayor pega de ‘Cry Baby’, manteniendo una estética sonora similar en la mayoría de instrumentales. Todas, o casi todas, las guitarras que aparecen están ahogadas. Es una decisión claramente consciente, pero habría sido interesante que Staples hubiese intentando hacer cosas diferentes con ellas, jugar con otros estilos más incendiarios… Estilos a la altura de sus afiladas palabras.
SZA ha sido una gran defensora de los derechos de los artistas desde que la conversación sobre la IA en la industria musical se convirtió en realidad. Ahora, ha dedicado tanto unas stories como un post de Instagram a denunciar algunas de las prácticas que se han estado llevando a cabo en este ámbito. Incluso ha señalado a artistas como Diplo.
Todo empezó porque la cantante se dio cuenta de que supuestamente 238 canciones suyas habían sido usadas para entrenar a distintas inteligencias artificiales: «Estoy segura de que algunas son inéditas. Si eres un músico y apoyas esta mierda degenerada das asco y NO HAY NADA QUE ME PUEDAS DECIR PARA CONVENCERME DE LO CONTRARIO. Espero que tengas la vida que te mereces», sentenció la artista.
Esto lo publicó en su cuenta principal, en principio sin referirse explícitamente a ningún artista en concreta. Sin embargo, en su cuenta secundaria SZA habló sin ningún tipo de filtro: «No sé quién necesita escuchar esto pero Diplo tiene acciones puestas en Suno y está intentando activamente entrenarlo con las mejores y más brillantes mentes negras de artistas y productores». Suno se trata de la plataforma de IA musical por excelencia, capaz de crear una canción en segundos, mientras que el gusto de Diplo por estas herramientas tampoco es un secreto.
SZA continúa su mensaje haciendo énfasis en el robo intelectual y artístico a creativos afroamericanos: «Todavía no he esucuchado una canción de IA de blancos… No tenemos protección en la legislatura, médica o creativa», sentencia la artista.
SZA denounces AI music after discovering 238 of her songs were used to train artificial intelligence:
“If you’re a musician and you support this degenerate sh*t? You’re disgusting and there’s NOTHING YOU COULD EVER SAY TO ME TO MAKE THIS OKAY” pic.twitter.com/FPltE2fsaC
SZA criticizes Diplo, Suno, AI, and the exploitation of Black artists and songwriters via her private Instagram account:
“lonno who needs to hear this but diplo has equity in suno and is actively attempting to train it on the best and brightest black minds of writers and… pic.twitter.com/C8egMyXtLh
Si ‘Caravaggio’ daba pistas sobre la dirección estilística del nuevo disco de DELLAFUENTE, por su implementación del son cubano y de la música caribeña, ‘Mi modo de vida’ es la culminación de esta faceta del granaíno. Aunque ‘BRIGADO,’ muestra prácticamente todas las facetas del artista, este tema es uno de los pocos que muestra una totalmente nueva. Es la Canción del Día.
La única colaboración que existe en el LP de DELLAFUENTE es él mismo, bajo el alias de ‘3NOC’. Pablo Enoc Bayo Ruiz, el nombre real de DELLAFUENTE, pretende mostrar una nueva identidad artística a través de este nombre, que promete entregar «la visión musical más orgánica» del artista. ‘Mi modo de vida’ es justamente eso.
Aunque empieza con texturas digitales, el tema no tarda en convertirse en un despliegue de vientos, teclados y percusión propios de la salsa. La melodía, por otro lado, pertenece totalmente al mundo del flamenco. Sobre ella, DELLAFUENTE celebra lo más importante que tiene en su vida mientras regala algunas lecciones de paso: «No me preocupa el dinero, pa mi es un medio no un fin / Yo ser feliz no quiero, te quiero hacer feliz a ti».
Mientras la instrumentación crece y crece según avanza el tema, incluyendo un tremendo solo de flauta al final, el artista dedica un verso a dos de las partes más importantes de su vida. Le canta al alma de su pareja («Tan pura y bonita como el cristal / Tú me enseñaste cómo se hace lo de amar») y a la alegría que le brinda haberse convertido en padre («Qué bonito es haberos conocido / Doy gracias de que hayáis nacido / Ser padre es lo mejor que he sido»).
Kurt Vile acaba de publicar ‘Philadelphia’s been good to me’, un disco que reivindica a su ciudad natal con canciones de indie-americana, hermosas y algo evanescentes, aunque menos deshilachadas que en ‘(watch my moves)’.
Y en Filadelfia es donde está ahora mismo Kurt. La entrevista se hace por videollamada de Zoom. Kurt asoma desde un bonito rincón (“estoy en mi tejado, por eso se ve todo tan bonito”). Ha costado cuadrar la agenda. Aun así, la entrevista apenas llega a los 20 minutos, porque ambos andamos justos de tiempo. Él está en plena promoción; en cuanto acabemos, yo he de salir pitando para ver a Mogwai en Razzmatazz, dentro de la programación del Primavera a la Ciutat. “El Primavera Sound es uno de mis festivales favoritos. He tocado allí varias veces, al menos dos. Iba a tocar otra más en solitario, solo para ir a Pavement. La reunión, ya sabes. Y se canceló por la pandemia”.
El título del disco es ‘‘Philadelphia’s been good to me’ (“Filadelfia ha sido buena conmigo”). ¿De qué trata el álbum? ¿Del orgullo de ser de Filadelfia, de la alegría de volver a Filadelfia? ¿O de ambas cosas?
Sí, es sobre ambas. Es sobre llamar a mi ciudad simplemente por su nombre, que lo merece. Y va sobre ser de aquí y echar la vista atrás. Tengo 46 años, he pasado por toda clase de altibajos. Principalmente altos. He hecho música aquí durante mucho tiempo, pero también he viajado mucho para poder hacer música. Pero para este disco (y otros más recientes) he vuelto a trabajar mucho en casa otra vez, que es a donde vengo de vuelta a mis raíces. Así que es genial.
En la hoja promocional se señala que este va a ser un buen año para Filadelfia, y leo que, entre otras cosas, porque va a ser una de las sedes del Mundial de fútbol de este año. ¿A ti te gusta el “soccer” [fútbol]?
No soy un seguidor del deporte, pero quiero estar a la altura de la ocasión. Si hay estos grandes eventos aconteciendo en honor a los 250 años de cuando firmaron la Declaración de Independencia en Filadelfia, tengo que formar parte de esa celebración y mencionar a “Philly” también por mi propia cuenta.
Entiendo que has estado viviendo fuera y ahora has vuelto. ¿Cuándo regresaste a Filadelfia?
Oh, la verdad es que he vivido siempre solo en Filadelfia, excepto durante un par de años: estuve viviendo en Boston cuando tenía ventipocos. Pero viajo para tocar, salgo de gira, suelo ir a Nueva York, LA y a más sitios mucho para grabar… Pero si quiero, puedo grabar un disco entero aquí en Filadelfia de manera profesional. Es algo muy yo: solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo.
El disco suena confortable. Como un refugio. ¿Querías mostrar la idea de que Filadelfia es un refugio frente a un mundo hostil?
¿Un refugio? Mmmm. Sí, claro. Es mi hogar.
«Solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo»
La mayoría de canciones parecen dedicadas a la familia y los amigos.
Diría que una buena cantidad de ellas lo son, sí.
También trata del arte de componer música, ¿no? Como si fuera un álbum sobre hacer música (en Filadelfia).
Es interesante porque si me fijo en este disco en particular, cada canción parece mencionar la música de una u otra manera, ya sea con los acordes o con los cambios o el ritmo. Me parece genial. No me lo planteo. No es que esté tomando una decisión consciente, pero los patrones son interesantes. Ellos mismos se revelan.
El disco se grabó durante dos años. ¿Fue un proceso muy largo? Quiero decir: ¿grabaste muchas canciones para ir escogiendo luego las mejores o ibas improvisando y quedándote con todo lo que se te iba ocurriendo? Porque leí que fue así cómo grabaste ‘(watch my moves)’, ¿no?
Sin duda grabé canciones más que suficientes. Y simplemente fue encontrar el momento adecuado para reunirte con tus compañeros de banda y grabarlo entre giras. También porque sabía que este iba a ser mi próximo largo y, entre medias, siempre saco un par de EP’s que sean divertidos de hacer, así no me tengo que preocupar mucho por ellos.
Pero mientras tanto, quiero que mis discos sean tan buenos como sea posible. Hacer una declaración de principios. Siempre tratas de descubrir por dónde va a salir [el disco]. Así que grabé canciones más que suficientes y puse las mejores: sin duda las pegadizas están aquí. Pero también quise mantener esos elementos orgánicos, esa música más cruda.
Hay dos canciones sobre el número 99 en el disco: ’99 BPM’ y ‘99th song’. No tengo las letras del disco, así que me gustaría saber en qué se diferencian ambos 99’s…
La primera canción que escribí con un 99 fue ‘99th Song’. Los acordes básicos de la canción se grabaron con un pedal de loop de bajo Roland, y con estas unidades solo puedes grabar 99 [loops]. Ese es el último, no puedes llegar a 100. Así que cuando lo llenas con 99 grabaciones, no hay más sitio, a no ser que las borres. Fue aquí donde la empecé. Luego grabé por encima un fragmento de guitarra acústica con un sampler. Después ralenticé el acorde y se quedó en 99 BPM y fue como una coincidencia cósmica, que ambos fueran 99. Y cuando vi en el controlador que el loop ralentizado se había quedado en 99 BPM, empecé a escribir esa canción: escuchando el loop ralentizado, me vinieron las palabras y lo conecté: 99 canciones de amor, 96 lágrimas [referencia a ’96 Tears’, la canción de Question Mark & the Mysterians, ndr], ya sabes, haciendo paralelismos. Pero me gustaba, porque también hay un ‘Zoom 97’, como que todas esas canciones contienen un número de los 90. Y me gusta porque parece que sea un código para algo, solo que no es así: también puede no significar nada, pero tiene sus paralelismos, con lo que es un poco “oh, ¿qué significa esto?”. ¡Quién sabe! (risas)
No sé por qué, creía que era porque habías grabado 99 canciones para este disco. ‘Phillys been good to me’, la canción, me recuerda a ‘Streets of Philadelphia’ de Bruce Springsteen. ¿Es un homenaje?
Es divertido porque justo estaba pensando en eso cuando la escuché, es como una versión ralentizada y “sintetizada”. Pero luego también [recuerda] a otra canción de Neil Young, los dos hicieron canciones para la banda sonora de ‘Filadelfia’ [Jonathan Demme, 1993]. Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente. Pero ya sabes: una vibra cíclica, dulce y sintetizada…
«Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente»
También dices: “soy de Filadelfia, un par de mis héroes cantaron sobre ella”. ¿Hay alguno más, aparte de Springsteen y Young?
Bueno, básicamente a esos dos son a los que puedo llamar mis héroes. Crecí con Bruce. Ya no escucho a Springsteen todo el rato, pero antes sí y obviamente siempre vuelvo a él. También amo a David Bowie, aunque no diría que es mi héroe necesariamente, aunque es increíble, y tiene ‘Filadelfia Freedom’ [No caigo al momento, pero es de Elton John en realidad, aunque del mismo año que ‘Young Americans’ (1975), de aquí la confusión, imagino ndr]. Tiene que haber alguno más. Pero ahora yo soy uno también, así que ya tengo tres (risas).
‘(watch my moves)’ se hizo en base a loops, y de grabar todo lo que ibas encontrando. Pero en este disco las canciones tienen una estructura más clásica, ¿no?
Es alentador si te ha dado esa idea. Interesante, porque me da la sensación de que este disco lo empecé con, uh, loops. Mucho más que en los discos anteriores. Hacia el final del día teníamos canciones con un montón de acordes y luego tocábamos por encima. Siento que los loops me inspiraron mucho en este disco, y como estaba solo, las letras me venían a la mente rápidamente y luego todos tocábamos encima. Así que, ¿qué es? Es difícil decirlo. Es una buena combinación de ambas cosas, pero definitivamente es algo orgánico.
Me gusta mucho ‘Piano for Sarah’, y quería preguntarte quién es la Sarah a la que está dedicada.
Sarah es la batería de esa canción. Sarah Jones. Es la batería de Hot Chip y estos días está tocando con Harry Styles. También ha tocado en mis últimos dos discos. Es que amo la manera en que toca. Hizo el acompañamiento a ese pasaje de piano que yo ya había grabado. El tempo iba de aquí para allá, pero a ella le daba igual. Simplemente, tocó el acompañamiento. Es fantástica.
Sí, precisamente es una canción como fragmentada y algo desafinada, pero a la vez muy emocionante. ¿Esa era la idea? ¿Hacer una canción imperfecta pero hermosa?
Sí, suena como si formara parte de la banda sonora de una vieja película. Suena muy cinematográfica.
Tu forma de componer es muy artesanal. Quería preguntarte si te preocupa la Inteligencia Artificial generativa en la música o si, por tu manera de componer precisamente, es algo que te da igual.
Le tengo miedo a la inteligencia artificial, por supuesto. Quiero decir, lo de la música es un problema, sin duda. E incluso va más allá de la música, es aterrador. Creo (y espero) que va a ser un desafío. Pase lo que pase, al final del día, la gente quiere conexión humana. No todo el mundo va a aceptar la IA con los brazos abiertos, pero tendremos que apechugar con ella.
Lo que cabría esperar de un disco que se presenta como una segunda parte de otro, es que fuera continuista de este, pero más allá de que en ambas portadas la cantante posa delante del mismo vehículo y de las letras de amor desgarrado marca de la casa, el sonido de ambos no puede ser más distinto. En el excelente ‘Femme Fatale’, Mon Laferte transportaba al oyente a un decadente tugurio donde el jazz y la canción melódica latinoamericana se daban de la mano y alcanzaban estribillos enormes para dejarse la voz (y la piel). En su secuela, la artista chilena, tal y como nos tiene acostumbrados, no ofrece más de lo mismo, sino que vuelve a dar otro giro estilístico, virando hacia el art pop y el rock alternativo.
En cualquier caso, ‘Femme Fatale Vol.2’ es inequívocamente un disco de Mon Laferte. En él encontramos, tanto como en cualquier otro de sus trabajos, su característica honestidad agresiva, historias de fracasos amorosos y pasiones de alto voltaje. La intensidad dramática sigue elevada a la máxima potencia, aunque en esta ocasión, se muestra de forma distinta: hay una apuesta por progresiones menos explosivas, que encuentran su clímax más sutilmente. Como en ‘No Le Regales Tu Corazón’, en la que Laferte narra diversos momentos de una relación a lo largo de nueve minutos de tensión atmosférica. Una rareza en su discografía, que se apoya en una guitarra eléctrica y desemboca en percusiones electrónicas.
Otro de los números más peculiares e inesperados es la rockera ‘Tal Vez Soy Yo el Problema’, una acelerada producción en la que la cantante llega hasta la voz gutural. Un registro más en un currículum espectacular: ¿hay algo que no sepa hacer vocalmente? Esas interpretaciones desgarradas son, sin duda, una de las grandes virtudes del álbum.
En este sentido, ‘A Pesar De Ti y De Mí’ es todo un torbellino que arrasa con todo: un baladón a piano (que posteriormente añade guitarras eléctricas) en el que Laferte, despechada, canta a ese amor imposible con un sentimiento que eriza la piel. De la misma manera que cuando su voz se eleva en la jazzística ‘Sunset Boulevard’ o cuando se mantiene delicada en ‘Es Tan Sabio Nuestro Amor’, una de las pocas canciones que no narran un conflicto pasional.
‘Femme Fatale Vol.2’ es tan vasto (con 20 canciones y casi una hora y cuarto de duración), que hay espacio para todo. Hasta para una colaboración en inglés con St. Vincent, ‘While I’ll Keep Writing Songs For You’, que pese a ser la única cantada en este idioma, no desentona en absoluto: las armonías vocales de ambas artistas logran una mezcla de sensibilidades realmente bella. Otro gran momento es la coda guitarrera de ‘Hello Monserrat’, donde Laferte se escribe una carta a sí misma y concluye que debe aprender a quererse.
‘Por La Gracia De Dios’ destaca en la larga secuencia por su producción oscura y sucia que transita por texturas trip hop y dream pop y donde a veces su voz puede recordar al tono único de la mismísima Björk. ‘Reino De Amor’ es otra fantástica canción dedicada a un amor pasado, que ya ha rehecho su vida, pero Laferte sigue pensando en la relación con nostalgia y cierto pesar.
El álbum está tan cargado que demanda una considerable atención del oyente. Es completamente inabarcable en una primera escucha, pero poco a poco, canciones que en una primera instancia podrían pasar inadvertidas como el pop rock melódico de ‘Quién Soy Yo Cuando No Estoy Contigo’ junto a GRTSCH o la enigmática ‘Racimos y Glaciares’ terminan encontrando un espacio más que justificado en la secuencia. Y es que, si algo queda claro, es que esta segunda entrega de ‘Femme Fatale’ no es en absoluto una colección de descartes que no entraron en ese trabajo, sino un proyecto muy sólido y con identidad propia.
Laferte deja para el final una de sus canciones más emotivas: ‘Gigante’, una preciosidad a piano que habla sobre la muerte reflexionando sobre la vida, y que está llena de versos memorables como “Hay tantas mujeres en mí / de todas me quedo conmigo”. Pero si hay uno que define toda la carrera de la cantante y que inunda sus canciones de principio a fin es “He odiado y amado hasta dolerme los huesos”. Cada corte ‘Femme Fatale Vol. 2’ es una evidencia de ello.
Gara Durán ya va por el tercer adelanto de su próximo disco, del cual no se conoce título ni fecha. Solo sabemos que sale este año y que tanto ‘Mi loco cowboy’ como ‘Placer de vivir’, con Natalia Lacunza, han sido Canción del Día en JENESAISPOP. ‘Una casa en el Teide’, en colaboración con Barry B, es capaz de derretir corazones. Por eso, también es la Canción del Día.
Cuando Gara y Barry cantan ‘El lago de mi pena’ en sus conciertos, a menudo con la presencia del otro, siempre resulta ser el momento más tierno del bolo, por eso de ver a dos enamorados cantando juntos. Sin embargo, la inspiración para el tema poco tiene de romántico, estando inspirado en el fallecimiento de uno de los amigos más cercanos de la pareja.
‘Una casita en el Teide’ es lo que el público se cree que es ‘El lago de mi pena’: una canción que sí habla sobre estar enamorado hasta las trancas. Sobre unos preciosos y delicados arreglos de guitarra y piano que recuerdan levemente al Sufjan Stevens más bucólico, Barriuso da comienzo al tema: «Ojalá me hubieran dicho que la vida se te escapa en un instante / Que por mucho que haga frío y sea tarde en ti puedo refugiarme».
Gara corresponde sus palabras asegurando que se le hace «raro no estar mal» y que «no dolerá más» ahora que tiene cerca a su pareja. El estribillo tiene el toque épico y fantasioso que suele caracterizar las letras de Barry, pero también se nutre de la delicadeza de Gara: «Quiero una casa en el cielo, las nubes de terciopelo pa’ verlo todo pequeño», cantan.
Si hasta ahora no había terminado de conquistar a los más enamoradizos, el tema termina con una promesa de amor: «Guardaz bien la llama que prendiste en mí, quiero que dure toda la vida».
Justin Cary, bajista de Sixpence None the Richer desde 1997, ha fallecido a los 50 años de un derrame cerebral. Leigh Nash, vocalista de la banda, es quien ha confirmado la noticia en sus redes sociales. Cary entró en la banda justo a tiempo para grabar el disco que llevó a Sixpence a la fama, gracias a canciones como ‘Kiss Me’.
«Nuestro hermano desde hace 30 años (y bajista) Justin sufrió un derrame el jueves por la noche», comienza el comunicado. Leigh cuenta que la esposa de Cary, Linda, ha mantenido a la banda actualizados de la situación del bajista «durante día y noche»: «Amamos tanto a nuestro hermano que las palabras no le hacen justicia. Sé que muchos otros también lo hacen», continúa la cantante.
«Vimos su brillantez, insuperable profesionalidad, clase, humor e ingenio. Hay muchos más adjetivos para describirle. Por favor, rezad por Justin y Linda», concluye el comunicado. Además de formar parte de Sixpence None the Richer, que llegaron a estar nominados al Grammy en dos ocasiones, Cary también formó parte de Counting Crows y Blue Country.
Esta semana hemos visto a David Uclés bailar un vals y cantar un fado en el programa de Marc Giró. También ha hablado en ‘Cara al Show’ de su manía de dar 3 vueltas alrededor de las catedrales y alrededor igualmente de los hombres que le gustan. O de cómo se marea hasta el desmayo cuando alguien tararea una canción a destiempo. Escritor, personaje televisivo y friki de profesión, Uclés ha ido al programa sobre todo para advertir que se retira 2 años de la vida pública. Viajará, cantará en la calle donde no le conozcan, seguirá escribiendo.
No extraña: en las últimas dos temporadas ha vivido una sobreexposición brutal. La normal cuando pasas de vender algo parecido a cero a 300.000 ejemplares de una novela, y cuando tienes un discurso político tan concreto. Muy crítico con Ayuso (Isabel, ojo que viene Daniel), retado por Jiménez Losantos y conocido por un famoso desplante a Aznar y Arturo Pérez Reverte en una charla, David Uclés necesita un descanso que empleará en terminar, entre otras cosas, la segunda parte de su gran hit ‘La península de las casas vacías’. Contará la historia del franquismo, donde la primera contaba la de la Guerra Civil.
‘La península de las casas vacías’
La vuelta recurrente a la Guerra Civil ha sido un meme, un «eye rolling» hacia la ficción española durante estos 50 años de democracia. La sociedad ha pasado de cuestionar que todas las películas y libros fueran «del mismo bando» a luego acostumbrarse a escuchar que «con Franco se vivía mejor». Se ha criticado mucho el eterno retorno de la Guerra Civil. Lo que hemos hecho poco ha sido estudiarla en detalle y con dedicación, al menos la Generación X: en el colegio era habitual no llegar a ella. Hasta la Ley de Memoria Histórica de la era Zapatero, aparecía al final del temario y misteriosamente nunca daba tiempo a estudiarla en profundidad.
‘La península de las casas vacías’ no tiene una vocación didáctica al respecto, como recientemente la excelente obra de teatro de 4 horas ‘1936’. Lo que no significa que el autor no haya tenido un ansia documental muy profunda. David Uclés, que en principio estaba escribiendo una novela sobre el árbol genealógico de su familia, inspirado por las historias que le contaba su abuelo y otros vecinos de su pueblo en Jaén, aprovechó la beca Leonardo para visitar 75 ciudades del país y escuchar historias de todos los bandos, de cómo se fusiló a rojos y también se colgaba a curas. Se leyó ensayos sobre la guerra de izquierdas y de derechas, nacionales y sobre todo británicos, y ese nivel de detalle y cierta ansia de objetivar, se aprecian en el libro.
Pero su mayor aportación es la imaginación y la fantasía. Uclés se sirve de algunos hechos históricos desoladores, como La Desbandada, el horror de Guernica, la Batalla del Ebro, Paracuellos o la caída de Madrid, para contar la historia de una familia de Jándula, un pueblo imaginario jienense, desde el prisma del realismo mágico. Cuenta David que la vida le cambió cuando se leyó las primeras 20 páginas de ‘Cien años de soledad’ -aunque luego no se lo terminara-, porque se dio cuenta de que quería hacer algo similar. La superstición, la mitología, una naturaleza endiablada y hostil o a veces fraterna -la lluvia caliente que ducha- marcan la trama, contada a su vez por un narrador que se pasa de omnisciente. Te dice hasta la canción que tienes que escuchar mientras lees, interactúa con personajes tanto de a pie como con Franco y hasta hay ocasiones en que solo se le puede calificar como trol, incluso insoportable. Que haya gente a quien le caiga mal David Uclés forma parte del juego.
El prólogo atrapa, impresionante («he aquí pues la historia de la descomposición total de una familia, de la deshumanización de un pueblo, de la desintegración de un territorio»), tanto como la hábil selección de citas sobre Españita con que empieza el libro: «En España somos grandes cuando somos cien; más, nos entrematamos» (Max Aub) o «Nadie ha cuidado de enseñar a los pueblos que la muerte y la guerra son mucho más fáciles que la paz y la vida» (Clara Campoamor), entre otras por ejemplo de Unamuno, uno de los muchísimos cameos que forman parte de la trama.
Uclés honra a sus antepasados y los de todos retratando lo descarnado de una guerra, haciéndonos empatizar con los personajes desde el segundo uno, muchos de los cuales ni siquiera eran de ningún bando, sino que simplemente «pasaban por allí» como tantos españoles que murieron. El componente fantástico deja algunas imágenes tan visuales, impactantes y cinematográficas que te parece haberlas visto en gran pantalla (la «desaparición» de una de las hermanas prueba que él se considera «un escritor de imágenes»), al tiempo que despierta tu curiosidad por lo que pasó de verdad en España hace menos de 100 años.
Es un libro de llamada a despertar y a la acción, pero también profundamente arriesgado e imaginativo en estructura y propuesta formal. La ausencia del capítulo 96 por censura expresa de Franco, el modo en que se hilvanan unas historias y otras, o en que la familia se va desmembrando hasta llegar a enfrentar en bandos distintos a dos de los hermanos construyen un vuelapáginas -los capítulos son brevísimos- de lo más osado. Hoy solo puede ser entendido como un triunfo total, pero es todo tan increíble que tampoco sorprende que muchas editoriales como Planeta rechazasen publicarlo por la enorme ida de olla que supone. 10.
‘La ciudad de las luces muertas’
Uclés escribió ‘La península de las casas vacías’ durante 15 años, desde los 19 hasta los 34. Al mismo tiempo desarrollaba otras tres novelas ya editadas, la última de las cuales se ha publicado este año. Si en ‘La península de las casas vacías’ aparecen como personajes Lorca, George Orwell o Franco, casi siempre en situaciones inverosímiles y surrealistas, ‘La ciudad de las luces muertas’ lleva esa idea al extremo.
Decenas y decenas de personajes ilustres procedentes de diferentes épocas protagonizan la novela, situados en la Barcelona de, en principio, los años 40. Escritores como Carmen Laforet y Carlos Ruiz Zafón, pintores como Picasso o Dalí (porque Uclés también pinta), cantantes como Sílvia Pérez Cruz o Rosalía, deportistas como Fermín Cacho o Magic Johnson aparecen y desaparecen en torno a un apagón, desde antes de que España recientemente viviese uno (el libro fue escrito entre 2021 y 2024).
Esto sirve como excusa a David Uclés para de nuevo jugar con lo formal (hay unas páginas en negro sin texto), si bien esta vez coqueteando peligrosamente con el «name dropping» más superficial. A menos que conozcas muy bien las mentes de todos los artistas citados, es difícil comulgar con ellos de la forma en la que comulgaste con la familia de Odisto.
Aunque no lo sea porque ya estaba terminada hace rato, ‘La ciudad de las luces muertas’ parece una novela improvisada para aprovechar el boom de la anterior, resultando demasiado corta y muy apresurada, aunque es verdad que casi nunca pierde el foco. Más política y menos objetiva que la anterior, no deja de ser una metáfora sobre la lucha contra el fascismo, realizada desde una de las ciudades menos fascistas de España. 7.
Katy Perry ha ofrecido esta noche su esperado concierto en el festival O Son do Camiño de Santiago de Compostela, aquel del que Los 40 Principales publicó una crónica premonitoria dos días antes de que ocurriera. El portal alude con humor a lo ocurrido hoy en su crónica, escribiendo que Katy Perry iba a subirse a ese escenario y hacer un concierto divertidísimo… “y eso lo sabíamos y lo firmábamos antes de que pasara”.
El repertorio incluyó, por supuesto, ‘I Kissed a Girl’, que produjo un momento viral cuando Perry cantó esta canción metida dentro de una botella de plástico gigante, que aprovechó para surfear entre su público gallego. Una idea que recuerda a la vista en un concierto reciente de La La Love You y que popularizaron los Flaming Lips décadas atrás.
El concierto de Perry en Santiago ha dejado también la comentada imagen de la artista sosteniendo la bandera de Galicia, y en lo musical el repertorio ha incluido el estreno en vivo del nuevo single ‘Watch it Burn‘, disponible el viernes que viene.
@luarc98 Katy singing ‘Watch It Burn’ for the first time ever at the first stop of her ‘Out Of Office’ Tour in Santiago de Compostela @Katy Perry @Katy Perry Universe ♬ sonido original – Raúl
El ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou continúa presentando a talentos tanto consagrados como noveles en todas las salas de la ciudad. Al concierto de SVSTO de esta noche de viernes 19 de junio, hay que sumar el evento en Vesta este sábado 20 de junio. Será entonces cuando se pueda ver el concierto de indie rock de Vasck junto a Estadía a Corto Plazo.
Estadía a Corto Plazo presentan el debut que sacaban el año pasado, ‘Ser del sur’, que definían como «un manifiesto de amor, lucha y resiliencia», marcado por la migración, la identidad y la búsqueda de sonido propio. Según su Instagram, el disco versa sobre sus «experiencias como migrantes y un pedazo grande de nuestras vidas».
Desde Venezuela y con influencias tanto de rock latinoamericano (¿quizá Él Mató a un Policía Motorizado?) como de anglosajón en la línea de The 1975 o RHCP, Estadía a Corto Plazo es el grupo formado por Andrés Alcalá, Diego Borges y Diego Finol que ha venido publicando EP’s y singles desde hace casi una década. Funcionaron a distancia y últimamente parecen asentados en nuestro país.
Entre canciones de indie rock polvoriento, medio fronterizo, ‘Ser del sur’ destaca por composiciones como ‘La tempestad’, influencias medio funk o bailable como ‘Placebo’ o ‘Versus’, medios tiempos algo estivales como ‘Azar’ y temas de pop-rock tan pegadizos como ‘El cielo no responde’.
Si bien practican un tipo de rock que puede recordar también a los Radiohead de ‘The Bends’, en ocasiones se desmarcan como en la interesante ‘Versus’. Más en la línea del punk-funk de finales de los 70 o LCD Soundsystem, puede ser la canción que mejor ejemplifique qué significa «Ser del Sur», con frases como «Estamos condenados a correr» o «imaginaste que no iban a venir por ti», junto al sonido de sirenas de policía acercándose.
Si ya a partir de los 30 empieza a costar coincidir con los amigos más cercanos para quedar por problemas de agenda, me imagino que reunir a una banda como Broken Social Scene para componer y grabar un disco debe de ser el doble de difícil. Por esta razón, probablemente el colectivo canadiense esté sacando discos a ritmo de casi una década: del anterior ya han pasado nueve años, aunque aquel ‘Hug of Thunder‘ fue a su vez su primer trabajo en siete veranos.
La lista oficial de Wikipedia recoge casi una treintena de miembros que entran y salen de Broken Social Scene, incluidas Feist y Emily Haines, que, como sabemos, han desarrollado importantes carreras en solitario. Al frente del proyecto siguen especialmente Kevin Drew y Brendan Canning, y las imágenes promocionales de ‘Remember the Humans’ muestran una formación más manejable de 12 integrantes.
La parte positiva de lanzar discos cada tanto tiempo es que Broken Social Scene se aseguran de seguir teniendo cosas que contar. ‘Remember the Humans’ es más que una respuesta a su álbum de título similar, ‘You Forgot It in People’: es el trabajo de un grupo que ha madurado, pero que no ha perdido ni la frescura ni la inspiración.
Cuenta Kevin Drew que haber cumplido 50 años le ha aportado una perspectiva vital diferente. Explica que “hay un ajuste de cuentas con la pérdida, las oleadas de esperanza y luego de desesperación… Tienes esos momentos sentimentales en los que sientes las cosas que ya no están, pero también la sabiduría sobre ellas y la alegría de que hayan ocurrido. Y esa claridad de ser honesto contigo mismo: que ya no necesitas tener una fachada, ni una persona, ni falsedad. Te desprendes de viejas capas”.
Drew se refiere concretamente al tema de apertura, ‘Not Around Anymore’, que abre el disco con un traqueteo indie rock de guitarras, percusiones, flautas y metales, para narrar precisamente esa metamorfosis vital, reflejada en versos como “there’s no need to try here anymore”. El tono es sombrío y, desde el primer momento, queda claro que ‘Remember the Humans’ no es un trabajo especialmente optimista, pese a su sonido explosivo, eufórico y “colectivo”.
Porque quien eche de menos el muro de sonido épico de Broken Social Scene aquí tiene mucho que disfrutar: el tierno indie rock casi infantil de ‘Only the Good I Keep’, la trepidante explosión de guitarras, metales y ritmos disco-rock de ‘The Call’ o lo que considero la catarsis instrumental y emocional del álbum, ‘Relief’, una catedral de indie rock repleta de textura y emoción, en la que el grupo admite volver a ser capaz de “sentir de nuevo” tras un periodo de emoción anestesiada.
Las historias sobre memoria selectiva (‘Only the Good I Keep’), sobre darse cuenta de que ya no funcionas emocionalmente en la irónica y enérgica ‘Mission Accomplished (King Fisher)’, o sobre comprender que madurar siempre será duro e incómodo (“There’s no easy out / There’s no easy way”, en ‘Life Within The Ground’), van construyendo un álbum de contrastes emocionales que articula un arco narrativo centrado en la complejidad de las relaciones humanas y las emociones.
‘Not Around Anymore’, que cobra un nuevo significado en relación con los suicidios de amigos cercanos al grupo, es una apertura clásica de Broken Social Scene dentro de un disco que vuelve a apostar por la densidad instrumental y el detalle minucioso en texturas, voces e instrumentos. En ese sentido destacan especialmente el mantra de seis minutos de ‘And I Think of You’, que traduce su bucle psicológico en una instrumentación cuidadosamente construida, y ‘The Briefest Kiss’, que al retratar una relación inestable coquetea de forma sorprendente con el R&B y aporta un aire diferente.
Aunque el disco nunca se resuelve narrativamente, y se queda suspendido en el aire con el cierre de la preciosa pieza folk-rock ‘Parking Lot Dreams’, la mejor sensación que deja ‘Remember the Humans’ es la de ofrecer pura humanidad en tiempos de inteligencia artificial. Esto se percibe en la envergadura de las contribuciones instrumentales del álbum y, sobre todo, en el hecho de que cada decisión musical suena cuidada e intencionada, algo que las máquinas todavía no pueden replicar. Ser incómodamente humano siempre será mejor que ser perfecto.
Broken Social Scene presentarán ‘Remember the Humans’ el 21 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 22 de septiembre en Razzmatazz 1 (Barcelona). Las entradas están a la venta.
Hoy, 19 de junio, salen nuevos discos de DELLAFUENTE, Chloë con Timbaland, Kase.O, Tierra Whack, Pond y SAIKO, que se añaden al de Cupido, publicado el pasado lunes. El underground nacional deja también un nuevo álbum de Blu Boi.
En materia de singles, destacamos el de Tyla en portada, pero también podríamos hablar de la nueva colaboración entre FKA twigs y Lil Yachty o del bonito dueto de Gara Durán y Barry B. Si Angèle y Channel Tres entregan propuestas electrónicas, Amor Líquido y Aiko el grupo apuestan por las guitarras.
Hay más singles destacados que giran en torno a ese contraste: por ejemplo, los de Big Freedia y Two Shell, en contrapunto con el guitarrero debut de Entidad Emisora o el temita de piti y me voy dedicado a ‘Lamine Yamal’. Otro grupo de guitarras, Jester, dedica una canción a otro personaje, en este caso monárquico: ‘Letizia’.
Además, recibimos los primeros avances de los próximos discos de Alba Reche y EZEZEZ; FADES y TRIQUELL celebran juntos ‘Sant Joan’, y bb trickz vuelve a dejarnos sin habla.
En el apartado internacional encontramos singles destacables de Kelela, Chaka Khan, Eartheater, Lido Pimienta, Julia Jacklin, Arab Strap, YENDRY, Clean Bandit junto a Biig Piig, Blossoms, nuevos remixes de Madonna y Dawn Richard, así como lo nuevo de Dev Hynes para una película.
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La vuelta recurrente a la Guerra Civil ha sido un meme, un «eye rolling» hacia la ficción española durante estos 50 años de democracia. La sociedad ha pasado de cuestionar que todas las películas y libros fueran «del mismo bando» a luego acostumbrarse a escuchar que «con Franco se vivía mejor». Se ha criticado mucho el eterno retorno de la Guerra Civil. Lo que hemos hecho poco ha sido estudiarla en detalle y con dedicación, al menos la Generación X: en el colegio era habitual 
Uclés escribió ‘La península de las casas vacías’ durante 15 años, desde los 19 hasta los 34. Al mismo tiempo desarrollaba otras tres novelas ya editadas, la última de las cuales se ha publicado este año. Si en ‘La península de las casas vacías’ aparecen como personajes Lorca, George Orwell o Franco, casi siempre en situaciones inverosímiles y surrealistas, ‘La ciudad de las luces muertas’ lleva esa idea al extremo. 
