Gisme, vocalista de Ultraligera, ha sido el último invitado en el podcast de Dani Cabana, ‘Último Acorde Talks’, y se ha defendido de las críticas que tanto él como su banda reciben en redes sociales. En el último año, Ultraligera han experimentado un gran crecimiento, agotando cuatro Rivieras en Madrid y apareciendo en la letra grande de muchos festivales nacionales.
Al ser preguntado por si cree que la crítica está siendo «cada vez más afilada» con el grupo, el frontman no se lo piensa: «La gente tiene envidia», asegura. Este lo achaca a que «nos está yendo de puta madre, vivo de lo que me apetece, salimos ahí haciéndonos los chulos sin camiseta, llenando lo que nos da la gana y de un día para otro pasamos a ser cabezas de cartel». «Normal que nos critiquen», concluye.
El artista continúa argumentando su punto de vista, explicando que la ausencia de críticas significa que la banda no está yendo bien: «Hasta que no tienes tu primer filón de hate, la banda no existe». Además, Gisme está convencido del tipo de gente que deja estos comentarios en redes: «Suelen tener bandas que no funcionan, son gente que está todo el día criticando en X, que necesita atención, gente con sensaciones de abandono… Están peleados con el mundo».
Tras jurar que el hate le parece «divertido» y que no terminaría con él si pudiese, el integrante de la banda asegura que las críticas no le duelen, porque lo ve «como una promoción de puta madre». Entonces, este plantea una situación en la que alguien habla del concierto de Ultraligera en una cena y recomienda a los invitados escuchar sus canciones: «Nadie se va a acordar».
Sin embargo, plantea que si en la mesa hay una persona que odia la banda, es más probable que el resto de invitados busquen su música: «Si en esa mesa hay uno que se afana en hablar de lo mucho que odia a Ultraligera y de los chulitos que somos, al salir te lo vas a poner y probablemente te mole, porque son buenas canciones», concluye.
Gisme de Ultraligera habla de las críticas que ha sufrido la banda en redes sociales. pic.twitter.com/lJqq8GDwho
Devonté Hynes, el artista detrás de Blood Orange, volverá al mundo de las bandas sonoras para la nueva película de A24, ‘The Invite’. La cinta está dirigida por Olivia Wilde y se tratará del sexto soundtrack compuesto por Hynes.
La película estará protagonizada por la propia Wilde junto a Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton y es en realidad un remake de la comedia española ‘Sentimental’ (2020), de Cesc Gay. En inglés, esta se titula ‘The People Upstairs’. El remake de A24 contará la historia de una noche en la que los personajes de Rogen y Wilde invitan a sus vecinos, Cruz y Norton, a cenar, solo para que los límites y dinámicas de su relación sean cuestionados para siempre.
Hynes ya ha compartido una pieza de la banda sonora titulada ‘Contentious Environment’, principalmente compuesta por unos violines llenos de suspense. El artista también estaba detrás de la música de ‘Master Gardener’, ‘Passing’, ‘Queen & Slim’, ‘Palo Alto’ y ‘Mainstream’. De hecho, Hynes ha publicado más bandas sonoras que discos de Blood Orange.
Bad Bunny abandona España después de lo que algunos han considerado «casi un mes viviendo aquí». En verdad han sido 3 semanas las que ha pasado entre Barcelona y Madrid, con una parada en Lisboa en medio, ofreciendo 2 conciertos en el Estadi Olímpic y hasta 10 en el Metropolitano. Dedicamos el nuevo capítulo del podcast Revelación o Timo a analizar la repercusión del tour, ofreciendo datos concretos.
En la edición de Primavera Pro celebrada también estos días, ofrecía una charla Alejandro Pabon, Managing Director en Rimas Nation. Estamos hablando de la compañía que ha organizado el ‘Debí tirar más fotos Tour’ (Rimas Entertainment + Live Nation) y de alguien que ha trabajado mano a mano con Bad Bunny. Alejandro contó muchas curiosidades sobre la preparación de la gira, y cómo se organizó la residencia en Puerto Rico, que os compartimos en este podcast.
Además, Almudena Heredero (Ulalume y MIM), que era quien le entrevistaba en Primavera Pro, también ofrecía cifras estratosféricas sobre la repercusión económica que la gira ha tenido en España: 200 millones de euros, un incremento en los vuelos desde países tan remotos como Corea del Sur o Estados Unidos, o incluso un cambio en el menú de los hoteles de Madrid.
Sobre el impacto cultural de esta era de Bad Bunny ya hemos hablado en otros podcasts sobre el artista, por lo que en este capítulo nos centramos en lo mejor y lo peor del show. De la enorme cantidad de hits y diversión, hasta la ausencia de mensajes sobre migración y el mal sonido del Metropolitano (¿de verdad ninguna institución va a hacer nada al respecto?), pasando por la presencia de banda o la ausencia de grandes trucos escénicos.
No esquivamos la polémica de la «casita», convertida en desfile de famosos aunque no era la intención inicial; y repasamos también los artistas que han actuado en su tejado, a destacar Bad Gyal el primer día, y Quevedo, el último. Por cierto, ¿alguien aguantó en pista el pasado domingo el tormentón de 2 horas que cayó en Madrid?
Dice Bebe Rexha que siente que la industria le ha “robado la oportunidad de ser la estrella” que siempre ha sabido que es. En la entrevista en la que pronuncia estas palabras, Bebe insiste en que no pretende dar pena y reconoce estar en una posición privilegiada. Aunque ha bromeado con estar desesperada por salir del Khya Asylum, cabe recordar que ahí solo entran artistas que han tenido hits, y Bebe ha tenido unos cuantos, tanto propios como cedidos.
Bebe se siente “underrated” como estrella por cuenta propia, y es verdad que está en una posición parecida a la que afrontaba Zara Larsson hace apenas un año: aun armada con un considerable catálogo de éxitos globales, su nombre no es reconocido por el gran público ni se ha consolidado una identidad artística clara.
‘Dirty Blonde’, el primer disco de Rexha lanzado de forma independiente, intenta solucionar este problema, y se acerca a conseguirlo. Bebe, cuyo timbre vocal sí es muy distintivo, es además una estupenda compositora de canciones pop, pero no está consiguiendo captar la atención del público con sus creaciones más originales: no es casualidad que sus mayores éxitos recientes se basen en samples muy reconocibles.
Su último éxito masivo, ‘I’m Good (Blue)‘, era una potente adaptación del éxito de Eiffel 65 que, exactamente en el minuto 2:00, se vuelve sublime. Su último éxito “a secas”, ‘New Religion’, incluido en este disco, repite la fórmula sampleando ‘Insomnia’ de Faithless. ¿El resultado? Un “bop” eurodance de tono apocalíptico bastante sólido al que el público está respondiendo, ya que el tema ha entrado en numerosos charts internacionales.
‘Dirty Blonde’ busca la identidad artística de Bebe Rexha en el eurodance de corte nostálgico, con guiños al ravecore en el potente inicio con ‘Hysteria’, el UK garage barnizado de hyperpop en el hit sáfico ‘Tokyo’, y aproximaciones correctas al EDM-country en ‘A Drink and a Little Love’ y al dance-techno en ‘Nobody’s There’, que actúa como salvavidas en la irregular segunda mitad del álbum, algo lastrada por baladas como ‘Time’ o por el enésimo intento de emular ‘Running Up That Hill’ en ‘One Day’, que se queda corto.
Donde las canciones de ‘Dirty Blonde’ funcionan menos es en el aspecto estético, ya que los guiños trap-pop en ‘$.H.I.T.’ parecen pensados para BLACKPINK, y ‘Çika Çika’ intenta subirse a la ola club de Charli xcx sin ganchos efectivos. Es un problema evidente también en lo poco inspirada que es la producción de algunos de los temas más enfocados a la pista de baile, como el eurodance de ‘I Like You Better Than Me’ o ese cierre con David Guetta llamado ‘Sad Girls’ que es pura radiofórmula vacía. La angustia captada en ‘Satellite‘ pese a su energía disco se echa de menos.
Hay intentos de aportar cosas diferentes, por ejemplo en la balada flotante ‘Night Falls’, donde Rexha parece cantar sobre su depresión, pero al final ‘Dirty Blonde’ funciona más como una colección de buenos singles potenciales de Bebe Rexha que como un “body of work” que revele a la supuesta visionaria que se esconde detrás de estas canciones. Melodías por un tubo, sí, pero no tanta unidad ni dirección que diga algo diferente más allá de la fórmula que ella misma ha ayudadoa construir desde hace ya más de una década.
David Calvo Villa, más conocido como El Jincho, se podría enfrentar a una pena de 13 años de cárcel a raíz de una presunta agresión sexual a una joven tras un concierto, según informa elDiario.es. La Fiscalía también pide la pena de prisión para el rapero Osiris El Enemy.
La acusación, pública, relata que después de un concierto ocurrido el 4 de noviembre de 2023 en una sala de Valencia, una asistente se dirigió junto a una amiga al hotel en el que se hospedaban ambos raperos. Cuando esta subió a una de las habitaciones, uno de ellos le pidió mantener relaciones sexuales, lo cual la chica rechazó.
El Ministerio Fiscal indica que, tras la insistencia del acusado, la mujer acabó aceptando por temor a que le ocurriese algo. Según relata elDiario.es, la chica salió de la habitación y se dirigió a la estancia ocupada por el otro artista, que también habría forzado sexualmente a la víctima.
El juicio se celebrará este jueves 18 de junio ante la sección cuarta de la Audiencia Provincial de Valencia, donde El Jincho y Osiris El Enemy se enfrentarán a la pena solicitada por la Fiscalía. El primero de estos ha alcanzado una notoriedad especial durante los últimos años por su defensa de distintas posturas de extrema derecha.
Con su éxito de 2010, ‘The One That Got Away‘, consolidado como uno de los temas más exitosos del momento, incluso resistiendo a la embestida de Olivia Rodrigo, Katy Perry prepara el lanzamiento de un nuevo single llamado ‘Watch It Burn’, que podría formar parte de su próximo álbum. Su estreno seguirá al de ‘Bandaids‘ el pasado mes de noviembre, un tema que pasó bastante desapercibido pese a su videoclip de alto presupuesto.
Perry, que actúa en un par de festivales españoles este verano, Río Babel y O Son do Camiño, ha dejado escuchar un pequeño avance de ‘Watch It Burn’ durante una entrevista con el productor Justin Tranter, en la que suena de fondo. El sonido pop-rock remite claramente al de su debut, ‘One of the Boys’, en concreto a su éxito de 2008 ‘Hot N Cold’, y al de contemporáneas como Kelly Clarkson.
En esta misma entrevista, Perry -a quien acaba de verse posando en una alfombra roja con su pareja, el ex-ministro de Canadá Justin Trudeau, por primera vez- ha hablado sobre el significado de ‘Watch It Burn’ para reivindicar su derecho a expresar su enfado por cosas que lo merecen. Se refiere en concreto a su duro último año, en el que encadenó críticas y odio continuado por su viaje al espacio y el lanzamiento de su denostado disco ‘143‘ -que en este site gustó algo más-, creado en colaboración con el aún más denostado productor Dr. Luke.
«En ‘Watch It Burn’ estoy lidiando con mi oscuridad», afirma Perry en la entrevista. «El año pasado fue bastante duro». Después, amplía la reflexión a su vida en general: «Durante toda mi vida, no me he dado permiso para estar realmente enfadada por cosas por las que, joder, debería haber estado enfadada. Lo que hice fue reprimirlo. Tengo derecho a estar enfadada durante un maldito momento. En lugar de caer en el «pobrecita de mí», era como: este puto dolor… voy a sentir este dolor, voy a sentir esta rabia y seguir adelante».
En un claro intento por corregir su estrategia, ‘Bandaids’ no contaba con la participación de Dr. Luke y parece que ‘Watch It Burn’ tampoco será una excepción. Su fecha de lanzamiento no se ha confirmado, pero parece que no pasará de este mes de junio. La entrevista de Perry con Tranter se podrá ver al completo a partir de este miércoles 17 de junio.
Madonna se sustituye a sí misma en el top 1 de JENESAISPOP y ahora ‘Bring Your Love’ se hace con el 51% de los votos. El tema sube al top 20 en Los 40 Principales, de momento sin hacer acto de presencia en listas oficiales.
La entrada más importante es la de SVSTO en el top 4, mientras Los Punsetes llegan al número 6. También llegan al top 10 Boards of Canada y Taylor Swift. Rondan el top 20 Aldous Harding, Icona Pop, Melanie C y Paul McCartney.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Bilbao BBK Live ha compartido los horarios de su 20ª edición, que se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio con actuaciones destacadas de Robbie Williams, FKA twigs o Lily Allen presentando el enorme ‘West End Girl‘ (2025). JENESAISPOP es medio oficial del evento, que, como es habitual, llega con la programación acompañada de numerosos solapes entre escenarios.
El jueves 9 de julio, el cruce más importante es el de Robbie Williams (22:35), que coincide en parte con Xoel López (23:00). Más tarde, Paris Paloma (21:45) se cruza 10 minutos al inicio con Hemlocke Springs (21:55). FKA twigs (22:50) y Fatoumata Diawara (23:15) coinciden también, así como David Byrne (00:20) y Hoonine (00.30). Después la noche se cierra con otro cruce entre Apparat (1:30) y Calvin Harris (1:40).
El viernes 10 de julio, Depresión Sonora (18:10) coincide con Yerai Cortés (18:30) por la tarde, mientras que Belle and Sebastian (21:15) y La Paloma (21:30) comparten franja por la noche. El solape entre TOMORA (AURORA y Tom Rowland de los Chemical Brothers) y Juicy BAE es casi pleno también: unos actúan a las 00:10 y el otro a las 00:15. Ya de madrugada, Soulwax y CMAT vuelven a coincidir en horario: ambos actúan a la 1:30.
El sábado 11 de julio, Queralt Lahoz (20:30) e Interpol (20:35) arrancan prácticamente a la vez, mientras que Ralphie Choo y Mind Enterprises coinciden plenamente en su inicio a las 21:50. Más tarde, Lily Allen y Bb trickz comparten exactamente horario a las 00:15, igual que Dellafuente (1:20) y Horsegiirl (1:45), que se encadenan en la madrugada. También hay coincidencia entre Idles (23:00) y Nu Genea (23:15).
Os recordamos que la programación especial de Bilbao BBK Live, que se desarrollará en la ciudad de Bilbao, incluye actuaciones destacadas de José González u Orkresta, entre otros muchos interesantes y variados. Te la detallamos en este artículo.
Contadnos en los comentarios qué artistas no te perderéis… y cuáles sí.
Con el Mundial recién arrancado y el empate sin goles entre España y Cabo Verde como uno de los primeros resultados del torneo, la atención también se ha desplazado un momento hacia Rod Stewart, después de que acudiera a un partido tras cancelar un concierto por motivos de salud.
El cantante canceló un concierto apenas una hora antes de su inicio alegando problemas vocales. Su equipo había informado previamente de que sufría una infección respiratoria aguda con laringitis, por lo que no podía subirse al escenario esa noche.
Sin embargo, durante el fin de semana, Stewart compartió un vídeo viajando en jet privado a Boston junto a sus hijos para ver a Escocia en el Mundial, y más tarde fue visto celebrando la victoria desde la grada, con gestos de euforia, levantando los brazos e incluso bebiendo alcohol.
Un representante del artista ha defendido la cancelación asegurando que la condición médica del cantante era real, y que había recibido “varias rondas de esteroides y tratamiento con la esperanza de poder actuar”.
Aun así, las críticas de fans frustrados no han tardado en sucederse. “¿Demasiado enfermo para actuar pero bien para volar por el país a ver fútbol?”, escribía un usuario. Otro comentario cuestionaba el momento del vídeo: “¿Por qué lo publica después de decepcionar a 10-15 mil fans? … Claramente no le importa que sus fans se hayan quedado realmente decepcionados y solo 45 minutos antes del inicio del show”.
Rose Gray lanzó el año pasado su debut ‘Louder, Please‘, una lección de pop aplicado a la pista de baile que entusiasmó también a los lectores de este medio, gracias a su atractiva fusión de ritmos house, trance, techno, EDM y breakbeat, junto a las melodías pop de la diva británica.
Tras su reciente actuación en el Primavera Sound, mucho más concurrida de lo que permitía el pequeño escenario en el que actuó, Gray ha vuelto con un single que es uno de los mejores de su carrera, ‘Club to Your Arms’. Estrenado en directo en el Primavera, es la Canción del día para hoy martes.
Emisoras españolas como Radio 3 no han dudado en pincharla y suena estupendamente en la radio. ‘Club to Your Arms’ es una nuevo ejemplo de la buena música dance creada por Gray, animada con sintes trepidantes y una melodía apoteósica. Justin Tranter, compositor para Chappell Roan, Selena Gomez, etc., vuelve a estar detrás de la composición y no ha dudado en calificarla como una de las mejores que ha firmado.
Una canción, por otro lado, entregada al amor, como señala su estribillo: “voy directa del club a tus brazos”. ‘Club to Your Arms’ habla también de la presión de la fama, incluyendo descripciones de «fatiga de la showgirl», sonoras rimas como “I’m such a chameleon-a / do you wanna wear my tiara”, o pasajes de tono abiertamente sexual como “quiero que te despiertes para follar”, a la luz del sol del alba.
Taylor Swift vuelve a coronar el Billboard Hot 100 con ‘I Knew It, I Knew You‘, que entra directa al número 1. El simpático tema de country-pop, incluido en la banda sonora de ‘Toy Story 5’, inspirado en Jessie, suma así el 15º nº1 de su carrera.
Con este logro, Swift se desmarca de Drake y Rihanna, con quienes estaba empatada, y se coloca tercera en el ranking histórico de artistas con más números 1, solo por detrás de The Beatles (20) y Mariah Carey (19). Además, suma su noveno debut directo en el nº1, superando a Ariana Grande como la mujer con más entradas de este tipo.
El single también entra en la historia del cine: es solo la tercera canción de una película de animación de Disney que llega al nº1 del Hot 100, y la primera de Pixar. Un logro más para una Swift que sigue encadenando récords sin parar.
Como veis, Swift no consiguió su primer número 1 en Estados Unidos hasta 2012, pero la mayoría de ellos se han acumulado en los últimos seis años. El número 1 de ‘Opalite‘ llegó el pasado mes de febrero.
1.- We Are Never Ever Getting Back Together
2.- Shake It Off
3.- Blank Space
4.- Bad Blood
5.- Look What You Made Me Do
6.- cardigan
7.- willow
8.- All Too Well (Taylor’s Version/10 Minute)
9.- Anti-Hero
10.- Cruel Summer
11.- Is It Over Now?
12.- Fortnight
13.- The Fate of Ophelia
14.- Opalite
15.- I Knew It, I Knew You
Taylor Swift, por otro lado, ha sido grabada entrando en los Electric Lady Studios de Nueva York, apenas tres semanas antes de su boda con Travis Kelce, prevista para el 3 de julio. Swift habría pasado la noche en el estudio, ya que ha sido vista abandonando el edificio ocho horas después, acompañada de Alana Haim.
Bonnie Tyler ha salido del coma inducido en el que permanecía ingresada desde finales de mayo. La noticia la ha confirmado su equipo a través de un comunicado publicado en la web oficial de la cantante, que señala que la artista galesa, de 75 años, continúa en la UCI de un hospital de Portugal y sigue estando «muy enferma», aunque su estado mejora poco a poco. «Bonnie ya no está en coma, pero permanece muy enferma y en cuidados intensivos. Aunque su condición está mejorando, es un proceso lento», indica el texto.
La autora de ‘Total Eclipse of the Heart’ fue hospitalizada de urgencia en Faro después de someterse a una operación intestinal de emergencia el pasado mes de mayo. Tras la intervención, los médicos optaron por inducirle un coma para favorecer su recuperación. Según su equipo, los doctores confían en que pueda recuperarse satisfactoriamente, aunque el proceso será largo.
Su estado de salud obligará a cancelar o aplazar los conciertos que tenía previstos este verano. Por ahora, la oficina de Tyler no descarta que algunos compromisos de otoño puedan mantenerse, siempre dependiendo de cómo evolucione su recuperación durante los próximos meses.
El reciente disco benéfico de War Child, ‘Help 2‘, se cerraba con una versión de Magnetic Fields interpretada por Olivia Rodrigo. La cantante escribió en una de sus Stories de Instagram que era «una de sus canciones favoritas de la historia». Decía Stephin Merritt en aquella canción que «el libro del amor es tan largo y aburrido que nadie puede con él». Que está «lleno de flores y cajas con forma de corazón», pero también «de cosas que somos demasiado jóvenes para conocer».
La versión de Olivia de ‘The Book of Love’ no ha podido pasar más desapercibida. La canción menos escuchada de este álbum ha rebasado sus streams totales en solo 12 horas. Pero no he podido quitármela de la cabeza mientras oía este ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ por dos razones. La primera es que la artista está escribiendo aquí su propio «libro del amor» de alguna manera. Este disco retrata o anticipa su ruptura con el actor Louis Partridge, y lo hace de una manera muy particular. Y la segunda es que ha dado a la producción cierto toque lo-fi que casa mucho con la estética de Magnetic Fields.
Lo explica muy bien a cuenta del sonido escogido por la excelente ‘maggots for brains’. A Olivia Rodrigo siempre le ha ido el rock alternativo. De alguna manera ha sido lo que ha ido distinguiendo su sonido del de otros artistas. Cuenta que le encanta ‘I Love Rock & Roll’ de Joan Jett, pero que aquí no quería emularla: «Quizá más adelante». De momento ha preferido escoger hacer algo «más alternativo» porque le parecía «más emocionante que escribir un banger».
De ahí el delicioso sonido destartalado de la caja de ritmos -destartalado como su corazón-, lo cual no quita que el estribillo sea glorioso («soy un zombi por dentro, un tren descarrilando»), casi tanto como el clímax final («¿qué puedo hacer salvo pensar en ti?»). Recuerdos de «The Luckiest Guy» en un tema cuyo título Youtube traduce como «cabeza de chorlito».
‘you seem pretty sad for a girl so in love’ no es el mejor álbum de Olivia Rodrigo porque cada vez sea más indie. Tampoco porque esté prácticamente orquestado en torno a su devoción hacia The Cure. El single ‘drop dead’ referencia ‘Just Like Heaven’ nada más empezar, el segundo single no recibía otro nombre que ‘the cure‘, ‘purple’ referencia ‘Pictures of You’ y, como traca final, Robert Smith hace coros y canta la segunda estrofa de un tema llamado ‘what’s wrong with me’ que se regodea en todos los arquetipos del desamor adolescente («no puedo comer, no puedo dormir»).
‘you seem pretty sad for a girl so in love’ es el mejor álbum de Olivia Rodrigo porque el nivel compositivo de las canciones es enorme. Tanto ‘the cure’ como ‘stupid song‘ están muy bien contenidas primero y llevadas hacia su cénit después. El último estribillo de esta es la gloria. Otras cuentan con una melodía maravillosa desde el principio, como ‘honeybee’, a piano y con unas cuerdas y coros estupendos, conduciendo hacia un final de estribillo que derrite el hielo («here’s to hoping»). ‘begged’ tiene ecos de Stevie Nicks, además de unos coros ancestrales que nos llevan a otros espacio y tiempo. Y ‘less’ es tan bonita como ‘Your House’ de Alanis Morissette, solo que aquí Olivia Rodrigo no está revisitando una casa que no debe, sino recreando una primera cita que ya no es tan divertida como la primera.
Inspirada por autoras como Annie Ernaux, Olivia Rodrigo retrata en todo el álbum una relación que la entusiasma, pero que empieza a no ir bien y finalmente se resquebraja. La artista ha explicado que «la duda» es uno de los temas principales del álbum, de hecho la palabra aparece varias veces de una forma o de otra («todo lo que quiero es saber, sin ningún tipo de dudas, si solo tienes ojos para mí», en ‘begged’), y lo mejor es el modo en que la producción acompaña.
Si el sonido de teclados en ‘my way’ solo puede ser el de una buena «bumambulancia», el disco termina de reventar en ‘expectations’, la gran novedad hallada junto a su mano derecha Dan Nigro. Su inspiración ochentera es más rabiosa que hedonista y sirve para canalizar el modo en que Olivia Rodrigo estalla contra un chico que «tomaba drogas», vivía de sus padres o «no era tan divertido» después de todo. «Pensé que era perfecto y ahora tengo su número bloqueado».
Hay un desenlace para todo esto y suena tan emotivo como ‘cigarette smoke’. Un tema tan bonito como ‘Buceador’ en aquel disco de Klaus&Kinski: contemplativo, atmosférico, de aceptación, en el que la artista se convence a sí misma de lo arrepentida que está de aquel chico. «Dime algo honesto para que la historia se vuelva negra», suplica, necesitando pasar página.
Desde ya en la carrera de los Grammy, ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ tiene el único inconveniente de cargar un poco con el monotema del amor. Aunque también cabe preguntarse por qué que algunos hagan «69 canciones de amor» nos suena mordaz e inteligente, y por qué que otras las hagan, nos suena a chiquillada.
Sin novedades en los puestos 1 y 2 de singles en España, que continúan copados por Quevedo con ‘La graciosa’ y ‘Al golpito’, la noticia es la subida al top 3 de Jay Wheeler y Omar Courtz con ‘De lejitos‘. Eso ya os lo avanzamos la semana pasada.
Lo que no se terminó de ver venir es que ‘Dai Dai’ terminaría en el top 10 en España. La canción para el Mundial de Shakira y Burna Boy empezó «flopeando» muy fuerte, pero ha ido escalando a medida que se acercaba el evento y ya puede considerarse un hit del verano. No solo en nuestro país: también acaba de escalar al top 11 Global de Spotify tras su interpretación en la inauguración.
¿Cuáles son los países más entusiasmados con ‘Dai Dai’? El tema es número 1 en el Spotify de Bélgica y Holanda, y número 2 en el de Alemania. También Suecia la tiene en el top 6. Por el contrario, en USA le queda un largo camino por recorrer para entrar en listas, a diferencia de lo que ha ocurrido en Canadá, donde ha logrado ser top 35 en Spotify. En las «midweeks» británicas, ‘Dai Dai’ escala hoy al puesto 26.
Taylor Swift ha sido número 1 en Reino Unido con ‘I Knew It, I Knew You‘. También es top 1 en Australia, Austria y Alemania, mientras en Francia ha quedado en el top 10. Pero en España ha despertado menos entusiasmo: es solo puesto 47. Veremos si el estreno de ‘Toy Story 5’ esta semana la anima.
La única otra entrada de la semana en nuestro país es la de ‘Tenías razón’ de RVFV en el número 77.
Quevedo continúa dominando la lista de discos española por 7ª semana consecutiva. ‘El Baifo’ se debe de acercar a pasos agigantados al doble platino, porque Bad Bunny sigue contenido en el puesto 2 pese a que lleva dos semanas actuando en España non stop.
La entrada más fuerte de la semana es la de Niall Horan en el número 9 con ‘Dinner Party’. El álbum ha sido naturalmente número 1 en Reino Unido, pero ojo, también en Alemania, Holanda, Irlanda y Australia. También ha sido top 4 en Italia y Suiza.
La noticia de la semana es lo baja que es la entrada de ‘Sanctuary’ de Evanescence en nuestro país. El álbum llega solo al puesto 72, por debajo de lo logrado recientemente por gente como Triángulo de Amor Bizarro o La La Love You.
El grupo de Amy Lee sí ha logrado ser top 2 en Australia, top 5 en Alemania y top 10 en Reino Unido, aunque las entradas en Francia (23) y Holanda (46) también son modestas. Peor aún, la previsión es nefasta en Estados Unidos, donde ‘Sanctuary’ podría rondar el puesto 38 según HDD y sería, por mucho, el peor dato de su carrera: ‘The Bitter Truth’ fue top 11 en 2021.
Evanescence consiguieron sendos números 1 en el Billboard 200 en 2006 y 2011 con sus discos segundo y tercero. Su debut ‘Fallen’ fue top 3 en Estados Unidos pero el álbum terminó siendo 8 veces platino y continúa siendo su mayor éxito. Hoy por hoy sería un milagro alcanzar el disco de oro.
Las novedades de la semana en España se completan con ‘8-Tracks’ de Pink Floyd (52) y ‘Live from Mexico’ de Dua Lipa (54).
Madonna dijo delante de la audiencia de Tribeca que había perdido el interés en el formato vídeo tradicional. Era mentira. Una semana después del corto para ‘Confessions – The Film’ en el que solo salía cada tema durante un minuto y medio, se ha estrenado el vídeo oficial de ‘Bring Your Love’, que dura 4 minutos, más que la propia canción. Hay además nuevas perlas, como ese momento en que la artista sale disparada del interior de una alfombra.
El vídeo está lleno de efectos especiales y de sonido que lastran algo la experiencia y el mensaje tan amable de la composición. Sirva para subrayar el sentido último del mensaje elaborado por Madonna junto a Sabrina Carpenter: huyamos de la violencia que nos rodea y seamos felices en la pista de baile, sin móviles ni redes sociales, aunque solo sea durante un momento.
Julia Garner, que llegó a ser seleccionada para interpretar a Madonna en el biopic que escribió pero jamás se llegó a rodar por problemas con Universal Pictures, realiza el mismo cameo que en el corto. Es una versión juvenil de Madonna, como la que finalmente abandona la discoteca, renovada, más feliz que una perdiz.
En 1978, Madonna Louise Ciccone, con veinte años recién cumplidos, se trasladó de su Míchigan natal al East Village neoyorquino. Aquella Nueva York poco tenía que ver con la ciudad gentrificada de hoy. Era la ciudad chunga de las películas de Scorsese o Abel Ferrara, “malas calles” donde había más delincuentes y prostitutas que ratas en el metro.
Pero también era la vibrante ciudad de Warhol y Basquiat, de los grafitis de Keith Haring, de los conciertos de Blondie, Talking Heads o Ramones en clubes como CBGB, de las performances del Mudd Club y de las noches interminables en Danceteria.
Casi medio siglo después, ‘Confessions II–The Film’ parece tan impregnado de nostalgia por aquel mundo desaparecido como de sudor, maquillaje corrido y restos de cocaína estaba cualquier pista de baile de los clubes donde Madonna dio sus primeros pasos como artista. Bajo su apariencia futurista y surrealista, el cortometraje funciona en muchos momentos como una evocación de ese Nueva York underground de bailes y visitas al excusado.
El filme comienza como un thriller tecnológico y futurista a lo ‘Días extraños’ (1995), mezclado con acción de estilo SWAT, estética BDSM y discurso anti-paparazzi. Una combinación que recuerda, como han señalado algunos usuarios en el foro, a la reportera Andrea Caracortada de ‘Kika’ (1993); o, también, siguiendo el lore del ‘Von dutch’ de Charli XCX, a la imaginería que el propio colectivo Torso, creador de ‘Confessions II’, ya había explorado en aquel videoclip.
Esta introducción da paso, como en una fuga onírica de inspiración lynchiana, a uno de los segmentos más llamativos del corto: un bosque habitado por bailarines que proyectan rayos láser desde sus orificios íntimos. La secuencia, a medio camino entre la fantasía sexual y la performance, se desarrolla en una atmósfera que recuerda a la estética artificiosa, erótica y de surrealismo pop característica del universo visual de Bertrand Mandico, especialmente de ‘After Blue’ (2021).
Luego, tras un accidentado trayecto en coche que culmina en un “crash” de inequívocos ecos ballardianos y cronenbergianos, el cortometraje se adentra en su núcleo central: una pista de baile y unos baños poblados por más cameos, citas autorreferenciales y easter eggs que un videoclip de Taylor Swift y una película de Torrente juntos. Más allá de toda esa mitología madonniana (desgranada en detalle en este artículo), ambos segmentos funcionan como una celebración teñida de nostalgia del hedonismo discotequero, el ligoteo nocturno y las relaciones de tocador.
‘Confessions II’ termina donde comenzó. El cortometraje regresa al escenario inicial y revela que todo lo que hemos visto formaba parte de una filmación observada por el propio equipo de “andreas caracortada” que perseguía a Madonna. La aparición final de su hija Lourdes, encargada de pronunciar el definitivo “Cut, bitch!”, aporta entonces una inesperada dimensión metalingüística. Más que una simple broma autorreferencial, el gesto parece funcionar como el cierre simbólico de un viaje por los recuerdos, fantasías y mitologías que han acompañado a la cantante durante toda su carrera.
vikini son el descubrimiento perfecto para los amantes de la estética vintage y ensoñadora de los 50, pero también para los fans de Hidrogenesse. No vienen de la nada: Sally Canut es la hija de Mauro Canut, que colabora en las composiciones del grupo junto a su hermano Nacho. Eso sí, nepobabies o no, las canciones de vikini son joyas por sí solas.
Fichadas en El Volcán, Sally y Martina tan solo tienen tres temas publicados. Según indica su ficha de artista, estas son «amigas desde el colegio» y tienen «18 años recién cumplidos: «Han compuesto varias canciones que se irán publicando en los próximos meses con la colaboración de Nacho y Mauro Canut y la producción de Hidrogenesse». La nota también hace referencia a «la supervivencia de los dúos femeninos en el pop español».
‘calendariogris’ es el último y melancólico single del grupo, perfecto para llorar en un soleado día de verano. Tanto en este como en ‘tumba’ y ‘lo RARO’, la producción del dúo catalán se llena de sintetizadores, como es normal, pero también toma un camino lofi y vintage. ‘tumba’, en concreto, se sitúa entre la Amaia más Disney y una demo casera del Sufjan Stevens más bucólico.
«Una vez, prometiste quererme una eternidad / Debe ser que te has olvidado / No sé que pensar», cantan en esta canción. También entonan sobre casualidades, «abrazar lo que me asusta» y «despreciar lo que me gusta» en ‘lo RARO’, que si te lo preguntas, es «que soy feliz».
Según lo indicado en la página del sello, estas canciones formarán parte de su EP debut, programado para algún momento de 2026. Si ese proyecto es tan bueno como lo que adelantan estos temas, vikini será una de las sorpresas más agradables del año.
Lydia Rodríguez, ahora exvocalista de Presuntos Implicados, ha publicado un comunicado en sus redes sociales en el que denuncia los años de «maltrato continuado» y la «absoluta falta de compañerismo» que sufrió con la banda. Rodríguez se incorporó al grupo tras la marcha de Sole Giménez y ha estado en sus filas durante 17 años.
La cantante asegura que lo que ocurría detrás del escenario era «muy distinto a lo que se veía debajo de los focos», explicando, en primer lugar, que nunca pudo tomar decisiones en la banda. Esta cuenta que le hicieron sentir «completamente excluida» y que no tenía «ni voz ni voto». Es más, Rodríguez habla de un «control» extremo que hasta le impedía «hablar de lo que yo quisiera en mis redes».
Los señalados son tanto sus excompañeros, Juan Luis Giménez y Nacho Mañó, como el equipo de representación de la banda, calificándoles directamente de «cómplices». Uno de los comentarios que asegura que escuchó durante esta época fue el de un miembro del equipo que le dije que «todos te tienen que querer follar» al subir al escenario.
Rodríguez amplió la información en su visita al programa ‘Fiesta’, donde contó que se convocó una reunión para hablar de sus «kilos de más» o que en ocasiones se le exigió un cambio de ropa antes de salir a actuar. Además, dice que ahora entiende «perfectamente a Sole Giménez y los motivos que la llevaron a marcharse en su día».
Por último, Lydia explica que no le permitieron formar parte ni participar en otros proyectos creativos que no fuese Presuntos Implicados, «incluso cuando el grupo no generaba ingresos». La artista confiesa que soportó esta «insostenible» situación por temor a perder una oportunidad no asegurada en aquel momento de su carrera.
Nacho Mañó ha respondido a toda la situación en una publicación de Instagram, en la que principalmente se ha dirigido a los periodistas que han difundido la información: «Con la cantidad de periodistas que conozco, algunos de ellos dicen ser mis amigos, y desde hace 20 años se está poniendo en tela de juicio mi honorabilidad y mi buen nombre, y ninguno de ellos ha tenido el gesto de publicar algo en mi defensa», ha escrito.
El productor y guitarrista comunica también que hace unas semanas habló con su mujer y sus hijas para decirles que no iba a participar en ninguna entrevista más «porque no creo en su valor» y para «protegerme»: «Tampoco voy a participar en ningún acto social. Me retiro. Que hable la música a partir de ahora».
De vez en cuando, el indie rock también trata sobre ser incondicionalmente feliz. Es justo la vibra que trae la última colaboración de Toldos Verdes con MaiteQuiero, exvocalista de shego. En ella, ambos cantan sobre esos días en los que todo parece perfecto. ‘100’ es la Canción del Día.
Nadie ha inventado la rueda con este tema, pero justamente por eso cobra más valor lo fácil que es tener ‘100’ en bucle. El caramelito de Toldos Verdes y MaiteQuiero habla sobre el gusto de «despertar», de estar «tirado en el sofá» y de los días en los que la única preocupación es «¿Qué me hago de comer?». Tampoco piden mucho para ser feliz: «Qué gusto caminar (con los cascos puestos)».
Sin embargo, el otro lado de la moneda también está presente en la canción. Días tan hermosos solo son posibles por la existencia de días no tan hermosos, tal y como canta Maite: «Hacía meses ya que no estaba tan bien».
La producción corre a cargo de los propios artistas y Diego Escriche, figura clave en el indie español, tras haber producido trabajos enteros de las propias shego, Depresión Sonora, La Paloma, Mala Gestión o hasta María Escarmiento. Que ‘100’ suene tan de ensueño tiene mucho que ver con él.
Sumando 70.000 personas entre sus tres jornadas, el Mallorca Live ha clausurado su novena edición con la closing party de David Guetta. Ha sido una edición inusual del festival, diferente, con Aitana como gran reclamo mediático. En los comentarios de JENESAISPOP ya auguran que se está convirtiendo en una “gigante” del pop. Ella, por su parte, también tuvo palabras para el resto de artistas del cartel a los que “admira”, especialmente para rusowsky, cuyo concierto se perdió mientras la maquillaban. Es un cliché a estas alturas pedir colaboraciones entre artistas, pero la de rusowsky y Aitana la pide el público. Podría ser algo muy grande.
El concierto de ‘DAISY‘ sigue siendo apabullante por su potencia sónica y su amalgama de estilos; incluso para quien lo haya visto en repetidas ocasiones, las canciones resultan tan estimulantes que es difícil aburrirse. El inicio con ‘Johnny Glamour’, sampleando a Las Ketchup sigue siendo un delirio; las percusiones de ‘PINK + PINK’ retumban en el recinto del Mallorca Live como mil pájaros carpinteros picando en la cabeza; el rage trap de ‘KINKI FÍGARO’ y las distintas referencias al R&B, el house, la samba o el trap construyen un set que funciona con una lógica propia basada en el eclecticismo.
Selector
Si acaso, se podría criticar que el tramo inicial del concierto depende en exceso de baladas como ‘SOPHIA’, la hipnótica ‘ALTAGAMA’ o ‘BBY ROMEO’, lo que da lugar a un show de ritmo algo desigual, que gana músculo cuando entra ‘KINKI FÍGARO’ tras el interludio visual “chronically online” de los gorilas coquetos, el macarrísimo “Papi Chulo” de La Zowi o, por supuesto, esa ‘malibu’ convertida en un éxito veraniego mainstream, prueba de que no todo en el mundo va mal.
rusowsky sigue jugando al misterio, manteniendo el escenario medio a oscuras, por lo que es prácticamente imposible verle a él y a su peluca durante gran parte del show. Como hype man, el concepto de pedir al público que deje de dormir la siesta durante todo el set se vuelve algo repetitivo tras tantos conciertos. Por otro lado, sigue siendo un plus que toque con banda, incluyendo un clarinete interpretado en directo, y es evidente que su propuesta musical está dejando de ser alternativa, lo cual supone un gran éxito.
Muchas de las críticas en redes dirigidas al concierto de Aitana en Mallorca Live provienen de fans de Cypress Hill que lamentan que la pista del escenario de Estrella Damm estuviera desde primera hora de la tarde plagada de padres y niños ocupando las primeras filas, mientras los fans del grupo no podían acceder y tenían que verlo desde más atrás. La propia Aitana señaló que nunca había tocado “tan tarde”, y seguramente los fans de Cypress Hill habrían agradecido que la banda actuara en su horario y no antes.
El concierto de Cypress Hill fue, en realidad, un tardeo que se convirtió en noche, construido en torno a un set de hip hop clásico. La formación en directo se basa en los MCs B-Real y Sen Dog, que se encargan de las voces, acompañados por el DJ y productor DJ Muggs, responsable de los beats y la dirección sonora del show. En ocasiones, también incorporan banda o apoyo instrumental según la gira, pero el núcleo del directo es ese trío artístico entre raperos y DJ.
Sus himnos del West Coast rap más reconocibles, como el psicodélico ‘Insane in the Brain’, se sucedieron con guiños metaleros y eslóganes populistas contra los “políticos mentirosos” que nos gobiernan. Trump acaba de cumplir 80 años, by the way.
El set de hora y media solapó los últimos 15 minutos con rusowsky, por lo que me ausenté unos pocos minutos de Cypress Hill para ver el inicio del show de ‘DAISY’. Al volver, el escenario estaba aún más lleno y la energía sonaba totalmente engrasada, mientras se sucedían los cánticos “Pick it up, pick it up” de ‘Hits from the Bong’ o la delicia West Coast de ‘When the Shit Goes Down’. Un gran acierto del Mallorca Live reivindicar a estos gigantes del early hip hop, cuyo show a la vieja escuela sigue levantando pasiones porque son auténticos maestros en lo suyo.
Xavi Torrent
El complejo montaje de Aitana obliga al equipo de Kaiser Chiefs a retrasar su concierto media hora. Para que se entienda el nivel de escenografía de Aitana, 45 minutos de margen entre conciertos no son suficientes para desmontar su “casa” y montar la escenografía de Kaiser Chiefs, a pesar de ser mucho más sencilla.
De todos modos, quizá supeditados al límite de tiempo del festival, Kaiser Chiefs van por faena y se fulminan varios de sus mayores hits antes de lo esperado, haciendo saltar como locos a todo el público, incluyendo ‘Every Day I Love You Less and Less’, ‘Never Miss a Beat’ y, sobre todo, la eufórica ‘Ruby’, que suena sorprendentemente temprano, dando al concierto un aire de grandes éxitos. La verdad es que, si tantos grupos asociados a la palabra “indie” han sido capaces de firmar un único hit tan reconocible, es de mérito que Kaiser Chiefs tengan tantos.
Combinando himnos como ‘I Predict a Riot’ con otros menos conocidos pero igual de enérgicos como ‘Good Days Bad Days’ o ‘Hole in My Head’, Kaiser Chiefs ofrece un show rítmico, colorido y muy divertido, sostenido sobre el carisma sumamente británico de su vocalista Ricky Wilson, que acaba el concierto, en su estilo, trepando la estructura del escenario.
Como dato curioso de la vida del periodista musical, acabo compartiendo el transfer del hotel al aeropuerto con Wilson, que iba al aeropuerto sin sus compañeros de banda. Le comenté que le vi trepando y contestó: “Oh yeah?”. Y eso es todo.
El choque entre dos helicópteros que ocurrió este domingo 14 de junio en Río de Janeiro dejó seis personas fallecidas, según lo reflejado en el listado del vuelo. Además de los pilotos de ambos vehículos, entre los fallecidos están el artista Oliver Tree, el youtuber Gaspi, el director de vídeos musicales Lucas Vignale y el productor brasileño Lucas Brito Chaves.
El alcalde de Río de Janeiro, Eduardo Cavaliere, ha asegurado que ambos pilotos trabajaban como instructores de aviación y contaban con «mucha experiencia». Las causas del accidente están siendo investigadas en estos momentos. Dado el suceso, Internet se ha volcado con los fallecidos y diferentes figuras mediáticas han compartido sus homenajes a las víctimas.
Oliver Tree, de 32 años, es descrito por Anthony Fantano como «el Andy Kaufman del pop», mientras que Bebe Rexha asegura que había grabado una canción con él para su nuevo disco y dice estar «en shock». Por otro lado, el artista estadounidense era expareja de Melanie Martinez, la cual le ha dedicado un extenso texto en Instagram: «Es muy difícil entender cómo alguien con el que compartiste una época tan específica y formativa de tu vida puede irse de repente».
Gaspi, de nombre completo Gaspar Prim, era más conocido en los círculos de YouTube, a raíz de sus bromas con cámara oculta en las calles de Buenos Aires. De tan solo 23 años, el argentino había aparecido en vídeos junto a los creadores más grandes de España, desde Ibai Llanos hasta El Rubius, llegando incluso a competir en La Velada. «Qué mierda es esta vida a veces», ha escrito Llanos en X. El Rubius, sin embargo, ha dedicado un bonito mensaje: «Pocas veces conoces en este mundo a alguien tan creativo, talentoso y buena persona».
Lucas Vignale había trabajado como director de vídeos musicales para artistas como Bizarrap, Trueno, Duki o Nicki Nicole. Tenía 29 años. Nicole ha asegurado estar «sin palabras» y ha agradecido al director argentino el compartir su arte con ella. Bizarrap también ha dedicado un mensaje al artista fallecido: «Luquitas, no hay palabras. Solo espero que puedas descansar en paz».
Melanie Martinez remembers ex-boyfriend Oliver Tree in heartfelt tribute after his passing:
“Been an absolute wreck today. It's really hard to understand how someone who you once shared such a specific and formative time of your life with can all of a sudden be gone.” pic.twitter.com/Gjqo5dZZbU
I’m in shock. I was in the middle of my cd signing in nyc when I found the news of Oliver tree. I can’t believe it. We recorded a record together to be on dirty blonde. He was so smart . Passionate. Talented. Kind. I’m so sad. May he rest in peace.
Sé de primera mano que los niños son muy fans de grupos como Oques Grasses o La Fúmiga, al menos en Cataluña, pero me sorprende más la cantidad de fandom infantil que sigue teniendo Aitana incluso hoy, después de publicar un álbum como ‘Cuarto azul‘, inspirado en su depresión. Aunque tampoco ha necesitado esconder la realidad de su salud mental detrás de metáforas: en el documental ‘Metamorfosis’ reconoce que la medicación le ayuda a afrontar el día a día.
En su masificado concierto del sábado en Mallorca Live, Aitana se muestra transparente y explica que parte del material de ‘Cuarto azul’ lo escribió cuando «no estaba bien». También cuenta que otra parte del disco nació cuando «veía la luz», como ocurre con los temazos que cierran el concierto, ‘Conexión psíquica’ y ‘Superestrella‘. Convertida ya en su mayor éxito en solitario, esta ha pasado de abrir el show en sus primeras fechas a cerrarlo de manera apoteósica, mezclada con la base de ‘We Found Love’ de Rihanna. We found love in a hopeless place.
El escenario Estrella Damm, este sábado a las 23:30, es un océano de niños acompañados por sus padres. Yo mismo tengo que ver el concierto a través de lo que solo puede definirse como una muralla de niños subidos a cubos, agarrados de la mano y formando una fila, como a punto de salir disparados hacia el espacio. Sus padres -y buena parte del público adulto presente- corean las canciones con el mismo entusiasmo o incluso más, prueba del alcance transversal de su repertorio.
Probablemente el público adulto sea mayoritario -considerablemente gay también-, pero me detengo en el infantil porque parte de la tensión que atraviesa la carrera de Aitana parece tener que ver con la necesidad de sostener una imagen de «role model» que es irreal. Por un lado, no quiere romper el vínculo con su audiencia más joven; por otro, necesita crecer como artista. Las giras de ‘Alpha‘ y ‘Cuarto azul’ han mostrado una evolución natural, pero el show de ‘Cuarto azul’ sigue siendo lo bastante elegante como para no asustar a nadie.
Ese equilibrio parece cómodo y óptimo para Aitana, aunque la catalana sigue mostrando cierta tendencia a justificarse y sobreexplicar cualquier decisión, por lógica que sea, «para que no haya enfados», en un claro modo people pleaser. De hecho, ya ha habido quejas por la brevedad de su repertorio, pese a que dedica buena parte del concierto a explicar que el formato festival obliga a reducir el setlist porque hay más artistas programados. Irónicamente, en algunos discursos de varios minutos cabrían una o dos canciones más. Aitana pasa una cantidad considerable de tiempo prácticamente pidiendo perdón por respirar. Solo diré que otra pop star people pleaser, Ariana Grande, está ahora mismo en su fase «hate that I made you love me«.
Aitana no debe más a sus fans que cumplir con la expectativa de ofrecer un estupendo espectáculo de pop, y eso lo hace con creces. Más aún teniendo en cuenta que este sábado actúa enferma, arrastrando problemas de salud desde el lunes. Se nota puntualmente en una proyección vocal algo más débil -en algunas baladas pide ayuda al público- y en una energía escénica menos expansiva. Por eso tiene aún más mérito que saque adelante un show tan exigente, con coreografía, baile, juego de cámaras y, por supuesto, voz en directo. Todo ello articulado alrededor de una preciosa y elaborada puesta en escena que recrea una casa azul e incluye incluso una habitación con cama doble, a la que saca partido abriendo el concierto con ‘6 de febrero’ -empezamos fuerte- o más adelante, durante ‘Ex Ex Ex’, cruzando las piernas junto a un bailarín.
El repertorio destaca más por la calidad de los temas rítmicos que por la de las baladas, y llama la atención cuánto disfruta el público infantil canciones como ‘Los Ángeles’ o ‘Ex Ex Ex’, tan influidas por el house, el trance o el dance-pop de vocación internacional. En un momento dado, Aitana vuelve a agradecer la atención de los niños porque «no es fácil captar su atención, porque están a mil cosas». Pero también tiene mérito que ofrezca música de calidad y referencias tan sofisticadas a un público que quizá de otra forma no estaría expuesto a determinados estilos. Ojalá su evolución siga el camino de ‘Cuarto azul’ mientras su audiencia continúa creciendo con ella.
A partir de ‘Los Ángeles’, el show entra claramente en una zona más interesante y adulta, y cabe preguntarse si el sample de ‘Toxic’ de Britney Spears durante un interludio encierra algún simbolismo. Spears también fue una pop star con tendencia a complacer y también fue infantilizada pese a ser una mujer adulta. Aitana sostiene ahora mismo una tensión parecida. Aitana cuenta además con una red de apoyo familiar que la sostiene, y eso le permite ofrecer un espectáculo de calidad mientras madura artísticamente.
Entre los números más disfrutones no destaca tanto el coreadísimo ‘Mon Amour’, cuyo éxito parece resultar inexplicable incluso para la propia Aitana, que observa incrédula la reacción del público, como ‘Las Babys’. Si le tenías tirria al principio, quizá viéndola en directo le cojas cierto cariño: les queda un número muy divertido, con una coreografía tipo Macarena capaz de dibujarte una sonrisa de oreja a oreja. Del azul, pasamos al rosa.
Andrés Iglesias
‘La chica perfecta’ es probablemente el momento más simbólico del concierto. Su performance presenta a una pop star que aprieta los dientes, enseña bíceps y aparenta fortaleza, pero que al mismo tiempo tiembla y está a punto de romperse. Ahí la tensión de la artista obligada a proteger una imagen empieza a hacerse visible. Su representación escénica demuestra que vivimos una época en la que a las pop stars se les permite mostrar sin tapujos la presión a la que están sometidas en lugar de ocultarla.
Aunque Ocaña está lejos de ofrecer la coreografía más compleja del panorama -hay cierto abuso de movimientos de bote y rebote que denotan más falta de ideas que otra cosa-, el show de ‘Cuarto azul’ demuestra que Aitana es la pop star perfecta precisamente porque no es ‘La chica perfecta’. Sobre todo, porque es una artista que vale más que la suma de sus partes: para las niñas es una figura inspiradora y aspiracional; para los adultos, una pop star con buen gusto para las producciones y las melodías; para todos, un carisma joven y arrollador a pesar de su timidez cada vez más entregado a su misión de ofrecer «pop perfection». Nadie podría hacerlo exactamente como ella.
Fuji? fue al instituto con rusowsky, lo que significa que empezaron a hacer música prácticamente en la misma época. Aunque su primer «disco», titulado ‘hanami’, constaba de 7 pistas que sí recordaban bastante al pop etéreo del colectivo de rusiaIDK, en ‘Super Sweet’ el artista y productor madrileño se desmarca por la vía del funk y la música de club. Es el tipo de álbum que convierte cualquier paseo en una fiesta.
Carlos Jiménez se inspira en la cultura japonesa, en la que estuvo inmerso durante un mes y medio mientras se recorría el país en bici, para el apartado estético y filosófico del disco, pero ‘Super Sweet’ no es un álbum de city pop. El groove recorre todos los cortes del proyecto, desde la relajada intro de ‘90%’ hasta sus estimulantes momentos finales con ‘TOP’, mientras se mezcla con elementos del hip hop, el pop, la electrónica y hasta la música caribeña en el acertadísimo remix de ‘muñekitos’, originalmente lanzada en 2023.
Otro de los pilares del disco es el humor. Los momentos en los que Fuji? se toma en serio a sí mismo se cuentan con los dedos de una mano, y sobran. No es solo por su excéntrica interpretación en temas como ‘Like!’ o ‘Gatito’, sino también por su capacidad de hacer temas tan meta como ‘Esto Es Un Interludio’, que más allá de la broma podría ser el tema más bailongo del disco. “Ya no tenía más canciones que sacar / Así que un interludio para rellenar”, canta Fuji? en las primeras líneas.
Uno de los momentos “serios” sería la canción ‘Momiji’, en la que Fuji? asegura tener “roto el corazón” a la vez que exige un amor de verdad: “Merezco que me quieran / Me merezco tu amor”, canta. Ni siquiera llega a ser el momento triste del LP, siendo más nostálgico que otra cosa. A la vez, estas también resultan ser algunas de las mejores letras del disco, que en general pone por delante una producción vistosa y unas melodías memorables a un apartado lírico sólido. En ‘Magika’ canta: “Yo tengo amiguitas que si botan hace ‘clap’ / Lo dije en otro tema pero pussy bomboclat”. Estas frases no van a cambiar la vida a nadie, pero sí te pueden poner a bailar fácilmente, apareciendo en una de las partes más pegadizas de la canción.
Según cuenta el propio artista, la creación del disco ha sido un tedioso proceso de 4 años, en los que ha tenido que aprender a tocar el bajo y la guitarra, entre otras cosas: “Todo el disco está hecho por mí”, asegura. Así, encontramos un punto de experimentación en la aparición de líneas de bajo imposibles, producto de grabarlo de toma en toma; compases inusuales, como el 7/4 de ‘Like!’, que en ningún momento la hace menos accesible; o puentes tan singulares como el de ‘Robotika’, que viene de la nada y resulta ser lo único que se mantiene de la versión original de la canción, creada hace 4 años.
Aunque técnicamente ‘Super Sweet’ se trata del segundo disco de Fuji?, podría considerarse como su debut al ser su lanzamiento más robusto hasta la fecha. Tras haber seguido una ruta distinta a la del colectivo de rusowsky o Ralphie Choo, Fuji? también ha encontrado un valioso filón que no se aprovecha lo suficiente en la industria nacional. Necesitamos más funk en España, y él lo sabe.
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