Father John Misty opina que la industria musical es «categóricamente anti-mujeres»

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15 marzo, 2017

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Nena Daconte, o lo que es lo mismo, su única integrante, Mai Meneses, ha concedido una entrevista a El Municipio en la que ha hablado claramente y sin tapujos sobre temas como el aborto (está en contra), su fe católica o sus excesos, además de su nuevo disco, que «no habría salido a la luz sin el apoyo de sus padres, de su marido, de sus hijos y de Dios.»

Meneses, que fue criticada duramente en las redes sociales en 2012 cuando anunció que cantaría en un concierto contra el aborto, vuelve a defender en la entrevista el derecho a la vida e insiste que abortar es «algo malo». «Quienes defienden el aborto dan razones desmoralizándolo: “es una célula, o como si te sacaran una muela…”. Eso no es verdad: ahí hay un ser humano, hay una vida que se interrumpe. Puedo llegar a entender que haya una ley que contemple una serie de causas por las que una madre pueda abortar, y que tenga con su conciencia los conflictos que sea, pero lo que ha hecho sigue estando mal».

En cuanto a su fe en Dios, Meneses afirma que nunca ha sido más intensa que en la actualidad. «He tenido épocas duras en las que no he creído [en Dios] o estaba enfadada con Él. Pero ahora puedo decir que sí: creo en Dios y voy a misa. Y cuanto más voy a misa, más creo en Dios; y cuánto más rezo, más fe tengo. Me gusta ir a misa de niños con mis hijos y oír que Dios es mi amigo, y que si no quedo con Él, se enfría la fe, como en cualquier relación». A Meneses no le preocupan las críticas de quienes cuestionen su fe: «Es más cool ser ateo y progresista», asegura, «pero yo creo en Dios, y eso que por mi entorno muestro ser muy moderna. En España parece que no podemos tener creencias religiosas, pero ya me da igual».

En cuanto a sus excesos, Meneses recuerda que ahora está bien, pero que en su momento se pasó «con… de todo». «Eso te descompensa químicamente, y si encima eres una persona de pensar mucho, la cosa empeora. De algo así se sale con tiempo, yendo al médico y haciendo piña con la gente que te quiere de verdad. Yo volví a casa con mis padres… y a Dios. Después de dos hijos entiendo y quiero mucho más a mi madre, porque yo he sido superrebelde».

En los últimos años, la inestabilidad emocional interrumpió el proceso creativo de Meneses. «Al casarme cerré la puerta de la inestabilidad emocional para estar tranquila y disfrutar de mi marido, de mi familia, de hacernos mayores», señala, pero el sucesor de ‘Solo muerdo por ti’ podría estar cerca. «Después de casarme dejé de componer canciones dramáticas porque no encontraba esos sentimientos en mi corazón. En mi próximo disco vuelvo a abrir esa puerta porque después de alguna discusión voy guardando el recuerdo de esos sentimientos para poder componer».

Cameron Avery / Ripe Dreams, Pipe Dreams

Por

Sebas E. Alonso

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15 marzo, 2017

Que Cameron Avery sea bajista de Tame Impala desde 2013, ex miembro de POND y líder del proyecto de garage The Growl no es una información tan útil para comprender su primer disco firmado con su nombre como el hecho de que haya teloneado por su cuenta a The Last Shadow Puppets o se haya hecho colega de The Horrors. Sobre todo si pensamos en el proyecto paralelo de Faris Badwan, Cat’s Eyes. Recapitulo: tenemos a tres bandas de primera línea, como son Arctic Monkeys, The Horrors y Tame Impala, cuyos miembros están mostrando otras inquietudes más clásicas, más de «crooner» y más de «chanson». Menos de componer hits para el festival de verano. Más de reivindicar a los viejos románticos.

Avery cita a Frank Sinatra, Elvis Presley o Etta James entre sus influencias, y todas las que podemos añadir en ‘Ripe Dreams, Pipe Dreams’ son bastante lejanas a Tame Impala. El disco se abre con un tema muy del primer Scott Walker, ‘A Time and Place’. Richard Hawley podría ser una referencia en ‘Big Town Girl’. ‘Disposable’ se abre como una canción de Adam Green antes de convertirse en otra de Father John Misty, y por si hay alguna duda de que, como Alex Turner, se ha empollado los discos de Nancy Sinatra con Lee Hazlewood, ‘Dance With Me’, un tema que reúne a Hawley con Cohen, Mark Lanegan y Rialto, contiene la frase «These lips ain’t just for talking / and these boots ain’t just for walking / won’t you dance with me?».

En este cúmulo de clichés por el que también podrían asomarse de vez en cuando Neil Hannon o Vincent Delerm, hay lugar para cierta variedad sin salirse de los cánones de la solemnidad. ‘Watch Me Take It Away’ podría ser una canción de Elvis o Chris Isaak producida por Jack White, mientras el disco se cierra (antes del necesario «edit» de ‘C’est toi’) con un tema hablado de 8 minutos llamado ‘Whoever Said Gumbling’s for Suckers’. Eso sí, para entonces, Cameron parece un poco perdido entre un fondo siniestro que podría haber pertenecido a Serge Gainsbourg o a Nick Cave, una interpretación vocal de nuevo muy Cohen (coros femeninos incluidos) y cierta comicidad o parodia en esa letra que retrata a una pareja de pequeños delincuentes, que incluye a ella quitándose un sujetador y lanzándolo por ahí y al ex de ella siendo atracado por la pareja y meándose encima.

‘Ripe Dreams, Pipe Dreams’ funciona mucho mejor cuando rima «All the lies you recited» con «And my love, unrequited» (‘Do You Know Me My Heart’), se dedica a lamentar cosas como «I felt like half a man with half a breath» (‘An Ever Jarring Moment’), a realizar reproches como «At least you could’ve waited / Till our lust started fading / But your trust isn’t all that it seems» (la ya citada ‘Do You Know Me By Heart’) o a mostrar cierto sentido del humor en la derrota amorosa («Could I suit her better / Than that dark-blue sweater? / Probably not», en ‘Big Town Girl’).

Sobre todas ellas relucen ‘Disposable’, como su propio nombre casi indica, un himno; y el maravilloso single ‘Wasted on Fidelity‘, también de gran título y con una sección de cuerdas y una letra sobre adicciones que dicen cosas muy buenas de Avery como compositor clásico. Además, ¿cuánto drama puede caber en un instrumental de un minuto y medio? ¿Qué hay de darle un nombre como ‘The Cry of Captain Hollywood’? Abre otra botella de vino: el invierno todavía no se ha terminado. Volverá a ser San Valentín cada día que te pongas este disco.

Calificación: 7/10
Lo mejor: que exista un tema llamado ‘Wasted on Fidelity’ y que sea tan bueno. También ‘Disposable’, ‘C’est toi’, ‘Do You Know Me By Heart’
Te gustará si te gusta: Lee Hazlewood, Father John Misty, Richard Hawley
Escúchalo: Spotify

4 canciones que prueban por qué el regreso de Feist importa

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14 marzo, 2017

Feist ha anunciado ‘Pleasure’, su nuevo disco, el mismo que sabíamos saldría en abril. ‘Pleasure’, que sucede al notable ‘Metals’, editado en 2011, se edita el 24 de abril. De momento no hay single, conque aprovechamos para reivindicar cuatro joyas del repertorio de Feist fuera de Broken Social Scene que prueban por qué su regreso importa.

‘Pleasure’:

01 Pleasure
02 I Wish I Didn’t Miss You
03 Get Not High, Get Not Low
04 Lost Dreams
05 Any Party
06 A Man Is Not His Song
07 The Wind
08 Century
09 Baby Be Simple
10 I’m Not Running Away
11 Young Up

La sirena

Feist autoeditó su primer disco, ‘Monarch’, en 1999, pero solo se vendió en conciertos y sigue agotado. Tampoco está en streaming. Curiosamente ‘Monarch’ encaja más con el repertorio que esperaríamos ahora de Feist ahora que ‘Let it Die’, sobre todo gracias a canciones de Americana tan bonitas como ‘La sirena’ o este agradable soplo de viento que es ‘The Onliest’.

Gatekeeper

La canción que abre ‘Let it Die’ es una oda al verano, no solo por su sonido sino también por su letra, que da la bienvenida a esta estación y a las vivencias que con ella vendrán. No necesita Feist más que una guitarra acústica y unos pocos arreglos ornamentales, además de su preciosa voz, para construir una de esas primeras canciones de un disco que conquistan al instante. No dejéis de escuchar la emocionante ‘Amourissima’.

The Water

El segundo disco de Feist, ‘The Reminder’, contiene ‘1234’, la canción de 2007 para JENESAISPOP, pero también es un disco de baladas introspectivas, como la gran ‘The Limit to Your Love’ que versionó James Blake o ‘The Water’, que saca la cámara jazz a un evocador exterior nocturno para construir una canción de belleza lunar. ¿Es su letra un recuerdo del huracán Katrina?

A Commotion

Sin abandonar la serenidad espiritual que evoca su voz, Feist se servía en ‘A Commotion’, incluida en su último disco hasta la fecha, de formas más agresivas, un poco Arcade Fire, para contarnos lo que parece una metáfora sobre el mal de la envidia, y sorprendía por el golpe de efecto de su estribillo, que presenta unos coros masculinos que gritan «a commotion!» como si se hubieran perdido en su camino a una canción de Kate Bush.

Rechazada la entrada de YUNG BEEF a Estados Unidos, donde viajaba para actuar en SXSW

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14 marzo, 2017

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YUNG BEEF era uno de los artistas nacionales invitados a actuar en el festival SXSW de Austin, como parte del programa Sounds from Spain, este mes de marzo, pero ya no va a poder ser.

La Vendición Records, sello de YUNG BEEF y Los Santos (antes PXXR GVNG), entre otros artistas, anuncia hoy que YUNG BEEF no ha podido volar a Estados Unidos debido a que su ESTA (Autorización de Viaje a Estados Unidos) le ha sido rechazada en la misma puerta de embarque del aeropuerto. No se apunta motivo concreto.

La ESTA ha de ser solicitada con 72 horas de antelación. De ser rechazada, el interesado en visitar el país debe solicitar Visa de Visitante B-1 (solo para personas que trabajarán en el país temporalmente) o Visa de Turista B-2 (solo para turistas).

El sello apunta que el apoyo del Instituto Español de Comercio Exterior como el Ministerio de Economía, Industria y Creatividad y el propio South by Southwest no ha servido para que YUNG BEEF pueda viajar a Estados Unidos.

YUNG BEEF es solo uno de varios artistas a los que la entrada a Estados Unidos les ha sido denegada. Otras bandas como Massive Scar Era o Yussef Kamaal también han tenido que quedarse en tierra. El grupo italiano Soviet Soviet incluso fue deportado tras llegar a Seattle, donde hacía escala para viajar a Austin, después de ser esposado e interrogado durante horas.

Este es el comunicado oficial de La Vendición Records en Facebook:

La Vendicion Records cancela su paso por el festival de Austin Texas SXSW, en el cual presentaba al artista Yung Beef (que viajaba junto a Hakim Lemonhaze, AC3, Mthbts y ElRotwa).

La visita se ve cancelada debido a la denegación de la ESTA de Yung Beef por el gobierno Americano, y su notificación en la puerta de embarque sin previo aviso.

A pesar del apoyo recibido por ICEX , MINECO y SXSW, no se ha podido cambiar el estado de la ESTA, por lo tanto Yung Beef no actuará en los showcases programados por SXSW, Remezcla y SFS.

Nos quedamos en tierra.

Ya no eske no me dejen entrar en la diskoteka eske no ne dejan entrar en el pais

— KING BEEF (@secoweedcodein) March 14, 2017

Incendio, ruptura y drama en el vídeo de ‘Diciembre’ de La Oreja de Van Gogh

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14 marzo, 2017

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La Oreja de Van Gogh estrena vídeo para otro de los singles incluidos en su último disco, ‘El planeta imaginario’. El tema es ‘Diciembre’, uno de los más pegadizos del álbum, y el vídeo nos cuenta la historia de una muerte en un incendio como metáfora de una relación amorosa que ha llegado a su fin pero que nuestra protagonista no logra olvidar.

La Oreja presenta ‘El planeta imaginario’ en varios puntos de España en los próximos días y semanas. El grupo estará el 18 de marzo en Barcelona (entradas), el 22 de abril en Murcia (entradas) y 23 de abril en el Hospitalet de Llobregat (entradas). Los tickets para su concierto de fin de gira el 28 de diciembre en Madrid también están disponibles.

Tras estos shows, La Oreja parte hacia América. Al grupo le esperan conciertos en 14 de las principales ciudades de Estados Unidos, entre ellas, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Dallas, Washington, Chicago y Miami; así como presentaciones en Argentina y Chile. En julio y septiembre, La Oreja regresa a España a presentar ‘El planeta imaginario’ y vuelve América en octubre, donde ofrecerán ocho conciertos en otras tantas ciudades.

‘El planeta imaginario’ continúa en el top 40 de los discos más vendidos en España según la clasificación de Promusicae. Esta semana es top 38.

La foto que muestra la recuperación de José Marín ‘Chino’ de Supersubmarina

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14 marzo, 2017

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Varios medios publican hoy una foto que alegrará el día a los seguidores y seguidoras de Supersubmarina, el popular grupo de pop-rock de Baeza, Jaén que sufrió un grave accidente de tráfico en agosto de 2016, cuando su furgoneta chocó contra un turismo, dejando a varios de los componentes del grupo en estado grave, entre ellos a su cantante José Marín ‘Chino’, que quedó atrapado en la furgoneta y hubo de ser intervenido de traumatismo craneoencefálico el mismo día del siniestro. ‘Chino’ era, junto a Juanca Gómez, el miembro de Supersubmarina que más tiempo permaneció hospitalizado tras el accidente. Figuras de la música y la política enviaban sus ánimos al grupo poco después de lo sucedido.

La foto en cuestión, publicada en la página de Facebook de Francisco Marín, padre de ‘Chino’, retrata al cantante de Supersubmarina aparentemente recuperado y sonriente junto a su familia. Marín padre ha acompañado la foto con un texto en el que cuenta que se encuentra junto a su hijo «tomando el sol y disfrutando de su recuperación”.

Supersubmarina es uno de los grupos de pop-rock más exitosos de España. Su último disco, ‘Viento de cara’, que se presentaba con un videoclip de gran factura, salió en 2014.

Actress anuncia nuevo disco y crea la «vitamina musical de la Metrópolis»

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14 marzo, 2017

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Actress, el productor de tecno abstracto autor de ‘Ghettoville’, ha anunciado nuevo disco, ‘AZD’, para el 22 de abril. Edita Ninja Tune. El productor londinense describe ‘AZD’ (pronunciado «azid») como «un viaje a un mundo paralelo reflejado en cromo». El primer adelanto es ‘X22RME’.

Pero ‘AZD’ será más que un simple disco. Actress presenta con él un «nuevo sistema musical», un instrumento musical inteligente llamado AZD que estrenará a modo de prueba en el festival Converge de Londres el 24 de marzo y que será una especie de «pastilla sonora de comunicación, translúcida e insoluble, sinergizada a través de interpretaciones impresionistas de equipo tecnológico». «Esta es la vitamina musical de la Metrópolis», concluye Actress.

Actress es el proyecto de electrónica de Darren Cunningham, que editó su primer disco, el aclamado ‘Szplash’, en 2010. Al mismo continuó el notable ‘R.I.P.’ y el mencionado ‘Ghettoville’, tres obras de tecno tenebroso, denso y errático que constituyen uno de los repertorios más peculiares y sorprendentes que ha dado la música electrónica en años.

‘AZD’:

1. NIMBUS
2. UNTITLED 7
3. FANTASYNTH
4. BLUE WINDOW
5. CYN
6. X22RME
7. RUNNER
8. FALLING RIZLAS
9. DANCING IN THE SMOKE
10. FAURE IN CHROME
11. THERE’S AN ANGEL IN THE SHOWER
12. VISA

‘En busca de los discos perdidos’: el olor, las rayadas y las notas de tu LP importan

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Sebas E. Alonso

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14 marzo, 2017

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El periodista Eric Spitznagel es conocido por su trabajo para medios como Rolling Stone, Playboy o Vanity Fair, pero también como autor de una biografía del actor y director de cine porno Ron Jeremy o una parodia sobre ‘Los vigilantes de la playa’. Entre otros proyectos como dedicarse a los guiones del porno de autor o una guía de comida basura, ha encontrado tiempo para escribir un libro musical que solo por su planteamiento ya tiene un pequeño hueco en la historia de la música pop.

En plena crisis de mediana edad y después de una entrevista real con Questlove que deja a este horrorizado cuando se entera de que Eric Spitznagel ha vendido toda su vieja colección de discos por cuatro duros, el autor ha escrito este libro sobre un tipo demasiado parecido a sí mismo que dedica su vida a tratar de recuperar los álbumes que vendió. No copias similares disponibles a un clic en Discogs, sino exactamente los mismos discos que él tenía de pequeño o adolescente: la copia de un álbum de Bon Jovi con el teléfono de su primera novia escrito en la portada, la copia de un álbum de los Rolling pisoteada por un jefe con muy mala baba, el que olía a marihuana porque era el escogido para esconderla, el que escondía una carta porno, etcétera.

El propósito de Spitznagel, lleno de fetichismo, llega en el mejor momento posible: justo cuando el formato físico importa menos y su planteamiento, por tanto, resulta más rocambolesco y absurdo. Por mucho que haya subido tímidamente la venta de vinilos, la digital y la de CD’s está bajo mínimos debido al empuje del streaming, y el hecho de gastar 20 euros en un viejo álbum es una marcianada ya para algo más de una generación. Así que qué decir de este protagonista preparado para soltar billetes de dólares de los grandes -que por cierto no tiene porque su hermano es rico pero él todo lo contrario- en discos que no necesita, solo por hacerse una paja nostálgica.

‘En busca de los discos perdidos’ es todo un reencuentro para aquel que haya sentido algo alguna vez por un álbum físico. Y eso incluye rayadas, cartones despegados y esos discos que por fabricación o el uso que les has dado cuentan con un olor propio. Al desaparecer de nuestras vidas, como dice Jeff Tweedy de Wilco en el prólogo «algo significativo se pierde, y se trata de algo que jamás se puede recuperar» ni con todos los Spotifys del mundo. Particularmente toda la historia que rodea al ‘Slippery When Wet’ de Bon Jovi es muy divertida: un disco comprado solo para impresionar a alguien termina siendo el único objeto superviviente a un grave accidente de coche, pasado por agua, un radiador y convertido en definitiva «en arte dadaísta».

Pero además de humor, el libro, de manera coyuntural, contiene un buen retrato social de lo que cierto tipo de música significó para los jóvenes de los 70 y los 80. Qué disco había que escuchar para parecer un machote, cuál tenías que ocultar que te gustaba, cuál tenía que comprar «como buen pringado que aspira a hipster» quien pensara que esta idea servía para algo. En aquellos días en que grabar una cassette (un «mezcladito» habría sido mejor traducción que «mixtape») a alguien era claramente «una forma de decir «quiero follarte a toda costa»» se vendían millones de copias y la gente de clase media gastaba de hecho una parte de su sueldo en hacerlo. Por contraste, tenemos el retrato de hoy: gente que ya ni conoce un hitazo que odiabas, lo cual te saca de tus casillas más que el éxito de la propia canción en su día (la elegida es la pobre ‘Brown Eyed Girl’ de Van Morrison); gente que compra «discos que están en un estado lamentable sólo porque tienen un valor kitsch», y gente que se alegra de ver discos de Flaming Lips en una tienda como si fueran una rareza, porque al fin y al cabo la música es ya hoy «una cosa que puedes adquirir en casa sin necesidad de ponerte los pantalones».

La búsqueda de la cita, y hay algunas bastante buenas, como «la música country es triste sin comillas, no triste a la manera de Morrissey, donde la amargura está amortiguada por la inteligencia», obsesiona demasiado a este periodista poco acostumbrado a escribir novela, y eso se lleva por delante parte de las posibilidades del libro, que no es exactamente ‘Alta fidelidad’ de Nick Hornby. El relato es ágil para amantes de la música pero no tanto para el público casual, que va a quedarse sentado esperando algún tipo de clímax final en esa especie de reunión imposible de personajes que el autor no se ha molestado en desarrollar. Sin embargo, hay otro clímax que aparece mucho antes en el relato que hay que reivindicar: ese momento en el que en un concierto de revival de Replacements, lloviendo y con un vinilo encima como un gilipollas, se evidencia frente al lector cuánto se abusa de buscar en el pasado cuando todavía hay vida que dar a tus vinilos (y a ti mismo) en presente. 7.

Joaquín Reyes presenta a Susana Díaz como “la khaleesi” del PSOE

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14 marzo, 2017

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Parece que el cómico Joaquín Reyes ha vuelto con fuerza a El Intermedio de La Sexta, con esa sección en la que se transforma en personajes populares, que ahora se llama ‘Zanguangos’ pero que siempre hemos conocido como “celébritis”. Tras desencajarnos con su imitación de Donald Trump, con plot-twist final incluido, ayer le tocaba el turno de meterse en el papel de la presidenta del PSOE andaluz y candidata a Secretaria General del PSOE Susana Díaz.

Con una caracterización acojonante, Reyes-Díaz comienza aludiendo al papel de Daenerys Targaryen en ‘Juego de Tronos’, llegando a remo “a Poniente” como “la khaleesi que llega a la capital para liberar al pueblo de la derecha insensible y hacerlos hombres libres”, echándose unos bailes al son de la sintonía de la serie de HBO. La “mader of dragons” muestra su resistencia a quemarse en una remozada sede de la calle Ferraz: un tablao flamenco con la foto de Pablo Iglesias (el original) al fondo, a la que quiere llegar para quedarse. Asegura que le gustaría llevarse a todos los andaluces con ella, menos a Andy y Lucas, porque “el flamenquito para un rato está bien, pero para todo el año es muy estomagante”.

Entre puyas a sus presumibles rivales en las próximas primarias del PSOE, Patxi López y Pedro Sánchez, asegura que se presentará por “el tole-tole” de la gente, que le pedía que se presentara y saliera a bailar. Y ahí es cuando ha recuperado aquella célebre imitación de Robert Smith bailando la canción ‘La palmera’. Definitivamente, se agradece el regreso de las personificaciones de Reyes, aunque es una pena que vayan a limitarse únicamente al ámbito político-social del programa conducido por El Gran Wyoming.

The Chameleons se despiden de su batería de siempre, John Lever

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14 marzo, 2017

El batería original del crucial grupo de post-punk-pop británico The Chameleons, John Lever, ha fallecido en las últimas horas. Al parecer, ha padecido una breve enfermedad que no ha podido superar, según ha podido saberse a través de las condolencias enviadas por Mark Burgess, compositor principal y vocalista del grupo de Manchester.

“Estoy profundamente apenado de contar que esta tarde he sabido que John lever moría esta mañana tras un breve periodo de enfermedad. Queremos ofrecer nuestra más sincera y sentida simpatía a la madre de John, a su hermana y sus dos hijos en este momento terrible”, decía Burgess en el comunicado.

Burgess y Lever, junto con Reg Smithies y Dave Fielding, formaron The Chameleons en 1981. Auspiciados por el mítico John Peel en su programa de radio, el grupo se convirtió durante sus 6 primeros años de existencia en una de las piezas fundamentales del pop rock independiente británico. Su post-punk melódico llegó a situarse gracias a discos básicos como ‘Script of the Bridge’, ‘What Does anything Mean? Basically’ y ‘Strange Times’ a la altura de The Cure o Echo and The Bunnymen. Su influencia en bandas posteriores de todas las épocas posteriores ha sido enorme (recordamos citas explícitas de Surfin Bichos o Sr. Chinarro, por ejemplo). Tras separarse en 1987, el grupo, de nuevo con Burgess y Lever como núcleo duro, regresó en el año 2000, publicando tres nuevos álbumes antes de volver a disolverse y regresar como ChameleonsVox en 2009 para interpretar sus primeros discos.

No habrá más artistas tamaño Coldplay en el álbum de The Chainsmokers

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14 marzo, 2017

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En las últimas horas han trascendido nuevos detalles sobre el nuevo álbum del dúo de productores de moda, The Chainsmokers, que con singles como ‘Closer’ o ‘Don’t Let Me Down’ se alzaron como la revelación comercial más importante de 2016. De acuerdo con un tuit del grupo, ’Memories… Do Not Open’, que así se llama el primer largo de Andrew Taggart y Alex Pall, contendrá 12 cortes incluyendo los singles ‘Paris’ y ‘Something Just Like This’, el tema que han compuesto junto a Coldplay y cuyo éxito solo está siendo contenido por Ed Sheeran, al menos en UK. Se publica el día 7 de abril.

De su tracklist llama la atención que, pese a que se había hablado de colaboraciones del calado de Dua Lipa o incluso Selena Gomez, finalmente los artistas invitados no son de tanto renombre como parecía. Como, por otro lado, venía siendo costumbre en EPs como ‘Bouquet’ o ‘Collage’. Excluyendo a Coldplay, los más populares son el dúo country pop Florida Georgia Line, de gran éxito en EE UU, la francesa Louane (que no canta, como se pensaba, en ‘Paris’ sino en ‘It Won’t Kill Ya’) y Emily Warren (co-autora de ‘Don’t Let Me Down’).

Esta semana The Chainsmokers también son actualidad por una completa entrevista ofrecida a NME. En ella, se esfuerzan mucho por dar una imagen distinta a la que buena parte de los aficionados a la música tienen de ellos, probablemente a causa de otras entrevistas, como aquella ofrecida en Billboard donde se metían gratuitamente con Lady Gaga. “Te juro que no somos gilipollas” es el titular estrella de la entrevista. Redundan en ello: “La gente dice “Oh, dios mío, son tan bros”. Y nosotros decimos “¡No! Nos burlamos de los bros”. [Ndr: en EE UU se llama así a los arquetípicos universitarios descerebrados de hermandad, que solo piensan en fiestas, chicas, etc.]

Tracklist:

1.»The One»
2.»Break Up Every Night»
3.»Bloodstream»
4.»Don’t Say» (featuring Emily Warren)
5.»Something Just Like This» (with Coldplay)
6.»My Type» (featuring Emily Warren)
7.»It Won’t Kill Ya» (featuring Louane)
8.»Paris»
9.»Honest»
10.»Wake Up Alone» (featuring Jhené Aiko)
11.»Young»
12.»Last Day Alive» (featuring Florida Georgia Line)

The Divine Comedy, Hercules & Love Affair y Amateur (ex-La Buena Vida), al festival entre caballos Donostia Kutxa Kultur

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14 marzo, 2017

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Como anunciamos hace semanas, el festival guipuzcoano Donostia Kutxa Kultur tendrá este año una edición muy especial. Por vez primera y curiosamente, se celebrará los días 15 y 16 de septiembre en el Hipódromo de Donostia, lo cual permitirá ampliar su aforo hasta unas 8.000 personas. Pero es que además, entre concierto y concierto, se podrán presenciar carreras de caballos. Entonces se confirmaba a The Jesus And Mary Chain, The Hives y Love of Lesbian, y hoy llega otra nueva tanda de interesantes confirmaciones.

La encabeza Neil Hannon y sus The Divine Comedy, de los que aún se recuerdan los fantásticos conciertos ofrecidos en su reciente gira invernal de presentación de ‘Foreverland‘. Junto a ellos, también se suman Hercules & Love Affair, que están a punto de publicar su nuevo álbum de estudio (podéis escuchar más abajo su single junto a Faris Badwan de The Horrors), y a Amateur, nueva banda formada por ex-integrantes de La Buena Vida que presentarán su primer disco en este festival de su propia ciudad. Junto a ellos, también se ha anunciado a Jeremy Jay, Kokoshca, Depedro, Zea Mays y Vanessa Zamora.

El precio de los abonos para Donostia Kutxa Kultur Festibala están ya a la venta en Ticketea a un precio de 45€ + gastos de distribución, desde hoy, martes 14 de marzo, hasta el día 19 de abril.

Mónica Naranjo se desata en El Hormiguero: “Hay unas cosquillitas que te llegan a la patatona”

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14 marzo, 2017

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La cantante Mónica Naranjo acudía anoche al programa estrella del access-primetime televisivo español, El Hormiguero. Lo hacía para hablar de la reedición de su último disco, ‘Lubna’, que se situó sorpresivamente entre los discos más vendidos de 2016. Pero, sobre todo, su presencia se debía a su regreso como jurado al formato ‘Tu cara me suena’, esta vez en el concurso de participantes anónimos, ‘Tu cara no me suena todavía’.

Supone su regreso a la cadena de Atresmedia tras unos años de ausencia, después de haber sido jurado de las tres primeras temporadas del talent-show. En el primer programa, además, tuvo que valorar a una mujer que la imitó a ella. La intérprete de ‘Europa’ estaba encantada con su vuelta, y no paraba de reírse constantemente (por momentos, pareció que podría “hacerse un Cigala”).

Lo más picante, certificando lo desatada que llegó ayer al programa conducido por Pablo Motos, llegó cuando accedió a practicarle al presentador, con el que le gusta jugar a estas cosas en sus numerosas visitas, uno de sus trucos de seducción infalibles, en este caso un ronroneo sensual al oído. La Naranjo se extendió en su explicación, hablando de “unas cosquillitas que llegan a la patatona” (sic). Un vídeo inenarrable. Mónica parece haber encontrado un buen filón jugando con la sensualidad: recordemos que hace poco era noticia su beso con Marta Sánchez durante un concierto en México.

¿Logrará “el sonido de ‘The Neon Demon’” la misma trascendencia que la BSO de ‘Drive’?

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14 marzo, 2017

La excelente BSO de ‘Drive’, filme del controvertido director danés Nicolas Winding Refn del año 2011, logró revitalizar la estética del synthpop más oscuro y la música del giallo italiano en la cultura popular de esta década, acercándola a una generación que, de otro modo, quizá hubiera sido ajena a esa corriente. E, impulsados por ella, bandas y artistas contemporáneos pero inspirados en la nostalgia como Kavinsky, Chromatics o Electric Youth lograron una relevancia inusitada. Y, también, S U R V I V E tuvieron el camino un poco más fácil con la BSO de ‘Stranger Things’.

Tras estrenar el pasado año ‘The Neon Demon’ su aún hoy discutido último filme, el realizador ha preparado una nueva compilación que recoge la música que le ha inspirado en la creación del film, y viceversa, según explica en una entrevista con Consequence of Sound. No podemos, en este caso, hablar de una banda sonora, puesto que ese trabajo ya fue realizado por el compositor Cliff Martinez, contando con la participación de Sia y Diplo.

El día 14 de abril se publica pues ‘The Wicked Die Young’, un disco que reúne tanto algunas viejas favoritas de Suicide, Johnny Thunders & The Heartbreakers, Dionne Warwick, Giorgio Moroder o Sparks, como la del hijo del director, Julian Winding, o el dúo canadiense Electric Youth, antes citado, que se hicieron populares gracias a su aparición en el film protagonizado por Ryan Gosling.

Precisamente hoy se ha dado a conocer el tema que estos aportan al álbum y que lo abre, precisamente. Se trata de ‘Good Blood’, un tema ambiental que revive la atmósfera de sus películas con gran tino. ¿Logrará este nuevo disco alumbrar a nuevos artistas como logró ‘Drive’ con Brigitte Laverne o Nightcrawler?

‘The Wicked Die Young’ Tracklist:

01. Electric Youth – “Good Blood”
02. Lynsey de Paul – “Won’t Somebody Dance With Me”
03. Suicide – “Cheree (1998 Remastered Version)”
04. 999 – “Homicide”
05. Johnny Thunders & The Heartbreakers – “Pirate Love”
06. Dionne Warwick – “(Theme From) Valley of the Dolls”
07. Tommy Seebach – “Bubble Sex”
08. Amanda Lear – “Follow Me”
09. Giorgio Moroder – “Knights In White Satin”
10. Sparks – “The No. 1 Song In Heaven”
11. Cliff Martinez – “Becoming”
12. Pino Donaggio – “Dressed to Kill (Pulsion) (1980) – The Shower (Theme from Dressed to Kill)”
13. Claudio Gizzi – “End Of A Myth”
14. Julian Winding – “When You Want To Hurt Someone”

Charli XCX / Number 1 Angel

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14 marzo, 2017

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Si el concepto de PC Music pareció un día irónico -y en cierto modo no cabe duda de que lo fue-, la nueva «mixtape» de Charli XCX, ‘Number 1 Angel’, disipa cualquier noción de burla a la superficialidad del pop comercial que pudieran albergar los primeros clásicos de SOPHIE o incluso su propio EP del año pasado. Puede que Hannah Diamond siga provocando cierta repulsión más propia de la hipótesis del valle inquietante que de la radiofórmula, pero las colaboraciones de PC Music con Carly Rae Jepsen o LIZ no pueden apreciarse irónicamente, pues son fabulosas.

‘Number 1 Angel’ desarrolla esta estética elocuentemente (A.G. Cook produce medio disco; se reparte labores con SOPHIE o Danny L. Harle, entre otros) a través de canciones buenas y otras más modestas pero, sobre todo, plantea una tesis firme, la de que PC Music puede ser más que un concepto futurista; que puede ser, y ya es, el presente. De ello convence el hit del disco, ‘Roll with Me’, un número de electropop ultravitaminado que pide una buena córeo de «voguing» a gritos (¿solo me pasa a mí?), pero también el robodrama místico de ‘White Roses’, que revela su verdadero ser con las escuchas. ‘3AM (Pull Up)’ con MØ, con su mezcla de ritmos pseudo-latinos, estribillo apasionado y artificialidad cyborg, es el gran momento P-O-P del disco.

Luego están los temas con los que comprensiblemente el sello de Charli ha tenido dudas. Tras el ataque de rayos láser de ‘Lipgloss’ con cupcaKKe no hay mucha chicha, el esmalte ultrapop de ‘ILY2’ no disimula la pobreza de su estribillo, ‘Babygirl’ con Uffie -sí, la mismérrima– es mona, pero no es el clásico de Cheryl Lynn que pretende ser y ‘Drugs’ con Abra es una canción mediocre escondida bajo un envoltorio de plasticidad robusta más imaginativa que su melodía. XCX es capaz de componer canciones enormes, pero si ‘Number 1 Angel’ pretende filtrar el sonido PC Music definitivamente a la radio, en parte claramente necesitará mejores composiciones para defender su postura. ¿Las contendrá su próximo disco?

Clasificación: 6,6/10
Lo mejor: ‘Roll with Me’, ‘3AM (Pull Up)’, ‘White Roses’
Te gustará si te gusta: SOPHIE, Carly Rae Jepsen, Gwen Stefani
Escúchalo: Spotify

Tversky: «Aunque se pueda ver de una forma nostálgica, tenemos un sonido fresco»

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13 marzo, 2017

Uno de los proyectos que la selección 2017 de Jägermusic ha destacado es Tversky, un dúo radicado en Barcelona del que ya hablamos hace meses al hilo de su participación en el último Primavera Club. Compuesto por el saxofonista de jazz Alan Himar y el miembro del heterogéneo grupo de pop rock Boreals, Xavier Paradís, este dúo brilla con una electrónica inspirada en la estética de los 80 pero que busca espacios nuevos, en sintonía con propuestas como las de Hot Chip o el «french touch» de la factoría Kitsuné. Hablamos con Xavi sobre su reciente Ep, ‘Introducing’, el estupendo vídeo de ‘The Way I feel About You‘ y el concepto de reciclaje en la cultura pop. Tversky actúan en la próxima edición de Vida Festival, con The Flaming Lips, Phoenix o Fleet Foxes, entre otros.

Contadme cómo os conocéis y cómo surge la idea de hacer música juntos como Tversky.
Nos conocimos cuando fuimos a tocar a Mallorca con Boreals y Monki Valley, el proyecto del productor Jano Gómez. Alan tocaba saxofón en Monki Valley y también yo me unía a los teclados en algunos temas.

Este nombre es un homenaje al psicólogo y pionero de la ciencia cognitiva, Amos Tversky. ¿Por qué él?
La verdad es que el nombre es de nuestro amigo Miquel Serra que antes formaba parte del proyecto. De todas formas creo que se podría decir que el enfoque de Amos Tversky parte de la irracionalidad del individuo y la música es un reflejo de este sesgo cognitivo.

«Nos complementamos musicalmente debido a nuestros backgrounds distintos»

¿Cuáles son las claves de la conexión musical entre un músico de jazz como Alan y un músico de ámbito independiente/alternativo como Xavier, que milita en un grupo experimental como Boreals?
Las claves son compartir pasión por la música al igual que ¡tener una buena relación humana! Tenemos muchas influencias en común pero creo que lo que es más importante es que nos complementamos musicalmente debido a nuestros backgrounds distintos.

Vuestro primer single ‘Time Warp/Cordero’ mostraba una faceta más minimalista y contemporánea. ¿En qué momento se produjo el viraje hacia vuestro EP, ‘Introducing’?
El EP con DROK Records que sacamos en colaboración con Latzaro (DJ residente en Razzmatazz) se produjo justo antes de que Alan se uniera al proyecto. Al poco rato de publicar este single Miquel se mudó a México, por lo que decidí seguir el proyecto con Alan aunque nos fuimos en otra dirección, más hacia el funk y el nu-disco. A esto se debe el nombre “Introducing” ya que es nuestra forma de hacer borrón y cuenta nueva.

En este disco, en cambio, mostráis una mayor querencia por el funk, el latin jazz, el soul que conecta con proyectos contemporáneos de house pop, como los trabajos de Etienne de Crecy, Jamie Lidell o los mismos Hot Chip. ¿Buscabais un sonido atemporal o directamente retro?
Buscamos un sonido atemporal aunque tenga claras influencias retro. Al final bebemos de una mezcla de influencias “atemporales” como las que dices ya que se mueven por distintas décadas muy variadas entre sí.

«Nos fascina el fenómeno vaporwave de inicios de década ya que es una especie de vuelta al pasado pero con una perspectiva distorsionada»

Hace poco, hablando con la escritora Diana Aller sobre los ciclos estéticos, ella afirmaba que cada vez estamos más en una especie de limbo en el que las líneas temporales son difusas, no hay pasado ni presente. En parte, ¿define eso musicalmente a Tversky?
Las tendencias musicales van y vuelven. Por ejemplo, nos fascina el fenómeno vaporwave de inicios de década ya que es una especie de vuelta al pasado pero con una perspectiva distorsionada. Más que volver al pasado da la sensación de que te transporta a una dimensión paralela. En este sentido la música de hoy en día es muy difusa ya que es un reciclaje de contenido constante donde las técnicas de grabación y el equipo disponible en general afectan mucho el resultado de la música en sí. En resumen, sí.

Pregunto esto precisamente porque el estupendo vídeo de ‘The Way I Feel About You’ me ha parecido una expresión plástica de eso: imágenes que por técnica y calidad son decididamente actuales, que toman estéticas vintage y las ponen en un contexto contemporáneo. Es una premisa semejante, ¿no?
Exacto. No pretendemos recrear un sonido vintage, sino que simplemente nos inspiramos en él. Y creo que es lo que se ha hecho con el videoclip.

¿Os molesta que se os identifique como un proyecto nostálgico?
No nos molesta. Creo que aunque se pueda ver de forma nostálgica tenemos un sonido fresco. En cualquier caso todas las épocas tienen su nostalgia particular y no es algo malo. Nosotros somos nostálgicos de los 80 y en los 80 eran nostálgicos de los 50.

«Con el reciclaje se inventan nuevas cosas. (…) Todo lo que suena nuevo tiene una influencia anterior»

Recientemente habéis presentado una sesión para La Galería que, sobre todo, se nutre de funk pop elegante y clásico de los 70 y 80. ¿Sois de los que creéis que todo está inventado y que solo es posible avanzar mediante el reciclaje?
Al contrario, con el reciclaje se inventan nuevas cosas. Antes pusimos el ejemplo del vaporwave. Todo lo que suena nuevo tiene una influencia anterior.

En esa sesión incluís ‘Out of Touch’ de Hall & Oates, que recientemente han sido reivindicados por unas estrellas del pop como The xx. ¿Qué os ha parecido ‘On Hold’ y, por extensión, ‘I See You’?
No hemos escuchado lo nuevo de The xx como para tener una opinión al respecto. Sin embargo nos gusta mucho ‘Out of Touch‘.

Hemos leído que vuestros directos son muy potentes e hipnóticos. ¿Cómo son y cuál es vuestra premisa en ellos? ¿Tenéis conciertos próximos ya programados?
Nuestra premisa es entrar en comunión con el público y nosotros mismos. Si nos gusta lo que suena y la pasamos bien en el escenario por extensión creemos que eso se transmite. Aparte tenemos un directo donde tocamos varios instrumentos (teclados varios, flauta, saxofón, voz) y eso es entretenido para el público. Pronto desvelaremos nuevas fechas de conciertos aunque de momento podemos decir que estaremos en la próxima edición del Festival Vida en verano.

¿Cuáles serán vuestros próximos pasos? ¿Planeáis grabar nuevas canciones?
Estamos trabajando en un EP que queremos publicar a finales de primavera y será un co-release entre Foehn records y el sello americano Burger Records.

Jay Som: la mezcla posible de Yo La Tengo y Carly Rae Jepsen

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13 marzo, 2017

Dice su biografía que Melina Duterte recurrió al famoso generador automático de nombres Wu-Tang (herramienta que, por ejemplo, bautizó a Donald Glover como Childish Gambino) para dar con un alias con el que firmar sus canciones. Y salió Jay Som, que significa “Luna Victoria”. Desde Oakland (California), esta jovencísima multiinstrumentista comenzó a colgar canciones en su Bandcamp en 2012 (con apenas 17 años), temas de clásico indie-pop-rock con un halo de amateurismo.

Ese espíritu DIY se desvaneció levemente el año pasado cuando el sello Polyvynil se fijó en ella y publicó su primera referencia, un ‘Turn Into’ que recopilaba una selección de aquellas grabaciones primitivas y algunos inéditos. Tal respaldo también se tradujo en giras con mujeres que, curiosamente, no solo sintonizan artísticamente con ella sino que además comparten rasgos orientales, como son Mitski y Japanese Breakfast.

Este 2017, al fin, llega el momento de su debut. Hoy, 10 de marzo, se publica ‘Everybody Works’, un álbum íntegramente ejecutado por ella sola y en el que, aunque lo sencillo sea aludir a Yo La Tengo, Vivian Girls o, por momentos, Tame Impala para hablar de su sonido, ella afirma haberse inspirado mucho en ‘E·MO·TION’, el último disco de Carly Rae Jepsen. Una mezcla inesperada que merece toda nuestra atención.

5 vídeos en recuerdo de la diva disco Joni Sledge, de Sister Sledge

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13 marzo, 2017

Este fin de semana ha trascendido la trágica muerte de Joni Sledge (a la derecha de la imagen) a los 60 años. Decimos trágica porque Joni gozaba de buena salud y continuaba realizando actuaciones regularmente con Sister Sledge. Su cuerpo fue encontrado por un amigo el pasado viernes en su casa de Phoenix, Arizona, y por el momento se desconocen las causas de su muerte.

Formada vocalmente por su abuela Viola Williams, que fue una notable soprano en su juventud, Joni se hizo un nombre junto a sus hermanas Debbie, Kim y Kathy a base de cantar y actuar por las poblaciones de la Costa Este norteamericana desde sus Philadelphia natal cuando formaron Sister Sledge, en 1971. Tras publicar dos álbumes de soul funk, ‘Circle of Love’ (1975) y ‘Together’ (1977), su gran oportunidad llegó cuando poco después conocieron a Nile Rodgers y Bernard Edwards de Chic.

Con ellos crearon su obra maestra y uno de los clásicos inexcusables de la música negra, el álbum ‘We Are Family’. Himnos como el titular, ‘He’s The Greatest Dancer’ o ‘Lost in Music’, anticiparon el furor de la música disco que reinó en las listas de éxitos y las pistas de baile de todo el mundo durante finales de los 70 y la primera mitad de los 80, el primer germen de la cultura de clubs. Aunque nunca igualaron aquella cima y su actividad discográfica decayera hasta volverse muy ocasional desde 1985, Sister Sledge, con Joni al frente, se convirtieron en un icono de la música disco y de los valores familiares en todo el mundo. En homenaje a su legado, sirvan de homenaje estos cinco vídeos que recuerdan las enormes canciones que nos dejó para la historia, en compañía de sus hermanas.

‘Blood Under My Belt’ de The Drums: ¿a la altura de sus hits o demasiado repetitivo?

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JNSP

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13 marzo, 2017

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Parte de la redacción de JENESAISPOP evalúa ‘Blood Under My Belt’, el nuevo single de The Drums:

«Aunque Jonny Pierce de The Drums llegó a decir que ‘Encyclopedia’ era el disco de sus sueños, sus fans no lo acogieron con los brazos abiertos precisamente; por eso ‘Blood Under My Belt’, lo nuevo de Pierce ya sin Jacob Graham, parece un regreso premeditado a tiempos más sencillos, una vuelta a ese ‘Let’s Go Surfin’ que dio fama a The Drums. Afortunadamente, el primer single de ‘Abysmal Thoughts’, que retrata a su autor angustiado tras una ruptura que sabe él ha provocado, no suena forzado ni desesperado en su vuelta a las raíces del grupo sino completamente natural gracias a una melodía redonda que se pega incluso antes de que la canción haya terminado y a una base instrumental con cuerdas sintetizadas que añade drama sin obstruir su carácter ligero y desenfadado. No cabe duda de que ‘Blood Under My Belt’ está a la altura de los hits más instantáneos del grupo y de que no desentonará en absoluto cuando suene seguida de «Surfin» o ‘Money’ en Spotify o en concierto». Jordi Bardají.

«The Drums ahora es el proyecto en solitario de Jonny Pierce, y parece que vuelve con ganas de repetir el éxito de su primer disco. ‘Blood Under My Belt’ es un single de melodía pegadiza, producción lo-fi, regusto a Bubblegum pop y algo de post-punk, atmósfera optimista y soleada (en contraste con una letra muy turbia, que glorifica una relación de maltrato). Debería gustarme, pero no. Se me acaba haciendo demasiado repetitivo. Pierce alarga en exceso (cuatro minutos y medio) un tema que, con menos de tres, hubiera sido redondo». Mireia Pería.

«Que la nota de prensa sobre el nuevo disco de The Drums ni siquiera mencione que Jacob Graham ya no forma parte del grupo es una enorme falta de respeto para músicos, miembros de bandas y co-autores, como era su caso. Solo gracias a su Instagram averiguamos que hace un año que se marchó «sin grandes dramas» para centrarse en Sound of Ceres. Jonny Pierce, en solitario al frente del «grupo», opta por un single que suena a sus inicios, mono, pegadizo… pero demasiado estándar en su melodía de indie pop de corte jangle. Un proyecto en su cuarto disco necesita un golpe de efecto mayor que este». Sebas E. Alonso.

Leticia Sabater, a por el verano 2017 con su nuevo hit electro-reggaetón, ‘Toma pepinazo’ 🥒

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13 marzo, 2017

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«Toma, toma pepinazo / toma, toma pepinazo / toma, toma / pepinazo / y me lo como yo, yo, yo». Con este gancho infalible, Leticia Sabater se adueñará del verano de 2017 de la misma manera que ‘La salchipapa’ conquistó España en 2016 con su nuevo hit de electro-reggaetón, ‘Toma pepinazo’, que ya puede escucharse en Spotify y es exactamente lo que promete su título.

La canción de electro-reggaetón nos cuenta la historia de una infidelidad en la que Sabater resulta victoriosa y contiene frases estrella como «siete gintonics, dos tequilas y un buen pedo / para demostrarte que ya no eres el que quiero» o «chico latino, te he pillado, te he pillado / en Whatsapp, fotos de otras chicas que has besado / ahora soy yo la que contigo he jugado / te he puesto cuernos, chico, la has cagado».

En una entrevista en enero, Sabater dedicaba ‘Toma pepinazo’ a sus fans vegetarianos, para contrarrestar el éxito de ‘La salchipapa’ entre sus seguidores amantes de la carne animal. En esta misma charla, la artista volvía a mostrarse contraria a la opinión general y confesaba que Donald Trump le parece un buen presidente.

Frank Ocean publica «selfie» descamisado en el baño… ¿con mensaje oculto?

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13 marzo, 2017

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Frank Ocean ha publicado una «selfie» sin camiseta en su página de Tumblr, lo que alegrará a una buena parte de sus fans, pero la imagen podría esconder un mensaje detrás, pues bien sabido es que Ocean no da puntada sin hilo. No parece casualidad que esta imagen llegue solo unos días después de que Ocean haya publicado dos temas nuevos, en primer lugar, ‘Slide’ con Calvin Harris y Migos y, en segundo, ‘Chanel’, este en solitario.

En la imagen en cuestión, Ocean muestra el gesto de mano de la buena suerte y añade un críptico texto de acompañamiento, «cos the 6 has the aux cable». ¿A qué podría referirse exactamente? Los fans de Ocean especulan con que el cantante podría apuntar a una colaboración con Drake, quien publica nueva «mixtape», ‘More Life’, este mismo sábado, 18 de marzo. Esto se debe a que «the 6» es el término con que el autor de ‘Views’ suele referirse a su ciudad natal, Toronto, y a que ese «cable auxiliar» al que se refiere en su texto solo puede ser musical. ¿Son estas elucubraciones lógicas o completamente peregrinas?

Por supuesto, Ocean podría haber publicado esta imagen sin ningún tipo de intención detrás, de la misma manera que reaparece en Tumblr para aplaudir las palabras de Meryl Streep contra Donald Trump en los Globos de Oro o para ofrecer su apoyo a las víctimas de un atentado terrorista como fue el de Orlando. De momento lo que está claro es que el chico trabaja sus abdominales y… ¿qué dice ese tatuaje bajo su pecho izquierdo?

Razzmatazz anuncia show secreto de dos de los DJs más «influyentes» y «mejor vestidos»

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13 marzo, 2017