Es evidente que la nueva era de Olivia Rodrigo está a punto de ponerse en marcha, ya que la cantante de ‘GUTS‘ (2023) está volviendo a aparecer en eventos públicos, como los Oscar, o incluso en discos como ‘Help(2)‘, donde interpreta una sorprendente versión de The Magnetic Fields.
Volviendo a los Oscar, allí la autora de ‘drivers license’ insinuó que el título de su tercer disco podría tener algo que ver con un cerrojo. Sus fans creen que podría titularse «Lock» o «Luck» (lo sentimos, Olivia, pero ‘Locket‘ ya está cogido).
Quizá ese cerrojo tenga forma de corazón, como el que un fan ha descubierto recientemente anclado en una valla de Londres. Este tenía inscritas las siglas “OR” y una fecha aproximada, abril, que los fans especulan que sería el mes de lanzamiento del álbum.
En los últimos días, Rodrigo ha llevado a cabo una acción que ha consistido en cambiar el tono de color de su página web a diario, pasando del lila típico de sus dos primeros discos progresivamente hacia tonos más rosados y pastel. Esta estrategia también se ha trasladado a la vida real, con muros pintados en ciudades como Los Ángeles que han sido repintados con colores más claros.
Casualmente, Rodrigo se está dejando ver en eventos con vestidos de este tono rosado, y ya se sabe que la vestimenta de las pop stars también suele indicar la paleta cromática de sus nuevas eras. De hecho, acaba de aparecer cocinando lumpia de pollo en el canal de Vogue en YouTube con un traje de ese color, evocando el estilo de Jacqueline Kennedy.
Ahora, Rodrigo acaba de protagonizar una portada en British Vogue, en la que, sin dar demasiados detalles acerca de su nueva música, sí asegura que ha escrito una mayoría de “canciones románticas tristes”, ya que las canciones de amor “con un toque de nostalgia y tristeza” son sus favoritas. Olivia cuenta que, en lo personal, se encuentra más contenta y feliz que nunca -se la ha relacionado con el actor Louis Partridge-, por lo que ha sido “un reto creativo” escribir canciones felices.
Los detalles acerca del tercer álbum de Olivia Rodrigo, como veis, son escasos, e incluso hay fans que señalan que el tono real de la era podría ser el rojo. En diciembre sí deslizó algunas de las influencias musicales en las que estaba trabajando, que van de New Order a Joy Division, pasando por The White Stripes y Bikini Kill. También se especula que Robert Smith, de The Cure, podría estar involucrado, después de que Rodrigo y él compartieran escenario en Glastonbury el año pasado.
Pedro Almodóvar estrena hoy su nueva película, ‘Amarga Navidad‘, y este jueves ha acudido a La Revuelta para promocionarla, meses después de hacer un cameo en el episodio de su amiga y «chica Almodóvar» Rosalía. El programa ha dejado momentos divertidos a la par que incómodos, con un Almodóvar al que, puntualmente, se le percibía ajeno al humor chabacano del programa. Broncano trataba de hacerle reír sin demasiado éxito con su típico humor, llegando a arrodillarse cómicamente ante él, pero incluso él parecía algo deslumbrado por la presencia del director. Aunque el propio Almodóvar reconoció haberse sentido muy cómodo, a pesar de que el día anterior lo pasó de promoción y tenía miedo de no llegar fresco al programa.
Más desconcertante que muchas escenas de una película de Almodóvar fue el momento en que apareció en el escenario una persona disfrazada de Don Pimpón para hacer cucamonas, sin ningún sentido aparente. Convenía recordar que el Hombre Mágico había mandado a los niños a la cama hace rato, porque de repente el programa parecía seguir en horario infantil.
Almodóvar no habló con Broncano de otra «chica Almodóvar» muy vinculada a La Revuelta, Amaia Romero, quien supuestamente aparece en ‘Amarga Navidad’, pero sí repasó su carrera, su vida y sus inquietudes actuales. Aseguró que ya casi no tiene vida social y que «vive aislado», y que actualmente dedica la mayor parte de su tiempo al trabajo. Contó que la pandemia ha trastocado su vida, ya que, desde entonces, no ha dejado de rodar porque siente que tiene menos tiempo que antes para hacer cosas. A sus 76 años, asegura ser «más consciente» de la muerte que nunca.
El director no siempre ha estado tan cómodo hablando sobre su edad, y en La Revuelta dio uno de los momentos más memorables de la entrevista al recordar que, durante mucho tiempo, se quitó años para que pareciera que su hermano Agustín era mayor, al ser productor. Almodóvar confesó que el público solo descubrió su verdadera edad cuando un periodista de La Vanguardia se la sonsacó al cura del pueblo, irónicamente la persona más indiscreta de Calzada de Calatrava, un personaje almodovariano en sí mismo.
En el que terminó siendo el programa más visto de la noche por delante de ‘El Hormiguero’, al que superó por apenas 1.000 espectadores, el director de ‘Amor y gloria’ rememoró el pasado y su juventud durante los 80, asegurando que en esa época su vida era «muy coral» porque tenía vida social y su vida era una odisea de sexo y drogas. Hoy vive una vida tranquila y reconoce que hace tiempo que no tiene sexo, pero que está en paz. Sus días de follar al aire libre en Canarias parecen quedar atrás.
Almodóvar trajo de regalo un flan cocinado por su hermana, María Jesús, puesto en una mesa con mantel muy almodovariano, mientras su hermano Agustín se encontraba también presente en el público y confirmó las afirmaciones de Almodóvar sobre su patrimonio, ya que el director dice no tener «ni idea» de cuánto dinero tiene en el banco.
El director manchego sí mencionó algunas de sus propiedades, como un piso de 400 metros cuadrados en Madrid, una segunda residencia a 27 kilómetros de la ciudad y parte de su colección artística. Afirmó poseer obras originales de Dalí y Picasso, aunque no concretó el valor total de su patrimonio.
Entre las anécdotas sobre su carrera, Almodóvar recordó la polémica en torno a la clasificación de ‘¡Átame!’ en Estados Unidos, que llegó a los tribunales. Con el propósito de que se clasificara correctamente una película que no se podía considerar pornográfica aunque contuviera escenas eróticas, Almodóvar logró que se creara una categoría nueva, NC-17, que prohibía el acceso a menores de 17 años.
Fueron las historias de Almodóvar las que acabaron de poner orden al caos habitual de La Revuelta, como quizá no podía evitar este director afectado de «deformación profesional» que no se cortó incluso en «dirigir» algunos planos de cámara.
@larevuelta_tve La película "porno" de Almodóvar En 1990, Pedro Almodóvar estrenaba su octava película: "¡Átame!". Victoria Abril y Antonio Banderas son los protagonistas de la película y de una de las mejores escenas eróticas del cine. Pero en Estados Unidos fue calificada como película porno 🥲 #LaRevuelta#DavidBroncano#almodovar#censura♬ sonido original – La Revuelta
¿Qué se sabe del esperado disco de Gara Durán? «Puedo decir que va a salir este año, que va a haber como tres o cuatro adelantos más y que habrá colaboraciones. No sé si lo puedo decir, pero en abril saldrá una». El último single de la artista, ‘Mi loco cowboy’, no solo es el primer adelanto de su debut largo, sino también la primera vez en la que Gara se ha permitido crear desde la diversión del pop.
Hasta ahora, la música de Gara Durán se había caracterizado por un tono, en palabras de la propia artista, «sensible», «intimista» y «onírico». Esto se ve claro en el EP que lanzó el año pasado gracias a canciones tan bonitas como ‘Robot’ o ‘Kryptonita’, pero probará nuevos caminos en su álbum debut, del cual nos ha descrito brevemente su sonido. «Lo que he hecho antes era una pequeña parte de lo que soy y de lo que me gustaría hacer. El disco es mucho más pop, pero no deja de tener mi estilo. Tiene su punto divertido, pero también etéreo. Creo que nunca voy a dejar de lado esa parte de mí, porque también me identifica».
Esto no quita que Gara se lo haya pasado en grande creando ‘Mi loco cowboy’, compuesta junto a Barry B y producida por el dúo RYO. Así da gusto irse al campo a hacer música: «La hicimos el primer día de camp, de forma natural y genuina. Me gusta que prime la composición, la melodía y la letra, e ir construyendo desde ahí». Lo importante de este tipo de prácticas es la organización: «Elías, mi guitarrista y una importante parte del tema, estaba en una habitación del piso de arriba grabando guitarras. Yo, abajo con Gabriel (Barry B) haciendo melodías y rompiéndonos la cabeza con la letra. Los productores, haciendo la base. Todo al mismo tiempo».
Con esa letra, llena de románticos halagos a un «loco cowboy», y el leve toque country de la música, es normal que a uno le venga a la cabeza ‘Brokeback Mountain’. El chiste ya lo hizo Filmin en su cuenta de Instagram el día previo a la entrevista, pero el tema había que sacarlo. Gara Durán coincide en que ‘Mi loco cowboy’ tiene un potencial enorme para convertirse en un himno gay: «La verdad es que sí, es un tema muy agradecido, y esa peli lo es todo». Soñar es gratis. En todo caso, sí que tiene potencial para ser un antes y un después en la carrera de Gara Durán.
Gara Durán estará este año en la carretera y nos adelanta que no faltarán canciones inéditas de su disco, el cual de momento no tiene nombre ni fecha de salida. Antes de su presentación oficial el próximo 25 de abril en la sala El Sol de Madrid, la veremos el sábado 4 de abril en SanSan. Actúa el mismo día que Barry B y no es ninguna casualidad.
Cualquiera que haya ido a un concierto suyo, ya sea de Gara o de Barry, sabe que ‘El lago de mi pena’ es el momento en el que el público se derrite por completo: «Es un sueño de tema. Disfruto un montón cantándolo, pero disfruto más viendo a la gente, cómo lo siento y cómo lo canta». Para ellos, componer juntos es algo «natural»: «Como convivimos juntos, nos conocemos muy bien. Sé lo que él quiere hacer, su estilo, su rollo y él conoce muy bien mi estilo y lo que yo quiero hacer».
Miley Cyrus lo tiene claro: la Super Bowl es demasiado. En una nueva entrevista con Variety, la autora de ‘Something Beautiful’ ha asegurado que la idea de ser la protagonista del Halftime de la Super Bowl sería «demasiada presión» para ella.
Bad Bunny realizó el pasado febrero una de las actuaciones más vistas de la historia de la Super Bowl. Al ser preguntada por una posible oferta de cara a 2027, Miley Cyrus dejó claro que le costaría demasiado trabajo abstraerse de las millones de miradas del evento: «Tendría que hacer el trabajo mental para que no fuese todo sobre la Super Bowl, porque entonces no puedes evitar pensar que es lo más visto del mundo».
Sin embargo, deja una pequeña ventana abierta. ¿Su referencia? Hannah Montana: «Si pudiese encontrar una forma de hacerlo igual que lo que fue el ‘Hannahversario’, un viaje a través de la discografía en el que se aprecia cada canción y cada etapa por lo que es, creo que podría encontrar la manera de hacerlo». Efectivamente, este mismo 24 de marzo se estrenará el especial 20 aniversario de Hannah Montana, el gran álter ego de Miley Cyrus.
Estas declaraciones están en consonancia con lo que contó la artista hace unos meses, cuando aseguró que las giras no son lo más conveniente para ella en estos momentos: «Echo de menos y amo actuar en directo, pero el estar seis meses en la carretera y dejar mi familia, mi normalidad y mi rutina simplemente no es lo mejor para mí».
Muse han presentado formalmente el título y fecha de su próximo disco, que será el décimo en su discografía. Este se titula ‘The Wow! Signal’ y estará disponible el próximo 26 de junio. Después de ‘Unravelling’, que mezclaba electrónica con guitarras metaleras, el grupo británico también ha presentado el que sería el lead single de esta nueva era. ‘Be With You’ es un «más es más» en toda regla, pero no llena todos los huecos.
La épica por la épica. Muse no ha sido la banda más inspirada de los últimos años, especialmente después del fiasco de ‘Will of the People’. En su próximo proyecto, el grupo de Matt Bellamy también se enfrentará a un ambicioso concepto, describiendo el LP en un comunicado de prensa como «una mezcla de misterio cósmico, esperanza existencial y la emocionante posibilidad de contacto con algo mucho más grande que nosotros».
Los dos singles de ‘The Wow! Signal’ son tan ambiciosos como esta descripción promocional. Sobre todo ‘Be With You’, que comienza con un enorme órgano de iglesias y con Bellamy cantando sobre su luz siendo «absorbida» y la búsqueda de un «poder superior». La percusión se rinde a la electrónica, y no es hasta el último tercio del tema que escuchamos las guitarras. La estructura del tema, hasta el final, recuerda a los mayores himnos de U2, pero sin el mismo impacto emocional.
La mayor culpa de esto lo tienen las letras. «No me doblegaré al universo / Puedo romper su maldición / Y construir una sinfonía», canta Bellamy justo antes del estribillo, tan clásico como genérico. «Deseo caer en el sol / No puede ser con cualquiera / Tiene que ser contigo», suelta justo antes del solo final. Este desemboca en una explosión de bajos, sintetizadores y guitarras que, eso sí, será la delicia de todos los festivales.
Tracklist:
The Dark Forest
Nightshift Superstar
Shimmering Scars
Cryogen
Be With You
Hexagons
The Sickness In You & I
Unravelling
Hush
Space Debris
Un nuevo ciclo de conciertos ha llegado a Barcelona y The Cardigans no es la única banda interesante de su cartel. Blaumarí Music ha anunciado hoy la programación de la primera edición de su historia, que tendrá lugar del 10 al 28 de junio en el Port Vell de Barcelona, y contará con nombres como UB40, Rufus Wainwright, Kamasi Washington o Nile Rodgers & Chic.
La última vez que la banda sueca visitó nuestro país fue en 2019, como parte del cartel del festival DCODE. Sin embargo, este 2026 se cumplen 20 años desde que el grupo de Nina Persson no visita Barcelona. Cosa que, por supuesto, va a cambiar este mismo verano. Las entradas estarán disponibles a partir del próximo lunes 23, a las 10h.
Uno de los aspectos más llamativos del ciclo Blaumarí será su escenario: una plataforma elevada sobre el mar en el Port Vell de Barcelona. Además de The Cardigans, otros 17 artistas también se suman a la ocasión. Entre estos, Carlos Núñez, Gipsy Kings, Xoel López, Dj Symphonic, Joss Stone, James o Alan Parsons.
Uno de los discos más vendidos del año 1995 fue ‘The Help Album’, una macro-colaboración de artistas fundamentalmente británicos que recaudó 1,25 millones de libras para la ONG War Child. El atractivo de oír al supergrupo que reunió a Paul McCartney, Paul Weller y Noel Gallagher o la primicia de escuchar ‘Lucky’ de Radiohead dos años antes de ‘OK Computer’ sumado al deseo de ayudar a la infancia en zonas de guerra (en aquel momento en Bosnia y Herzegovina) lo convirtió en un superventas que además causó un impacto de concienciación muy positivo.
Pues bien, tres décadas después el mundo sigue en guerra y el número de niñxs en la misma situación a nivel global es todavía mayor (incluso más que durante toda la Segunda Guerra Mundial), así que War Child ha vuelto a impulsar un proyecto similar, de nuevo contando con muchísimas primeras figuras del indiepop británico, más tres ilustres invitados transatlánticos (Big Thief, Cameron Winter de Geese, y uno de los cebos más inteligentes del proyecto, Olivia Rodrigo).
‘The Help Album’ se grabó en un día con Brian Eno de productor. En esta ocasión War Child encargó el trabajo a James Ford, quien reservó Abbey Road durante una semana, en la que los cinco estudios del edificio funcionaron simultáneamente, permitiendo a distintos artistas mezclarse e incluso colaborar.
El resultado es este disco doble que es curiosamente coherente, seguramente debido a la proximidad física, temporal y sobre todo en cuanto a intenciones de lxs participantes: la energía altruista y el deseo de ayudar –pero también denunciar– se percibe a lo largo de todo el disco, a veces explícitamente (la “divertida cruzada de la supercomputadora” del tema de Arctic Monkeys que abre el álbum trae a la mente los recientes ataques de EE.UU a Irán), otras de manera más sutil (la versión simple y desarmante de ‘The Book of Love’ de los Magnetic Fields a cargo de Olivia Rodrigo, que lo cierra).
Se nota también para bien el esfuerzo de aportar composiciones nuevas por parte de la gran mayoría de artistas para hacer el producto lo más atractivo posible, porque al final se trata de recaudar dinero para una causa noble. En ese apartado destacan claramente The Last Dinner Party y su ‘Let’s Do It Again’ –otro brillante ejemplo de su fórmula Siouxsie-Glam– la preciosa ‘Relive, Redie’ de Big Thief o Arlo Parks con el atmosférico pop de ‘Nothing I Could Hide’. Mención especial también para ‘Naboo’ de Sampha o ‘Parasite’ de English Teacher con Graham Coxon, una colaboración en la que encajan como un guante.
En algunos casos hasta lxs artistas se ha preocupado de que esas composiciones propias tengan un contenido político o social, añadiendo un extra que las acomoda especialmente bien en el espíritu de este álbum. De alguna manera causa mucho más impacto escuchar a Young Fathers cantar sobre un eufórico fondo distorsionado “A la juventud no se la combate / porque la juventud ve lo que a ellos se les escapa” que “he estado dándome una vuelta por Hackney / Pillando comida griega con Alice” (¡perdona, Arlo! Que tu canción en realidad me encanta…).
Pulp entran en esta categoría con un tema extraño (‘Begging For Change’) que no es particularmente redondo en lo musical, pero sí brillante en unas letras muy Jarvis (“I wanna change my way of life, the temperature, the way things are / I wanna change my hair, my name (…) the carpet”), que denuncian que “tú pagas con tu vida, ellos con sus tarjetas de crédito” y anuncian que “es el final de Occidente, lo cual quizá sea lo mejor, y no me importa nada”.
Curiosamente durante la grabación de la canción Jarvis se encontró saliendo del baño a Damon Albarn, Johnny Marr, Kae Tempest y Grian Chatten de Fontaines D.C. y les invitó a cantar la intro. En correspondencia, Cocker se unió a ellos como corista en ‘Flags’, que es otra de las piezas con un mensaje más claro, una colaboración entre Albarn, Chatten y Kae pero en la que también figura un Johnny Marr no acreditado a la guitarra y hasta coros de Carl Barat. La parte estrella son los versos siempre emocionantes de Kae: “Cuando sea mayor, lo haré de otra manera / Intento cambiar el mundo con mis deseos / Si pudiera tenerlo todo, lo que quisiera / Solo quiero que todo el mundo esté bien / Para tener un pequeño respiro de todo esto, noche tras noche / Coso una lágrima a mi oración y la aprieto con fuerza”.
Greentea Peng es mucho más directa en su brillante reggae junto a Ezra Collective: “Los que creemos que somos libres / Hace tiempo que cambiamos nuestra libertad por comodidades / Una falsa sensación de seguridad, recibiendo órdenes de la bestia / Lavado de cerebro para el té de esta tarde / mientras observamos la vida desde nuestras pantallas”.
En el apartado de versiones hay un poco de todo: desde lo decepcionante (el ‘Sunday Morning’ de Beth Gibbons, demasiado azucarado para una canción sobre la paranoia, cuya melodía necesita un contrapeso amargo) hasta lo completamente sorprendente: quién iba a imaginarse que el himno hippy antibelicista ‘Universal Soldier’ de la cantautora Buffy Sainte-Marie escondía el potencial para una adaptación tecno-pop tan brutalmente buena como la de Depeche Mode. Una reinvención de tonos siniestros que es de lo mejor del disco.
Por encima de la correcta ‘Say Yes’ de Elliott Smith a cargo de Beabadoobee destaca una muy emocionante revisitación del ‘Black Boys On Mopeds’ de Sinéad O’Connor. Oír aquí su canción nos trae una lágrima al darnos cuenta de que esta vez su participación es imposible, a diferencia de 1995 con aquella versión de ‘Ode to Billie Joe’. Y sin embargo está presente en esos versos con tanta fuerza sobre la injusticia del mundo con los necesitados (“Young mother down at Smithfield / 5 AM, looking for food for her kids / In her arms she holds three cold babies / And the first word that they learned was «please») o el odio hacia quien alza la voz (“Remember what I told you / If they hated me they will hate you”). Fontaines D.C. hacen un excelente labor sacando rabia de la canción sin restarle su elegancia indignada original.
En mis escuchas de este vinilo doble la Cara D ha terminado siendo mi favorita particular. Comienza con Wet Leg en modo ultra íntimo y acústico, una melodía deliciosa la de ‘Obvious’ (quizá la mejor del disco), compuesta por Rhian. Sigue la preciosa ‘When The War Is Finally Done’ de Foals, triste y solemne. Los versos “¿Me despertarás cuando la guerra haya finalmente acabado? / Avísame cuando nuestrxs niñxs estén a salvo de la amenaza de las armas” la convierten en la pieza que más directamente aborda el motivo del álbum. Por esa razón transiciona tan bien a la siguiente canción, la hermosísima ‘Carried My Girl’ de Bat For Lashes, con sus duras imágenes de refugiados. Cuando Natasha Khan canta “I carried my girl across the desert / Yet not one person noticed her dead / I carried my girl to the ocean / Yet not one person lifted their head” se le rompe la voz, una imperfección propia de la espontaneidad de este proyecto pero que añade un toque de humanidad muy adecuado a una música inspirada en imágenes terribles que todxs hemos visto en nuestras pantallas.
Siguiendo con el tono acústico y atmosférico, Anna Calvi borda su composición propia ‘Sunday Light’ junto a Ellie Rowsell, Nilüfer Yanya y Dove Ellis, para concluir con ese monumento de Stephin Merritt titulado ‘The Book of Love’ versioneado con delicadeza –y el apoyo de un Graham Coxon no acreditado– por Olivia Rodrigo. Una canción metamoderna, mitad ironía mitad verdadero amor, que en voz de la estadounidense suena mucho más sincera y literal, perfecta por tanto para un disco que quiere propagar un poco de amor en un mundo hecho un asco.
La edición física, por cierto, es un gatefold bonito, sin grandes alardes, pero con el diseño elegante de Jonathan Glazer y un single de 7” sorpresa en el interior: Oasis en directo haciendo ‘Acquiesce’ el pasado año. Por unos 30 euros merece mucho la pena, y la aportación económica tiene mucho más sentido que las centésimas de euro de las escuchas digitales.
Si te gusta Jorja Smith no debes perderte a Wesley Jospeh, aunque probablemente por esa razón ya sepas quién es, ya que Jorja y Wesley formaron parte del mismo colectivo musical, OG Horse, cuando ambos residían en la ciudad industrial de Walsall, en el centro de Inglaterra. Después, Joseph se mudó a Londres para estudiar cine, pero siguió creando música: en 2020 lanzó su single debut, ‘Imaginary Friends’, y en 2021 publicó el EP ‘Ultramarine’, que incluía una colaboración con la mencionada Jorja Smith, ‘Patience’.
En 2023, Wesley apareció en el famoso programa COLORS para presentar su single ‘Hiatus’, pero ha tenido que llegar 2026 para que el mundo escuche su debut oficial. Armado con una amalgama de estilos que mezclan R&B, pop, electrónica e indie, Joseph publica ‘Forever Ends Someday’ el próximo 10 de abril.
La batería de sencillos lanzados apunta a la influencia típica de Frank Ocean, pero en ‘If Time Could Talk’ se percibe una frescura propia en las composiciones de Wesley, quizá resultado de su sensibilidad electrónica, potenciada por nada menos que Nicolas Jaar, uno de los productores y compositores involucrados en el álbum. ‘Peace of Mind’, por su parte, vira hacia el trap, contando con el rapero Danny Brown como artista invitado.
Sin embargo, el mejor single de ‘Forever Ends Someday’ es el tercero, ‘Pluto Baby’, que elegimos como Canción del Día para hoy, jueves.
‘Pluto Baby’ te hará levantar la ceja al descubrir que Wesley no está firmado en ninguna multinacional, sino en Secretly Canadian. Joseph, junto a Jaar, Tv’n y otros productores, entrega una canción con un tremendo “punch” que se vale de sintetizadores synth-pop, texturas digitales borrascosas, guitarras sumergidas, piano y una melodía clara como el día, llevando a Joseph a alcanzar su versión más pop. Por momentos suena como el primer y el último The Weeknd, simultáneamente. ‘Pluto Baby’ habla de una chica que viene y va como un “ovni” y que es inasible, tan distante como el planeta más lejano del sistema solar.
Russian Red ha concedido una entrevista a El Confidencial en la que ha vuelto a comentar sus polémicas declaraciones en Marie Claire de 2011, en las que se reconocía «de derechas» cuando en un cuestionario le daban a elegir entre las dos posibles orientaciones políticas. El backlash que generó que una querida artista independiente confesara ser de derechas fue brutal y, 15 años después, Lourdes Hernández cuenta una versión de la historia que incluye detalles que desconocíamos.
Hernández, que se encuentra promocionando su nueva residencia de conciertos íntimos, reconoce que hizo aquellas declaraciones por amor. En concreto, asegura que le salió decir que era de derechas porque entonces salía con un chico que era doctor en Filosofía y que también se identificaba con esa ideología.
«Siempre me meto en líos por cuestiones de amor», indica la artista. «Y en ese momento salía con un chico que era doctor en Filosofía y estaba especializado en la decadencia de Occidente. Era una persona que tenía un discurso elaborado en torno a esto y yo estaba fascinada con ese chaval. Era de derechas, sí. Y cuando me preguntaron, yo afirmé que también lo era».
Russian Red asegura que, a pesar de que indicó que era de derechas, de manera quizá poco reflexionada, en realidad «nunca he votado a la derecha» e indica que toda su familia «es de izquierdas». La polémica le «generó tal shock» que Hernández creyó ser víctima de una especie de gaslighting público, llegando a pensar que probablemente era de derechas y no lo sabía.
Hernández reconoce que hace 15 años el estado de la derecha no era el actual y que ahora la percibe mucho más «radicalizada» que entonces. En 2011 no se hablaba de ultraderecha como se hace ahora. Por eso, en ese momento «no sentí la necesidad de tener que explicarme». Hernández sostiene que «si hubiera dicho que era de izquierdas, no se habría generado ese revuelo».
La industria musical va viento en popa. Y hablamos hoy del mercado discográfico, de la música grabada: de la locura colectiva por la música en directo somos más plenamente conscientes, sobre todo cuando nos quedamos sin entrada para algún concierto. El informe anual de 2025 recién publicado por la IFPI -que representa a 8.000 compañías de todo el mundo- deja atrás los victimismos de los tiempos de la piratería y saca pecho de sus cifras.
Durante el año pasado, los ingresos mundiales de la música grabada crecieron un 6,4 % y alcanzaron los 31.700 millones de dólares. Es la primera vez que se rebasa la cifra de 30.000 millones. El streaming fue el motor de este crecimiento, pero es que el mercado físico logró subir también en 2025, quizá animado por la artista número 1 del año una vez más, Taylor Swift. Más curioso es que América Latina sea el mercado que logró crecer más. Entre los 10 mercados más importantes del mundo, Brasil sube un puesto desplazando a Canadá y México vuelve al top 10. España se mantiene en 14º puesto.
El resumen del informe, que es público a diferencia de la versión premium, habla de la importancia de lo local. De hecho, las 3 multinacionales dedican espacios a vender a algunos de sus artistas locales. Sony ha escogido España para hablar de Rosalía, Guitarricadelafuente y Nathy Peluso; Universal, Tailandia; y Warner, México.
La industria asegura estar enfocada en trabajar a los artistas a largo plazo en tiempos de rapidez. Hablan de la importancia de la generación de iconos a fuego lento, en contra de la inmediatez, y dedican 3 reportajes a 3 artistas que no triunfaron nada más salir, pero sí lo hacen a día de hoy: Tate McRae, Olivia Dean y los neozelandeses Balu Brigada. Entre los mayores temores, el fraude en el streaming, y el uso de una IA responsable. A continuación, 5 curiosidades sobre este informe.
11 años consecutivos de crecimiento
No solo es que se hayan rebasado los 30.000 millones de dólares en ingresos en 2025, sino que la industria lleva 11 años consecutivos de crecimiento, tras los tiempos turbios de Napster, Soulseek, Torrents, etc. El streaming es el impulsor, pues le corresponden 22.000 de esos millones, suponiendo casi un 70% de los ingresos mundiales de música grabada. Destaca el streaming de pago, que creció un 8,8% y supone un 52,4% de los ingresos totales. En la actualidad hay 837 millones de usuarios de streaming de pago en cuentas por suscripción, en todo el mundo.
Pero ojo porque el formato físico volvió a crecer, en concreto un 8%. Los vinilos crecieron un 13,7%. Contra todo pronóstico, hasta los CD’s crecieron casi un 4% tras unos años de traspiés.
España crece, pero no lo suficiente para ser clave
España presenta buenos datos, creciendo un 13,7% en 2025, más que la media de países. Europa consolida su posición como segunda región con más importancia, con unos ingresos que subieron un 5,6%. Sin embargo, España no lidera el crecimiento mundial y se mantiene en la 14ª posición de mercados discográficos, cuando antes de la piratería llegamos a rondar el 8º puesto. En la página dedicada a Sony Iberia (se llama así, no es un guiño a David Uclés), se explica por qué: los españoles no pagamos suficiente por el streaming.
Aunque no se especifica con estas palabras, y estas son «cosecha propia», tendemos a compartir cuentas, racaneamos meses de suscripción como podemos, y no nos extrañamos si en una tienda o un restaurante, saltan anuncios de Spotify entre canción y canción. Tenemos muy asumido que una entrada para Rosalía o Bad Bunny cuesta 200 euros, pero de lo de pagar 10 euros al mes por una plataforma de streaming, ya hablaríamos.
Cito ahora sí textualmente el informe: «Con un rating escasamente por encima del 20%, España y Portugal se sitúan por detrás de países similares». Apunta Jose María Barbat, presidente de Sony Iberia: «Esto limita el potencial de la industria musical de invertir más localmente. Afecta a nuestra capacidad para apoyar proyectos a nivel global y posicionar Iberia como mercado prioritario para repertorio internacional».
¿Alguna buena noticia? Aunque no lideramos el pago por streaming estamos mejor posicionados en otros sectores: «somos el 12º mercado en ventas por suscripciones con publicidad, el 11º en ventas de formatos físico, en venta de vinilos somos el 10º mercado más grande a nivel mundial, el 10º en ingresos por sincronizaciones y el 9º en ingresos por derechos de propiedad intelectual.
Así está el ránking de mercados mundiales en 2025, respecto a 2024, en cuanto a música grabada.
1 (1) Estados Unidos
2 (2) Japón
3 (3) Reino Unido
4 (5) China
5 (4) Alemania
6 (6) Francia
7 (7) Corea del Sur
8 (9) Brasil
9 (8) Canadá
10 (12) México
—
14 (14) España
IA vs Salud Mental
Si por algo será recordado este informe dentro de 10 años es por su dedicación a la inteligencia artificial. Se llama a un uso de la misma «responsable», se incluyen estudios sobre su uso y regulación, y se plantea que pueda representar un cambio como «el de internet hace 25 años». Son palabras de Adam Granite, de Universal AMEA, que añade: «El impacto de la IA será muy positivo y no estamos ni cerca de desentrañar su valor total. Pero los modelos que quieran entrenar con el repertorio de nuestros artistas necesitan una licencia».
Los diferentes artículos sobre esta dicotomía -posibilidades creativas vs derechos de los artistas- hacen que la «IA» aparezca aproximadamente 57 veces mencionada en este resumen del informe de 29 páginas dobles. En contraste, «salud mental» aparece 1 sola vez, dentro de un gráfico sobre cómo desarrollar artistas. Una pequeña derrota -o una victoria, según se mire- para Chappell Roan, que luce increíble, por otro lado, en una instantánea del informe, pese a no haber sacado disco en 2025.
Regulación o libre mercado
Otra de las palabras más repetidas del informe es «gobierno». Aparece 16 veces, sobre todo cuando se pide regulación en torno a la deriva de la IA o se habla del fraude en el streaming. Se dice en un momento: «las leyes de derechos de autor defienden el principio fundamental de que los desarrolladores de IA deben obtener autorización de los titulares de los derechos para el uso del contenido antes de utilizarlo. Los gobiernos deben defender y hacer cumplir este principio fundamental».
Por otro lado, en un recuadro algo extraño se apela al libre mercado: «Preservemos el dinámico y competitivo mercado musical. Las discográficas compiten intensamente por descubrir, invertir y trabajar con artistas en cada etapa de sus carreras. Este entorno competitivo impulsa el crecimiento y aumenta la remuneración de los artistas. Los gobiernos deben preservar este dinámico mercado, que se basa en la capacidad de los actores para desarrollar libremente alianzas comerciales con derechos exclusivos y seguridad jurídica, sin restricciones regulatorias innecesarias. El mercado
está prosperando, dejémoslo funcionar». Como curiosidad, la palabra «oligopolio» aparece un total de 0 veces en el informe.
Artistas, canciones y discos más exitosos de 2025
Una última crítica para el informe IFPI, uno de los más anhelados por la industria cada año: llega tarde. En marzo de 2026 y con las cifras de streaming siendo públicas, ya sabemos hace rato que Taylor Swift dominó el mundo; Morgan Wallen, Estados Unidos; Bad Bunny, las plataformas de streaming; y que ‘Golden’ fue la gran sorpresa del año. Pero ahí van las cifras oficiales de 2025, con supervivientes de años anteriores, como Billie Eilish, Kendrick Lamar y Gracie Abrams.
Los artistas más exitosos de 2025
1.-Taylor Swift
2.-Stray Kids
3.-Drake
4.-The Weeknd
5.-Bad Bunny
6.-Kendrick Lamar
7.-Morgan Wallen
8.-Sabrina Carpenter
9.-Billie Eilish
10.-Lady Gaga
Los discos más exitosos de 2025
1.-Taylor Swift / The Life of a Showgirl
2.-Morgan Wallen / I’m the Problem
3.-Kpop Demon Hunters / Kpop Demon Hunters
4.-Bad Bunny / Debí tirar más fotos
5.-Sabrina Carpenter / Short n’Sweet
6.-Stray Kids / KARMA
7.-SZA / SOS
8.-Billie Eilish / Hit Me Hard and Soft
9.-Lady Gaga / Mayhem
10.-Mrs Green Apple / 10
Las canciones más exitosas de 2025
1.-Rosé & Bruno Mars / APT.
2.-HUNTR/X / Golden
3.-Alex Warren / Ordinary
4.-Lady Gaga, Bruno Mars / Die With a Smile
5.-Benson Boone / Beautiful Things
6.-Billie Eilish / Birds of a Feather
7.-Teddy Swims / Lose Control
8.-Kendrick Lamar, SZA / luther
9.-Gracie Abrams / That’s So True
10.-Kendrick Lamar / Not Like Us
Mientras Britney Spears atraviesa un momento vital delicado tras su arresto hace un par de semanas por conducir supuestamente bajo los efectos del alcohol, otros reivindican su figura incluso como símbolo de los derechos de las mujeres.
La directora Sofia Coppola ha hablado de Spears en estos términos en una entrevista con ELLE Magazine, donde ha confesado que fantasea con dirigir el biopic sobre la vida de la cantante de ‘Toxic’, que de momento se encuentra en manos de Jon M. Chu.
Coppola asegura que se encuentra «obsesionada» con Spears actualmente y que no puede parar de ver documentales sobre ella y de leer sus memorias, ‘La mujer que soy‘. Coppola reconoce que ver la entrevista que Diane Sawyer hizo a Spears en 2003, en la que la periodista parecía sugerir que había sido culpable de su ruptura con Justin Timberlake, le ha causado un «profundo impacto».
Coppola, quien durante esa época se encontraba dirigiendo su famosa película ‘María Antonieta‘ (2006), ve ahora la figura de Spears con otros ojos y destaca que los episodios de su rapado de cabeza y su ataque a los paparazzi con un paraguas le parecen «momentos totalmente punk». «Ella se ha convertido en un símbolo de los derechos de las mujeres», señala la cineasta. «Nada de lo que le pasó le habría pasado nunca a un hombre».
Finalmente, Coppola reconoce que desearía dirigir su biopic: «Supuestamente Jon Chu lo está haciendo, pero sí, me encantaría trabajar esa historia». En el caso de que se la quedara, esperamos que sea mejor que su película sobre Priscilla Presley.
Lorde ha comunicado su decisión de abandonar Universal Music Group, la discográfica que ha publicado todos sus discos hasta la fecha. La decisión se tomó en diciembre, pero la cantante neozelandesa la ha revelado ahora en un mensaje dirigido a sus fans.
En ese mensaje, Lorde asegura que “adora” a sus compañeros en Universal, aunque reconoce que no era plenamente consciente de lo que firmaba cuando suscribió su contrato con solo 12 años: “Una niña de 12 años comprometió por adelantado su obra creativa sin saber cómo sería ni comprender realmente a qué estaba renunciando”, explica la artista.
La cantante no descarta volver a firmar con una gran discográfica en el futuro, incluso con la misma compañía, pero subraya que “necesitaba tomarse un tiempo para que nada de lo que nace de mí esté sujeto a compra o venta”.
Fue en 2013 cuando el gran público descubrió a Lorde, que entonces tenía 16 años y ya llevaba cuatro vinculada a Universal. Su irrupción fue meteórica gracias a ‘Royals’, al que siguió su aclamado álbum ‘Melodrama‘, elegido el Mejor Disco de 2017 para la redacción de JENESAISPOP. Aunque, ya entonces, el disco quedó lejos de los 4 millones de copias despachadas por el debut.
Desde entonces, su popularidad ha atravesado altibajos, especialmente tras el lanzamiento de ‘Solar Power’, un trabajo que dividió a su público y fue vapuleado por la crítica, aunque algunos sostienen que no se entendió. Más recientemente, ‘Virgin‘ ha logrado recuperar parte del público perdido, incluyo marcando algún pequeño viral como ‘David’, pero sin resultar el comeback esperado.
William Orbit ha acudido a las redes sociales para desahogar su frustración por no tener la opción de volver a grabar un álbum junto a Madonna. El co-productor de ‘Ray of Light’ asegura tener un disco hecho que podría ser sucesor, y se queja de no obtener respuesta por parte de la cantante.
«Vamos a poner esta idea de «Ray of Light 2.0″ a descansar. Puede ser agotador y no va a pasar. Lo voy a explicar, porque me preguntan constantemente: tengo un álbum listo que de hecho es el sucesor de ‘Ray of Light’. Todo en el modo en que fue hecho y cómo suena dice eso desde los primeros compases. Lo he pasado. Se ha escuchado. No hay respuesta. Pasa una semana. Hablo con gente cercana a ella, incluida su familia, pero no hay una palabra de vuelta en más de dos décadas», dice el texto.
Orbit dice que no quiere sonar amargo y que está en una etapa de su vida muy dulce. Además, asegura que no tiene ningún rencor: «Solo tengo amor por esa mujer. De verdad. Ella me construyó una carrera. ¿Pero estoy llorando? Lloro de alegría y júbilo estos días. No hay quien me calle, chillando y gritando sobre la mesa llena de delicias musicales que tengo delante». Finalmente, el productor anuncia que escribirá un libro con su visión de la historia.
El post de William Orbit es tan tierno como lleno de contradicciones. Habla desde la conciencia de haber formado parte de la gran obra maestra de una de las mayores leyendas vivas de la historia del pop. Pero por otro lado, el productor dice que lleva «más de dos décadas» esperando una respuesta sobre tal disco, ignorando que solo hace 14 años que Madonna y William Orbit colaboraron en ‘MDNA’ con desiguales resultados. Salieron grabaciones interesantes de allí (‘Love Spent’), también otras con demasiado sabor a papelera de reciclaje (‘I’m a Sinner’).
El artista asegura que no quiere ser «amargo» pero lo resulta con creces, y lo que es peor, en un mundo en el que las mujeres artistas han pasado a primer plano como autoras y productoras, y ya no se toleran micromachismos en la asunción de créditos, ignora por completo que ‘Ray of Light’ es un disco firmado por Madonna, y no por él.
William Orbit no parece tener la menor idea de que no puede tener escrito un disco de Madonna sin Madonna. Aunque obviamente fue clave en su sonido y cohesión, Orbit solo co-escribió 6 de las 13 canciones del álbum. Ella ya había empezado a escribir el disco antes de encerrarse con William, y de hecho escribió ‘Frozen’, ‘Nothing Really Matters’ y ‘Sky Fits Heaven’ sola junto a Patrick Leonard. Sola junto a Rick Nowels, la Ciccone -y no Orbit- escribió otros 3 temas del disco, incluyendo el hit ‘The Power of Goodbye’. La parte más puramente William Orbit de aquel álbum (‘Ray of Light’, ‘Substitute for Love’) tiende a construirse a base de samples.
Lo que quiera que tenga William Orbit en un disco duro será bueno o malo, pero desde luego no es un disco de Madonna. La artista es plenamente consciente de que ‘Ray of Light’ es su obra magna y así lo continúa expresando a día de hoy, cada vez que le preguntan, contradiciendo a los críticos que tienden a elevar ‘Like a Prayer’, pese a sus irregularidades. Pero es evidente que hoy por hoy está en otro momento vital y que su faceta espiritual es solo una de sus múltiples caras. Cuando está a punto de sacar un álbum que responde al título provisional de «Confessions Pt. 2», este parece el peor momento posible para plantear todo esto. Quizá habría tenido algún sentido hace 3 años, cuando Madonna decidió abrir su gira de 40º aniversario con ‘Nothing Really Matters’.
William Orbit ha sido en múltiples ocasiones un azote para los vaivenes de la Reina del Pop. Ha tenido razón en muchas cosas que ha dicho: que ya no cuida su sonido de directo, que no se puede ahondar en un álbum a las velocidades que trabajaron en ‘MDNA‘… pero si tiene verdaderas «delicias musicales» delante, su camino ha de ser el de publicarlas por su cuenta con otro artista o en solitario. Si Nile Rodgers pudo dejar su impronta en un hit del tamaño de ‘Get Lucky’ junto a Daft Punk, décadas después de su «prime», Orbit también podría conseguirlo. O como mínimo, intentarlo.
El uso del playback en los conciertos suele generar controversia, a menos que lo tengas asumido porque eres fan de Britney Spears, y suele estar justificado por diferentes motivos. Los artistas lo utilizan cuando ejecutan coreografías al mismo tiempo, cuando enferman pero están obligados a actuar o, en el caso de las actuaciones en televisión, cuando las propias cadenas lo exigen para garantizar la calidad del directo. Desde los años 60 se implementa en actuaciones televisivas. Después, numerosos músicos han recurrido a pistas pregrabadas en sus conciertos por mil y una causas. La diferencia entre playback y pregrabado es relevante, ya que el pregrabado “pretende” ser directo y el playback no.
En las últimas semanas, esta polémica ha salpicado a Rosalía -aunque qué polémica no le salpica-, de quien se dice que ha recurrido al playback durante su interpretación de ‘Berghain’ en los BRIT Awards y también en momentos puntuales de su recién estrenada gira. Parte del público señala diferencias de volumen y respiración, por ejemplo en la frase final de ‘Mio Cristo Piangi Diamanti’ en Lyon. Para algunos el playback es claro y evidente porque la toma vocal es demasiado parecida a la de la canción publicada en ‘Lux’; para otros, sería imposible que una vocalista como Rosalía pudiera no cantar en directo. Es impensable.
Es imposible saber si Rosalía utiliza playback en momentos concretos de su concierto a menos que lo confirme o lo desmienta ella misma o alguien de su equipo. Pero tampoco debería ser motivo de decepción o polémica, ya que canta en directo la mayor parte del espectáculo y puede recurrir a esta herramienta en frases concretas por distintos motivos, como hacen todos o casi todos los artistas de pop. Quizá lo haga para evitar una fatiga vocal prematura, recomendada por su médico, sabiendo que vocalistas como Adele han terminado pasando por quirófano; o porque esa parte no termina de encajarle en vivo. Además, se trata de un fragmento operístico en el que está realizando un esfuerzo especial con sus cuerdas vocales, ya que no está entrenada en ópera.
El uso del playback está más extendido de lo que el público cree porque el trabajo de los artistas consiste también en construir una ilusión de autenticidad. Ahí entran los pregrabados, que suelen ser tomas vocales grabadas con diferencias respecto a la grabación original, de manera que suene diferente y parezca directo. Como señala la musicóloga youtuber Jenn All, «los pregrabados se hacen justo para que notes esas diferencias y, en caso de que hubiese playback, cantas encima para que se implique todo el aparato fonador». Es un truco habitual de los artistas y no significa que sus voces no sean reales.
En redes sociales se critica el playback como si su uso supusiera una traición al público o como si cualquier artista que lo utilice fuera Milli Vanilli. Sin embargo, su uso podría asumirse con más naturalidad en lugar de interpretarlo como un engaño. A menos que Rosalía -o cualquier artista- pueda cantar dos o tres horas casi cada día durante una gira de meses o incluso años sin que la voz se resienta -algo extremadamente difícil- no debería resultar polémico que ella y otros artistas recurran a esta herramienta por motivos artísticos o de salud. En 2026, no debería ser un debate.
Christina Aguilera ha ofrecido esta noche un concierto en el Palacio de los Deportes de Ciudad de México que no ha dejado contentos a muchos fans. Uno de los motivos es el momento en que supuestamente confunde la ciudad con Nuevo México, en Estados Unidos.
El show ha sido criticado sobre todo por su duración. Los asistentes aseguran que Aguilera ha actuado menos de una hora, unos 55 minutos, aunque otros elevan el tiempo a 70. Un usuario en redes ha lamentado que pasó “más rato esperando en el tráfico que viendo a Christina Aguilera cantar”.
El setlist se ha compuesto de 16 canciones, pero los asistentes sostienen que Aguilera no ha cantado completa casi ninguna de ellas, algo de lo que fuimos testigos en la actuación de Aguilera en Mallorca Live 2022; y critican que la artista habría recurrido en exceso a pregrabados y coros, reduciendo su uso de voz en directo a «33 minutos», y que habría pasado fuera del escenario cambiándose largos minutos, solo para reaparecer con «complementos diferentes».
Además, las críticas señalan que Aguilera habría actuado sobre el escenario de forma algo desganada. También apuntan que el montaje escenográfico era “esquelético” y que no justificaba el precio de la entrada, y que el setlist era «el mismo que hace ocho años».
Aguilera ha vuelto estos días a la carretera y, previamente, se había presentado en un festival de Texas que no generó ninguna polémica. Allí dejó caer que lanzaría nueva música “pronto”, aunque ya se sabe que suele tomarse su tiempo.
En las últimas horas, Aguilera ha despertado algo de expectación al actualizar sus redes sociales con nuevas imágenes, incluidas sus fotos de perfil en Spotify. Esta acción ha hecho pensar que se avecinaba nueva música, aunque parece que simplemente adelantaban la celebración de estos nuevos shows.
La banda de punk electrónico irlandesa KNEECAP y figuras políticas internacionales como Pablo Iglesias o Jeremy Corbyn se embarcarán esta semana en la flotilla solidaria “Nuestra América”, una iniciativa que transporta toneladas de ayuda humanitaria hacia Cuba.
El convoy lleva alimentos, medicamentos y otros suministros básicos en un momento especialmente delicado para la isla, que atraviesa una de las crisis económicas más profundas de su historia reciente, agravada por las tensiones diplomáticas con Estados Unidos.
Junto a Corbyn e Iglesias participarán decenas de legisladores, sindicalistas y activistas internacionales. Entre ellos destacan también la política colombiana Clara López, el comentarista estadounidense Hasan Piker y el líder sindical Chris Smalls. El grupo prevé llegar a la isla este fin de semana en medio de nuevas amenazas políticas hacia La Habana lanzadas por Donald Trump.
La flotilla contará también con la participación de Cuban Americans for Cuba, una red de activistas cubano-estadounidenses que colaborará en la entrega de suministros y en diversas actividades previstas en la capital cubana. La iniciativa busca visibilizar la crisis humanitaria en el país y reforzar la solidaridad internacional con la población cubana.
Recurrir a ‘Terminator’ en un tema pop puede ser un cliché a estas alturas. Lo saben hasta Ojete Calor. Qué digo Ojete Calor: lo sabe hasta McNamara. Sin embargo, puede que hoy sea más pertinente que nunca. En un mundo en el que buscamos respuestas en la tecnología, en que hemos cambiado Google por la IA sin mirar atrás, Nat Simons nos da un sabio consejo: ¿por qué no dejamos de buscar respuestas en la máquina y le preguntamos en su lugar a la protagonista de la película, esa heroína llamada Sarah Connor? La idea es humanista, feminista y además amante de la ciencia ficción que se adelantó a su tiempo: muy pertinente.
Como mucha gente, Nat Simons está hastiada de tanta pantalla. En varias de las canciones de este 5º disco de estudio se pregunta algo así como adónde va la civilización, especialmente en la fiera ‘Llamas de dragón’. «Este mundo enfermo cada día se degradará más», dice al tiempo que advierte: «No sé si estaremos preparados para algo peor».
En este contexto, la música es la que nos ayuda a salir adelante. ‘Haces que mi mundo sea mejor’ siempre «busca la salida en una canción». La reivindicativa ‘Especie en extinción’, buscando una forma de evasión, genera, más que ganas «de gritar», de bailar. La típica canción que te puede alegrar el día.
Para dar forma a estas ideas, la artista se ha ido a Nashville. Allí fue donde grabó los temas de ‘Pregúntale a Sarah Connor’, produciendo Álex Muñoz (Margo Price) y mezclando Jaquire King (Norah Jones, Kings of Leon). Eso sí, este no es un álbum de típico sonido Nashville. Esa impronta se puede notar en esa preciosidad llamada ‘Efímero’, en los arreglos de ‘Más que a todo lo demás’ y en el mimo de los músicos (solos de guitarra, saxo…)
Pero después, hay otras cosas. ‘Nieve en el desierto’ parece ser bastante consciente de la existencia de ‘OK Computer’ aunque parezca mentira y, en general, estamos hablando de un disco de pop-rock español de toda la vida, al modo en que los han hecho en diferentes momentos Tahures Zurdos o Coque Malla. No es casualidad que Depedro sea el gran artista invitado, en concreto en el single ‘Nieve en el desierto’, con permiso de Jose Ignacio Lapido, que tiene algún crédito (‘Efímero’, ‘Tan extraño para mí’) y también toca y hace coros.
‘Alain Delon’ es una de las composiciones más sólidas, también al erigirse como himno contra señoros y mansplaining: «vaya tostón, te crees Alain Delon». Este es un álbum sobre la manera de ver el mundo de Nat Simons, que además, insistiendo en que este no es un disco conceptual, lo ha abierto y cerrado, dándole un último sentido. Si ‘Delorean’ abre el telón recordando el día en que era pequeña con cierta nostalgia (los días en que «no tenía miedo de ser yo»), ‘Más que a todo lo demás’ lo cierra con un amor tan devoto que solo se puede referir a un hijo. Solo que Nat no tiene hijos y se lo dedica en verdad a su gata. Humanismo, feminismo… y animalismo. Estamos en 2026, y los gatos también son parte de la familia. Si no, que se lo pregunten a Mitski.
Es una gozada comprobar el amor que está recibiendo Luz Casal en sus últimos discos, cada vez que aparece en los medios de comunicación hablando de cómo fue una pionera del rock en nuestro país. Cuidemos también a esta digna sucesora.
Labrinth, el músico británico conocido por ser el compositor de la banda sonora de ‘Euphoria’, no puede más con la industria musical. Recientemente, el artista anunciaba que se «iba» de la industria y mandaba «a la mierda» a su discográfica, Columbia Records, y a ‘Euphoria‘, en una serie de publicaciones ya borradas que no aclaraban del todo la situación.
Ahora, el autor de ‘Formula’ ha dado algo parecido a una explicación, aunque sin expresarse con palabras completamente claras. En un post de Instagram, Timothy Lee McKenzie parece lanzar una crítica al funcionamiento de la industria musical y a cómo el éxito y el dinero pueden cambiar a las personas. Nada nuevo, pero parece que para Labrinth está siendo un punto de inflexión.
«Revoloteamos alrededor de grandes estrellas esperando estar en su lugar algún día, como serpientes esperando comerse a sus dueños», escribe el artista. «Entramos en esta industria como creativos puros que desean compartir color, y terminamos convertidos en lobos de Wall Street babeando por acciones y participaciones. Tenemos relaciones significativas con personas afines y las descartamos en cuanto aparece una oportunidad más grande».
Labrinth reflexiona: «¿Quién cojones ha dicho que sea normal que convirtamos lo que yo llamo el ruido de Dios (nuestra música) en transacciones comerciales?»
En el pie de su publicación, Labrinth ha añadido una última reflexión, asegurando que desea tener «interacciones significativas» dentro de la industria musical. «No quiero usar a nadie ni que me usen», ha indicado. «Espero que la gente deje de actuar como si las cosas se tuvieran que hacer así. No tiene que ser de esta manera. Ser falso no es un buen plan de negocios».
Labrinth habría vuelto a componer la banda sonora de ‘Euphoria’ para su tercera temporada, en colaboración con Hans Zimmer. Se desconoce en qué punto se encuentra actualmente el proyecto. La serie vuelve a HBO en un mes, el próximo 13 de abril.
En 1996 vio la luz el disruptivo álbum debut de Placebo, que puso en el mapa al icónico Brian Molko e influyó a toda una generación de estrellas alternativas. Aquel disco homónimo contenía éxitos como ‘Nancy Boy’ y Placebo lo volverán a lanzar el 19 de junio, a través de una reedición llamada ‘PLACEBO RE:CREATED’ que contiene el disco regrabado, y que se promocionará con una gira europea.
Esta gira pasará por Italia en noviembre, para desgracia de Giorgia Meloni, y antes hará dos visitas a España, en octubre. El 1 de ese mes Placebo tocarán en el Movistar Arena de Madrid y el 3, en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas están disponibles en la web de Placebo.
Placebo siguen de gira y afrontan próximamente dos fechas, el 28 de marzo en Londres y el 11 de abril en Suiza. Sin embargo, la gira de ‘PLACEBO RE:CREATED’ arranca en septiembre.
SEPTIEMBRE 2026
28th – Oporto, Portugal – Super Bock Arena
29th – Lisbon, Portugal – Sagres Campo Pequeno
OCTUBRE 2026 1st – Madrid, Spain – Movistar Arena (The Ring)
3rd – Barcelona, Spain – St. Jordi Club
5th – Toulouse, France – Zenith
7th – Nantes, France – Zenith
9th – Esch-sur-Alzette, Luxembourg – Rockhal
12th – Leipzig, Germany – Quarterback Immobilien Arena
15th – Vilnius, Lithuania – Twinsbet Arena
16th – Riga, Latvia – Xiaomi Arēna
18th – Helsinki, Finland – Veikkaus Arena
20th – Stockholm, Sweden – Annexet
22nd – Oslo, Norway – Spektrum
24th – Copenhagen, Denmark – KB Hall
26th – Hamburg, Germany – Barclays Arena
27th – Amsterdam, Netherlands – Ziggo Dome
29th – Frankfurt, Germany – Festhalle
NOVIEMBRE 2026
1st – Antwerp, Belgium – Afas Dome
2nd – Cologne, Germany – Lanxess Arena
4th – Zurich, Switzerland – Hallenstadion
6th – Milan, Italy – Unipol Forum
9th – Munich, Germany – Olympiahalle
10th – Vienna, Austria – Stadthalle
13th – Budapest, Hungary – Budapest Arena
15th – Prague, Czech Republic – Fortuna Sports Hall
16th – Berlin, Germany – Uber Arena
18th – Lodz, Poland – Atlas Arena
21st – Stuttgart, Germany – Hans-Martin-Schleyer-Halle
23rd – Lyon, France – LDLC Arena
25th – Paris, France – Accor Arena
28th – Nottingham, UK – NIC Arena
30th – Glasgow, UK – OVO Hydro
Desde sus inicios, a mediados de los 80, la teletienda albergaba en su propia lógica estética y discursiva el germen de una reinterpretación irónica y kitsch. Durante su expansión en los 90, este tipo de formato televisivo logró configurar todo un imaginario de productos “increíbles”, vendedores de entusiasmo contagioso (muchos de ellos famosos venidos a menos), lemas enfáticos -“¡Llama ahora!”- y una retórica visual tan persuasiva que era capaz de convencer al espectador más escéptico de la eficacia de un cacharro para hacer abdominales con forma de Halcón Milenario.
‘Opalite’ comienza como una parodia de estos comerciales. Taylor Swift mezcla la gramática estilística de los anuncios de productos de limpieza milagrosos con un discurso sobre la insatisfacción existencial y la promesa de una vida sentimental plena de felicidad. Si tus relaciones huelen como un cubo de basura, son tan estimulantes como hablarle a una piedra y tan espinosas como un cactus, parece sugerir la cantante mediante un uso metafórico de los objetos, necesitas un buen desengrasante y quitamanchas emocional.
El resto del videoclip funciona como una comedia romántica de los 90, como si Taylor fuera Meg Ryan y Domhnall Gleeson, Tom Hanks. Un homenaje, rodado en celuloide, que incluye guiños noventeros como la MTV (la televisión en la que aparece Greta Lee interpretando a una cantautora), el boom de los karaokes y el aerobic doméstico, los estudios de fotografía, el centro comercial como espacio de socialización… Referencias que ayudan a ilustrar una pequeña historia de soledad urbana muy propia de las comedias románticas de la época.
El final del vídeo describe su propia génesis mediante imágenes del programa The Graham Norton Show, donde Taylor Swift y Domhnall Gleeson coincidieron como invitados y, según se ha dicho, surgió la idea del clip, cuando el actor comentó su deseo de aparecer en uno de los videoclips de la cantante. En ese mismo programa también aparecen los personajes que realizan un cameo en el vídeo: Cillian Murphy, Greta Lee, Jodie Turner-Smith, el cantante Lewis Capaldi y el propio cómico y presentador Graham Norton.
Las Nietas del Charli dieron uno de los conciertos más bonitos del pasado Monkey Week. María y Raquel Rubio Pastor, hermanas como Pauline en la Playa, acompañadas tan solo de sus guitarras, lograron callar a una audiencia con muchas ganas de fiesta, gracias a sus bonitas letras y armonías vocales.
El dúo tenía ya entonces un EP de 6 canciones llamado ‘Faro’ y ahora están presentando su primer disco largo, llamado ‘Un Sol dentro’, que verá la luz a principios de mayo, producido por Campi Campón (Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Valeria Castro). Los dos temas que llevamos, de alguna manera, son la noche y el día.
Las influencias de Las Nietas del Charli parecen proyectos tan afilados como Vainica Doble y tan sombríos como Low. Esto último se siente en la melodía áspera, la referencia a la «violencia» y el tipo de percusión tan cortante que escuchamos en ‘Rabia’. «Toda esta rabia que llevo dentro podría matarte», expresa con frustración una letra que lamenta haber «intentado quererte».
El single que acaban de editar, ‘Distancia’, nuestra Canción del Día hoy, no tiene tanta «rabia» dentro. Se recrea en una escena romántica y menciona la palabra «esperanza». Incluso la vuelta del «hambre» parece tener una connotación positiva, acaso saciada. La «Rabia» es extraída, en forma de «veneno»: «Cómo quiero ver tu cara, pasearme con los dedos, ver cómo te entra el sueño, ir sacando con cariño el veneno».
Las canciones de Las Nietas del Charli suelen extenderse, sin prisa alguna, por encima de los 5 minutos. ‘Distancia’ tiene una estructura montañosa: hacia su mitad cambia tan solo para volver al principio. Los coros fantasmagóricos en ese momento son escalofriantes.
Por tanto, no esperes encontrarlas en playlists de hits ni mires sus oyentes mensuales. Recréate en sus melodías, en la calma de sus arreglos incluso cuando hablan de emociones incómodas. Hay una enorme belleza sobre todo que degustar en directo, y este 20 de marzo volverá a poder verse en Madrid (La Troupe Prado).
Bilbao BBK Live, que se celebrará entre los días 9 y 11 de julio en Kobetamendi, Bilbao, completa hoy su cartel un par de días después de haber informado de su programación electrónica. Si ya se habían confirmado grandes nombres como David Byrne, Lily Allen, Robbie Williams, Belle & Sebastian, Calvin Harris, Dellafuente o IDLES, hoy se revela la presencia de FKA twigs. La artista publicó uno de los Mejores Discos de 2025, ‘Eusexua‘.
Al mismo tiempo, ya conocemos la programación por días, y se han puesto a disposición, por tanto, las entradas de día a precio promocional de 65 €. Habrá un cambio de precio el martes 24 de marzo a las 11:00. Subirán a 80 €.
El jueves 9 de julio será el día de la propia FKA twigs, Calvin Harris, David Byrne, Dani Fernández, Paris Paloma, Belén Aguilera, la revelación hemlocke springs y Apparat, que acaba de editar el notable ‘A Hum of Maybe‘, entre otros artistas.
El viernes 10 de julio será el turno de Robbie Williams, Alabama Shakes, Belle & Sebastian, La M.O.D.A., Richie Hawtin presentando el espectáculo inmersivo ‘DEX EFX X0X’, Soulwax, Depresión sonora, La Paloma o Yerai Cortés.
Por último, el sábado 11 de julio actuarán Lily Allen, Dellafuente, Idles, Interpol, Charlotte de Witte, Zaz o Ralphie Choo.
Si hablamos de la rave en el bosque «todo lo que pasa en Basoa queda en Basoa», el jueves será el turno de 2manydjs y Erol Alkan b2b Optimo (Espacio), entre otros. El viernes, el de Donato Dozzy o DJ Nobu. Y el sábado, el de Nicolas Lutz o DJ Koze.
Bruno Mars es la última víctima de los fans de Taylor Swift. En los últimos días ha circulado un polémico Reels cuya veracidad se desconoce. Billboard ha investigado sobre la existencia de dicha cuenta sin éxito, concluyendo que si existió, se ha borrado por completo.
El Reels estaba escrito supuestamente por unos fans de BTS. En él se incluían unas imágenes de Taylor Swift bailando en ‘The Eras Tour’ con el siguiente texto: «En serio, ¿cómo se ha hecho famosa? El privilegio blanco es una locura. Imaginad dónde estaría una persona asiática sin talento, como ella». Bruno Mars aparece teóricamente entre las personas que le dieron «like» a esta publicación.
La ola de odio hacia Bruno Mars, ridiculizando por ejemplo las ventas de la primera semana de su nuevo disco ‘The Romantic’ en comparación a las de Taylor, ha sido tal, que el cantante ha decidido responder.
En un tuit en respuesta a una cuenta llamada Pop Flop -ver para creer-, Bruno Mars ha escrito: «Taylor siempre me ha apoyado y ha sido muy amable conmigo. Solo tengo amor para ella».
Una manera educada de decir que él no le ha dado «like» a tal publicación, si es que tal publicación existió en absoluto.
Taylor has always been supportive and kind to me. Only love over here. ❤️
Casi un año después de que conociéramos el single ‘Folded’, el nuevo disco de Kehlani verá la luz. La cantante que tanto ha mimado el R&B clásico acaba de anunciar finalmente que su nuevo disco, que será homónimo, saldrá a la venta el próximo 24 de abril.
El disco contendrá 17 canciones. Conocemos la portada, desconocemos el tracklist, pero sabemos que ‘Folded’, lanzado en junio de 2025, será la pista 4; y que ‘Out the Window’, que salió en noviembre, será la pista 10. Es de suponer que en breve tengamos el tercer sencillo, que quizá se ha contenido porque ‘Folded’ ha sido un enorme «sleeper».
De manera inesperada, ‘Folded’ se acerca ya a los 500 millones de streams en Spotify, camino de superar su colaboración con Ty Dolla $ign o su tema para la banda sonora de ‘Escuadrón Suicida’. Continúa en el top 200 de listas globales tras meses de permanencia.
El anterior disco de Kehlani fue ‘Crash‘ en 2024 y también conocimos en aquel año la mixtape ‘While We Wait 2’, segunda parte de la publicada en 2019.
Cargando ...
