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Julia Holter anuncia conciertos en España y versiona a Depeche Mode por una buena causa

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julia holterJulia Holter anuncia que ofrecerá tres conciertos en noviembre en nuestro país. La gira «Julia Holter (solo on Grand Piano) with special guest Tashi Wada» pasará por Madrid (27 de noviembre en el Teatro Barceló, entradas ya a la venta), San Sebastián (28 de noviembre en el Teatro Victoria Eugenia, entradas a la venta en septiembre) y Barcelona (29 de noviembre en Sala Barts, Festival de Jazz). El telonero Tashi Wada es un músico estadounidense experimental. La nota de prensa de la promotora dice de él que «sus composiciones suelen utilizar estructuras de apariencia sencilla, pero que esconden sistemas de afinación que han sido sutilmente calibrados para generar inesperados efectos de percepción».

En cuanto a la cabeza de cartel, Julia Holter es autora de discos tan notables como ‘Tragedy’, ‘Loud City Song‘ o ‘Have You In My Wilderness‘, aunque hay que recordar que el último trabajo de Holter hasta la fecha es el directo ‘In The Same Room’, que salió en marzo de este año. Fue grabado con su banda de gira en los londinenses RAK Studios y recrea once temas ya publicados en álbumes previos (salvo ‘Ekstasis’, que no está representado). Os dejamos con este directo, que culminaba con su obra cumbre, ‘Sea Calls Me Home’.

Por otro lado, Julia Holter se ha unido recientemente a Ramona Gonzalez (Nite Jewel), Nedelle Torri y Cole MGN para una versión de ‘Condemnation’ de Depeche Mode sobrecogedora. Es un homenaje a Travis Peterson, director de vídeos de los artistas implicados y de otra gente como Ariel Pink, y que murió a los 40 años en enero a consecuencia de un aparente suicidio. Depeche Mode eran una de sus bandas favoritas, como informa Rockdelux. Los beneficios del single se destinarán a la clínica de salud mental Didi Hirsch de Los Angeles.

Kanye West exige 10 millones de dólares al seguro de su gira cancelada

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kanyeHace 8 meses que se canceló la gira de Kanye West ‘Saint Pablo Tour’ debido a la hospitalización del artista en un delicado estado de salud mental. Se dijo que sufría una «psicosis temporal fruto del agotamiento, el insomnio y la deshidratación». Sucedió después de que arremetiera en vivo contra Beyoncé, su esposo y Hillary Clinton, entre otros. Kanye tenía contratado un seguro, como es habitual en este tipo de giras de grandes artistas, pero no ha cobrado nada a día de hoy, por lo que reclama 10 millones de dólares por incumplimiento de contrato, entre otras cosas. La compañía nunca le ha explicado si le piensa o no le piensa pagar.

Kanye incluye documentos médicos que certifican que, efectivamente, no estaba en condiciones de girar y que incluso a día de hoy continúa en tratamiento con el médico de cabecera que le atendió el mismo mes de noviembre. Sin embargo, algunos de los empleados de la aseguradora habrían sostenido de manera oficiosa que la compañía puede alegar la no cobertura de la petición de Kanye porque su condición médica se produjo por efecto de las drogas, en concreto por el consumo desorbitado de marihuana. Kanye además reclama que la aseguradora haya compartido “información privilegiada, personal y privada”.

La actividad musical de Kanye West durante este 2017 se reduce a unas pequeñas colaboraciones con gente como Drake, Mary J Blige o Tyga que, publicadas a principios de año, se suponen grabadas más bien a finales de 2016, cuando aún estaba en activo. ‘The Life of Pablo‘ continúa en el top 100 de Estados Unidos gracias al streaming.

Glass Animals celebran su nominación al Mercury… en una centrifugadora humana

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glassanimals-agnesGlass Animals están de enhorabuena, pues han conseguido estar entre los afortunados nominados al prestigioso Mercury Prize con su nuevo disco, ‘How To Be A Human Being’. Y celebran el anuncio hecho público a finales de la semana pasada con un nuevo vídeo para la que es la canción más personal del cantante Dave Bayley, ‘Agnes’.

Dave explica en la nota de prensa: «Las canciones que escribo son autobiográficas en distinto grado. La mayoría se inspiran ligeramente en mi propia vida pero en su mayor parte, estas cosas están enterradas y diluidas dentro de una ficción o mezcladas con la vida de otras personas de las que he oído hablar en un taxi o en una fiesta o en la calle. Pero hay una canción que se diferencia del resto. Es la historia más veraz, honesta y personal que he escrito. Y esa canción es ‘Agnes'».

La letra de la canción habla aparentemente del suicidio -o al menos de la muerte- de un ser querido, con frases como “ves todo de color negro”, “para que renazcas, quiero abrazarte como si me pertenecieras” o “te has ido, pero sigues en mi cabeza / te he perdido pero no sé por qué”. También podría hablar simplemente de alguien que ha echado su vida a perder a causa de las drogas y el alcohol.
 
Eoin Glaister ha dirigido el curioso vídeo en una “centrifugadora humana”, una máquina utilizada para el entrenamiento de pilotos. Según esta misma nota de prensa, “la masa corporal del sujeto aumenta a medida que se somete a cantidades crecientes de fuerza gravitatoria, y a medida que progresa la canción, a Dave le va resultando más difícil cantarla”. Sin duda, una metáfora del dolor que para él representa esta canción que siempre supo que cerraría su último álbum.

Garbage, entre ‘Caperucita’ y ‘El exorcista’ en el vídeo político de ‘No Horses’

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Garbage han estrenado recientemente una canción suelta llamada ‘No Horses’, sobre todo para celebrar (y recordar) el tour con Blondie en el que se han embarcado este verano y que recorre Norteamérica también durante el mes de agosto tras haber arrancado el 5 de julio. Garbage están tocando unas 15 canciones por noche arrancando con ‘No Horses’ y Blondie, unas 14, en presentación de su muy buen disco de este año, ‘Pollinator‘.

Hoy Garbage estrenan un vídeo para su nueva canción en el que además de caballos, revueltas callejeras y montones de basura, asistimos a un sinfín de referencias cinematográficas y religiosas, como en tantas ocasiones estos fans de Luis Buñuel y Russ Meyer han demostrado. En este caso, ‘Caperucita’ y ‘El Exorcista’ parecen algunas de esas referencias bajo el prisma del director Scott Stuckey.

Scott dice en un comunicado: “He observado que cuando los gobiernos descuidan a los ciudadanos en su propio beneficio, la música se vuelve una patada en el culo. Como el ‘Mississippi Goddam’ de Nina Simone o ‘Straight to Hell’ de The Clash. ‘No Horses’ me hizo darme cuenta de que no estoy loco, estos son realmente tiempos jodidos. La letra tiene mucha fuerza así que el desafío fue añadir algo visual que no arruinara la interpretación de cada uno”. Los beneficios del tema serán donados a Cruz Roja a finales de 2018.

 

Declan McKenna / What Do You Think About the Car?

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declan-mckennaNo, Lorde sola no puede ni debe ser la voz de una generación y Declan McKenna es claramente otro de los nuevos nombres clave en el mundo musical durante los últimos tiempos. El artista publica su debut a los 18 años con parte de su material escrito a los 15 y una intención de trascender, dejar un mensaje y analizar el planeta en el que vivimos que no se encontraba, por ejemplo, en el (muy buen) disco de debut que Patrick Wolf publicaba más o menos a la misma edad. De manera muy llamativa, mientras ‘Melodrama’ de Lorde partía de una ruptura para reflexionar sobre otras cosas, las canciones de McKenna rara vez hablan de amor, e incluso cuando lo hacen, su intención es mucho más grande que eso. Tienen «mensaje».

El gran éxito del artista británico es ‘Brazil’, un tema de melodía absolutamente embriagadora desde la primera escucha y desarrollo muy particular pese a ese inicio ultra Pixies que, a pesar de su estribillo sobre el encanto de jugar al fútbol en Brasil, esconde una crítica a la corrupción en la FIFA. El artista está especialmente involucrado en la lucha feminista (‘Make Me Your Queen’), contra el racismo (‘Isombard’), a favor de la causa LGTB+ (‘Paracetamol’ está inspirada en una chica transgénero que se quitó la vida a los 17 años, Leelah Alcorn) y habla también sobre la religión que genera odio cuando debería generar amor (‘Bethlehem’). Es por tanto normal que, como a Lorde, le agobie que los jóvenes sean vistos como seres superficiales que no se preocupan por nada. Hay una frase en el tema que abre este álbum de debut, ‘Humongous’, que dice algo así como «siempre estás mirando el móvil y preocupándote por tu pelo», pero como aclara en las entrevistas, McKenna no está criticando a los jóvenes de su edad, sino ironizando. El artista es un firme defensor de que el voto electoral se abra a los 17 o incluso a los 16 años, debido a la frustración que le ha generado no haber podido votar en el referéndum del Brexit, cuando el resultado probablemente le afecte de por vida.

Las ambiciones de McKenna le llevan a menudo a explicar las canciones más allá de lo que nos dice la música. ‘Make Me Your Queen’ parece simplemente una canción de amor («sé que no significo nada para ti (…) intento hablar pero no sé qué decir»), pero si ya el título nos da una pista de que hay algo más, Declan explica en las entrevistas que también plantea el debate sobre por qué una «reina» tenga que estar por debajo de un «rey» según las normas del patriarcado o la heteronormatividad. Para él ser «una reina» es lo máximo. Y en ocasiones, el artista también se sirve de las herramientas del siglo XXI para explicar los recovecos de una canción. Así, es habitual verle comentar en Genius sus propios textos, donde ha clarificado, por poner un ejemplo, casi la letra al completo de ‘The Kids Don’t Wanna Come Home’, para terminar de gritar lo que las rimas no le dejan: que el poso de la canción es totalmente social, «que los líderes políticos nos dan razones para que les odiemos» y que «la nueva generación de jóvenes no quiere seguir el camino de la destrucción del pasado a nivel global». Todo ello por si no estaba suficientemente claro a quién se dirigía ese «Haven’t you any shame? / Have you got no morals?».

Nadie espera que Declan McKenna arregle el mundo con estas canciones, pero sus intenciones sí logran la empatía fácil a través de la calidad de unas buenas melodías bien producidas por el popular James Ford, con dos temas producidos por otras personas, a destacar Rostam Batmanglij, que ha llevado la final ‘Listen to Your Friends’ tanto a los terrenos de Vampire Weekend que casi parece un bonus track. Aunque la clara ganadora es ‘Brazil’, quizá por demasiada diferencia, sobre todo sobre ‘I Am Everyone Else’, nadie puede pasar por alto la fuerza de los estribillos de ‘The Kids Don’t Wanna Come Home’, ‘Make Me Your Queen’ o ‘Why Do You Feel So Down’; o el bien que hacen los arreglos a ‘Isombard’. Declan McKenna es un cantautor pop de la escuela clásica y exquisita de Sondre Lerche y Bright Eyes (si versiona a alguien, es a Ray Davies) y ojo porque no tanta gente novel está cogiendo ese apetecible testigo tan ajeno a las modas.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Brazil’, ‘Make Me Your Queen’, ‘The Kids Don’t Wanna Come Home’, ‘Why Do You Feel So Down’
Te gustará si te gustan: Sondre Lerche, Bright Eyes, Ryan Adams, Perfume Genius
Escúchalo: Spotify

Lana del Rey es número 1 en España

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lana-del-rey-lust-for-life-coverSeguimos sin saber si Lana del Rey es finalmente número 1 en Estados Unidos, debido a un “error técnico” que tiene pinta de ser un desorbitado dato de streaming de Meek Mill y/o Tyler the Creator en Tidal. Por una vez, la lista española de ventas llega antes que la estadounidense y esta revela que ‘Lust for Life’ sí es número 1 en nuestro país… y que Meek Mill y Tyler the Creator no han vendido las ¿50? ¿100? copias necesarias para llegar al top 100.

1(E) Lana del Rey / Lust for Life

Lust for Life‘ no es el primer número 1 de Lana en España, sino el segundo tras ‘Ultraviolence’. Su último largo hasta la fecha, ‘Honeymoon’, se quedó en el puesto 4 mientras ‘Born to Die’ se quedó en el puesto 7, eso sí resultando un sleeper certificado como platino. A falta de ver qué pasa con Estados Unidos, ‘Lust for Life’ es también número 1 en Reino Unido, Suecia, Noruega y Australia. En Francia es número 3 y en Alemania número 8. Actualización: el disco ha sido finalmente nº1 en Estados Unidos.

3(E) Romeo Santos / Golden

El artista de bachata Romeo Santos llega al puesto 3 con su nuevo disco, un puesto por encima de ‘Formula Volume 2’, que no obstante aguantó 101 semanas en el top 100, el máximo permitido.

6(86) Linkin Park / One More Light

Tras el triste suicidio de su líder, Chester Bennington, el interés por el último disco de Linkin Park se ha revitalizado y el álbum sube del puesto 86 al 6, representando la subida más fuerte de la semana y también el puesto más alto que logra este último álbum en nuestro país. A su lanzamiento fue número 7.

37(52) Rosalía / Los Ángeles
92(VE) Rocío Márquez / Firmamento

Quizá debido a su gira (hace poco hubo otro sold-out en Madrid en Veranos de la Villa), quizá debido a una oferta de vinilos a menos de 18 euros en unos grandes almacenes, el disco de Rosalía, que llegó a ser puesto 18, vuelve a remontar.

El disco de Rocío Márquez, que no en vano se vende al lado en las estanterías de los grandes almacenes, vuelve a la lista en la que supone su 8ª semana.

46(E) BSO Dunkirk

La banda sonora de ‘Dunkirk’, por aquí conocida como ‘Dunkerque’, se cuela entre los 50 más vendidos. La música es del archiconocido Hans Zimmer, responsable de la música de ‘El rey León’, ‘Gladiator’, etcétera.

84(E) Foster the People / Sacred Hearts Club

El nuevo disco de Foster the People, el notable ‘Sacred Hearts Club’, logra colarse en el puesto 84 en nuestro país. El anterior, ‘Supermodel’, lograba llegar hasta el puesto 70. El grupo todavía tiene que estrenar un videoclip para alguna de las canciones de este álbum, que ni se asoma por el top 100 británico.

Arcade Fire serán, muy holgadamente, top 1 en Reino Unido y Estados Unidos

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arcadeMientras Lana del Rey, Meek Mill y Tyler the Creator siguen luchando angustiosamente a día de hoy, miércoles, en el recuento del nuevo Billboard 200 (que suele publicarse los martes y dar sus titulares los lunes), la lista de la semana que viene parece cristalina. Según lo que se ha vendido entre viernes y lunes, Hits Daily Double prevé que ‘Everything Now’ de Arcade Fire será número 1 la próxima semana en Estados Unidos, muy por encima del puesto 2. En concreto se venderán esta semana, según las previsiones, entre 85.000 y 90.000 copias del álbum, hasta acumular entre 90.000 y 95.000 unidades contando streaming. Esto es casi el doble de los puntos obtenidos por ‘DAMN.’ de Kendrick Lamar, que quedaría en el puesto 2 con lo equivalente a unas 45.000 copias, casi todas procedentes del streaming (solo venderá 10.000 reales esta semana).

El mismo escenario se repite en Reino Unido, pero cambiando el longevo éxito de lo último de Kendrick Lamar por el longevo éxito de lo último de Ed Sheeran. Arcade Fire vendieron 26.500 unidades durante el fin de semana y otras 2.000 el lunes, por lo que es de suponer que terminen en torno a los 35.000 puntos a finales de semana, triplicando o casi a lo sumado en estos siete días por «Divide» (nº2). El grupo repetirá así, con toda seguridad, los números 1 conseguidos en estos dos países (y también en su lugar de origen, Canadá) con ‘The Suburbs’ y ‘Reflektor’, todo ello después de que ‘Funeral’ se convirtiera en «sleeper» allá por 2004.

Aciertos, fallos y ausencias en el setlist del ‘Joanne Tour’ de Lady Gaga

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joanne-worldtourLady Gaga ha terminado hace unas horas el primer concierto oficial de la gira de ‘Joanne’, celebrado en Canadá. Nuestra redacción cubrirá el show a su paso por Barcelona el próximo mes de septiembre (aún quedan entradas para el concierto del día 21), y entonces será el momento de analizar, tras asistir en vivo, cómo funciona el concierto a nivel técnico, ritmo, desarrollo, etcétera.

Hasta entonces, no obstante, los más ansiosos ya se entretienen comentando los aciertos y desaciertos del setlist que se acaba de revelar junto a los primeros vídeos subidos a las redes sociales. Ni que decir tiene que esta pequeña aproximación a la gira contiene una tonelada de SPOILERS.

Pese a que Lady Gaga tiene sus más y sus menos con el mundo del pop, y durante la promoción de ‘Joanne’ insistía en su influencia rockera, su show sigue apostando por la estructura clásica del macroevento pop, esto es, varias secciones ultra ensayadas divididas por interludios que facilitan los cambios de vestuario y escenográficos. Las protagonistas parecen unas plataformas que bajan del techo ofreciendo sets inesperados. En uno de los números, Lady Gaga es asesinada. Sucede, por supuesto, durante ‘Paparazzi’.

En cuanto a las canciones elegidas, aparecen, continuando con la línea abierta en la exitosa Super Bowl, todos los “greatest hits” de la artista. Hay quien echa de menos ‘Judas’, ‘Yoü and I’ o ‘Marry the Night’, pero no puede decirse que fueran sus mayores éxitos. Más polémica es la ausencia de la sobresaliente ‘Do What You Want’, una de sus producciones más sofisticadas, aunque puede deberse al nuevo escándalo sexual en el que está envuelto de nuevo su co-intérprete R. Kelly y que ha podido tener que ver con la cancelación de algunas fechas de la propia gira de este. Por lo demás, es un acierto que no falte ninguno de los grandes-grandes éxitos de Gaga: ‘Just Dance’, ‘Poker Face’, ‘Paparazzi’, ‘Telephone’, ‘Alejandro’, ’The Edge of Glory’, ‘Born this Way’, ‘Applause’ o ‘Bad Romance’, que ya no cierra, aparecen en diferentes momentos del setlist.

En cuanto a “fan favourites”, es notable la ausencia de la divertidísima ‘Venus’, una de las composiciones más descacharrantes oídas en el último lustro en el mundo del pop; lo de ‘Scheiße’ puede tener su gracia, pero menos lo de ’Bloody Mary’. Sobre todo porque ‘ARTPOP’ queda infrarrepresentado: ni ‘G.U.Y.’, ni ‘Gypsy’ ni mucho menos ‘Dope’ suenan, lo que sumado a la mencionada ausencia de ’Do What You Want’ deja la representación de este disco reducida a ‘Applause’. ¿De verdad era ‘ARTPOP’ cuatro veces peor que ‘Born this Way’?

Aunque sin duda las decisiones más polémicas corresponden a su última etapa. Pese a que solo 3 canciones de ‘Joanne’ sobreviven entre las 10 más escuchadas de la artista en Spotify, hasta 9 (de un total de 11) del disco aparecen en su repertorio. Es normal si recordamos que esto es el “Joanne Tour”, aunque es muy extraño que haya quedado fuera del set justo el mejor «no single», ‘Hey Girl’ (¿quizá por ser un dúo con Florence and the Machine? ¿no se podía resolver de ninguna forma?). Por el contrario, sí suenan canciones tan huecas como ‘A-YO’, aquel ‘Dancin’ In Circles’ que, sonando a cara B de Gwen Stefani, destrozaba el concepto folkie del álbum hacia su mitad, o ese ‘John Wayne’ que ni el mejor vídeo de Lady Gaga en años lograba convertir en un top 100.

Por suerte, sí suena y de manera decente (no en plan balada), el sencillo ‘Perfect Illusion’, una de las canciones más importantes de la carrera de Lady Gaga, a la postre una muy buena canción paradójicamente divertida y 100% loca a la altura de sus extravagantes looks, como ‘Judas’ o ‘Aura’ no terminaban de estarlo. Y no es ninguna obviedad que la toque: en Coachella no lo hizo. El show además termina con el single que logró elevar las ventas del álbum muy holgadamente por encima del millón de copias: una ‘Million Reasons’ que suena como bis tras el cierre -cuestionado ya por muchos de nuestros foreros– con el medio tiempo de ‘The Cure’, que quizá quedaría mejor hacia la mitad del set.

Win Butler insinúa que Pitchfork, CoS, Clash Music y Chicago Tribune no saben lo que es «rapear»

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arcadefire2017Win Butler, líder de Arcade Fire, ha concedido una entrevista a Beats 1, recogida por el NME, en la que responde a algunas de las malas críticas de su último disco, ‘Everything Now‘, que ha sido puntuado con 5 estrellas sobre 5 por el citado quincenal británico, pero por ejemplo con un 2 sobre 10 por un medio londinense llamado The 405.

Win Butler ha centrado sus palabras en las críticas hacia su «rap» en el single ‘Signs of Life’. «Cada crítica negativa que he leído del disco menciona que rapeo en una canción, lo cual no es cierto, a menos que la gente no sepa lo que es rapear. A menos que Bob Dylan rapee, yo no rapeo en una canción de Arcade Fire. No es algo que haya sucedido. Pero es el tipo de cosa que se está copiando y pegando de algo que salió hace seis meses, y así es como funcionan las cosas. Es interesante ver cómo al final se convierte en verdad. Algunos pseudo hechos se transforman en saber popular, cuando todo el mundo que sabe lo que es el rap sabe que yo diciendo los días de la semana no es rapear. No es lo que es el rap. Pero si lo repites lo suficiente, se convertirá en verdad».

El discurso de Butler sigue con el juego de realidad vs invención que hemos visto en el mismísimo vídeo de ‘Creature Comfort’, ¿pero tiene razón? ¿A qué medios se refiere? En cuanto a lo primero, no todos los medios que han realizado malas críticas del disco han hablado de su rap. En cuanto a lo segundo, lo cierto es que sí hay unos cuantos que lo han hecho. Clashmusic califica ‘Signs of Life’ de «funk vago» y dice que se parece más a ‘Rudebox’ de Robbie Williams que a ‘Rapture’ de Blondie (el primer rap en ser número 1 del Billboard Hot 100 de la historia). Califica la actuación de Win Butler como «rap chungo». Consequence of Sound coincide en la comparación con ‘Rapture’ de Blondie, y también es para mal, pues considera que «el homenaje se transforma en parodia» y califica ‘Signs of Life’ como «bobamente seria».

Chicago Tribune considera que Win Butler «rapea torpemente», mientras que Pitchfork, en un párrafo en el que menciona varios puntos flacos del álbum a su entender, bromea sobre que Win Butler pueda «rapearte todos los días de la semana».

Os recordamos que nuestra redacción ha incluido el nuevo disco de Arcade Fire en la sección de Discos Recomendados, defendiéndolo con la excepción de un par de canciones (‘Peter Pan’, ‘Good God Damn’). Mi compañero Pablo N. Tocino indicaba que «aunque no esté al (altísimo) nivel de las anteriores, ésta es una huella más dentro de la evolución de una de las bandas más interesantes de la actualidad».

Four Tet sigue en Oriente en la excelente ‘Planet’

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fourtet-planetSeguimos sin tener noticias oficiales sobre el nuevo largo de uno de los grandes gurús de la electrónica internacional, Four Tet, tras su álbum de 2015 ‘Morning/Evening‘. Sin embargo, el artista ha estado ocupado remezclando a The xx, el tema de Mura Musa con A$AP Rocky o compilando material antiguo en ‘Randoms’.

También tenemos nueva música. Si el mes pasado publicaba una canción llamada ‘Two Thousand and Seventeen’, que hemos incluido en nuestra playlist sobre las mejores canciones del momento, ahora ha presentado también en Soundcloud y Spotify otra canción nueva que, a pesar de esa base oscura de techno tristón en contraste con la inclusión de un loop de gemidos femeninos, está conectada con «2017»: su título también apunta alto en grandilocuencia pese a la sutileza de la producción, pues en este caso la pista se llama ‘Planet’ y, además, continuamos escuchando un instrumento de cuerda que nos lleva a Oriente, lo cual era el leitmotiv de ‘Two Thousand and Seventeen’.

No tenemos evidencia de momento siquiera de que haya un álbum de Four Tet preparado para salir al mercado en algún momento de este año (aunque hay que recordar que ‘Beautiful Rewind‘ llegó a las tiendas físicas sin previo aviso), pero sí se empieza a vislumbrar por dónde podrían ir los tiros estilísticamente hablando. Quizá la India, quizá un desarrollo de su interés por la música de este país ya visto en ‘Morning/Evening’, quizá una reflexión sobre la deriva del mundo de nuestros días.


4 razones para balancearte en la telaraña de ‘Spider-Man: Homecoming’ y una para picotearla como Vulture

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spidermanhomecoming‘The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro’ consiguió unir como pocas veces a crítica y público: la peor película de la saga fue también la menos taquillera. Hasta la también horrorosa ‘Spider-Man 3’ recaudó más. Las consecuencias no se hicieron esperar. Sony canceló la tercera parte y firmó un acuerdo con Marvel para incluir al hombre-araña en su “universo cinematográfico”. Para esta nueva etapa, han vuelto a los orígenes, “a casa”: un Peter Parker más joven, como el de los cómics, y un director, Jon Watts, curtido en la serie B (‘Clown’, ‘Coche policial’), más parecido a Sam Raimi que al indie Marc Webb. Te damos cuatro razones para dejarte atrapar en la telaraña de ‘Spider-Man: Homecoming’ y una para odiar a Marvel:

1. La mezcla de blockbuster superheroico y comedia de instituto funciona muy bien. Peter Parker quiere atrapar a los malos, pero también llevar al baile de fin de curso a una compañera. Quiere hacer méritos para entrar en el dream team de Los Vengadores, pero también grabar sus hazañas en vídeo. Quiere vigilar la ciudad, pero también quedarse en casa construyendo la estrella de la muerte con figuras de Lego. Este contraste entre dos mundos, el adulto y el juvenil, las callejuelas y el instituto, el superhéroe profesional y el becario entusiasta, dotan a la película de una vitalidad y un encanto irresistibles.

2. El sentido arácnido… y el del humor. La pareja de guionistas Jonathan Goldstein y John Francis Daley proviene de la comedia: ‘Como acabar con tu jefe’, ‘El increíble Burt Wonderstone’, ‘Vacaciones’… Y se nota. ‘Spider-Man: Homecoming’ funciona mucho mejor como relato humorístico que como película de acción. Las torpezas que comete el novato superhéroe, los gags a costa del universo Marvel, la complicidad entre ese dúo cómico que forman Parker y su amigo Ned, y la broma post-créditos son mucho más atractivas y tienen más fuerza que todas las secuencias de acción juntas.

3. El Buitre. Hasta la elección de Michael Keaton como el supervillano es graciosa. Pero más allá de la broma con ‘Batman’ y ‘Birdman’, Vulture es un personaje que vuela alto. Tiene la suficiente personalidad y peso dramático como para no ser considerado una simple diana donde el héroe clave al final sus dardos. Además, a través de un afortunado giro de guión, es capaz de rasgar la tela de araña que mantenía en equilibrio a los dos mundos: la comedia juvenil y la película de superhéroes.

4. El prólogo y los créditos finales. Comenzar la película presentando a Vulture antes de convertirse en Vulture es un acierto. Proporciona densidad psicológica al personaje y establece un sugerente paralelismo entre el novato supervillano y el posterior novato superhéroe. Pero terminarla con el ‘Blitzkrieg Bop’ de los Ramones acompañando unos fantásticos títulos de crédito (con secuencia intermedia incluida) es para levantarte a bailar encima de la butaca.

5. El clímax final es el mismo de siempre. A pesar de que Jon Watts es también casi un becario en esta superproducción, se las ha apañado muy bien para dotar de personalidad a su película. Por lo menos un rato. Luego es como si hubiera llegado el Tony Stark de los estudios y le hubiera pedido que se echara a un lado, que él dirigía el final. El resultado es el mismo duelo aparatoso, alargado y rutinario de todas las películas de Marvel. Tampoco es que las anteriores secuencias de acción fueran muy originales (otro edificio emblemático, otro ascensor a punto de caer al vacío…), pero el final es un simple corta-pega. Menos mal que luego suena ‘Blitzkrieg Bop’. 7,5.

Kelela anuncia su disco ‘Take Me Apart’ y comparte himno para «las mujeres», ‘LMK’

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kelela-albumKelela, conocida por la mixtape ‘Cut 4 Me‘ y después el EP ‘Hallucinogen‘, que llegó a presentar en vivo en nuestro país, acaba de anunciar tras 4 años de hype lo que se va a considerar oficialmente su álbum de debut. ‘Take Me Apart’ se publicará el 6 de octubre a través de Warp Records, y ya se conoce su tracklist y su primer single, ‘LMK’. Según la nota de prensa, la canción es «un grito de guerra para las mujeres independientes, en el que Kelela le da la vuelta a la idea heteronormativa de que las mujeres quieren asentarse (NdE: entendemos que en una relación amorosa). Kelela destruye esta noción y convierte este tema bailable en un arma para el empoderamiento, decantándose por un rollo de una noche mientras declara que «no es para tanto»».

La nota de Music As Usual, su distribuidora en España, dice sobre el disco: «Ampliando las ideas exploradas en Hallucinogen, aquí Kelela asemeja las relaciones personales y sus efectos a una muñeca Matryoshka, abriendo una por una cada capa para encontrarse a sí misma en el centro. Take Me Apart no sólo es una crónica intensamente personal, sino también una declaración de intenciones desafiante y turbulenta: «A pesar de ser un disco personal, mi sonido y mi manera de articular mi vulnerabilidad y fuerza están impregnados por mi identidad política. Soy una mujer negra, de segunda generación etíope-americana, que creció en los suburbios y que escucha R&B, jazz y a Björk. Todo esto está presente de una manera u otra»».

Tracklist:
1. Frontline
2. Waitin
3. Take Me Apart
4. Enough
5. Jupiter
6. Better
7. LMK
8. Truth Or Dare
9. S.O.S.
10. Blue Light
11. Onanon
12. Turn To Dust
13. Bluff
14. Altadena

Peligra el anunciado número 1 de Lana del Rey en el Billboard 200 por otro «error técnico»

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lana-del-rey-lust-for-life-coverAyer, fuentes fiables de la industria anunciaron que ‘Lust for Life‘, el nuevo disco de Lana del Rey, sería el nuevo número 1 del Billboard 200, la lista de álbumes de Estados Unidos, tras la consecución de lo equivalente a 103.085 unidades. Procedían de la venta de 80.442 álbumes, 23.976 descargas de pistas sueltas y 30,370,121 streamings. Sin embargo, Billboard informa de que debido a «problemas técnicos» de un proveedor, el anuncio oficial se va a retrasar. La carrera por el nuevo número 1 sigue abierta.

Cunde el pánico en el entorno de Lana del Rey, quien ya viera cómo un error técnico producía hace unos años que se anunciara que ‘High By the Beach’ era su primer top 10 en Estados Unidos, aparte del remix de ‘Summertime Sadness’. En concreto se llegó a publicar que la canción era top 7, cuando en realidad terminaba siendo top 51. Y ahora se teme que el siempre misterioso streaming de Tidal beneficie a Meek Mill o a Tyler the Creator, que eran su competencia en el número 1 de la semana. El anuncio ha indignado a los usuarios de UK Mix, que están indicando cosas como «Billboard está corrupto como la mierda», «sabía que Billboard mentiría y que Tidal compraría el número 1» o «¿esto es el nuevo ‘High by the Beach’?».

Aunque el streaming de Tidal y/o Spotify dé la vuelta a esta tortilla, los fans de Lana no pueden quejarse muy alto: ‘Lust for Life’ no ha sido el disco más vendido de la semana pasada en Reino Unido, pero aun así ocupa el número 1 de la lista de álbumes gracias a los 6.000 puntos extra que obtenía procedentes del streaming.

Por su parte Tyler the Creator ha reconocido sus nervios indicando que él, se baja del carro. Para él, a diferencia de para Lana, ‘Flower Boy’ sería el primer número 1 en el Billboard 200.

Las hijas perdidas de Liam Gallagher, el Julio Iglesias de Manchester

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liam-gallagherEn promoción de su nuevo álbum, que sale el próximo mes de octubre, Liam Gallagher ha concedido una entrevista a GQ en la que habla de su hija Molly de 19 años, a la que no conoce. Es algo que no suele hacer y que en realidad, en lugar de sumar puntos a su favor, saca a la luz toda una historia de hijos perdidos e infidelidades sin usar protección que tiene poco que envidiar a Julio Iglesias.

Liam tuvo esta hija, Molly, con la cantante de Kill City Lisa Moorish, pero nunca la ha visto. Recientemente ha sido criticado por la propia Lisa, en concreto cuando Liam criticó a Noel Gallagher por no actuar en One Love Manchester, el concierto benéfico celebrado en la ciudad tras el atentado ocurrido a la salida de un concierto de Ariana Grande, debido a un asunto familiar. «Quizá (Noel) está ocupado cuidado a sus hijos y a la hija que nunca has conocido», escribió en Twitter antes de borrarlo. Existe una foto del «tío Noel» y Molly juntos, de hecho.

Liam ha declarado en la entrevista que ha contribuido a la educación y manutención de su hija, pero que no se entiende con su madre. «Sí, estaría abierto a conocerla, pero de momento no va a pasar. No tengo ningún problema. La chica ha tenido atención, ropa, comida y ha ido a buenos colegios. Le compré una casa y todos los arreos. Simplemente creo que está mejor con su madre. Estas cosas no salen bien cuando se fuerzan. Creo que lo dejaremos estar y veremos qué pasa. Si pasa, pasa. Lo seguro es que no le daría la espalda. Ya veremos». Después añade: «No la he conocido porque su madre… verás, no funcionamos. No hay modo de que nos llevemos bien».

Liam Gallagher se casó con la actriz Patsy Kensit en 1997, una semana antes de que Molly fuera concebida, según acredita The Guardian. Fue el fruto de un affair entre Liam y Lisa sucedido en junio de 1997 en Los Ángeles, y para más inri Lisa había sido quien presentara a Liam y Patsy.

A pesar de la infidelidad, Liam y Patsy tuvieron un hijo después, que no es el destinatario del tema ‘Little James’, el primero que él escribió para Oasis, pues ese era su hijastro, hijo de Jim (James) Kerr de Simple Minds y Kensit. Liam tuvo otro hijo con su segunda esposa Nicole Appleton de All Saints, de la que se divorció debido a otra infidelidad, esta vez con una periodista del New York Times que le estaba haciendo un reportaje, Liza Ghorbani, y a la que también dejó embarazada. En 2015 fue noticia el juicio en el que peleaban por la manutención de esa otra hija de Gallagher, la cuarta.

Os recordamos que Liam Gallagher actúa el próximo mes de septiembre en Dcode.

Sia firma un nuevo contrato discográfico y anuncia disco de villancicos originales

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siaSia ha firmado un nuevo contrato discográfico con Atlantic, según informa la compañía. La cantante estaba hasta ahora en RCA. Su primer trabajo en esta nueva etapa será «una colección de villancicos originales» escritos junto a su colaborador habitual Greg Kurstin, que también es habitual de los créditos de Lily Allen o Adele. Curiosamente, el proyecto navideño se anuncia justo el día que ha llegado el mes de agosto. Eso sí, no será la primera vez que oímos el primer single de un disco de este tipo justo con la llegada del otoño, a finales del mismo mes de septiembre.

El CEO de Atlantic Craig Kallman ha compartido un comunicado en el que llama a Sia «una artista de las que solo se ven una vez por generación», elogiando su trabajo como cantante y autora y también su «visión revolucionaria de la actuación» y la «innovación de sus vídeos». También elogia la creación de su «propio universo».

Pese a la decepción del primer single de su último disco, ‘Alive’, Sia remontó la promoción de ‘This Is Acting‘ convirtiendo ‘Cheap Thrills’ con y sin Sean Paul en una de las canciones del verano pasado, superando muy holgadamente el número de reproducciones en Spotify de la mismísima ‘Chandelier’. De hecho, pese a haber sido editado en enero de 2016, ‘This Is Acting’ es de momento uno de los 40 álbumes más vendidos en todo el mundo este 2017, acercándose ya a los 2 millones de copias vendidas.

SZA / Ctrl

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sza-ctrl-album-coverEl notable debut de SZA, ‘Ctrl’, se publicaba el pasado 9 de junio tras varios retrasos. Solana Rowe lleva desde 2012 abriéndose paso en la escena de R&B alternativo (‘Babylon’ o ‘Child’s Play’ son dos de sus primeros éxitos underground) pero el verdadero punto de inflexión para ella ha sido ‘Consideration’, su colaboración con Rihanna en ‘ANTI’, que ha supuesto el impulso perfecto para su carrera de cara a la publicación de este disco que, por cierto, tan bien se está vendiendo en su país (sigue en el top 20 de discos más vendidos de Billboard tras tocar techo en el top 3 en su semana de salida).

‘Ctrl’ no sigue exactamente la estela de los EP anteriores de SZA. Para empezar las canciones ahora están a numerosos peldaños por encima. Y a excepción de algunas tan acertadas como ‘Love Galore’ o ‘Broken Clocks’, donde la distorsión de los sintetizadores produce ambientaciones alucinadas en el estilo de las primeros temas de Rowe, ‘Ctrl’ propone sobre todo una producción sucia, áspera y por momentos maquetera (que no poco cuidada), que por supuesto busca evocar una sensación de autenticidad y crudeza en contraste con las producciones ultrapulidas del R&B comercial, y que además recalca la calidad de las canciones en sí. La producción grimosa de ‘Anything’ es un ejemplo claro, como también son las guitarras eléctricas de ‘Supermodel’, las baterías casi sin tratar de ‘Drew Barrymore‘ o ‘Normal Girl’ (dos de las mejores canciones del disco), el pop lo-fi de la excelente ‘Prom’ o simplemente la producción deliberadamente amateur de algunas de sus pistas más hip-hoperas (‘Garden’). Se desmarca del conjunto, por ejemplo, ‘Doves in the Wind’, la estupenda colaboración de Kendrick Lamar, probablemente porque parece que se haya escapado de ‘DAMN.’

Como sucede con lo nuevo de Jay-Z, la honestidad es el motor de ‘Ctrl’. En este caso la honestidad de SZA (Solana Rowe), se transmite sobre todo a través de unas letras confesionales, directas, en estilo de monólogo interior, sin filtros, como se percibe en el eufórico single ‘Drew Barrymore’, donde Rowe canta sin tapujos sobre su baja autoestima (“siento no ser más atractiva, siento no ser más femenina, siento no depilarme las piernas por la noche”), o en la canción que abre el disco, ‘Supermodel’, cuya letra directamente parece un mensaje de texto de SZA a su ex en el que esta le confiesa que se ha apuntado a una orgía para vengarse de él. A menudo la honestidad de ‘Ctrl’ es tal que podría hacerse una versión del disco en formato audio de WhatsApp y daría el pego.

Esta sinceridad brutal no está exenta de contradicciones (ahora “te necesito”, ahora “no necesito a nadie”) pero ‘Ctrl’ no pretende ser un disco de autoayuda desde el momento en que sus letras no pueden estar más llenas de culpa, baja autoestima y vergüenza propia. Como sugiere su título, el “control” que asume SZA en el álbum a veces funciona y otras, como el botón de un ordenador, no funciona o se queda atascado. Esta es la realidad de SZA, al fin y al cabo una chica de “veintitantos” (así se titula la canción que cierra el disco), y también la realidad de miles de chicas negras estadounidenses que acudirán a este disco en los próximos años, no para hallar respuestas a sus preguntas, sino para reconfortarse en la experiencia de una persona que ha sufrido y hallado la fuerza suficiente para sentarse a contártelo.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Supermodel’, ‘Love Galore’, ‘Drew Barrymore’, ‘Doves in the Wind’, ‘Broken Clocks’, ‘Prom’, ‘Normal Girl’
Te gustará si te gusta: el R&B que no busca sonar en la radio, los discos brutalmente honestos
Escúchalo: Spotify

Ryan Adams se entretiene poniendo a los Strokes a parir en Twitter

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ryan-adamsEl cantante Ryan Adams ha acudido a Twitter esta noche para poner verdes a los Strokes. Primero el artista se ha metido con el peso de Julian Casablancas, a quien acusa de ser adicto a las lasañas (?), y después con el talento de Albert Hammond Jr., de quien asegura es “peor compositor que su padre, si es que eso es posible”. Como es sabido, el padre de Albert Hammond Jr. es el conocido cantautor Albert Hammond, conocido en los 70 por éxitos ‘It Never Rains in Southern California’.

A continuación, Adams expresa que debió “forzar a los Strokes a escribir mejores canciones, una pena que los Killers las hicieran por ellos” y critica el trabajo de Casablancas en su banda The Voidz. “Vendí más camisetas anoche que gente hay capaz de escuchar una sola canción de los Voidz de principio a fin”, ha dicho. Ante la posibilidad de que Casablancas conteste, Adams tuitea: “¿Qué me va a hacer? ¿Se me va a sentar encima?” “Casablancas no es solo el presidente de la falta de responsabilidad”, concluye, “también es su cliente”

Para entender todo este asunto es pertinente recordar que acaba de salir al mercado el libro ‘Meet Me in the Bathroom: Rebirth and Rock and Roll in New York City 2001-2011’, que rememora la escena del rock independiente de Nueva York en los albores de siglo y en el que se recuerda que los Strokes tenían a Adams cruzado porque opinaban que él era la causa de que Hammond Jr. se volviera adicto a la heroína. Parece pues que Adams se ha hecho con el libro y no ha podido resistirse a “contestar” a su manera. Los tuits, por cierto, ya se han borrado.

Los Strokes han sido noticia recientemente después de que papá Albert Hammond asegurara que el grupo se encuentra grabando un nuevo disco junto al productor Rick Rubin. El mismo hijo del cantante acudía a Twitter para desmentir esta información.

El guitarrista de Korn reconoce que sus palabras sobre el suicidio de Chester Bennington fueron “desafortunadas”

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brianheadwelchBrian “Head” Welch, guitarrista de Korn, era amigo de Chester Bennington, el recientemente fallecido cantante de Linkin Park, que se suicidó el pasado 20 de julio, por lo que la muerte del artista le ha afectado de manera personal. Sin embargo Welch, motivado por la emoción y la impresión, reaccionó ante esta muerte en las redes sociales de manera que se tildó de poco sensible, cuando asentó que “dejar a tu mujer y a tus hijos es de cobardes” y que está “harto de esta mierda del suicidio”.

Ahora, en una entrevista para WRIF, Welch ha reconocido que sus palabras ante el suicidio de Bennington fueron “desafortunadas” y que debió expresar su mensaje “de manera distinta”. “Hablé desde un corazón roto y hecho trizas, desde la desolación y la pena”, ha dicho. El guitarrista asegura que tras la polémica por sus palabras ha aprendido a no expresar su duelo en internet porque durante el duelo se sienten emociones muy dispares, desde “pena” a “confusión y rabia”, como asegura citando a su colega Slash.

Welch sin embargo expresa nuevamente su sorpresa por que personas que supuestamente tenían vidas felices como Chris Cornell y Bennington decidieran suicidarse, además de la misma manera. “¿Cuándo en la historia del rock, o incluso en el negocio de la música, se ha visto así? Dos hombres con voces monstruosas, que inspiran a tanta gente… Esperarías algo así de gente cuyas vidas son un desastre, pero no de este tío que tiene una familia y al que le va tan bien”.

En los últimos días la viuda de Bennington, Talinda, ha recordado al fallecido cantante en una emotiva carta pública. También la ex mujer del artista, Samantha, con quien Chester estuvo casado de 1996 a 2005, ha escrito una carta firmada junto a su hijo Denver lamentando su fallecimiento. Ha escrito en Facebook: «Las palabras no pueden explicar la devastadora pérdida que mi hijo y yo, junto con el resto de nuestras familias, sentimos por la reciente muerte de mi ex esposo y padre de mi hijo. Rezo para que esté en paz y no sufra más».

Angelina Jolie aclara que su método de cásting fue un “ejercicio de improvisación para una escena”

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jolie-vanity-820x480Angelina Jolie ha sido duramente criticada en los últimos días después de que Vanity Fair revelara el método que la actriz y directora empleó en Camboya para seleccionar a la niña protagonista de su nueva película, ‘Primero fue mi padre’, basada en la barbarie de los Jemeres rojos. Según Vanity Fair, Jolie buscó niños sin recursos a lo largo y ancho del país y para provocarles una reacción emotiva -es decir, para ponderar su capacidad interpretativa-, les acercó dinero, les preguntó qué harían con él si fuera suyo y luego supuestamente lo retiró de sus manos, ante lo que la niña que finalmente consiguió el papel lloró y contestó que lo usaría para pagar el funeral de su abuelo.

En un comunicado para The Huffington Post, Jolie y el productor de la película, Rithy Panh, han condenado la interpretación que se ha hecho de este método en Vanity Fair y aclarado que se trataba de una “improvisación para una escena de la película”. De hecho, tanto Jolie como Panh insisten en que los niños sabían perfectamente que estaban interpretando un papel durante el cásting. Además, Jolie ha dicho que durante el proceso los niños estaban en todo momento acompañados de sus “padres, tutores y ONGs compañeras cuyo trabajo es cuidar de los niños, además de médicos”.

Jolie ha expresado su disgusto por que se “haya escrito de un pretendido ejercicio de improvisación, perteneciente a una escena de la película, como si hubiera sido una situación real”. “La insinuación de que dinero real se retiró de las manos de un niño durante el cásting es falsa y perturbadora”, ha dicho. “Yo misma estaría furiosa si esto hubiese ocurrido. El objetivo de la película es concienciar sobre los horrores que los niños se enfrenten en las guerras y ayudar a que la lucha los proteja”.

David Civera va en serio con su plan de representar a España en Eurovisión en 2018

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462547_473701882699540_2143859399_oDavid Civera puede estar orgulloso de que su participación en Eurovisión en 2001 fuera la que mejor resultado ha producido en el nuevo milenio. Con su clásico ‘Dile que la quiero’ Civera quedó sexto. Por eso no es de extrañar que el cantante quisiera volver a representar a nuestro país en el festival. Además, su canción es recordada hoy en día, algo al alcance de pocos españoles eurovisivos recientes.

Civera, de hecho, buscará ir a Portugal el año que viene y su canción ya está casi hecha, como ha reconocido en La Opinión de Murcia, donde ha dicho que su propuesta será tan buena que España “no podrá decir que no”. “Estoy convencido de que puedo dar con la fórmula para encontrar una buena canción y que todo el país se sienta orgulloso de la representación, al igual que sucedió con ‘Dile que la quiero’, un tema con el que mucha gente se identificó y que fue un éxito rotundo”, ha dicho. “Mi propósito no es ambicioso, simplemente que la gente esté contenta con la puesta en escena, la historia y la canción, que en definitiva es lo más importante».

Un día después del fiasco de Manel Navarro en Eurovisión, Civera de hecho se propuso abiertamente para representar a España en Eurovisión en 2018. Lo hizo en Facebook, donde defendió que España necesita enviar a un artista capaz de interpretar con pasión. Escribió: “yo me pongo a disposición de TVE, y de todos los españoles, para volver a Eurovision en 2018, con el único propósito de agradecer a mi país el cariño incansable de varias generaciones que me han visto crecer y que siguen a mi lado”.

Jay-Z se pasa de visionario y dice que Chris Martin de Coldplay es el “nuevo Shakespeare”

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coldplay_glastoEl dramaturgo inglés William Shakespeare ha escrito varias obras maestras de la literatura universal y es recordado cuatro siglos después de su muerte como el autor más importante que ha producido Reino Unido y como uno de los autores más importantes de la historia de la humanidad. Sus personajes, como Romeo y Julieta, Hamlet o el Rey Lear, constituyen algunos de los iconos literarios más emblemáticos de todos los tiempos.

En 2017, ¿quién es el nuevo Shakespeare? El rapero Jay-Z propone que Chris Martin de Coldplay. En una entrevista con el periódico británico Metro, ha dicho: “Llevo demasiado tiempo en la industria como para reconocer cuándo estoy en presencia de un genio y Chris Martin es exactamente eso”. Continúa: “En los años venideros, Inglaterra le recordará como un Shakespeare moderno. Él es un increíble compositor y hace grandes discos, pero donde realmente se crece es actuando en directo. Si tienes la oportunidad de ver a Coldplay en directo, hazlo, no te vas a arrepentir”.

Jay-Z es un artista visionario, solo así puede publicarse un disco tan influyente como ‘The Blueprint’ o levantar un imperio, pero comparando a Martin con el Bardo se ha pasado tres pueblos. Claro que quien esto escribe no ha publicado ningún disco influyente ni levantado un imperio, conque igual Jay-Z tiene razón y dentro de varios siglos se admirará el genio musical de Martin como ahora se admira el genio literario de Shakespeare. ¿Quién sabe? Por lo menos Martin sabe escribir una canción y arreglarla con instrumentos. ¡Haz eso, Shakespeare!

Muere Sam Shepard: Patti Smith le despide con una carta

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samshepard-pattismithSam Shepard ha muerto a los 73 años en su casa de Kentucky, como consecuencia de la ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica). Al parecer, su fallecimiento se produjo el pasado jueves 27 de julio, pero no ha sido hasta la mañana de este lunes (hora estadounidense) cuando The New York Times ha informado de la noticia.

El actor, director y dramaturgo había sido nominado al Oscar a mejor actor de reparto por su papel en ‘Elegidos para la gloria’ de 1983, y también le habíamos visto en otros films como ‘El informe pelícano’ o ‘Magnolias de acero’. Últimamente había despuntado su participación en películas tan destacadas como ‘Frío en julio’, la cinta de Mateo Gil ‘Blackthorn’, la excelente ‘Mud’ o la excelente ‘Agosto’.

Shepard era también guionista, co-escribió el guión de ‘Renaldo and Clara’, la película de Bob Dylan de 1978, y también co-escribió el guión de ‘Paris Texas’ de Wim Wenders. El actor había sido amante de Patti Smith a principios de los 70, por lo que sus vinculaciones con la música no terminan de ser una sorpresa: Sam Shepard apareció en los créditos de la canción ‘Brownsville Girl’ de Bob Dylan, incluida en su disco de 1986 ‘Knocked Out Loaded’, llegando a los 11 minutos de duración. También escribió el tema ‘God’s in the Kitchen’ para la banda sonora de ‘Llamando a las puertas del cielo’ de Wim Wenders, y tocó el banjo en una versión de ‘Smells Like Teen Spirit’ que formó parte de ‘Twelve’, el álbum de versiones que publicó Patti Smith en 2007. Hacía casi 40 años de su pequeño affair.

Además, Shepard escribió más de 40 obras de teatro (una de ellas con Patti Smith, ‘Cowboy Mouth‘), así como varios relatos, ensayos y memorias, obteniendo el Pulitzer a mejor drama por ‘Buried Child’, que terminó llevando al cine.

Actualización 2 de agosto: Patti Smith ha publicado una carta en The New Yorker sobre su relación con Sam Shepard en la que revela cómo no perdieron el contacto a lo largo de los años, de qué escritores solían hablar («Rudy Wurlitzer. Nabokov. Bruno Schulz») o cómo un día él le prometió enseñarle el Southwest de Estados Unidos, sin llegar a cumplirlo. «Sonreí, porque ya me lo había descubierto», concluye Smith, muy al estilo literario de ‘Just Kids’. La bonita carta incluye, como curiosidad, una mención al director español Mateo Gil, pues Shepard le mandó un mensaje desde el rodaje de ‘Blackthorn’ en Bolivia, prometiendo que le iba a llevar un sarape.

8 hitazos y 12 joyas perdidas de Clap Your Hands Say Yeah

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clapyourhandsClap Your Hands Say Yeah han publicado este año un quinto disco llamado ‘The Tourist‘ que, en conjunto, supone una mejoría en su carrera tras el tropezón de ‘Only Run’. Buenas canciones como ‘Fireproof’ y ‘Better Off’ llegan para alimentar un repertorio que, con la tontería, suma ya unos cuantos hits. La mayoría estaban incluidos en su excelente debut homónimo, aquel con buenas melodías tan capaces de seducir a los seguidores de Smashing Pumpkins (‘In This Home On Ice’) como a los de Belle & Sebastian (ese inicio de ‘Upon This Tidal Wave of Young Blood’).

Aprovechando que la banda de Alec Ounsworth nos visitará este año, actuando en Burgos Festival el 9 de septiembre, y posteriormente estará en La 2 de Apolo (Barcelona) el 3 de octubre, La Rambleta (Valencia) el 4 de octubre, Teatro Circo (Murcia) el 5 de octubre y OchoyMedio (Madrid) el 6 de octubre, compartimos una playlist con 20 de sus mejores canciones.

En esta playlist hemos querido incluir sus 8 mayores hits, en general y salvo alguna excepción los temas que superan 1 millón de escuchas en Spotify, y después rescatamos 12 canciones más que deberían tener más reconocimiento. ¿No está este grupo pelín infravalorado?

Hay, por supuesto, una muy buena representación de lo que fue su debut, canciones como la inolvidable ‘Over and Over Again’, ‘Upon This Tidal Wave of Young Blood‘ o ‘The Skin Of My Yellow Country Teeth’ (seguida de manera inevitable como ‘Is This Love?’), pero también ‘Heavy Metal’, que no suele faltar en su setlist a pesar de no ser tan “heavy metal”, y una personal favorita, ‘In This Home On Ice’: distorsión y melodía pop conviven en esta pequeña maravilla que nunca recibió demasiada atención.

De su segundo álbum sonó bastante la coral y demoníaca ‘Satan Said Dance’, pero es justo reivindicar también ‘Underwater (You and Me)’, una de las canciones más exultantes (y más Coldplay) que jamás hayan grabado, la directísima ‘Yankee Go Home’ y la semi electrónica e hipnotizante ‘Goodbye to Mother and the Cove’, de curioso desarrollo llevando hasta esa suerte de marcha militar.

De ‘Hysterical’, su tercer álbum, editado en 2011, hay que reivindicar, además de las conocidillas ‘Same Mistake’ y ‘Maniac’ (todo un tiro esta última), la muy New Order ‘Into Your Alien Arms’ e ‘Idiot’, otra de esas pequeñas composiciones del grupo que es imposible no querer. ‘Only Run’ (2014) definitivamente no era el mejor disco de Clap Your Hands Say Yeah, pero es justo recordar el alcance del dúo con Matt de The National ‘Coming Down’ y también otras pistas como la burbujeante y épica ‘Little Moments’ y la angustiosa y muy Radiohead ‘Beyond Illusion’. Y así llegamos hasta nuestros días, cuando las mencionadas ‘Fireproof’ y ‘Better Off’ se han postulado como favoritas de la audiencia del nuevo disco de Clap Your Hands por encima incluso del single «Down», al igual que ‘The Pilot’, el tema que abría el álbum recordando en ambientación y acústicas a The Sundays. Pasen y disfruten: aquí hay muchas más buenas canciones de las que creían.

Low Festival 2017 (domingo): el territorio nacional gana la partida

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Lo imaginábamos el sábado y tras la última jornada del Low 2017, se confirma: la recién finalizada edición del festival ha batido récord de asistencia, con cerca de 83.000 personas paseándose por la Ciudad Deportiva Guillermo Amor a lo largo del fin de semana. Con tales cifras, se augura un buen futuro para un evento que cumplirá su décimo aniversario el próximo año. El domingo estaba copado por bandas nacionales y, aunque hubo participación internacional, como la de Mando Diao, los mejores conciertos los dieron los de casa. A destacar, la garra de Triángulo de Amor Bizarro o los momentos épicos vividos con Lori Meyers. Fotos: Javier Rosa (Low).

Los primeros en salir a escena el domingo fueron Agorazein, el colectivo de trap liderado por C. Tangana. Aún con el alabado ‘Siempre’ en la retina y la actitud entre desenfadada y altiva a la que ya nos tienen acostumbrados, repasaron temas conjuntos como ‘Tentación’ o propios de Tangana, como la polémica ‘Los Chikos de Madriz’. El sol aún era de justicia, pero aun así un considerable número de asistentes presenciaron la actuación. Se notaba la juventud predominante en el público (también había asistentes talluditos, no obstante), pero al final la propuesta de AGZ nunca deja indiferente, con o sin salto generacional. En el escenario Wiko, los valencianos Lígula tiraban de guitarras atmosféricas y medios tiempos melancólicos que les acercan a artistas como Doves o Elbow para ofrecer un sano cambio de perspectiva frente a otras bandas del cartel, que tiran más de músculo. Su próximo trabajo está aún por terminar de grabarse, así que mientras tanto repasaron cortes de su interesante ‘Distant Stairs’. Una banda muy a tener en cuenta.

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Anni B Sweet está poniendo punto y final este verano a la gira de presentación de ‘Chasing Illusions’ tras más de dos años paseándolo por múltiples escenarios y uno de los últimos en presenciar la gira fue el Estrella Damm del Low. Con la evolución sonora del nuevo disco hacia terrenos donde hay más peso de guitarras eléctricas y sintetizadores, Anni aprovechó para interpretar alguna cara b del mismo, como ‘Hide & Show’, pero también para mirar atrás en su discografía y darle esa nueva pátina a temas primerizos como ‘Oh I Oh Oh I’. En el escenario Matusalem, llegaba el turno de Triángulo de Amor Bizarro. Qué se puede decir de ellos que no se haya dicho en el último año y medio: ‘Salve Discordia’ es probablemente su mejor trabajo hasta la fecha y lo han presentado exitosamente, concierto tras concierto, cosa que también pudimos presenciar el domingo. Pulso, garra, distorsión y pegadizas melodías en temazos como ‘Barca Quemada’, ‘Gallo Negro Se Levanta’ o las ya clásicas ‘Amigos del género humano’ o ‘El fantasma de la transición’. Se merendaron al público una vez más.

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En la noche del domingo hubo conciertos espectaculares tanto en lo musical como en lo visual y uno de ellos fue, sin lugar a dudas, el de Lori Meyers, quienes ya venían cuidando bastante el aspecto estético de sus shows en anteriores giras, pero en la gira de ‘En La Espiral’ se lo han currado de una manera asombrosa. Con el escenario Estrella Damm a reventar, fue emocionante verlos ocultos tras una pantalla gigante en la introducción, con ‘Vértigo I’, tras la cual se elevaba la pantalla y ponían al público a bailar con ‘Planilandia’. Se movieron constantemente entre temas ensoñadores y enérgicos, como los citados o ‘Emborracharme’, ‘Pierdo El Control’, ‘Océanos’ o ‘Todo lo que dicen de ti’. La mayor parte del repertorio estuvo dedicada a sus tres últimos trabajos, pero tampoco se olvidaron de sus fans añejos al recordar cortes como ‘Ham’a’cuckoo’. Habrá diversas opiniones, pero para el que escribe, fue el mejor concierto de la noche. Quién tuviera el don de la ubicuidad, pero al no poder estar en todas partes, dio tiempo de ver un poco a Xoel López haciendo una retrospectiva de toda su discografía y, de vuelta frente al escenario principal, tocaba ver a unos Mando Diao que, como el propio Bjorn Dixgård -ahora el único frontman tras la marcha de Gustaf Norén- confesaba en el concierto, han pasado por tiempos difíciles y es cierto: tras múltiples cambios de formación y bandazos estilísticos, hoy en día los suecos distan mucho de ser la gran banda de rock and roll que fueron en la pasada década. Es irónico que su nuevo álbum se llame ‘Good Times’, porque salvo el pasable single ‘All The Things’, el presente no es el mejor de los tiempos para los de Borlange. Olvidándose prácticamente de sus primeros álbumes, el concierto incluyó demasiados temas nuevos y solo despegó de verdad cuando tocaron ‘Dance With Somebody’, lo cual dice mucho.

Tras el anodino show de Mando Diao, era hora de ser salvados del tedio por El Columpio Asesino, quienes han regresado este verano para dar unos pocos conciertos por la península. La madrugada de Benidorm les es propicia, pues repetían escenario y franja horaria para encender su oscura máquina de baile con temas como ‘Escalofrío’, ‘Babel’, ‘Vamos’ o, cómo no, ‘Toro’. También con el baile en mente, pero siempre en el lado más espectacular y teatral, Fangoria ofrecían en el Estrella Damm otro de los grandes conciertos de la noche del domingo. Su puesta en escena, entre proyecciones y cuerpo de baile incluido, es incontestable: saben lo que quiere su público y se lo dan. Alaska y Nacho viajaron al pasado para recuperar himnos de los Pegamoides y Dinarama, esperados y celebrados, como ‘Bailando’ o ‘A quién le importa’, pero su presente importa mucho y no lo olvidaron, tocando cortes como ‘Disco Sally’ o ‘Geometría Polisentimental’, de su último trabajo. Todo el foso era una fiesta y pocos de los que estaban en las gradas se quedaron sentados.