Tras presentar el año pasado ‘Raffaella‘, su estupenda colaboración con Paco Pecado, Dianka tiene listo un nuevo disco, ‘Cabriola’, que saldrá a finales de año. La artista, co-autora de ‘Tocotó’ de Amaia, es conocida por revisitar desde una mirada contemporánea el pop español de los 60 y 70. Concha Velasco, Marisol o Rocío Dúrcal influyen su universo de «feria mágica».
Dianka sigue explorando su original estética en ‘Rocín’, el primer adelanto de su nuevo disco, de inspiración hípica. Es la Canción Del Día.
«La artista siempre ha sentido una profunda fascinación por los caballos. Tanto, que llegó a pensar que había sido uno en vidas pasadas», cuenta la nota de prensa. En ‘Rocín’, Dianka se identifica con este tipo de «corcel de mala traza, basto y de poca alzada».
‘Rocín’ es una composición totalmente inusual, que devanea entre el pop español de los setenta, el pop de juguete y la pura pompa de las trompetas de una banda de marcha. Con la producción detallista de Pau Aymi, Dianka presenta una pequeña aventura sonora donde «abraza lo imperfecto».
El videoclip de ‘Rocín’ «profundiza en esta idea a través de la obsesión por ser un corcel perfecto, que acaba derivando en aceptación de lo imperfecto». Las niñas «representan la esencia infantil de Dianka, un reflejo de la libertad, lo banal y la reconciliación consigo misma».
WU LYF es la banda de art-rock de Manchester que se dio a conocer en los 2010s por ocultar la identidad de sus integrantes y no conceder entrevistas. Más tarde se reveló que el cuarteto inglés estaba formado por el líder Ellery Roberts, Evans Kati, Tom McClung y Joe Manning. No podían mantener el aura de misterio mucho más tiempo, sobre todo si ofrecían conciertos como el que dieron en Madrid en 2011.
En una época de la industria musical en la que el anonimato de los artistas generaba interés mediático, WU LYF (pronunciado «woo life») logró excelentes críticas de medios especializados como Pitchfork, que asignó a su debut de 2011, ‘Go Tell Fire to the Mountain‘, el sello Best New Music. Aquel fue su único álbum, ya que el grupo desapareció durante quince años.
En 2025 volvieron, lanzando el single ‘A New Life is Coming’, y ahora el grupo ha revelado una gira europea de siete ciudades que pasará por España de la mano de Primavera Tours. Serán dos fechas en Barcelona, en el LAUT, los días 14 y 15 de marzo. Las entradas estarán a la venta en Fever a un precio de 18 euros más gastos de distribución a partir del 27 de febrero a las 11 horas. Excelente oportunidad para revivir en directo temas como ‘Summas Bliss’ o ‘Spitting Blood’.
Ava Max no se rinde y lanza ‘Kill It Queen’, su primer single como artista independiente. Max comunicó recientemente el fin de su relación con Atlantic Records, discográfica con la que trabajó durante 9 años y con la que cosechó éxitos como ‘Kings & Queens’ y ‘Sweet but Psycho‘. Su tercer disco, ‘Don’t Click Play’, recibió nula promoción pesar de contener temazos como el corte titular, y ahora la artista inicia una nueva etapa respaldada por un acuerdo discográfico independiente.
‘Kill It Queen’, la Canción del Día, ofrece dos tazas de su estilo característico, resultando en un eufórico tema pop que mezcla la melodía de ABBA, el electropop de Robyn y el glam-rock de Queen. Las influencias están extremadamente subrayadas, bordeando lo camp y la autoparodia: el puente coral parece inspirarse en el de ‘Bohemian Rhapsody’, antes de que la canción explote en un clímax disco.
El tema, por otro lado, hace uso de vocabulario popularizado por la comunidad LGBTQ+ en las pasarelas de voguing (“kill it queen”, “runway vintage, casual chic”, «she’s an icon», “go off”) para transmitir un mensaje de empoderamiento (esa palabra). Es el primer single del cuarto disco de Ava Max, que se espera para este año.
Ava Max ha reconocido ser consciente de las críticas que recibe por explorar siempre sonidos similares y por su dependencia de samples, pero asegura que estas críticas solo refuerzan su fórmula. La cantante afirma que seguirá haciendo pop porque es la música que realmente le apasiona.
Hace unos meses, Max se sinceró con Rolling Stone, asegurando que se considera la “artista peor gestionada de la historia”.
BRAVA Madrid volverá a celebrarse en 2026, los días 18 y 19 de septiembre. Eso sí, cambiará de recinto, otra vez: en esta ocasión será La Caja Mágica el espacio que acoja el festival, después de que en 2025 se viera obligado a trasladarse a Torrejón de Ardoz debido a las quejas por el ruido por parte de los vecinos de la zona. IFEMA no cobija el festival desde 2024.
El primer avance del cartel de la edición de BRAVA Madrid de 2026 se conocerá el próximo lunes 2 de marzo a las 12 horas.
BRAVA Madrid probablemente encara la edición de este año como un punto de inflexión, tratando de dejar atrás la incertidumbre que marcó su festival de 2025, causada tanto por las quejas relacionadas con la devolución de entradas tras el cambio de recinto, como por la controversia generada por la vinculación de la empresa organizadora, The Music Republic, con una empresa con lazos en Israel, situación que también afectó a otros grandes festivales como Sónar, Arenal Sound o el FIB.
Aunque los problemas para BRAVA Madrid continúan, ya que, recientemente, el Tribunal Superior de Justicia de Madrid ha ratificado la sanción de 96.000 euros impuesta a la promotora de BRAVA Madrid, Madrid Salvaje AIE, por obligar a utilizar pulseras cashless como único medio de pago y aplicar un cargo por la devolución del saldo no gastado en la edición de 2023, tras la denuncia presentada por Facua-Consumidores en Acción.
La reconocida DJ belga Amelie Lens ha publicado una contundente carta en Instagram en la que denuncia la complicidad masculina ante las situaciones de machismo que sufren las mujeres, especialmente en el contexto de la cultura de club en la que desarrolla su carrera.
Amelie empieza recordando que, durante demasiado tiempo, la seguridad se ha tratado como un «problema de mujeres», y denuncia que ellas se han visto obligadas a convertirse en su propia «seguridad», tanto en el escenario como en el backstage, vigilando sus bebidas, las salidas y cuidándose entre sí. Además, critica que muchos hombres se «queden al margen riéndose» mientras sucede una agresión, en lugar de intervenir o señalar el comportamiento de sus amigos.
Lens aclara que su reflexión no es un «ataque a los hombres en su conjunto», y afirma que se debe poner el foco en la cultura de los «bros» que permite que las agresiones sigan ocurriendo: «Algunos hombres cruzan límites, pero lo que sostiene el problema es el silencio, la minimización y proteger reputaciones antes que proteger a las personas». La artista apunta que «La pregunta no es si todos los hombres son responsables», sino quién decide intervenir cuando sucede una agresión: «¿Quién alza la voz? ¿Quién interrumpe el chiste? ¿Quién reprende a su amigo?»
Lens asegura que muchos hombres evitan intervenir porque han comprado el mito de que el hombre que abusa es un «hombre siniestro en un callejón oscuro», cuando en realidad puede ser el «colega en la cabina», y la mujer agredida puede ser su amiga o cualquier chica que tengan al lado. «La realidad es mucho más incómoda, porque muy a menudo el agresor es es el chico con el que acabas de compartir una bebida, con el que te reíste mientras se “portaba mal”», señala.
Lens relata un episodio en el que un hombre le escribió por privado detallándole cómo la “secuestraría y violaría”, y cuenta que ese hombre tomó un avión hasta Amberes y se le acercó después de encontrársela en el aeropuerto. Cuando acudió a comisaría para denunciar, asegura que la policía le dijo que “no podía hacer nada” y que regresó a casa “llorando, con las pruebas en las manos”.
“Si la ley no me ayudó, ¿cómo podemos sentirnos seguras en la discoteca cuando el abuso se silencia e invisibiliza?”, reflexiona la artista. Lens señala que los “depredadores de la escena” persiguen a aquellas personas a las que “pueden silenciar” y pide a los “bros” que ayuden a las mujeres a “romper el ciclo”: “No debería revivir mi trauma para que le digas a tu amigo que pare. Simplemente, dile que pare. Deja de proteger automáticamente a tu amigo y pregúntate por qué existen las acusaciones en primer lugar”.
Dice Maria Arnal con mucha razón que el pop tiende a presentarse masticado, lo más simplificado posible. ‘AMA’, su debut en solitario, encierra varios méritos, pero quizá el mayor sea cómo condensa o da apariencia sencilla a un trabajo de experimentación y ejecución realmente complejo, buscando ser pop ante todo. Y lo es -no dura ni media hora-, pero sus capas son muchas.
La síntesis es clave en ‘AMA’, un disco que va al grano. El trabajo de edición ha debido de ser hercúleo, como el de composición y grabación, donde Arnal se sirve de sus voces -físicas y sintéticas- para construir canciones pop basadas en polifonías vocales que combina con arreglos electrónicos igualmente diversos, inspirados en una amalgama de sonidos y estilos.
Todo arreglo tiene sentido, como las percusiones metalúrgicas de ‘AMA‘, una oda a la valentía y al riesgo; sin miedo a resultar incómoda, puede resumir la tesis del disco o la propia filosofía de la artista. La originalidad de la música no riñe con lo accesible, como demuestra la rítmica ‘Pellizco’, que usa portazos inspirados en la música concreta, o ‘Carta’, de concepto pastoril, que emplea silbidos de pájaros y, de nuevo, polifonías como base, además de teclados.
Saltando hacia atrás, hacia el Renacimiento, Arnal se saca de la manga un ‘Madrigal’ tecno, impresionante, quizá la pieza central del disco, protagonizada por una chica que vuelve a casa tras una noche de fiesta escuchando música en sus cascos.
La canción transmite el “estado interior” de su personaje y, por ende, de Maria Arnal, un estado interior del que emanan los diversos significados de este disco de título polisémico. ‘AMA’ como persona que ama, pero también como quien se sitúa al mando de su arte, incluidas sus propias voces sintéticas trabajadas con inteligencia artificial; “ama”, asimismo, como homenaje a las mujeres de su vida, ya sean de su familia o de una genealogía de artistas que la han inspirado y que, como ella, han explorado las dimensiones de la voz (Fátima Miranda, Björk, Holly Herndon). Todo ello queda atado por un trasfondo personal: una prima que falleció de VIH a los 15 años, a quien dedica el disco y cuyo nombre responde a las siglas de “AMA”.
‘AMA’ es, por tanto y sin duda, un disco tremendamente rico en muchos sentidos, una riqueza a la que han contribuido los productores Pau Riutort y Alizzz, aportando ideas desde un segundo plano. El principal reto, por tanto, para Maria Arnal era trasladar este material, con tanto peso musical y emocional, a un público como mínimo nuevo o diferente al que la encumbró junto a Marcel Bagés; expandir su figura para hablar claro. Arnal logra que el disco sea pop, aunque quizá formalmente el estilo academicista de las melodías no deja tanto espacio al error o a la vulnerabilidad, lo que impide cierta conexión.
Esto se hace evidente, por ejemplo, en el juego silábico de las letras (“voy a saltar-tar-tar”, “toco-co maderita-ta”, “no temerle a na-da-da”), que no es casual, sino que busca recrear el habla infantil, conectando las canciones con un sentimiento inocente («AMA» es, también, la primera palabra que pronuncia un bebé). La idea funciona, porque además Arnal nos ofrece “hooks” pop clarísimos y estupendos; sin embargo, hay un formalismo técnico que se siente, si esto es posible, demasiado perfecto, demasiado bien hecho. La ironía de un disco que habla de arriesgar y adentrarse en lo desconocido.
Esta idea se aprecia también en las composiciones en sí, ya que, por ejemplo, ‘Carta’, ‘Ama’ o ‘Madrigal’ beben claramente de la técnica vocal tradicional europea y contemporánea por la que es conocida Maria Arnal, y mantienen la voz siempre limpia, en su sitio. Esto, junto al peso conceptual de las canciones y el de la producción, consigue que las composiciones parezcan excesivamente cerebrales y encerradas en la tradición, aunque estéticamente se acerquen a la vanguardia.
No todas las piezas de ‘AMA’ provocan admiración más que escalofríos. ‘Que me quiten’, que incorpora influencias de la copla en su segunda mitad, es probablemente la mejor canción del disco por el equilibrio que logra entre concepto y accesibilidad emocional; ‘Por tus penas’ se apoya en una melodía más desgarrada incluso, resultando sobrecogedora, y ‘Tictac‘ juega con esa faceta infantil de forma muy divertida, mientras la letra vuelve sobre esa inocencia, imaginando un renacer.
Dudo que el objetivo de Arnal haya sido crear una obra musical que apreciar, admirar… y ya está. Y sí, es un disco que gana cuando se explica, porque en este caso hay mucho que desentrañar. Pero, aunque se percibe cierta contención emocional en ‘AMA’ -probablemente fruto de ese formalismo-, Arnal lo compensa de otra manera, ofreciendo una inventiva y una originalidad musical deslumbrantes. El resultado es un álbum que es un espectáculo sensorial, y me atrevo a decir que es una obra absolutamente única, también.
P!nk se encuentra entre las artistas nominadas al Rock & Roll Hall of Fame, el prestigioso salón que reconoce a las figuras más influyentes en la historia del rock y la música popular. P!nk es nominada en su primer año de elegibilidad, ya que para poder optar a la distinción deben haber pasado 25 años desde el debut discográfico.
También irrumpe con su primera nominación Shakira, contemporánea de P!nk en las listas de éxitos, aunque la colombiana debutó antes.
Artistas como Mariah Carey, Joy Division/New Order, Oasis e Iron Maiden reciben su tercera nominación al salón, ya que momento no han tenido la suerte de entrar. No puede decir lo mismo Phil Collins, que ya es miembro como parte de Genesis y ahora podría incorporarse en solitario.
Sade, Ms. Lauryn Hill y Wu-Tang Clan se encuentran también entre los artistas nominados que cuesta creer aun no formen parte del famoso salón. Son decisiones muy meditadas: Kate Bush y Cher tardaron siglos en entrar, en 2023 y 2024, respectivamente.
The Black Crowes, Jeff Buckley, Billy Idol, INXS, New Edition, Luther Vandross y Melissa Etheridge completan la lista de 17 nominados. Los nombres admitidos se revelarán en abril, mientras que la famosa «induction ceremony» tendrá lugar en otoño.
Regresa Flores en el Estiércol, una selección de canciones que, como siempre, pretende dar foco a propuestas que pueden haber pasado desapercibidas y que, a menudo, se alejan de las tendencias imperantes en el pop y sus hypes. En esta ocasión con una edición que alterna algunos de los álbumes y EPs publicados en los estertores de 2025 que merece mucho la pena recuperar, junto a novedades de 2026 y avances de trabajos largos que verán la luz en las próximas semanas o meses.
Entre los lanzamientos destacados del pasado reciente que recuperamos, caben los largos de nombres tan conocidos y otrora celebrados como La Plazuela -alternando city pop con rumba, entre otros cócteles, en ‘Lugar Nº0 (D.L.Y)’-, Adam Green, Juliana Hatfield -la otrora estrella del indie rock se muestra perfectamente en forma en ‘Lightning Must Strike’-, McEnroe, Ariel Pink -quien, al margen de su polémico apoyo a Trump, prosigue con su sólida carrera-, Jesse Sykes & The Sweet Hereafter, Midlake, Bejo y Damien Jurad, quien, desatadísimo, lleva presentando novedades en forma de álbumes, EPs, singles o discos de rarezas con frecuencia casi semanal desde hace varios meses.
Los trabajos de Obongjayar -el nigeriano establecido en UK relanzó su álbum ‘Paradise’ a finales de año incluyendo cortes tan exuberantes como ‘Give Me More’-, Casapalma -‘JOTAS’, desde su título, revela la vocación tradicionalista de este dúo, si bien nos refrescan con una acertada pátina electrónica-, Say She She -una suerte de girl-group neoyorquino que alterna disco y funk con punk y pop oblicuo-, julia amor, Sabine McCalla -imperdible el álbum debut de esta artista de Nueva Orleans que abunda en la actualización de la música de raíces-, Insecure Men -alias de Saul Adamczewski al margen de su banda Fat White Family-, This Is Lorelei -el proyecto de rock tradicionalista de Nate Amos, mitad de Water From Your Eyes, continúa creciendo tras el celebrado ‘Box for Buddy, Box for Stars’- o The Cords -dúo femenino perfecto para fans del sonido C-86- bien valen una recuperación.
En nuestro país, Los Yolos, Ghouljaboy, Las Petunias, Tetas Frías, Vez Era -en su debut, este combo eminentemente shoegaze incluyen una brillante colaboración con Rufus T. Firefly-, Calequi y Las Panteras, Gorka Urbizu y Syd dePalma -en cuyo sugerente debut ‘paris’ se dan cita Niño de Elche, Florent de Los Planetas o Heather Cameron- publicaron discos muy reivindicables. Y, por cerrar con 2025, destacar nombres abocados a ser grandes en el futuro como Tom A. Smith -joven británico que cuenta con el beneplácito de nada menos que Elton John, si bien su rock descarado se alinea más con el de Miles Kane-, Ecca Vandal -atención con esta joven australiana y su reivindicación del rock noventero, aportando un punto de fantasía y color- y Surely Shirley, un dúo de gemelas cuyos orígenes no hacen sospechar su querencia por sonidos cercanos a Belle & Sebastian.
Llegando ya a este nuevo año, nos hemos topado con novedades muy destacables como el regreso discográfico de los granadinos 091 -‘Espejismo nº9’ consolida su celebrado comeback de 2029-, Ángel Stanich -el maño lanza el que quizá sea su disco más sólido y completo hasta la fecha-, The Soft Pink Truth, Pearl Charles -tras el gran ‘Magic Mirror’, ‘Desert Queen’ maravilla alternando música disco y folk estilo Laurel Canyon, Erik Urano, Jenny on Holiday -debut largo de una de las añoradas Let’s Eat Grandma-, Iseo & Dodosound, Nuevos Hobbies, Tyler Ballgame -imprescindible para fans del folk rock añejo-, los turcos Altin Gün y Alice Costelloe. Y en los próximos meses, The Notwist -el combo teutón se afianza en un perfil más heterogéneo y lanza su segundo disco en pocos meses en marzo-, Dënver -el ansiado regreso discográfico del dúo chileno pinta realmente bien con canciones como ‘A pedacitos’-, Voxtrot -vuelve el vibrante combo neoyorquino que deslumbrara con su debut de 2007-, Alex Cameron, Error 97, Lauren Auder, cootie catcher, Alavedra, Charlotte Cardin, Rita Ojanguren, Girl Scout, Hofe o UFOs -combo que suma miembros de Phoenix con el dúo de productores galo Braxe + Falcon- están llamados a darnos aún más alegrías.»
La compositora francesa Éliane Radigue, pionera de la música electrónica, ha fallecido en París, un mes después de su 94º cumpleaños. En los últimos años, su figura había sido reivindicada por artistas y documentalistas, apareciendo en el documental ‘Sisters with Transistors‘, dedicado a las primeras creadoras de la música electrónica.
Desde finales de los 60, Radigue comenzó a experimentar con música radicalmente minimalista y de larga duración, trabajando con cintas magnéticas mediante loops, feedbacks y sonidos sostenidos y dilatados. Las primeras composiciones de Radigue estaban influenciadas por las técnicas de la música electroacústica que había descubierto escuchando las emisiones radiofónicas de Pierre Schaeffer, pionero de la música concreta, de quien más tarde sería alumna.
Ya en los 70, durante su estancia en Nueva York, Radigue incorporó los sintetizadores electrónicos a su obra, primero un Buchla prestado y luego el sintetizador modular analógico ARP 2500, que se convertiría en su instrumento principal durante más de dos décadas.
Sus largos e inmersivos drones evolucionaban lentamente, explorando cambios microscópicos de timbre o textura, y tenían una fuerte carga espiritual, vinculada a su interés por el budismo tibetano. Su colosal obra ‘Trilogie de la Mort’ se inspiró en ‘El libro tibetano de los muertos’, una tradición a la que se acercó tras la muerte de su hijo, Yves Arman, a los 35 años, en un accidente de coche en Zaragoza.
En las últimas décadas, Radigue siguió componiendo, aunque modificó su método de trabajo y comenzó a colaborar con intérpretes y ensembles, dando lugar a piezas como Occam Ocean, inspirada en el movimiento del océano. Artistas como The Avalanches, Maria Arnal o Matmos han lamentado su muerte en redes sociales, recordando su influencia y legado.
Antes de la celebración de los Goya este fin de semana, tres de las personalidades que intervendrán en la gala han visitado La Revuelta: Bad Gyal, Rigoberta Bandini y Luis Tosar. Mientras que la primera protagonizará una de las actuaciones de la noche, Bandini y Tosar serán maestros de ceremonias.
Es por ello que, después de la charla con Bad Gyal, Broncano invitó a los otros dos invitados para una especie de simulacro de la entrega de premios. Los Góscar -por los Goya y los Óscar- para Grison (‘Mejores efectos especiales’), Ricardo Castella (‘Mejor diseño de vestuario’) y Broncano (‘Mejor entrevistador’) fueron entregados entre risas, hasta que Rigoberta sacó una estatuilla más.
«A mí me hacía ilusión entregar un Góscar a alguna mujer, pero como brillan por su ausencia en tu programa, cariño mío…», soltó la cantante y actriz de forma ligera, pero con un trasfondo real. «Porque esto es un campo de nabos», remató, con Broncano no sabiendo muy bien dónde meterse. Finalmente, la estatuilla sí que acabó llegando a las manos de una mujer, pero del público.
No es fácil el tema de los discursos en las entregas de premios. Aquí va una propuesta 🤷♂️
La amistad, tanto profesional como vital, de Thundercat y Mac Miller ha sido una de las más prolíficas de los 2010s. Por ello, es normal que con el fallecimiento del querido rapero en 2018 muchas canciones se quedasen en el tintero. ‘She Knows Too Much’ es una de ellas. Los fans llevan pidiendo su lanzamiento oficial desde que se filtrase en 2020 y formará parte del nuevo disco de Thundercat. Hoy, es la Canción del Día.
‘She Knows Too Much’ funciona tanto porque se nota que ambos artistas lo estaban pasando increíble mientras lo hacían: «Ojalá todos hubieses podido estar con nosotros en el momento en el que esta canción fue creada en el garaje de Mac», escribió el bajista en Instagram. El tema es una jam en la que los versos del rapero tienen todo el protagonismo, más allá de los carismáticos e icónicos coros de Thundercat. Una bassline ascendente y unas trompetas redondean la canción.
En la letra, igual de juguetona que la música, Mac Miller fantasea sobre una chica que está fuera de su «liga» («Todos los libros que lee, sabe demasiado»), sin darse cuenta de que esta esconde un secreto: solo le quiere por su dinero. Vemos que Miller se va dando cuenta de esto progresivamente con frases como «¿Por qué siempre me llamas cuando me llega el cheque?».
El videoclip es uno de esos que merece la pena ver, con Mac Miller y Thundercat atravesando diferentes escenarios con diferentes estilos de animación, desde el stop-motion de cintas como ‘Pesadilla Antes de Navidad’ hasta la animación plana de programas como ‘Scooby-Doo’.
Rosalía se ha hecho con el top 1 en JENESAISPOP con ‘Reliquia’, que hemos escogido como nueva favorita de ‘Lux’ frente a ‘Dios es un stalker’ o ‘Sauvignon Blanc’. Es el 13º que consigue en nuestro top 40 semanal tras ‘Malamente’, ‘Pienso en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Barefoot in the Park’ con James Blake, ‘Aute cuture’, ‘La fama’ con The Weeknd, ‘Saoko’, ‘Candy’, ‘New Woman’ con Lisa, ‘Omega’ con Ralphie Choo, ‘Berghain’ y ‘La perla’. Únicamente Lana del Rey ha conseguido más números 1 históricos en JENESAISPOP, un total de 15, aunque eso podría cambiar pronto… Esta semana la encontráis entre los candidatos, sin ir más lejos.
Otras entradas destacadas son las de Mitski, Lykke Li, Rodrigo Cuevas o Ca7riel y Paco Amoroso, entre otros.
O ‘Sirat’ o ‘Los domingos’. No hay más. Este año no hay una tercera en discordia en los Goya, una ‘Alcarràs’ o ‘Segundo premio’ que pudiera dar la sorpresa. Esa debería ser la magnífica ‘Romería’, pero no. A pesar de estar nominada a la dirección, al guion y a las interpretaciones, la película se ha quedado fuera de las cinco finalistas. Pues muy bien. Obviamente ni ‘Maspalomas’ ni ‘Sorda’ ni, por supuesto, ‘La cena’ tienen nada que hacer.
Como hicimos el año pasado, recomendamos otras películas nominadas que han pasado más desapercibidas pero que merecen mucho la pena. Y es que, rebuscando entre las distintas categorías, todos los años se encuentran joyas más o menos ocultas: ‘Salve María’, ‘Upon Entry’, ‘La vida era eso’, ‘My Mexican Bretzel’…
Los Tortuga (Belén Funes)
Mejor Guion, Mejor Dirección y Biznaga de Plata en el Festival de Málaga; unanimidad de críticas positivas en prensa (menos Boyero); una directora, Belén Funes, con un Goya a la Mejor Dirección Novel por ‘La hija de un ladrón’ y responsable de una de las mejores series españolas de 2022, ‘La ruta’. ¿Cómo se explica, entonces, que no haya ido casi nadie a ver ‘Los Tortuga’ (está en el puesto 72 de estrenos españoles según datos del ministerio de cultura)? ¿Será por el título, bonito en el contexto de la película pero extraño si no sabes de qué va? ¿Por tener a dos protagonistas poco conocidas en España: la chilena Antonia Zegers y la debutante Elvira Lara, las dos con nominación a los Goya y las dos formidables? ¿O, simplemente, porque la han promocionado fatal?
‘Los Tortuga’ es un drama social y familiar estupendo. Un acercamiento íntimo y naturalista a la clase trabajadora femenina contemporánea, atravesado por la precariedad, el duelo y las heridas del pasado. Funes filma con una sensibilidad extraordinaria las relaciones familiares y los espacios domésticos (de la periferia barcelonesa a los campos de olivos de Jaén), y construye un relato que huye del subrayado y del victimismo. No hay sentimentalismo ni moraleja masticada: hay cuerpos cansados, miradas contenidas y una dignidad que resiste a claudicar. 8,5.
Mi amiga Eva (Cesc Gay)
Si ya es difícil que una comedia esté nominada a la Mejor Película, no digamos dos. 2025 ha sido el año de ‘La cena’ (flojísima, un regreso a la comedia rancia de los 90), que además ha ido como un tiro en taquilla (ha sido la quinta película española más vista). Pero, a mi parecer, la mejor comedia española del año pasado ha sido ‘Mi amiga Eva’. Sorprendentemente, solo han nominado a la actriz principal, una fantástica Nora Navas, cuando el guion de Cesc Gay y Eduard Sola, recientemente premiado en los Gaudí, es una maravilla.
Tras la estupenda ‘Sentimental’ (2020), una película que ha generado nada menos que cinco remakes (entre ellos la reciente ‘The Invite’, con Seth Rogen y Penélope Cruz) y la algo irregular ‘Historias para no contar’ (2022), Cesc Gay vuelve a demostrar que hay pocos directores tan brillantes en el terreno, siempre resbaladizo, de la comedia sentimental. ‘Mi amiga Eva’ parte de una premisa que a primera vista podría parecer “romanticona” –una mujer de 50 años y buena posición social decide romper su matrimonio con el único objetivo de volver a jugar el “juego del amor”, pero que en manos de Gay se transforma en una divertida, ingeniosa y conmovedora historia sobre la crisis de la mediana edad femenina. 8.
Una quinta portuguesa (Avelina Prat)
Tras debutar en el largometraje con ‘Vasil’ (2022) y después de una larga trayectoria trabajando como script, Avelina Prat (arquitecta de formación) se ha revelado como una de las directoras y guionistas más prometedoras del panorama actual (está nominada al Mejor Guion Original), además de un ejemplo de que la edad no debería ser un impedimento para iniciar una nueva carrera profesional (debutó ya cumplidos los cincuenta).
De hecho, el protagonista de ‘Una quinta portuguesa’ (un fantástico Manolo Solo, nominado al Mejor Actor, al igual que María de Medeiros, como Actriz de Reparto) podría entenderse como una suerte de alter ego de la directora: un profesor universitario maduro que decide cambiar de profesión tras un hecho que no desvelaremos. La película, extraordinariamente bien escrita, funciona como una delicada fábula sobre las segundas oportunidades. Un elogio de la “reinvención” personal, de dejarlo todo atrás para empezar de nuevo, pero no desde la retórica neoliberal (ese horrible mantra de “salir de la zona de confort”), sino desde una perspectiva profundamente existencial. 8.
Extraño río (Jaume Claret Muxart)
La categoría de Mejor Dirección Novel siempre es un buen lugar al que acudir si quieres recuperar películas interesantes que han pasado por la cartelera sin pena ni gloria (otro buen lugar son los Feroz Arrebato). ‘Extraño río’ pertenece a ese grupo de películas. Apenas la han visto diez mil espectadores, pero seguro que tras su reciente estreno en plataformas, se van a sumar muchos más.
Aunque el premio se lo va a llevar Eva Libertad por ‘Sorda’ (es uno de los más cantados), como ejercicio de dirección, como opera prima que sirve como carta de presentación de un director novel, me parece mucho más estimulante la película de Jaume Claret Muxart. ‘Extraño río’, que se presentó en el Festival de Venecia, se enmarca dentro de la tradición naturalista del cine francés (o del de la propia Carla Simón), con toques de la poética sensitiva y misteriosa de Apichatpong Weerasethakul. Un precioso homenaje a ‘Un verano con Mónica’ (1953) que describe el despertar sexual de un chico mientras pasa las vacaciones con su familia recorriendo en bici el Danubio. 7,8.
Muy lejos (Gerard Oms)
Otro debut notable, también nominado a Mejor Dirección Novel. Gerard Oms inició su andadura profesional como entrenador de actores. Y no le fue mal. Comenzó a trabajar con Mario Casas en ‘No matarás’ (2020) y el actor la rompió: Goya, Feroz, Gaudí y un cambio de percepción generalizado sobre su talento interpretativo. Con ‘Muy lejos’, Casas lo ha vuelto a lograr: nominado a todos los premios, incluido el Goya.
Si bien la interpretación de Mario, llena de matices, es lo que más destaca de ‘Muy lejos’, Oms demuestra que no solo sabe dirigir actores. Su película conecta el drama íntimo con el drama social, la crisis de identidad con la crisis económica, de forma extraordinaria. Con el cine de los hermanos Dardenne como influencia estilística más evidente, apoyándose en una puesta en escena sobria, con la cámara cercana a los cuerpos, el director construye un emotivo relato de autodescubrimiento que funciona también como retrato sobre la inmigración y el desarraigo, sobre la experiencia de ser extranjero sin recursos en el supuestamente progresista, pero en realidad racista y clasista, norte de Europa. 7,8.
Tardes de soledad (Albert Serra)
Si las votaciones fueran coherentes, el premio a Mejor Documental estaría cantado. Y no solo por su calidad. ‘Tardes de soledad’ no está nominada únicamente en esa categoría, sino que Albert Serra se ha colado también en la de Mejor Dirección (curiosamente, este año compiten dos Conchas de Oro: esta y ‘Los Domingos’). Ahora bien, conviene recordar que en la segunda fase de votaciones los miembros de la Academia pueden votar en todas las categorías, por lo que el resultado final puede variar en función de filias y fobias. Y de eso, precisamente, ‘Tardes de soledad’ ha ido sobrada este año.
Más allá de polémicas ideológicas y de lo sumamente desagradable que resulta ver, a mi parecer, este espectáculo brutal y completamente anacrónico, desde un punto de vista estrictamente cinematográfico, ‘Tardes de soledad’ es una obra impresionante. Vista en pantalla grande, constituye una experiencia inmersiva, visual y sonora, brutal, muy diferente a una retrasmisión televisiva, donde todo se dulcifica. Serra nos sitúa como espectadores dentro del ruedo, cara a cara con el toro y el torero (no aparece nadie del público en todo el filme). El resultado es tan espectacular como espeluznante. 7,5.
Nebulossa han sorprendido publicando su segundo disco sin previo aviso, sin edición física, y cuando han pasado ya 2 años de su victoria en Benidorm Fest. Al menos el concepto temático lo tienen claro, como dejan patente a través de un pequeño manifiesto subido a redes en el que exponen qué es para ellos esto de «Virtuzorrismo». Ni más ni menos que «zorrear sin pedir permiso», también «no tener miedo al fracaso, ni al edadismo, ni al qué dirán». En resumen «ser zorrista es aceptarte», «convertir tus imperfecciones en aliadas».
Es evidente que ‘Virtuzorrismo’ es por tanto un álbum sobre la libertad y el libertinaje, sobre feminidad y hedonismo, sobre identidad y autoafirmación.
Las canciones más relevantes de Nebulossa al respecto continúan siendo ‘Zorra’ y ‘Cotilleo‘. La una no se entiende sin la otra. La primera logró hacer cantar a toda Europa «soy más zorra todavía«, incluso aunque los puntos de Eurovisión no acompañaran; y la segunda es la respuesta a las críticas recibidas durante ese lapso. «Que disto mucho en realidad de cada foto que subo, que en medio año no se acordará nadie de mí (…) que si solo soy una barbie de geriátrico, no tengo edad, visto fatal, vivo en un mundo fantástico», decía de manera muy gráfica esta canción que contenía guiños a otros himnos de Karol G o Shakira.
Nebulossa no se entendería sin la feminidad de María José Bas Arguijo, «Mery», hasta el punto de que esta canción terminaba con un juego de palabras entre «he venido a servir cotilleo» y «he venido a servir coño». Pero también aporta mucha personalidad al grupo el hecho de que, a excepción de los «featurings», todas las canciones estén escritas por Mark Dasousa y Mery completamente aislados del mundo. Son excelentes compositores: los estribillos rebosan personalidad, las letras están muy bien encajadas, e incluso cuando das un tema por acabado, pueden sorprenderte con un giro de guión más, como el añadido del «zarzal» y el «chacal» al final de ‘Zorra’.
El primer disco de Nebulossa antes de todo esto, ‘Poliédrica de mí‘, ya era muy bueno, porque como el mejor synthwave, alternaba pasajes instrumentales espectaculares con coros carismáticos, como los de ‘Glam’ o ‘Anoche’. ‘Virtuzorrismo’ es un disco menos concentrado, se nota que le han dado demasiadas vueltas a lo largo de 3 años, y su sonido se divide en bloques demasiado diferenciados. Las composiciones más antiguas, ‘Me ha dado porno’ y ‘Me pones a mil’, son reminiscentes de su debut, y ahí podríamos añadir la nueva ‘Cicatrices’.
En segundo lugar tenemos el punto de inflexión que ha supuesto ‘Zorra’ y ‘Cotilleo’. Y en última instancia hay que hablar de una vena abiertamente petarda, chochi y estridente, mucho más ruidosa. En este último grupo está el disco 70’s de ‘Supersexy’, el dúo gritón con Mónica Naranjo, el tema disfrutón que acaban de sacar para hacer ‘Vogue’; o la ambigua ‘Dos lokas’. La variedad llega al punto de medio rapear en la funky ‘Cuando te veo’.
Estamos en 2026 y ya no vamos a asustarnos de que un piano house 90’s no tenga nada que ver con un synth-pop 80’s, pero el orden de la secuencia les ha quedado algo raro. Pinta a modo «shuffle» y no logra que las virtudes de las canciones terminen de fluir. Como dicen por ahí, quizá la única opción para un tema del carisma de ‘Zorra’ era cerrar todo el tracklist porque justo en medio corre el peligro de devorar parte de lo que tiene delante y de lo que tiene detrás. Claro que lo mismo estoy sobreanalizando un disco lleno de hits y mensajes positivos, que venía a decir «no quiero dramas, solo hacer el amor».
Pasada la fiebre de la Super Bowl, que terminó con Bad Bunny liderando el Billboard Hot 100 con el tema ‘Debí tirar más fotos’, es el turno de Taylor Swift. El nuevo single de la cantante, ‘Opalite‘, escala desde el número 8 hasta el número 1.
Eso significa que es, por tanto, el 14º número 1 para la cantante en la lista oficial de singles estadounidense. Es el 2º de ‘The Life of a Showgirl‘. Así, la cantante consigue empatar en números 1 con Rihanna y ya solo tiene por delante a los Beatles y a Mariah Carey. Es curioso recordar que Taylor no logró ningún top 1 en singles hasta su paso al pop con ‘Red’:
Los 14 números 1 de Taylor Swift en EE UU:
We Are Never Ever Getting Back Together
Shake It Off
Blank Space
Bad Blood
Look What You Made Me Do
Cardigan
Willow
All Too Well (Taylor’s Version)
Anti-Hero
Is It Over Now? (Taylor’s Version) [From the Vault]
Cruel Summer
Fortnight, ft Post Malone
The Fate of Ophelia
Opalite
El número 1 se ha producido, al igual que el de Reino Unido, por las ventas físicas de los singles de ‘Opalite’. Se han vendido 168.000 copias de ‘Opalite’ en una semana, lo que ha sido suficiente para paliar la pérdida de streaming (del puesto 11 cae al puesto 17 entre lo más escuchado en plataformas).
Billboard detalla que de esas 168.000 copias que han sido determinantes, 144.000 han sido físicas (6 tipos de CD singles, y 1 vinilo) y 24.000 digitales, sobre todo por los nuevos remixes. Bajo estas líneas podéis consultar qué artistas han logrado un mayor número de números 1 en la historia de Estados Unidos.
Mayor número de números 1 en EE UU:
20, The Beatles
19, Mariah Carey
14, Rihanna
14, Taylor Swift
13, Drake
13, Michael Jackson
12, Madonna
12, The Supremes
11, Whitney Houston
10, Janet Jackson
10, Bruno Mars
10, Stevie Wonder
Ahora el cantante pasa a la ofensiva y ha presentado una demanda de conciliación contra Yolanda Díaz, vicepresidenta del Gobierno, por los comentarios que la política hizo en las redes sociales y en una entrevista de televisión.
Como informa El País, los abogados de Iglesias creen que ha habido manifestaciones “injuriosas” por parte de la líder de Sumar, con las que atribuyó a su cliente de manera directa la condición de “abusador sexual”, un régimen de “esclavitud” y una “estructura de poder basada en la agresión permanente”.
El cantante pide a Yolanda Díaz que se retracte, que reconozca “el daño causado” y que lo “indemnice con el importe en el que se fijen prudencialmente los daños causados en función de la difusión alcanzada por el comportamiento injurioso y calumnioso”. Este es el paso previo necesario para poder poner después una querella por calumnias o injurias.
Uno de los mensajes que denuncian fue dejado en Bluesky por Yolanda Díaz el 13 de enero: «Escalofriantes testimonios de las extrabajadoras de Julio Iglesias. Abusos sexuales y una situación de esclavitud con una estructura de poder basada en la agresión permanente. Gracias a las mujeres valientes y a las periodistas de eldiario.es por denunciarlo».
Nuestro Disco de la Semana va a ser ‘AMA’ de Maria Arnal, el que ella considera un nuevo renacer, un debut. Hemos conocido singles como ‘QUE ME QUITEN’, ‘PELLIZCO’, el propio ‘AMA’ y el último adelanto ha sido este ‘TICTAC’ que escogemos como Canción del Día hoy.
Si ‘AMA’ implica un renacer, esta canción es una de las que mejor lo saben ejemplificar, con una letra muy explícita al respecto: «quisiera volver atrás, volver a nacer quizás / otro cuerpo, otro lugar, otra voz, otro mirar». Con cierto punto filosófico, ‘TICTAC’ intenta cambiar algunas cosas que hemos conocido en nuestra vida pero no nos han agradado. Habla de «no pensar nunca en después», «sentir que no me falta nada» o «no temerle ya a nada».
También habla de un posible reencuentro que puede referirse a su prima AMA (esas eran sus iniciales), fallecida a los 15 años con VIH, y a la que quería como una hermana. Nos lo cuenta en el podcast que podéis ver bajo estas líneas.
‘TICTAC’ también es una increíble producción en la que encontramos a Alizzz y a Pau Riutort, además de a la propia Maria Arnal, que no puede resultar más vibrante cuando en su segunda mitad cabalga a lomos de una pequeña rave. Después, las aguas vuelven a su cauce: la estructura de un tema que coquetea con la reencarnación solo podía ser circular.
Próximas fechas:
27 DE FEBRERO | MADRID | SALA BUT – SOLD OUT
7 DE MARZO | BARCELONA I P62
8 DE MARZO | BARCELONA | P62 – SOLD OUT
2 DE ABRIL | VALENCIA | AUDITORI ROIG ARENA
11 DE ABRIL | GIRONA | FESTIVAL STRENES
18 DE ABRIL | COPENHAGUE | ALICE
1 DE MAYO | LONDRES | JAZZ CAFE
Mientras Bad Bunny y Rosalía mantienen esta semana sus respectivos puestos 1 y 2 en la lista de álbumes española, el top 5 recibe una interesante novedad. Se trata de ‘Wuthering Heights‘, el disco de Charli XCX inspirado en la nueva adaptación de ‘Cumbres borrascosas‘. Desde JENESAISPOP ya os hemos aconsejado que escuchéis el disco, pero evitéis ver la película.
‘Wuthering Heights’ es el segundo disco top 5 de Charli XCX en España, aunque no iguala el top 2 de ‘Brat’. En Reino Unido, el disco ha entrado en el número 1, mientras que en Estados Unidos ha quedado en el 8. Otras posiciones logradas por ‘Wuthering Heights’ son un top 2 en Austria, un top 4 en Australia y otro top 5 en Alemania. Entre los países que deberían espabilar está Italia, donde el álbum solo ha llegado al puesto 25.
Otra entrada digna de comentar es la de OBK, que marca un top 10 con ‘Vértigo’, su nuevo EP. El proyecto de Jordi Sánchez llega ahí gracias exclusivamente a la venta de vinilos, como demuestra el hecho de que ‘Vértigo’ entre justamente en el puesto 10 de esa tabla específica.
Yung Beef, que estos días disfruta de un inesperado hit global con el remix de ‘Cuando no era cantante‘, coloca su nuevo mixtape ‘EL PLUGG 3 OVA 2’ en el puesto 36. La primera entrega de esta serie de discos, ‘EL PLUGGG 3 OVA 1’, alcanzó el número 34.
El resto de entradas son variadas. Kylie Minogue coloca el vinilo de la gira de ‘Tension’ en el puesto 44. A continuación, hay que hablar de Rayden, que ha relanzado su carrera uniéndose a Mediyama y Skiz Siete: los tres forman el grupo Chiquita Movida y su debut ‘Alta Vaina’, en clave pop-rock, entra en el 53.
El pop anglosajón deja una sorprendente entrada en los últimos puestos de la tabla, la de ‘ICON’, del cantante de R&B Brent Faiyaz, en la línea de The Weeknd. Antes que él figuran el trapero barcelonés Cyril Kamer con ‘En silencio’, que debuta en el 62, y otra banda sonora, la de la serie de Caracol Televisión ‘La Reina del Flow 3’, que entra en el 71.
La lista de singles española presenta esta semana interesantes novedades. En primer lugar, hay que hablar de Quevedo, que coloca ‘Ni borracho‘ directamente en el número 1 de la tabla. El público no compra la idea de que la canción salga a rebufo de Bad Bunny ni que su homenaje a Canarias sea impostado.
‘Ni borracho’ es el 8º single número 1 en España para Quevedo, aunque solo el tercero en solitario tras ‘Columbia‘ y ‘TUCHAT‘. El tercero consecutivo, eso sí. Así queda la lista de números 1 de Quevedo en España:
-Quevedo: BZRP Music Sessions, Vol. 52
-Playa del Inglés ft. Myke Towers
-El Tonto ft. Lola Indigo
-Gran Vía ft. Aitana
-Still Luvin’ ft. Delaossa
-Columbia
-TUCHAT
-Ni borracho
Quevedo, precisamente, desbanca a Bad Bunny del número 1 con ‘NUEVAYOL’, aunque el puertorriqueño protagoniza la subida más fuerte de la semana con ‘TITÍ ME PREGUNTÓ’, que sube del 36 al 24.
Además, la edición de Benidorm Fest 2026 asoma por fin en la tabla. ‘T Amaré‘, de Tony Grux y LUCYCALIS, la canción ganadora, debuta en el puesto 60 tras celebrarse el certamen. Algo es algo, pero la canción necesitará promoción para crecer y estabilizarse si RTVE intenta, con ella, dar con algo parecido a una canción del verano. En Spotify ya baja al puesto 190, y su peak ahí ha sido un número 58, es decir, ni siquiera ha irrumpido dentro de los 50 temas más escuchados.
La tabla deja solo un par de entradas más. ‘CHOQUE’, el dueto de Bad Gyal y Chencho Corleone que presenta el segundo disco de la catalana, entra en el número 11. Y, ascendiendo hasta el puesto 61, encontramos la última entrada de la semana: ‘La Sacapuntas’, de KASABAKI, Zeno el Faraón, L0rna y Kristina.
Jessie Ware sigue en la vena bailable de sus dos discos anteriores en su nueva era, enmarcada en un disco llamado ‘Superbloom’ que saldrá en abril. El primer single, ‘I Could Get Used to This‘, ha ofrecido una buena dosis de pop-disco afrodisíaco en la onda de Minnie Ripperton. El segundo, ‘Ride’, tira del caballo que metió Bianca Jagger en Studio 54, aunque también de otras cosas.
‘Ride’ se basa en un sample de la banda sonora de ‘El bueno, el feo y el malo’, de Ennio Morricone. El sample conforma el estribillo en sí, mientras Ware susurra «¡arre, arre, arre!» por detrás. La idea recuerda a la presentada por Troye Sivan en ‘Got Me Started’, que sampleaba de forma bastante creativa ‘Shooting Stars’, de Bag Raiders.
Lo de ‘Ride’ no es tan creativo, pero lo peor es que ha dejado de ser elegante, que era por lo que acudíamos a la música de Jessie Ware en primer lugar. ‘Ride’ guarda cierto semblante de elegancia y sofisticación por sus versos recitados, pero el homenaje a los noventa de la base se pasa de rosca y, sin el sample, la canción no parece gran cosa.
Su crescendo y estallido final de euforia están logrados, pero esta producción, trabajada junto a Jack Peñate, entre otros, queda demasiado cerca estética y espiritualmente de cosas como ‘On the Floor’, de Jennifer Lopez y Pitbull. Jessie Ware sabe hilar más fino.
Aún queda un consuelo: descubrir que ‘Ride’ «gana dentro del disco», como se suele decir. Ahí ocupa la pista 9, por lo que quizá cobre mayor sentido después de las 8 anteriores.
‘Superbloom’:
The Garden Prelude
I Could Get Used to This
Superbloom
Automatic
Chariots of Love Interlude
Sauna
Mr. Valentine
Love You For
Ride
Don’t You Know Who I Am?
16 Summers
No Conseques
Mon Amour
La honestidad en el pop empieza a parecer un poquito calculada en medio del continuado reinado de Taylor Swift y tras el sorprendente éxito de ‘brat‘ (2024) de Charli XCX, y Hilary Duff busca un hueco en ese espacio con su primer disco en 10 años. ‘luck… or something’ es su obra más confesional, aunque todo está contado con una pátina tan amable que termina bordeando lo inocuo.
Duff, que se dio a conocer como estrella adolescente en la icónica serie Lizzie McGuire, es hoy una mujer de 38 años, madre y esposa, y en ‘luck… or something’ abunda ese espíritu adulto resignado pero aferrado al humor. ‘Mature‘, el sencillo principal, retrata a un potencial abusador sexual, pero lo hace con cierta gracia e ironía. No abundan en el pop mensajes de este tipo, mucho menos transmitidos de esta manera.
El equilibrio entre sinceridad y humor desenfadado produce otros pasajes memorables, como ese de ‘The Optimist’, donde Duff confiesa que «ojalá no me dieran miedo los aviones y que mi padre me quisiera de verdad», e infiere a las canciones ese toque ligeramente puntiagudo que contrasta con el componente acolchado y nebuloso de la producción.
La música de ‘luck… or something’ dialoga con un presente donde las barreras musicales ya no existen, y por eso Duff y sus productores -entre ellos Matthew Koma, su marido- trabajan un sonido alternativillo pero ajustado al perfil pop de Hilary, situado a medio camino entre el pop vintage y el indie-pop, y vehiculando siempre unas melodías coquetas adaptadas a su ligera y bonita voz, no en vano consciente de sus propias limitaciones expresivas.
Las composiciones pueden ser tan monas como ‘Future Trippin’, que incluye una simpática mención a Bon Iver, o tan retro como ‘You, from the Honeymoon’, que incluye una simpática mención a The Japanese House, pero en ocasiones las referencias se salen un poco de madre, como en ‘Roommates’, que parece un plagio descarado de Taylor Swift desde la entrada de su primera estrofa. ‘The Optimist’ es demasiado deudora de Kacey Musgraves, aunque es bonita.
Hilary se anota el tanto de samplear ‘Dummies’ de Blink-182 en ‘Growing Up’, que aunque la canción pasa sin pena ni gloria, la idea es original. Y sobre todo ‘luck… or something’ logra ser un disco intransferible gracias a sus personales letras, simpáticas en su retrato de la cotidianeidad de pareja (‘Weather for Tennis’) o de las incertidumbres de la vida adulta (‘Future Trippin’), conectando directamente con el sentir de los millennials que la veían en la tele de pequeños.
La sinceridad sin rodeos también sienta bien a Duff, y de ahí que ‘We Don’t Talk’ destaque. En este vals folk, Duff confiesa no hablarse con su hermana, Hailey Duff, desde hace tiempo. La composición refleja el momento vital de Duff, que lejos de victimizarse, ofrece un momento de madurez y calma, pero también de cierta duda por esta circunstancia, apuntando que pueda deberse a los «celos». No extraña que en la canción y en todo el disco, acuda a un lugar reconfortante y seguro.
La Academia de Cine ha revelado la lista oficial de artistas musicales que actuarán en la próxima gala de los premios Goya, que se celebra este sábado 28 de febrero.
Rigoberta Bandini, presentadora de la gala, volverá a actuar por segundo año consecutivo, pero no será la única. Artistas como Bad Gyal o Belén Aguilera debutarán en ese escenario, mientras que también están confirmados La Casa Azul, Dani Fernández y Ana Mena.
La cosa no acaba ahí, ya que actuarán en los Goya asimismo una de las voces más prestigiosas del flamenco actual, Alba Molina, y una de sus perfiles más pujantes, Ángeles Toledano.
Ninguno de los cantantes nominados al Goya a Mejor canción, como Sílvia Pérez Cruz, Leiva o Blanca Paloma, actuarían en la ceremonia.
Parten como favoritas en las nominaciones de los Goya ‘Los domingos’ de Alauda Ruiz de Azúa con 13 nominaciones; ‘Sirat’ de Oliver Laxe con 11 candidaturas y ‘Maspalomas’ de José Mari Goenaga y Aitor Arregi, con 9 menciones.
Los concursantes de la última edición de Operación Triunfo han seguido lanzando sus singles de forma escalonada. Ya reseñamos los de Iván Rojo, Salma de Diego, Carlos Fustel, Judit Garuz y Max Navarro. A falta de las esperadísimas canciones de Claudia Arenas y Cristina Lora, ganadora de la edición, comentamos los lanzamientos de los concursantes restantes en orden cronológico. Aunque algunos han sorprendido, otros dejan bastante que desear.
‘Para Nadie Más’, de Laura Muñoz
Durante su paso por el concurso, Laura Muñoz siempre quiso lucir su vozarrón lo más posible, incluso cuando la ocasión no lo pedía. Con su single, se ha quedado a gusto. ‘Para Nadie Más’ no será de las canciones más memorables de la última tanda de concursantes de OT, especialmente por su genérica letra («Las nubes rosas se volvían gris»), pero su electropop maximalista es un acierto.
‘Maldita Relación’, de María Cruz
Escrita junto a Carlos Almazán, compositor de Sony, y producida por KICKBOMBO, los productores detrás de ‘Nochentera’, la canción debut de María Cruz funciona perfectamente. Es simple: suena actual, es pegadiza y no parece un producto de las prisas. La vibe del tema se va directamente al universo de artistas como Emilia, Nicki Nicole o María Becerra. ¿Qué habría pasado si María Cruz hubiese cantado ‘Latin Girl’?
‘Para Mí’, de Lucia Casani
Casani fue una de las concursantes más interesantes de la edición, simplemente por el hecho de ser la única en aprender a cantar por su cuenta, de forma autodidacta. ‘Para Mí’ no es tan especial, sino otra canción más sobre querer volver a un lugar especial, a ese sitio «donde creí». Es cute, muy Disney, y poco más. Lo mejor del tema es la gran personalidad de la voz de Lucia.
‘algo mío’, de TÉYOU
TÉYOU fue lo contrario a Lucia Casani, siendo una artista con muchas más tablas que sus compañeros de academia. Por eso, no sorprende que su single debut sea también de los mejores de la edición. Una guitarra acústica y chops vocales con autotune pintan una canción sumamente personal, pero que no se queda vacía: «Siempre me ha salido ser muy exigente de todo lo que digo / ¿Qué dirá la gente?».
‘ROTO’, de javicrespo
Crespo ha demostrado en varias ocasiones, y lo sigue haciendo en este single, que tiene una voz perfecta para ser un Sebastian Yatra o Manuel Turizo de la vida. Por desgracia, ‘ROTO’ no es ni la mitad de memorable que cualquier de los hits de los dos artistas mencionados. Y parte de este se debe a la producción, bastante insípida.
‘Cuando se apaguen los focos’, de Tinho Vaamonde
El single de Tinho, uno de los más queridos de la edición, empieza muy bien, con un solitario piano y un genial saxofón. Cuando se avecina el estribillo, la cosa se empieza a torcer. Su voz transmite una sensación de tensión, como si no estuviera demasiado cómodo. Se agradece que la composición sea solo de Tinho, pero el excesivo sabor a musical, y un poco a Queen en la segunda mitad, no funciona muy bien. Al menos, es una propuesta diferente.
‘Sábado Noche’, de Olivia Bay
Todos sabemos a qué artista nos recuerda el single de Olivia. Más allá de la evidente referencia, ‘Sábado Noche’ funciona perfectamente como canción de pop facilona. La producción, a cargo de Kora, es correcta y brilla donde tiene que brillar. Lo sorprendente es que hayan hecho falta varias personas, entre ellas Guillo Risty Crespo, para escribir la letra («Al sábado noche, una vuelta en tu coche / Las luces bajadas, yo no puedo olvidar»).
‘no sé si quiero volver’, de Guille Toledano
Guille no fue solo uno de los favoritos de la edición, sino también de los mejores vocalistas. ‘no sé si quiero volver’ es un tema de pop clásico, tan clásico que pegaría mejor como single debut de un concursante del OT de 2001. Esto no es necesariamente algo negativo, pero claramente el ‘feel’ del tema, de la letra a la producción, es muy dosmilero. Dicho esto, es un tema decente.
Al escuchar los singles de ‘Historias de aquella niña‘, el debut en solitario de Leire Martínez, y al atender sus intervenciones en entrevistas o como jurado de Operación Triunfo, se entiende muy poco que Martínez no ocupara un papel mucho más protagonista dentro de La Oreja de Van Gogh. Ahora que no le ha quedado más remedio que empezar una carrera en solitario, descubrimos a una artista con cosas que decir.
El debut de Leire la transforma en «mujer del pop», y esa ha sido la atención, como ella misma está explicando en entrevistas. Ahí entran singles como ‘Mi nombre‘, toda una declaración de intenciones, o ‘El ruido’, que sube la apuesta y presenta el disco ya publicado.
‘El ruido’ alía a Martínez con Miranda!, el popular dúo argentino capitaneado por Alejandro Sergi y Juliana Gattas, que acaba de competir en Benidorm Fest. No han ganado, pero sí han firmado, junto a bailamamá, por el momento, la canción más escuchada de la edición.
‘El ruido’ hace también alusión al “renacimiento” de Martínez, literalmente, en la frase «vuelvo a nacer» contenida en el estribillo. Es una canción sobre caer y aprender de los errores, aunque «duela», y sobre aprender a creer en una misma, como describe el verso interpretado por Miranda!: «Una coraza pa’ disimular / Que no me creía bastante / Cuando lo tenía delante / Siempre estuvo ahí, tan dentro de mí».
La contundente producción, firmada por Pablo Rouss y Pedro Elipe Navarro, entre otros, sitúa a Leire en un contexto electrónico próximo al synth-pop más “robynesco” o en general escandinavo. La composición tiene dos caras: a unas estrofas electrónicamente estilizadas y casi robóticas, interpretadas por Miranda!, les sigue un estribillo de puro pop-rock ya bastante corriente, en el que Leire toma las riendas, mientras el dúo argentino pasa a un segundo plano.
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