Solange es portada del nuevo número de Interview, para el que ha sido entrevistada por su propia hermana, Beyoncé. Es curioso que Beyoncé entreviste a su propia hermana para una revista cuando ella misma raramente concede entrevistas, pero la charla deja algún punto interesante, como cuando Beyoncé pregunta a Knowles por su habilidad para conocer nuevos artistas «dos años antes de que salgan» (¿se referirá a Dirty Projectors, Grizzly Bear, Blood Orange?). Solange contesta que «probablemente paso demasiado rato en internet».
Por si había alguna duda de que Solange también era la hermana «indie» desde el propio núcleo de la familia Knowles antes de que Beyoncé se hiciera fan de Grizzly Bear, sampleara a Animal Collective o abordara a Father John Misty en fiestas para cantar en su disco, Beyoncé recuerda en la conversación el día en que descubrió a Nas a su hermana y esta no «paraba de llorar y de actuar como una tonta». «Me sorprendió que la «señorita demasiado molona para todo» actuara como una tonta», apunta.
En el resto de la entrevista, las hermanas Knowles repasan su infancia, el proceso de composición de ‘A Seat at the Table’, la creación de ‘A Cranes in the Sky’, la razón por la que Solange canta con voz sutil en su disco (para luchar contra el estereotipo de mujer negra cabreada) o algunas de sus influencias de la artista, que van desde Minnie Riperton a Missy Elliot pasando por Aaliyah o Syreeta Wright.
Solange editaba ‘A Seat at the Table’ el pasado mes de octubre. Era uno de los discos del año para numerosas publicaciones especializadas, también para JENESAISPOP (top 11), y nada menos que disco del año para Pitchfork, solo por delante de ‘Lemonade’ de Beyoncé.
‘Salve discordia‘, el cuarto álbum de Triángulo de Amor Bizarro, es, a juicio de la prensa musical española, el mejor disco nacional publicado en 2016, y así, han recibido esta noche el II Premio Ruido de la Asociación de Periodistas Musicales (PAM). El álbum fue puntuado con un 10 por nuestra web hace casi exactamente un año cuando se publicaba y terminó siendo 3º en nuestra lista de mejores discos de 2016, solo por detrás de ‘Blackstar’ de David Bowie y ‘Lemonade’ de Beyoncé. Foto: Rodrigo Mena Ruiz.
La Sala El Sol acogió la ceremonia presentada por Arturo Paniagua, inmediatamente antes de que este saliera disparado a grabar su programa indie de Los 40 Principales, Los 40 Trending. Actuaron tres nominados, si bien había más presentes en la sala, como era el caso de Iván Ferreiro. Triángulo fueron los primeros en tocar, interpretando ‘O Salve Eris’ y ‘Barca quemada’. Kokoshca fueron los siguientes optando por ‘RBU’, ‘No queda nada’ y finalmente una canción no incluida en su disco nominado, su hit ‘La fuerza’. En último lugar, Aries, la única que se atrevió a actuar en solitario, sólo acompañada de sus teclado y proyecciones, interpretando ‘Memorias’ y ‘Eclipse total’. A su término, Darío Manrique, presidente de la PAM, anunció que los ganadores eran Triángulo de Amor Bizarro. Isa Cea, su co-líder, agradeció recibir un premio que se llama «Ruido» porque a ellos les encanta el «ruido» y también a su sello y productores por premiar «la creatividad antes que los números».
La decisión del Premio Ruido es fruto del doble proceso de votación al que se convocó al más de un centenar de informadores musicales agrupados bajo las siglas de PAM. De la primera vuelta surgió una lista conformada por los quince álbumes con más menciones (por orden alfabético): ‘Adieu or die‘, de Aries; ‘Hamen‘, de Belako; ‘El pasajero’, de Depedro; ‘Fruta y verdura‘, de Espanto; ‘Leave Me Alone‘, de Hinds; ‘Casa‘, de Iván Ferreiro; ‘Movimientos‘, de Juventud Juché; ‘Algo real‘, de Kokoshca; ‘2‘, de León Benavente; ‘El poeta Halley‘, de Love of Lesbian; ‘Jo competeixo‘, de Manel; ‘Campeones del mundo‘, de Novedades Carminha; ‘Me mata si me necesitas‘, de Quique González; ‘Domus‘, de Silvia Pérez Cruz, y ‘Salve discordia’, de TAB.
Os recordamos que Triángulo de Amor Bizarro siguen presentando su disco por todo el país. Entradas, aquí.
Nuestra playlist con las mejores canciones del momento arranca esta vez con dos temas con la palabra «nada». Son la revisión de uno de los temas del último disco de Doble Pletina ideada junto a Hidrogenesse y el single oficial que presenta el gran álbum que han sacado Kokoshca a finales de año. Tampoco nos olvidamos por mucho que estemos en 2017 de los nuevos sencillos de Tove Lo, Blood Orange o Miss Caffeina; pero naturalmente enero es el mes de pasar página y pensar en lanzamientos totalmente nuevos y ya tenemos con nosotros los atractivos inéditos singles de London Grammar, Ed Sheeran, The Gift, Jens Lekman, Modern English o Dirty Projectors.
Esperamos nuevos largos de todos ellos, mientras que el de Run the Jewels llegaba antes de tiempo el 25 de diciembre. En cuanto a lo nuevo de Yelle y John Talabot, no estamos tan seguros de que pronto vayamos a tener disco pronto. Sí hay que destacar el caso de Havoc y Joe La Reina, cuyos nuevos temas han sido aupados por sus fans hasta el número 1 semanal de JENESAISPOP y parece que pronto pasará lo mismo con lo nuevo de Supertennis, banda apuesta de Contempopránea, que gustará a seguidores de Los Planetas y los primeros Sidonie.
Aunque no son novedades propiamente dichas, al fin encontramos en Spotify el tema que Bowie cantó del musical ‘Lazarus’ y el dúo de Beyoncé con Dixie Chicks permanece como el único tema de ‘Lemonade’ (más o menos, la versión del disco era diferente, más corta, mejor) disponible en esta red de streaming. También hay un extra del disco de Bomba Estéreo disponible, sorprendente en su aproximación a Radiohead.
Aparecen en la playlist uno de los virales de moda, el Ikki y Ms Nina; y otras colaboraciones como son el dúo entre ZAYN y Taylor Swift, la de Bonobo con Rhye o la de Kid Cudi con Andre Benjamin. Completamos la playlist con Les Sueques, la revelación Gabriella Cohen, el jangle pop de The Bats, uno de los últimos Discos Recomendados del año pasado, el de A Tribe Called Quest, una de las múltiples novedades de YungBeef (aquí deshojando margaritas) o el macrohit de LP.
Hoy se cumple un año de la muerte de David Bowie, y Tony Visconti, uno de sus productores más importantes, entre otros responsable del sonido de sus formidables dos últimos discos, ha acudido a Facebook para comentar cómo se enteró de su muerte (le empezaron a llegar mensajes, curiosamente pudo seguir durmiendo pues estaba exhausto tras un concierto) o cómo decidió celebrar su vida con el concierto tributo que tenía programado en lugar de cancelarlo.
Pero la parte más relevante viene cuando habla de ‘Blackstar‘. «El dolor es algo muy real. No tenemos control sobre él. He estado en una montaña rusa emocional todo este año y sé que muchos de vosotros también. Hablo con David en mi cabeza todo el tiempo. Es algo muy duro con lo que lidiar aún. En el último año de su vida, fue muy creativo y vibrante. Hacer ‘Blackstar’ no fue algo descuidado. A cada minuto sabíamos que estábamos haciendo una especie de catedral gótica. Fue un disco muy especial desde el día uno. David estaba muy contento y enérgico mientras hicimos ‘The Next Day’, pero en ‘Blackstar’ era mucho más fuerte, positivo y explotaba de creatividad. Nuestro equipo, la banda, los técnicos y todo el mundo que nos visitaba al estudio se miraba mutuamente preguntándose «¿esto está pasando?». Cuando los singles Blackstar y Lazarus salieron, y luego el álbum, resultó que estábamos en lo cierto y celebramos junto al público. Al menos pudimos hablar de ello, aunque muy poco. Una celebración mundial explotó con la noticia de que había nueva música de David Bowie».
Visconti cuenta cómo tuvo que firmar un acuerdo de confidencialidad para no decir nada sobre la grabación de este disco, como había hecho con el anterior, y concluye: «aquí termino. Trataré de aceptar que David ha muerto. He pasado por todas las fases del dolor en los pasados 365 días, incluyendo el enfado. Por supuesto, nunca nos dejó en espíritu. Hemos sido afortunados de haber vivido al mismo tiempo que él. Le hemos visto, le hemos escuchado cantar y hablar, le hemos abrazado, le hemos alabado y nos acordamos de él a diario. Fue una leyenda en vida y lo será hasta el fin de los tiempos. Pero también fue mi amigo. Le echo de menos muchísimo».
Puede que cuando veas a Arcade Fire en el próximo Primavera Sound (si ya tienes tu abono o piensas comprar pronto tu entrada de día, pues los abonos acaban de agotarse) ya haya disco de la banda en el mercado. El grupo había dicho que probablemente el álbum se lanzara en primavera y ahora el baterista Jeremy Gara ha concedido una entrevista recogida por el NME en la que habla de su álbum en solitario, llamado ‘Limn’, en la que dice que no podrá embarcarse en una gira mundial él solo, pues aunque no está seguro de dónde irá, cree que Arcade Fire cuentan con él «desde abril de 2017 hasta abril de 2019».
Sobre el disco, no avanza nada sobre su sonido, todo un misterio tras el diferente ‘Reflektor’, en el que llegó a colaborar David Bowie. Pero sí sobre la fase en que se encuentra. Y es muy avanzada. «Todo se ha grabado ya. El disco debería salir este año. En este momento todavía estamos mezclando y decidiendo qué canciones irán en el álbum, porque hemos grabado más de las que necesitamos. Pero casi hemos terminado. No sé cuándo saldrá. Espero que pronto».
Os dejamos con ‘Limn’, el disco de Jeremy Gara subido a las plataformas de streaming en 2016.
Como era de prever, los abonos para el Primavera Sound se han agotado. Así lo ha anunciado esta tarde el festival en sus redes, informando de que las entradas de día saldrán mañana miércoles a la venta a las 11.00 a 80 euros en los puntos habituales. Si quieres ir a la división barcelonesa y crees que el festival se está tirando un farol y lo que pretende es vender más entradas de día sin más, ojo porque os recordamos que el año pasado todos los tipos de entrada se agotaron con bastante antelación. En total asistieron 55.000 personas cada uno de los días en que abrió el Fórum (más 21.000 a la jornada de apertura del miércoles, que es gratuita).
El Primavera Sound de Barcelona, que se celebra entre el 31 de mayo y el 4 de junio, contará con las actuaciones de gente como Arcade Fire, Aphex Twin, Grace Jones, Frank Ocean, Kate Tempest, Bon Iver, Sampha, Metronomy, Grandaddy y un larguísimo etcétera que podéis consultar en su web. El desdoble de Oporto se celebra del 8 al 10 de junio y estará encabezado por Bon Iver, Justice y Aphex Twin.
En sus redes los responsables de Primavera Sound también anuncian el nuevo single de Japandroids, uno de los grupos que actuarán tanto en Barcelona como en Oporto. Se llama ‘No Known Drink or Drug’ y estará incluido en el álbum nuevo que sacan el 27 de enero.
Los navarros Kokoshca han vuelto a hacer uno de los mejores discos del año, siendo reconocidos por medios como el nuestro o Rockdelux… o las playlists de Spotify, que están encumbrando una de las canciones que no ha sido single, ‘Mi consentido’. Aprovechando su actuación este martes en la ceremonia del Premio Ruido a Mejor Disco del Año, para el que están nominados, hablamos con Amaia (A), Iñaki (I) y Álex sobre las canciones de ‘Algo real‘. Os recordamos que el grupo tiene una amplia gira por delante y que las entradas para verlos en febrero en Madrid junto a Mujeres están a la venta.
¿Cuándo os disteis cuenta de que el título del disco era ‘Algo real’, que aparece en un par de canciones?
A: «El título siempre es algo que dejamos para lo último. Cuando estábamos grabando nos dimos cuenta de que en un montón de canciones salía lo real».
I: «Fue el disco el que nos dio el nombre, «algo real» aparece en tres o en cuatro canciones, no solo en un par».
¿Barajasteis otro título?
Alex: «Con ‘Hay una luz’ recuerdo algún debate, pero con este no. Yo dije que no me gustaba, me fallaba el «algo»».
A: «Y nos dio igual» (risas).
¿Había un planteamiento de «vamos a hablar de lo real» en este disco?
I: «Sinceramente no, se ha hecho tan rápido… Cristalizaron todas las ideas en una semana o dos antes de grabarlo. No hay algo premeditado».
A: «Siempre intentamos hacer algo honesto. Sin querer, nos sale la palabra «real»».
I: «Aunque a mí también me gustan Albert Pla y Tom Waits, que son muy reales, pero me gusta su sobreactuación, esa teatralidad forzada».
¿Hay varios letristas en el grupo?
I: «Generalmente Amaia y yo».
Lo pregunto porque hay algunas contradicciones, incluso dentro de la misma canción. Por ejemplo en ‘Mi consentido’, de «dónde has ido» a «nunca me dejas».
A: «Esa letra es mía. La canción es sobre una chica cuyo novio es un asesino. La tía llega a su casa, se encuentra un cadáver sin corazón, de ahí lo del «socavón», y le pregunta a su novio «dónde has ido» pero a su vez la chica le dice que nunca le va a dejar. En realidad, en esta canción al final teníamos que salir cantando los dos, pero el que nos grababa el disco (Íñigo Pérez Artieda), nos dijo que la mía tenía que estar más alta».
I: «Hay un cambio de narrador, pero no se ha percibido por cuestiones sonoras».
«Nos gusta jugar con esa dualidad, chico/chica, tirar la toalla/ser optimista. Estamos formados todos de contradicciones»
Luego hay una vertiente más desolada y a la vez otra optimista, ‘R.B.U.’ («Renta Básica Universal», aclaran / confirman), que termina como una gran autoafirmación; y ‘No queda nada’, con una persona realmente tirando la toalla.
I: «Nos gusta jugar con esa dualidad, chico/chica, tirar la toalla/ser optimista. Estamos formados todos de contradicciones».
A: «‘No queda nada’ es la anti-‘Fuerza‘. Hay gente que sale por salir, «da igual, me voy a poner hasta arriba de todo». Pasan unos años y esto ya te ha cansado».
I: «Es un poco más cómico que eso. Se nota en la manera de cantarlo. Es un lamento, pero no hago nada por cambiar. Es la resaca del lunes, del martes, pero luego llega el jueves y el tío vuelve a salir».
A: «‘R.B.U.’ es algo más laboral. Tienes que buscarte un trabajo, dedicarte a una cosa. Yo merezco una renta básica».
¿Tú tienes un trabajo propiamente dicho?
A: «No tengo trabajo, por eso».
I: «Lo mío en ‘No queda nada’ es un personaje».
¿El bar del que habla ‘No queda nada’ es «real»?
I: «Un garito de cuarentones, treintañeros… lo que somos, que día sí, día no están de pedo, algo endogámico, celebrando un hedonismo un poco rancio. Me estoy volviendo un poco reaccionario. No es un garito concreto, pero puedes pasarte por Malasaña, Pamplona…»
La canción no es un drama. Se puede bailar.
I: «Pero intentaba ser lánguido. No es muy vehemente».
La versión de ‘Yo nací’ de The Make-Up resulta una canción muy icónica, tiene una letra expresiva, de repente parece una canción 100% vuestra.
I: «Nos gustó siempre esta canción de este grupo de Washington. Es muy político, muy anti-americano, hablaba de la C.I.A., de ser comunista… desde niño. Y en España se puede decir lo mismo. A pesar de nuestras influencias extranjeras, que son obvias, pues queríamos traerlo. No íbamos a hablar de la C.I.A. en nuestra canción».
Y teníais claro que iba al disco.
Alex: «A mí me impresionó cuando Iñaki me enseñó la letra. La hicimos aquí, en Pamplona. Yo lo vi claro».
I: «Si los anglosajones tenían el ‘Revolver’ de los Beatles, pues nosotros teníamos el garrote vil. España no tuvo un gran siglo XX y es lo que queríamos contar en esta canción».
A: «Lo tuvo después».
I: «Pero un poco forzado, la Movida, los 80… Es una opinión, yo no la viví, soy más joven. Lo que decía Tierno Galván… es artificial, pero obviamente me gustan muchas cosas».
Yo tampoco lo viví, pero suena como un proceso natural después de Franco.
I: «Forzado me refiero a cómo se mediatizó, se exageró».
¿No os gustan grupos de la Movida? Lo más fácil es asociaros al post-indie, pero a mí sí me sonáis más al rock de los 80.
I: «Igual a Kaka deluxe».
¿Nada de Seguridad Social, Loquillo…?
I: «Igual Loquillo. Entiendo la similitud, pero sin la pretensión de querer sonar a eso. Burning nos gustaba, pero es anterior. Escuchaba mucho New York Dolls, Stooges…»
«Descubrí a Phil Spector en ‘Ghost’, y a las Ronettes en ‘Dirty Dancing’. De Laura Pausini pasé a Nirvana».
¿Tú qué escuchabas de pequeña o adolescente, Amaia?
A: «Yo Nirvana desde los 9 años, que fue como mi grupo y luego lo que escuchaba mi hermana, Los Planetas. Y de mayor Sonic Youth».
I: «Yo Laura Pausini, me encantaba, el de ‘Se fue’, el de «Marco se ha marchado». Descubrí a Phil Spector en ‘Ghost’, y a las Ronettes en ‘Dirty Dancing’. De Laura Pausini pasé a Nirvana. Sientes algo, lees cosas de Kurt Cobain, él aprovechó su fama para divulgar a Sonic Youth y a The Vaselines. No tanto el indie. Lo vemos más punk, avant garde. También en Navarra Def con Dos».
A: «Eskorbuto».
I: «Eskorbuto era más demodé. Y una época horrible de Offspring, mierdas de estas que a mí nunca me gustó pero lo oían mis amigos. De pequeño escuchaba música sudamericana».
Igual de ahí viene ‘El escultor’.
I: «Habéis dicho que es un bolero, y es una canción de los 50. Debe de ser por la caja de ritmos».
A: «De todas formas nos encantan, hemos versionado a Los Panchos».
I: «Nuestra intención era hacer un doo-wop, pero el bolero es lo último que hubo antes del tsunami del rock’n roll, o sea que puede ser».
¿Y Barricada?
A: «A mí nunca me gustó mucho».
I: «A posteriori sí, alguna canción».
A: «Hay 4 canciones que las vas a oír cualquier noche que salgas. Es parte de Pamplona».
Y tú, ¿Alex?
Alex: «Mi opinión es irrelevante» (NdE: se incorporó al grupo hace 3 años).
A e I: «¡Oye, oye!».
Alex: «Yo era grunge de manual, el punk rock, la psicodelia… Me flipa lo que he visto en ellos dos (Amaia e Iñaki) y su entorno. Yo crecí solo escuchando mis movidas, y mis amigos estaban más en el deporte. Ellos son una cuadrilla de 5-6 en la que todos han crecido con Sonic Youth, Los Planetas… me da mucha envidia».
I: «Un grupo de friquis».
Alex: «En el vinilo de ‘Hay una luz’, hay un montaje de fotos y sale Steve Shelley de Sonic Youth, con toda la cuadrilla. Irte con una sábana con 15 años a ver Sonic Youth que tocaba con Christina Rosenvinge…»
I: «Quien se coló en esa foto fue Pedro San Martín (La Buena Vida)».
Supongo que estáis tocados con la gente que ha muerto de vuestro entorno.
A: «Roberto Mayer nos produjo un single con Discos Walden».
I: «Versioné una canción suya en un proyecto paralelo que estoy montando».
A: «Es la primera vez que se me muere alguien así, hablábamos a veces, de hecho días antes de morir habíamos hablado por Facebook».
I: «Jaime (Cristóbal) colabora en JENESAISPOP, ¿no? Si has escuchado el podcast que le dedicó verás que era íntimo de él. En el 88 Pamplona era más provinciana, y él era una persona que parecía Nick Cave». Roberto me decía «es que voy como un árbol de Navidad».
A: «Ya no iba así, pero me decía «yo me lo ponía todo»».
Volviendo al disco, ¿de qué habla ‘El escultor’?
I: «Es un escultor de muñecas, pero me parecía obvio y quité «muñecas». Es sobre estas personas que tienen muñecas de látex en casa. Es un artesano, pero le queríamos dar visión humana…»
A: «Que prefiere estar con sus obras que con la gente».
I: «Una visión clásica, siniestra, llena de silicona…»
A: «¡Él ama a sus muñecas!»
I: «»Duelen las muñecas» puede tener doble sentido».
A: «¡Pues que se las zumba!» (risas).
¿Por qué el disco suena tan lo-fi?
A: «Es deliberado por parte del productor. Lo quiso hacer y lo respetamos».
Alex: «Si lo dices por esta canción, es porque tiene caja de ritmos y es la única, está sacada de un teclado. Pero sí, aparte el disco suena lo-fi».
I: «Más que lo-fi, crudo».
A: «Suena diferente a los discos de ahora, pero eso nos gusta».
I: «Tiene un historión, un mes antes no había canciones acabadas, nos juntamos en el caserío del productor… Estuvimos hablando de producir con Roberto, con Rodrigo de Triángulo de amor bizarro… Al estar en Pamplona acabamos donde grababan Marea, Lehendakaris Muertos… El sitio es el anti-estudio. Aquello era espartano. Una mesa analógica, 4 sillas de madera…»
A: «Un espacio con nada».
Alex: «Luis (Sonido Muchacho) no se lo creía. Llegamos el 20 de septiembre y 8 días después le dimos el máster, se mezcló en directo. Grabé las baterías en un día».
I: «Fue rápido para bien y para mal».
No tenéis nada que ver Triángulo, salvo ahora una canción doo-wop, ¿no?
A: «Hacer lo que nos sale de las narices».
I: «Yo no me veo parecido. Hacen un pop muy bien hecho pero metiéndole fuzz».
A: «Yo veo en Kokoshca que nos hemos inspirado en cosas muy parecidas».
I: «Yo me veo más cerca de Terrier».
¿Pero os veis pop?
I: «Sí, sí, muy pop, no tengo nada en contra».
A: «Yo sí me siento cercana -no puedo extraer la parte sentimental- a Espanto. Pero luego la música no tiene nada que ver».
I: «Luis participó en nuestro disco».
A: «Hizo arreglos muy chulos».
I: «En ‘Niña’, ‘No queda nada’, ‘R.B.U.’ Pero no quisimos poner Luis de Espanto, sino Luis F. Bayo».
«Quería que El Drogas colaborara en contestación a este indie que puede estigmatizar el rock. No puedes meter todo en el mismo saco»
¿Qué os ha parecido la nota de prensa que El Drogas ha escrito para este disco? No me he enterado muy bien de lo que quiere decir.
A: «A mí me gusta. Le gusta escribir, es muy poético. Explica un poco cómo nos conoció».
I: «Pero ellos no lo saben. Es como, «¿de qué está hablando este señor?». Es algo más personal para nosotros. Amaia tenía una tienda de ropa vintage y customizaba zapatos. El Drogas quería comprar porque tiene su outfit. Es un dandy retrofuturista».
A: «Estábamos grabando ‘Hay una luz’ y vino con unos zapatos para ponerles purpurina, me dijo: «¿cuánto es?». Le dije: «Te voy a proponer que en vez de pagarme, aparezcas en una canción nuestra». Y apareció».
I: «Yo quería que colaborara en contestación a este indie que puede estigmatizar el rock. No puedes meter todo en el mismo saco. Me parecía interesante. Esa gente ha hecho el rock. Llevarlo a una balada deliberadamente pastel porque tiene ese tipo de acordes, con violines de Sagrado Corazón de Jesús… fue una estrategia maquiavélica. Predominó lo artístico».
Os da igual que la gente entienda su nota de prensa. ¿Esto pasa también con el grupo?
I: «No, no nos da igual».
A: «Queremos que la gente disfrute de la canción, que emocione».
I: «El arte refleja al espectador, decía Oscar Wilde».
Leí en vuestro Facebook, cuando La Razón puso 5 estrellas a ‘Algo real’, que la prensa conservadora siempre ha tenido los mejores suplementos.
Alex: «Lo puse yo y Marcos pone un comentario de: «hasta las críticas musicales tienen que meter la palabra antisistema». (risas) Es un cliché. Yo estudié Comunicación y recuerdo que los suplementos culturales, literarios del ABC, eran mejores que Babelia».
I: «El Abecedario…»
Devendra Banhart nos dijo en una entrevista que le encantó que en una entrevista le dijeron: «habla de lo que quieras». ¿De qué os gustaría hablar a vosotros, pero nadie os pregunta?
Alex: «Hablo como si estuviera fuera de Kokoshca, pero me encanta cuando el puentecillo de ‘Yo nací’ se sale de la canción. En cine sería romper la cuarta pared, cuando le habla a Svenonius, el juego de hablarle al autor de la canción, apelándole directamente».
I: «Es como que el bebé habla a la madre y yo hablo».
¿Cómo conociste a The Make-Up?
I: «En Pamplona hay mucho de ese rollo, vas a un bar, te recomiendan cosas, el entorno de los Bananas… Si aquí os conocéis todos, imagínate Pamplona».
Triángulo nos dijeron en una entrevista que copiaban a Stereolab pero que nadie se daba cuenta. ¿Os pasa algo parecido?
A: «Nosotros copiamos a tantos… A Édith Piaf… en ‘No mires hacia atrás’ a nivel de producción, sí, a Stereolab».
Alex: «Es ‘French Disko‘, hubo que enseñar a Iñaki a tocarla. Le pusimos el vídeo y le dijimos: «eso es lo que tienes que hacer con la mano».
A: «Al final la toqué yo».
«No me gusta el rollo bakerys. Hay que ser hipster bien»
¿Algún otro tema? (sale el tema de la comida porque es hora de comer)
I (se ríe): «Estoy muy a favor de los gastrobares, pero que sean de verdad, no que se sumen al carro. No me gusta el rollo bakerys. Hay que ser hipster bien».
¿Lo dices también por lo musical?
I: «No soy nada consciente de la actualidad. Va en serio, no es una pose. Muchas veces cambio Radio 3 por Radio Clásica. No me gustan los programas de la mañana».
Esto es un poco “estoy pensando en dejarlo”.
I: «… y tomar un vinito como un señor. De eso me gusta hablar. De la dificultad de vivir al margen. La normalidad funciona, todo funciona. Los gitanos se sacan el carnet de conducir, la gente tiene hijos y funciona. Todo funciona. Esto viene a colación de una puta película pastel que vi hace poco, ‘Captain Fantastic’, que me afectó bastante, en la que Viggo Mortensen da una educación salvaje a sus hijos, muy intelectuales. Habla de la imposibilidad de vivir una vida real con convenciones sociales. Creo que lo que funciona es ser normal, y a lo que debemos aspirar es a ser normal, dentro de nuestras peculiaridades».
A: «No estoy de acuerdo. Hay que ser cada uno lo que quiere. Lo guay es ser uno mismo. Y si eres diferente, la sociedad te lo pone más difícil porque es mejor comprarte una casa, tener hijos y no pensar. Es más difícil ante la sociedad salirte de eso y buscarte la vida, pero hay que ir hacia eso».
I: «No me he expresado bien. Dando por hecho que estamos al margen, que somos un poco diferentes, dentro de eso, si vas en contra de ese determinismo, lo que hay que hacer es cambiarlo. Hay cosas que llevan funcionando 2.000 años».
A: «No hay hipotecas ni móviles ni coches hace 2.000 años. Todo ha ido hacia esto».
Amaia está en plan ‘RBU’ e Iñaki no… ¿Qué te parece el plot twist de esa canción, Iñaki?
A: «Si tú (Iñaki) odias comprar, ¿qué me estás contando?».
I: «Me parece una canción bonita, tiene un toque de humor».
A: «Pero es totalmente lo que pienso. Son 4 frases, igual son muy tontas, pero es lo que pienso».
I: «Somos perdedores pero riéndonos».
A Gabriel Berlanga, más conocido como Undo, no es complicado seguirle la pista por mucho que se tome su tiempo entre disco y disco desde que montara estudio propio hace unos años en el Ampurdán. Tras la publicación del plácido ‘Motas de Polvo‘, o de un menos inspirado ‘Despacio’ hace tres años que simplemente se dejaba oír, llega este tercer trabajo editado también en su sello Factor City. Mientras, nos ha entretenido con regulares sesiones en Razzmatazz, destacando también la memorable que ofreció como telonero de New Order en la pasada edición del Sónar.
El disco se llama ‘Disconnect’ en homenaje a «uno de los tributos cruciales de la música: generar estados de ánimo que nos custodien en todo momento», y en particular se dedica a los seguidores de la música electrónica, esos «clubbers que, más allá del hedonismo, continúan en movimiento, conectando cuando quieren y desconectando cuando toca». Pero esa «desconexión» también parece una referencia en el aislamiento de su estudio de grabación, alejado de todo entorno urbano, y en la ausencia de colaboraciones estelares de ‘Disconnect’.
Mientras otros músicos de electrónica cuentan con cantantes de renombre (por poner un ejemplo reciente el trabajo de Trentemøller con la cantante de Savages), Undo prefiere grabar en solitario, lo que le lleva a seguir incluyendo su voz en temas como ‘Autómatas’ o ‘Computer Friends’, muy discretamente. Su modelo de autogestión suma puntos, pues este es uno de sus trabajos más redondos, convirtiendo una jugada arriesgada en un verdadero portento de autosuficiencia.
En ‘Disconnect’ encontramos aspectos recurrentes en lo melódico, y pocas novedades en cuanto a atmósferas, pero es admirable el tono sosegado y reflexivo de la mayoría de los cortes que lo componen. Un aire pausado que sí abraza arrebatos de furia en ‘The Arptist’, ‘Acid Prophet’ o ‘We’ve Got To Fight’, aunque siempre con perspectivas que luego se ralentizan, huyendo de experimentaciones o excesivos aspavientos. Undo sabe hipnotizar con una gran densidad instrumental de sintetizadores y clima tecnopopero (como en la estupenda ‘Sunmachine’), como miembro de una generación que no ambiciona acelerar tiempos futuros. El viaje -aquí de «desconexión»- es su única meta.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: Su escucha del tirón. Te gustará si te gusta: Henry Saiz, Pional, bRUNA, Pedro Vian o el ya lejano ‘Fin’ de John Talabot. Escúchalo: Spotify
Quique González es, junto a Iván Ferreiro, Love of Lesbian, León Benavente, Manel y Sílvia Pérez Cruz, el más vendedor en España de los nominados al Premio Ruido a disco del año que se entrega esta noche. Hay, además, «crossover» con los dos primeros, pues este ‘Me mata si me necesitas’ que se ha colado en algunas de las listas de lo mejor de 2016 estaba producido por Ricky Falkner (también está este otro «crossover»).
El cantautor, que durante su carrera ha pasado por Universal o Dro y en la actualidad edita en Last Tour Records y vive en una cabaña perdida en Cantabria, siempre ha sido de la escuela Bob Dylan y Neil Young, pero en los últimos años se ha ido empapando más y más de americana hasta el punto de grabar en Nashville su disco de 2009 ‘Daiquiri blues’. Aún huelen a vieja taberna ‘No es lo que habíamos hablado’ -de la que se extrae el título del largo- o ‘Ahora piensas rápido’, si bien hay también espacio para otros estilos.
A lo largo de menos de 35 minutos y 10 canciones, Quique González usa el legado de sus ídolos, entre los que también aparecen Ryan Adams o The Jayhawks, para expresar la desazón de los últimos años. Las canciones no suenan tan tristonas para retratar una ruptura de una relación importante o la muerte de su padre (muy claramente plasmada en ‘La casa de mis padres’), aunque sí llegan a transmitir la tragedia interior que supone vivir un «festival de los torpes», en el que algo nunca «funciona porque estás en las nubes» (‘Detectives’, de título inspirado en los que fueron sus músicos durante la gira anterior y tocan aquí) o esa decadencia propia de los últimos días con alguien. «Esto no es lo que habíamos hablado y aun así me quedaría», dice la mencionada ‘No es lo que habíamos hablado’. «Sabes cómo duele, pero quieres un poco más», dice ‘Detectives’.
Pero también hay tiempo para levantarse y el rock&roll de ‘Sangre en el marcador’ junto a su brillante estribillo «te juro que estoy mejor» o el «por un momento vi que puede ocurrir
algo grande» de ‘Cerdeña’ son pequeñas victorias. Aunque no tanto como esa ‘Se estrechan en el corazón’ que le emparenta con The La’s o R.E.M. y esa ‘Charo’ que entona junto a Carolina de Juan «Nina» de Morgan. Justo cuando empezabas a preguntarte si no sonaba todo demasiado estandarizado, nada como un polvoriento dúo chico/chica para que nos hagamos la pregunta, ¿por qué Tulsa sí y Quique González no?
Quique González actúa en Dublín y Londres en febrero. Entradas, aquí.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘Charo, ‘Sangre en el marcador’, ‘Se estrechan en el corazón’, ‘La casa de mis padres’ Te gustará si te gusta: Iván Ferreiro, Coque Malla, Tulsa Escúchalo:Spotify
«‘Espectacular’ no es muy ídem, aunque lo intente. Canción de superación con el sello inconfundible de Milkyway, tiene un mucho de ‘Fiesta en el infierno’… pero un aún más de ‘No sé qué me das’. Sin embargo, se queda lejos de estos dos grandes clásicos de la euforia y subidón “fangóricos”. Quizás porque le falte su carisma, quizás porque da la sensación de que está mal ensamblada. Como si el puente y el estribillo estuvieran divorciados, como si el inicio de la canción prometiera una explosión apabullante que se queda en una detonación amortiguada. Es una continuación simpática de ‘Canciones para robots románticos’, pero, más que un temazo de Fangoria, parece el esbozo de un temazo de Fangoria». Mireia Pería.
«La música son matemáticas y un ordenador debidamente programado puede componer. De acuerdo. Pero hay algo más, algo indefinible. Algo que hace que ‘Podría ser peor‘ sea un sí y ‘Espectacular’ sea un meh. Y no, no sirve la excusa de la manía y los favoritismos, porque salta a la vista que la composición del principal gancho de la reedición de ‘Canciones para robots románticos’ es un 90% Guille Milkyway. La ineludible huella de La Casa Azul, los homenajes disco-motown meets Manuel Alejandro meets lo bakala, se convierten en este caso en un «regalo» envenenado para Fangoria. Pese a que la primera escucha resulta excitante, las posteriores se vuelven pesadas y previsibles, perdiendo gas a chorro. Curiosamente, lo que más sobresale del tema es la letra, con esa entrañable mención a la traducción hispana de ‘El mago de Oz'». Raúl Guillén.
«Tengo la ligera impresión de que Fangoria reeditan su último álbum solo para llegar al disco de oro y arañar algún bolo más o festival durante 2017. ¿Qué otra razón tienen si no? Claro que también podrían haber hecho un disco que mereciera la pena en su conjunto más allá de los dos primeros singles y sacar ahora el tercero, el cuarto, el quinto… (no se le ha visto el pelo por las listas de lo mejor de 2016 ni en mediosespecializados ni entre las primeras listas del público). O rebajar a 5 euros los viejos CD’s aprovechando las rebajas. O tratar de convencer a Promusicae de que cuente el streaming a lo Billboard 200. Cualquiera de estas opciones habría sido más natural que este forzado nuevo híbrido de Raphael y Pet Shop Boys producido por La Casa Azul que nada añade a su casi impecable colección de hits. ¿Alguien recuerda ‘Antes o después’?». Sebas E. Alonso.
Spotify ha publicado varias listas globales dedicadas a la música que sus usuarios escuchan para entrenar. Sorprende la canción más escuchada, ‘Till I Collapse’ de Eminem, pues aparte de ser antigua (2002) no fue single, pero parece que los usuarios de esta plataforma la han entendido como la canción perfecta para motivarse a hacer ejercicio, así que Eminem ya puede estar contento. Además, el rapero aparece segundo en la lista de los artistas para entrenar más escuchados, solo por detrás de Drake y por delante de Kanye West.
La segunda canción más escuchada para entrenar en Spotify es ‘POWER’ del mismo Kanye, seguida por ‘Jumpman’ de Drake, ‘Closer’ de The Chainsmokers y ‘This is What You Came For’ de Calvin Harris y Rihanna. Evidentemente son muchos los artistas y éxitos recientes que aparecen por aquí (sin ir más lejos, ‘Starboy’ de The Weeknd) por lo que la lista es volátil y podría ser completamente distinta en dos meses, así que más mérito para Eminem, aunque no tanto para esa ‘Shape of You’ de Ed Sheeran que encabeza la playlist para entrenar más escuchada, evidentemente por tratarse de una novedad de nivel y quién sabe si no gracias a algún tipo de acuerdo entre su sello y Spotify.
En cuanto a los países que más ejercicio hacen con las playlists para entrenar de Spotify, Noruega, Islandia y Suecia encabezan la lista, seguidos de Australia y Canadá.
Artistas para entrenar más escuchados:
1.- Drake
2.- Eminem
3.- Kanye West
4.- Rihanna
5.- Calvin Harris
6.- The Weeknd
7.- The Chainsmokers
8.- Beyoncé
9.- Sia
10.- David Guetta
Canciones para entrenar más escuchadas:
1.- Eminem – “‘Till I Collapse”
2.- Kanye West – “POWER”
3.- Drake – “Jumpman”
4.- The Chainsmokers – “Closer”
5.- Calvin Harris – “This is What You Came For”
6.- Rihanna – “Work”
7.- Sia – “Cheap Thrills”
8.- The Weeknd – “Starboy”
9.- Beyoncé – “7/11”
10.- David Guetta – “Hey Mama”
Top países que escuchan más música para entrenar:
1.- Noruega
2.- Islandia
3.- Suecia
4.- Australia
5-. Canadá
6.- Dinamarca
7.- Nueva Zelanda
8.- Irlanda
9.- Reino Unido
10.- Estados Unidos
La discografía de Prince es una de las grandes ausencias en las principales plataformas de streaming, Spotify y Apple Music, pues Prince era enemigo del streaming (y de internet en general). Por ahora, su discografía solo puede escucharse online a través de Tidal, aunque recientemente su familia ha demandado a Roc Nation, el sello de Jay-Z (jefe de Tidal), por explotar el catálogo de Prince sin permiso, alegando que el acuerdo original de NPG Records (el sello de Prince) y Tidal era únicamente ofrecer el streaming de su último disco solo por 90 días.
Ahora, Gloomberg asegura que la música de Prince podría finalmente aparecer en Spotify y Apple Music de cara a la próxima ceremonia de los premios Grammy. El medio cita fuentes cercanas a la familia de Prince, que estaría a punto de cerrar un acuerdo con estas plataformas para publicar en streaming, no toda la discografía del cantante, pero sí varias de sus canciones más conocidas, como ‘Purple Rain’ o ‘When Doves Cry’. La familia de Prince querría aprovechar el contexto de los Grammy para publicar esta música ya que se espera que se homenajee al cantante en algún momento de la ceremonia.
Aunque el streaming ha demostrado no ser suficientemente justo para los artistas que ceden su trabajo a plataformas como Spotify, el caso de Prince es especial, pues el autor de ‘Kiss’ no fue especialmente popular en los últimos años de su carrera, cuando incluso llegó a cargar contra internet o a vender sus últimos discos en exclusiva en periódicos o en Target. Parece que su presencia en streaming es la mejor solución para que su legado no permanezca inaccesible para las futuras generaciones -que más que posiblemente solo escucharán música a través de streaming- y, por lo tanto, quede en el olvido.
Madonna prepara nueva película. Se titula ‘Loved’ y está basada en la novela ‘Las vidas imposibles de Greta Wells’ de Andrew Sean Greer, que relata el viaje a través de diferentes épocas de su protagonista y cómo habría sido su vida en cada una de ellas. Así lo ha confirmado Madonna a Harper’s Bazaar en su número de enero, para la que la cantante se ha dejado fotografiar por Luigi & Iango cual actriz de cine mudo de los años veinte.
«La novela habla de temas muy importantes por los que siempre he luchado como son los derechos de las mujeres, los derechos de los homosexuales o los derechos civiles», ha apuntado la cantante que, además de dirigir la película, ha co-escrito su guión. «Siempre me he tenido oprimida y sé que mucha gente pensará que cómo puedo decir eso siendo una estrella del pop blanca, rica y exitosa, pero he lidiado con mucha mierda a lo largo de mi carrera y una gran parte de esto ha sido porque soy mujer y también porque me niego a vivir una vida convencional. He creado una familia muy poco convencional. Tengo amantes tres décadas más jóvenes que yo. Esto incomoda a la gente».
Apropiadamente, Madonna se confiesa lectora ávida de F. Scott Fitzgerald durante un punto de la entrevista, pero lo interesante de la misma es lo que cuenta sobre el machismo que ha sufrido a lo largo de toda su carrera, por parte también de su ex marido, Guy Ritchie, a quien acusa indirectamente de haberla intentado coaccionar a abandonar su carrera (se entiende que para ocuparse de su familia). «¿Alguien le ha preguntado a Steven Spielberg alguna vez por qué sigue haciendo películas?», pregunta Madonna. «¿No ha tenido ya suficiente éxito? ¿No ha ganado ya suficiente pasta? ¿Alguien fue alguna vez a Pablo Picasso y le preguntó si no había hecho ya suficientes cuadros? Estoy harta de esta pregunta y no la entiendo. Dejaré de hacer lo que hago cuando ya no quiera hacerlo o cuando se me acaben las ideas. Dejaré de hacerlo cuando me mates, ¿qué te parece eso?»
Sobre el sexismo en la industria hablaba Madonna hace unas semanas durante su aplaudido discurso en la última gala de Billboard, la de Mujer del año, dedicada a ella.
En noviembre llegaba a las tiendas ‘Here’, el nuevo disco de Alicia Keys, muy esperado por los seguidores de la cantante después de la sorpresa que supuso ‘In Common’ (que finalmente se quedaba fuera). El disco contiene singles como ‘Blended Family’ y ha recuperado para Keys la credibilidad artística perdida en los últimos años, pero no ha funcionado bien ni en listas ni en streaming.
A pesar de lo poco que hace que se editó ‘Here’ y de que el disco ciertamente tiene material más que digno para defenderlo durante este año (¿a qué espera Keys para sacar ‘Illusion of Bliss’?), hoy podemos escuchar una canción nueva de Keys. Su marido, el rapero Swizzz Beats, la ha colgado en Soundcloud, se titula ‘Sweet F’in Love’ y es una producción de KAYTRANADA. Como canción no es gran cosa, pero como muestra de lo bien que fluye la voz de Keys a través de los efervescentes ritmos post-disco del productor canadiense, no está nada mal.
A KAYTRANADA le hemos escuchado recientemente en producciones para Craig David (‘Sink or Swim’), Chance the Rapper (‘All Night’) o Azealia Banks (‘Along the Coast’), así como en remezclas para Rihanna (‘Kiss it Better’) o Solange (‘Cranes in the Sky’). Su álbum debut, ‘99%‘, salía el año pasado y era uno de los discos destacados del año para nuestros lectores.
El éxito inesperado de ‘First Dates’ ha resucitado de entre los muertos a un género que teníamos olvidado en la televisión nacional: los programas de citas. Antes de que Carlos Sobera se pusiese a mezclar extraños en un restaurante que cada vez tiene más estancias, nadie se imaginaba que ver a dos desconocidos tener una cita iba a convertirse en uno de los programas más exitosos del access prime time español. Después el formato ha sabido anclarse en la parrilla (e incluso convertirse en un must) a base de retar las concepciones sociales que tenemos sobre el género y la sexualidad, haciendo visibles algunas de las más desconocidas para el gran público.
Pero la experiencia de Cuatro no acaba ahí. La cadena no solo ha sido capaz de llevar al éxito ‘First Dates’, sino que también tiene bastante experiencia en el tema de ayudar a encontrar el amor. Suyos han sido los laureados ‘Granjero Busca Esposa’, ‘¿Quién quiere casarse con mi hijo?’ o ‘Un príncipe para Corina’. Es por eso que, quizá, esta nueva apuesta no nos ha pillado desprevenidos.
Ahora bien, la vuelta de tuerca que se propone en ‘Tú, yo y mi avatar’ no termina de ser tan atractiva como sí lo es, por ejemplo, la espontaneidad de ‘First Dates’. El nuevo programa de Cuatro lleva a la máxima expresión aquello de que el amor es ciego y que la belleza está en el interior. En este date show los pretendientes no tienen citas entre sí, sino que son representados por un avatar: otra persona -en algunas ocasiones un famoso- con un pinganillo a través del que recibe las instrucciones de los interesados, que no les ven hasta el final del programa, en la prueba final.
Quizá lo que más le falta a ‘Tú, yo y mi avatar’ es explotar al 100% el potencial de Luján Argüelles. Ya hemos comentado mil veces a través de este medio que es una de las mejores presentadoras del «reality editado». Su mala leche, sus comentarios afilados y sus ingeniosas ocurrencias suelen ser lo más interesante de los programas que presenta, así que desde aquí solo podemos reivindicar más protagonismo para Luján, porque el programa tiene algunos ingredientes para triunfar: ¿quién dice que un protagonista no va a terminar enamorado de un avatar? Eso sí que tendría guasa.
Sobre el esperadísimo -y aún increíble- regreso de ‘Twin Peaks’ sabíamos que ocurría en 2017 y que contaba con 18 episodios y conocíamos parte de su reparto, que incluía a intérpretes originales de la serie como Kyle MacLachlan, Sheryl Lee o Dana Ashbrook, además de al propio David Lynch en su papel del agente fan de los donuts Gordon Cole.
Pero sobre el regreso televisivo del año nos faltaba un dato importante, su fecha exacta de emisión, y esta se acaba de revelar. Deadline ha desvelado hoy que la tercera temporada de la serie se estrenará el 21 de mayo en Showtime. Además, se detalla que será un doble capítulo de dos horas en total al que le seguirán los capítulos tres y cuatro en la web oficial del canal. En total, esta nueva temporada de ‘Twin Peaks’ consistirá de 18 horas de película divididos en capítulos de una hora cada uno.
El pasado mes de abril, la página de Facebook oficial de la serie revelaba la lista de nombres que conformaba el reparto de esta nueva temporada, en la que encontrábamos los nombres de varios músicos como Sky Ferreira, Chrysta Bell, Trent Reznor, Eddie Vedder, Sharon Van Etten o Ruth Radelet de Chromatics, además de la mítica Julee Cruise. Destacaban en la lista, también, los nombres de Naomi Watts, Amanda Seyfried o Michael Cera.
Este martes 10 de enero a las 21.00 en la Sala El Sol de Madrid se entrega el II Premio Ruido, el galardón creado por la PAM, Asociación Profesional de periodistas especializados en música, y que inspirado por el Mercury o el Polaris, reconoce al disco español del año. En cuanto a 2015, el ganador fue ‘Voces del extremo’ de Niño de Elche. En la ceremonia esta vez presentada por Arturo Paniagua actuarán algunos de los 15 nominados, como Aries, Kokoshca y Triángulo de amor bizarro. Cada artista tocará un par de canciones. También pincharán un par de miembros de Juventud Juché. JENESAISPOP invita a los 20 lectores más rápidos que aseguren que acudirán enviando un mail a jenesaispop@gmail.com con nombres y apellidos. Os dejamos de nuevo con el listado de nominados. Hagan sus apuestas.
Los lectores de JENESAISPOP habéis elegido como mejor canción del año ‘Into You’, el exitoso segundo single del último disco de Ariana Grande, quien a su vez tenía el 11º mejor álbum de 2016 para los lectores. A solamente un par de puntos de diferencia encontramos ‘Formation’ de Beyoncé y ya bastante distanciada de ambas ‘Drone Bomb Me’ de ANOHNI. La mejor canción española del año para vosotros ha sido ‘Antes de morirme’, al igual que sucedía con nuestra redacción.
Frank Ocean, autor del disco del año para los lectores, ocupa 5 posiciones entre las 69 mejores canciones del año (no es un guiño a Magnetic Fields, cortamos cuando empieza a contar el voto de una sola persona), mientras Bon Iver coloca 4 contando con su colaboración con James Blake. Kanye West, Beyoncé, Lady Gaga y Rihanna sitúan 3 temas en la lista, aunque curiosamente esta no llega al top 10 y no aparece ni con su hit internacional ‘Needed Me’ ni con su canción con Calvin Harris. También es curioso el caso de Radiohead, igualmente sitúan 3 temas en la lista pero ninguno es el single principal de su último disco, ‘Burn the Witch’, con diferencia la canción más escuchada del álbum ‘A Moon Shaped Pool’ en Spotify.
Varios artistas colocan dos canciones en esta lista, como es el caso de Triángulo de amor bizarro (con el mérito de que sean dos «no singles»), Las Bistecs, M83, Pet Shop Boys, Angel Olsen, The Weeknd y Tove Lo. Entre las ausencias más inesperadas, lo último de Charli XCX o el single de El Guincho con Mala Rodríguez.
El pasado 4 de enero, Maga anunciaba su nuevo disco, ‘Salto horizontal’, el primero desde 2011, cuando el grupo sevillano editó ‘Satie contra Godzilla’. El cuarteto, uno de los más destacados de la escena independiente nacional de los primeros 2000 gracias a sus tres primeros discos, regresaba en 2016 con una reedición de quince aniversario de ‘álbum blanco’, su debut, que contenía colaboraciones de Iván Ferreiro, Zahara, Julio de la Rosa o Xoel López, entre otros, y prometía disco nuevo para ese mismo que finalmente saldrá el próximo 24 de febrero. ¿Pero cómo será este disco? Miguel Rivera, voz de Maga, nos da unas pistas sobre el mismo. El primer adelanto, ‘Por las tardes en el frío de las tiendas’, sale el miércoles.
Vuestro nuevo disco, ‘Salto horizontal’, sale en febrero. ¿En principio no iba a salir en 2016? ¿Qué pasó?
Terminamos de mezclar a finales de octubre, preferimos dejarlo ya para principios de año.
¿Cómo suena este nuevo trabajo? Si lo comparáis con el resto de vuestros discos, ¿qué cualidades o cambios más importantes percibís respecto a los anteriores?
Ha habido una actualización en el sonido del grupo, gracias, entre otras cosas, al trabajo con Ángel Luján. Es, también, un disco más vitalista, más luminoso que trabajos anteriores.
¿Cómo se titula el primer single del disco y qué nos podéis contar de él? ¿Cómo suena la canción, qué nos cuenta, qué habéis querido expresar con ella?
Se llama ‘Por las tardes en el frío de las tiendas’. Creo que representa el espíritu de este nuevo sonido de Maga. Muy pronto podréis saber cómo suena, ya que Virgina Díaz va a estrenar este primer adelanto el miércoles en 180 Grados.
Si pudierais destacar una canción del disco que no sea el single, ¿cuál sería?
Dejemos primero que suenen las canciones. En las próximas semanas iremos adelantando más temas del disco.
Contadme sobre la bonita portada surrealista del disco que ha diseñado Fran Lemos. ¿Qué diríais que nos cuenta esta portada del disco?
Nos gusta mucho como trabaja Fran, somos fans desde que lo descubrimos. El trabajo con él ha sido muy fácil y fructífero. Le pasamos las canciones y le dimos total libertad para interpretar gráficamente lo que le evocaran. El resultado ha sido espectacular, es una gran aportación al disco y un complemento perfecto al imaginario de las canciones.
En las últimas temporadas, la alemana afincada en Asturias Fee Reega se ha mostrado como uno de los talentos más singulares e inusuales de nuestro panorama gracias a discos como ‘La raptora‘ o ‘Salvajada‘, además de sus colaboraciones con Pablo Und Destruktion y Nacho Vegas. Sin embargo, lo mejor de Fee parece que está aún por llegar y este año lanzará dos trabajos que prometen ser importantes.
En primer lugar, Fee ha fichado por el sello Humo (Balcanes, Fase Nuova, STA, etcétera) y en él lanzará su nuevo disco en solitario tras ‘Shoot’ (disco lanzado en 2015 y grabado enteramente en inglés). Lleva por título ‘Sonambulancia’ y verá la luz en el próximo mes de febrero. Hoy mismo se ha dado a conocer en redes sociales su fantástica portada, un fotomontaje en el que vemos a Fee en un espacio enorme junto a un objeto que podría ser de otro mundo… si no fuera porque finalmente se intuye que se trata de un caparazón de un animal marino. El primer adelanto de este álbum, el sofocante ‘Tequila’, fue presentado hace pocos días a través de un videoclip inquietante dirigido por David Ferrando Giraut. En él, Fee es protagonista de una historia alucinada y truculenta en la que están implicados, además de la propia Fee, un siniestro piloto y el fuselaje de un avión abandonado, al estilo ‘Lost’.
Pero, como decíamos, este no es el único proyecto de Fee en este 2017, puesto que la banda Captains, a la cual pertenece y que ha venido presentándose en directo en festivales como Monkey Week o Autoplacer, ha anunciado su fichaje por el sello Jabalina (Cineplexx, Doble Pletina, Klaus & Kinski…). Con él publicarán su álbum de debut, un disco en el que a buen seguro tendrá cabida un ‘Heavy Metal Works’ cuyo fantástico videoclip, dirigido por Amar Hernández, suma ya más de 67.000 visualizaciones en Vimeo, una cifra descomunal tratándose de esta plataforma y de un grupo nacional aún sin disco.
El joven realizador de vídeos y operador de cámara Travis Peterson ha sido encontrado muerto hace pocas horas, después de que se hubiera denunciado su desaparición el pasado día 29 de diciembre. Al parecer su cuerpo sin vida ha aparecido en el interior de un vehículo, no muy alejado de la zona en la que se le vio por última vez, cerca de Roseville (California). Tenía 40 años. Su mujer, Emilie Halpern, ha confirmado su desaparición en redes sociales.
Peterson había logrado hacerse un nombre como realizador de videoclips entre bandas alternativas de Los Ángeles. Entre sus trabajos más destacados se cuentan vídeos para Ariel Pink, Vivian Girls, La Sera, Nite Jewel o Glass Candy, de los que dirigió su primer videoclip. En los últimos tiempos, había trabajado como operador de cámara para la BBC, cubriendo la campaña electoral de Estados Unidos. Además, su relación con la música iba más allá de la dirección de clips, puesto que había pertenecido a varias bandas del área de Los Ángeles, reporta Pitchfork.
La artista que se ha mostrado más afectada por la pérdida de Peterson ha sido Julia Holter, una de las últimas artistas con las que colaboró: produjo ‘Everytime Boots’, una de las canciones de su aclamado último disco ‘Have You In My Wilderness‘. En varios tuits, la artista se ha mostrado consternada por la muerte de Travis, a la vez que ha recordado algunos de sus trabajos favoritos como realizador.
a lot of friends here stunned by the loss of Travis Peterson, artist, wonderful person. so sad, hard to find words. his videos are classics
La pasada noche se entregaron los célebres premios Globos de Oro 2017, en los que la película musical ‘La La Land’ ha batido récords de galardones. Pero, casi tanto como este hecho, la otra gran noticia que deja esta edición es el discurso que ofreció la actriz Meryl Streep en agradecimiento por el premio Cecil B. DeMille, por toda su carrera artística. Diferentes vídeos de su intervención se están haciendo virales tanto por la emoción de sus palabras como por el mensaje contra el próximo Presidente de los Estados Unidos, Donald Trump.
Aunque sin citarle de forma explícita, en su discurso Streep cargó contra el estilo autoritario y faltón de Trump, así como contra su discurso hacia la población inmigrante («Hollywood está lleno de extranjeros, de forasteros», dijo Streep) y hacia la prensa, coincidiendo con el hecho de que estos premios los entrega la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Especialmente significativo ha sido su recuerdo de la burla que Trump dirigió en campaña contra Serge Kovalevski, un periodista de The Washington Post que padece artrogriposis (un síndrome congénito que afecta a los músculos) y que fue imitado de forma burlona por el político. «Este instinto por humillar a alguien en público, por un poderoso, se filtra en la vida de todos, porque de alguna manera da permiso a otra gente a hacer lo mismo». También ha tenido unas palabras de recuerdo para su amiga recientemente fallecida Carrie Fisher (la ha llamado «Princesa Leia»), a la que interpretó en el film inspirado en su vida ‘Postales desde el filo’.
Ante la repercusión de las palabras de Streep, Trump no ha permanecido al margen, fiel a su estilo. Más bien al contrario, en mandatario ha usado su cuenta de Twitter para arremeter duramente contra la actriz, a la que ha calificado de «sobrevalorada» y de la que ha dicho que es una «lacaya» de Hillary Clinton (la intérprete de ‘Memorias de África’ participó activamente en la campaña de la candidata Demócrata). También ha negado que se burlara de Kovalevski, sino que simplemente le «humilló» por teóricamente demostrar sus mentiras sobre él. Y todo esto sin que el magnate haya tomado posesión de su cargo aún. Vienen cuatro años moviditos.
Pocas veces se tiene tan claro que se está ante algo grande, bien sea un clásico atemporal o un hit instantáneo, como cuando se escucha por primera vez el llanto post-ruptura de ‘Lost On You’. Con la dosis justa de dolor, desgarro y nostalgia y con una excelente toma vocal por parte de LP, la canción ha sido un éxito en Francia -número 1- o Italia -triple platino-, y podemos concluir a día de hoy que si no aparece en todas las listas de lo mejor de 2016 debe de ser únicamente porque en verdad se editó por primera vez en noviembre de 2015.
‘Lost On You’ ha supuesto el espaldarazo definitivo de la americana Laura Pergolizzi, pero no son precisamente sus primeros pasos. Tiene 35 años, su debut data de 2001, este es su cuarto largo y en este tiempo ha dado bastantes tumbos entre multinacionales, sellos independientes y, sobre todo, colaboraciones para otros artistas. Pergolizzi apareció en los créditos de ‘Beautiful People’ de Christina Aguilera, el último disco hasta la fecha de Cher y ‘Cheers (Drink to That)’ de Rihanna, uno de los temas incluidos en el multimillonario ‘Loud‘.
Desde el principio, LP se ha caracterizado por ser una cantautora de pop-rock de la escuela de otra compositora de iniciales «LP», Linda Perry. Y no porque ambas sean lesbianas, autoras de canciones de Aguilera cuyo título incluye la palabra «beautiful» o incluso porque colaboraran en el segundo disco de Pergolizzi: es que ‘Up Against Me’ hasta agradecería un sample de ‘What’s Up?’ en el momento en que se arranca con esos «hey, hey, hey». Como Perry, LP es una autora de voz desgarrada, melodías pop muy aptas para la radio y con tanto potencial para mostrar fuerzas como flaquezas.
En cuanto a producción, en cambio, ‘Lost On You’ es un disco mucho menos interesante. Cuando arranca con ‘Muddy Waters’, parece prometernos un álbum ambicioso de percusiones y sonoridades casi alternativas en la estela de Lorde. Sin embargo, tras ‘Lost On You’ desconcierta un tema de pop que podrían haber entonado Katy Perry, Gwen Stefani o Empire of the Sun como es el mencionado ‘Up Against Me’. Pese a que ‘No Witness’ está a punto de incorporar un rock y durante un segundo un drum&bass bastante curioso, el disco se pierde en un pop-rock un tanto ramplón (‘Tightrope’) que palidece frente a otros álbumes más ambiciosos en cuanto a orquestación y modernidad de Lana del Rey o incluso Ed Sheeran, a quienes recuerda en momentos puntuales.
Por letras, ‘Lost On You’ tampoco llega a ser un gran álbum de cantautora, personal o intimista, con momentos más optimistas, de autoafirmación y carpe diem que otros; mientras que en cuanto a sonido tampoco es un gran disco de pop hecho en 2016, más que nada anclado en aquellos años 90 en que aparecían cantantes como Anouk, Meredith Brooks, Alanis o triunfaba gente como Bryan Adams (eso cuando alguna pista no recuerda sino a la banda sonora de ‘El Rey León’). La gran baza de LP son los ganchos pop y, de otra cosa no, pero de ellos el disco sí va bien sobrado: hay hasta dos canciones seguidas con silbidito Western como son ‘Other People’ e ‘Into the Wild’ y, escuchando pistas como ‘Strange’, no cabe duda de que puede llegar tan lejos escribiendo para otros o para sí misma como Sia.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘Lost on You’, ‘No Witness’, ‘Other People’, ‘Strange’ Te gustará si te gusta: 4 Non Blondes, Lana del Rey Escúchalo:Spotify
Según informan hoy diarios como El Mundo, Jacobo Rivero, director de Comunicación y Gestión de Medios de la empresa municipal Madrid Destino, ha anunciado que el próximo día 16 de enero comenzarán la emisiones regulares de M21, emisora de radio de contenido cultural auspiciada por el Ayuntamiento de Madrid. Aunque hasta el día 13 de febrero la parrilla de la emisora no estará completa, la próxima semana comenzarán las emisiones de M21 con un magazine matutino llamado ‘En construcción’, al que se irán sumando poco a poco el resto de espacios que irán conformando la programación definitiva de la emisora. M21 ha estado emitiendo en pruebas en los últimos meses, con programas realizados en prácticas por alumnos de la Universidad Rey Juan Carlos y diversos cursos de formación.
En la programación de M21 “habrá programas de flamenco, de jazz, de música clásica, de rock and roll, de electrónica, también de teatro, danza y artes escénicas, de cine (…) y de museos”, según Rivero. Este también ha desvelado el nombre de tres de los presentadores con los que contará la emisora: además de Pablo Sanz, periodista cultural de El Mundo que conducirá un programa de jazz, M21 acogerá el regreso a la FM de dos insignes de la radio musical española como Diego A. Manrique y Jesús Ordovás.
Ambos fueron despedidos de Radio 3, emisora musical de Radio Televisión Española, en 2010 y 2007 respectivamente, tras estar al frente durante décadas de dos programas radiofónicos como ‘El Ambigú’ y ‘Diario Pop’, que tanto han marcado y enseñado a muchos amantes de la música pop en nuestro país. Manrique, Premio Nacional de Periodismo Cultural en 2014, mostraba en el primero su profundo conocimiento de la historia del pop y del rock, además de un gusto exquisito y diverso, mientras que en el segundo, Ordovás alumbró la efervescencia de varias generaciones de artistas nacionales. Por el momento se desconocen más datos sobre sus programas ni si mantendrán estas cabeceras en M21 o cambiarán de nombre.