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The Carters se quedan sin top 1 en Estados Unidos, vendiendo 5 veces menos que ‘Lemonade’

Por
Sebas E. Alonso
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Como se venía temiendo durante toda la semana pasada, suponiendo su repentina subida a Spotify para arañar puntos, ‘Everything Is Love’ de The Carters está teniendo un impacto comercial bastante por debajo de lo esperado. Ahora se confirma que el disco conjunto de Beyoncé y Jay-Z se queda sin alcanzar el número 1 en Estados Unidos, a diferencia de lo que ha sucedido, muy holgadamente, con sus últimos largos de estudio por separado.

Es cierto que 5 Seconds of Summer, que se han hecho con el número 1 con su nuevo álbum ‘Youngblood’, se han servido de un acuerdo de «ticket bundle» (entrada para sus conciertos + álbum), pero también lo es que las cifras (de ambos protagonistas) han sido decepcionantes. Mientras ‘Youngblood’ ha vendido lo equivalente a 142.000 unidades (muy por debajo de sus dos anteriores discos), ‘Everything Is Love‘ se ha quedado en 123.000 unidades, un 19% de lo que vendía en su primera semana ‘Lemonade’. Es decir, ha vendido 5 veces menos que el gran disco de Beyoncé.

Según informa Billboard, de esas 123.000 unidades, 70.000 han sido ventas tradicionales (todas digitales tipo iTunes, pues no hay edición física al menos de momento), y el resto de puntos vienen de streaming y descargas de pistas sueltas.

Otras noticias que deja el Billboard 200 es la subida de ‘?’ de XXXTentacion del puesto 24 al 3 tras su asesinato; la entrada de Nas al número 5 con ‘Nasir’; y la de Christina Aguilera con ‘Liberation’ al número 6, superando en un puesto lo conseguido por ‘Lotus’ en 2012.

«Yo he venido de mi casa»… C. Tangana y Yung Beef, como en el “celebrities” de Hulk Hogan

Por
Olaya Axolote
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Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Olaya Axolote es líder del grupo Axolotes Mexicanos.

La canción del día: ‘Mortal’ es la simpática viñeta de Fantasmamidi de un pobre chico en busca de alivio

Por
Jordi Bardají
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El pasado 11 de junio se publicaba en Discos de Kirlian el debut de Fantasmamidi, el trío de post-punk y power-pop de Murcia compuesto por Borja Martínez Cebrián (voz, letras), Carmen Espín (bajo, guitarra, sintetizadores) y Pedro Bayona (teclados). Y el viernes llegaba el videoclip -compuesto por imágenes de series y anuncios antiguos- para uno de sus temas destacados, el que lo abre, ‘Mortal’.

‘Mortal’ es una simpática viñeta urbana -de 1 minuto y 59 segundos de duración- sobre un triste chico que busca droga en la ciudad. La letra tiene un punto cómico, con Cebrián cantando “el va buscando droga, en los bares, entre las olas”, como si el protagonista se hubiera embarcado en una travesía digna de ‘La odisea’. Sin embargo, la “mirada triste y vacía” del chico descrita en la letra denota una realidad más dura: ¿de qué huye esta persona? ¿qué busca aliviar tomando drogas?

Pese al ritmo animado de ‘Mortal’ y a su ufana melodía -el tema, como el disco de Fantasmamidi, remite a los 80 de Golpes Bajos y Parálisis Permanente-, subsiste en la canción un tono sombrío, un espíritu de abatimiento. El chico se deja convencer por sus amigos para “gastarse un dineral” en drogas, pero lo que la canción da a entender es que el chico preferiría estar haciendo otra cosa, como ser feliz. “Entre la vida y la muerte, siempre va”, nuestro protagonista, afrontando la vida con tedio, pero afrontándola al fin y al cabo.

Vetusta Morla, cómo hacer historia con los pies en la tierra

Por
Bruno Corrales
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Hace diez años estabas compartiendo emocionada aquel plano secuencia de ‘Un día en el mundo’ y ahora, cuatro discos después, tras encabezar multitud de festivales e incluso embarcarse en potentes giras por Latinoamérica, esa banda que parecía condenada a la normalidad logra una proeza inaudita. Anoche tuvo lugar el concierto en solitario más multitudinario de Vetusta Morla. Todo agotado. 38.000 personas alrededor de su particular hoguera por la noche de San Juan, situada en la enormidad de la explanada de la Caja Mágica. Se trataba, sin duda, si nos atenemos a infraestructura, organización y dinámicas dentro del recinto, de un festival. De un festival de un solo grupo que sigue sin conocer su techo. Fotos: María Macías

Aunque no es del todo cierto lo de un solo grupo, pues aunque no había verdadera obligación la banda tuvo de nuevo un gesto con Jacobo Serra, con quien existe una admiración mutua. Músico manchego apadrinado por Juanma Latorre que con su nuevo largo y el cambio de idioma está cosechando cada vez más adeptos. En general la atención del público estaría reservada totalmente a Vetusta Morla, pero aún así Serra consiguió sacar adelante un breve concierto en formato trío que acabo convenciendo y calentando aún más el ambiente. No por nada se despediría en comunión con buena parte del público, que coreaba el estribillo de “Icebergs”.

De vuelta a Vetusta Morla, subrayemos lo de grupo, porque lo logrado es aún más increíble si reparamos en la constante horizontalidad de la formación surgida en Tres Cantos, tanto en la parte creativa como en los directos. Sin ninguno de los seis destacando más de la cuenta ni un carisma apabullante que pudiese compensar la falta de ideas. Al fin y al cabo se trata de música, y todo se reduce a las canciones con el riesgo que eso conlleva. Así lo reconocía Pucho, aprovechando la oportuna noche de San Juan para describir ‘Mismo sitio, distinto lugar’ como un ejercicio de renovación en el que han quemado todo lo que no les gusta al tiempo que transitado por su pasado. Todo ello para llegar al mismo fin: la música. Esa que ahora comparten con miles de personas cada noche.

Pasaban las diez de la noche, a segundos de tener a la banda sobre el escenario cuando, apagadas las luces, las pantallas gigantes ofrecían un recorrido aéreo del recinto para hacernos idea de la inmensidad del asunto. Emoción a flor de piel y todo dispuesto para empezar, arrancando con la tensión baja del tema que da nombre a su último disco y con uno de sus indiscutibles nuevos hits, ‘El discurso del rey’. Primera cima de entusiasmo entre un público entregado desde el principio, heterogéneo y dispar por necesidad pero demostrando estar bien al día.

Aplauso aparte para las visuales y efectos de luces, especialmente con la estética de cómic desarrollada durante ‘Palmeras en La Mancha’, uno de los temas más guerrilleros de su más reciente repertorio. La idea de aprovechar los recursos al máximo sigue estando vigente en el seno de la banda y en su equipo, ahora de forma más grandilocuente. Tras prestar toda la atención necesaria al último disco, con algunas miradas al pasado en forma de la celebrada ‘Copenhague’ o una algo menos íntima pero igualmente vibrante ‘Al respirar’, la banda afrontaba un tramo final de locura con Pucho desatado, alentando al público con carreras de lado a lado del escenario al final de ‘La deriva’ y recorriendo el pasillo de pista con ‘Mapas’, cantando junto al público subido a las vallas -con el correspondiente personal de seguridad agobiado detrás de él- y aprovechando para chocar la mano con los técnicos. 

Era un día especial y correspondía acordarse no solo de todo el equipo tras una gira y un montaje tan ambicioso sino de causas justas, usando con responsabilidad la repercusión de la que ahora disponen. Pucho quiso reivindicar la figura de Jorge Aranda, juzgado por haber tratado de parar un deshaucio en Vallecas. “Pedimos que no se le de la vuelta al cuento y se juzguen a personas a las que no se les debe juzgar”, afirmaba. También hubo palabras al final del concierto en contra de la excarcelación de los miembros de La Manada y un mensaje claro que reinaba en las pantallas gigantes antes del concierto: “Solo sí es sí”. 


Con el público en el bolsillo y ganas de más llegarían dos imprescindibles de los primeros años de la banda, ‘Sálvese quien pueda’ y ‘Valiente’, todavía con la capacidad de hacer saltarlo todo por los aires. A continuación, una promesa cumplida de David Broncano durante su entrevista en ‘La Resistencia’, apareciendo en el escenario con careta de cerdo durante la performance de ‘Te lo digo a ti’, cuyo controvertido videoclip dirigía Nacho Vigalondo. Poco después, Pucho decía despedirse con ‘Fiesta mayor’ pero no coló demasiado, y durante esos pocos minutos de espera al bis el público hacía amagos de corear ‘Saharabbey Road’, actualmente fuera del setlist.


Efectivamente volvieron y regalaron al público otros tres momentos para el recuerdo: ‘Consejo de sabios’, ‘El hombre del saco’ y la emoción liberada de ‘Los días raros’, que daba verdadero fin a la noche. No sin antes pedir por una última vez la colaboración del público para el tradicional pequeño salto “mortal” post concierto. Es decir, 38.000 personas uniéndose a la banda en un gesto ritual que retrotrae al Sonorama de 2008, mediodía en la Plaza del Trigo, uno de los puntos de inflexión simbólicos en el ascenso imparable de la banda.

Caminando hacia la salida (recorrer la Caja Mágica cuenta como un día de gimnasio), un padre presumía con su hija de haber estado en un concierto con todavía más gente, el de unos tales Héroes del Silencio. Otra época, otro estilo y otras condiciones, pero si Vetusta Morla ha conseguido esto desde la más pura autogestión será mejor no ponerse un techo. Acostumbrados además como nos tienen a seguir doblando la apuesta.

KIDS SEE GHOSTS / KIDS SEE GHOSTS

Por
Jordi Bardají
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Tiene cierta gracia escuchar en el álbum de KIDS SEE GHOSTS, el proyecto conjunto de Kanye West y Kid Cudi, el fragmento de un discurso del periodista y predicador afroamericano Marcus Garvey en el que clama que “cuando el hombre se hace poseedor del conocimiento sobre sí mismo, se convierte en amo de su entorno”. ¿Qué frase puede describir mejor a Kanye West? Nunca ha estado claro que West sea consciente de algo que no sea sí mismo, y sin embargo, aquí estamos todos pendientes, una vez más, una y otra vez, de lo que tiene que decir.

Por suerte, si ‘ye’ era un disco de Kanye West sobre Kanye West, ‘KIDS SEE GHOSTS’ reparte la atención entre dos narradores como son West y Cudi, quien además tiene cosas más interesantes que decir, o al menos un enfoque más interesante con el que contarlas. Es Cudi quien más se abre emocionalmente en los versos el disco, cantando en ‘Reborn’ que la “paz es algo que empieza conmigo” y que ha “renacido”, aunque a veces se sienta perdido, sin rumbo y “propósito”, y se sienta “indigno”. En su lugar, West parece en esta misma canción más hostil, recordando que iba “a la deriva” sin sus “medicamentos” y que le llamaban “loco”,y rematando irónicamente: “qué maravilla, que te engulla la vergüenza, quiero toda la lluvia, quiero todo el dolor, quiero toda la culpa”.

No es tan diferente el West de ‘ye’ del de ‘KIDS SEE GHOSTS’ en cuanto a letras, porque la música sí es bastante distinta. Donde en ‘ye’ había tensión, en ‘KIDS SEE GHOSTS’ hay… ¡guitarras eléctricas! ¡formas propias del rock! y sobre todo sus pistas son pura expresión. La agresiva y onomatopéyica ‘Feel the Love’, con rap único de Pusha T, es el ejemplo más claro, ya que remite a ‘Yeezus’. Pero es una expresión distinta dependiendo de quién proceda. Por un lado, Cudi suena sereno en el estribillo de ‘Fire’ “en este camino encuentro, las heridas que dejé atrás”, por el otro, West suena totalmente delirado en ‘Freeee’ -una reinterpetación de ‘Ghost Town’- cantando que se siente “libre de dolor”, pero pareciendo que ha confundido locura con libertad. Ese “freeeeee” no suena a “renacimiento”, sino a caída en los infiernos, y la canción no podría ser más inquietante.

Es ese elemento inquietante el que mueve ‘KIDS SEE GHOSTS’. Los “fantasmas” evocados por West y Cudi, e ilustrados en la fantástica cubierta del disco por Takashi Murakami, suponen en un primer caso un reencuentro de West y Cudi con la inocencia perdida en la edad adulta, y en un segundo, es un enfrentamiento directo a esos mismos fantasmas que les atormentan. Porque en el disco, West y Cudi no solo rapean sobre fantasmas (sus problemas mentales y con las drogas, entre otras cosas), se rodean de ellos. Las bases musicales de por ejemplo ‘Kids See Ghosts’ y ‘Freee’ no podrían ser mas siniestras, mientras la presencia en el disco, vía sample, de fantasmas como Louis Prima en la inquietante ‘4th Dimension’ y Kurt Cobain en la emotiva ‘Cudi Montage’ realzan ese lado misterioso que define ‘KIDS SEE GHOSTS’ de manera elegante y creativa.

Quizás el mayor logro de ‘KIDS SEE GHOSTS’ sea que, partiendo de un concepto tan consabido como el de “expresar fantasmas”, lo haga desde un punto de vista muy fresco, que en lo musical nunca cae en lugares comunes y siempre logra sorprender. En este sentido, West como productor y, sobre todo, como director artístico es un absoluto maestro -algo que ya sabíamos-, y aunque aquí no es ni de lejos el mejor rapero, su presencia es innegable y esencial. No, esta no es la obra maestra que tantos medios han querido vender tras la mini decepción -para muchos- de ‘ye’, pero con 7 pistas y 23 minutos de duración, poco tiempo tenían West y Cudi, aunando fuerzas, para hacer algo demasiado mal. En ‘KIDS SEE GHOSTS’ ambos se ayudan mutuamente, y demuestran que, dándose la mano, valen más juntos que cualquier “beef” que hayan tenido en el pasado.

Calificación. 7,5/10
Lo mejor: ‘Feel the Love’, ‘4th Dimension’, ‘Reborn’
Te gustará si te gusta: el rap americano y no te da pereza últimamente Kanye
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Muere Edu del Prado de ‘Un paso adelante’

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Jordi Bardají
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Edu del Prado, quien formara parte del reparto de ‘Un paso adelante’ y fuera integrante de UPA Dance, la banda musical que surgió de aquella serie, ha fallecido este sábado a los 40 años tras “una larga enfermedad” en Valencia, según ha informado BroadwayWorld Spain en un comunicado: «Con gran tristeza, compartimos la noticia de que Edu del Prado ha fallecido. Descanse en paz».

Tras publicar varios discos a finales de los 90, uno de los cuales produjo el single ‘Si disparas tú’, Edu del Prado (nacido Eduardo Engonga del Prado, en 1977) se incorporó, en 2000, al reparto de ‘La magia de Broadway’ junto a Marta Sánchez, y en 2004 se sumaría al de ‘Un paso adelante’, la famosa serie de baile de Antena 3, en la que interpretó a César Martín. Más tarde, del Prado formó parte de UPA Dance en su segunda etapa, junto a Miguel Ángel Muñoz y Elisabeth Jordan. Durante este tiempo, del Prado actuó en el musical ‘CATS’.

En los últimos años, el actor y músico valenciano publicó el single ‘1, 2, 3, 4 (Don’t You Think)’ y había aparecido en varios talents en Francia como La Voz Francia y Star Academy, en este último caso como profesor. Su ex compañera de reparto, Beatriz Luengo, le ha recordado en Instagram, escribiendo: “Tantos recuerdos en mi corazón, lo conocí con 11 años en mi proyecto Tattoo, él ya era un ídolo con su primer disco. Después compartimos teatro, giras de teatro, Upa… Descanse en paz”. También Raquel del Rosario de El Sueño de Morfeo, hermana del marido de del Prado, y el locutor Tony Aguilar le han dedicado unas bonitas palabras.

El pasado día de reyes, el chico de la derecha entró como un huracán de buena energía en nuestra casa de Teror y apretó un poco más el lazo que nos unía como familia. Vino a recordarnos que el amor hace que los miedos se desvanezcan, desde ese día todo es mejor. El chico de la izquierda es mi hermano mayor, Misael, su marido, que en las últimas semanas me ha enseñado un montón de cosas (más) mientras nos acompañábamos en la distancia. Estoy deseando abrazarle. Ahora Edu está en otro lugar, y aunque una entiende que este es un viaje corto y que no es el final, no puedo evitar que el corazón se me rompa un poquito hoy. Gracias Edu, sigue brillando. Feliz vuelo, te queremos. ❤️

Una publicación compartida de Raquel Del Rosario (@raqueldelrosario) el

La canción del día: ‘Immaterial’ de SOPHIE es un himno de la modernidad líquida

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Jordi Bardají
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Hacia la mitad de ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, el nuevo álbum de SOPHIE se hunde en aguas desconocidas, llevándonos por una serie de evocadores temas ambientales o algo más abstractos que prometen un no-retorno a los “bangers” que de hecho le dan incio, ‘Ponyboy’ y ‘Faceshopping’. Pero entonces llega ‘Immaterial’.

Conocida en foros como ‘Immaterial Girl’ desde que SOPHIE la presentara en directo hace unos meses, por su mismo título y sobre todo por su estribillo “immaterial girls, immaterial boys”, la pista 8 del álbum debut oficial de SOPHIE remitía a ‘Material Girl’ de Madonna, con quien de hecho la productora escocesa ha colaborado. Es, sin duda, la canción más pop del álbum. Sin embargo, más de 30 años después de la publicación de aquella canción, en la que Madonna subvertía el rol de género tradicional cantando que ella, una mujer, tenía más dinero que muchos hombres, SOPHIE se encuentra en un “mundo totalmente nuevo”, en el estado más avanzado de lo que Zygmunt Bauman ha venido a llamar “modernidad líquida”, en el que las identidades humanas ya no se definen tanto por la rígida dualidad hombre vs. mujer, sino que son en sí mismas flexibles, elásticas, permutables y, como en el caso de esta canción, “inmateriales”.

La identidad “inmaterial” a la que SOPHIE dedica esta canción no es sino una metáfora sobre su experiencia como mujer transexual en la niñez. Hacia el final de la canción, su intérprete Cecile Believe de Mozart’s Sister emplea una voz aguda, manipulada al extremo, para evocar la infancia de SOPHIE, dirigiéndose a su yo pasado y cantando “yo solo era una chica, a ojos de mi niña interior, pero podía ser lo que quisiera, y no importa adónde vaya yo, tú siempre estarás en mi corazón”. SOPHIE celebra en ‘Immaterial’ que podía convertirse en “todo lo que yo quiera, en cualquier sitio, cualquier persona, cualquier estilo y forma, todo lo que quiera”, pero a la vez se muestra perdida, preguntándose: “sin mis piernas ni mi cabello, sin mis genes ni mi sangre, sin nombre y sin ningún tipo de historia, ¿dónde vivo? ¿dónde existo?”

La belleza de ‘Immaterial’ es que expresa la validez de una identidad “inmaterial”, de espíritu, que puede llegar a ser muy familiar al colectivo LGBTQI+, y lo hace mediante unos ritmos contundentes, bailables e incluso un poco “bubblegum”, constituyendo un verdadero himno que en directo se crece como una bestia. Con su misma presencia, pero sobre todo con canciones como esta, SOPHIE está haciendo exactamente lo que hizo Madonna en los 80, representar una verdadera revolución en la sociedad. Hemos pasado de “chica material” a “chica inmaterial”, pero por suerte, y aunque algunas cosas sigan igual, el cambio va mucho más allá de un nombre.

Vinnie Paul, batería y co-fundador de Pantera, muere a los 54 años

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Jordi Bardají
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Vinnie Paul, batería y uno de los miembros originales de Pantera, ha muerto este viernes a los 54 años, ha confirmado el grupo en Facebook. No han trascendido más detalles sobre el fallecimiento de Paul, quien también era integrante de Hellyeah, y el grupo ha pedido respeto por la privacidad de la familia en estos momentos.

Paul formó Pantera en 1981 junto a su hermano, el guitarrista Dimebag Darrell y el vocalista Terry Glaze, con quien publicarían tres discos antes de sustituirle Phil Anselmo en 1986. La formación completada por Rex Brown se convertiría, durante la década de los 90, en una de las bandas de heavy metal más influyentes del mundo, gracias al sonido “groove metal” exhibido en discos como ‘Cowboys from Hell’ (1990), ‘Vulgar Display of Power’ (1991) y ‘Far Beyond Driven’ (1994), que logró ser número uno de ventas en Estados Unidos.

Tras surgir tensiones entre Anselmo y el resto de miembros de Pantera, debido a la adicción de Anselmo a la heroína, Paul y su hermano Dimebag Darrell disolvieron Pantera en 2003 y formaron otra banda (sin Anselmo), Damageplan. Un año después, Dimebag sería asesinado de un disparo por un fan durante un concierto del grupo en Columbus, Ohio, en el que murieron otras cuatro personas, incluido el asesino. En 2006, Paul se integró en la formación de Hellyeah junto a Chad Gray de Mudvayne y Tom Maxwell de Nothingface.

Cardi B supera el millón de unidades, lo nuevo de Lily Allen… no

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Sebas E. Alonso
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Hits

Cardi B ha superado hace unos días el millón de unidades vendidas de su debut oficial ‘Invasion of Privacy‘ según las estimaciones de Mediatraffic. Las estimaciones incluyen puntos de streaming, enormes en Estados Unidos para temas como ‘Bodak Yellow’, su hit latino ‘I Like It’ y, en menor medida, ‘Be Careful’. El álbum se ha mantenido fuerte en listas desde su lanzamiento hace dos meses y medio y permanece aún en torno al top 5 después de haber sido número 1. Sin duda es uno de los discos del momento en América y ya solo ese disco de oro (500.000) que le han dado en Estados Unidos garantiza una buena cifra a nivel mundial.

Pero Cardi B también goza de considerable aceptación en otros lugares. En Reino Unido ha sido número 5 en álbumes y, diez semanas después de estar en el mercado, aún es top 24; mientras que en países como el nuestro lógicamente no vas a encontrar ya ‘Invasion of Privacy’ en el top 100 de ventas, pero sí -ojo- en la lista de «streaming álbumes». En esta última tabla es número 89 tras haber alcanzado el puesto 12, sobre todo animado por el éxito de ‘I Like It’, que se ha quedado a las puertas del top 10 de singles en España.

No parece que la popularidad de Cardi B vaya a decaer y la pregunta es si será capaz de reafirmar este éxito con algún otro sencillo futuro del álbum. Si sí, los 2 millones de unidades la esperan. Si no, en todo caso con estas cifras ya estamos ante uno de los grandes éxitos comerciales de 2018.

Flops

No va a ser el año de Lily Allen si no pasa un verdadero milagro con algunas de las canciones de ‘No Shame‘. Los singles previos del álbum han sido recibidos con la mayor de las indiferencias en todo el mundo, la decisión de lanzar ‘Lost My Mind’ antes del álbum es totalmente errada y mucho va a tener que cambiar la cosa para que pase algo con ‘Apples’, ‘Your Choice’ o ‘What You Waiting For?’. De hecho, ‘Apples’ no está en la lista de temas que Lily proponía como posibles sencillos en una encuesta en su Twitter, encuesta que se resolvía en favor de ‘Come on Then’.

¿Cuáles son los datos a día de hoy? ‘No Shame’ es el primer disco de Lily Allen que no es top 2 en Reino Unido, ha quedado en el puesto 8, pero lo peor es que se espera que en la segunda semana caiga fuera de todo el top 40. Es en Reino Unido donde es una diosa, por lo que casi ni merece la pena mencionar que el álbum ha sido número 168 en Estados Unidos (su peor resultado, por mucho), número 68 en Holanda (su peor resultado, por mucho) o número 20 en Irlanda (su peor resultado, por mucho).

El largo lapso entre discos, la mala recepción de ‘Sheezus’, su controvertida imagen pública y la falta de un sencillo tan contundente como ‘Not Fair’ parecen las causas del que puede ser el último álbum de Lily Allen para Parlophone. Una pena porque el disco no está nada mal.

The Carters / Everything Is Love

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Sebas E. Alonso
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‘Everything Is Love’, el disco con el que se entiende que está cerrándose la trilogía de la infidelidad de Jay-Z abierta con ‘Lemonade’ de Beyoncé y continuada con ‘4:44‘ del rapero, supone tres cosas. En primer lugar, una celebración definitiva de su amor como pareja; en segundo, una celebración constante de su envidiable posición en la industria del entretenimiento; y por último, cierto estancamiento musical que afecta sobre todo a Beyoncé, que acudía a este disco con un perfil muchísimo más alto que Mr. Knowles. ¿U os imagináis a Jay-Z llenando el Estadi Olímpic como ella, él solo?

En este último sentido, ‘Everything Is Love’ nunca es un mal disco, pero sí supone un poco una nadería para una Beyoncé que venía de darnos alegrías tan alucinantes en sus tres últimos largos como ‘Run the World (Girls)’, ‘1+1’, ‘Drunk In Love’, ‘XO’, ‘Partition’, ‘7/11’, ‘Sorry’, ‘Freedom’, ‘Formation’ o ‘Hold Up’, por nombrar diez. Absolutamente nada de ‘Everything Is Love’ se acerca a estas, ni siquiera ‘APESHIT’, cuyo ritmo tipo péndulo de Newton y letras pegadizas («can’t believe we made it») están claros, pero recuerdan demasiado a los trucos usados en recientes álbumes. La producción en ningún sentido es rupturista, más bien continuista respecto a ‘Formation’, solo que sin sus muchísimas lecturas.

‘Everything Is Love’ se recrea más bien en el sonido de Jay-Z de finales de los 90 y principios de los 2000, como muestran temas como ‘713’, dedicada a Houston. Hay de hecho guiños a la colaboración de ambos en ‘Crazy In Love’, y también cierto recostar en el sonido de ‘Misseducation of Lauryn Hill’, que este año celebra su 20º aniversario. ‘Song Cry’ de ‘The Blueprint’ de Jay-Z (2001), podría ser una referencia clara. El modo en que Jaguar Wright cantaba un sample maravilloso de ‘Sounds Like a Love Song’ de Bobby Glenn en aquella canción es más o menos la idea reproducida en ‘BLACKEFFECT’ cuando samplea ‘Broken Strings’ de Jun Kozuki, tocada por la Flower Travellin’ Band. Estamos hablando del Jay-Z que tanto influyó en los dos primeros álbumes de Kanye West, lo cual puede ser en sí mismo una respuesta a su beef de hace un par de años.

Esto nos lleva al carácter más ostentoso del disco. Una cantidad inmensa de textos versa de lo bien que les va a Jay-Z y Beyoncé, autocoronándose como reyes del mundo y hablando de la fama sin parar en letras como ‘BOSS’, ‘NICE’ o ‘HEARD ABOUT US’. ¿Recordáis cuando en una entrevista con Najwa, Nimri bromeaba sobre este matrimonio? «Imagínate las charlas entre Beyoncé y Jay Z… ¿Tú crees que se comen el mercado sin pensar en lo que hacen? No tengo ni idea, pero imagínate de qué hablan. Ella viene de gira y él dice: me voy a poner en ‘Suit & Tie’ en plan años 50 y luego viene Pharrell Williams a echar una mano. Están ahí todos cocinando el pastel». Desde ahora no hace falta que te imagines las animadas charlas entre Beyoncé y Jay-Z porque este disco deja claro de qué hablan en casa. Por supuesto, este monotema a lo largo del disco puede resultar algo tedioso para nosotros, la plebe, sobre todo cuando llega esa ‘FRIENDS’ en la que, ya, hasta sus amigos son los mejores del mercado. ¿Quién quiere escuchar esto? Sin embargo, sí tiene cierto sentido cuando Beyoncé anuncia en ‘BOSS’ que sus tataranietos negros ya son ricos, pues ahora mismo apenas hay gente negra entre los personajes más ricos del mundo, según Forbes; o cuando ‘BLACK EFFECT’ subraya la importancia de lo que han conseguido. Pasamos de lo concreto a lo social cuando llega la estrofa “get your hands up high like a false arrest (…) put your hands where I can see them, fuck a false arrest”.

Como celebración del amor, llama la atención lo poco apasionado que resulta el amor que prodigan. Beyoncé y Jay-Z pasan parte del disco diciendo todo lo que se quieren: empiezan contando cómo hacen el amor en ‘SUMMER’ y terminan celebrándolo a lo grande en ‘LOVEHAPPY’. Es reseñable que, hablando de amor, se hayan olvidado de hacer una canción que realmente pueda llegar a la gente. Como estrella pop, la mejor manera de demostrar tu amor no es repetir cuánto quieres a tu pareja, sino hacer una canción que, como prueba, pueda pasar a la historia, que mueva las entrañas, que nos llene el estómago de mariposas como el estribillo de ‘Drunk In Love’. La primera impresión es que se han olvidado de hacerla. La segunda, unida a la sensación «chilly» de la producción, es que ambos están hablando de una relación ya tranquila, asentada, sin altibajos, la correspondiente a los 16 años que hace que se conocen y los 10 que llevan casados.

En un disco que parece de transición, pues no presenta grandes nuevas ideas y una infidelidad en los tiempos en que la música nos habla de empoderamiento femenino, de poliamor y de parejas abiertas no puede dar ya muchísimo más de sí, este último es el enfoque más interesante de este disco. Una relación de hace 10 o 15 años, en un momento asentado y sólido como este del que presumen The Carters, y encima rodeada de millones, quizá no daba para un ‘Nothing Compares 2-U’ o un ‘Someone Like You’. Pero ‘Everything Is Love’ sí funciona como metáfora de ese amor romántico y maduro que ya no se disfruta al 100% pero tampoco se sufre, sobre una producción y unos beats tan relajados y tranquilos como una hamaca de verano. ¿Será conformismo, estar por estar o esta falta de agitación es el único fin posible del amor verdadero?

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘APESHIT’, ‘LOVEHAPPY’, ‘SUMMER’, ‘BLACKEFFECT’
Te gustará si te gusta: Jay-Z, Alicia Keys, Lauryn Hill
Escúchalo: Spotify

Alborotador Gomasio entrevistan a Puzzles y Dragones y viceversa: «El arte sin la imagen o el prestigio es muy mal negocio»

Por
JNSP
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Parece increíble que Alborotador Gomasio y Puzzles y Dragones no hayan compartido escenario nunca, teniendo en cuenta que algunos de sus miembros habían coincidido en varias bandas anteriores, algunas de ellas remontándose a casi la adolescencia. También, ambos han formado parte del colectivo Aplasta tus gafas de pasta (Sello CD-R, fanzine, blog y programa de radio). Pero es que incluso actualmente, Miguel López Breñas es bajista de Alborotador Gomasio a la par que guitarrista de Puzzles y Dragones y Alberto Robla (baterista de Alborotador Gomasio) ha grabado las sesiones de batería de ‘Vuelven Puzzles y Dragones‘, el último disco de estos. Por no hablar de la evidente sintonía estilística y gusto por lo melódico de los dos grupos.

Sin embargo, el cartel que este sábado, 23 de junio, reúne el minifestival ¡Aló Pop! en la sala Moby Dick de Madrid es, extrañamente, inédito: allí actuarán ambos grupos, junto con Caliente Caliente, el interesantísimo trío en el que ahora milita Raúl Querido y que acaba de estrenar el estupendo single ‘Mindfulness‘. Por eso, nos ha parecido una gran idea que estos grupos –con Marco y Dani como respectivos portavoces– establezcan una especie de entrevista-debate entre ellos, cuestionando la situación del pop independiente en la actualidad, con especial énfasis en la escena madrileña que tan bien conocen, pero también de países sudamericanos

Marco (Alborotador Gomasio): «Buenas tardes, Dani. Este 23 de Junio será la primera vez que Alborotador Gomasio y Puzzles y Dragones compartan escenario. Es algo que me hace especial ilusión, siendo tú la persona junto a la que empecé a hacer música en nuestro primer grupo, El Diablo Adolescente».

Dani (Puzzles y Dragones): «A nosotros también nos emociona mucho que la continua colaboración entre nuestros grupos, y también todo lo que rodea al entorno Aplasta tus gafas de pasta, se materialice por fin este sábado en Moby Dick».

M (AG): «Empiezo planteándote algunas reflexiones acerca de la música pop y la tradición popular. Son cuestiones sobre las que ya debatíamos juntos en Aplasta tus Gafas de Pasta. En primer lugar, tengo dudas de si, a día de hoy, existe un pop realmente independiente que proponga una forma de organización alternativa a la del mainstream. ¿Piensas que el pop comercial y el pop independiente se han convertido en productos que cada vez se diferencian menos?»

«Dani (Puzzles y Dragones): Prince o George Michael cometieron ese error: pensaban que la gente compraba sus canciones y decidieron hacer arte anónimo, ambos se estrellaron»

D (PyD): «Yo nunca he visto el pop como un producto, sino como arte. El arte tiene sus mercados y sus marchantes que hacen negocio con lo que rodea al arte, pero al final no se puede vender. Lo que se compra y se vende es el prestigio que da ese arte, o la imagen. Algunos artistas de alcance masivo, como Prince o George Michael, cometieron ese error: pensaban que la gente compraba sus canciones y decidieron hacer arte anónimo. Ambos se estrellaron. La razón es que, en el sistema actual, el arte sin la imagen o el prestigio es muy mal negocio.

Creo que la creatividad es parte de nuestra vida y el indie fomentaba que todo el mundo pudiese ser creativo y participar, o al menos esa era la idea, aunque al final se redujese a un sector juvenil, blanco y de clase media. El mercado ha encontrado la manera de monetizar el prestigio del indie y lo ha convertido en una marca. Sin embargo, la filosofía con la que empezó le cambió la vida a mucha gente y creo que
sigue ahí».

M (AG): «En la línea de lo que comentas, sé que Puzzles y Dragones tenéis una vocación pop que va más allá de las limitaciones de lo que entendemos como música popular. En este sentido, ¿hasta qué punto consideras que el pop es toda la música que pasa a ser parte de la memoria colectiva del pueblo?»

D (PyD): «Bueno, yo lo concibo desde un punto de vista más artístico que social. He estado pensando mucho en esto y tengo una teoría: Para mí el pop es toda aquella música que busca la sencillez y la belleza. Sería, por así decirlo, lo opuesto al barroco y al feísmo. No tiene nada que ver con los estilos musicales, es destilar al máximo una idea y una emoción. Por eso, desde grupos punk como los Buzzcocks, grupos tecno como Kraftwerk, cantautores y hasta compositores clásicos como Schubert han sido a veces pop. El pop puede ser muy sofisticado, pero siempre debe dar la impresión de ser simple, bonito y es clave que se pueda tararear».

M (AG): «Puzzles y Dragones tendéis a expresar y a hacer canciones cercanas a la nostalgia y a la tristeza. Sin embargo, hay otros grupos de pop que se inscriben en una tradición de lírica más cercana a la sátira. ¿Crees que son dos formas de escribir canciones condenadas a no entenderse?»

«Dani (Puzzles y Dragones): me parece bien la ironía siempre que se use como herramienta para transmitir un mensaje, como hace Putochinomaricón»

D (PyD): «Hacer una canción satírica te protege en cierta medida de la crítica, tanto si has escrito la canción, como si la defiendes. Si dices que te gusta mucho una canción de Dani Martín, te expones a ser considerado poco sofisticado o ridículo, cuando en realidad algunas de sus canciones son muy buenas. La ironía, como la picaresca, por parte de algunos sectores se confunde con ingenio o inteligencia… Pero, no me entiendas mal, me parece bien la ironía siempre que se use como herramienta para transmitir un mensaje, como hace Chenta de Putochinomaricón. Sin embargo, estoy en contra de la ironía como armadura contra la profundidad o la sensibilidad. Puzzles somos tristes más que trágicos, pero es que la tristeza es la alegría que ha quedado atrás. Negar esa tristeza sería negar todo ese amor que sentimos y esas personas que fuimos. Honrar esa alegría duele, pero creo que no es trágico».

M (AG): «Pasando a hablar un poco de actualidad: después de años en los que prácticamente sólo se hablaba de garage y post-punk, está habiendo un resurgir del pop y de los fanzines en Madrid (Cosmo K, Carolina Durante, Cariño, El Buen Hijo, Sierra, Andrea Galaxina, Duna Haller
etc…) ¿Os sentís cómodos en la escena del Nuevo Pop Madrileño?»

D (PyD): «Puzzles y Dragones nos hemos sentido a gusto desde que empezamos. La escena de pop madrileña lleva años prosperando y dando grandes canciones. Mira a Pablo Prisma, ese ser misterioso que crea himnos dignos de Family, Hazte Lapón, que empezaron aquí, o Andrea Galaxina, que lleva mucho tiempo produciendo fanzines preciosos. Por no mencionar a la gente que organiza el Madrid Popfest.

De los grupos que han surgido últimamente, con el que nos sentimos más identificados es con Cosmo K, porque hacen canciones muy bonitas con un toque siniestro que nos alucina. Cariño son muy emocionantes y los demás también nos gustan mucho, y nos inspiran. Devolviéndote la pregunta, ¿qué opinas de los grupos madrileños que están teniendo éxito ahora mismo, como Carolina Durante o Cariño?»

M (AG): «Me alegra que hayan causado tanta expectación, la verdad. ‘Cayetano‘ es un himno de nuestro tiempo, y eso es una cosa muy difícil de conseguir. En general, Sonido Muchacho se ha convertido en otro de los nuevos sellos de referencia de Madrid. Musicalmente me siento muy cercano a Cariño. Me da la sensación de que Elefant ha retomado el pulso con las apuestas de Putochinomaricón y Cariño. Creo que estos tres grupos van a a ser claves en el devenir del pop madrileño y, en mayor o menor medida, ya son iconos de una época».

D (PyD): «Siguiendo con los nuevos grupos, hace poco te pasé una canción del grupo chileno Patio Solar. Sé que estás muy interesado en lo que está ocurriendo en Sudamérica y has publicado un recopilatorio muy interesante en la página de tu blog Aplasta tus Gafas de Pasta ¿cuáles son tus grupos preferidos de Sudamérica? ¿tienes pensado hacer algún otro recopilatorio o editar algún nuevo disco?»

«Marco (Alborotador Gomasio): Me encanta todo lo que está pasando en Sudamérica a nivel de autogestión pop, sobretodo en Chile»

M (AG): «Me encanta todo lo que está pasando allí a nivel de autogestión pop, sobretodo en Chile. Amamos a Paracaidistas y Patio Solar, me parecen increíbles. Los siento con una actitud y una forma de hacer música muy cercana a la de Gomasio. En Argentina, el último de Ligas Menores es excepcional, también me encanta Tani. Hace dos años sacamos un recopilatorio con el colectivo Aplasta tus Gafas de Pasta, con grupos de aquí y de allí. Además, hemos traído a tocar por segunda vez a nuestro querido Billordo (artista argentino de antifolk), que ya ha hecho dos giras guitarra en mano por toda Europa. Respecto a los próximos movimientos Aplasta: vamos a sacar pronto un nuevo recopilatorio y después del verano sacaremos nuestro primer vinilo, el de nuestrxs admiradxs Cosmo K, que será co-editado junto a Discos de Kirlian».

M (AG): «Hemos visto tus últimos diseños para carteles de conciertos. Me parece que son ya un elemento indisociable de la imagen de Puzzles y Dragones, como el último que has hecho para nuestro concierto conjunto. ¿De dónde nace tu faceta de dibujante?»

D (PyD): «Gracias. Yo nunca he sabido dibujar. De niño se me daba fatal. Todo empezó con el disco de Puzzles y Dragones que, como sabes, fue un proceso muy duro en el que tuvimos muchos problemas. Llegó un momento en el que estuvimos a punto de rendirnos. Me sentía tan frustrado y triste que ni siquiera quería coger una guitarra porque me resultaba insoportable pensar en componer algo que luego nunca llegaría a grabar. Para llenar ese vacío empecé a dibujar y, aunque al principio eran sólo garabatos, poco a poco he ido aprendiendo a expresarme. Me ayudó mucho y, cuando finalmente conseguimos terminar el disco, tenía una herramienta más para apoyar las canciones y los conciertos».

D (PyD): «Háblame de la primera vez que escribiste una canción».

«Marco (Alborotador Gomasio): Me di cuenta de que las imágenes poéticas tenían una efecto increíble si se podían combinar con una melodía»

M (AG): «Empecé a toquetear una guitarra española que tenían mis padres, pero mi intención era más poética que musical. No me interesaba para nada aprender a tocar el instrumento y, hasta ahora, sólo he aprendido lo que me ha hecho falta estrictamente para apoyar lo que pedía la melodía. Una de las primeras cosas que hice fue hacer canciones a partir de poemas de Antonio Machado. Pues eso, al principio escribía más que tocaba, pero pronto me di cuenta de que las imágenes poéticas tenían una efecto increíble si se podían combinar con una melodía. Para acabar ¿qué proyectos tenéis Puzzles y Dragones en el futuro?»

D (PyD): «Ya estamos trabajando en canciones nuevas y podréis oír algunas este sábado en Moby Dick. Serán, esperamos, algunas de las canciones de nuestro segundo disco. También podréis vernos el mes que viene en el Contempopranea. ¿Y Alborotador Gomasio?»

M (AG): «Ya tenemos algunas fechas cerradas para este otoño. Por otro lado, estamos trabajando en canciones nuevas y tenemos el proyecto de sacar material grabado que quedó fuera de nuestro último disco, ‘Luz y Resistencia’».

Publicado, mucho más tarde de lo prometido, el disco de Teyana Taylor producido por Kanye

Por
Jordi Bardají
-
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‘Keep That Same Energy’, el disco de Teyana Taylor producido por Kanye West que salía el viernes 22, ‘Keep That Same Energy’, está finalmente disponible en TIDAL. Pusha T, presidente de G.O.O.D. Music -discográfica de Kanye- y autor de ‘DAYTONA’, otro de los proyectos producidos por Kanye que han salido en las últimas semanas, compartía en Twitter durante la tarde de ayer que todavía se encontraba “dando los toques finales” al disco y que saldría “más tarde”, pero nadie imaginaba que con “tarde” quería decir “durante la madrugada, cuando nadie se entere” (los medios anglosajones todavía no han publicado la noticia) y además solo en TIDAL, esa plataforma exclusiva.

El retraso del lanzamiento de ‘Keep That Same Energy’ va a ser especialmente perjudicial para la cantante y bailarina, quien más se ha beneficiado del “hype” que ha rodeado a esta tanda de lanzamientos semanales, todos ellos producidos por Kanye y con 7 pistas cada uno, al ser mucho menos famosa que Kanye, Pusha T, Nas y Kid Cudi; pero lo peor es que Taylor ya no podrá beneficiarse de los streamings adicionales generados durante el día oficial de lanzamientos, el viernes. Es posible que el público ya se haya olvidado de este disco o pase de él cuando haya salido. Kanye y compañía han perdido el tren, y peor aún, se lo han hecho perder a Teyana.

El resto de discos de esta tanda de lanzamientos semanales salieron tarde o mal. ‘ye‘ salió con falta de créditos, ‘KIDS SEE GHOSTS‘ con las canciones mal tituladas, ‘Nasir’ no estuvo disponible hasta la noche del viernes pasado. ‘DAYTONA’ por poco sale con otra portada: West la cambió a último momento, un día antes de lanzamiento, por la polémica imagen del baño de Whitney Houston. La diferencia de todos estos discos con el de Teyana es que, por lo menos, salieron cuando la gente los esperaba. Hasta ‘The Life of Pablo‘ cumplió con su fecha de salida pese a que West lo siguió editando tiempo después, e incluso anulara su exclusiva con TIDAL sin previo aviso, lo cual les ha costado a Kanye y a Jay-Z una denuncia por “engañar” a sus fans prometiéndoles la exclusiva del álbum para que se suscribieran a la plataforma de streaming.

Pusha T ha prometido que ‘Keep That Same Energy’ será una “obra maestra”, y los fans con suscripción a TIDAL pueden ya realizar sus veredictos. Pero esta ristra de lanzamientos desastrosos nos hace preguntarnos hasta qué punto Kanye y sus secuaces pueden permitirse una falta de profesionalidad -para sus fans, pero sobre todo para la propia Taylor- tal como perderse completamente la fecha programada de un lanzamiento. Nos preguntaríamos qué será lo siguiente, ¿pero puede ir a peor?

Ariana Grande revela “cómo de larga” es la de ‘Pete’

Por
Jordi Bardají
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Ariana Grande ultima ya la salida de su nuevo disco, ‘Sweetener’, del que ha publicado el exitoso ‘No Tears Left to Cry’ y recientemente el single ‘The Light is Coming’ con Nicki Minaj, mientras ha participado por otro lado en canciones de colegas como Troye Sivan (‘Dance to This’) o la propia Nicki (‘Bed’). El álbum sale el 17 de agosto y ya puede comprarse en pre-venta.

Mientras llega ‘Sweetener’, Grande interactúa con sus fans por Twitter, y de vez en cuando responde alguna que otra pregunta. En las últimas horas, una fan ha tenido el simpático descaro de preguntar a Grande “cómo de larga” es la de ‘Pete’, “refiriéndose” a una de las pistas incluidas en ‘Sweetener’, un interludio dedicado a su pareja, el actor Pete Davidson; pero jugando obviamente con el doble sentido de la frase con intención de descubrir cuántos centímetros mide el miembro de Davidson.

Y haciendo gala de su cachondo sentido del humor, Grande ha entrado en el juego de la fan respondiendo: “25 centímetros… oh, mierda… quiero decir, poco más de un minuto”. El tuit ha sido borrado -como era de esperar- pero varios medios no han tardado en hacer capturas de pantalla para que quede en el recuerdo. Muy “grande” todo…

Madonna publica un montaje de Beyoncé y Jay-Z contemplando su discografía en el Louvre

Por
Jordi Bardají
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106

Mientras prepara su disco político con Mirwais, Madonna sigue pasando el rato publicando fotos en Instagram, y una de las últimas es un curioso montaje que presenta a Beyoncé y Jay-Z en el videoclip de ‘APESHIT’ contemplando cuadros del Louvre, sustituidos estos por portadas de varios discos de Madonna. En el pie de foto, Madonna ha escrito “aprendiendo de la Maestra” y ha rematado su mensaje con el “LOL” de rigor.

El que debería haber sido un post completamente inocente de Madonna, sin embargo, no ha gustado a ciertos sectores de fans tanto de Madonna como de Beyoncé. En primer lugar hay quien defiende que es de mal gusto que Madonna “se inserte a sí misma en una posición imaginaria por encima de Beyoncé y Jay-Z”, al definirse a sí misma como “Maestra” y no ante cualquiera sino ante Beyoncé, una de las artistas más influyentes de la actualidad, si no la mayor y posiblemente la que más se acerca a “la nueva Madonna” (Madonna es, en cualquier caso, una de las mayores inspiraciones de Beyoncé, como ella ha reconocido en varias ocasiones).

Otros han ido un poco más lejos y han señalado algún tinte racista en el post de Madonna, ya que la autora de ‘Rebel Heart’ ha usado en su mensaje la palabra “Master” (“amo”) para definirse por encima de dos artistas casualmente afroamericanos. Además, dado que el videoclip de ‘APESHIT’ pretende ser una representación del poder y la influencia negros en un espacio históricamente blanco como el Louvre, la broma ha parecido incluso más fuera de lugar a algunas personas. Eso sí, hay quien apunta que probablemente Madonna ni siquiera sea consciente que en esta imagen están presentes Beyoncé y Jay-Z, lo cual es dudoso teniendo en cuenta el objetivo de su mensaje.

Learning from the Master…………..lol. #art #equals #freedom 🎨

Una publicación compartida de Madonna (@madonna) el

¿Qué puede aportar la música de King Jedet al underground?

Por
Jordi Bardají
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King Jedet prácticamente no necesita presentación. El joven influencer se ha convertido, primero desde Youtube y más tarde desde Instagram y Twitter, en uno de los personajes más conocidos del underground en nuestro país. A través de todos estos medios, Jedet ha buscado mostrar una identidad masculina diferente, que no se ha reñido con la feminidad, pero que sí ha buscado ser evidentemente artificial, y derribar esas barreras de género que todavía siguen instaladas en nuestra sociedad. Su presencia se ha hecho más fuerte a través de sus apariciones en programas como #yu, donde habla de cultura pop, por ejemplo de sus ídolos Lindsay Lohan y Kim Kardashian, apasionando a toda una horda de seguidoras y seguidores en las redes sociales.

La fama en internet ha permitido a Jedet dar el salto a la música, y en 2017 publicaba un ‘Reinas’ con Ms. Nina que no tardaba en convertirse en un mini hit underground, sumando a día de hoy más de 2.300.000 reproducciones entre varias plataformas de streaming. El tema era un reggaetón irresistible, gracias a un melódico estribillo totalmente infalible que se pegaba a la primera, pero sobre todo a una letra descarada que representaba su mensaje de manera muy clara, en frases como “tengo barba y me maquillo, soy un tío con vestido, mira en qué me he convertido, tú en tu casa ahí aburrido”.

‘Reinas’ no aparecerá en el mini-álbum de Jedet, ‘La leona’, que se publica el 29 de junio y el influencer presenta este sábado en la Sala Razzmatazz de Barcelona, junto a Ms. Nina y Glitch Gyals. En el disco tampoco aparecerán su balada con La Favi, ‘Mentiras’; pero sí el sensual reggaetón ‘No te necesito’, la reciente ‘Luna llena’ y ‘No tengo tiempo’, una colaboración con Ms. Nina y Brisa Fenoy. En todos los temas disponibles se percibe la influencia de ese reggaetón que domina actualmente una buena parte de la cultura sumergida española, vía artistas como Bad Gyal, La Zowi, Bea Pelea y por supuesto la mencionada Ms. Nina, aunque desde un prisma más pop, con producciones más limpias.

Quizás la faceta más interesante de King Jedet sea su carácter contradictorio. Jedet sabe su talento “limitado”, pero no por ello va a dejar de “explotarlo” y es claramente lo que está haciendo, con éxito. Pero aunque Jedet ha ha hablado tanto para bien de la cirugía estética o de su deseo de tener “la cuenta bancaria de las Kardashian”, también lo ha hecho para mal de la fama, declarando a Cosmopolitan en 2017 que el mundo de la fama en realidad no le “llena” porque es “mentira”. Quizás su verdadera ilusión sea “interpretar” una fama desde abajo… o no, pero está claro que el underground también necesita estrellas del pop, y Jedet es una de ellas.

Ready for the Weekend: Nine Inch Nails, Kamasi Washington, Bebe Rexha, Chic, Die Antwoord…

Por
Raúl Guillén
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Tras unas semanas frenéticas, este viernes 22 de junio parece más relajado en cuanto a álbumes. podemos destacar los nuevos discos de Kamasi Washington, Bebe Rexha, The Wave Pictures, Teyana Taylor, Death Grips, Gang Gang Dance, The Orb, Panic! At The Disco, Dawes, St. Lucia, el debut del productor Cosmo’s Midnight (con colaboraciones de Tove Styrke, por ejemplo) y los chilenos Ases Falsos, además de EPs debut de dos artistas de sensibilidad similar, Billy Raffoul y el británico Sonny, un álbum del interesante MC nacional Juancho Marqués y otro del veterano artesano del pop Joe Moore, esta vez bajo el paraguas del electropop y bajo el nombre de The Perfect Kiss. También hay que recordar los álbumes de Nas y The Carters (Beyoncé y Jay Z) lanzados el pasado fin de semana.

Florence + The Machine, Ariana Grande & Nicki Minaj, Paul McCartney, Róisín Murphy, C. Tangana, Rels B, Angèle, Bejo, Demi Lovato o Delaporte han presentado nuevas canciones a lo largo de los 7 días, como os hemos contado. También Chic, Die Antwoord, Gorillaz & Snoop Dogg, Justice, Wet, Meghan Trainor, Iseo & Dodosound, MHD, The Mary Onettes, Underworld & Iggy Pop (que confirman EP conjunto), Mogwai, Kate Boy, Samuel O’Kane, Detergente Líquido, Dillon Francis & Jarina Demarco, Ms NIna & Beauty Brain, Jax Jones & Mabel, Skepta, Gallant, Maximo Park, Lizzo, Tunng, Agar Agar, los chilenos The Holydrug Couple y Daya, la intérprete de uno de los éxitos de The Chainsmokers.

Más jugosa se presenta la semana en cuanto a rarezas y curiosidades. Por ejemplo, encontramos el nuevo single de Las Chillers (una versión del himno bóller de Mecano ‘Mujer contra mujer’), un álbum de estudio creado por Soulwax a partir de canciones que contuvieran la palabra «essential», una versión de Neil Young a cargo de Yo La Tengo (exclusiva de Spotify), un tema para una BSO a cargo de Mogwai, remixes (uno para Fever Ray a cargo de su hermano Olof, compañero en The Knife; otro de Raúl Querido para Alborotador Gomasio) y una nueva versión para una de las canciones del último disco de Kimbra, regrabada junto a Dawn Richard, nada menos.

The Tripletz dan el salto de Youtube a la música sonando a Kiesza en ‘You Better Fucking Dance’

Por
Jordi Bardají
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Tras obtener un gran seguimiento en los últimos cuatro años gracias a su canal de Youtube, que cuenta con más de 400.000 suscriptores, y a través del cual han abordado temas de actualidad como la identidad de género, el poliamor, las drogas, la discriminación sexual, el feminismo o las enfermedades mentales, The Tripletz, el dúo formado por los Youtubers Sergi Pedrero y Lucas Loré, da el salto definitivo a la música.

Decimos “definitivo” porque, aunque The Tripletz ya eran DJs antes incluso de hacerse Youtubers, es ahora cuando se publica su primer single oficial, ‘You Better Fucking Dance’. El título del tema no puede ser más revelador, ya que está hecho para hacer “bailar” mediante un marcado ritmo house tan 90s, tan 90s, que por poco (solo por poco) parece un single perdido de Kiesza o Disclosure.

Con ‘You Better Fucking Dance’, The Tripletz, que, por cierto, también son autores del exitoso libro ‘Desnudos de prejuicios’, buscan “reflejar” su filosofía y la de su canal de Youtube, que “representa la diversidad, la libertad de expresión, la honestidad y la rebeldía. El dúo explica: “Da igual como seas, lo que te guste y como te expreses, aquí has venido a bailar y a sentirte libre”.

Troye y Ariana, La Casa Azul y Spiritualized entran en el top 40 de JNSP

Por
Sebas E. Alonso
-
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Christina Aguilera y Rosalía, la primera acompañada de Kanye West, la segunda por El Guincho, intercambian posiciones -volviendo la primera al número 1- esta semana entre lo más votado de JENESAISPOP. Las nuevas entradas son las de Troye Sivan (ft Ariana Grande), La Casa Azul y Spiritualized. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 7 Accelerate Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz Vota
2 1 1 3 Malamente Rosalía Vota
3 3 1 9 No Tears Left to Cry Ariana Grande Vota
4 4 2 7 Hunger Florence + the Machine Vota
5 6 2 11 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
6 5 5 3 Brillo J Balvin, Rosalía Vota
7 7 1 11 Anna Wintour Azealia Banks Vota
8 9 4 9 deep end Lykke Li Vota
9 17 4 9 Make Me Feel Janelle Monáe Vota
10 16 2 16 IDGAF Dua Lipa Vota
11 14 1 21 Dancing Kylie Minogue Vota
12 18 11 9 I Like It Cardi B Vota
13 15 8 10 PYNK Janelle Monáe Vota
14 21 12 7 Bloom Troye Sivan Vota
15 22 15 2 Lost My Mind Lily Allen Vota
16 8 5 6 This Is America Childish Gambino Vota
17 11 1 20 Lo malo Ana Guerra, Aitana Vota
18 10 10 2 bitches Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA Vota
19 23 13 8 Black Car Beach House Vota
20 – 20 1 Dance to This Troye Sivan, Ariana Grande Vota
21 – 21 1 Ataraxia La Casa Azul Vota
22 13 13 3 5 In the Morning Charli XCX Vota
23 27 17 5 Solo Clean Bandit, Demi Lovato Vota
24 19 19 9 Llorando en la limo C. Tangana Vota
25 12 3 5 Four Out of Five Arctic Monkeys Vota
26 20 6 9 Stop Me From Falling Kylie Minogue, Gente de Zona Vota
27 36 21 4 Don’t Miss It James Blake Vota
28 33 23 5 Toy Netta Vota
29 29 29 2 Ghost Town Kanye West Vota
30 30 25 7 Mercy Madame Monsieur Vota
31 32 13 9 Call Out My Name The Weeknd Vota
32 38 24 7 All My Dreams Róisín Murphy Vota
33 25 25 2 The Invisibles Suede Vota
34 35 20 4 Ocean Goldfrapp, Dave Gahan Vota
35 24 24 3 Please Don’t Die Father John Misty Vota
36 28 28 3 Humility Gorillaz Vota
37 39 37 2 Duele Dorian Vota
38 40 38 2 Pa dentro Juanes Vota
39 31 26 3 Give Yourself a Try The 1975 Vota
40 – 39 1 I’m Your Man Spiritualized Vota
Candidatos Canción Artista
– Euromillón Rels B Vota
– Strangers Halsey, Lauren Jauregui Vota
– Fast Slow Disco St Vincent Vota
– Pusha T If You Know You Know Vota
– Come On To Me Paul McCartney Vota
– El túnel Lidia Damunt Vota
– Sabes la noche Hazte Lapón Vota
– Growing Pains Alessia Cara Vota
– Apeshit The Carters Vota
– Bien duro C. Tangana Vota
– Azul marino Delaporte Vota
– La Thune Angèle Vota

Vota por tus 20 canciones favoritas

  • Accelerate, de Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz (6%, 76 Votos)
  • No Tears Left to Cry, de Ariana Grande (5%, 59 Votos)
  • Malamente, de Rosalía (4%, 58 Votos)
  • Hunger, de Florence + the Machine (4%, 53 Votos)
  • One Kiss, de Calvin Harris, Dua Lipa (3%, 44 Votos)
  • Anna Wintour, de Azealia Banks (3%, 42 Votos)
  • Dance to This, de Troye Sivan, Ariana Grande (3%, 37 Votos)
  • deep end, de Lykke Li (3%, 36 Votos)
  • Apeshit, de The Carters (3%, 36 Votos)
  • Brillo, de J Balvin, Rosalía (3%, 35 Votos)
  • Ataraxia, de La Casa Azul (3%, 34 Votos)
  • This Is America, de Childish Gambino (3%, 34 Votos)
  • IDGAF, de Dua Lipa (3%, 34 Votos)
  • Dancing, de Kylie Minogue (3%, 33 Votos)
  • Bloom, de Troye Sivan (3%, 33 Votos)
  • Make Me Feel, de Janelle Monáe (2%, 32 Votos)
  • bitches, de Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA (2%, 31 Votos)
  • PYNK, de Janelle Monáe (2%, 29 Votos)
  • Black Car, de Beach House (2%, 29 Votos)
  • Four Out of Five, de Arctic Monkeys (2%, 29 Votos)
  • Fast Slow Disco, de St Vincent (2%, 27 Votos)
  • I Like It, de Cardi B (2%, 27 Votos)
  • Solo, de Clean Bandit, Demi Lovato (2%, 26 Votos)
  • 5 In the Morning, de Charli XCX (2%, 25 Votos)
  • The Invisibles, de Suede (2%, 24 Votos)
  • Lo malo, de Ana Guerra, Aitana (2%, 24 Votos)
  • Bien duro, de C. Tangana (2%, 24 Votos)
  • Lost My Mind, de Lily Allen (2%, 23 Votos)
  • Sabes la noche, de Hazte Lapón (2%, 23 Votos)
  • Stop Me From Falling, de Kylie Minogue, Gente de Zona (2%, 22 Votos)
  • Llorando en la limo, de C. Tangana (2%, 22 Votos)
  • Call Out My Name, de The Weeknd (2%, 22 Votos)
  • Don’t Miss It, de James Blake (2%, 21 Votos)
  • Mercy, de Madame Monsieur (1%, 19 Votos)
  • Give Yourself a Try, de The 1975 (1%, 18 Votos)
  • Humility, de Gorillaz (1%, 18 Votos)
  • Toy, de Netta (1%, 17 Votos)
  • Strangers, de Halsey, Lauren Jauregui (1%, 13 Votos)
  • Ocean, de Goldfrapp, Dave Gahan (1%, 13 Votos)
  • Duele, de Dorian (1%, 12 Votos)
  • Please Don’t Die, de Father John Misty (1%, 12 Votos)
  • All My Dreams, de Róisín Murphy (1%, 12 Votos)
  • Ghost Town, de Kanye West (1%, 11 Votos)
  • Growing Pains, de Alessia Cara (1%, 11 Votos)
  • If You Know You Know, de Pusha-T (1%, 10 Votos)
  • I’m Your Man, de Spiritualized (1%, 8 Votos)
  • Pa dentro, de Juanes (1%, 7 Votos)
  • Azul marino, de Delaporte (1%, 7 Votos)
  • El túnel, de Lidia Damunt (0%, 6 Votos)
  • La Thune, de Angèle (0%, 5 Votos)
  • Come On To Me, de Paul McCartney (0%, 1 Votos)
  • Euromillón, de Rels B (0%, 1 Votos)

Votos totales: 172

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Manolo García defiende a Amaia Montero ante los “perfectos de este mundo”

Por
Jordi Bardají
-
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Manolo García ha publicado una carta pública en su página web dirigida a Amaia Montero, quien ha sido víctima de duras críticas y descalificaciones en los últimos días después de protagonizar un desastroso concierto en Cantabria, según ella, debido a la falta de ensayos, según sus detractores, debido a unas copas de más.

García ha querido defender a Montero ante los “perfectos de este mundo”, y haciendo una extraña, y diríamos que algo desafortunada comparación con el movimiento #MeToo, el cantante enumera una serie de situaciones vergonzosas en las que #éltambién se ha encontrado, como haber subido al escenario “con alguna copa de más”, “haber patinado con un playback” o salir mal vestido a cantar. García indica que la imperfección le ha hecho humano, que es de hecho “nuestra condición” y asegura a Montero que las veces que ha hecho feliz a su público encima del escenario sobrepasan a las malas.

Este es el texto íntegro:

“Te conozco desde hace bastantes años, Amaia. Nos hemos encontrado en muchas fiestas de radio, entregas de premios… y siempre nos hemos saludado, siempre has tenido una palabra cariñosa para mí. Sabemos que la vida es una montaña rusa y hoy quiero enviarte un abrazo sincero, leal a esa amistad en la distancia pero profunda que siento por ti. Un abrazo cósmico.

Ahora que está tan de moda el Me Too, a mí me ha pasado de todo. He subido con alguna copa de más a un escenario, he patinado con un playback que no entraba en pleno directo de televisión, me he olvidado la letra de una canción bastantes veces, en multitud de ocasiones he salido a escena con ropas tan desacertadas como para morirse de risa y hasta me he colado en un agujero escenario abajo. ¿Qué sucede? ¿Que una pifia, un error, una metedura de pata pesan más que tantas y tantas noches de entrega, de buenos conciertos? Pues claro que no. Y como dice la Biblia, el que esté libre de culpa, que tire la primera piedra.

Como tú, como todos los que a veces nos pueden criticar, soy humano. Pero sabes, precisamente por eso hay que perdonarse. Si te soy sincero, tampoco me he sentido mal porque sé que todos y cada uno de los que están frente a nosotros en cualquier evento, de vez en cuando también fallan. Es nuestra condición. Y poco más. Ayer hablé contigo y al colgar el teléfono pensé en los años que llevas en el oficio de la música y en la cantidad de veces que habrás subido a un escenario y habrás dado felicidad al público junto a tus compañeros músicos. Eso, tu entrega de tantas noches a tanta gente es tu salvoconducto para ser respetada, como debería serlo todo el mundo.

Un montón de besos y un ramo de flores, Amaia.”

‘Con amor, Simon’ es una importante pero tópica comedia de instituto

Por
Fernando García
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Hace unos años –no demasiados- la existencia de una cinta como ‘Con amor, Simon’ hubiese sido impensable. Que un gran estudio como la 20th Century Fox haya realizado una película con fines comerciales en torno a un personaje homosexual es un gran paso adelante en la lucha por la diversidad sexual. Para llevarla a cabo, han escogido adaptar la novela de Becky Albertalli, ‘Yo, Simon, Homo Sapiens’, que relata las dificultades de ser un adolescente gay en el mundo heteronormativo donde vivimos. Todo comienza cuando en un foro del instituto un tal Blue publica anónimamente su homosexualidad, por lo que Simon –todavía dentro del armario-, le escribirá también ocultando su identidad contándole cómo se siente. Se establece así una correspondencia vía mail, a la par que Simon intenta descubrir quién es Blue. Sin embargo, el conflicto aparece cuando uno de sus compañeros de clase descubre la existencia de esos correos y le chantajea con sacarlos a la luz si él no le ayuda a conquistar a una amiga suya.

‘Con amor, Simon’ se mueve desde el principio en el terreno de lo mainstream. Es una comedia romántica de instituto, como las que hemos visto mil veces, cuya única particularidad es la de la sexualidad del protagonista (algo valioso, por otra parte). Como la gran mayoría de esta clase de películas, es totalmente predecible, tiene multitud de fallos de guion, detalles inverosímiles (el mero motivo por el que se desarrolla el conflicto, lo es, así como el chantaje) y personajes poco desarrollados. Resulta frustrante ver cómo los guionistas se empeñan en construir a Simon plasmando bien sus dudas, miedos e inseguridades adolescentes, y se olvidan de otorgar la más mínima fuerza a todos los demás secundarios.

Pese a todas sus carencias, no se puede negar que funciona como un entretenimiento amable y agradable de ver. Y tampoco se puede obviar su importancia, dando visibilidad y normalizando la homosexualidad ante un público más amplio que al que llegan otras películas infinitamente superiores a esta como ‘Call Me By Your Name’ o ‘Tierra de Dios’, por mencionar dos ejemplos recientes –aunque sean muy diferentes-. Otra de las virtudes de la película de Greg Berlanti es que, aun con todo, se sitúa por encima de la mayoría de comedias de instituto, algo que se deba probablemente a que el protagonista en esta ocasión sí tiene un conflicto importante.
La música juega un papel esencial para definir bien el tono desenfadado pero comprometido que tiene el film. Entre algunas de las canciones de artistas actuales que se puede escuchar están ‘Love Me’ de The 1975, ‘Love Lies’, de Khalid y Normani, ‘Strawberries & Cigarettes’ de Troye Sivan o ‘Alfie’s Song (not So Typical Love Song)’ o ‘Rollercoaster’, de Bleachers. Y también grandes hits atemporales como ‘I Wanna Dance With Somebody’ de Whitney Huston y ‘Someday at Christmas’ de The Jackson 5.

Es cierto que ‘Con amor, Simon’, no pretende ser más de lo que es, y también es cierto que el colectivo LGTTBI+ no solo merece historias de amor profundas, sino modelos en los que los adolescentes puedan también sentirse representados, y en ese sentido no hay nada reprochable. Sin embargo, sí que da cierta rabia, que al final, tenga opciones de ir más lejos y hacer mejor las cosas y no llegue a aprovechar sus oportunidades. Es una película relevante por lo que supone, pero cinematográficamente muy poca cosa. 6.

Paul McCartney y James Corden se dan un baño de nostalgia en Carpool Karaoke

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Jordi Bardají
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Esta noche se ha emitido finalmente en la televisión americana uno de los episodios de ‘Carpool Karaoke’ más esperados, el de Paul McCartney. La aparición del ex Beatle en el programa de James Corden, que se ha producido en Liverpool, coincide con el anuncio de su nuevo disco, ‘Egypt Station’, que se publica el 7 de septiembre y del que se han lanzado dos adelantos, ‘Come On to Me’ y ‘I Don’t Know’.

Como era de esperar, el viaje en coche de Corden y McCartney ha sido un baño de nostalgia, empezando por el propio Corden pidiendo ayuda por teléfono para llegar a trabajar con la frase “help, I need somebody”. De hecho, en cuanto McCartney entra en el automóvil, Corden le pregunta si recuerda la primera canción que escribió, a lo que McCartney responde que un tema llamado ‘I Lost My Little Girl’ que compuso a los 14 años.

Durante el trayecto, Corden y McCartney cantan canciones míticas de los Beatles como ‘Penny Lane’, ‘Blackbird’, por supuesto ‘Drive My Car’ o ‘Let it Be’, con la que Corden no puede evitar emocionarse al recordarle a su abuelo. También cae ‘Come On to Me’. Ambos incluso visitan la casa en Londres en la que McCartney vivió de adolescente, recordando este la enorme “distancia” que le separa de aquella época.

Finalmente, Corden y McCartney visitan un pub donde los Beatles solían hacer bolos antes de hacerse famosos, y allí McCartney realiza un mini concierto donde toca ‘Obladi-Oblada’, ‘Love Me Do’, ‘Back in the USSR’ y ‘Hey Jude’, esta última junto a un ilusionado Corden.

Axolotes Mexicanos / Salu2

Por
Raúl Guillén
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Ya nos advirtieron Axolotes Mexicanos con ‘Holi<3’ que lo suyo no era ninguna broma, por más que el humor ácido, enmascarado en una apariencia erróneamente cándida, protagonice las canciones de los hermanos Olaya y Juan Pedrayes, que ahora conforman el núcleo del grupo. Aquel estupendo compendio de 8 canciones sentaba las bases –no casualmente, sus portadas parecen reverso y anverso de la misma escena de inspiración manga– de ‘Salu2’, un álbum de debut que ha producido Carlos René (de Cornelia, también productor de Capitán Sunrise y San Francisco). Y es que ‘Doble Check’, el apabullante adelanto con querencia future bass y ecos de PC Music, no marca tanto el sonido de estas 13 canciones como el de ‘Trececatorce’ y ‘XXX’, recuperados aquí del 7” publicado el pasado año y evolución directa de aquel miniálbum de 2015.

Es decir, pop con espíritu punk en su velocidad furibunda y exacerbada dulzura en lo melódico, como unos jóvenes Green Day haciendo versiones de una primeriza La Casa Azul. O al revés. Todo ello salpicado de arreglos aparentemente antagonistas de hardcore o metal y J-Pop (¿BabyMetal?) que remiten a Helen Love o Kero Kero Bonito y suponen otra colección de canciones arrebatadoras. En sus fugaces 31 minutos de guitarrazos combinados con glitchpop desbocado, giros rítmicos audaces e inesperados al filo del descarrile, no hay apenas respiro (sólo la cadenciosa ‘Intro’ instrumental y ‘Menos 100’ rebajan levemente el nivel de excitación) y ‘Astor’, ‘Heavens Gate’, ‘Nacida para sufrir’ y ‘Estanquero’ se sitúan de inmediato como sus mayores himnos, a la altura de la gran ‘Disparo de amor’.

Pero, al margen de ese perfil de punk-pop extremo, ‘Salu2’ supone también una evolución en la carrera de Axolotes Mexicanos, especialmente en unas letras en las que Olaya (cuya faceta de dibujante y guionista de cómic tenemos el privilegio de albergar cada semana en la sección Yo he venido de mi casa) abandona la fantasía e inocencia de sus primeras canciones y se traslada a la realidad más cruda y personal. Miseria económica (‘Menos 100’), amor irracional (‘Estanquero’) y desamor cabal (‘Astor’, ‘Sin ti’), resacas, horas perdidas en la Red esperando una señal de esa persona (‘Doble Check’), procrastinación vocacional (‘Vaga’, que va de lo acústico a lo furioso), sustos en los ciclos menstruales (‘Farmacia’, una de las canciones más sorprendentes, con ese toque cumbiero), odio explícito (“he perdido por navidades que se muera Jorge Cremades”, canta en ‘Nacida para sufrir’) y venganza (¿qué cara se le habrá quedado a la tal Débora de ‘Debora Tartas’, con semejante retahíla de lindezas?) se plasman sin filtros y trufadas de referencias de la cultura popular en unas letras que retratan la precariedad a la que se ve abocada la generación que más ha padecido los efectos de la crisis económica. A esto se refiere su paisano Nacho Vegas cuando dice que “lo personal es político”. Un retrato vital crudo y contundente con el que dejarse el culo bailando y que confirma que Axolotes Mexicanos son mucho más interesantes de lo que su apariencia popi pudiera decir.

Axolotes Mexicanos presentan hoy, viernes 22 de junio, estas nuevas canciones en la Sala El Sol de Madrid, acompañados por Betacam.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Astor’, ‘Doble Check’, ‘Heavens Gate’, ‘Nacida para sufrir’, ‘Vaga’
Te gustará si: entiendes que la distancia entre La Casa Azul, Pignoise y Pimp Flaco no es tanta como parece.
Escúchalo: Spotify

‘Fariña’ volverá a las librerías tras levantarse el secuestro judicial

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Raúl Guillén
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Entre las numerosas y desconcertantes sentencias judiciales –y con la dolorosa, para muchas y muchos, excarcelación de los 5 miembros de «La manada» aún candente– que inundan los noticieros durante los últimos tiempos, en el área de la cultura destacaba el secuestro dictado por un juez sobre una novela periodística del escritor Nacho Carretero, ‘Fariña’. Dicha novela indagaba en los orígenes de las redes de narcotráfico en la costa gallega durante los años 80 y 90, a menudo con la complicidad y connivencia de instituciones de todo calado.

Poco después de ser puesto a la venta, una jueza procedió al secuestro de su primera edición tras la demanda de uno de los «personajes» que aparecía en el libro, el exalcalde de O Grove José Alfredo Bea Gondar, por «injurias y calumnias» al plasmar su implicación en las descargas de cocaína realizadas en la época en su municipio. Una medida que derivó en la protesta airada del autor, claro, pero también de editores –que ofrecieron la opción de leerlo online camuflado en una versión digital del Quijote– y lectores. Según informa El País, tras la petición de la fiscalía del levantamiento de dicho embargo, la Audiencia Provincial de Madrid ha revocado la orden del juzgado, considerando además que los datos ofrecidos sobre Bea Gondar son «fiables y veraces», permitiendo la vuelta del libro a las tiendas y el lanzamiento de sus ediciones en catalán y gallego. Nacho Carretero, el autor, ha celebrado la sentencia en Twitter.

Se da la circunstancia, además, de que cuando el libro fue secuestrado ya estaba prácticamente finalizado el rodaje de una adaptación televisiva del libro. De hecho, la serie –estupenda desde el punto de vista narrativo y técnico– ha sido un gran éxito de audiencia, en el que además encontrábamos a Iván Ferreiro cantando su cabecera –se ha publicado un EP con sus canciones para la serie– junto a otros temas de grupos alternativos contemporáneos como Mujeres, Kokoshca, Carolina Durante o La Plata.

No te pierdas: Delaporte consolidan su personalidad dance-pop con ‘Azul Marino’

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Raúl Guillén
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No contentos con triunfar gracias a ‘Un jardín’ y su inclusión como sintonía en el talent-show de danza ‘Fama, ¡A Bailar!’, ni con haber entregado ‘Uno‘, uno de los EPs más sugerentes de pop electrónico de este año, el dúo Delaporte presenta hoy un nuevo single que les afianza como adalides de una nueva sensibilidad en el pop español, una que rehúsa a caer en esquemas gastados y que mira al futuro, sin menoscabar ni su potencial comercial ni su personalidad artística.

Esta nueva canción se titula ‘Azul marino’, y con ella Sandra Delaporte y Sergio Salvi pretenden evocar sensaciones veraniegas para la temporada que ayer comenzaba oficialmente: es fresca y sugerente, siempre con la aguda voz de la cantante como conductora, pero también rotundamente bailable, con su base housera. Además, ha sido estrenada por la revista Vogue con un vídeo de gran presupuesto –aparentemente patrocinado por una conocida marca de ropa española– que se ha filmado tanto en La Habana como en Madrid, “para mezclar el caos y el color tropical de la isla, con «el orden, la cuadrícula de los edificios y la sobriedad» de Madrid”, dicen.

En lo lírico, ‘Azul marino’ habla de «las contradicciones que, a veces, aparecen en una relación en la que te gusta estar, pero que a la vez te lleva a ataduras y a lugares que nunca habrías imaginado. Se refiere al momento preciso en el que ves llorar a una persona que quieres”. Delaporte presentarán este nuevo tema hoy, 22 de junio, en la Ciudad del Rock de Arganda del Rey (Madrid), dentro del festival electrónico A Summer Story 2018; también estarán el día 30 en la Casa del Mar de Valencia y, ya en otoño, son (junto con Morcheeba, Amatria o Postmodern Jukebox) uno de los nombres destacados del cartel de MadTown Days by Jim Beam, certamen del que JENESAISPOP es medio colaborador.

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