Walter Becker, bajista y guitarrista de Steely Dan, y uno de sus dos miembros principales, ha muerto este domingo a los 67 años, se ha anunciado desde la página web del músico. Recientemente, Becker había tenido que cancelar un concierto en el festival Classic East y West de Nueva York por recomendación de su médico, cuando se recuperaba de una “enfermedad no determinada”.
Steely Dan fue uno de los grupos más queridos de Estados Unidos durante los 70, llegando a vender cinco millones de copias de su sexto álbum, ‘Aja’, publicado en 1977 y el que se considera su obra maestra. El grupo, que sufrió numerosos cambios en su formación de directo pero se componía, sobre todo, del dúo original formado por Becker y su compañero Donald Fagen, era conocido por su perfeccionismo en el estudio y se especializó en una atractiva fusión de rock suave, jazz y soul a través de la cual compusieron clásicos como ‘Peg’, ‘Reelin’ in the Years’ o ‘Rikki Don’t Lose that Number’.
El dúo se separó en 1981 tras la publicación de su disco ‘Gaucho’ el año anterior, un disco cuya grabación estuvo marcada por el perfeccionismo extremo del grupo, que creó diferencias creativas y personales entre sus integrantes. Steely Dan no sacarían un nuevo disco hasta 2000, cuando publicaron ‘Two Against Nature’, que ganó el Grammy a Disco del año. Su último trabajo discográfico, ‘Everything Must Go’, se publicó tres años después y el dúo se ha dedicado en la última década sobre todo a hacer conciertos.
En un comunicado a Rolling Stone, Fagen ha lamentado la muerte de su amigo y compañero, a quien recuerda conoció en el Bard College de Nueva York 1967, y de quien elogia su inteligencia y su talento para la guitarra y la composición de canciones. “Becker fue un hombre cínico sobre l naturaleza humana, incluida la suya, y además fue un hombre divertido hasta la histeria”, ha señalado Fagen, que ha recalcado intentará “mantener viva la música que hicimos juntos con la banda de Steely Dan”.
La prensa generalista informaba en junio que Madonna planeaba mudarse a Portugal durante 2017 con el propósito de apoyar la carrera como futbolista de David, su hijo de 11 años. La cantante se había comprado una finca por siete millones de euros que necesitaba varias reformas, por lo que se esperaba que la ocupara en los meses siguientes. Al parecer estas reformas ya se han terminado, pues Madonna ya está viviendo en Lisboa, concretamente en Sintra, a 30 kilómetros de la capital portuguesa, como ha informado a través de su cuenta de Instagram.
Madonna, que vivía en Nueva York, ha escrito en Instagram que la “energía de Portugal le inspira” y que se siente “muy creativa y viva” en el país luso, por lo que pronto empezará a trabajar en su próxima película ‘LOVED‘ y en su “nueva música”. “¡Este será el nuevo capítulo de Mi Libro!”, celebra, se entiende que refiriéndose a su vida y carrera profesional. “Es momento de conquistar el mundo desde un nuevo punto de vista”. La autora de ‘Rebel Heart’ ha colgado además una imagen del interior de su casa, con varios cestos colgados del techo.
La cantante trabaja estos días también en un nuevo producto de su línea de cosmética ‘MDNA Skin’, estrenada en 2014. La artista ha realizado lo que parece una nueva sesión de fotos para la promoción de este producto, una mascarilla facial, del que ha adelantado un anuncio. Además, el 15 de septiembre se publica finalmente el DVD de su gira ‘Rebel Heart’, que por cierto curiosamente no pasó por Portugal.
Aviso a festividades: ambos libros denotan una profunda tristeza. La vida es así de difícil.
Ninguno de los dos es, probablemente, el libro que los fans podíamos esperar. Quizá es cuestión de enfoque, quizá es cuestión de expectativas. Quizá se deba a que la lectura de ambos hace pensar lo mismo: ninguno es el libro que hace justicia a semejante icono. En uno y en otro se quedan cosas importantes fuera. Sin embargo, los dos son libros absolutamente necesarios.
Vayamos por orden de publicación.
Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma
‘¡Digo! Ni puta ni santa’ es, de algún modo, no un libro al uso, sino una extensa revista centrada en Cristina, la Veneno. Sigue una estructura periodística, con intervenciones en negrita, de cierto tono sensacionalista, e incluso melodramático, probablemente involuntario. Este tipo de decisión —unida al color de las imágenes— habría sido todo un acierto si el tono del texto se hubiese mantenido un poco trash y amarillista, buscando ofrecer un producto abiertamente trash sobre un personaje abiertamente trash para un público abiertamente trash. Pero a lo largo del libro se persigue, de alguna forma, hacerle justicia a la persona tras el personaje. En ese interés, Valeria Vegas persigue una seriedad que no siempre funciona, ya que la seriedad choca con el tono de revista que sale a flote. También ocurre que, al tratar de dar con un texto serio y riguroso, el lector puede esperar un desarrollo más extenso y profundo de momentos delicados en la vida de Cristina, la Veneno.
Sin embargo, esta falta de información llega a ser comprensible. Diversas amistades, e incluso la autora del libro, acudieron a los medios tras el fallecimiento de Cristina. Y en muchos momentos —recuerdo, por ejemplo, un Sálvame Deluxe— se puso de relieve un hecho con el que la autora ha tenido que lidiar: discernir qué era realidad y qué ficción, fantasía, en lo que Cristina, la Veneno, contaba. Es la máxima de la Agrado en ‘Todo sobre mi madre’: Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma. ¿Por qué va a ser más realidad lo que ha pasado que lo que no, si yo misma soy lo que yo misma he sentido que debía crear?
Este lema es complicado a la hora de producir un texto que se ajuste a la realidad, al menos eso que la mayoría consideran realidad. Es difícil y lo es, especialmente en este caso, cuando la principal fuente a la que se acudió para desarrollar el libro fue la propia Cristina. Se intuye a lo largo del texto —y ocurre también en ‘Carmen de Mairena. Una biografía’— el peso que ejercen en el día a día de la biografiada el honor, la memoria que de nosotros se genera en los demás, y la necesidad de mantener el control sobre la imagen que se proyecta. Es probable, por tanto, que Valeria Vegas haya optado por exponer aquello que era absolutamente real, o aquello que le resultó contrastable y fidedigno, y haya dejado la fantasía y el exceso —tan necesarios en el personaje— a un lado.
Sin embargo, al buscar dar con un tono serio pero no ahondar con una profundidad mayor en temas o conflictos emocionales, que sí se ponen de relieve (la historia familiar, la violencia, la supervivencia, sus relaciones afectivas de Cristina, la perspectiva que tiene de sí misma), el lector echa en falta la ferocidad excesiva de un icono que sí nos recuerdan las citas y las fotografías.
Aunque, como digo, hay cosas que no funcionan en el texto si lo tomamos como una biografía, no podemos olvidar que la única biografía de La Veneno publicada hasta ahora no surge del mercado editorial al uso. Por eso, es justo dejar a un lado las flaquezas a nivel literario, y celebrar aquello que sí ha conseguido el buen trabajo, más periodístico —al fin y al cabo lo realiza una periodista— que literario: recuperar en sus últimos días una figura crucial en la cultura popular, y la contracultura —con acceso al mainstream— de la España reciente.
Si bien nos quedamos queriendo más, el libro sale muy victorioso en su propósito de recordarnos quién fue Cristina La Veneno, a modo de crónica de luces y sombras, y en darle —quién iba a decir que lo disfrutaría tan poco tiempo— el reconocimiento como icono que subyacía en la memoria de muchos, y el cual, probablemente, la propia Cristina ya había olvidado. El éxito del libro es, por tanto, un acto de justicia y, si no literario, un triunfo emocional. ¿Acaso no es suficiente eso?
Es probable que las distintas tiradas (cada una con la portada de un color) se terminen convirtiendo en objetos de culto, como ahora ya lo son las copias de ‘Veneno pa’ tu piel’. ¿Mejorable? Sí. Pero a la vez un producto absolutamente necesario.
Un gracias enorme, Valeria Vegas.
Carmen de Hollywood
Por otro lado, el otro icono trash que ha visto su vida plasmada en el papel ha sido Carmen de Mairena. Este libro, por su enfoque, por su tono, ha tenido también una recepción clamorosa. Seguro que habéis estado al tanto de todo el ruido. Pero esta recepción no ha sido siempre positiva. La idea del libro no es fácil.
En primer lugar, el libro se presenta bajo el título ‘Carmen de Mairena. Una biografía’. Esta decisión editorial es controvertida. Muchos lectores esperan —fue ese mi caso— encontrar una detallada e ilustrada historia sobre Carmen de Mairena, su fenómeno, su figura tras las cámaras. Sin embargo, la obra —que sí aporta puntuales datos de interés— no es para nada una historia sobre Carmen de Mairena. El libro se presenta como un continuo intento frustrado por conseguir la realidad de la historia de Carmen. Al igual que en el caso de ‘Cristina, la Veneno’, la tarea es complicada: sus relatos se mueven siempre entre lo que vivieron y lo que quisieron vivir, lo que les pasó y lo que aseguraron que les había pasado. En el caso de Cristina, su autora dispuso de la complicidad y el interés de la Veneno; en este caso, además, el interés de conseguir que el libro llegue a buen puerto apenas se concentra en quienes rodean a Carmen, en quienes —se nos señala— quieren sacar provecho, y no en la propia Carmen ni, incluso, en su biógrafa, que va perdiéndose en la desidia de intentar conseguir algo imposible. Se produce un conflicto de intereses que muestra, en la picaresca, una inocencia profunda; según se expone, el entorno de Carmen espera sacar un gran provecho de la biografía. Resulta infantil a ojos del lector, pues esperan grandes ventas y un éxito de estrella de cine. Fuese cual fuese el resultado del libro, ¿alguien cree que habría sido posible satisfacer al entorno?
Lo que leemos al final es un cúmulo de desventuras vividas por la autora, directa o indirectamente ligadas a su cometido y, por tanto, a la figura de Carmen. Por ello el libro fracasa si lo tomamos como una biografía de Carmen de Mairena.
Sin embargo, podemos tomarnos el libro como una biografía atípica, no sobre Carmen, sino sobre la propia autora. Una especie de memoir de una joven sin expectativas, en la que la autora expone sus vivencias sirviéndose de una figura pública. Podemos pensar que «una biografía» hace referencia a Juncosa. Hay algo de generacional en su relato. Mucha crudeza, suciedad y crueldad. Hay desidia y dificultad para salir adelante. Quizás quejas y pocos intentos (lo dicho: generacional). Desde esa perspectiva, el texto sí triunfa. Podría haberse aprovechado mejor el brillo de la estrella que fue Carmen, pero resulta muy revelador cómo contrapone a veces la supervivencia de la autora a la supervivencia de la propia Carmen. Lo dicho: quien espere una biografía, la encontrará, pero no de Carmen.
Al igual que el enfoque, el tono que buscaba un público amplio en el libro sobre La Veneno, aquí se ha convertido en un foco de críticas. El tono de Juncosa ha resultado hiriente para muchos, incluso para muchos que no han leído el texto completo. ¿Deberíamos plantearnos la caricaturización como una decisión narrativa, en la que se incluye la figura de la autora, y no tomarnos tan en serio el libro? ¿Sirve ese tono molesto y fanzinero para poner de manifiesto una fealdad que no nos apetece ver?
Otro de los temas que se han ligado a la recepción del libro es la supuesta transfobia que destila. El caso es que el libro, entre el puñado de cosas que deja claras sobre Carmen, habla abiertamente de la ausencia de una identidad transgénero. Carmen habla de sí misma en femenino por costumbre. ¿Sus operaciones se debieron a su gusto por satisfacer a los hombres? ¿Por ser una estrella? No se nos aclara, pero es que quizá la propia Carmen no haya sentido la necesidad de responderse esa pregunta. O sus convicciones no se lo hayan permitido. Me planteo, aunque voy a evitar entrar en debates, hasta qué punto somos transigentes al intentar generar debates que engloben realidades infinitas. ¿No estamos intentando incluir a Carmen de Mairena en un discurso trans homogéneo en el que quizá no tenga sitio? Si homogeneizamos realidades, ¿no volvemos al eterno retorno de dejar realidades fuera? ¿Por qué no comprendemos las circunstancias, el tiempo de vida, las condiciones del entorno, las decisiones, los matices, y aceptamos que la identidad sexual puede ser mucho más compleja que la nuestra? ¿Por qué no aceptamos que a alguien en unas condiciones similares a las nuestras puede no servirle nuestro mismo discurso? ¿Por qué no aprender de la extrañeza que produce Carmen, de su propio proceso de identificación? ¿Debemos tratar a Carmen de Mairena de una forma que no sea la forma en que, en cada momento, ella nos pida? Sería perfecto seguir esa máxima de Acid Betty: El mundo no debe ser homogéneo, nadie debería parecerse. Y desde ahí, desde esa convicción, quizá podamos convencer a quien no lo crea.
Lo que podría haber sido, pero no es porque es otra cosa
En uno y en otro libro hay varias cuestiones que quedan en el tintero, que podrían compartir, y que sería muy interesante ver desarrolladas en obras futuras. Algunas de ellas son:
1.- La infancia: ¿qué construye su identidad, qué las trae aquí, cómo afecta el pasado?
2.- Sus figuras y la historia de España
3.- El inmueble que poseen se convierte en una tabla de salvación. ¿Por qué?
4.- El honor como guía. Carmen, quizá, está más de vuelta de todo, pero en ambas la imagen que dan y la que perdure de ellas condicionan sus vidas
5. -El determinismo adquirido de clase. Las dos figuras se ven en un continuo proceso de aceptación social a nivel interior. Progresan, besan el éxito, pero uno tiene la sensación de ver cómo se boicotean a sí mismas, como si no creyesen merecer el éxito. Como si pensasen: «no merezco estar aquí, esta no es la clase a la que pertenezco»
6.- El juego entre realidad y fantasía. ¿Dónde están los límites?
7.- ¿Cómo fue el proceso de aceptación sexual?
Peticiones para Santa Cristina Ruiz, Virgen de las tarántulas
Pese a los pros y contras, me parece muy celebrable la existencia de estos dos libros. Y aprovecho expresando un deseo. Atención, escritores: aquí hay filón narrativo. Ojalá alguien se anime a producir un relato de complejidad psicológica y emocional sobre La Veneno o Carmen de Mairena, con la ficción como aliada.
Y ojalá, también, se alineen los astros y dentro de no mucho tiempo encontremos testimonios audiovisuales sobre ellas. Películas, documentales, series. Algo muy trash. ¿Os imagináis una serie, una película sobre Cristina, la Veneno, con Jedet, Oto Vans, Milo al frente, Yo soySoy una pringada al guión? ¿Alguien mejor para producir un nuevo icono trash sobre un icono trash?
Al tiempo que ‘Look What You Made Me Do’ bate récords y consigue grandes posiciones en las listas de éxitos, su autora Taylor Swift planea el lanzamiento de otra canción nueva para este domingo. De ella ha estrenado un fragmento durante el anuncio de un partido de fútbol americano en ABC, asegurándose de que el mayor público se familiarice con ella antes de que haya salido a la venta.
La canción nueva se titula ‘Ready for It’ y suena totalmente pop y explosiva, en el estilo de ‘1989’, aunque algo más oscurilla en arreglos, al menos a tenor de lo que puede oírse por ahora. La letra parece hablarnos de una noche de pasión con un amante soñada por Swift: “en la mitad de la noche, en mis sueños, deberías ver las cosas que hacemos, en la mitad de la noche, sé que voy a estar contigo, así que me tomo mi tiempo”. El tema se estrenará en la radio estadounidense durante la mañana de este domingo, si bien se ha indicado que no será el segundo single oficial de ‘Reputation’.
El nuevo álbum de Taylor Swift sale el 10 de noviembre por supuesto rodeado de polémica por la temática y sonido de su primer single y por su espectacular videoclip dirigido por Joseph Khan. El director de hecho ha defendido a Swift en Twitter de quienes le llaman “víbora” por haberse vengado de sus detractores a través de ‘Look What You Made Me Do’: “dobles raseros: si yo como hombre urdo un plan, soy un genio, si Taylor como mujer hace lo mismo, es una manipuladora”. También ha defendido a Swift de quienes le atacan por no condenar a Donald Trump, recalcando que Kanye West no parece incitar tanto odio a pesar de que ha apoyado abiertamente al presidente en varias ocasiones.
Actualización: la canción ya está disponible en streaming y confirma el giro oscuro dado por Swift en ‘Look What You Made Me Do’. Los sintetizadores principales y la producción en general son totalmente industriales, a excepción quizás de un arreglo de fondo que parece replicar las producciones de tropical house de moda y que es lo suficientemente sutil como para no chocar con la estética mayoritaria de la canción. Eso sí, Swift propone ahora un estribillo más cercano al pop, acompañado, eso sí, de un post-estribillo amelódico. Curiosamente, ‘Bad Blood’ es la canción que suena inmediatamente después en Spotify y la evolución de una canción a otra no parece del todo radical.
La tertuliana y actriz Bibiana Fernández llevaba desde enero de 2016 intentando vender su chalé en Boadilla del Monte para saldar su deuda con Hacienda, un chalé que Fernández ha hipotecado hasta cinco veces. Tanto buscar y rebuscar un comprador puede decirse que no le ha servido a Fernández de mucho, pues al final se han quedado con la casa dos de sus mejores amigos, Alaska y Mario Vaquerizo, que han comprado el inmueble por un valor de 500.000 euros.
En un post de Instagram, Fernández ha agradecido a Alaska y Mario su “gesto” (los signos de puntuación y correcciones son nuestros): “Familia, por terminar de un modo alegre, los que me seguís de continuo, recordaréis [que un] día puse un cartel. Y cuando menos lo esperas, todo sale bien, pues, si entre otras muchas cosas, ellos se quedan con la casa, no puede estar en mejores manos. Volveremos cienes y cienes de veces”. Fernández indica que el “patrimonio emocional” de la casa es lo que “más importa” y destaca que la casa posee un olivo que le regaló el fallecido David Delfín y un abeto que le regaló un allegado llamado Miguel y que “nadie los cuidará” como Alaska y Mario.
A parte de su trabajo como actriz y en televisión, Bibi es por supuesto conocida por su temazo ‘Sálvame’, el que pone música todas las tardes al programa de corazón del mismo nombre que emite Telecinco. ¿Cuántas veces habrá cantando últimamente aquello de “Mi situación es terrible, yo no sé nadar, mi situación es urgente, me horroriza el mar, un tentáculo negro me quiere hundir, los tiburones me miran, necesito huir, ¡me puedo ahogar!”? O aquello de… “Ven pronto, no tardes, que me traga el mar, tú sácame a flote y después verás… Mi vida sálvame, ven nadando a mí, sálvame, soy un náufrago…”
De esta segunda habíamos solo oído dos maquetas sin pulir, pero Banks ya la ha terminado y su versión final puede escucharse oficialmente desde este 1 de septiembre en streaming y comprarse en iTunes. En ‘Escapades’ Banks se sumerge más que nunca en el dance de los noventa y además ofrece una actuación completamente cantada, sin raps, en la que parece querer evocar a las grandes divas disco de la época (en parte también a la pureza de la producción vocal, que deja intactas las imperfecciones de su interpretación, como sucedía antes de que el autotune se consolidara en los estudios de grabación).
Tan romántica en sus paisajes trance nocturnos y embriagadores, ‘Escapades’ nos habla naturalmente de un amor trascendental. “Constrúyeme, ámame, elévame, relaja mi alma y alivia mi mente”, ruega Banks; “más que lujuria, más que sexo y amor, siente la marea que ruge y desgarra, al tiempo que llega la mañana”. Tal es la intensidad de este amor que busca Banks que la cantante promete ser capaz de “escalar montañas y navegar océanos” para encontrar a su amante. “Si tu corazón me llama desde la distancia”, canta, “te aseguro que daré con el modo de encontrarte, nadaré a través de los mares, un día o dos, para poder yacer a tu lado”.
Se espera que ‘Escapades’ forme parte de la próxima “mixtape” de Banks, ‘Fantasea: The Second Wave’, de la que en realidad llevamos hablando al menos dos años. La artista de hecho una estrenado una parte de un nuevo tema en directo, ‘Ain’t Know’, una colaboración con el rapero Safaree, autor de canciones como ‘Can’t Lie’ o ‘Love than Most’ y ex de Nicki Minaj.
Tras vender varios millones de discos en Reino Unido, The Saturdays se están tomando un descanso, por lo que sus integrantes buscan ahora desarrollar sus carreras en solitario. Es lo que está haciendo Mollie King, que recientemente estrenaba la balada ‘Back to You’ y esta semana ha vuelto con un single con el que ha puesto toda la carne en el asador, el rompepistas ‘Hair Down’, producido por Xenomania.
Durante la década pasada Xenomania produjo algunos de los mejores singles británicos de principios de siglo, a destacar ‘Round Round’ y ‘Hole in the Head’ de Sugababes, ‘Love etc.’ de Pet Shop Boys y por supuesto los singles más conocidos de Girls Aloud, entre ellos ‘Sound On the Underground’, ‘The Promise’, ‘Sexy!… No No No’ y ‘Can’t Speak French’. También produjeron ‘Sweet About Me’ de Gabriella Cilmi y una multitud de temas para Kylie Minogue, Saint Etienne o Annie.
El sonido de Xenomania, puro pop, se percibe totalmente en ‘Hair Down’, una canción que no da tregua desde que empieza hasta que acaba y que contiene varios ganchos potentes. De hecho la canción empieza directamente por el estribillo antes de unos pegadizos “na na na” y tanto las estrofas como sobre todo el puente antes del “chorus” mantienen el nivel. Y todo el mundo sabe que unos buenos vientos metal siempre dan el pego.
El videoclip de ‘Hair Down’ está lleno de baile y es bastante Britney, a quien King reconoce como una de sus mayores influencias. De hecho King está a punto de participar en el programa de baile ‘Strictly Come Dancing’, de la que es su primera estrella confirmada.
Aunque parezca mentira, Taylor Swift no tenía un solo single número uno en Reino Unido… hasta que ha llegado ‘Look What You Made Me Do’. La canción, que por supuesto será número uno también en Estados Unidos, ha sumado 30.000 descargas y 5,3 millones de reproducciones en streaming en UK desde su lanzamiento el pasado jueves, por lo que ha entrado directamente en el top 1 de singles de las islas británicas.
Swift tenía tres singles top 2 en Reino Unido, ‘Love Story’, ‘I Knew You Were Trouble’ y ‘Shake it Off’. Tres de los singles más icónicos de Swift, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘Blank Space’ y ‘Bad Blood’ se quedaron en el top 4 y ninguno de los singles restantes del exitoso ‘1989’ llegó al top 10: ‘Style’ fue top 20 y ‘Wildest Dreams’ top 40. Eso sí, ‘I Don’t Wanna Live Forever’ fue top 5 y es claramente una de las canciones más exitosas de 2017.
‘Look What You Made Me Do’ ha superado ya los 130 millones de visualizaciones en Youtube y está a punto de alcanzar los 50 millones de streaming en Spotify. Ha pasado tanto con esta canción ya que cuesta creer no tenga ni una semana de vida. Aunque la pregunta parece ser: ¿logrará la canción mantenerse en listas después de que el revuelo por el controvertido “comeback” de Swift se haya disipado?
Joplin, Cobain, Winehouse, Morrison, Hendrix – todos murieron con 27 años, que es la edad que tiene en estos momentos Adore Delano. Sí, los he metido a ellos y a ella en la misma frase; quienes queráis lapidarme podéis hacerlo, pero os invito a seguir leyendo y quizás os convenza de que la referencia no es solo para llamar vuestra atención. La razón más obvia para esa referencia es que este álbum iba a llamarse originalmente ’27 Club’, y finalmente la artista ha dedicado al malogrado Club un tema homónimo (cuyo pre-coro recuerda de hecho a ‘Rape Me’) en el que habla de esa escena, de su propia relación con las drogas, y de su conclusión respecto a cómo quiere llevar su vida: «I’ve been trying and I’ve been buying / and I’ve been lying and I’ve been crying / and that’s how I know / that I don’t wanna go» canta en el segundo corte de su tercer disco. «Tercer disco, pero, ¿esta tía quién es?»: aunque habrá quienes la conozcáis, antes de continuar es necesario hacer un intensivo sobre Adore para quienes se estén haciendo esa pregunta, que imagino que serán unos cuantos.
Tenemos que empezar por Danny Noriega participando en una edición de ‘American Idol’ y, años después, presentándose a la sexta temporada de ‘RuPaul’s Drag Race’ -para saber en qué consiste el programa tenéis estos(1) artículos de mi compañero Lolo- como Adore Delano («ya no sé dónde empieza y dónde acaba, Danny se convierte en Adore y Adore en Danny, pronto no sabré la diferencia» declaró recientemente, tras declararse género fluido). No ganó la edición, pero sí el cariño del público, hasta el punto de que es la participante más seguida en redes sociales de toda la historia del programa… ¡casi tantos como el propio RuPaul! Aprovechó para sacar ‘Til Death Do Us Party’ y ‘After Party’, pero, si escucháis algo de esos dos álbumes, como ‘D.T.F.‘ o ‘Take me there‘, os daréis cuenta de que el sonido de este ‘Whatever’ no puede estar más alejado al de sus dos primeros discos, o al de otras participantes del programa que luego han sacado música – un ejemplo sería la divertida ‘Anus‘ de Alaska Thunderfuck. En plena batalla legal con su antigua discográfica, Delano decidió dar un giro sin la presión de ésta; así, ha sacado este material de forma independiente, con la ayuda de su amigo Nathan Morrow.
Sin desmerecer a sus compañeras del programa, su voz siempre apuntó más alto, y en este tercer trabajo se puede comprobar mejor que nunca. Grabado precisamente en la capital del grunge, Seattle, la artista cita entre sus influencias a Chris Cornell, Brody Dalle, Courtney Love y Pete Burns, pero también a Alanis Morisette y Fiona Apple, y cuenta que quería sonar a lo que Danny escuchaba de adolescente (llegó a ser vocalista en una banda garage-punk por esa época). Así, en temas como ‘Witch Hunt’ y ‘Whole 9 Yards‘ tenemos este nuevo sonido, sin que el descaro de Adore desaparezca, con frases como «I can make you bleed without touching, baby / I’m just a bitch, filthy dirty witch» en la primera, o el doble sentido sexual de la segunda. Por el nuevo sonido podemos pensar, mientras lo escuchamos, en musicales que han tratado de unir el rock con el drag (‘Hedwig and the Angry Inch’, ‘Rent’, ‘Rocky Horror Picture Show’), pero es que, en algunos momentos, la intensidad llega a acercarse al hardcore, como en el estribillo marilynmansonesco de ‘No School’, donde habla con rabia sobre el acoso escolar, o en el final del single ‘Negative Nancy‘, aunque baja en otros más pausados como ‘Princess Cut’ o, sobre todo, en ‘Pretty Boys Cry’, probablemente el corte donde su voz brilla más.
‘Pretty Boys Cry’ es sin duda uno de los puntos destacados del álbum, pero es una pena que el acompañamiento no esté a la altura de las posibilidades vocales y la letra: con arreglos de mayor calidad, sería un baladón mayor de lo que ya es… aunque la habilidad de Adore para expresar emociones con su voz alcanza aquí un punto que hace que se lo perdonemos. Merece también mención el experimento que hace con dos canciones: quizás como regalo a los fans de temas como ‘Party’, hay una respuesta más popera a ‘Whole 9 Yards’ y ‘Butterfly’ en los dos últimos cortes del disco – con cierta oscuridad, aún así. ‘But Her Fly’ coquetea con el dubstep y el drum&bass, y es la sorpresa que supera a la original, funcionando muy bien los coros del estribillo. Por otro lado, si a alguien ‘Whole 9 Yards’ no le parecía suficientemente sexual, ‘Hole Nine Yards’ es como el remix electropop-casi-bakala que sonaría en un tugurio, y que nos hace añorar esa maravilla de los Scissor Sisters que es ‘Invisible Light’.
En recientes declaraciones, Delano esperaba que a sus fans les gustase su nuevo sonido, animarles con ello a que sean «el resultado de lo que pasa cuando no haces lo que se supone que tienes que hacer,» y que, en caso de que no les gustase, tienen el material que hizo antes, «so whatever» (literal). Este giro parece venir motivado, como en tantos discos de este año, por el rumbo político de EEUU: «todas las divas pop están como calmándose y diciéndole a sus fans «tranquilos, vamos a estar bien» y y yo estoy como «no, de hecho, NO estamos bien, haceos un moño, pintaos símbolos de lucha y manifestaos.» Como decíamos antes, el nuevo sonido es el de los grupos que la finalista de RuPaul escuchaba en su adolescencia, en plena administración Bush, cuando era, según sus palabras, «un chico cabreado, y con el gobierno actual es necesario que existan chicos cabreados». No en vano, el álbum se abre con ‘Adam’s Apple’, quizás la canción más política en este sentido: «morning boy loves pink / the teenage girl loves to think / old stepdad loves to drink / the new white world loves to sink» son las primeras frases que oímos. Este espíritu reivindicativo está relacionado con el punk, sí, pero muchos parecen olvidar que también lo está con el drag: en los 70, ambas escenas estaban bastante más unidas, y ese es un espíritu que Adore quiere recuperar: «la idea del drag en sí es punk-rock, es la rebelión absoluta, ir contracorriente, necesitamos traer eso de vuelta: hagamos el punk divertido y gay de nuevo, empecemos la rabia del arcoiris.»
En conclusión, ‘Whatever’, superado el shock inicial, supone un paso en la buena dirección para la carrera musical de Adore Delano y para su credibilidad artística -no porque el material anterior fuese malo, sino por ser una prueba de su versatilidad y de por qué es considerada una de las drags con más carisma y personalidad-, y nos muestra a alguien que puede entregarnos en el futuro un gran disco de rock (o de punk, o de pop) en el que se luzca realmente su voz y potencial, aquí no muy aprovechado. Otra cosa que también nos muestra este tercer trabajo es que, si hace unos meses os hablaba de Kiddy Smile y de por qué era necesario, alguien como Adore es también necesaria en los tiempos que corren. Ella, como Kiddy, cuando la sociedad le pide que agache la cabeza lo que hace es enseñar los dientes con una mezcla de rabia y alegría, mientras nos invita a seguir su camino. Habrá quienes estén de acuerdo con esto, habrá quiénes no lo estén. Pero bueno… whatever.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘Pretty Boys Cry’, ‘Whole Nine Yards/Hole Nine Yards’, ‘Witch Hunt’, ‘But Her Fly’ Te gustará si te gusta: Courtney Love, Soundgarden, Adam Lambert, Bring Me The Horizon, Blink-182, Anastacia, ‘Rent’, ‘Hedwig and the Angry Inch’, el glam-rock de Bowie y Tino, el punto en que la Gaga de ‘Born This Way’ se cruza con Bon Jovi… y, por supuesto, RuPaul. Y si no te gustan los prejuicios. Escúchalo:Spotify
Polock han emprendido este año una nueva aventura musical de mano de Sony, sello con el que han publicado su último disco, ‘Magnetic Overload‘, que, presentado por el contagioso single ‘Oh I Love You’, incluye canciones bastante diferentes a lo que se puede identificar como su sonido. Entre ellas, la balada setentera que da nombre al disco o ‘Tarantino’. Hablamos sobre el proceso de grabación, entre otros asuntos, con el cantante y guitarrista Papu Sebastián, el batería Marc Llinares y el guitarrista Pablo Silva. Polock actúan el día 23 de septiembre en el festival Granada Sound (en el que comparten cartel con Los Planetas, Lori Meyers, Dorian, Iván Ferreiro, etc. –toda la info aquí–), y después les esperan más fechas en Valencia, Pamplona, Logroño, Zaragoza, Huesca, Alicante y Madrid. Detalles, en su web.
¿Qué habéis querido contar con este disco?
Marc: «Queríamos irnos de la línea del disco anterior, que tenía muchas capas y estaba sobreproducido aunque era lo que buscábamos entonces. Ahora nos apetecía algo más directo, como el primer EP, y con más melodías».
Papu: «Más ganchos. Un disco que sonara a rock clásico».
Marc: «Hemos tardado mucho menos en grabarlo, antes había 5 arreglos a la vez y ahora solo hay 1».
¿A nivel letras hay una temática?
Papu: «No hay continuidad. Cada tema tiene su concepto, pero cada uno habla de algo diferente. Siempre está el amor, pero tratado de manera diferente y con toques distintos».
¿No hay algo que tenga más peso?
Papu: «Hay un tema que se llama como el disco, el más lento. Queríamos darle un poco de peso porque sabíamos que no iba a ser el adelanto y era una manera de que la gente pinchara en esa canción, que es una canción que llevamos arrastrando casi 9 años».
Pablo: «Para nosotros y para nuestros amigos era impensable que hiciéramos una balada setentera».
¿La maqueta siempre fue setentera?
Papu: «No, no. Era más «Polock al principio». Como no salía, lo que hicimos fue destrozarla. Nos pasó también con ‘Faster Love’ de un disco anterior, la descompusimos y salió la balada de «Getting Down». Y a la gente son los temas que más les llegan. Con este tema pasó lo mismo».
Ahora mismo se habla más de los 70, hay cierta reivindicación de Carole King, Fleetwood Mac, el Brill Building, etc. ¿Vosotros habéis escuchado siempre mucho años 70?
Marc: «Sí. De todo, Supertramp, Black Sabbath, The Doors, Television».
Papu: «Sí es verdad que hay oleada de grupos nuevos setenteros, como Lemon Twigs, Foxygen, Kitty Daisy and Lewis que se van más atrás en el tiempo… Nosotros tampoco queríamos que sonase así, queríamos mantener nuestra esencia, pero sí nos interesaba el concepto de cómo se arreglaban esos discos».
Pablo: «Nos flipa cómo suenan esos discos».
«Se han estandarizado mucho los procesos de grabación. Todos los temas están al mismo volumen, todas las partes del tema están al mismo volumen y antes se investigaba más»
Es alucinante la diferencia, hay bastante timo últimamente con los discos de 180 gramos, suenan peor que muchos discos de los 80 que no pesan 180 gramos…
Papu: «Hay superproducción, dinámicas más bestias de lo que hay ahora. Ahora mismo haces el disco en casa con tus medios, puedes tener los medios, pero no tienes experiencia y los discos suenan todos iguales, sin subidas ni bajadas».
Pablo: «También se han estandarizado mucho los procesos de grabación. Todos los temas están al mismo volumen, todas las partes del tema están al mismo volumen y antes se investigaba mucho más, hay cosas mal hechas para lo que entendemos ahora, pero los masters no estaban tan apretados porque no estaban pensando en sonar en la radio sino en sonar disfrutable».
Habéis citado a Black Sabbath, pero en ‘Magnetic Overload’ no son una referencia, ¿no? Estaba pensando en otro tipo de años 70.
Marc: «Bueno, tienen la balada de ‘Changes’, que la oímos un montón».
Papu: «Y este tema tiene toques muy Lennon».
Habéis masterizado en Los Ángeles, vosotros soléis masterizar fuera, ¿por qué lo hacéis? Cuando os devuelven el disco, ¿no estáis un poco temblando?
Pablo: «Un poco sí».
Marc: «El mastering es el 10% del conjunto. Es mucho más importante la mezcla en el proceso final».
Papu: «A menos que pilles a alguien que no tenga ni idea, o que no siga tus indicaciones después de pasarte un año con ese disco, muy mal lo tiene que hacer. Cuando te llega el mastering, compruebas que se han respetado las dinámicas, sobre todo en este disco, que tiene más aire que los anteriores. Lo más importante es la manera en que arreglas tú las canciones para que haya altibajos y luego el mixer».
Marc: «De hecho, el vinilo está masterizado en España».
Eso es otra buena noticia, se ve mucha tontería con los vinilos de colores, y luego la masterización que se ha hecho no es para vinilo. Vosotros por lo que decís sí habéis hecho masterización para vinilo.
Papu: «Claro. No tiene nada que ver. El mastering para vinilo es muy diferente que el del CD, e incluso al de iTunes o Spotify».
No me habéis contado nada de las letras del disco, tengo la impresión de que son secundarias para vosotros.
Papu: «Son lo último que hago, después de haber grabado la canción. Cuando tenemos la demo. Una canción me sugiere una temática por melodía o arreglos. Entonces trabajo temas muy diferentes, le pregunto a Pablo de qué podemos hablar… Por ejemplo ‘Venecia’ habla de un viaje de una pareja que sabe que lo suyo no funciona. Lo primero que surgió fue la intro y la intro nos llevaba al rollo italiano de Venecia, muy Martini, muy seductor… A partir de ahí montamos una historia. ‘Morricone’ tiene un riff de guitarra que surgió y nos transmitía pelis de Western».
A mí me recordaba a Tarantino, pero ya había una canción llamada así de Russian Red.
Pablo: «Tarantino es como coger Morricone y ponerlo actual».
Entonces las letras secundarias, más que respetar tu estado de ánimo, quieren guardar la esencia de la música que habéis escrito entre todos.
Papu: «Eso es. Son imágenes que la canción transmite. Intento formar una historia con impresiones y vivencias mías, pero que no tienen por qué estar estructuradas de manera lineal en el tiempo».
¿Pueden ‘Morricone’ y ‘Magnetic Overload’ ser una pista de vuestro futuro?
Pablo: «Es un camino a explorar. Son cambios, junto con ‘Devil Echoes’ son los temas en que más nos hemos podido salir de Polock».
«Devil» es un poco tropical.
Pablo: «Fuimos sumando sintetizadores haciendo la misma melodía, son como 7, 8 o 10, y al final dijimos que podíamos haberlo hecho con una kalimba tropical, porque la suma de todos los sintetizadores sonaba como ese instrumento, que es como una olla».
¿A qué canción habéis podido dar más vueltas?
Marc: «‘Out of the Blue’ es más como el disco anterior».
Papu: «Hemos sido bastante rápidos esta vez».
Marc: «…que hemos sido lentísimos».
Papu: «Bastante rápidos para lo que solemos ser».
La verdad es que han pasado 3 años.
Pablo: «Y 4 años tardamos entre el primero y el segundo».
Marc: «Como salió en Estados Unidos y luego en Japón, y luego nos fuimos de gira…».
Papu: «Lo único que ha pasado es que ha habido in pass entre grabación de local y el lanzamiento del disco, al haber terminado nuestro anterior contrato discográfico. Queríamos empezar de cero. Los 3 primeros temas nos metimos a grabarlos nosotros en el estudio, los pagamos nosotros, los sacamos del estudio ya perfectos y a raíz de eso ya tuvimos contacto con Sony. Después vino todo el proceso de volver a entrar a grabar».
También suena a excusa, ¿eh? Tiene pinta de que vais a ser de este tipo de artistas que saca cada mucho, como Fangoria, El Guincho, La Casa Azul.
Papu: «Rápidos no somos. Molaría ser rápido».
Marc: «Ahora mismo estamos un poco pensando en nuevas canciones y queremos empezar con ellas y sacar cada 2 años».
Actualmente 3 años es muchísimo para un grupo de vuestro estatus. La gente ya no espera por nadie.
Pablo: «Yo lo entiendo, la gente se hace mayor, cambias mucho de los 20 a los 24 años. De empezar la universidad a haberla terminado, ¿vas a ir a ver al grupo que te gustaba cuando entraste en la universidad?»
Papu: «Que estabas con tu novia y que te dejó. Nos lo dicen. «Esta canción me recuerdan a mi ex novia». Si las canciones te recuerdan a tu ex novia, pues igual no vas ya a ver a ese grupo» (se ríen).
¿Qué tal os sentís aquí, en este pedazo de edificio de Sony (NdE: espectaculares oficinas en Cuzco)?
Marc: «La primera vez que entramos nos sorprendió bastante y ahora nos sentimos como en casa, nos están tratando muy bien».
Pablo: «Es un poco la serie ‘Vinyl‘. Bueno, nada que ver porque estaríamos fumando, haciéndonos rayas. Me refiero al acabado». (risas)
¿Qué os ha aportado Sony?
Pablo: «Nos ha dejado hacer el disco sin pegas, solo dándonos ánimo».
Papu: «Mucho punch».
Pablo: «Veníamos flojitos de terminar la anterior etapa discográfica».
Mushroom empuja a grupos fuera, como vosotros, Yall, Delorean, se caracterizan casi por eso.
Pablo: «Nos movieron fuera, lo que pasa es que a veces el final de relaciones no es lo que esperas, por ninguna de las partes. Nos ha venido bien que en Sony nos digan «me mola todo lo que haces», «pero es que no vamos a hacer lo mismo», «da igual»».
¿Qué estatus tenéis realmente fuera de España? Están las típicas fotos de Japón de vuestro merchandising, nosecuál blog de Bélgica… Me da la sensación de que tenéis pocos seguidores en muchos países, ¿o ha habido un país en el que hayáis despuntado realmente?
Marc: «En Japón donde más».
Papu: «Este nuevo disco sale también en Japón, con la discográfica con la que sacamos el primer disco. Fueron desde Japón que dijeron, al ver que estábamos sacando ahora nuevas canciones, «queremos sacar vuestro disco que los otros han ido muy bien aquí»».
Marc: «En Japón el segundo disco se vendió más que en España. En Japón siguen comprando, no hay esa crisis…».
¿A qué grupos os veis cercanos en España? Os veo como desubicados.
Pablo: «Somos outsiders».
Marc: «Éramos».
Pablo: «Somos. Nos llevamos bien con Mucho, Julián Maeso, Delorean»…
Marc: «…WAS, Russian Red, Anni B Sweet, Supersubmarina…»
Papu: «¡Nos llevamos bien con todo el mundo!».
Me refiero a que no sé si os pondría antes en el grupo de Izales o con algo más underground tipo Juventud Juché. Creo que con ninguno. ¿Quiénes son los que más os molan?
Marc: «Maeso».
Papu: «Lo que ha sacado está muy chulo. Delorean».
Pablo: «Tampoco soy súper fan de ninguno».
Marc: «Escuchamos más música de fuera».
¿Hasta qué parte del cuerpo estáis de que os comparen con Phoenix?
Papu: «Ahora mismo no tendría sentido».
Pablo: «En el anterior se entiende, hay cosas que se parecen. Hay otras que no, pero bueno, es una influencia. Además, hemos sacado el disco antes que Phoenix (risas). Las otras veces el nuestro salía un mes más tarde y ya decíamos: «¡¡ya nos va a caer otra vez!!».
Bueno, el anterior disco de Phoenix ya era marciano…
Marc: «Tenía un par de temas, pero con esa sobreproducción pierde».
Yo aún os veo un poco parecidos a Phoenix, ¿eh? Con la excepción del par de temas que hemos comentado, pero el single sí lo veo un poco Phoenix.
Pablo: «Si me pongo en plan crítico musical, tiene un riff setentero, es más funk, tiene una batería funk de los 70, no lo veo tan Phoenix. Phoenix me parece más ‘Corrupción en Miami’, también funky pero con otro punto diferente».
«Las cosas obvias están fuera de nuestra tabla. Intentamos hacer algo directo, pero que no sea típico»
Me parece que se habla poco de lo que crecen con las escuchas vuestras canciones, ‘Everlasting’ no fue un temazo directo, pero ha terminado con 1 millón y medio de reproducciones en Spotify. Os veo muy de hacer growers, ¿no? ¿No os gustan las cosas más inmediatas?
Papu: «Eso es verdad, siempre lo hemos pensado y comentado. Es algo bueno. Que una idea en un principio te choque es bueno. Nos pasó con ‘Everlasting'».
Marc: «Yo dije «esto qué es» y le pusimos un ritmo, y esto ya (era otra cosa)».
Papu: «Es algo que buscamos, que no te guste algo a la primera escucha es bueno, es como que el oyente no lo ha oído todo todavía».
Pero tampoco evitáis hacer algo directo, no?
Papu: «Las cosas obvias están fuera de nuestra tabla».
Pablo: «Intentamos que sea directo, pero que no sea típico».
¿No os gustaría que todos vuestros seguidores estuvieran aquí, en España, en lugar de desperdigados por todo el mundo, haceros grandes aquí y después salir?
Papu: «Lo tendríamos todo más a mano».
Marc: «Yo soy muchísimo de viajar».
Pero en cuanto a rentabilidad…
Pablo: «Para rentabilidad estaría muy bien» (risas).
Es que vuestros streamings son altos.
Pablo: «El feedback es difuminado».
Marc: «México, Chile, Estados Unidos, Japón, Francia, Alemania».
Papu: «Estuvimos en Nueva York en las oficinas de Spotify y tenían un mapamundi con las escuchas y se quedaron flipados con las nuestras porque se pensaban que nuestro público era súper joven y la gente que nos escucha es más bien de 25 a 35 y bastante repartida por Estados Unidos, Francia, España… y gente con cuentas premium».
Pablo: «Fuimos con Izal e Izal tenían (en su mapamundi de escuchas) España completamente roja y nosotros todo el mundo rosa un poquito».
Papu: «La comparación fue…» (risas)
Pablo: «Ellos tenían un punto rojo nada más pero era un rojo potente».
Marc: «España estaba quemado» (risas).
¿Os sentís un poco incomprendidos?
Pablo: «Cantando en inglés es un poco lo que hay. Si este disco funciona de puta madre, estaremos invirtiendo ahí todo nuestro saber hacer, pero bueno, sabemos lo que hay».
Classixx ha vuelto a la actualidad con una canción que es además una curiosidad. Se titula ‘Possessive’ y toma prestada su melodía vocal, interpretada por un coro góspel, de una canción tan improbable como ‘Jealous’ de Nick Jonas. Es una canción “para los últimos días del verano con la que extender la fiesta de la piscina”, asegura el grupo. Classixx indica que es una colaboración con su amigo Vaughn Oliver.
El dúo de house veraniego de Los Ángeles, compuesto por Tyler Blake y Michael David, publicaron un nuevo álbum el año pasado, ‘Faraway Reach’, que contenía colaboraciones de Passion Pit, T-Pain o How to Dress Well y ofrecía más buenas canciones de house y pop tropicalete perfecto para los calurosos días de verano que hoy ya terminan, como ‘Grecian Summer’, ‘Safe Inside’ o ‘The Dissolve’.
Classixx nació en 2005 y pronto se convirtió en uno de los proyectos más potentes de la escena de DJs en Los Ángeles. Su primer single, ‘I’ll Get You’, se publicó en 2009 a través del recopilatorio de electrónica Kitsuné y su debut ya en 2013. Classixx es conocido además por sus finas remezclas de gente como Fischerspooner, Ladyhawke o Major Lazer. Especialmente conocido es su remix de ‘Lisztomania’ de Phoenix.
El verano discográfico, como el nuestro, ya es cosa del pasado. Así que hoy volvemos a estar a tope de novedades. ¡Bien! Para empezar, sin duda la noticia del día es ‘American Dream’, el álbum de regreso de LCD Soundsystem tras una larga ausencia (aunque no tan larga como se preveía, ya sabéis). El de James Murphy y su troupe no es el único álbum importante lanzado hoy. Otros que vuelven tras años sin publicar disco con Hercules & Love Affair, y con ellos The Pains of Being Pure At Heart, O.M.D., Jake Bugg, Daughter (la BSO para el videojuego ‘Before The Storm’) y Mogwai, nada menos. Junto con ellos, interesantes debuts como los de INHEAVEN, Bicep, los argentinos afincados en Berlín Mueran Humanos o el chileno Tololo (una suerte de Tobias Jesso Jr. andino, producido por Cristián Heyne).
A lo largo de la semana también hemos hablado de los nuevos temas de Jessie Ware, Frank Ocean, Matthew Dear con Tegan & Sara, Hurts, Maroon 5 & SZA, The National, Paloma Faith, Ibeyi (ft. Kamasi Washington), Mount Kimbie, Tigres Leones, John Maus, Courtney Barnett & Kurt Vile, Digital 21 & Stefan Olsdal (de Placebo), La M.O.D.A. o Ricardo Lezón de McEnroe, cuyo single tuvimos la suerte de poder estrenar en JENESAISPOP.
A ellos sumamos hoy novedades también de Jason Derulo, Alex Cameron, Mueveloreina, Baxter Dury (primer adelanto de su próximo disco), Jay-Jay Johanson, Frida Sundemo(nuevo adelanto de su álbum de debut –por increíble que parezca, solo había publicado EPs–), Zola Jesus, Ty Dolla $ign (un tema con Skrillex y Damien Marley), Poppy, Mastodon (justo tras su guest-starring en ‘Juego de Tronos’), Mr. Probz con Anderson .Paak, Jacobo Serra, Bully, Yumi Zouma, WhoMadeWho, Death From Above 1979, Galantis, el sueco Yung Lean, las francesas Brigitte, Hanne Hukkelberg, Nothing But Thieves, Beauty Brain, los productores DJDS acompañados por Khalid y Empress Of, y los soulmen Curtis Harding y Gregory Porter, que avanzan sendos nuevos álbumes.
Como siempre, cerramos destacando un par de curiosidades. Hoy nos fijamos en una bárbara remezcla que ha hecho el oscuro productor británico The Haxan Cloak sobre ‘Things It Would Have Been Helpful To Know Before The Revolution’, del último disco de Father John Misty y destacamos la llegada a Spotify de ‘Kitana’, uno de los singles de Princess Nokia, que aún permanecía inédito en la plataforma.
Surfin’ Bichos han vuelto este año para recordar en directo su obra maestra de 1992, ‘Hermanos carnales’. Uno de los conciertos de la gira del grupo tendrá lugar en Mieres, Asturias el próximo 13 de diciembre, pero hay quien quiere pararlo. Se trata de las Nuevas Generaciones del Partido Popular de Mieres, que a causa de unos tuits antiguos del cantante del grupo Fernando Alfaro, en los que se burlaba de Mariano Rajoy, el Ministro de Economía Luis de Guindos, el Ministro de Hacienda Cristóbal Montoro y el entonces rey Juan Carlos, han pedido al Ayuntamiento de Mieres que se cancele el concierto de Surfin’ Bichos en la localidad asturiana. Víctor Ferreira, presidente de Nuevas Generaciones, ha escrito en un comunicado que considera estos tuits “insultantes” y ha indicado al Ayuntamiento que este desaprobaría el concierto sin pensárselo dos veces de dirigirse estos comentarios al Gobierno municipal actual de Mieres, que lidera Izquierda Unida.
Los tuits concretos datan de 2012 y 2013 y en ellos Alfaro se refiere a Montoro como “Tontoro” y como “muñeco cenizo de los teleñecos” y arremete contra Luis De Guindos, de quien expresa “tiene voz de listo y cara de tonto”. También describe a Mariano Rajoy como el “Cid borracho dándose de bruces con la realidad” y bromea con la caída del rey Juan Carlos durante su visita a Estado Mayor de Defensa en 2012, escribiendo “¡Ha caído el rey! ¡Salud, camaradas!” En su comunicado, Ferreira ha escrito que «rechazamos tajantemente el contenido de dichos tuits y solicitamos la cancelación del concierto previsto”.
Fernando Alfaro ha contestado a la petición de Nuevas Generaciones en Twitter asegurando que en realidad publicó tuits “más divertidos” de los que no se han quejado. Pero sobre todo ha querido compartir una reflexión positiva sobre la “gente del PP” a la que ha conocido desde la publicación de esos tuits. “Gente inteligente”, ha escrito”, [de la que] me gusta valorar sus posiciones en algunos aspectos de nuestro día a día. A veces, incluso, comparto alguna. Y me caen bien. Pero claro, idiotas hay en todos lados. Quiero pensar que semejante astracanada obedece al combate político municipal chusco: el alcalde es de izquierda unida”.
Montonto, digo Tontoro, digo Montoro es el muñeco cenizo de los Teleñecos.
Tras cinco años de gira por todo el mundo y sin revelar su identidad públicamente, actuando con una máscara, este año el productor de trap UZ se ha desenmascarado por fin a su audiencia, descubriendo que es el veterano DJ francés DJ Troubl. La música de UZ sonaba demasiado experta para ser de un novato que acaba de empezar a producir música electrónica, pero claro, genios hay por todas partes y todo el tiempo y muchos de ellos prefieren el anonimato.
Hoy viernes 1 de septiembre UZ dará la cara en la sala Razzmatazz de Barcelona para presentar su nuevo disco, ‘Layers’, un trabajo de trap malicioso y alucinado en el que han colaborado una variedad de artistas que va desde la sueca Elliphant hasta la estadounidense Gia pasando por varias promesas del sello de UZ, Quality Good Records, como son Stooki Sound y Oski. ‘Layers’ contiene sobre todo trallazos, entre ellos ‘Paradise’, por la que los Chainsmokers darían sus cuatro riñones, o ‘Inferno’, cuyos sintetizadores dislocados, ebrios y satánicos parecen sacados precisamente del “infierno”.
Hay en ‘Layers’ “capas” de hip-hop, grime y dubstep, todo pasado por una pátina nuclear rabiosamente contemporánea, y además canciones tan flipadas como ‘Bang’ o ‘Million Dollar Bills’ que consolidan a UZ como líder de su propio reino en la esquina más bruta y desvariada del trap internacional. El francés dice que se dedicará ahora sobre todo a su sello, a producir más y girar menos, pero con máscara o sin ella su propuesta está hecha para deslumbrar, corroer y arrancarnos las pelucas con sus beats malvados y ráfagas radioactivas. Un plan perfecto de viernes.
‘Siembra’ es una canción importante en el repertorio de Bomba Estéreo, por lo menos en la nueva etapa en su carrera que se ha abierto con la publicación de su nuevo disco, ‘Ayo’, el pasado 11 de agosto. Es la primera canción que el dúo colombiano compuso para el álbum, la que lo abre y además es la que abre su concierto, que anoche paró en la sala Razzmatazz de Barcelona. Como nos ha contado el grupo en una entrevista que publicaremos próximamente, ‘Siembra’ representa la inauguración de un nuevo sonido, la apertura del grupo hacia un nuevo orden espiritual, que en realidad busca regresar al pasado, a la cultura indígena, para cantarnos (y contarnos) el presente desde la pureza de la tradición. Pero en su propio lenguaje.
Y el lenguaje de Bomba Estéreo es la fusión de la tradición colombiana con la electrónica, algo que atrae a latinos y españoles por igual. Y por supuesto a más nacionalidades, porque aparte de ser “global”, la música de Bomba Estéreo se materializa en unas canciones divertidísimas de cantar y bailar en concierto, como demostró el grupo por ejemplo con ‘Química (Dance with Me)’, que abrió la primera mitad del set, dedicada a su nuevo disco y entre la que destacó por supuesto el single ‘Duele’, que el dúo alargó a modo de mantra con la presencia de una flauta de millo; la vibrante ‘Ayo’ y sobre todo ‘Amar así’, una canción brillante, de las que en directo se crecen espectacularmente.
El dúo colombiano y su banda se dejaron los hits antiguos para la segunda parte de su show, donde sonaron ‘Soy yo’ y ‘Somos dos’ y varios temas de ‘Elegancia tropical’ como la vibrante ‘Caribbean Power’, pero lo mejor de esta segunda mitad no fueron los éxitos de Bomba Estéreo sino la sección instrumental que incluyó hacia el final del show, un acelerado ritmo de champeta que funcionó como despegue emocionante hacia los éxitos más aclamados de la noche, ‘Fiesta’ y ‘Fuego’. El concierto tocó techo y fue más arriba todavía.
En su concierto de anoche quedó claro que Bomba Estéreo ha dado con la fórmula perfecta para acercar su cultura al mundo, o mejor dicho, para que el mundo se acerque a su cultura, y el show fue una “fiesta” precisamente porque fue una celebración absoluta de la música como nexo de unión entre culturas y sobre todo entre seres humanos. Se hicieron amigos, se bailó con desconocidos, se sudó y se perreó desde la primera a la última canción. Efectivamente “para bailar no se necesita lengua”.
Aunque no todos conecten con ellos, es indudable que los burgaleses La Maravillosa Orquesta del Alcohol se han convertido en uno de los nuevos referentes del rock estatal tras publicar discos como ‘¿Quién nos va a salvar?’ y ‘La Primavera del Invierno’. Días atrás La M.O.D.A. anunciaban la publicación el día 29 de septiembre de ‘Salvavida (de las balas perdidas)’, su tercer álbum de estudio, y la expectación es enorme.
Al menos eso se deduce al comprobar cómo hoy la banda se convertía en trending topic en nuestro país al lanzar el primer adelanto del álbum, una canción llamada ‘La inmensidad’ que se presentaba con un lyric-video en el que distintos televisores muestran a cada miembro del grupo tocando su instrumento o cantando, en el caso de David Ruiz, su vocalista.
Como podéis escuchar, el tema profundiza en ese rock con tintes folk, celtas, punk y country que les emparenta con Dropkick Murphys o The Gaslight Anthem, si bien aseguran que en este nuevo disco han experimentado con una mayor variedad de instrumentos de viento. La M.O.D.A. han anunciado también una gira de presentación por todo el país durante noviembre y diciembre. Por decisión del grupo, los tickets de sus shows se venden a través de su web y prescinden de los famosos gastos de gestión.
Marem Ladson actuará en Dcode el próximo sábado 9 de septiembre tras alzarse anoche como ganadora de la final del concurso maquetero del festival madrileño, Bdcoder, en el Intruso Bar (antiguo Mito). Así lo decidió un jurado compuesto por miembros de Radio3, Mondo Sonoro, El País, el patrocinador PlayStation, Live Nation, Dcode y JENESAISPOP. La cantante gallega se suma así a un cartel en el que aparecen artistas como Charli XCX, Interpol, Franz Ferdinand, Band of Horses, Liam Gallagher, La Femme y Miss Caffeina, entre muchos otros. Las entradas están a punto de agotarse, pues quedan menos de 1.500.
Hay que destacar el excelente nivel de esta final maquetera -por alguna razón exenta de trap-, con los 6 artistas en mayor o menor medida mostrando un sonido y una soltura sobre las tablas que ya quisieran muchos artistas consagrados para sí, algo que se percibió desde el principio de la noche con la actuación en formato dúo de Twist Helix. La agrupación hispanobritánica exploró los sonidos post-‘Drive’ en plan apocalíptico, añadiendo baterías duras y contundentes en vivo. Su cantante, toda simpatía, se mostró muy agradecida de tener esta oportunidad, asegurando que para ellos ya era un regalo formar parte de la final y ansiando, de manera muy deportiva, poder saludar al resto de participantes cuanto antes.
A continuación, la actuación de St Woods cortó el hipo. Solo sobre el escenario, con un timbre parecido a Damien Rice y la técnica del sampleo en vivo mediante pedales de un Dominique A o de un Ed Sheeran, interpretó las 3 canciones reglamentarias logrando un verdadero milagro: que la gente guardara silencio en el show de un artista novel. Lo logró durante su tema ‘Riddles’, en el que, ante el bullicio de fondo, decidió alejarse del micro para pasar a cantar a pelo. Magia absoluta, muy por encima de sus grabaciones de estudio. Se vieron camisetas con su nombre y sus escuchas en Spotify son ya bastante voluminosas. Tomen nota.
Julio Ruiz había presentado a St Woods como parte de la factoría Brian Hunt, pero hasta 4 de los proyectos vistos anoche han pasado por el estudio del ex productor de Russian Red y Anni B Sweet, entre ellos Jack Bisonte, que en formato dúo presentaron sus canciones a medio camino entre Chris Isaak, Soundgarden y Eddie Vedder (en acústico), incorporando de manera puntual un ligerísimo ritmo R&B más Justin Timberlake que Prince. No puedo pasar por alto el magnetismo y carisma absoluto de su descamisado cantante: hizo lo que quiso con el público durante el tema final.
Ganges, compañeros de Pavvla, llevaron su propio atrezo, portando una especie de atril con el nombre de la banda, como los grandes. Presentados por Julio Ruiz como un proyecto de dream pop, se acercaron también a los territorios del post-witch house, recordando a unos Purity Ring menos electropop, más ambientales; o en amabilidad involuntariamente a Oh Wonder, teniendo la ocurrencia de interpretar un tema en castellano, ‘400 millas norte’, toda una rareza en la final de anoche.
En quinto lugar actuaba la que resultaría ganadora, Marem Ladsson, de quien ya os hablamos con motivo de su paso por Vida Festival, y que aún solo cuenta con una canción en Spotify, ‘All My Storms’. La artista, al ganar, realizó una actuación acústica en solitario muy fácilmente vinculable a las cantautoras españolas arriba mencionadas. Sin embargo, en el momento de la competición actuó con banda y eso le aportó un decidido toque pop-rock, de aura más alegre que el de Lourdes Hernández, y con algunos momentos en que la voz de Marem resultaba más negra, onda TLC. Quizá eso fue lo mejor de su show.
Cerraron la noche The Special Case, los únicos que apostaban por algo parecido al rock duro y con algún riff que recordaba, más por lo contagioso que por estilo, a los momentos más icónicos de la discografía de los Red Hot y Tommy Morello. Su líder terminó entregadísimo, fingiendo espasmos por el suelo. Una noche de lo más entretenida en la que, ante la osadía del público, que no se creía que la ganadora lo hubiese sido solo por un punto, Julio Ruiz acabó mostrando la papeleta con la suma de los votos. En cualquier caso es la primera vez que en un concurso maquetero no oigo los clásicos gritos de «¡tongo, tongo!», muestra inequívoca de que más de uno de estos artistas terminará teniendo su recorrido.
El dúo británico Hurts ha confirmado que el single que presentó meses atrás, ‘Beautiful Ones’, estará incluido en su nuevo álbum, el cuarto ya de su carrera. Llevará por título ‘Desire’ y se publica este mismo mes, el día 29 de septiembre. Y hoy mismo presentan el que es su segundo single oficial, un ‘Ready To Go’ en el que, como en aquel, confirman que han decidido presentar sus canciones en una producción contemporánea, lejos del baladismo clásico de su debut, ‘Happiness’ y ‘Exile’, su segundo disco. ‘Surrender‘, publicado en 2015, supuso una decepción para muchos por, entre otras cosas, precisamente su acabado modernito.
‘Ready To Go’ es, con unos coros muy característicos de las producciones actuales, incluso más bailable que aquel primer avance, aunque está protagonizado por un ágil riff de piano y con un estupendo puente pseudo-gospel que ya querrían para sí los Maroon 5 de 2017.
Su vídeo, de excelente factura visual –como es costumbre en ellos– cuenta una historia terrible, en la que el guapo Theo Hutchcraft –uno de los invitados al reciente vídeo de ‘Boys‘ de Charli XCX– pierde a su amada. Pero su peculiar manera de llorarla es representar una coreografía muy especial durante el ágape posterior al funeral, para asombro de los invitados. Adam Anderson, la otra mitad de Hurts, tiene su propio momento estelar con la cara cubierta de mariposas.
La letra de la canción, explica Theo, tiene un mensaje positivo, aunque no lo parezca por sus imágenes: “es una canción que habla de vivir la vida al máximo. El vídeo, por el contrario, aborda la pena y la dificultad de muchos hombres a la hora de manejar sus emociones; algo que es particularmente problemático en el Norte de Inglaterra, donde rodamos el vídeo. Esperamos que el mensaje positivo y de celebración de la vida tanto del vídeo como de la canción, llegue a todo el mundo.”
Tracklist de ‘Desire’:
1. Beautiful Ones
2. Ready To Go
3. People Like Us
4. Something I Need To Know
5. Thinking Of You
6. Wherever You Go
7. Chaperone
8. Boyfriend
9. Walk Away
10. Wait Up For Me
11. Spotlights
12. Hold On To Me
13. Magnificent
El grupo madrileño Tigres Leones ya dio un considerable salto de calidad y alcance comercial con ‘La Catastrofía’, su álbum publicado en el año 2015, gracias a singles como ‘Marte’, que contó con la colaboración de La Bien Querida y un inolvidable vídeo del guionista de ‘El Intermedio’ y ‘Museo Coconut’, Miguel Esteban. Y ahora vuelven decididos a seguir “parriba” con ‘El año de la victoria’, su tercer disco.
Precisamente otro guionista del mismo programa de noticias de La Sexta es el autor de su fantástica portada: hablamos de Alberto González Vázquez, conocido también como Querido Antonio (recientemente creó el estupendo clip de ‘Música para adultos’ de Joe Crepúsculo). En su encarte podemos ver, con su personal estilo gráfico al dúo sevillano Los Del Río cantando ante un público joven que yace por los suelos. Y su contraportada deja claro que, si no han matado a su audiencia de aburrimiento, ya les rematan ellos con las guitarras. ¿Es esto una alusión a su sonora inclusión como cabezas de cartel de un festival «indie», meses atrás? Apostamos a que sí.
Al margen de su portada, Tigres Leones prometen en este nuevo disco nuevos enérgicos himnos guitarreros y con melodías nada obvias. Al menos eso es lo que contiene el certero ‘Golpe en la puerta’, primer avance de este disco que ha sido grabado por David Rodríguez (Beef, La Bien Querida) y Sergio Pérez (Svuper). ‘El año de la victoria’ se pone a la venta el día 6 de octubre a través del sello Sonido Muchacho (Juventud Juché, Kokoshca, Pablo Und Destruktion).
Tracklist:
Golpe en la puerta
Miliciano
El año de la victoria
Domingo
El Mar
El mejor amigo del hombre
Milos For
Milos Forman
Accidente
Popular
Haz que se vaya el aire
Los Demonios
Paracaidista Ruso
En las últimas horas el dúo Amaral ha sorprendido al presentar en sus redes sociales una nueva canción que han compuesto. No se trata de un nuevo single como tal, sino de una canción que han compuesto por y para las futbolistas del Zaragoza Club de Fútbol Femenino. Se trata de un himno llamado ‘Hijas del Cierzo’, para el que no han escatimado medios: su lyric-video plasma un proceso de grabación en el que han intervenido el cuarteto de cuerda NoNamé, con arreglos a cargo de Tomás Virgós –que ya intervino en ‘Nocturnal’– y que, salvo por alguna línea muy “Oliver y Benji” como “hoy hará que nuestro equipo sea vencedor”, podría tener cabida en cualquiera de los últimos discos del grupo zaragozano.
No es la primera vez que Juan y Eva se vuelcan con el deporte femenino: el último vídeo extraído de su último disco –el antes citado ‘Nocturnal’– para el tema ‘Unas veces se gana y otra se pierde’ se inspiraba en la historia real de un equipo de natación sincronizada femenino de Valladolid.
Tras haber publicado este año ‘Nocturnal Solar Sessions’, que daba un nuevo enfoque a los temas de sus último disco de estudio, Amaral han proseguido incansables con una extensa gira que ya está cerca de su final: el próximo día 28 de octubre celebran su último concierto en el WiZink Center de Madrid. Las entradas están disponibles en Ticketea.
Enrique Bunbury ha anunciado la próxima publicación de su primer disco en solitario con temas inéditos desde que en el año 2013 publicara ‘Palosanto’. Desde entonces, el ex-Héroes del Silencio, además de no dejar de actuar en festivales y salas de literalmente todo el mundo (en América es una estrella, igual que aquí), había lanzado el directo ‘Madrid, área 51’, un disco a medias con Andrés Calamaro regrabando juntos canciones de ambos, un MTV Unplugged y dos discos que, bajo la etiqueta ‘Archivos’, recopilaban temas inéditos y rarezas de la carrera del artista zaragozano.
Hoy sus numerosos fans reciben la feliz noticia de que el próximo 20 de octubre llegará ‘Expectativas’, un nuevo álbum de estudio del que aún no podremos escuchar sus primeros adelantos hasta el próximo viernes, 8 de septiembre, cuando lanzará ‘La actitud correcta’ y ‘Parecemos tontos’ como singles. Sin embargo, sí podemos escuchar algunos fragmentos de varias de estas nuevas canciones en un cortometraje dirigido por José Girl que retrata el proceso de grabación de ‘Expectativas’ –especialmente llamativo es su abandono del estudio por encontrarse «un poco nervioso», hacia el minutos 7:20. El vídeo, de más de 12 minutos de duración, acumula más de 65.000 visitas en pocas horas y está ascendiendo en Youtube como uno de los más vistos del país. El público tiene ganas de Bunbury, evidentemente.
Además, con este lanzamiento se anuncia ya una gira de presentación por nuestro país, que alternará recintos de gran tamaño, como el WiZink Center de Madrid o el Palacio de los Deportes de Santander, con salas de tamaño medio-grande, como la sala Razzmatazz de Barcelona. Podéis encontrar todas las fechas y recintos en su web, aunque las entradas no se ponen a la venta hasta el días 8, de nuevo.
La cantante británica Jessie Ware prosigue avanzando canciones del que será su tercer álbum largo, que debería ver la luz este mismo año. Tras ‘Midnight’, estupendo tema cuyo clip se rodó en Mallorca, Ware vuelve a usar el mismo emplazamiento para el vídeo oficial de ‘Selfish Love’, su nuevo single. De nuevo en la isla alemana española y de nuevo dirigido por Tom Beard con vocación cinematográfica, Ware interpreta a una rica hacendada cuya relación de pareja se tambalea por la presumible infidelidad de él. Contiene plot-twist final.
En cuanto a la canción y como ya ocurriera con el soul suave de su anterior single, vuelve a presumir de una elegancia poco frecuente en el pop desde tiempos de Sade. Si bien en este caso, nos sorprende además por un insólito uso –al menos en el pop anglosajón contemporáneo– de un clásico ritmo cubano, el chachachá.
Aún sin título ni fecha de edición conocidos, este próximo tercer disco de Jessie Ware dará continuidad a los exitosos ‘Devotion’ y ‘Tough Love’, que han elevado a la artista británica como una de las voces más importantes del nuevo soul y R&B. Además, este es el primer disco de Ware después de ser madre por primera vez el pasado año.
A espera de que salgan, si es que existen, las remezclas oficiales de ‘Look What You Made Me Do’, el nuevo single de Taylor Swift, a un chico llamado Andy Wu se le ha ocurrido, como informa Rolling Stone, hacer un mash-up con ella y ‘Toxic’ de Britney Spears y ha quedado sorprendentemente bien. Es básicamente la base de ‘Toxic’ integrada en la canción de Taylor, pero además la persona también se ha currado un “video mash-up”.
Desde que se estrenara ‘Look What You Made Me Do’, la canción ha recibido varias comparaciones con el trabajo de Britney Spears, en primer lugar por su frase “another day, another drama”, igual a la que recita Britney en su éxito de 2007 ‘Piece of Me’, y también por su sonido ultra electro con cuerdas sintetizadas en el estilo de ‘My Pregorative’, que también hablaba de los medios. Swift de hecho es fan de Britney (ha versionado ‘Lucky’) aunque no se sabe si el sentimiento es recíproco, puesto que Spears ni siquiera recuerda haberla conocido.
El vídeo de ‘Look What You Made Me Do’ se ha convertido recientemente en el más visto en sus primeras 24 horas de la historia de Youtube y su ascenso en visitas sigue siendo vertiginoso: el vídeo está a punto de caramelo de lograr las 100 millones de reproducciones y por tanto de ser “VEVO certified” cuando todavía no ha pasado una semana de su estreno el pasado domingo, en los MTV Video Music Awards.
La semana que viene, concretamente el 8 de septiembre, se publica el nuevo disco de Mount Kimbie, ‘Love What Survives’, que el dúo inglés ha adelantado con varios singles como son ‘Blue Train Line’ con King Krule, ‘We Go Home Together’ con James Blake (el que era el primer single en cuatro años del grupo) y ‘Marilyn’ con Micachu.
Dominic Maker y Kai Campos estrenan hoy single pero sin colaboraciones: ‘Delta’ es totalmente instrumental y destaca por su motor post-punk y por su cuerpo electrónico, compuesto por paisajes cósmicos y por el cosquilleo de unas minúsculas percusiones de madera (sintetizadas).
El vídeo de ‘Delta’ es nuevamente obra de Frank Lebon y relata el robo a un banco a través de una estética retro cercana a la fotografía analógica. Lebon cuenta: “[en el vídeo] seguimos a Milson Pulse durante el 21 de mayo, el día en que decide planear y ejecutar un robo con su novia al frente. Es también el día en que Milson desaparece. En un viaje a través de su frágil mente, Milson experimenta espasmos camaleónicos durante el estrés al que se ha sometido. Me gusta creer que Milson Pulse llegó a la conclusión de que cambiar puede ser tan bueno como descansar”.
Walter Becker, bajista y guitarrista de Steely Dan, y uno de sus dos miembros principales, ha muerto este domingo a los 67 años, se ha anunciado desde la página web del músico. Recientemente, Becker había tenido que cancelar un concierto en el festival Classic East y West de Nueva York por recomendación de su médico, cuando se recuperaba de una “enfermedad no determinada”. 
La prensa generalista 
‘¡Digo! Ni puta ni santa’ es, de algún modo, no un libro al uso, sino una extensa revista centrada en Cristina, la Veneno. Sigue una estructura periodística, con intervenciones en negrita, de cierto tono sensacionalista, e incluso melodramático, probablemente involuntario. Este tipo de decisión —unida al color de las imágenes— habría sido todo un acierto si el tono del texto se hubiese mantenido un poco trash y amarillista, buscando ofrecer un producto abiertamente trash sobre un personaje abiertamente trash para un público abiertamente trash. Pero a lo largo del libro se persigue, de alguna forma, hacerle justicia a la persona tras el personaje. En ese interés, Valeria Vegas persigue una seriedad que no siempre funciona, ya que la seriedad choca con el tono de revista que sale a flote. También ocurre que, al tratar de dar con un texto serio y riguroso, el lector puede esperar un desarrollo más extenso y profundo de momentos delicados en la vida de Cristina, la Veneno.
Por otro lado, el otro icono trash que ha visto su vida plasmada en el papel ha sido Carmen de Mairena. Este libro, por su enfoque, por su tono, ha tenido también una recepción clamorosa. Seguro que habéis estado al tanto de todo el ruido. Pero esta recepción no ha sido siempre positiva. La idea del libro no es fácil. 
Al tiempo que ‘Look What You Made Me Do’ 
La tertuliana y actriz Bibiana Fernández llevaba desde enero de 2016 intentando vender su chalé en Boadilla del Monte para saldar su deuda con Hacienda, un chalé que Fernández ha hipotecado hasta cinco veces. Tanto buscar y rebuscar un comprador puede decirse que no le ha servido a Fernández de mucho, pues al final se han quedado con la casa dos de sus mejores amigos, Alaska y Mario Vaquerizo, que han comprado el inmueble por un valor de 500.000 euros.
Este 23 de septiembre, la cantante y rapera Azealia Banks 
Tras vender varios millones de discos en Reino Unido, The Saturdays se están tomando un descanso, por lo que sus integrantes buscan ahora desarrollar sus carreras en solitario. Es lo que está haciendo Mollie King, que recientemente estrenaba la balada ‘Back to You’ y esta semana ha vuelto con un single con el que ha puesto toda la carne en el asador, el rompepistas ‘Hair Down’, producido por Xenomania.
Aunque parezca mentira, Taylor Swift no tenía un solo single número uno en Reino Unido… 
Joplin, Cobain, Winehouse, Morrison, Hendrix – todos murieron con 27 años, que es la edad que tiene en estos momentos 
Polock han emprendido este año una nueva aventura musical de mano de Sony, sello con el que han publicado su último disco, ‘
Classixx 
El verano discográfico, como el nuestro, ya es cosa del pasado. Así que hoy volvemos a estar a tope de novedades. ¡Bien! Para empezar, sin duda la noticia del día es ‘American Dream’, el álbum de regreso de LCD Soundsystem tras una larga ausencia (aunque no tan larga como se preveía, ya sabéis). El de James Murphy y su troupe no es el único álbum importante lanzado hoy. Otros que vuelven tras años sin publicar disco con Hercules & Love Affair, y con ellos The Pains of Being Pure At Heart, O.M.D., Jake Bugg, Daughter (la BSO para el videojuego ‘Before The Storm’) y Mogwai, nada menos. Junto con ellos, interesantes debuts como los de 
Surfin’ Bichos 
Tras cinco años de gira por todo el mundo y sin revelar su identidad públicamente, actuando con una máscara, este año el productor de trap UZ se ha desenmascarado por fin a su audiencia, descubriendo que es el 
‘Siembra’ es una canción importante en el repertorio de Bomba Estéreo, por lo menos en la nueva etapa en su carrera que se ha abierto con la publicación de su nuevo disco, ‘
Aunque no todos conecten con ellos, es indudable que los burgaleses La Maravillosa Orquesta del Alcohol se han convertido en uno de los 
Marem Ladson actuará 
El dúo británico Hurts ha confirmado que el single que presentó meses atrás, ‘
El grupo madrileño Tigres Leones ya dio un considerable salto de calidad y alcance comercial con ‘
En las últimas horas el dúo 
Enrique 
La semana que viene, concretamente el 8 de septiembre,