U2 ha lanzado por sorpresa un EP de 6 pistas que se presenta como una «colección independiente»» previa al lanzamiento de su nuevo álbum, previsto para finales de 2026. ‘Days of Ash’ es la respuesta de U2 «a los acontecimientos actuales» y se abre con ‘American Obituary’, un tema sobre el asesinato de Renee Good a manos del ICE en enero de 2026.
El EP reúne cinco canciones y un poema recitado, ‘Wildpeace’, con Adeola y Jacknife Lee. ‘Yours Eternally’ reúne a Ed Sheeran y al cantante ucraniano Tarás Topolia.
El material de ‘Days of Ash’ se inspira «en las muchas personas extraordinarias y valientes que luchan en primera línea por la libertad». Según la nota oficial, «cuatro de las cinco canciones tratan sobre personas -una madre, un padre, una adolescente- cuyas vidas fueron brutalmente truncadas; un soldado que preferiría estar cantando, pero que está dispuesto a morir por la libertad de su país».
El próximo álbum de U2 será el primero basado en material original desde el lanzamiento de ‘Songs of Experience‘ en 2017, ya que su último trabajo publicado, ‘Songs of Surrender‘, se componía de canciones regrabadas.
Bad Bunny protagonizará por primera vez en su carrera una película, ‘Porto Rico’, dirigida por el rapero Residente, quien debuta como director de largometraje. ‘Porto Rico’ contará la historia del país de origen tanto de Benito como de René, quien ha co-escrito el guion junto al guionista Alexander Dinelaris, conocido por su trabajo en ‘Birdman’.
La película reunirá en un mismo elenco a Benito Ocasio (Bad Bunny), Javier Bardem, Viggo Mortensen y Edward Norton, todos confirmados para participar en el proyecto de Residente.
‘Porto Rico’ se presenta como un «western caribeño épico y drama histórico» que, con Benito como protagonista, combinará «una narrativa histórica de gran escala con un enfoque visceral y lírico, en una historia impactante inspirada en hechos reales».
Con ‘Porto Rico’, Residente cumplirá uno de los sueños de su vida. “He soñado con hacer una película sobre mi país desde que era niño» -explica en la nota de prensa oficial-. «La verdadera historia de Puerto Rico siempre ha estado rodeada de controversia. Esta película es una reafirmación de quiénes somos, contada con la intensidad y la honestidad que nuestra historia merece”.
Bad Bunny y Residente tienen un sencillo conjunto, ‘Bellacoso’, que los unió para celebrar la renuncia del ex-gobernante de Puerto Rico, Ricardo Rosselló. Juntos, acompañados también de Ricky Martin, entre otros, encabezaron en 2019 la protesta masiva en la que exigían la dimisión del dirigente.
La noticia llega justo después de que Benito haya ofrecido una histórica actuación durante el intermedio de la Super Bowl, donde ha reivindicado la unidad de toda América. Precisamente, Benito y Residente eran vistos fundiéndose en un abrazo en las bambalinas, tras acabar el show.
Lola Indigo ha denunciado en redes sociales el suicidio de Ángela, una menor de 14 años residente en Benalmádena (Málaga), presuntamente víctima de acoso escolar durante un año. Según La Vanguardia, la joven habría sido acosada por su “delgadez y timidez” y se encontraba en tratamiento psicológico.
El IES Benalmádena ha descartado que existiera acoso escolar, afirmando que no tenía constancia de ninguna denuncia, aunque no ha excluido la posibilidad de ciberacoso. Por su lado, la familia de la menor ha comunicado que tomará medidas contra el centro por no actuar.
Algunos artistas, como CURRO, han difundido la noticia en redes sociales, mientras que Lola Indigo ha publicado en sus stories un mensaje en el que reclama que se exija la identificación para crear cuentas en redes sociales. Los acosadores «al parecer se hacían cuentas falsas para insultar y denigrar a la chica”, ha compartido la artista en Instagram.
Mimi Doblas, visiblemente indignada, ha pedido que se regulen las redes sociales para evitar que se repitan estos casos: “A ver cuándo, de una vez, se exige la identificación para crearse una cuenta en una red social y dejamos de tener este infierno digital donde todo vale», ha expresado. «¿Cuántas chicas y chicos más van a tener que morir para que esto cambie? Basta ya”, ha denunciado la artista.
La identificación en las redes está a la orden del día, ya que Pedro Sánchez ha anunciado recientemente la intención del Gobierno de prohibir el acceso a las redes sociales a menores de 16 años para combatir la “ley de la selva” de desinformación, bulos y odio que circulan en plataformas como Telegram o X, sin que quienes controlan estos servicios lo impidan.
Recientemente hemos comentado en un artículo especial las 5 mejores canciones de Labi Siffre, a raíz de la viralidad de algunas de ellas en redes sociales durante los últimos años, en especial de ‘Bless the Telephone’. Se trata de uno de los grandes cantautores británicos “perdidos” de los años 70 que, aunque marcó algunos hits en las listas británicas durante los 70 y 80, parecía completamente olvidado. En los últimos años, su música ha resurgido gracias a TikTok, aunque previamente ya había sido sampleada por artistas como Jay-Z o Eminem.
Justo en pleno revival de su carrera, Siffre ha anunciado su primer disco en 28 años, un trabajo titulado ‘Unfinished Business’, que se pondrá a la venta a finales de año.
Siffre, que se ganó enemigos en la industria durante los 70 por negarse a ocultar públicamente su homosexualidad y ha explicado que en su carrera lo ha pasado peor «por ser gay que por ser negro», había contado que en los últimos años había logrado formar la «familia de sus sueños» gracias a su relación poliamorosa con dos hombres, Peter y Rudolf. La triareja vivió junta durante 16 años en una montaña al sur de Gales, y Siffre vivía la «vida perfecta» hasta que, tanto Peter como Rudolf, fallecieron en el transcurso de dos años y medio.
Labi, Siffre y Peter habían vivido juntos como pareja en un ménage à trois desde mediados de los 90. Labi y Peter formalizaron su relación como pareja civil en 2005 y estuvieron juntos hasta la muerte de Peter en 2013. En diciembre de 2014 Labi y Rufold se unieron en matrimonio legal, y convivieron hasta el fallecimiento de Rudolf en 2016.
Quizá por eso ‘Far Away’, primer adelanto de ‘Unfinished Business’, es una desoladora canción de despedida, basada en una melancólica melodía de piano, en la que Siffre reconoce no ver un mañana tras la muerte de sus compañeros de vida. “Dijeron que estaríamos juntos hasta el final, pero entonces te fuiste y me dejaste sin mi amor, sin un amigo”, canta en la letra. Aunque el texto parece dedicado a una sola persona, puede interpretarse como destinada a cada uno de ellos por separado.
Los coros celestiales que acompañan la melodía vocal de Siffre en ‘Far Away’ y sus acordes de piano refuerzan el mensaje de desamparo de la canción. Después, la entrada de una melancólica trompeta redobla la emoción. Siffre, a sus 80 años, recuerda en la letra un amor inocente, escribiendo sobre dos “niños en el bosque cogidos de la mano”, cuyo amor les hace inmunes a los “monstruos” que quieran “atraparlos”, pero finalmente se muestra perdido y desolado: “Todos me dicen que estaré bien, pero no saben que morí cuando te fuiste ese día. Me ves de pie aquí, pero estoy lejos”. Gracias a Jerome por la sugerencia en los foros.
Habría sido imposible en 2012 acertar cómo iban a evolucionar las carreras de algunos miembros de Odd Future. Tyler, the Creator se ha convertido en una superestrella, Frank Ocean ha desaparecido tras entregar dos obras maestras y Earl Sweatshirt… ¿Sigue haciendo lo mismo? A nivel musical, puede que sí, pero está lejos de ser la misma persona. En su quinto álbum, el rapero estadounidense describe los cambios por los que han pasado tanto su carrera como su vida personal -ahora es padre de dos- y entrega su proyecto más inspirador.
Desde el monólogo del cómico The Mandal Man al final de ‘gsw vs sac’ («Haz algo, actívate»), queda claro que ‘Live Laugh Love’ es el proyecto de madurez de Earl Sweatshirt. Su disco feliz, por así decirlo. Una cara del artista que no habíamos conocido, desde luego no con discos como ‘I Don’t Like Shit, I Don’t Go Outside’ o ‘Doris’. En este sentido, Earl siempre ha sido tanto un ‘outsider’ como una anomalía, moviéndose en el rap experimental y profundamente personal, a menudo describiendo sus problemas con la depresión, pero consiguiendo un nivel de atención mediática poco común para lo demandante que resulta su música.
Esto no cambia con ‘Live Laugh Love’, siendo un LP brutalmente detallado, no solo con la proporción de samples por metro cuadrado (el de ‘Hey Ya!’ en ‘FORGE’ es fácil de ignorar), sino por las múltiples capas que el artista es capaz de condensar en una sola frase. La escucha activa es obligatoria para sacarle todo el jugo a la música, porque la voz de Earl no es precisamente la más expresiva. Se hace enorme con las barras, pudiendo describir el sonido que hace un estómago vacío de la forma más poética posible: «El zumbido grave del hambre tenía a mi estómago cantando una canción de tristeza», rapea en ‘INFATUATION’, una obra maestra en sí misma en lo que a metáforas se refiere.
La hipnótica producción de Black Noise, Child Actor, Navy Blue y el propio Earl es el perfecto acompañamiento para sus filigranas líricas, ya sea el desfile medieval de ‘Static’ o el fragmentado soul de ‘TOURMALINE’. Esta es a la vez una de las canciones más especiales del proyecto, tanto por ser una de las más positivas de su discografía como por ser la única en la que se atreve a esbozar una melodía vocal. Por algo es la más escuchada del LP.
El título de ‘Live Laugh Love’ resulta un elemento clave para entender la temática principal del álbum. Es una frase que prácticamente se ha convertido en un meme gracias a muebles de IKEA o a cuestionables captions de Instagram. Algo de lo que el joven Earl se habría reído hasta la saciedad, pero que le ha tocado una nueva fibra al convertirse en padre: «La broma se volvió contra mí […] Si alguien dice ‘live, laugh, love’ y tienes hijos, tu respuesta es ‘exacto, hermano'», contó en Popcast.
Es por ello que gran parte de las letras muestran a Earl actualizando los pensamientos que tenía con 16 años y explicando cómo el paso del tiempo y el desarrollo de su propia vida le han abierto los ojos. Si antes sentía resentimiento por su padre, ahora ha encontrado paz: «Le di a mi bebé el apellido y el parecido de mi padre / Abrazando las señales, enfrentándose al fuego», reflexiona en ‘exhaust’. Si antes pensaba que sus problemas solo le afectaban a él, ahora lo ve con perspectiva: «Estoy pidiendo perdón por el dolor que causé», rapea en ‘CRISCO’. En las últimas palabras del disco, algo para reflexionar: «Al final, solo estáis tú y lo que sea que pienses».
Earl Sweatshirt actuará mañana, jueves 19 de febrero, en la Sala Apolo de Barcelona. Entradas todavía disponibles, desde 30€.
La caída de Luna Ki en Benidorm Fest ha sido la mayor decepción de esta 5ª edición. Era una de las pocas artistas que tenía un background detrás. Su abandono hace unos años por haberse presentado con una canción que requería Auto-Tune estuvo en boca de todo el mundo. Menos se habla de que Luna Ki era una de las pocas aspirantes a la Sirenita de Oro con un relato: hits como ‘Septiembre’, un discurso como artista no binarie y cierta solvencia en vivo. Tuve la ocasión de verla en concierto durante una edición de Brava y a mí al menos me atrapó.
Poco se habla también de que ‘CL34N‘, el primer disco de Luna Ki, estaba bastante bien por mucho que ya no la represente. Seguidora de Lady Gaga, ahora parece estar en una etapa más ‘Joanne’, más desnuda, de «quitarse capas», materializada en la balada a piano ‘No soy diosa’. Pero eso no hace viejas canciones como ‘Voy a morir’ o ‘Febrero‘ menos válidas.
Aquel «Me voy a correr, me voy a mear, abre la boca y dime AH» es historia del género gamberro, llámese electroclash, trap o hyper pop. Era el momento más gráfico de un álbum que incluía un tema llamado ‘Putón’ y un dúo con Lola Indigo, ‘Piketaison’.
Estos días escuchando música de Luna Ki, he recordado que aquel álbum contenía una preciosa canción junto a Babi, lo cual es muy significativo. Tras su retirada de Benidorm Fest durante la primera semifinal por una crisis de ansiedad, Luna Ki ha declarado, tirando del título de su tema ‘Bomba de amor’, que «la bomba le ha caído a ella».
Como era de esperar en tiempos de malismo, en tiempos en que parece que hay que aplicar una teoría de la conspiración a todo, su decisión ha topado con bastante incomprensión por parte de la audiencia. «Si no vales para torear, para qué te metes» y argumentos así.
De unos años de cierta conciencia sobre la salud mental, parecemos estar pasando a la opinión generalizada de que la salud mental no puede ser una excusa para todo. Como no tengo el expediente médico de Luna Ki, ni personalmente tampoco lo necesito, prefiero hablar de que estemos sobreentendiendo que un artista tenga que estar preparado para el foco y la presión mediáticos per se.
Es posible que Luna Ki no se haya dado cuenta de sus límites hasta encontrarse en una retransmisión en directo frente a audiencia millonaria, y miles de personas gritando; también es posible que sólo haya tenido un mal día. Pero estos problemas no son nuevos para quienes se hayan informado sobre los casos de Zayn, que tuvo problemas de pánico escénico después de estar en una de las bandas más famosas del globo; de Pastora Soler, que pasó por el mismo trago después de haber estado en un evento del tamaño de Eurovisión; o de Miley Cyrus, que asegura que le parece «desolador» actuar en estadios de 100.000 personas.
Y está el caso de Babi, que hace ya 5 años cantaba junto a Luna Ki un estupendo tema llamado ‘Disney’. Babi es una artista que lleva casi una década en esto, no actúa en directo, no rueda grandes videoclips, apenas tiene redes sociales y jamás concede entrevistas. No le gusta estar en el foco, ella ha tomado esa decisión y sus streams monstruosos le permiten vivir de la música, de los derechos de autor que genera con cientos de millones de reproducciones. Suele escribir sola, no comparte créditos con 15 personas como está de moda hoy, y eso ayuda.
Ahora hace un año que no sabemos nada de Babi, pero quizá sus últimas canciones hablen por sí solas. O estén realizando algún tipo de juego con el oyente. ‘Clean’, junto a Oktoba, iba sobre estar superando la agorafobia: «Volví a ser mía / Volando en el ala de psiquiatría». ‘Sutura‘, la penúltima que nos dio, brillante en su estribillo «me alejo de ti porque no sé querer / igual que no bebo porque no sé beber», rimaba «depresión de caballo, ansiedad galopante» con «un par de ovarios acojonantes». Contradicciones que podrían alumbrar el camino de Luna Ki tanto como esta estrofa:
«Mirando al vacío, los coches pasan
No me asomo que sé que me ingresan
Me llaman cobarde y en qué se basan
Cuando mueran en vida ya me lo cuentan»
Estaba buscando una foto de Luna Ki con Babi de la era ‘Disney’ (2021) para ilustrar este artículo, que evidentemente no existe. Y quizá sea mejor así. Puede que no la necesitemos tanto como el recuerdo de que algún día se nos fue la olla de lo lindo con lo que significa esta cultura de la imagen -en la última década en torno al vídeo porque una imagen no bastaba-, y de la exposición mediática.
A raíz de un artículo sobre la infelicidad de los jóvenes actuales tras un estudio con millones de entrevistas que se ha realizado durante décadas, el sociólogo Jonathan Haidt situaba las redes como causa directa de ese malestar tan asociado a las nuevas generaciones: «Las redes sociales son una causa sustancial —no solo una pequeña correlación— de la depresión y la ansiedad, y por tanto de conductas asociadas a estas enfermedades, incluida la autolesión y el suicidio».
En épocas en que se ha asimilado que para desarrollar una carrera tienes que exponerte en redes, hay que recordar que también pueden existir otros caminos para los autores al margen de actuar en vivo, salir en televisión o ser juzgado constantemente en Instagram y X. Desde luego no todo el mundo puede hacer los números de Babi, pero recordemos cómo Julio de la Rosa y Remate se reciclaron a través de bandas sonoras y sincronizaciones en series, y que hay artistas que simplemente han pasado de realizar giras, como Enya o Kate Bush. Algunos incluso han convivido toda su vida con su miedo escénico, como Brian Wilson, Axl Rose o Cat Power. Los seguidores de esta artista siempre supimos que al ir a verla podía ocurrir cualquier cosa -un día se echaba a llorar, otro repartía pegatinas- y simplemente aceptamos que no pasaba nada.
Bad Bunny continúa en el número 1 de la lista de discos española, además con el mayor aumento en número de copias de la semana. Las razones son dos: la Super Bowl y la tardía edición en vinilo. Más de un año después de su edición, ‘Debí tirar más fotos’ entra directo al número 1 en la tabla de vinilos.
La entrada más fuerte es la de 091 con su disco ‘Espejismo nº9’. Llegan directos al puesto 4, gracias a la buena aceptación de singles como ‘No tiene sentido escapar’, ‘Antes de que salga el sol’ o ‘Algo parecido a un sueño’. Su álbum de 2019, ‘La otra vida’, había quedado en el puesto 5, por lo que esta es su mejor marca histórica.
También hay que hablar de la subida de MVRK, que pasa del puesto 28 al puesto 3 con ‘Pórtate bien!’. El madrileño -en concreto de Vallecas- se postula como una de las revelaciones de la temporada, teniendo solo por delante a Bad Bunny y a Rosalía. Recientemente actuaba en el Movistar Arena.
En cuanto a entradas internacionales, tenemos ‘Piss in the Wind’ de Joji en el puesto 15; a Robbie Williams en el número 41 con ‘BRITPOP‘ (reciente número 1 en UK); y a J Cole con ‘The Fall-Off’ en el puesto 89 (reciente número 1 en USA).
Otras entradas son ‘La Calma’ de El Kanka en el puesto 14, ‘Todo lo alto que quiera’ de Paula Mattheus en el puesto 19, ’10 locos años descalzos’ de Pedro Pastor en el puesto 68, ‘Forever’ de María Escarmiento en el puesto 84, ‘IO Canto 2’ de Laura Pausini en el puesto 90 y ‘Cerezos en flor’ de Luis Fercan en el 94.
Nuestro podcast para Fundación SGAE, ALGO CAMBIÓ…, arranca tercera temporada por todo lo alto. Este viernes 20 de febrero se publica ‘AMA’ de Maria Arnal, que ella misma considera «un debut» porque cuando empezó, «no tenía ni idea de nada». Se dice pronto para alguien que hace 9 años se merendaba una canción tan apasionada como ‘Tú que vienes a rondarme’ o incluso ganaba el Premio Ruido a Mejor Disco del Año por ‘Clamor’ junto a Marcel Bagès. Maria Arnal visita ALGO CAMBIÓ… para hablar de este formidable nuevo álbum y de inteligencia artificial.
Arnal nos explica su amplia experiencia con la tecnología, nos habla de su amistad con Holly Herndon -pionera y defensora de la IA– y nos recuerda que hay que distinguir entre diferentes formas de inteligencia artificial. «IA no hay una, hay millones. Yo odio la IA generativa de música. Eso me parece súper cutre y nada que haya escuchado de esto me parece interesante. Yo la uso para reproducir mi voz, no la de otra persona: mi voz, que es mi instrumento, y de manera artesanal, con mis propios datasets. Para que funcione un modelo tienes que tener tus materiales. Igual que para cocinar necesitas tener la nevera llena. Si tú le das pescado, no te va a salir carne. Lo que hacemos es experimentar con los datasets».
Arnal defiende el uso experimental de la tecnología aunque sea para equivocarnos, y demanda una regulación al respecto: «La tecnología está definiendo nuestra era y como artistas necesitamos poder experimentar, entender si algo es interesante o no, si nos inspira o no, si es ético o no. Construir una ética sobre este uso. Luchar por regularla de una manera o de otra. La IA no es autónoma, hay una persona detrás decidiendo». La artista sí manifiesta su preocupación por «la falta de atención» que estamos desarrollando las personas de nuestros días.
En una larga conversación de casi una hora de duración, Arnal nos recuerda que ha cantado «en camiones y en bodas», y ha trabajado también de acomodadora. «He picado piedra y eso se nota después», indica subrayando que se ha rodeado de gente del cine y del teatro y eso le ha servido para el concepto tan teatral de sus directos.
Pese a los experimentos, entiende el inminente ‘AMA’ como su «disco más pop» y además quería que fuera corto (dura algo menos de media hora): «Que tengas ganas de volver a empezar. La última y la primera son un volver a empezar». Se trata de un álbum en el que la voz está en el centro y hay un gran interés por desarrollar lo polifónico. Muchas canciones están hechas a partir de improvisaciones de voz.
Ese carácter más pop no impide que estemos ante un álbum profundo, que se conforma en parte por cartas sin enviar. En uno de los momentos más emocionantes de la entrevista, Maria Arnal nos cuenta que este álbum está dedicado a su prima, con la que jugaba de pequeña, y falleció con VIH. Se contagió mamando el pecho de su madre, lo cual está relacionado con la M y la A del título del álbum. Además, «AMA» eran las iniciales de esta familiar.
En la segunda parte del podcast, Cristina Perpiñá-Robert, directora general de SGAE, nos habla de un interesante estudio sobre IA que esta corporación publicó hace unos meses. Se entrevistó a más de 1.200 creadores, y se concluyó que la IA podría reducir hasta un 28 % los ingresos por derechos de autor musicales para el año 2028. Un 34% de las personas encuestadas reconocían haber utilizado herramientas de IA en algún momento, y un 17% adicional expresaban ya en el momento de la entrevista su intención de hacerlo próximamente.
Cristina Perpiñá-Robert se muestra favorable al uso de IA para la creación pero denuncia la pérdida de trabajo que puede representar: «Los autores ven que se les va a desplazar del negocio. Hay un efecto de canibalización. No solo se está usando inteligencia artificial por medio de estas herramientas mediante las que se ha alimentado a la máquina con obras sin autorización, y eso es un debate que hay que tener. Sino que sobre todo hay una enorme preocupación porque van a perder sus puestos de trabajo. Hay varios sectores en los que se dice «no necesito al músico: puedo usar un modelo de inteligencia artificial para generar música». Y esto es ya una realidad, no es un miedo de cara al futuro. En la música de publicidad, electrónica, de fondo, en jingles… ya se está usando inteligencia artificial y si se usa inteligencia artificial, no se está contratando al músico».
Lana del Rey estrena finalmente un nuevo tema extraído de su próximo disco, que ha cambiado varias veces de nombre y forma, y aún no tiene fecha de edición ni tracklist confirmado. Solo rumoreado.
Como vaticinaba su teaser dejado en redes, ‘White Feather Hawk Tail Deer Hunter’, nuestra Canción del Día este miércoles, es oscura e inquietante, con toques de banda sonora e inspiración en décadas remotas del siglo XX. Durante un par de segundos, contiene un arreglo muy español, tipo Manuel de Falla, zarzuela o pasodoble.
El carácter fantasmagórico de los primeros segundos -sacados de ‘Laura’ de Ella Fitzgerald- se corresponde con una letra también fantasmal, no exenta de humor en sus menciones a la cocaína y a la cocina. De hecho, bromea sobre lo «mal que se le da el horno» en un tema que contiene créditos de su hermana, de su cuñado y de su propio esposo, Jeremy Dufrene.
El título de la canción ya era uno de sus juegos de palabras imposibles, con referencias a un halcón blanco y a un cazador. 100% Lana del Rey, «White Feather Hawk» contiene una estrofa que confiesa: «todo el mundo sabe que he tenido problemas, pero han pasado tres veranos, y sé que es extraño verme cocinar para mi marido».
Entre expresiones como «positively voodoo» y rimas como «Whoopsie-daisy, do you think it’s okay? / Whoopsie-daisy, deposition cocaine», estamos ante una de las grabaciones más divertidas y distintivas de una Lana del Rey que iba agradeciendo algún tipo de movimiento hacia adelante. Parece que este ya no va a ser aquel disco de country en absoluto.
Shia LaBeouf, en su momento uno de los más queridos de la cultura pop por sus vídeos con Sia o Sigur Rós, su relación con FKA twigs y sus papeles en películas como ‘Nymphomaniac‘, no levanta cabeza. Las últimas noticias le sitúan detenido en el Mardi Gras, el carnaval de Nueva Orleans.
El actor ha sido detenido por dos cargos de agresión por los que tendrá que comparecer ante el juez la próxima semana. Shia LaBeouf ya había sido visto en actitud errática durante los días previos del Carnaval. Según El País, había aparecido en bares, clubs de fumadores y clubs de jazz, en ocasiones sin camiseta y sin dinero, tratando de aprovecharse de su fama.
Según algunos testimonios, incluso ha «aterrorizado» a asistentes del Carnaval al acercarse a transeúntes desconocidos, e incluso tocándolos. En un vídeo de TMZ se le ve recibiendo atención médica, y en otro, siendo reducido.
Shia LaBeouf ha asociado su mal comportamiento en público en el pasado con el abuso de sustancias, traumas no tratados y un trastorno de estrés postraumático de su infancia.
De unos años a esta parte, Wednesday se han convertido, por méritos propios, en uno de los grupos más importantes del rock underground contemporáneo. Su mezcla de country, grunge y punk es un cóctel que, pese al identificable sabor de todos sus ingredientes, logra encontrar una deliciosa personalidad propia. Y este domingo en la Sala Copérnico de Madrid, la banda de Carolina del Norte nos dio de beber hasta dejarnos con una embriaguez eufórica.
Rodeada de los cuatro miembros de su banda ̶ Alan Miller (batería), Xandy Chelmis (pedal steel), Ethan Baechtold (bajo) y Jake Puch (guitarra) sustituyendo a MJ Lenderman ̶, la vocalista Karly Harztman irrumpió en el escenario como un huracán. Su presencia es eléctrica, carismática y graciosa, por lo que no tardó nada en meterse a los asistentes en el bolsillo. De hecho, afirmó que nunca se había sentido tan cómoda tan rápido ante un público. Lo primero que hizo fue recordar que era la segunda vez que tocaban en la capital española, que la primera vez fue en aquella edición fallida del Primavera Sound y bromeó diciendo que lo habían cancelado por ellos.
Desde el principio la gente saltaba, cantaba y gritaba entre canción y canción, creando una atmósfera cálida y vibrante. El concierto comenzó con un trío de canciones de diferentes discos: ‘Reality TV Argument Bleeds’, de su último álbum; ‘Got Shocked’ de ‘Rat Saw God’ y ‘Fate Is…’ de ‘I Was Trying to Describe You To Someone’. Aunque, evidentemente, la mayor parte de la velada estuvo dedicada a ‘Bleeds’, del que sonaron 10 canciones (las dos únicas que no lo hicieron fueron las baladas ‘The Way Love Goes’ y ‘Caroline Murder Suicide’).
La intención, pues, estaba clara: los momentos tranquilos (‘Formula One’ fue el único) no interesaban demasiado. Estábamos allí para movernos y chillar, ya fuera con un número country-rock como ‘Phish Pepsi’, que nos trasladaba directos a un pub en algún lugar recóndito de Carolina del Norte, o con el shoegaze tétrico de ‘Toothache’.
Y nos movimos y chillamos y exorcizamos nuestros demonios con canciones como la maravillosa ‘Quarry’, en la que varias personas entre el público comenzaron a hacer crowdsurfing. Hartzman contó que acababan de estar en gira por Asia y por los países escandinavos, y que allí la gente, aunque hicieran “mosh pits”, era más reservada, mientras que aquí estaba encantada porque no tenía ni que pedirlo. Eso sí, al ver que el ambiente se hacía cada vez más punk, la cantante invitó a quien quisiera meterse en el pogo y bailar a lo loco hacia delante y a quien no, que se echara hacia los lados. Lo más importante para ella era que nadie se hiciera daño y que todo el mundo se lo pasara bien.
Este último tercio del concierto estuvo dedicado a sus canciones más dadas al frenesí rockero, tanto que incluso en ‘Elderberry Wine’, una canción que la propia cantante definió como un momento “sing-along”, había gente haciendo crowdsurfing. Hartzman se reía mirándolos mientras cantaba. La conexión entre la banda y el público era absoluta, lo que hizo que el espectáculo se convirtiera en un auténtico disfrute. Aún más desenfreno llegó con ‘Bitter Everyday’ y ‘Townies’, siendo esta última particularmente gloriosa.
Para terminar, Hartzman anunció que no habría bis porque tras las dos últimas canciones que le quedaban ya no podría seguir forzando la voz. Se entiende perfectamente pues eran ‘Bull Believer’ y ‘Wasp’. La primera es una de las mejores canciones de todo el catálogo de la banda, un tensísimo ejercicio de noise rock lleno de gritos furiosos. Antes de interpretarla, la cantante dijo que en los últimos tiempos cantarla le servía para canalizar su rabia por el momento incierto y horrible en el que se encuentra el mundo.
Mencionó las redadas del ICE en Estados Unidos, que asustan y horrorizan a cualquier persona que tenga dos dedos de frente; explicó su reciente partida de la agencia Wasserman tras aparecer el nombre de su CEO en los archivos de Epstein y mostró su indignación ante el encubrimiento absolutamente intolerable de los pedófilos. Terminó su discurso con un “Free Palestine”. Y ‘Wasp’, cantada entera con voz gutural, cerró el concierto con fuerza, dejando al personal con la adrenalina acumulada en el pecho y el vello erizado. Salimos todos de allí borrachos de euforia. De repente, los pogos cobraban un sentido político; el rock era la única cura posible ante la impotencia de un panorama desolador.
MAYO ha concursado en la V Edición de Benidorm Fest, clasificándose para la final, pero quedando 11º. Solo le libró del último lugar el televoto, para el que fue 4º. Una vez terminada esta etapa, el cantante ha decidido acudir a las redes para pedir que se deje de criticar su delgadez y la de sus bailarines.
El que fuera concursante de Operación Triunfo asegura que no le afectan mucho las críticas a su cuerpo a día de hoy, pero reconoce que sí lo ha hecho en el pasado, y le preocupa sobre todo por la gente joven que le sigue.
Indica sobre ese sector más vulnerable: «Estoy harto de que tengan que ver este tipo de reacciones siempre que aparezco en algún evento con repercusión mediática».
Continúa: «uno de los complejos más grandes que he tenido en mi vida es ser delgado, he tenido muchas etapas en las que no me ha gustado ir a la playa o la piscina por no quitarme la camiseta. Hoy en día muestro mucho mi cuerpo, porque quiero empoderar a la gente a que se muestre tal como es. Quiero servir de inspiración para que todos sean más libres».
Finalmente habla de las acusaciones de gordofobia que suele recibir: «No está bien opinar del cuerpo de la gente, no tenéis ni idea de las batallas que pueda tener cada uno con su cuerpo, y en muchas ocasiones se me acusa a mí de gordofobia o de promover la delgadez cuando lo que intento es exponerme para mostrar otras realidades, otros cuerpos».
MAYO responde a las criticas sobre su fisco y el de su cuerpo de baile:
“no esta bien opinar del cuerpo de la gente, no tenéis ni idea de las batallas que tiene la gente con su cuerpo. muchas veces se me acusa de gordofobia y promocionar la delgadez cuando yo lo que intento es… pic.twitter.com/niKYGNWrFQ
Demasiados años después de los albores de PC Music, incluso demasiado tiempo después del fin del sello, sobre todo se habla de Danny L Harle por dos cosas: por lo que moló su disco anterior, ‘Harlecore‘, uno de los mejores exponentes de su variada labor como productor; y por lo que poco que moló su trabajo en los tracks del último disco de Dua Lipa, del que solo se salvaban los singles.
Este nuevo álbum de Danny no esclarece demasiado si sus próximos años son prometedores y sudaremos todo en sus sesiones, o si por el contrario podemos hablar de cierto estancamiento creativo e incluso sudaremos de ir a verle.
Los singles de adelanto no fueron una decepción para nadie. ‘Azimuth’ es una búsqueda de uno mismo -o de una misma- que se eleva gracias al canto de sirena de Caroline Polachek. Pocas canciones han aunado espiritualidad, new-age y trance con tanta maña. Puede ser la grabación de Danny L Harle que más recordemos cuando pasen unos años y nos den igual los géneros que hayan estado de moda o demodé; qué llegó antes y quién lo hizo tarde. Además, Polachek vuelve para un tema que parece la otra cara de la moneda, ‘On & On’.
Cumple igualmente Pinkpantheress en otro de los sencillos, uno de los temas más «hardcore», ‘Starlight’, el que supuso el regreso de Danny tras unos años de descanso y su bienvenida a XL Recordings. En verdad estamos ante un álbum con colaboraciones de frotarse los ojos, lo que incluye desde Julia Michaels (‘Raft in the Sea’) a Oklou y MNEK (‘Crystallise My Tears’), pasando por Clairo para un interludio de un minuto que aparece después de ‘Azimuth’ y reincide en su carácter zen.
Si en el disco de Blood Orange tenía sentido contar con alguien del tamaño de Lorde para entonar una única frase porque esa frase podía ser la más escalofriante de todo el proyecto, aquí el elenco sabe un poco desaprovechado. Dua Lipa, la misma Dua Lipa que llena arenas, aparece en la pista 10, ‘Two Hearts’, un corte electropop, que debería ser más bombástico o más chirriante, y desde luego menos Robyn. No tiene sentido llamar a Dua Lipa para algo simplemente correcto.
Con momentos de música clásica (‘Noctilucence’), un ataque de acordeón (‘Island’), y algo de ambient (‘Teardrop in the Ocean’), ‘Cerulean’ no es un disco exento de virtudes, pero sí uno que demanda cierta concreción por parte de un creador vinculado a artistas tan pioneras como Charli XCX o SOPHIE.
Además de contener pistas que pasan desapercibidas como ‘Laa’ y ‘O Now Am I Truly Lost’, cuando se termina de liar Danny L Harle es cuando nos dice que este es su «verdadero debut». Un disco inspirado por cosas tan dispares como la peli ‘Stalker’ de Andrei Tarkovsky, la ópera ‘Einstein on the Beach’ de Philip Glass, la música de la serie de videojuegos ‘Dark Souls’ y compositores de los siglos XVI, XVII y XVIII como Monteverdi, Thomas Tallis y William Byrd. ‘Harlecore’, con la excusa de inspirarse en los diversos escenarios de un festival, tenía mejor concepto.
La ganadora de Benidorm Fest ha empezado su incursión en listas de streaming. Es la primera canción de la 5ª edición que lo consigue. Que Eurovisión no sea el destino del certamen ha pesado de cara a la expectación previa a Benidorm Fest y a la audiencia definitiva de su final, que ha perdido un millón de espectadores. Sin embargo, hay esperanza para la marca.
‘T amaré’ entraba este domingo al puesto 58 de Spotify España, lejos de los resultados de ‘Slomo’, ‘Zorra’ o ‘Esa diva’, pero por encima de lo que en su momento conseguía Blanca Paloma. Curiosamente, aunque Spotify es el «partner» oficial de Benidorm Fest, Apple Music está ofreciendo mejores resultados para ‘T amaré’: si ayer la encontrábamos en el puesto 48, hoy sube al puesto 44. En Spotify, en cambio, baja este lunes al número 75. Ya sabéis que Spotify España es muy reticente a promocionar voces femeninas. En este artículo os ofrecemos, al margen de los resultados comerciales, una opinión en contra y otra a favor del tema de Tony Grox y LUCYCALYS.
A favor de ‘T amaré’
«‘T AMARÉ’ no es una obra maestra en ningún sentido, al igual que el resto de canciones presentadas en el Benidorm Fest, pero tiene algo que sí suele escasear en este tipo de formatos: parece una canción de verdad. No sé si es por la melodía, digna de un Top 40 España, o las letras, asépticas y alejadas de cualquier cosa que sea cursi, ridícula o moralizante, pero ‘T AMARÉ’ es incapaz de provocar vergüenza ajena porque no suena a concurso. Precisamente, es por todo esto que ‘Bomba de Amor’ era tan buen tema.
Tony Grox y LUCYCALYS han hecho una canción que encajaría en la radio, pero que a la vez goza de una producción lo suficientemente interesante y diversa como para ser presentada dignamente en espacios como el Benidorm Fest. ¿La ironía? Nos habría ido muy bien en Eurovisión». Gabriel Cárcoba.
En contra de ‘T amaré’
«Nos cuenta en un podcast Cristina Perpiñá-Robert que la inteligencia artificial generativa de momento está afectando más a los autores que trabajan en entornos publicitarios. ‘T amaré’ parece directamente el resultado de que alguien le haya pedido a la IA que genere un tema de flamenquito, dance y chill que pudiera llevarse el televoto español en el Benidorm Fest, a la vez que atrapar al jurado, y finalmente incorporarse en cortinillas de RTVE a todas horas. Solo así puede explicarse que una canción llamada ‘T amaré’ suene tan fría, casi congelada, con letras tan automáticas como «En verano mi brisa y en invierno mi abrigo».
Estamos ante una canción agradable, bailable, nada molesta, que ojalá arrase porque Benidorm Fest lo va a agradecer. Pero digamos que no despierta ninguna curiosidad sobre los próximos pasos artísticos ni del productor Tony Grox ni de la vocalista LUCYCALYS. Relato detrás de los artistas aspirantes es una de las cosas que se echa en falta en el certamen, mina de «one hit wonders» donde los haya. Más artistas con background, por favor, aunque la cosa acabe como lo de Luna Ki». Sebas E. Alonso.
Ofenbach siguen siendo la confirmación de que pocas cosas pueden salir mal de un dúo de electrónica francesa. Antes que Dorian Lo y César de Rumme estaban los ejemplos de Daft Punk, Polo & Pan o Justice. Es por ello que la cita barcelonesa del grupo, que actuará este miércoles en La 2 de la Sala Apolo, es casi obligatoria para los amantes del clubbing.
Ya el año pasado, Dorian y César pusieron a La Paloma a bailar con su disco-funk electrónico y melódico. Mañana, miércoles 18 de febrero, Ofenbach vuelven a la ciudad con su certero catálogo de rompepistas. Las entradas están a la venta desde 25 euros más gastos de distribución, pero puedes tener un descuento del 7% en Fever si eres cliente de Revolut.
‘Miles Away’, uno de sus singles más recientes, estará a buen seguro en un set lleno de temas tan pegadizos como preparados para perderse en el baile. Como dice esta canción, para «quedarse para siempre». En el set se esperan piezas ya clásicas de su repertorio que suman millones de streams a cientos, como son ‘Be Mine’, ‘Overdrive’ y ‘Wasted Love’. ‘Human’ es su último lanzamiento, himno del Six Invitational, el torneo mundial anual de Rainbow Six Siege.
Mallorca Live ha anunciado su segundo avance de cartel, después de las confirmaciones de Cypress Hill, The Prodigy o Aitana. La banda británica Kaiser Chiefs no pudo actuar en la edición de 2020, cancelada por la pandemia, pero sí presentarán este 2026 el 20º aniversario de su debut, ‘Employment’. JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador del festival, que celebrará su novena entrega los días 12 y 13 de junio en el recinto Mallorca Live de Calvià.
Los británicos no son los únicos que se suman al cartel. Son acompañados por Exsonvaldes, The Paisley Daze, La 126 y la mallorquina Maribel Mayans. Todos ellos acompañarán a artistas del nivel de The Libertines, Viva Suecia, Dani Fernández, Belén Aguilera, León Benavente, La Plazuela, Lia Kali, rusowsky, Standstill y Ultraligera, entre otros.
El festival cerrará la edición con una Closing Party encabezada por David Guetta el domingo 14 de junio. El Escenario La Plaza, que completa su apuesta para los amantes de la electrónica, incluirá los sets de Luciano, Miguelle & Tons, Mariano Mellino, Deer Jade, Parallelle (Live), ARKADYAN, DMASSO (Live), Sorä, Melohman y Bruz, que se unen a los ya anunciados Adriatique, Natasha Polké (Live), Pional y Dark Places.
Los diferentes tipos de entradas (General, VIP, Terraza, Golden y Premium) están disponibles desde 69€ en la página web de Mallorca Live y en la ticketera oficial del festival, entradas.com.
La adaptación de ‘Cumbres borrascosas’ ha llegado a la cartelera, siendo número 1 en la taquilla española, entre otras, pero dejando críticas encontradas. Por su parte, Charli XCX ha superado el reto no de hacer un tema suelto para la película, sino un disco entero que es una curiosidad.
El disco de ‘Wuthering Heights’ se presentaba con una colaboración junto a nada menos que John Cale y ha dejado distintos singles como ‘Chains of Love‘, un medio tiempo 100% Charli XCX asentado entre sus grabaciones más populares, y ‘Always Everywhere’, con vídeo propio desde el día de salida.
Pero es ‘Dying for You’ el tema que escogemos hoy como Canción del Día por su capacidad para sobrevivir al margen de la película y al mismo tiempo adaptarse a la misma.
Este «me moría por ti» encuentra imágenes apasionadas en una letra llena de «sangre», «veneno» y un inicio determinante: «desde que tengo memoria, he sentido hasta en los huesos, que me aguardaba un destino trágico, no sabía por qué, pero desde que te vi, me di cuenta de que moriría por ti».
Tan violenta letra («eres pistola para mi cabeza, la herida en mi pecho») se corresponde con una trepidante producción, en la que destaca el trabajo de la sección de cuerda. 13 violines, violas y violonchelos encontramos acreditados en este tema que hoy por hoy suena primo hermano de ‘Reliquia’ de Rosalía.
Lady Gaga cumple hoy 40 años. JENESAISPOP, probablemente el primer medio español que habló de ella en julio de 2008, es decir, un mes antes de que entrara en el Billboard Hot 100 por primera vez, ha repasado las 40 mejores canciones de Lady Gaga, a razón de una por día, durante estas últimas semanas.
Lady Gaga ha publicado unos 42 singles oficiales según la Wikipedia y este Top 40 es un recorrido por la mayoría de ellos, pero también por «deep cuts» que han servido para definirla como artista. Este repaso sirve para recordar a la performer que nos conquistó en una gala de Miss Universo, desarrolló enseguida espectaculares videoclips y presentaciones en MTV, se diferenció de otras estrellas pop por su querencia por el rock metalero y el jazz, y dejó también algunos momentos vulnerables.
El Top 40 de Mejores Canciones de Lady Gaga ha sido elaborado con los votos de 5 miembros de nuestro staff: Raúl Guillén, Fernando García, Mireia Pería, Jordi Bardají y Sebas E. Alonso. El objetivo ha sido compilar visiones distintas sobre una carrera muy diversa, que ha terminado siendo determinante para otros artistas como Kesha, Ava Max, Kim Petras, Sam Smith o últimamente Chappell Roan. La playlist ya está disponible en Spotify y Apple Music.
‘Bad Romance’ marca el momento en que Lady Gaga pasa de ser una gran promesa del pop a convertirse en el fenómeno cultural que definirá una era. Número 1 en una veintena de países, ‘Bad Romance’ consolida a Gaga internacionalmente, proponiendo un estilo musical inconfundible que parte de su alianza previa con RedOne para llevar la música a un terreno más teatral y oscuro. Gaga la escribe durante la gira de ‘The Fame’, inspirándose en las relaciones románticas «poco saludables» que mantiene durante esa época, y en la música electrónica que escucha en sus viajes por Europa del Este, que también influye en el sonido de la canción.
Presentada en primicia durante un medley al piano en Saturday Night Live, semanas antes de su lanzamiento, ‘Bad Romance’ es una gran oda al amor, pero con el enfoque invertido: el amor es «malo», feo, enfermizo, macabro. Gaga reivindica así su voluntad de amar hasta las últimas consecuencias, aceptando el lado oscuro de la persona: «I want your ugly, I want your disease / I want your everything as long as it’s free», rima la artista. Gaga canta en un registro perverso, recordando por momentos a Marilyn Manson en la forma en que alarga la frase «I want your looove» en las estrofas.
Pero ningún elemento de ‘Bad Romance’ es más icónico que su melódico, coreable y grandioso estribillo de «oh, oh, ohs», además del recurso onomatopéyico de «ga ga ra ma ma» que construye otro gancho inolvidable y que después ella misma retomará en ‘Abracadabra’. ‘Bad Romance’ condensa todos los elementos que convierten a Lady Gaga en Lady Gaga, incluido ese puente que evoca los cánticos de los desfiles de voguing: «Walk, walk, fashion, baby / Work it, move that bitch, crazy». Muchos nos hacemos fans justamente aquí.
Por si fuera poco el delirio febril de la progresión de ‘Bad Romance’ y su bombástica producción, no exenta de detalles, el videoclip termina de forjar el fenómeno, inaugurando una nueva era para los videoclips largos y de alto presupuesto solo comparable a la época dorada de MTV. Ya habíamos visto de qué era capaz Gaga en el clip de ‘Paparazzi’, pero el futurista vídeo de ‘Bad Romance’, con vestimentas imposibles, coreografías hipnóticas y un secuestro a manos de la mafia rusa, escapaba ya a toda imaginación. Jordi Bardají.
‘Poker Face’ es el comienzo de muchas cosas. Es el primer signature song de Lady Gaga (porque después habrá otros). Es su primer videoclip de alto presupuesto, en el que nace realmente Lady Gaga, la superestrella. Y es también el tema que confirma su propuesta como artista visual, aquella capaz de dar una rueda de prensa con la cara completamente cubierta por una máscara. Nos sorprenderá, pero no nos parecerá raro. Empezaremos a entender el personaje.
Nunca olvidaré la observación que hizo Alejandro Sanz -of all people- sobre Lady Gaga, cuando aseguró que no apreciaba el vanguardismo de sus estilismos en ninguna de sus canciones. Saco el tema porque, visto con el tiempo, hoy es tan imposible no darle la razón a Sanz como no reconocer que Lady Gaga ya estaba lanzando clásicos colosales del pop, aunque fuera demasiado pronto para saberlo.
‘Poker Face’ era otra producción de RedOne llena de tartamudeos, pero esta vez sofisticaba la propuesta de ‘Just Dance’, oscureciendo el tono, refinando los sintetizadores e incluyendo un gancho vocal irresistible inspirado en ‘Ma Baker’ (1977) de Boney M. Si ‘Just Dance’ era pop-dance con un punto trash, ‘Poker Face’ era pop-dance con un punto electro, allanando el camino para el feísmo de ‘Bad Romance’, pero sin llegar aún a lo macabro.
‘Poker Face’ es inusual en la discografía de Gaga por su interpolación de un viejo hit, pero también es muy representativa de los pegadizos temas que escribía en esta época, cuando no se complicaba tanto la vida. Contándonos una historia de amor y sexo inspirada en su bisexualidad, Gaga se apropiaba de la expresión «Poker Face» de la misma manera que la palabra «Umbrella» pasaría a pertenecer a Rihanna, unos años atrás. Jordi Bardají
‘Telephone’ mola tanto que 16 años después todavía estamos suplicando una secuela, sugerida al final de su vídeo, 1000 veces rumoreada, que mole tan sólo una décima parte que la primera, o solo un poquito más que ‘Video Phone’. Lady Gaga hizo lo que hacen las personas listas cuando ganan algo de dinero: invertir en crecer. En la cima de las listas dada la aceptación de ‘Poker Face’ o ‘Bad Romance’, la artista se embarcó en una superproducción videográfica de la mano del reputado director Jonas Åkerlund.
‘Telephone’ es un hilarante corto de casi 10 minutos, de temática carcelaria, posterior a ‘Prison Break’, pero anterior al feminismo, la sororidad y el rollo bollo de ‘Orange Is the New Black’. Tarantino, en concreto ‘Pulp Fiction’ y ‘Kill Bill’, es el espejo en el que se mira, sumando la marca de la casa: vestuarios imposibles, algunas de las mejores coreografías que Gaga haya hecho, humor («te dije que no tenía pene», los créditos programados a toda velocidad) y una aparición estelar a cargo de Beyoncé como conductora a la salida de prisión, que forma parte de la historia del pop desde el momento en que salió. El vídeo es una secuela de ‘Paparazzi’, donde Gaga envenenaba a su pareja por intentar asesinarla, por lo que esta otra «road movie» que se abre ofrece esperanza para las mujeres, en contrapunto al desenlace de ‘Thelma y Louise’.
Además de un gran vídeo, ‘Telephone’ es ni más ni menos que la producción más sofisticada e imaginativa que jamás haya publicado Lady Gaga, compartida con Rodney Jerkins, gracias por ejemplo a ese momento en que un teléfono colgado hace las veces de percusión.
Gaga escribió el tema para ‘Circus’ de Britney Spears, pero esta lo rechazó. El tema va sobre el miedo a dejar de pasárselo bien, ya que había dejado de ir a discotecas, como probaba el hecho de que «no hubiera imágenes suyas en clubs borracha». También sobre el «teléfono» como metáfora de la llamada de la creación. Gaga ha contado que tiene una relación difícil con ‘Telephone’ por ese motivo, no porque le parezca mala, sino más bien por lo que le costó escribirla. «Deja de llamar, ya no quiero pensar, he dejado mi cabeza y mi corazón en la pista de baile». Sebas E. Alonso.
Como sucede con muchas canciones icónicas, ‘Just Dance’ fue escrita en tan solo 10 minutos entre Lady Gaga y su productor RedOne. El día que la grabaron, su primera vez en un estudio de Hollywood de esa magnitud, la cantante tenía un resacón horrible. Lo que ella no sabía (o quizá en el fondo sí) es que estaba a punto de cambiar el curso de la música pop contemporánea. Y si esto puede sonar demasiado hiperbólico, realmente no lo es tanto.
‘Just Dance’ fue su primera canción. Un absoluto hit que, aunque no de manera inmediata, pues pasaron 5 meses hasta que llegó al número 1 en Billboard, invadió las radios (y las televisiones) de medio mundo con una autoridad pasmosa. Y llegó en un momento perfecto para propiciar ese éxito. Recordemos que era 2008 y el mundo atravesaba una crisis económica devastadora. Una canción sobre soltarse la melena, que invitaba a dejar los problemas a un lado y disfrutar sin importar nada más, era lo que muchísima gente necesitaba.
¿De dónde había salido esta tía y por qué estaba en todas partes? La respuesta, en realidad, era bien sencilla. ‘Just Dance’ hablaba por sí sola. Desde el primer segundo, esos enormes sintetizadores futuristas te transportan a la pista de baile a la velocidad del rayo. Y casi sin querer, abrían paso una nueva era para la música pop.
Gaga narra una noche ebria en la que, con la vista nublada, la camiseta del revés y sin acordarse de nada, decide que solo le queda bailar a ver si quema lo que sea que se haya tomado. Y lo hace con un poderío vocal que te vende confusión, diversión y picardía como nadie. Además, invita a Colby O’Donis a unirse a ella ¡y le sale bien! Podríamos culparla de iniciar esa insoportable moda de raperos colándose en canciones de divas pop donde no pintaban nada que tuvimos que aguantar los años posteriores, pero no se puede negar que aquí el contraste de voces y el cambio melódico que aporta el artista neoyorkino le sienta de lujo a la producción. Por último, añade el puente, que es puramente Gaga con esos “half psychotic, sick, hypnotic” para culminar por todo lo alto un electropop épico que cambió la vida de la artista, y también la nuestra. Fernando García
Hubo quien intentó acusar a Lady Gaga de “recalentar sus nachos” -lo que en lenguaje offline significa repetirse- cuando lanzó ‘Abracadabra’, el tercer single de ‘MAYHEM’ que parece el primero en realidad. Ella respondió que los nachos eran suyos y que podía hacer lo que le diera la gana con ellos, faltaría más. Pero más allá de ese aburrido debate, lo que quedó claro desde el principio al oír ‘Abracadabra’ es que, con microondas o sin él, los nachos estaban tan crujientes como el primer día. Porque sí, es inevitable pensar en la Gaga vintage cuando uno escucha esos “Abra oo nana, morta oo gaga”, o lo que sea que esté diciendo, pero a la vez, ¿cuándo fue la última vez que una canción suya nos hizo vibrar tantísimo colectivamente?
El tema fue un exitazo, de esos que a la artista hacía tiempo que no le llegaban en solitario. Y qué merecido. Nadie en su sano juicio se quedaría ni quieto ni callado si suena en una discoteca, pues como bien indica el título de la canción y parte de su letra, te hipnotiza como un hechizo. Nocturna y triunfal, ‘Abracadabra’ utiliza todo lo cosechado durante años de carrera para erigirse como uno de los mejores ejemplos del talento de Lady Gaga para hacer música pop hedonista, divertida, emocionante y hasta un poco boba (en el mejor sentido de la palabra). Porque estaremos todos de acuerdo en que «feel the beat under your feet» no es la rima más imaginativa del mundo, pero aquí no suena manida, suena eufórica y urgente. Nadie más podría firmar una canción como esta y que le saliera tan bien. Fernando García.
Lady Gaga tuvo mucha suerte con que sus tres exnovios latinos justamente tuvieran nombres que rimaban: Alejandro, Fernando, Roberto. ¡Qué casualidad! De la gorra se sacó Gaga su “chico latino” particular, solo que ella rechazaba el corazón de todos ellos, convertida en una monstrua incapaz de amar.
Curiosamente, lo más latino de ‘Alejandro’, aparte de los nombres de los chicos mencionados en la letra, y una alusión a México, son las frases que Gaga recita en una especie de español soviético. La melodía de cuerdas inicial recrea una composición en realidad húngara, ‘Csárdás’ de Vittorio Monti, y después la composición y producción de aires synth-pop y europop toman ideas prestadas de Ace of Base y de ‘Fernando’ de ABBA, resultando en una pieza de Gaga y RedOne totalmente “sota, caballo y rey”, pero efectiva.
La idea funciona y ‘Alejandro’ se convierte en otro single icónico del reinado pop de Lady Gaga, persiguiendo a todos los «Alejandros» del mundo durante un breve tiempo. Su videoclip, lleno de imaginería católica, fetish y antifascista, adelanta la oscuridad que definirá la era siguiente.
Aunque Interscope planeaba lanzar ‘Dance in the Dark’ como tercer single de ‘The Fame Monster’, Gaga batalló por ‘Alejandro’ y venció, y en 2017 la Asociación Estadounidense de Psicología (APA) le dio la razón al elegir ‘Alejandro’ como una de las canciones más pegadizas del mundo. Jordi Bardají
‘Paparazzi’ fue el quinto single de ‘The Fame’. Quizás fuera un tanto raro que la tercera mejor canción de ‘The Fame’ tardara tanto en aparecer… o no tanto: porque lo hizo en el momento idóneo. Se convirtió así en la puerta de entrada al exitazo definitivo que supuso la publicación de ‘Bad Romance’ y ‘The Fame Monster’.
No sé hasta qué punto Gaga era consciente, cuando editó ‘The Fame’, de toda la ídem que se le venía encima. Pero es sorprendente que una de las primeras canciones que compuso fuera sobre asedio mediático, como entreviendo ya el reverso tenebroso de esa fama que tanto ansiaba antes aun de conseguirla. Aunque aquí usa el acoso al que los paparazzi someten a las celebridades como metáfora del acoso obsesivo al que se somete a la persona deseada. Gaga es a la vez acosada (como celebridad) y acosadora (como amante). Otra muestra más de lo que le gustaban las canciones sobre relaciones sórdidas y no muy sanas.
Una vez más, Gaga recurre al electro ochentero, con leves reminiscencias a los primeros Depeche Mode e incluso a Hot Chip. Su voz suena particularmente dulce y juvenil, casi inocente, especialmente cuando acomete el estribillo, “I’m your biggest fan, I’ll follow you until you love me, papa-paparazzi”. Uno de los mejores de su carrera, que brilla especialmente tras las estrofas, oscuras y un tanto marciales. Hay en ‘Paparazzi’ una cierta ternura sonora, que contrasta con la chunguez de lo que canta.
‘Paparazzi’ también marca el momento en que Gaga abraza del todo la estética desbordante que va a ser su marca de fábrica. Su vídeo, la primera colaboración con Jonas Åkerlund, es un muestrario de las constantes con las que asociamos a la Gaga imperial: vídeos carísimos y rocambolescos, salpicados de humor negro, feísmo, alteraciones físicas, asesinatos y vestuarios delirantes. La vemos, entre otros, envuelta en brillante armadura, cual robot de ‘Metropolis’ en silla de ruedas. O como la gemela malvada y amarilla de Minnie Mouse, en busca de venganza ante un novio interpretado por Alexander Skarsgård. Un “más es más” que alcanzaría el delirio en las siguientes entregas. Mireia Pería.
El gran himno LGBTQ+ de Lady Gaga es este ‘Born This Way’ que titula su segundo álbum y que es político en varias capas. Gaga reconoce que es su «canción de libertad», vinculándola a la historia de las canciones por los derechos civiles, y la escribe inspirándose en ‘I Was Born This Way’, una canción de Carl Bean, un pastor homosexual, de 1977. La letra es explícita: «Soy hermosa a mi manera, porque Dios me hizo así». Gais, lesbianas, personas trans y minorías raciales (en la controvertida frase «chola or orient made») son interpelados en el puente, construyendo un himno de amor universal.
La frase «My mama told me when I was young / “We are all born superstars”» introduce una canción inmediatamente histórica y que probablemente pretende serlo también, en todo su poderío, y cuyo (vago) parecido a ‘Express Yourself’, de Madonna, desata una rivalidad entre fandoms que alcanza el delirio absoluto. Mientras Gaga asegura que ‘Born This Way’ está inspirada, en realidad, en Whitney Houston, Madonna insinúa su desdén hacia la canción en una entrevista, calificándola de «reductive» y, después, fusionándola con ‘Express Yourself’ en sus propios conciertos.
‘Born This Way’ por supuesto arrasa, alcanzando el número 1 en 25 países y siendo el 7º mayor éxito de 2011, pero también resulta tan polarizante que inaugura la sección «Veredicto» de JENESAISPOP, que continúa hasta hoy. Entonces, las virtudes de la canción (su memorable melodía, su épica composición) son tan evidentes como sus defectos, entre los que cabe señalar el sonido ruidoso y recargado de la producción. Nos costará entender que Lady Gaga nunca será fina y aprenderemos a amarla por ser ella misma.
El videoclip de ‘Born This Way’, dirigido por Nick Knight ,es uno de los últimos grandes eventos de la era YouTube, evocando los grandes lanzamientos de Michael Jackson y Madonna en la época de mayor fiebre de MTV. Rick Genest, el hombre tatuado que aparece junto a Gaga en el clip, murió en 2018 a los 32 años, y Gaga le rindió homenaje en ‘Mayhem’ en la canción que lleva su apodo: ‘Zombie Boy’. Jordi Bardají.
Lady Gaga es una pecadora de la pradera y en ‘Judas’ condensa su tendencia al pecado, representada en su amor al traidor de traidores. “I’m just a holy fool, oh baby, it’s so cruel” resulta un estribillo con altura de himno, en esta canción compuesta por al menos tres hooks muy identificativos que vuelven a recurrir a sus trucos habituales, sobre todo ese post-estribillo lleno de “oh oh ohs” que recuerda demasiado a ‘Bad Romance’.
Puede que el estilo de ‘Judas’ empezara a provocar algo de fatiga ya en el público, pues el segundo single de ‘Born this Way’ quedó lejos de igualar el éxito del primero y de los anteriores, aunque aun así fue un éxito internacional. Pero, en 2011, la saturación de Gaga alcanza su punto máximo, y ‘Judas’, en principio, sonaba reiterativa, repetitiva en su uso del simbolismo religioso.
El eurodance guarro de RedOne nunca sonó adelantado a su tiempo, pero la contundencia de la producción le ha sentado bien a ‘Judas’ con el paso de los años. Hoy por hoy, la canción supera con holgura las reproducciones de ‘Born this Way’, y el lead single del álbum ni siquiera figura ya entre sus 10 canciones más escuchadas en Spotify. ‘Judas’, en cambio, ocupa el quinto puesto y supera los mil millones de reproducciones gracias a su viralidad en TikTok.
Esto quiere decir que Gaga parecía tener razón cuando, en el puente de ‘Judas’, dando voz a María Magdalena, afirmaba hablar el idioma del futuro, y sugería a quien no le gustara que se pusiera un «condón en los oídos». El videoclip, otra locura de la Gaga imperial, está coprotagonizado por el actor Norman Reedus, conocido por su papel en ‘The Walking Dead’. Jordi Bardají
En una imagen del vídeo de ‘911’, un personaje se da de cabezazos contra el suelo. No es Lady Gaga, pero sí es Lady Gaga, pues estamos ante una de sus canciones más confesionales, la que mejor recoge los problemas mentales que ha atravesado la cantante.
La letra es explícita hasta lo doloroso: «sigo repitiendo frases de autodesprecio», «mi estado de ánimo se está volviendo maníaco», «mi mayor enemigo soy yo, llama al 112». Pero también hay lugar para el optimismo: el personaje que en el vídeo se daña a sí mismo, usa un cojín para contener el impacto.
El cojín de la artista han sido los antipsicóticos. En una entrevista con Oprah en 2019, aseguró que le habían «salvado la vida»: «Al principio no comprendía lo que me ocurría, todo mi cuerpo se entumeció. Me sentía disociada. Gritaba y el psiquiatra de emergencias me calmó y me dio olanzapina. Me ayudó a mí, a mi pareja y a mis amigos. Me salvó la vida».
Y eso se refleja también en la letra de ‘911’, que decide plantar cara a las vicisitudes: «ya he escuchado suficientes voces, casi como si no tuviera otra opción». O mejor: «intento estar en lugares hermosos, el paraíso está en mis manos».
Mientras el vídeo está inspirado en la película soviética de 1969 ‘El color de la granada’, la canción es una producción robótica, perfecta para ‘Chromatica’ e ideada junto a Justin Tranter, BloodPop y Madeon. Este último explicó que cambió la melodía del estribillo muy ligeramente y añadió un «breakdown», pero que el espíritu de la canción es el mismo de la demo. Una canción esencial para entender a Lady Gaga, al margen de los números, por otro lado elevada por su situación tras el Interludio II de ‘Chromatica’ en el tracklist, lo que generó todo tipo de memes. Sebas E. Alonso.
Billy Steinberg ha fallecido a los 75 años, a consecuencia de un cáncer, en Los Ángeles. El autor será siempre recordado por haber compuesto algunos de los mayores éxitos de los años 80. Entre ellos, ‘Like a Virgin‘, la canción que cambió para siempre la carrera de Madonna; ‘Eternal Flame’, el mayor hit de las Bangles; o ‘True Colors’, una de las 3 canciones más emblemáticas de Cyndi Lauper.
Lauper ha sido precisamente una de las primeras en lamentar su muerte. «Era un gran letrista y un colaborador maravilloso. Él y Tom (Kelly) sabían cómo capturar la gama de emociones, desde la sutileza hasta la urgencia». ‘True Colors’ era un tema que Steinberg escribió pensando en su madre, pero Lauper lo transformó en un himno para la comunidad LGTBIQ+ y contra la pandemia del VIH.
No se espera, en cambio, un gran comunicado de Madonna, que tuvo un enorme desplante con Steinberg. Solo se vieron una vez, él le dijo que estaba «deseando conocerla», ella respondió «pues ya me has conocido» y se largó. Y eso que cuando un A&R de Warner le puso ‘Like a Virgin’ por primera vez, Madonna se había «vuelto loca»: «Inmediatamente supo que era para ella y que haría una gran grabación».
‘Like a Virgin’ tenía una letra bastante particular, que Billy hizo sobre una ruptura («I was beat, incomplete / I’ve been had»), a la que Madonna dio un toque cómico y sexual. Nile Rodgers de Chic fue el productor de esta canción y la artista la ha recuperado en multitud de giras, de manera muy sonada en la escena de la masturbación de ‘Blonde Ambition Tour’, y la última siendo su tour de 2015.
Steinberg también escribió para Roy Orbison (‘I Drove All Night’, también grabada por Cyndi Lauper), Whitney Houston (‘So Emotional’), The Pretenders (‘I’ll Stand By You’), Tina Turner o Belinda Carlisle, entre muchos otros. En general, era letrista, y solía escribir junto a Tom Kelly. Una vez retirado este en los 90, pasó a escribir con otros artistas, como Rick Nowels. Con este dio con la tecla en ‘Falling Into You’ de Celine Dion. También estuvo detrás de ‘All About Us’ de t.a.t.u. o ‘Give Your Heart a Break’ de Demi Lovato.
Ha sido Nowels quien ha tenido algunas de las palabras más bonitas sobre Billy Steinberg: «Billy empezó como poeta y desarrolló un sentido para eso, una estética que permite crear una historia completa con una o dos frases. Era un caso único. No se creará otro. Tenía un conocimiento enciclopédico de las canciones populares, y ahí fue donde conectamos».
Robert Duvall ha fallecido a los 95 años, en su rancho de Virginia. El actor había ganado un Oscar por su papel en ‘Gracias y favores’, en la que interpretaba a un cantante de música country alcohólico en 1983, y logró varias nominaciones en otras ocasiones.
Dos de ellas fueron por sus papeles de Tom Hagen en ‘El Padrino’, y el coronel Kilgore en ‘Apocalypse Now’, dos de las obras maestras de Coppola. También le nominaron por ‘El don del coraje’, ‘Camino al cielo’, ‘Acción civil’ y ‘El juez’. Consiguió 4 Globos de Oro.
Muy recordado igualmente fue su papel en la adaptación de ‘Matar a un ruiseñor’, el clásico de Harper Lee. Se encargó del guión uno de sus grandes valedores, Horton Foote. Entre decenas de películas, también apareció en ‘La carretera’, ‘Un asunto de familia’ o ‘Días de trueno’. Era uno de los últimos representantes de la Edad de Oro hollywoodiense.
Su esposa Luciana Duvall ha subrayado que para ella no ha fallecido «un narrador o un director», sino que lo «era todo» y ha recordado que «su pasión por su oficio solo era comparable a su profundo amor por los personajes, una comida exquisita y su capacidad para conquistar el corazón».
Continúa: «En cada uno de sus muchos papeles, Bob lo dio todo por sus personajes y por la auténtica esencia humana que representaban. Al hacerlo, nos deja algo duradero e inolvidable. Gracias por los años de apoyo que le brindaron a Bob y por brindarnos este tiempo y privacidad para celebrar los recuerdos que nos deja».
Conocimos a Hemlocke Springs en 2022 gracias a su hit viral ‘Girlfriend‘, donde la cantante de Carolina del Norte sonaba como una reencarnación de la primera Marina and the Diamonds. Las excentricidades de su propuesta artística -su expresiva manera de interpretar, sus coloridas producciones, sus verbosas letras- la hicieron destacar en el underground, ganándose el beneplácito de artistas como Chappell Roan o Doja Cat, que se la han llevado de gira, y más recientemente de Doechii.
También Sabrina Carpenter -que la sigue en Instagram- se cuenta entre las fans de esta artista, cuyo nombre real es Isimeme Udu, pero que ha elegido presentarse en la música con un alias que parece el de un personaje de cuento. Tiene sentido, porque sus narrativas y metáforas no son las típicas del pop y lo cierto es que hay mucho de personaje en su propuesta, de identidad exagerada. Se percibe en su forma de cantar, entregada a extremos casi caricaturescos, o en sus alucinados videoclips.
Tiene sentido, por tanto, que Hemlocke Springs decida debutar con un álbum conceptual basado en su propia vida, con un fuerte trasfondo espiritual. Udu nació de padres nigerianos emigrados a Estados Unidos, cristianos devotos, y se crio en un “hogar extremadamente religioso”. ‘The Apple Tree Under the Sea’ es su apuesta por liberarse de las ataduras impuestas por ese entorno y ganar autonomía e independencia. Por eso el álbum empieza con el mantra de ‘The Apple Tree’, donde Hemlocke anuncia una aventura hacia lo desconocido, y al final sale tan renovada que en ‘Be the Girl’ los sintetizadores y ritmos remiten directamente a la Robyn más exultante.
Quizá solo Hemlocke Springs podría haber escrito un disco donde alterna su querencia por el pop sintético de los 80 y la teatralidad melódica de Kate Bush con letras que referencian a El Shaddai, el término judaico para Dios, o a los matrimonios concertados, como ocurre en la industrial y originalísima ‘W-w-w-w-w-‘, inspirada en un documental que narra el matrimonio de un hombre de 73 años con una adolescente de 17. «Preferiría quitarme la vida antes que tener que mirarte a los ojos y decir que quiero tu amor», proclama la artista.
En otros momentos, las letras también se vinculan a lo queer, como en ‘The Beginning of the End’, donde Hemlocke reconoce anhelar el amor de chicos y chicas por igual, aunque en general pueden llegar a ser tan rebuscadas como en ‘Heads, Shoulders, Knees and Ankles’, una producción delirante de entrada, halloweenesca en el sentido «dibujo animado» del término, con frases como «the tenebrous festered corners of your bed», casi propias de Joanna Newsom. A ese territorio nos lleva también el dramático synthpop de ‘Sever the Blight’, editada hace ya tres años.
Hemlocke brilla en su debut especialmente como compositora de canciones «over the top» y densamente producidas, algo de lo que da buena cuenta en este disco, además de mostrarse muy original en la ejecución de sus ideas, asistida por el co-productor BURNS, conocido por su trabajo con Lady Gaga. Siendo una artista completamente independiente, tiene especial mérito que escriba canciones tan pop y logre diferenciarse en una industria alérgica al riesgo.
Aunque, si se puede decir algo negativo de ‘The Apple Tree Under the Sea’ -aparte de que su portada es mejorable- es que termina adoleciendo del típico problema de los debuts que intentan abarcar demasiadas ideas a la vez, lo que resulta en una obra que no siempre encuentra el mejor equilibrio entre todos sus elementos.
Ya sea por la densidad de la instrumentación o por lo forzado de algunos cambios internos de estilo, canciones como ‘The Beginning of the End’ -a medio camino entre el pop electrónico y el rock emo- o esa ‘Moses’ que parece una Mylène Farmer pasada de ácido no acaban de dar en la diana compositiva y resultan excesivamente barrocas. Tampoco se entiende que la parte final de ‘Heads, Shoulders, Knees and Ankles’ no sea una pista separada, ya que parece pertenecer a una canción completamente distinta.
Los mejores momentos de ‘The Apple Tree Under the Sea’ se parecen a ‘Girlfriend’ en tanto que logran ese equilibrio sin que parezca buscado, algo muy evidente en singles como ‘Sever the Blight’ y en sorpresas como el R&B de gominola de ‘Set Me Free’ -la más sexual del conjunto- o, sobre todo, en ‘Sense (Is)’, donde Hemlocke pone en práctica su afición a los cambios de acorde, pero dentro de una canción que gana precisamente porque no se complica demasiado. Es además muy simbólico que en esta canción cante que se ha equivocado de camino y ha llegado a Hollywood. De alguna manera nos está diciendo que se ha hecho famosa casi sin querer, pero siempre en sus propios términos.
Bad Bunny es el protagonista de la semana en las listas españolas tras su victoria en los Grammy y su sonadísima actuación en la Super Bowl. Si ‘Debí tirar más fotos‘ permanece en el número 1 de la lista de discos, en la de singles vemos que suben todas sus pistas y que otras vuelven a entrar.
Todas las canciones del top 10 que suben son de Bad Bunny, mientras que las demás bajan. Así, ‘Baile inolvidable’ asciende al número 1, ‘Nuevayol’ al 2 y ‘DTMF’ al 3. También ‘Voy a llevarte Pa PR’ escala al 8, ‘EoO’ al 9 o ‘Veldá’ al 13, pero el boom afecta también a temas viejos como ‘La canción’ con J Balvin, que pasa del 82 al 32. Entre las canciones que reentran, ‘Kloufrens’ lo hace en el 40 y ‘Weltita’ en el 49, mientras que ‘Monaco’ figura en el 71, ajena a ese disco.
El efecto Super Bowl también beneficia a Lady Gaga, invitada estelar en la actuación de Benito (junto a Ricky Martin), cuyo dueto con Bruno Mars, ‘Die with a Smile‘, sube del 73 al 69.
Y en esta lista, elaborada con datos contabilizados a partir del 6 de febrero, también hay que hablar del efecto “6 de febrero” en el ya clásico hit de Aitana: precisamente ‘6 de febrero‘ pega un considerable estirón, al subir del 45 al 16.
La tabla también presenta novedades, la mayoría relacionadas con singles de música urbana. ‘5 Estrellas’, la nueva apuesta de W Sound con Myke Towers y Ovy on the Drums (artífices de ‘La Plena’), debuta en el número 58, mientras que Eladio Carrión da los ‘Buenos días’ desde el 81 y ‘Muchacha’ reúne a Aissa, RVFV y Kreamly en el 83.
La última entrada real la protagonizan Marc Anthony y Nathy Peluso con su salsa romántica ‘Como en el idilio’, que debuta en el 93. Unos puestos antes encontramos otra novedad interesante: la reentrada de ‘Opalite’, de Taylor Swift, que tras el estreno de su videoclip aparece en el puesto 66.
Mientras prepara el lanzamiento de un nuevo single de Lana Del Rey en el que vuelve a estar significativamente implicado, Jack Antonoff disfruta los primeros días desde el estreno de ‘You and Forever’, el primer single del nuevo álbum de Bleachers.
‘Everyone for 10 Minutes’ llegará a plataformas y tiendas el próximo 22 de mayo y contendrá 11 pistas, entre las cuales se encuentra la ya publicada ‘You and Forever’, una de las novedades de la semana última.
Situada a medio camino entre la atmósfera de The National y la épica de Arcade Fire, que explota después de un paciente crescendo, ‘You and Forever’ es una interesante canción de Bleachers que da algo más que un ejercicio de estilo. Como mínimo, una nebulosa producción llena de filtros vintage y una composición que encuentra su gancho en una armonía vocal cálida -como de los años 40- que se repite a lo largo del tema.
‘You and Forever’ versa sobre la sorpresa del amor, en frases como «a la mierda todo lo que me han contado, porque acabo de ver a los cielos abriéndose ante mí». Para sorpresa de nadie, el videoclip incluye participación de la esposa de Antonoff, la actriz Margaret Qualley.
1 – ‘Sideways’
2 – ‘The Van’
3 – ‘We Should Talk’
4 – ‘You And Forever’
5 – ‘Dirty Wedding Dress’
6 – ‘Take You Out Tonight’
7 – ‘I Can’t Believe You’re Gone’
8 – ‘Dancing’
9 – ‘She’s From Before’
10 – ‘I’m Not Joking’
11 – ‘Upstairs At Els’
J. Cole ha lanzado el último disco de su carrera, supuestamente, y ha sido todo un éxito. ‘The Fall-Off’ ha debutado en el número 1 del Billboard 200, el séptimo disco del artista estadounidense que consigue el puesto, y ha desplazado al segundo puesto a ‘Debí Tirar Más Fotos’ de Bad Bunny en su mejor semana en listas. Un logro mayúsculo.
‘The Fall-Off’ cuenta con 280.000 unidades vendidas en su primera semana, siendo el mayor lanzamiento de hip hop en casi un año, desde las casi 300.000 unidades que vendió Playboi Carti con ‘MUSIC’. En el mismo periodo, ‘Debí Tirar Más Fotos’ ha terminado su mejor semana en Estados Unidos, aprovechando el efecto Super Bowl. Inaudito: el disco de Bad Bunny se encuentra en el segundo puesto del Billboard 200 tras haber vendido 250.000 unidades. Ya quisieran algunos.
Del disco de J. Cole se lleva hablando años, pero el rollout ha sido más bien breve. La primera canción de esta nueva era es una gran representación del objetivo del rapero con este LP, que es todo un regreso a los orígenes. De esta forma, ‘The Fall-Off is Inevitable’ se une a otras grandes piezas de storytelling de la historia del hip hop, con Cole narrando su vida hacia atrás sin saltarse una sílaba.
El primer single oficial, sin embargo, se trata de ‘Two Six’. Es también la primera canción como tal de un proyecto formado por 24 canciones y que se queda un poco por debajo de las dos horas de duración. La producción, a cargo de Cole, es totalmente clásica, con un sample de cuerdas, barras hambrientas y un estribillo minimalista. Además, una promesa para los oyentes de su nuevo LP: «Soy el futuro de esta mierda del rap, que le jodan a todo lo que hice en el pasado / Voy a superarlo por completo».
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