Rels B: «Me veo en esto solo un par de añitos más»

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15 mayo, 2018

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Tal y como anunciaba ella misma esta mañana, Rosalía ha dado el nombre de su segundo proyecto (que no disco como tal) en solitario. Llevará por título ‘El mal querer’, según ha revelado en el tercer vídeo-teaser sobre esta obra que ha subido a su canal de Youtube esta misma noche. En este nuevo clip, la artista barcelonesa da más claves de cómo será ‘El mal querer’, un disco en el que indaga en «las pasiones», en «querer mal» y en «todo lo que conlleva una relación de ataduras». También cuenta que le importa reivindicar el papel de la mujer como productora. Lo confirma El Guincho, co-productor del disco, que insiste en que es un trabajo que han desempeñado los dos, porque ella tiene muy claras sus ideas de producción, y que él sólo le ayuda a plasmarlas. Pablo Díaz Reixa también explica que antes de empezar a trabajar con ella no tenía ni idea de flamenco, y que Rosalía le introdujo en ese lenguaje, que ahora le suena a pop.

Esto concuerda con lo que la propia Rosalía contaba en el 1er teaser revelado días atrás: que estas nuevas canciones se alejan de ‘Los Ángeles’ –su exitoso debut editado el pasado año, producido por Refree–, aunque de alguna manera mantienen la raíz flamenca. Otra de las revelaciones de ese primer vídeo es que ‘El mal querer’ es un proyecto que está financiando ella misma, pues no está atada a ninguna compañía –Universal editó ‘Los Ángeles’ bajo licencia–. Además, de acuerdo con el teaser número 2, tendrá mucho peso la danza (en él narra cómo, antes que cantar, comenzó expresándose de niña a través del baile) y, por tanto, lo visual. Aparte de que la danza esté presente en sus directos, ¿estaremos ante un álbum visual al estilo ‘Lemonade’?

Lo que no nos queda del todo claro es si que aquellas instantáneas con Pharrell Williams tenían que ver también con ‘El mal querer’ o con su colaboración confirmada en el nuevo álbum de J Balvin, artista también próximo a aquel. Sí que parecen encaminados los plazos de cara a la actuación de Rosalía en la próxima edición del festival Sónar, donde se asegura que presentará, entre el 14 y el 18 de junio, ‘El mal querer’. Si todo sigue así, es posible que en menos de un mes tengamos entre nosotros esta esperada nueva obra.

Mi nuevo disco se llamará "EL MAL QUERER" 💔
(Coproducido x El Guincho y Rosalía) https://t.co/yHDZL642ee

— R o s a l í a (@rosaliavt) May 15, 2018

Muere a los 87 años Tom Wolfe, autor de ‘La hoguera de las vanidades’ y padre del Nuevo Periodismo

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15 mayo, 2018

Cerrando una siniestra terna que ocupa hoy nuestra portada tras las desapariciones en las últimas horas de la actriz Margot Kidder y el músico Glenn Branca, el escritor y periodista Tom Wolfe ha fallecido hoy en Nueva York a los 87 años de edad, según ha informado su representante a The New York Times. Al parecer, padecía una neumonía que en las últimas horas se complicó.

Wolfe, nacido en Richmond, Virginia, comenzó trabajando como periodista en The New York Herald Tribune a comienzos de los 60, medio desde que comenzó a ofrecer una suerte de periodismo novelado –es decir, contaba las noticias con extrema fidelidad a la realidad, empleando en ellas técnicas propias de la alta literatura–, un estilo que en buena medida compartía con contemporáneos como Truman Capote y Gay Talese y cuyo estilo definió en su ensayo ‘El Nuevo Periodismo’ (1976), aunque en los últimos años renegó en parte de él.

Pero Wolfe sin duda pasó a la historia de la literatura contemporánea con su primera novela, ‘La hoguera de las vanidades’. Un volumen vastísimo publicado en 1987, que retrata con suma precisión la decadente alta sociedad neoyorquina de la década de los 80 y que se convirtió en uno de los grandes best-sellers de las últimas décadas, que además fue aún más popularizada por la adaptación cinematográfica que Brian De Palma estrenó en 1990. Con ella, Wolfe se convirtió en uno de los cronistas más ácidos de la realidad y uno de los grandes escritores norteamericanos del fin del siglo XX, refrendando ese papel con ‘Todo un hombre’ (1998). Su última novela, ‘Bloody Miami’, data de 2012.

Ella Mai y el milagro de ‘Boo’d Up’, el hit inesperado que ha tardado un año en serlo

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15 mayo, 2018

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El mundo de la música y los talent-shows tiene estas cosas: ¿cuántos artistas con talento y perfectamente aptos caerán en sus audiciones? A veces, llegando incluso más lejos que los supuestos ganadores de esos concursos. Ella Mai es la última prueba de ello: una joven de Londres –aunque vivió la adolescencia en Nueva York– que se presentó a las audiciones del ‘The X Factor’ británico en 2014 como parte del trío femenino de R&B Arize, siendo descartadas de la selección final de concursantes. Esto llevó a disolverse al grupo y a Ella a subir cuatro canciones a su Soundcloud. Canciones que escuchó DJ Mustard (Rihanna, 2 Chainz, Tinashe) y decidió, de inmediato, ficharla para su sello 10 Summers.

Los buenos resultados de ese contrato llegaron enseguida, en 2016, con el EP ‘Time’, que contenía el que venía siendo hasta hoy su gran éxito en Spotify (44M de streamings) y Youtube (12M de visualizaciones), una ‘She Don’t’ con featuring de nada menos que Ty Dolla $ign. Un gran tema de R&B seductor, moderno pero sin grandes experimentos. Ese mismo año repitió fórmula con ‘Change’, otro EP en el que brillaba especialmente ’10.000 Hours’, otro medio tiempo. En febrero de 2017 no descansaría y publicaba un nuevo EP, ‘Ready’, aparentemente más inadvertido. Tampoco parecía ocurrir nada espectacular con ‘Naked’, el single lanzado a finales de ese año para aderezar su papel de telonera para Kehlani, una balada en la que la voz de Mai se acompaña apenas de una guitarra y un teclado.

Sin embargo, la magia de un éxito es, a veces, inescrutable y esta semana se ha obrado un pequeño “milagro”: Ella Mai ha colocado una de sus canciones nada menos que en el número 17 del Billboard Hot 100, la posición más alta de su carrera hasta el momento (nada despreciable, si consideramos que 2 artistas, Drake y Post Malone, capitalizan hasta 6 posiciones anteriores a esa). Para colmo de la ironía, ni siquiera es su nueva ni ha sido destacada o promocionada como single. Hablamos de ‘Boo’d Up’, la canción que abre ‘Ready’ y que ha ido funcionando gracias al boca-oreja, sonando en emisoras de radio y apareciendo cada vez más en playlists populares de plataformas de streaming.

Esta gran canción, perfecta mezcla de elegancia y gancho (es imposible no quedarse pillado a esos «bididadoo-boo’d up!»), ha ido escalando posiciones paulatinamente, aupada además por el bonito vídeo que, muy avispadamente, Ella lanzaba la pasada semana. Así, tras entrar en febrero en la lista principal de singles de Billboard –esto es justo un año después de publicarse–, ha ido escalando posiciones poco a poco hasta alcanzar su pico esta semana, y quién sabe si su tendencia al alza continuará. Una feliz sorpresa que refuerza su carrera antes de lanzar un álbum de debut que debería llegar en los próximos meses.

La canción del día: Caroline Rose emplea el humor y el pop para denunciar la misoginia en ‘Bikini’

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15 mayo, 2018

Aunque ‘LONER’, publicado hace un par de meses atrás, es el segundo disco de la norteamericana Caroline Rose, parece a todas luces su verdadero debut. Básicamente, porque suena más auténtico y personal que un ‘I Will Not Be Afraid’ más cercano al alt-country, facción cuqui. Con ‘LONER’, más cercano a referentes como Katy Goodman, Angel Olsen o Courtney Barnett, Rose abre su rock a un sonidos más eclécticos, desde la psicodelia al rockabilly, y, sobre todo, destaca por su querencia por el pop.

Tras varios singles como ‘Soul No. 5’ y la preciosa, un poco Cindy Lauper, ‘More Of The Same’, acaba de presentar su nuevo vídeo para una de las canciones más enérgicas del álbum, ‘Bikini’. Un tema vibrante, de gancho inmediato y espíritu juguetón, con ese riff de Moog (o similar) que contagia entusiasmo e invita, como dice su estribillo, a “menearlo” y “bailar”. Muy simpático si no fuera porque, en realidad, todo ese candor, esconde una sátira sobre la misoginia en el mundo del espectáculo. Ese “ponte este biquini y ¡baila, baila, baila!” esconde la cosificación a la que muchas mujeres son sometidas en el mundo del arte por la falocracia.

Un mensaje comprometido que se complementa ahora con su recién estrenado clip. Dirigido por ella misma e inspirado por el universo de Almodóvar (“es un maestro en el uso de elementos visuales para mejorar una historia seria”) y por los concursos televisivos de los 60 y 70 estilo ‘El precio justo’, se sitúa a sí misma como caricaturesco maestro de ceremonias de un show en el que se espera que las mujeres cumplan un papel ornamental. Sólo que, con ironía, sus modelos no se ajustan a los cánones de belleza más viles dando un toque cómico, pero también espeluznante cuando suelta eso de «vamos a ponerte en un avión y llevarte a Tokio, todo lo que tienes que hacer es ponerte este pequeño biquini». Un gran tándem música/visuales que pone la atención sobre esta interesante artista a la que, en breve, tendremos en nuestro país.

Y es que Caroline Rose, tras ser anunciada en la penúltima tanda de confirmaciones del FIB 2018 –junto con Rag’N’Bone Man, Metronomy, Anna Calvi…–, ha ampliado su periplo por España confirmando su presencia en el club Dabadaba de Donosti (el 20 de julio), y en el Barranco Festival de Fitero, Navarra (21 de julio).

Mitski se abandona a un amor tóxico en ‘Geyser’

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15 mayo, 2018

Hace un par de años Mitski Miyawaki deslumbraba con ‘Puberty 2’, un álbum de rock que equilibraba agresividad y emoción en canciones portentosas como ‘Your Best American Girl’ o ‘Happy’. Un disco que certificaba su ascensión en la escena y la hizo subir de división para codearse con artistas como Run The Jewels o Lorde, con los que ha estado compartiendo tour por Norteamérica. Ahora, al fin, ha llegado el momento de dar continuidad a aquella obra con ‘Be The Cowboy’.

Se publica el día 14 de agosto y se trata de su tercer disco en el sello independiente Dead Oceans (sus dos primeras obras fueron autoeditadas), de nuevo grabado junto a su colaborador Patrick Hyland. En el anuncio del disco realizado por el sello, Mitski asegura que ha tratado de dar en él un nuevo enfoque a su música: “He experimentado con la narrativa y la ficción. [Tenía en mente] una mujer fría, muy reprimida, que comienza a rebelarse. A causa del empequeñecimiento de las mujeres y que mostrar emociones es visto como una debilidad, este personaje se aferra al más mínimo resquicio de control que pueda tener. Aún así, hay algo primario en ella que intenta encontrar su camino para salir”.

Esto, literalmente, es lo que encontramos en la letra –y también en la música– de ‘Geyser’, primer adelanto de ‘Be The Cowboy’. Tras un tenso arranque envuelto en un órgano mientras ella canta “eres mi número uno, eres a quien quiero, y he rechazado que me ha invitado a marchar”, el tema va creciendo hasta lo explosivo, emulando ese “geyser” que en un momento de la canción, que “burbujea desde abajo” y le llama. “Incluso cuando me está haciendo daño, no es real, no es lo bastante real”. Un llamativo retorno que se complementa con un vídeo oscuro que discurre paralelo a la canción, con la propia Mitski encarnando ese personaje.

Tracklist de ‘Be the Cowboy’:
1. Geyser
2. Why Didn’t You Stop Me
3. Old Friend
4. A Pearl
5. Lonesome Love
6. Remember My Name
7. Me And My Husband
8. Come Into the Water
9. Nobody
10. Pink in the Night
11. A Horse Named Cold Air
12. Washing Machine Heart
13. Blue Light
14. Two Slow Dancers

Olly Alexander es la estrella en el homoerótico “cabaret humano” de Years & Years

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15 mayo, 2018

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Tras las emociones encontradas que desencadenó en nuestra redacción (y también sus seguidores) ‘Sanctify’, el primer adelanto del esperado segundo disco de Years & Years, el pasado viernes presentaban un nuevo single del mismo. Se trata de ‘If You’re Over Me’, una canción ultrapopera, más luminosa que su predecesora, fiel a la mano de su productor Steve Mac (que recientemente trabajaba, por ejemplo, en el debut de Anne-Marie).

Hoy, además, el grupo británico muestra su vídeo oficial, que enlaza con la trama que comenzaba a desplegarse en el de ‘Sanctify’: una fantasía científica futurista en la que los androides gobiernan el mundo y someten a los humanos, que son juguetes para ellos. En el caso de Olly, juguete sexual para un humanoide de aspecto indoasiático, que en esta ocasión le convierte en la estrella del “cabaret humano” que dirige. Olly protagoniza con sus bailes y sus espatarres el espectáculo mientras, entre bambalinas y tocamientos, surge la chispa con uno de los bailarines de la compañía.

‘If You’re Over Me’ se ubica en el tracklist al principio de la segunda mitad de ‘Palo Santo’, ese nuevo disco de Olly, Mikey Goldsworthy y Emre Türkmen –por el momento, dejando todo el protagonismo estético al también actor– que se publica el próximo 6 de julio.

Delaporte / Uno

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15 mayo, 2018

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Una cosa que no esperábamos en el regreso de ‘Fama A Bailar’ y que es digno de celebración es que hayan dado gran protagonismo a la música en directo. Y que su apuesta no (sólo) se limiten a los nombres cuya promo impulsan las grandes discográficas, sino también otros nuevos, frescos y audaces. Es el caso de Delaporte, semidesconocido dúo establecido en Madrid y formado por Sandra Delaporte, cantante y compositora, y Sandro Salvi, músico y productor italiano, que ha visto cómo su aparición en el programa para interpretar su canción ‘Un jardín’ le ha servido para darse a conocer a un público muy amplio, cambiando para siempre su carrera.

Sin embargo, aunque esta aparición suponga, previsiblemente, un felicísimo accidente de más de 1 millón de streamings en su carrera, la atención que ha desatado hacia ellos está más que justificada, a tenor de lo mostrado en sus dos primeros EPs, ‘One’ –publicado el pasado año– y su complemento reciente, ‘Uno’, ambos publicados en el sello independiente Mad Moon Music. Como dejan ver sus títulos, ambos EPs separan, a priori, sus canciones en inglés –salvo por la estupenda ‘Pájaro salvaje’ incluida como excepción a la regla en el primero– y castellano. Pero hay más diferencias que el mero lenguaje en ellos.

Y es que, mientras en aquel primer disco de 2017 mostraban una mayor querencia por el future bass o el footwork anglosajón, ‘Uno’ inclina también la balanza hacia ritmos de origen latinoamericano que conforman una entidad más singular para Delaporte. Así, no se trata solo de que podamos cantar y memorizar sus letras –cuando podemos distinguirlas, porque la mezcla vocal es a veces mejorable–, sino que su pop-soul-R&B electrónico pero sudoroso es claramente identificable. Aunque la potente exuberancia del funk brasileño que nutre la crucial ‘Un jardín’, la mezcla de delicadeza y bailabilidad de ‘Me encanta’, la electrocumbia elegante de ‘Cariñito’ (versión del popular tema de Los Hijos del Sol que también está en el repertorio de Novedades Carminha) conforman un bloque latino en su primera mitad, que contrasta (aunque no tanto como parece sobre el papel) con el trap-dance-pop sexual de ‘Tú y yo’, el homenaje a ‘Homework’ de Daft Punk que contiene ‘Otomanique’ o la outro-balada a lo James Blake ‘#1’, más universales y quizá con un punto menos de gancho que el inicio del disco.

Las personales –insinuantes, pero nunca evidentes– letras de Sandra también contribuyen a hacer de ‘Uno’ uno de los lanzamientos de pop contemporáneo más estimulantes y desacomplejados que hayamos disfrutado en mucho tiempo, y ardemos en deseos de saber cuán lejos pueden llevar su propuesta en el futuro. Una mezcla atractiva, tan valiente como cargada de inmediatez, que la escena, definitivamente, necesita.

Muestra de su amplitud de registros y públicos potenciales, Delaporte estarán presentando las canciones de ‘Uno’ en festivales como Paraíso, en Madrid, o Arenal Sound, en Burriana (Castellón). Pero antes de eso, este viernes 18 de mayo, actúan en Ochoymedio Club de Madrid.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Un jardín’, ‘Me encanta’, ‘Tú y yo’
Te gustará si te gustan: Chairlift, James Blake y Bomba Estéreo.
Escúchalo: Spotify

¿Es tan nefasta la “versión feminista” de ‘This Is America’ de Nicole Arbour como hace ver Internet?

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15 mayo, 2018

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Horas después de conocerse que Donald Glover, en su alias musical Childish Gambino, conseguía su primer top 1 de Billboard Hot 100 con ‘This Is America’, uno de los acontecimientos musicales de las últimas semanas, la canción es noticia por motivos mucho menos positivos. Una cómica canadiense llamada Nicole Arbour, de cierta popularidad en Youtube por sus recurrentes polémicas, subía anoche una “versión feminista” del single de Childish Gambino.

En el vídeo, Arbour traslada el espíritu de la canción –un alegato contra el incipiente racismo y violencia en Norteamérica hacia las etnias más desfavorecidas– a un contexto de la opresión de la mujer. Tras numerosos comentarios negativos (los dislikes cuadruplican los likes), la youtuber ha decidido cerrar los comentarios y añadir un texto en la descripción del vídeo, declarando su admiración por la obra de Gambino (“la obra de arte más impactante de los últimos años”) y explicando que era “arrojar luz a experiencias de la mujer como la recriminación a las madres que amamantan, las violaciones bajo efectos de estupefacientes, las etiquetas de “santa o puta”, las presiones para tener familia, el acoso laboral, el techo de cristal”, etc. Pero Internet ha dictado sentencia y su vídeo está siendo masacrado… ¿con razón?

Ciertamente, las intenciones de Arbour parecían buenas, y ni mucho menos hay en su vídeo un tono de burla hacia el original. Además, se ha preocupado por reflejar a mujeres de distintas etnias y morfologías físicas en él. Pero tomar como referencia una obra que denuncia otro problema de sensibilidad social tan importante parece una decisión totalmente nefasta, máxime siendo una mujer caucásica bajo los cánones de belleza occidental prototípicos. No sólo porque se puede interpretar, como así ha sido, como una parodia a aquella denuncia, sino porque consigue precisamente el efecto contrario: como ella misma dice en un texto al final del vídeo, “si yo fuera un tío, no estaría pensando quién me ha escrito todo esto”, acompañado de una peineta. Por más suculenta que parezca la idea de emplear el vídeo viral más exitoso de la primera mitad del año, ¿no había más vídeos que emular para su denuncia? Directamente, esta nunca debería haber sido una opción.

Quizá el problema de Arbour es que este no es su primer vídeo polémico: en 2015, dio la vuelta al mundo un vídeo llamado “Querida gente gorda” que, disfrazado de sátira, resultaba insultante e hiriente para las personas con obesidad y sobrepeso, negando que hubiera discriminación hacia ellos por sus cuerpos. Aunque ella se esforzara por hacer ver que pretendía lo contrario, responder después con un vídeo patrocinado por unos productos supuestamente adelgazantes parecía otro insulto. En su colección hay una ristra de parodias que, obviamente, persiguen llamar la atención por la vía de la provocación, como “Queridos negros”, “Queridos refugiados”, “Queridos religiosos”, “Queridos transgéneros” o 4 pasos para librarte de la depresión. Esta vez, quizá a su pesar, ha conseguido lo que quería (el vídeo se acerca al millón de visualizaciones, frente a los ciento y pico mil habituales en su canal).

Muere Glenn Branca, icono de la no wave neoyorquina, víctima de un cáncer de garganta

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15 mayo, 2018

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La esposa del músico neoyorquino Glenn Branca, Reg Bloor, ha comunicado en Facebook que su marido ha fallecido la pasada noche mientras dormía. Tenía 69 años y padecía un cáncer de garganta que, parece, ha terminado con su vida. Bloor, «devastada», dice en su comunicado que «se siente agradecida por haber podido vivir y trabajar con tamaña fuente de ideas y creatividad durante los últimos 18 años y medio. Su obra musical era una fracción de las ideas que tenía en un día cualquiera. Su influencia para el mundo de la música es incalculable».

Branca es uno de los nombres fundamentales en el underground neoyorquino de las 4 últimas décadas, como miembro de la banda no wave –un movimiento contracultural y experimental que surgió en Nueva York como reacción a la colorida new wave– Theoretical Girls, grupo que apenas existió 4 años (de 1977 a 1981), tiempo en el que dieron 20 conciertos y que no llegó a editar ningún álbum en ese plazo, sino un par de singles.

Sin embargo, su trabajo y su actitud resultaron toda una inspiración para artistas más jóvenes de la escena, como Sonic Youth, que dieron sus primeros pasos discográficos en el sello de Branca, Neutral Records. Thurston Moore y Lee Ranaldo, como Michael Gira (Swans), son algunos de los artistas que han alabado y tomado como referente su trabajo como guitarrista, tocando con él en diferentes ocasiones.

Tras Theoretical Girls, compuso y publicó varias sinfonías, construyendo sus propios instrumentos y erigiéndose en uno de los nombres fundamentales del panorama avant-garde, junto con Steve Reich o Philip Glass. ‘The Ascension’ es uno de sus trabajos más admirados, disco reeditado años atrás coincidiendo con su participación, por ejemplo, en Primavera Sound 2011.

‘Girls’ de Rita Ora ft Charli XCX, Bebe Rexha y Cardi B: «¿Esto es todo lo que ha reunido este grupo de 10 personas?»

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JNSP

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15 mayo, 2018

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Parte de la redacción evalúa ‘Girls‘, el polémico nuevo single de Rita Ora junto a Charli XCX, Bebe Rexha y Cardi B, por el que la británica ha acabado pidiendo disculpas a la comunidad LGTBQ+.

«De Rita Ora y el supergrupo de heroínas pop que le acompañan esperaba más, muchísimo más. ‘Girls’ ahonda en los males de ‘Proud’, su anterior single. Es muy plana, carece de gancho (y ganchos), el estribillo es soso y no remonta el vuelo; el sample del coro que se escucha en segundo plano, en lugar de vestir a la canción, desconcierta (no encaja para nada, parece destinado a otra composición) y, para rematar, el puente recuerda el de ‘Thunder’ de Imagine Dragons (una de las canciones más feas del último año). Sinceramente, Rita parece confiar la fuerza de ‘Girls’ en su letra y su mensaje pero, si pretendía fabricar un gran himno de empoderamiento femenino y reivindicación de la bisexualidad, el tiro no le ha salido demasiado bien: hay voces que la han criticado como dañina a la causa LGTB e “ilustración de fantasías masculinas”. Y encima es tan aburrida…» Mireia Pería.

«Aunque quizá no soy yo quién para afear a Rita y amigas su actitud hacia otras mujeres, es evidente que ‘Girls’ es un patinazo. ¿De verdad a ninguna de ellas se le ha ocurrido otra manera más natural de cantar a la bisexualidad? ¿Ni siquiera el arrepentimiento de Katy Perry por ‘I Kissed a Girl’ les pareció una pista? Pero, ciñéndonos al plano estrictamente musical, peor aún es que este single resulte muy flojo, un forzado intento de crear el reverso bi de ‘Boys‘, pero sin nada que lo haga brillar, con un estribillo decepcionante y una producción plana en la que, a excepción del verso de Cardi B –flojito, rozando lo autoparódico–, hay que esforzarse para encontrar la personalidad de sus intérpretes. Y lo peor: da igual». Raúl Guillén.

«Como nos indicaban en un comentario hace unos días, lo peor de ‘Girls’ es que ha sido co-escrita por un montón de tíos, como Jonny Coffer, Jordan Thorpe, Brian Lee, Andrew Wotman o Benjamin Diehl. Si bien también hay que recalcar la autoría de alguna chica, además de alguna de sus cantantes, como la propia Rita Ora o Cardi B, la hitmaker Ali Tamposi. Al margen de su dudoso gusto, hay que reconocer que la mezcla de ‘Paper Planes’, a quien imitaba claramente la canción de Imagine Dragons arriba mencionada, con el muro de sonido de ‘Roar’ no es lo más apetecible cara al verano. ¿Esto es todo lo que ha reunido este grupo de 10 personas? A pesar de esto, una entretenida y coreable canción que parece tener todo en contra ahora mismo, pero que si consiguiera o hubiera conseguido triunfar (¿hablamos ya de ella en pasado?), tampoco me habría sorprendido lo más mínimo». Sebas E. Alonso.

Muere Margot Kidder, la Lois Lane más mítica del cine

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14 mayo, 2018

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Según reportan diversos medios internacionales, la actriz Margot Kidder ha fallecido a los 69 años, sin que haya sido revelada la causa de su muerte. Kidder será recordada por siempre por su inolvidable papel de Lois Lane en la versión fílmica de los cómicas de Superman que tantísimo éxito tuvieron a finales de los 70 y primeros 80, las protagonizadas por Christopher Reeve. Ella encarnó a la periodista incisiva y sagaz del Daily Planet fascinada por el superhéroe, pero incapaz de ver a su álter-ego «humano», Clark Kent, en las dos películas que dirigió Richard Donner en 1978 y 1980, y en sus posteriores secuelas menores, ya sin Donner, de 1983 y 1987.

Kidder comenzó muy joven, con apenas 18 años, a trabajar en cine y televisión –logrando su primer gran papel en ‘Hermanas’ (1972), de Brian DePalma–, y así ha continuado hasta prácticamente sus últimos días. Además de ‘Superman’, ‘Superman II’, ‘Superman III’ y ‘Superman IV’, sus papeles más relevantes fueron en el slasher ‘Navidades negras’ (1974) y en ‘Maverick’ (1994), cuando Donner la recuperó para un pequeño papel en la película protagonizada por Mel Gibson y Jodie Foster. Y es que parece que no la benefició demasiado su implicación política: fue una de las pocas actrices de Hollywood que se manifestaron activamente contra la Guerra del Golfo.

Su biografía también explica que Margot Kidder padeció algún tipo de trastorno mental que le provocaba paranoias y la llevó a asegurar que su primer marido quería asesinarla, llegando a abandonar su casa y cambiar su aspecto físico. Una vez tratada, ha llevado una vida normal y ha estado implicada en la promoción de programas de salud mental.

Ha nacido una estrella: Violet, la hija mayor de Dave Grohl, maravilla con esta versión de Adele

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14 mayo, 2018

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Fiel a su habitual implicación en causas benéficas, el pasado fin de semana Dave Grohl participó en un concierto en Oakland, California, que tenía como objeto recaudar fondos para un hospital infantil. Pero en lugar de ir acompañado de su banda Foo Fighters, como ha ocurrido en otras ocasiones, esta vez llevó consigo a sus dos hijas mayores, Violet, de 12 años, y Harper, de 9 años. Con la primera a la voz y la segunda sentada a la batería, interpretaron primero una versión acústica de ‘The Sky Is A Neighborhood’ (single de su último disco en cuyo vídeo oficial, curiosamente, ya aparecían ellas), destacando las armonías vocales de las niñas. Pero nada podía hacer presagiar lo que vino luego.

Ya sin Harper, Violet interpretó, con la única ayuda de la guitarra de su padre, una versión de Adele, ‘Where We Were Young’, uno de los momentos cumbre del último disco de estudio de la británica, ’25’. Y lo cierto es que, aunque resulten bien molestas, las repetidas ovaciones del público del teatro, su versión llegaba más lejos de lo que lo haría una mera aficionada: en muchos momentos, pese a algún despreciable patinazo vocal, la niña muestra una calidez y una capacidad para emocionar con su voz a la altura de grandes artistas. Ha nacido una estrella.

Tras publicar el pasado año el buen ‘Concrete & Gold’, Foo Fighters pasarán el próximo verano girando por muchos países europeos que esta vez no incluirán España, donde hace un año sí se les pudo ver en un evento secreto en Barcelona que terminó siendo un show de 3 horazas y en el festival Mad Cool.

Childish Gambino, número 1 directo del Billboard Hot 100 con ‘This Is America’

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14 mayo, 2018

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El impacto que ha tenido Childish Gambino con el vídeo de ‘This Is America’, que diseccionamos hoy en la sección «Estética de videoclip», está claro desde que lo hemos visto viralizándose hasta en el Youtube español. La canción ha sumado más de 100 millones de streamings en 8 días en el visor de Google y muchos de ellos proceden de Estados Unidos, por supuesto.

Como consecuencia, ‘This Is America’ es el nuevo número 1 del Billboard Hot 100 desplazando a ‘Nice for What’ de Drake, y pese a haber sido lanzada un domingo en lugar de un viernes. Ha recibido 65 millones de streamings en USA en sus primeros días, el 68% de los cuales corresponden a su vídeo. Además, es número 1 también en descargas digitales con 78.000 copias vendidas en 5 días. Su audiencia en radio ha sido de 9 millones, muy lejos de la cima, pero con buena respuesta sobre todo en las emisoras de rap, donde ya es top 20. Este es el primer número 1 de Childish Gambino y de hecho es también su primer top 10. Hasta ahora su mayor hit era ‘Redbone’, que había sido número 12.

Lo próximo que podremos ver de Donald Glover es su participación en el vídeo de ‘Garden (Say It Like Dat)’ de SZA, correspondiente a su disco del año pasado, ‘CTRL‘. Así lo ha dejado caer ella mediante un teaser en las redes sociales compartido con motivo del Día de la Madre. Será una manera de devolverle el favor, pues SZA también aparece en el vídeo de ‘This Is America’.

Need u for the old me..Need u for my sanity..need u to remind me where I come from…Mommy u mean more than energy provides. My Ace .My apex . My co designer ..Happy Mother’s Day all 👑❤️

Una publicación compartida de SZA (@sza) el 13 May, 2018 a las 3:50 PDT

Spring Festival, con Los Planetas, La Casa Azul, Izal, La Bien Querida… anuncia cartel por días y entradas a 15 euros

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14 mayo, 2018

Rufus T. Firefly cierran hoy el cartel de Spring Festival, que se celebrará los días 25, 26 y 27 de mayo en el Puerto de Alicante. Además, se anuncian las entradas de día, que costarán tan solo 15 euros en el caso de los mil primeros compradores. Los abonos, que cuestan 26 euros en Ticketea, cambiarán de precio esta noche.

Spring Festival, que celebra su 10º aniversario, cuenta el viernes 25 de mayo con Los Planetas, La Bien Querida, Dorian, Crookers, Varry Brava, Los Punsetes, Bea Pelea, y Delaporte, entre otros. El sábado 26 de mayo es el turno de Izal, La Casa Azul, WAS, los mencionados Rufus T. Firefly, Meneo y BSN Posse, entre otros.

Como veis, se alterna el nombre de algunos de los artistas más populares del país (Los Planetas estuvieron entre los 40 discos más vendidos de todo 2017, Izal han estado mes y medio en el número 1 de «streaming álbumes» con ‘Autoterapia’) con otros totalmente revelación. Bea Pelea ha estado recientemente entre los virales de Spotify, al igual que Delaporte.

Entre el indie y el latineo urban de gente como Beauty Brain o QWERT, Spring Festival busca consolidarse como festival de clase media para todo Levante y parte del resto del país, costando lo mismo o incluso menos de lo que ya vale el show de alguno de los cabezas de cartel.

¿De verdad ha vuelto a ser noticia cuánto cuesta a RTVE Eurovisión?

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14 mayo, 2018

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Como cada año, tras la mala posición española en Eurovisión, son muchos los medios que recuerdan en sus titulares cuánto cuesta a RTVE Eurovisión. Ayer el coste de la edición de 2017, 445.000 euros, aparecía en la portada de Menéame, con algunos usuarios pidiendo que ese dinero público se dedicara a las pensiones. El asunto llegó anoche a El Objetivo de laSexta, donde el equipo de Ana Pastor recopiló que el coste de Eurovisión suele rondar todos los años los 400.000 euros, si bien la cifra de la edición 2018 aún no se conoce. La mayor parte de esos costes, 300.000 euros, corresponde a los derechos de retransmisión.

Ana Pastor y una de sus compañeras criticaron la falta de transparencia de RTVE al negarse a hacer este dato público, pues solo se reveló en una ocasión cuando el Tribunal Supremo lo reclamó tras una petición de un periodista al Consejo de Transparencia. Suponemos que RTVE considera que parte del público no va a entender los 31.000 euros desempeñados en alojamiento y dietas por parte de la delegación española, pero RTVE no tiene de qué avergonzarse de este evento en particular, en comparación con otros eventos o series emitidos por la cadena.

Ya en 2015 varios medios recordaban que cada uno de los capítulos de ‘Cuéntame’ y ‘Águila Roja’ costaba entonces entre 700.000 y 800.000 euros, obteniendo en ambos casos una audiencia menor que Eurovisión. La emisión de un partido de la Selección puede costar 2 millones de euros.

Además de ofrecer como posibilidades los patrocinios, durante muchos años abiertamente la emisión de publicidad en el descanso, funcionar con un sistema de televoto a más de 1 euro cada voto, o representar reclamo turístico para cada uno de los países (ahí está el caso extremo de Azerbaiyán, siempre tan esforzado por promover el turismo hacia el país), Eurovisión demuestra edición a edición el interés general que genera en la audiencia. El número de espectadores alcanzado el sábado solo en España (7 millones las canciones, 8 millones las votaciones, más el millón largo que vio las semifinales) está al alcance solo de eventos deportivos de primer nivel, y será en este caso uno de los programas más vistos de todo el año.

Es muy necesario saber dónde va el dinero que pagamos todos, pero por qué este es el único evento cuestionado de toda la cuestionable parrilla de la cadena pública es un verdadero misterio… ¿Nadie piensa preguntarse cuánto cuesta, por decir algo, el programa diario de «humor y diversión» de Javier Cárdenas? ¿Sabe el que pedía más pensiones en Menéame que el gasto en pensiones fue de casi 9.000 millones de euros solo durante el mes de marzo? ¿De verdad Eurovisión, y los 1.000 euros que podría dar tan solo un mes al año a 445 pensionistas del país, es la clave de todo?

Las 5 canciones de Eurovisión 2018 que más están triunfando en las listas internacionales

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14 mayo, 2018

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La exposición frente a una audiencia millonaria de las canciones del Festival de Eurovisión (solo en nuestro país las actuaciones fueron seguidas por una media de 7 millones de espectadores) empieza a dar sus frutos. Pese a que hay quien prevé que la chipriota ‘Fuego’ pueda tener más recorrido que la propia ganadora a medio plazo, al menos de momento no está siendo así.

’Toy’ de Netta, tras un par de meses de hype en que ha sumado 36 millones de reproducciones en Youtube, aparece al fin en el top 200 global de Spotify. Según los datos del domingo 13 de mayo (un día después del festival), es número 52 a nivel global tras haber sumado ayer domingo 1 millón de reproducciones en esta plataforma. 200.000 de ellas provienen de Suecia, donde ‘Toy’ es número 1 de Spotify y también destacan los números aportados por Alemania (154.000, número 23 en Spotify), España (134.000, número 11 en Spotify) o incluso la siempre reticente para una canción extranjera Reino Unido (100.000, top 66).

‘Fuego’ de Eleni Foureira llega al número 115 a nivel global en Spotify, gracias también a los buenos números obtenidos en Suecia (top 8), España (top 15) o Reino Unido (nº106). El checo Mikolas Josef, pese a no haber quedado 3º en Eurovisión, tiene en ‘Lie to Me’ la 3ª canción más exitosa de este año, apareciendo en el número 119 del global de Spotify. El 4º mayor beneficiado es Michael Schulte con ‘You Let Me Walk Alone’. El alemán es número 126 en el global de Spotify, destacando por supuesto su buena posición en Alemania. De los 677.328 streamings que tuvo ayer domingo, 254.402 provienen de su propio país, donde es top 8.

La lista de artistas de Eurovisión 2018 que se han colado en el top 200 global de Spotify se cierra con el sueco Benjamin Ingrosso, ‘Dance You Off’, que entra al puesto 198 con más de medio millón de reproducciones generado en un solo día. Algo bastante curioso porque esta canción fue especialmente castigada por el televoto. La canción es número 1 en el Spotify de Lituania y también obtiene buenos números en grandes mercados como España (top 59 de Spotify) o Alemania (top 106 de Spotify).

Curioso, pues, comprobar cuáles son las canciones que mejor están funcionando sin el tan criticado componente visual que ofrece el festival o después Youtube. No hay tanta diferencia con respecto al resultado final…

Zahara lanza ‘Primera temporada’, EP dedicado a sus series televisivas favoritas

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14 mayo, 2018

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Este lunes pre-San Isidro nos trae una noticia tan inesperada como feliz: Zahara vuelve a la música y lo hace tal que ya. Esta mañana, vía Twitter, anunciaba la publicación el próximo viernes 18 de mayo de un nuevo EP, titulado ‘Primera temporada’, una obra que servirá de preámbulo al nuevo álbum en el que ha estado trabajando. En él se contienen cuatro canciones, que en realidad son cuatro versiones de las sintonías o bandas sonoras de sendas series de televisión, favoritas de la cantautora jienense: ‘Narcos’, ‘El Joven Papa’, ‘House’ y ‘Por 13 razones’.

A esta última pertenece el primer tema que conocemos del EP: se trata de una personal adaptación de ‘The Night We Met’, el tema del grupo Lord Huron que se ha popularizado gracias a su inclusión en la BSO de la serie de Netflix –que, precisamente, anunciaba su espectacular nueva banda sonora días atrás–. La versión de Zahara, que produce Sergio Sastre de Miss Caffeina y en la que han colaborado músicos como Manuel Cabezalí (Havalina, Christina Rosenvinge) o «Chapo» González (Amaral, M-Clan), puede decepcionar al no implicar una adaptación de su letra al castellano, pero en lo musical traslada esta canción a un lugar completamente nuevo, más sintético y expansivo que la original. Tras estrenarse en el programa 180 Grados de Radio 3, ya está disponible en su canal de Youtube.

Este será el primer disco de Zahara desde que publicara en 2015 un ‘Santa’ que supuso un notable éxito comercial y crítico. Desde entonces, y tras una larga gira de presentación, no sabemos si ha plantado un árbol, pero sí que Zahara ha tenido un hijo y ha escrito un libro, ‘Trabajo, piso, pareja’. También ha sido actualidad en un par de ocasiones después de que Amaia y Aitana de Operación Triunfo 2017 versionaran en una de las galas su canción ‘Con las ganas’, que luego ha interpretado con Amaia en directo, días antes de la fallida participación de la última con Alfred en Eurovisión 2018.

Queridos y queridas.
El viernes estreno el EP "Primera Temporada" con canciones de series que me encantan.
Pero hoy ya podréis escuchar una de ellas en @radio3_rne con @VirginiaDiazR3 pic.twitter.com/3LpaKWVlRw

— 🦖 (@zaharapop) May 14, 2018

Leon Bridges / Good Thing

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Jordi Bardají

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14 mayo, 2018

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Leon Bridges podría haber hecho un disco igual que el anterior, pero corría el riesgo de que su sonido retro, que se consiguió grabando los temas con equipo de los 50 y 60, perdiera el elemento sorpresa, que es lo que habría pasado. Así que, aprovechando el éxito que aquel álbum consiguió, para su segundo largo, ‘Good Thing’, el cantante de Texas se ha juntado con un productor de Maroon 5 (Ricky Reed) y un compositor de Selena Gomez (Justin Tranter) para hacer un disco más contemporáneo. Y la jugada le ha salido redonda.

Grabado en mayor parte junto a Reed y con las colaboraciones también de sus habituales Niles City Sound, ‘Good Thing’ es un disco de R&B mucho más aventurero que ‘Coming Home’, hasta el punto de que ninguna de sus pistas, un total de 10, es exactamente igual a la anterior. El álbum empieza y termina con una balada, pero mientras ‘Bet Ain’t Worth the Hand’ presenta una pomposidad muy Disney, ‘Georgia to Texas’ es lúgubre y disonante, y a lo largo del álbum la variedad es tal que, cuando durante la secuencia parece asomar un guiño post-punk (Forgive You’) y otro new wave (You Don’t Know’), o cuando ‘Lions’ parece replicar una improvisación de jazz en una taberna de mala muerte, los experimentos resultan totalmente naturales.

Este apertura de miras juega muy a favor de Bridges, un cantante mucho más versátil de lo que las interminables referencias a Sam Cooke que obsesionaron a la prensa (y atormentaron a Bridges) en 2015 nos dejaron ver y que, a través de una voz cremosa y expresiva, a lo largo de ‘Good Thing’ va hilvanando un exquisito repaso por la historia del R&B que se ajusta al talento de Bridges tanto como a su cuerpo esos modelos de alta costura que presume en las sesiones de fotos. Su fuerte son las baladas tiernas, como demuestran la conmovedora balada ‘Bet Ain’t Worth the Hand’, que bien podría ser su mejor canción, la preciosa ‘Shy’ o ‘Beyond’, tan clásica y entrañable como su estribillo “oh me, oh my, I can’t explain, you might just be my everything”.

Ausente ya el buscado efecto vintage de ‘Coming Home’, no hay que olvidar que frente a este proyecto sigue la misma persona y si algo hacía distintivo el estilo de Bridges era su romanticismo sin filtros y muy propio de la vieja escuela. Si en aquel disco nos hablaba de cruzar “el río de Misisipi” para encontrarse con su amor, en ‘Good Thing’ hay pasajes tan cinematográficos como “bésame antes de que me vaya” (‘Bet Ain’t Worth the Hand’) o incluso una referencia velada a ‘La cenicienta’ (‘Beyond’), una canción titulada “Señorita” y otras líneas tan típicas del viejo soul como la que da inicio a ‘Bad Bad News’ (“no tengo dinero, ni una buena educación, pero sí un gran corazón”) o esa en la que Bridges, cual adolescente, recuerda a su chica: “te di mi amor y ternura, te cuidé, y no lo fui pregonando, tu madre no sabía que yo estaba ahí”.

Curiosamente, Bridges busca conjugar ese romanticismo old school con el top 40 americano, y en las entrevistas reconoce abiertamente que pretende jugar en la misma liga de Bruno Mars, Anderson .Paak o Usher (uno de sus mayores ídolos). Aunque ‘Good Thing’ lo sitúa más en el equipo de Aloe Blacc o John Legend (Bridges no es tan moderno), no se puede negar que las incursiones bailables del disco son muy buenas: ‘Bad Bad News’ es irresistible, ‘If It Feels Good (It Must Be)’ crea efectivamente una atmósfera “más caliente que Texas” y ‘You Don’t Know’ se sumerge de lleno, y con éxito, en las pistas de baile de los ochenta, haciendo a Bridges adelantarse varias décadas respecto al sonido de su primer disco. Era el paso necesario, pero Bridges, al contrario que, ejem, Duffy, ha salido de él totalmente airoso, y con ‘Good Thing’ tiene ante él un abanico de posibilidades con el que sorprendernos en el futuro. No cabe duda de que lo logrará.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Bet Ain’t Worth the Hand’, ‘Bad Bad News’, ‘Shy’, ‘Beyond’
Te gustará si te gusta: John Legend, Jamie Lidell, Aloe Blacc
Escúchalo: Spotify

Azealia Banks insulta y saca de sus casillas a Cardi B, que decide aislarse de las redes sociales

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14 mayo, 2018

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Fiel a su política de caldear la promoción de sus obras sacándose beefs de donde no los hay, Azealia Banks se dispone a lanzar ‘Fantasea II: The Second Wave’ y, por tanto, tenía que faltar el respeto a alguien para que nos enteremos bien, ya que la estupenda ‘Anna Wintour’ no parece estar sonando más allá de círculos muy especializados. Y no podía tener mejor objetivo que la rapera más exitosa del momento, Cardi B.

Durante un programa de radio, Banks despreció a la autora de ‘Invasion of Privacy’ diciendo que tras la cumbre de la cultura negra femenina que fue ‘Lemonade’ –curioso que ahora diga esto, cuando hace 2 años cuestionaba el feminismo de Beyoncé y la tildaba de oportunista por aquel disco, entre otras lindezas– ha decaído hasta Cardi B. Para, a continuación, llamar a esta última “analfabeta” y “caricatura de una mujer negra”. “Si mi gramática fuera así de mala, estaría acabada. Si Nicki Minaj pronunciara así de mal, estaríamos diciéndole de todo”, añadió, posicionándose en favor de la autora de ‘The Pink Print’ en el mal rollo que mantiene con Cardi. No era esta la primera vez que Azealia atacaba a Cardi, puesto que tras el éxito de Bodak Yellow la definió como una “Nicki Minaj para pobres”.

Cardi, por su parte, ha respondido a Banks a través de su cuenta de Instagram, subiendo un largo texto en el que se defendía diciendo que, si se creía tan lista, cómo podía llamarla analfabeta cuando ella sabe perfectamente leer y escribir y habla de manera fluida dos lenguas. También defendía su autenticidad, pues ella nunca ha escondido que es hija de un padre hispano y una madre caribeña, de lo que se siente orgullosa. Aunque donde realmente atina Cardi es diciéndole que cómo puede erigirse en portavoz de las mujeres negras la misma que empequeñece a algunas de ellas como Beyoncé, Rihanna o Remy Ma. Sin embargo, el airado texto de la rapera –rescatado por un fan, como veréis más abajo– ha desaparecido de Instagram junto con el resto de su cuenta, que también ha hecho privada su cuenta de Twitter.

Mientras Cardi B ha cancelado su gira de presentación de su exitoso álbum debut por Estados Unidos debido a su avanzado estado de gestación, Azealia encabezaba una nueva tanda de confirmaciones en el Arenal Sound 2018 que se celebrará en Burriana. La cuestión es si, fiel a la tradición, terminará por cancelar también esa cita.

READ. HER. CARDI pic.twitter.com/AHWXL2vRLh

— tony (@gawdcompIexx) May 12, 2018

Lykke Li emociona con ‘utopia’, un homenaje a su madre fallecida el pasado año

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14 mayo, 2018

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Cada vez es más frecuente que artistas de todo pelaje lancen nuevas canciones durante el fin de semana, uno o dos días después del día oficial de lanzamiento. Si en semanas previas han sido Kanye West o Childish Gambino, esta vez ha sido Lykke Li la que ha estrenado un nuevo single de ‘so sad so sexy’, el álbum que muchos aguardamos tras los 4 años transcurridos desde ‘I Never Learn’.

La nueva canción presentada se titula ‘utopia’ y, para solaz de aquellos que no disfrutaran del giro hip hop que mostraban los dos singles previos ‘deep end’ y ‘hard rain’, supone un reecuentro con su faceta más baladista. Aunque aparenta sencillez, basada en una guitarra y un piano, la canción se va haciendo cada vez más compleja, sumando en su estribillo un coro infantil, adornando con efectos vocales apitufados a lo Frank Ocean o añadiendo loops rítmicos en su puente.

Pero lo más potente de la canción es el trasfondo lírico de la misma: Lykke dedica ‘utopia’ a su madre, la cantante y fotógrafa Kärsti Stiege –fallecida el pasado año–, y a la vez a su hijo Dion (muy apropiadamente, este pasado domingo se celebraba el Día de la Madre en Estados Unidos). “De madre a madre a madre”, dice la descripción del vídeo oficial, que añade “‘utopia’ es todo lo que mi madre siempre quiso para mí y todo lo que yo quiero para él”, refiriéndose a su hijo. El clip firmado por Clara Cullen, alterna imágenes de Lykke tomadas por su madre en su infancia con otras de la artista junto a su pequeño, estableciendo un paralelismo que también se traslada a su letra y que emociona recordando la educación recibida por su madre: “Veo un sueño en tus ojos y yo lo deseo / Arde brillante como el fuego de un cometa / Si hay una bombra en tu corazón yo la desactvaré / Si tú lo quieres, yo lo quiero”, dice el segundo verso de esta canción que cerrará el cuarto álbum de estudio de Lykke Li y que presentará a finales de este mes de mayo en Barcelona, en Primavera Sound 2018.

Las claves visuales de los vídeos de Childish Gambino, Ariana, La Prohibida, Kim Petras y Father John Misty

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Joric

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14 mayo, 2018

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Elegimos cinco vídeos musicales entre las novedades más destacadas de las últimas semanas, y analizamos sus referencias estéticas y narrativas: el viral del momento, el regreso de Ariana Grande, el ardiente clip de La Prohibida, el cuento de hadas de Kim Petras y la pesadilla circular de Father John Misty.

‘This is America’, Childish Gambino

“Esto es América” en cuatro set pieces. En la primera, Childish Gambino, alter ego musical del actor, guionista y director Donald Glover (‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Rockefeller Plaza’, ‘Atlanta’), nos deja a todos pasmados cuando en medio de un festivo bailecito saca una pistola y dispara a bocajarro al guitarrista. ¿A qué recuerda la afectada pose en la que lo hace? A Jim Crow, claro, el personaje vodevilesco decimonónico (tipo blackface, como aquí las cabalgatas con el rey Baltasar) que se convirtió en un estereotipo racista e icono de la segregación racial durante el pasado siglo. Ese disparo marca un punto de inflexión en el vídeo. Por un lado, nos invita a seguir tirando del hilo de las referencias: los bailes africanos, la matanza de la iglesia de Charleston, el caballo blanco de uno de los jinetes del Apocalipsis, el reciente asesinato de Stephon Clark, tiroteado por la espalda por la policía al confundir el móvil con el que estaba hablando con un arma. Y, por otro, apuntala su discurso narrativo basado en el choque de contrastes entre lo que se ve en primer plano (Gambino bailando divertido junto a varios adolescentes), y al fondo (persecuciones, enfrentamientos con la policía); entre el negro “aceptado” por la América blanca (el que baila) y el perseguido (el que protesta).

‘No Tears Left to Cry’, Ariana Grande

Entre las arquitecturas imposibles de Escher, los espacios mentales de ‘Origen’, el célebre baile de Fred Astaire en ‘Bodas reales’ y un jardín vertical. Así se presenta el nuevo vídeo de Dave Meyers para Ariana Grande (el anterior fue el de ‘La bella y la bestia’). La cantante desafía las leyes de la gravedad inmersa -¿atrapada?- en una ciudad nocturna y cambiante, en una tela de araña urbana, casi como una Gotham onírica (incluye hasta elementos neogóticos, como los rosetones), que le sirve al director como eficaz metáfora sobre la desorientación. A través de una cámara rotatoria, en sintonía con los espacios arquitectónicos por los que fluctúa, vemos un mundo físicamente caótico, un universo sin puntos de referencia espaciales a los que agarrarse. Tras precipitarse al vacío como la mayor Motoko en ‘Ghost in the Shell’, la desorientación se transforma en crisis de identidad. El rostro de la cantante se multiplica en una imagen caleidoscópica y se materializa en diferentes máscaras. Al final, amanece en la ciudad imposible y una abeja levanta el vuelo. ¿Un guiño a la busy bee de Manchester?

‘La pubblicità’, La Prohibida

Casualidades de la distribución. Cuando está a punto de estrenarse la nueva adaptación de ‘Fahrenheit 451’ que ha producido la HBO (el 20 de mayo), La Prohibida lanza un vídeo inspirado en la versión que hizo François Truffaut de la novela de Ray Bradbury. La lectura que hace Marc Ferrer de este clásico de la ciencia ficción es muy sugerente. El director de los clips de Papa Topo mezcla el melodrama a lo Fassbinder con la retórica visual de las coreografías del Ballet Zoom, para narrar una novelesca historia de adulterio en clave pop. Para ello invoca el espíritu de Heinz G. Konsalik, el olvidado autor de best-sellers que aparece aquí proporcionando una de las claves del vídeo: ‘Un matrimonio felice’ (‘Corazones perdidos’ en la edición española) es el libro que arde al principio y al final de esta historia. Tras este guiño irónico, vemos la dolorosa realidad. Un matrimonio “infelice” del que la protagonista escapará a través de un doble descubrimiento: el amor y los libros. La mujer abre un ejemplar en mitad del vídeo y se le ilumina el rostro como una aparición mariana. La decisión está tomada. La Prohibida hace las maletas y huye hacia los bosques como hacen los fugitivos de la película.

‘Heart to Break’, Kim Petras

Kim Petras como la nueva Rapunzel, una princesa pop encerrada en su torre de cristal. Con una estética colorista a medio camino entre el Disney más chillón, los vídeos de j-pop, el final de ‘El cristal oscuro’ y el universo de Mi pequeño pony, la cantante reinterpreta el clásico de sus compatriotas los hermanos Grimm en clave de fantasía adolescente. La torre de cristal y la habitación como de piso del Pocero, a medio acabar, con la cama embalada y las paredes sin terminar de pintar, se podría interpretar como un alegoría del estado emocional de la princesa, frágil y “en construcción” a la espera de que la desembale su príncipe azul. Como en el mito de Orfeo, el príncipe busca a su Eurídice por los pasillos del inframundo. Cuando la encuentra, la “rompe” en mil pedazos tras mirarla a los ojos. Pero el epílogo muestra una versión diferente. ¿Y si fuera él quien le da el “corazón para romperlo”?

‘Mr. Tillman’, Father John Misty

Una pesadilla kafkiana (o, mejor, kaufmaniana), aderezada por el sentido del humor del primer Spike Jonze (‘Cómo ser John Malkovich’, ‘Adaptation’). Así podíamos definir el nuevo vídeo de Father John Misty. Un bucle onírico donde se mezcla la autoficción (el cantante vivió dos meses en un hotel tras una crisis personal) con el cine dentro del cine (esas claquetas que funcionan casi como despertadores, la aparición “asesina” del micrófono), lo cotidiano (los transeúntes) con lo perturbador (sus miradas), los espacios físicos con los mentales, el desarrollo del relato con su imposibilidad (los espacios en blanco), el mundo y su maqueta. Los directores Jeff Desom y Carlos López Estrada utilizan varios recursos estilísticos que contribuyen a crear esa sensación de estar atrapado entre el sueño y la vigilia: el desenfocado de la secuencia de apertura y de los bordes del encuadre, la suavidad de los movimientos de cámara, la iluminación tenue, y un montaje que privilegia las rimas visuales y las asociaciones inesperadas: la maqueta del hotel con la fachada del edificio, la puerta de la habitación que en realidad da a la azotea…

La canción del día: Arctic Monkeys ironizan sobre el consumo extremo en ‘Four Out of Five’

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14 mayo, 2018

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El pasado viernes Arctic Monkeys editaban ‘Tranquility Base Hotel + Casino’, su sexto álbum de estudio y el primero tras 5 años desde que publicaran ‘AM’, su álbum más vendedor hasta la fecha. En una entrevista previa, Jamie Cook, su guitarrista, advertía de que no se trata de un álbum de fácil “digestión”, y que requiere varias escuchas para comenzar a disfrutarlo previamente. Como vimos en nuestra crítica, aunque tiene parte de razón, no estamos ante un álbum tan experimental (sí, quizá, para un público más casual) y, desde luego, tiene canciones muy atractivas.

La primera en asentarse en nuestra memoria es, claramente, ‘Four Out of Five’, y por eso no es ninguna sorpresa que el cuarteto de Sheffield la haya elegido para protagonizar el primer videoclip de esta era. Dirigido por Ben Chappel y Aaron Brown –que ya habían trabajado con Alex Turner para The Last Shadow Puppets– y filmado en el castillo Howard de Yorkshire –una mansiçón palaciega británica en la que se filmó buena parte de ‘Barry Lindon’ y ‘Retorno a Brideshead’, por ejemplo–, al principio el clip parece evocar la grabación del álbum en los estudios parisinos de La Frette –una casa palaciega reconvertida, aunque más modesta– donde Arctic Monkeys registraron su nuevo álbum. Sin embargo, en este estéticamente estupendo vídeo pronto se establece una especie de trama con elementos desconcertantes –esos umpa lumpas que deambulan esmerándose por perfeccionar los planos– en la que Turner parece vigilar a un álter-ego (sin barba, y con el cabello algo más corto) que viviría en esa maqueta del hotel y casino imaginariamente instalado en el área lunar donde alunizó el Apolo XI el 16 de julio de 1969.

‘Four Out of Five’ es también una de las piedras angulares de ‘Tranquility Base Hotel + Casino’ en el aspecto lírico, relacionada con esa distopía lunar. En su letra, Turner parece encarnar a un vendedor de las bonanzas del emplazamiento lunar que, hipotéticamente, ocuparán los humanos más pudientes en un futuro catastrófico –“podrías conocer a alguien que te guste durante el impacto del meteorito, es así de fácil”–. Una taquería con “cuatro de cinco estrellas” o un local llamado “The Information-Action Ratio” –guiño a las teorías de consumo contemporáneo de Neil Postman en ‘Divertirse hasta morir’– son algunos de los “bonitos lugares” que “no dejan de aparecer” alrededor de Clavius, un cráter del satélite terrestre. “Después del éxodo, todo se está gentrificando”, dice Alex en su estribillo, una directa alegoría a la uniformidad de carácter –en beneficio, sobre todo, del aspecto económico– que padecen las grandes urbes de occidente.

Musicalmente, ‘Four Out of Five’ es uno de los numerosos medios tiempos que pueblan esta nueva obra de los Monkeys y, además de su magnetismo, puede presumir de establecer el estándar de sonido actual: teclados y sintetizadores de sonido añejo que nutren el cuerpo de la canción, con las guitarras –en este caso, muy Nino Rotta– como elemento ornamental y las armonías vocales tomando gran protagonismo. El apabullante sonido de la batería de Matt Helders –curiosamente ausente en algunos de los cortes del disco– contribuye a vertebrar el conjunto y conducirlo hasta ese final coral, hipnótico.

Merece la pena, igualmente, ver la actuación que el grupo realizaba en la noche de salida del disco en el famoso programa de Jimmy Fallon, con una formación ampliada con Cameron Avery, James Righton (Klaxons), Tom Rowley y Tyler Parkford (Mini Mansions), dando una riqueza fantástica a su renovado sonido.

Orbital contemplan la gran ciudad en el adelanto de su nuevo disco, ‘Monsters Exist’

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