Bowie, Austra, The Radio Dept. y Leonard Cohen entran en nuestro top semanal

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28 octubre, 2016

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Aunque se retiraran de los escenarios, Ojete Calor nunca dijeron que dejarían de grabar canciones. Después de su debut, ‘Delayed!’, el pasado verano tuvimos el honor de estrenar en nuestra web ‘Tonta Gilipó’, su single de regreso. Una canción cuya promoción derivó en una entrevista totalmente imposible en ‘Late Motiv’, el late-night que presenta Buenafuente en #0. Meses después, Carlos Areces (Ojete) y Aníbal Gómez (Calor) lanzan otra nueva canción que no decepcionará a sus fans, y que puede que les abra (aunque sea a patadas) las puertas de ‘Sálvame’.

Hoy Tentaciones ha estrenado ‘Madrid-Bilbao-Bollo’, otra marcianada en la que narran su encuentro en un vuelo Madrid-Bilbao, al parecer real, con la amiga de la Pantoja, Raquel Bollo, a la que encontraron «fresca y entera». «¿Qué truco has hecho para estar bien?», le preguntan. El single es lanzado por medio de un videoclip marca de la casa (es decir, muy amateur pero con mucha coña) en el que discurren de manera paralela dos tramas apasionantes: por una parte, una especie de relación tóxica a los ‘Misery’ entre los miembros del grupo; por otro, la mismísima Raquel Bollo muestra su verdadero yo, jugando en parques infantiles, comiendo bocatas reciclados de la papelera amorrada al Don Simón y meando entre contenedores. El momento culminante es el guest-starring de Chelo García-Cortés, que llega en el instante más oportuno. Pedimos desde aquí que algún guionista de ‘Sálvame’ tenga a bien invitar a estos dos a presentar el single en playback en el programa ante la mismísima Bollo. Por favor.

Ojete Calor también son noticia estos días porque hay una petición en Change.org para que el dúo vaya a representar en Eurovisión 2017 a España, la cual ya ha sido firmada por más de 12.000 personas. Vamos, que lo de Las Bistecs se queda en una auténtica broma a su lado. A tenor de lo que cuentan en la entrevista a Tentaciones, no irán porque «no queremos insultar metiendo en nuestro saco a los artistas españoles de verdadero talento que concursan allí cada año y que consiguen esos puestos de quitar el hipo. No queremos estropear la media». Tampoco creemos que el extraño sistema planteado este año por RTVE se lo fuera a permitir.

‘Million Reasons’ podría salvar ‘Joanne’ de Lady Gaga

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28 octubre, 2016

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Esta tarde se conocen los primeros resultados comerciales de ‘Joanne‘. Mientras en Estados Unidos se espera un número 1 con datos muy buenos, Europa ha abandonado a Lady Gaga de manera considerable. Su nuevo disco no es número 1 en ninguno de los mercados importantes: es número 2 en Italia, número 3 en Reino Unido, número 5 en Holanda, número 6 en Alemania y número 9 en Francia, además de número 10 en Japón. En todos los casos se ha empeorado la posición del anterior ‘ARTPOP’. Los resultados españoles se conocerán el miércoles o el jueves.

Los malos datos se esperaban tras el fracaso del single ‘Perfect Illusion’, ausente de las principales listas de singles del mundo, incluidos los tops 100 de Estados Unidos y Reino Unido. Sin embargo, hay una clara esperanza para la perdurabilidad del álbum: la preciosa balada ‘Million Reasons’, que ni siquiera ha sido confirmada como segundo single, ha pegado un petardazo en el iTunes estadounidense y ha ascendido al top 1 superando las ventas de lo nuevo de Drake o el macrohit de The Chainsmokers con Halsey.

Este éxito se debe a la buena acogida de las actuaciones de Lady Gaga en SNL y sobre todo la de Carpool Karaoke. Si tras la emisión del programa la gran vencedora de las canciones interpretadas, ambas descontadas en iTunes, era ‘A-Yo’ y se anunciaba que esta canción sería enviada a las radios el 1 de noviembre; tras la emisión de Carpool Karaoke y el pelotazo de ‘Million Reasons’, su equipo podría haber reconsiderado la decisión y el rótulo de «nuevo single» de ‘A-Yo’ ha desaparecido de la web pertinente.

La re-entrada de ‘Million Reasons’ en el Billboard Hot 100 será más baja de lo que esperan algunos fans tras este top 1 en iTunes USA, pues su «airplay» es 0 y su streaming es aún muy bajito (top 77 en Spotify USA), pero viene a demostrar que la canción gusta cuando se la escucha y que puede tener un recorrido muy largo de cara a la próxima Navidad y más allá. Ya se sabe que la radio tarda en pillar el punto a las baladas, pero cuando las pilla es para siempre, ¿verdad, Adele?

Amy Schumer explica por qué su vídeo de ‘Formation’ no es ninguna parodia

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28 octubre, 2016

No hay nada peor que un comediante teniendo que justificar un chiste, pero Amy Schumer ha decidido explicar que detrás de su vídeo haciendo ‘Formation’ no había ninguna parodia, debido a la gravedad del problema racial y de libertad que retrata Beyoncé en esta obra. «Decir que me encanta el disco ‘Lemonade’ de Beyoncé es poco. Creo que es una de las mayores piezas de arte de nuestro tiempo». A continuación explica mediante un largo texto que podéis encontrar por ejemplo en NME cómo el disco la ha acompañado durante el rodaje de su película en Hawaii (se refiere a ‘Mother/Daughter’, prevista para 2017), mientras veían a Hillary Clinton y a Michelle Obama hablar en la convención demócrata en la tele.

Amy Schumer elogia particularmente el mensaje de ‘Formation’ para animar a las mujeres a informarse. «No he querido quitarle valor a ninguno de los significados del vídeo. Por supuesto estoy horrorizada y asqueada de los sucesos que se retratan en el vídeo y no quería minimizarlos ni quiero ahora. Ha sido una manera de celebrar la unión de todos. De luchar por lo que queremos y de hacerlo juntos».

Concluye: «no fue NUNCA una parodia. Sólo era nosotras como mujeres celebrándonos las unas a las otras. El vídeo que Beyoncé hizo fue muy emocionante y nunca haría humor con él. No hay manera de hacerlo. Me río de mí misma unas pocas veces en el vídeo como lo hago en todo aquello de lo que formo parte. Me encantó cada segundo de trabajar con esas mujeres para hacer esto que nos ha engrandecido». Finalmente, recuerda que el vídeo fue una exclusiva de Tidal a la que Beyoncé y Jay Z dieron su aprobación.

Calvin Harris se pasa (un poco) con la estética «glitch» en el vídeo de ‘My Way’

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28 octubre, 2016

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¿Cómo le está yendo a Calvin Harris con su nuevo single, ‘My Way’? En resumen, muy bien. ‘My Way’ es la octava canciones más vendida del mundo en estos momentos, se mantiene en el top 8 de Reino Unido y en el top 9 global de Spotify, donde acumula cerca de 105 millones de reproducciones desde su lanzamiento el pasado mes de septiembre, y en España también la estamos oyendo con frecuencia, pues es top 20. En Estados Unidos ha gustado menos, pues no ha pasado del top 30 de Billboard Hot 100 y es actualmente top 35, por debajo de otro hit de Harris, ‘This is What You Came For’ de Rihanna, que sigue en el top 20 de éxitos estadounidense, concretamente en el puesto 17, pero apostamos a que ‘My Way’ la sustituirá más pronto que tarde.

Lo hará, quizás, si gusta su videoclip, que se acaba de estrenar. Este presenta a Harris y a su ¿ex? interés romántico realizando una sesión de realidad virtual, que les desplaza a un entorno bucólico, donde apenas pueden mirarse a la cara, y también a un grupo de bailarines ejecutado una coreografía acompañados de unos láseres súper modernos. La chica es una especie de robot con vestido. ¿Por su frialdad?

Pero lo que más destaca del vídeo es su uso de la estética «glitch» digital, que sí, ya ha trascendido definitivamente el underground, la cultura Tumblr, el vaporwave, etcétera, como podéis observar en vídeos populares de los últimos tiempos que se han apropiado de esta estética como los firmados por Unknown Mortal Orchestra, Zayn, Robyn & Röyksopp o David Bowie. En el caso de ‘My Way’, sin embargo, os advertimos que puede dar un poco de jaqueca.

Hinds se pasan al español en su versión de ‘Holograma’ de Los Nastys, «la mejor banda del mundo»

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28 octubre, 2016

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Hoy ve la luz la reedición de ‘Leave Me Alone’, el álbum debut de Hinds. La reedición incluye el disco original más otro CD con canciones nuevas, versiones y maquetas, aunque las madrileñas indican que no son exactamente maquetas sino versiones originales de canciones que «nunca se pensaron para que salieran a la luz».

El caso es que la descripción que ofrece Hinds de estas canciones que no son maquetas corresponde con lo que, precisamente, son las maquetas, ¿no? «Cuando componemos nos grabamos a nosotras mismas con nuestros móviles para poder escucharlo otra vez en el bus o lo que sea y pensamos ideas nuevas para mejorar la canción […]», señala, «de modo que nos inventamos palabras o apenas leemos [las letras en] nuestras libretas mientras intentamos recordar los acordes o la estructura [de las canciones]».

En cualquier caso, ‘Leave Me Alone’ ha sido retirado de Spotify, donde tampoco encontrarás la reedición que hoy nos ocupa, pero sí dos de las canciones nuevas que ofrece, que son las versiones que abren el segundo CD, ‘Holograma’ de Los Nastys y ‘When It Comes to You’ de Dead Ghosts. Sobre la primera, el grupo explica que la versiaron al comienzo de su carrera y que «versionar canciones de grupos que te solían gustar es una gran tradición que no se hace mucho hoy en día». «Pero lo cierto es que creemos que Los Nastys son la mejor banda del mundo», concluye.

🍯we re releasing a SUPER MAGIC DELUXE LIMITED EDITION of LMA with demos, songs & weird stuffhttps://t.co/pCYsMEHD3e pic.twitter.com/vEU5K4ygDf

— Hinds (@hindsband) September 21, 2016

Sorpresas entre las canciones españolas favoritas de Crystal Fighters

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28 octubre, 2016

Desde que conocimos a Crystal Fighters con la sobresaliente ‘Xtatic Truth’, ha habido bastante coña con el hecho de que el grupo fuera navarro o británico. Al final eran navarros parte de sus antepasados. Sin embargo, el grupo siempre ha gozado de una enorme popularidad en España y, además, en el lapso entre su segundo y su tercer disco el cantante Sebastian «Bast» Pringle ha pasado largas temporadas de descanso en el País Vasco y las Islas Canarias.

Como consecuencia de todo ello, el grupo, que hoy edita su tercer largo en formato físico, un ‘Everything Is My Family‘ que esconde por un lado singles efectivos y canciones muy diferentes bastante sorprendentes, comparte con JENESAISPOP una playlist con sus canciones españolas favoritas. En ella encontramos temas más o menos afines de artistas que es normal que conozcan como Delorean y El Guincho, otros afines por proximidad física a sus antepasados (Belako, El Columpio Asesino), otros que podemos comprender por qué les gustan por su afición a la fiesta o por sonido (Amatria, Meneo, Joe Crepúsculo, Extraperlo) y otros que esperábamos poco en esta playlist por ser algo más minoritarios o menos afines musicalmente: no faltan Perro ni Espanto ni Papa Topo.

Crystal Fighters actúan en A Coruña el próximo 3 y el día 4 de diciembre, el 5 de diciembre en San Sebastián, el 7 en Barcelona, el 9 en Granada, el 10 en Valencia y el 11 en Madrid.

El chantaje emocional con «plot twist» de Shakira y Maluma

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28 octubre, 2016

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Ya está aquí el nuevo éxito del pop que odiarás en los próximos meses hasta que te guste, el nuevo single de Shakira con Maluma, ‘Chantaje’. El tema es un reggaetón con fondo tropical sobre una relación tumultuosa entre Shakira y el co-intérprete de ‘Ven pa’ cá’ de Ricky Martin en la que él exige exclusividad a ella pero ella es «libre como el aire».

Durante todo el transcurso de la canción, ‘Chantaje’ desarrolla esta negociación imposible entre los dos amantes. «Oye, baby, no seas mala, no me dejes con las ganas», canta él, a lo que ella responde «conmigo, ves, nunca se sabe, un día digo que no y otro que sí». En otro punto de la canción, Maluma se confiesa «masoquista» por insistir a Shakira su amor pero la autora de ‘Shakira’ lo tiene claro: con su cuerpo, Maluma lo que es es «un egoísta».

Este chantaje emocional entre Shakira y Maluma llega a su cumbre con el giro argumental o «plot twist» de la segunda estrofa de la canción. Shakira insiste en que los rumores de que se va con otros solo son «mala propaganda» pero Maluma, que la quiere cerquita, nos revela el chantaje que tenía preparado. «Y como un loco sigo tras de ti, muriendo por ti, dime que hay pa mi bebé». «¿Qué?», pregunta Shakira, sorprendida…

Ariana Grande salva ‘Dangerous Woman’ pasito a pasito

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28 octubre, 2016

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Ariana Grande continúa sin tener ni un solo número 1 en el Billboard Hot 100. Cuando este año se publicaba su tercer disco ‘Dangerous Woman‘ y se quedaba también sin número 1 en Estados Unidos a diferencia de lo que había pasado con sus dos primeros álbumes, hay quien hablaba de «flop». Sin embargo, a estas alturas del año hemos comprobado que la cantante ha conseguido algo mejor: los tres singles principales de su último disco han funcionado en plan «sleeper». Y todos sabemos qué es mejor, si ser número 1 en iTunes la primera semana gracias al histerismo de tus fans y después caer en picado, o permanecer semanas y meses en las listas porque estás llegando al público generalista.

El caso de Ariana Grande es el último. Ninguno de los tres singles extraídos del álbum ha sido pelotazo instantáneo. Sin embargo, ninguno de los tres ha muerto de manera repentina. De hecho, el último promete ser el mayor éxito de los tres. El primero, ‘Dangerous Woman’, alcanzaba «sólo» el número 8 de las listas estadounidenses, pero permanecía en ellas durante 21 semanas terminando certificado como platino. También lo era en otros países como Australia o Italia, además de oro en Reino Unido por el equivalente a 400.000 unidades vendidas.

Lo habitual es que un segundo single sea menos exitoso que el primero porque su vida se desarrolla con el disco ya en la calle. No ha sido el caso de ‘Into You’. Claramente una de las canciones del verano e independientemente de sus posiciones máximas en las listas (top 13 en EEUU, top 14 en Reino Unido), ha terminado superando las reproducciones en streaming de ‘Dangerous Woman’: 290 millones frente a los 242 del primer single. Ahí es nada.

Además, la canción que tiene pinta de terminar arrasando a las dos es el tercer single junto a Nicki Minaj. Su vídeo caliente, de gimnasio, es uno de los más reproducidos en Vevo (casi 300 millones de visualizaciones) y ya son 178 millones las reproducciones en Spotify. Además, no parece haber tocado techo en algunos países. Tras haber sido número 4 en Reino Unido (la mejor posición de los singles de este álbum en este territorio, y con el álbum en la calle hace meses), sube al puesto 8 en Estados Unidos esta misma semana.

Sumando todo esto, ¿qué tenemos? Que igual ninguna de estas canciones aparecerá entre las 40 más exitosas del año pero que el disco ‘Dangerous Woman’ sí. En concreto es el 15º más vendido de momento de todo 2016. Sin duda, la consolidación de la artista. ¿Quién quiere tops 1 en singles cuando vendes tantos álbumes que puedes llenar estadios, como plantea su nueva gira?

Las entradas para el concierto de Ariana Grande de Barcelona salen a la venta hoy.

Hidrogenesse y Stereo Total, juntos en un concierto con 4 dúos

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28 octubre, 2016

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El próximo viernes 4 de noviembre se celebrará en OchoyMedio, Madrid, un concierto especial que reunirá a cuatro dúos totalmente sui generis. Los siempre impredecibles Stereo Total -por no saber ni se sabe en qué idiomas les dará por cantar- volverán a nuestro país acompañados de Hidrogenesse y dos bandas más, Die Katapult y Sofi Tukker. Las entradas están a la venta en Ticketea.

Stereo Total presentan un disco que han sacado este año titulado ‘Les Hormones’, y que son tan punkis que no han subido a Spotify pero sí a Bandcamp. Lo ha producido la propia Françoise Cactus, que según ellos mismos además de «su estilo a la batería le ha dado su firma a la mezcla», que definen como de «polvoriento cassette porta-studio». Entre los singles están ‘Zu schön für dich’ y ‘Je m’en fous’.

Die Katapult, que no son paisanas de Stereo Total pese al alemán de sus letras, es el proyecto de la sueca Anna Friedriksson (Los Ganglios) y Elena Comas (Neleonard). Publicaban el año pasado mini-LP en Elefant, logrando cierta repercusión en plataformas de streaming con el electro oscuro tintado de clasicismo de ‘Braun’ y también con ‘Frieden’.

Finalmente la revelación de la noche pueden ser los neoyorquinos Sofi Tukker (Sophie Hawley-Weld y Tucker Halpern), que han debutado este año con el EP ‘Soft Animals’, en el que ha despuntado claramente una ‘Drinkee’ que alcanza ya los 14 millones de reproducciones en Spotify sin ni siquiera ser la mejor canción del EP, tras haber aparecido en un anuncio de Apple. Volveremos la semana que viene sobre ellos, pues además de en este concierto especial estarán el sábado 5 de noviembre en Razzmatazz, Barcelona… la misma noche pero en distinta sala que los mismos Stereo Total.

<a href="http://stereototal.bandcamp.com/album/les-hormones">Les Hormones by Stereo Total</a>

La Casa Azul retrata el fin del amor en ‘Podría ser peor’

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28 octubre, 2016

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Ayer asistíamos a una sospechosa reactivación de las redes sociales de La Casa Azul, adivinando que algo se avecinaba, si bien no esperábamos que fuera tan pronto.

Hoy amanecemos con nuevo single de La Casa Azul, ‘Podría ser peor’, el que parece claro que será el primer single de su nuevo disco, a juzgar por su Instagram, a la venta en 2017 (aunque sus álbumes tienden a salir en noviembre). ‘Podría ser peor’ es un sencillo continuista, en la estela de sus mayores hits (‘La revolución sexual’, ‘Todas tus amigas’), un disco renovado con voces distorsionadas, campanas y efectos electrónicos en este caso algo más oscuros y graves puntualmente.

La letra refleja claramente la decepción de un amor que se ha ido apagando («No nos queda más remedio que entrar a matar / porque ya no nos amamos como amábamos entonces en Shangri-La» (…) «el temporal hace tiempo que amenaza con explosionar / qué brutal y qué terrible es la sinceridad»); mientras el título hace referencia a la «frase favorita del despertador» de la pareja protagonista. El puente concluye: «la verdad es que no supimos remontar / la corriente se llevó el amor / y no nos queda más», antes del subidón de cuerdas y el último estribillo. El final «bye, bye, Shangri-La» es un guiño al famoso «girl-group».

La Casa Azul solo tiene prevista una actuación, en Vida Festival en julio, si bien es la prueba de que el proyecto de Guille Milkyway saldrá de gira el año que viene. El nuevo proyecto de La Casa Azul se llama ‘La gran esfera’.

10 artistas imperdibles de BIME Live 2016

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28 octubre, 2016

BIME! Live se celebra hoy y hasta mañana, 29 de octubre, en el centro de exposiciones de Bilbao (BEC). Su atractivo cartel de este año incluye a varias bandas emergentes pero hoy nos queremos centrar en sus grandes nombres, que incluyen a PJ Harvey, Nacho Vegas, Moderat, Wild Beasts o The Chemical Brothers, entre otros. Un cartel variado para dos días de buena música en Bilbao.

PJ Harvey

Ya os hemos hablado en nuestras páginas este año no una sino dos veces sobre el espectáculo que trae PJ Harvey en presentación de su último disco, ‘The Hope Six Demolition Project’. Puede que este trabajo careciera del carisma de los anteriores, especialmente viniendo de ‘Let England Shake’, pero el concierto que lo defiende es una maravilla de principio a fin.

Wild Beasts

Este año, el cuarteto de Kendal ha editado su disco más agresivo y pop hasta la fecha, un ‘Boy King’ en el que ha dejado de lado su enfoque satírico de la masculinidad actual para aceptar la misma sin complejos. No nos queda muy claro, por tanto, qué tipo de grupo representa Wild Beasts en estos momentos, pero el disco sigue estando muy bien.

Lambchop

La banda de Kurt Wagner todavía ha de editar su nuevo álbum al mercado. ‘FLOTUS’ («for love often turns us still», nada que ver con Michelle Obama) sale el 4 de noviembre, sucede a ‘Mr. M’ y es el homenaje del músico de Nashville al trabajo de Kanye West, Kendrick Lamar y Frank Ocean, entre otros. Se presentaba con un single de 18 minutos.

Carlos Sadness

Carlos Sadness es uno de los nombres más reconocibles (y una de las melenas más famosas) del pop español actual desde el lanzamiento de su último disco, ‘La idea salvaje’. El artista barcelonés lleva ya decenas de conciertos y festivales realizados a sus espaldas con llenazos en la mayoría de ellos, acumula millones de escuchas en Spotify y su visita a Bilbao será una buena ocasión para entender el porqué de su éxito.

The Divine Comedy

Neil Hannon ha tardado seis años en lanzar nuevo disco, ‘Foreverland’, un trabajo sobre el que él mismo nos hablaba recientemente en una entrevista que hemos publicado en dos partes (1 y 2) y que ha resultado ser fantástico, una «nueva muestra de la gran clase que ostenta Hannon», escribía el mes pasado mi compañero Raúl, «con discreción y humildad impropias del mundillo del pop rock».

Nacho Vegas

El cancionero atemporal de Nacho Vegas se extiende ya por nueve discos y varios EPs, entre ellos el reciente ‘Canciones populistas’, y sus textos de carácter político no podrían resultar más relevantes hoy en día en plena crisis del PSOE. Solo por averiguar qué opina Vegas de todo el tinglado que se ha montado ya vale la pena asistir a su concierto.

The Chemical Brothers

El nuevo disco de Tom Rowlands y Ed Simons tiene combustible para rato, lo que se traslada a su entretenido directo. De ‘Born In the Echoes’ han salido ya de singles ‘Under Neon Lights’, ‘Go’, ‘Sometimes I Feel So Deserted’ y ‘Wide Open’ y el resto de su directo, entre temas nuevos y clásicos, está repleto de temazos. Como para perdérselo.

Moderat

Desde estas páginas nunca, ni en sueños, nos cansaremos de recomendar el apoteósico directo de Moderat. No solo son Gernot Bronsert, Sebastian Szary y Apparat magos maestros de la producción techno berlinesa sino que su espectáculo es, por sonido y estética, de los mejores que se pueden ver en la actualidad. Os lo contamos cuando actuaron en Primavera Sound y que se prepare BIME porque lo que hace Moderat no lo hace nadie.

Cat’s Eyes

Mientras esperamos a que The Horrors anuncie su nuevo disco, ese por el que canceló su gira europea en presentación del anterior, uno de sus integrantes, Faris Badwan, presenta su nuevo trabajo con Cat’s Eyes, su proyecto de dream-pop fantasmagórico junto a Rachel Zeffira, a través del cual ha entregado suficientes buenas canciones para que ya muchos lo consideren el proyecto bueno o, como mínimo, el mejor de Badwan.

Belako

Con los pocos discos que se venden en la actualidad, si eres una banda nueva lo importante es el boca a boca, y el boca a boca se consigue con buenas canciones pero, sobre todo, con un buen directo, y el directo de los rockeros Belako es espectacular. Con dos discos a sus espaldas, el joven grupo vasco puede presumir de un cancionero sólido que defiende en vivo como pocos.

‘Wake Up Alone’: un día (y noche) en la mente de Amy Winehouse

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27 octubre, 2016

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Hoy, 27 de octubre, se cumplen 10 años de la salida de ‘Back to Black’ de Amy Winehouse en Reino Unido (en Estados Unidos y España salió en marzo de 2007). Se podría decir que se cumplen 10 años, también, del nacimiento de Amy en la iconografía popular de nuestro tiempo, del surgimiento de una estrella eterna que transformó la industria musical a su imagen y semejanza, devolvió el soul a la radiofórmula, influyó a decenas y decenas de artistas posteriores y dejó un gran disco para la historia cuya calidad solo ha aumentado en los años que han sucedido a su lanzamiento hace una década.

Todos y todas recordamos los singles que salieron de este disco post-ruptura, desde la macarra ‘Rehab’ hasta el rayo de esperanza, vía Marvin Gaye y Tammi Terrell, de ‘Tears Dry On their Own’ pasando el pesimismo taciturno hecho canción de ‘Love is A Losing Game’ (probablemente la mejor canción de Amy). Si ‘Back to Black’ es historia es precisamente porque todas sus canciones eran igual de buenas o casi y una de ellas, ‘Wake Up Alone’, que nunca salió de single, es otro clásico no tan conocido de este disco -sí ampliamente querido por los fans de Amy, no obstante- en el que hoy me quiero detener.

‘Wake Up Alone’ es una balada soul clásica compuesta por Amy y producida y arreglada por Mark Ronson y Gabriel Roth en los estudios Dapking, Chung King y Metropolis de Londres. No tan clásica es su historia de anhelo romántico convertido en depresión y adicción al alcohol, que es lo que nos describe aquí una Amy que pasa su día distraída con nimiedades para no pensar en su amado. «Harta de llorar» y con tal de no darse de nuevo a la bebida, Amy limpia su casa, sale a la calle «para no pensar en pensar» y, en general, se mantiene ocupada haciendo cosas. Hasta que llega la noche…

Es magistral la manera en la que Amy nos traslada, con su poesía, a su realidad, al momento en que el vacío vuelve a su vida «en cuanto se pone el sol». En este instante, Amy se reencuentra con su amado, pero no es una reunión agradable sino llena de angustia. «Él es salvaje en mis sueños, se adueña de mi estómago, me inunda de un miedo que empapa mi alma», canta Amy, acongojada; «él nada en mis ojos al lado de la cama». Hacia el final de este pasaje, cuando Amy decide, valientemente, entregarse a él mientras la luna emite su luz desde el cielo, la cantante «despierta sola» y vuelve a su realidad, a su vacío.

Se habla mucho de la preciosa voz de Amy, de su don para expresar dolor de la manera más hermosa, tanto como de la enorme calidad de sus canciones, pero no tanto de su don para la poesía, que ‘Wake Up Alone’ demuestra particularmente bien en pasajes de enorme emotividad pero en absoluto estridentes u obvios, sino más bien delicados. Nos describe Amy, tras su primer encuentro en sueños con su amor, que preferiría no dormir pues «al segundo en que paro, el sueño me alcanza y me quedo sin respiración». La cantante, exhausta tanto psicológica como físicamente, cae nuevamente rendida a la pesadilla, cuando «la oscuridad me cubre y ya no puedo correr». ¿Su deseo? Estar al lado de su amado y «bañarnos en luz azul», la luz de la tranquilidad, esa que evade a Amy desde el amanecer hasta el ocaso, cuando «vuelve a la oscuridad».

La Casa Azul vuelve a las redes sociales y sugiere novedades para 2017

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27 octubre, 2016

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La Casa Azul no edita disco nuevo desde 2011, cuando salió el notable ‘La Polinesia meridional‘, pero parece que esto está a punto de cambiar. Guille Milkyway, líder del proyecto, ha vuelto a las redes sociales para subir imágenes de él nuevas como la que ilustra este post, en la que se le puede ver vistiendo unas gafas modernísimas y acercando su mano al espectador . De hecho, Milkyway se ha abierto también una cuenta de Instagram, donde ha subido esta misma imagen con el texto «La Casa Azul 2017». Parece que hay disco para el año que viene o, como mínimo, single, aunque esta prometedora imagen nueva sugiere un proyecto de mayor envergadura que un simple disco estándar, ¿no es cierto? Por conjeturar, que no falte.

A pesar de la distancia temporal que separa ‘La Polinesia meridional’ de su próximo largo, Milkyway no ha parado de trabajar estos últimos años. Por ejemplo, ha producido el EP cyan de ‘Cuatricromía’ de La Casa Azul, que contiene la magnífica ‘Dramas y comedias’, ya un clásico; también la mitad del siguiente álbum del dúo, ‘Canciones para robots románticos’, lo que incluye su sencillo principal, el excelente ‘Geometría polisentimental’, y ha editado un disco de revisiones de Nino Bravo o creado la banda sonora de la serie animada infantil Jelly Jamm.

Sea lo que sea que prepare La Casa Azul podremos verlo y escucharlo en directo en la próxima edición de Vida Festival, que se celebrará, como siempre, este verano en Vilanova i la Geltrú.

La Casa Azul 2017 Foto: @lluisdomingo

Una foto publicada por La Casa Azul (Oficial) (@lacasaazuloficial) el 23 de Oct de 2016 a la(s) 1:29 PDT

Los Ganglios / Segunda escucha

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27 octubre, 2016

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La música de Los Ganglios me recuerda a la famosa ilustración de Miriam Elia en la que una madre y su hijo contemplan una pintura de arte contemporáneo, el segundo asegura que la podría haber pintado él y la primera le contesta «pero no lo has hecho». Y me recuerda a esta ilustración porque la música de Los Ganglios parece una tontería, una cosa que podría hacer cualquiera, pero no lo es, en primer lugar, porque hay que ser muy inteligente para hacer música tan cachonda y, en segundo, porque es puro arte contemporáneo, hasta el punto que sus canciones solo están completas, o eso parece, con sus vídeos, que el grupo extremeño diseña tirando de una hemeroteca delirante o directamente grabándose a sí mismo.

Pero Xoxé Tétano y compañía siempre han demostrado interés musical más allá del «meme» de turno como puede ser el desternillante vídeo de ‘Infocreación’ y su cuarto disco, ‘Segunda escucha’, que el grupo ha sacado adelante, como el anterior, gracias al micromecenazgo (y superando con creces la cifra original), es tan divertido como siempre pero más variado, mejor producido y con muchos más recovecos musicales que descubrir. Solo hay que atender al trío de temas que abre el disco, el bonito ‘GVR’, de hermosos ecos africanos; ‘Vivencias propias’, que no es una copia de Extremoduro; y ‘Fortunata y Jacinta’, un curioso número de pop acústico con sintetizadores sobre una novela antigua que nadie quiere leer.

El resto del álbum es igual de sorprendente. La tecnopop ‘S.A.N.Z.’ sitúa a Los Ganglios en 1991, en la tienda Ultra-Records de Barcelona dispuestos a comprar el primer disco de Alejandro Sanz, mientras ‘Ojos comunes’, que va… ¿de humos? es una especie de calipso electrónico con mucho encanto y ‘Pierrot’ un mambo lento de gran musicalidad. Posiblemente la mejor canción del disco, ‘Subatómico’, que describe átomos que «parecen frutas del bosque», lo sea no tanto por su curiosa letra como por la sensibilidad de sus vientos metal, sus guitarras y melodías de sintetizador. ¿A que vamos a tener aquí más que un grupo de broma?

El post-punk electrónico de ‘Los arquitectos’ y el rock de ‘Un poco de cero’ proporcionan variedad al conjunto, pero son canciones menores, mientras el hip hop de ‘Ceguera de rap’ es tan poco interesante como su letra sobre ciegos que «llevan gafas por coquetería» porque «no todos los ciegos van vendiendo lotería». Pero son poca cosa en comparación con los buenos momentos que da el disco desde su inicio con ‘GVR’ hasta su final con el post-punk proletario de ‘Galletas y cereales’, que se vuelve disco en el estribillo, en el que se describe un momento de euforia post-consumismo en una tienda de primera mano en liquidación. Otra de esas canciones para entender a Los Ganglios incluida en su disco más completo hasta la fecha.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘GVR’, ‘Fortunata y Jacinta’, ‘S.A.N.Z’, ‘Ojos comunes’, ‘Subatómico’
Te gustará si te gusta: Hidrogenesse, Ojete Calor, Las Bistecs
Escúchalo: Spotify / Youtube

Adiós a Vine

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27 octubre, 2016

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Vine, la aplicación de vídeos de 6 segundos en bucle de Twitter donde ‘Run Away with Me’ de Carly Rae Jepsen sí fue hit, ha anunciado su cierre. Twitter adquirió Vine en 2013 debido a la enorme demanda que había entonces de esta aplicación, sin embargo, 3 años después, sus usuarios han preferido Instagram, que ofrece vídeos más largos, y Vine se ha quedado a dos velas.

El equipo de Vine ha enviado un comunicado esta tarde en el que confirma que la aplicación de móvil desaparecerá en los próximos meses pero no así su página web, que seguirá en la red para que sus usuarios puedan seguir viendo y descargando sus Vines cuando quieran. En el mismo comunicado, Vine agradece a sus usuarios por haber hecho de Vine lo que ha sido. Los usuarios de esta app serán notificados de cualquier cambio que se realize en la misma app o en la web.

Vine ha sido ampliamente popular en los últimos años hasta el punto de que ha sido capaz de crear estrellas de la aplicación como King Bach, una especie de Jorge Cremades norteamericano que incluso ha llegado salir en películas, o el francés Jerôme Jarre, que se hizo famoso por sus vídeos en los que abordaba a extraños y no tan extraños por la calle o en otros lugares y les decía cosas, besaba o asustaba.

‘Oasis: Supersonic’, si «no había más que verlos»…

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27 octubre, 2016

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Este finde se estrena en cines de toda España pero solo durante unos días ‘Oasis: Supersonic’, el documental que Mat Whitecross (‘Camino a Guántanamo’, ‘Sex & Drugs & Rock & Roll’ sobre Ian Dury) ha realizado con material de BBC, MTV y muchas otras cadenas, entrevistas y algo de animación. El documental no habla de la separación del grupo y más aún, con la salvedad de un par de canciones como ‘All Around the World’ o ‘Fuckin’ in the Bushes’, omite su biografía y discografía posteriores a 1996.

‘Oasis: Supersonic’ se centra en cambio en el nacer del grupo y en parte de su infancia, con la madre de los Gallagher aportando jugosas curiosidades, al tiempo que el montaje y la animación tipo cómic y algunos pequeños efectos especiales, que resuelven muy bien la inexistencia de ciertas imágenes y vídeos, junto a la muestra de la construcción o interpretación de algunas de las canciones, amenizan las dos horazas de duración. Hay tiempo también en ellas para historias más desconocidas como la pésima relación con el padre y para cómo este sacó tajada de su fama vendiendo y provocando historias en la prensa rosa.

El hecho de que el documental se centre en los años de gloria del grupo puede hacernos concluir que su único objetivo sea enaltecer aún más el ego de los hermanos que durante dos años se creyeron los Beatles. En ese sentido, no puede ser una cinta que oculte trifulcas, puesto que Oasis hicieron de su consumo de drogas y su actitud hooligan su modo de vida, y muchas de ellas aparecen retratadas, unas más vergonzantes, otras más descacharrantes. Sin embargo, sí cabría la opción de que se hubiera querido ocultar su decadencia artística y comercial y por eso el documental comience y termine con la cumbre de su carrera: el concierto de Knepworth de 1996 que en España emitió a bombo y platillo Los 40 Principales y muchos grabamos en cinta de la radio. Ahí ellos mismos, exultantes, haciendo que ‘Columbia’ sonara atronadora como la mayor obra maestra jamás compuesta que nunca fue, interpretan que ha llegado tanto su cima como el comienzo del fin y es justo y poético que esta historia se cierre así. Incluso la relación que Noel Gallagher hace entre ese final y la llegada de internet puede generar cierto debate pese a estar bien cogida con pinzas (sí, bajaron las ventas, cayeron los mitos con el acceso a redes sociales, pero nunca bajó el consumo de música).

Más injustificable es en cambio la ausencia de la batalla por el número 1 en singles contra Blur (que perdieron aunque finalmente vendieran mucho más) o el cruce de declaraciones con ellos en este documental que, en ese sentido, no retrata precisamente lo que fueron los años 90 o el Brit Pop. Por mucho que la música de Blur y la de Oasis no se pareciera en prácticamente nada y las comparaciones fueran algo absurdas, su rivalidad pertenece a la imaginería popular. ¿No ha habido huevos de enfrentarse a declaraciones como «espero que Damon y Alex cojan el sida y se mueran»? ¿Qué problema había en recordar que ya habían pedido disculpas por ellas?

Más que, por tanto, el retrato de toda la realidad, el humor y la música son las dos grandes bazas de ‘Oasis: Supersonic’. En cuanto a lo primero, el documental sí es generoso en la muestra de la rivalidad entre los dos hermanos, no resuelta a día de hoy. Y aunque Noel diga que Liam es el divertido, sabe perfectamente que no lo es (a veces incluso da un poco de penica comprobar lo básico que podía ser el pequeño de los Gallagher). Son Noel y sus ocurrencias lo más divertido de estas imágenes: «Si no hay más que vernos», interrumpe cuando David Letterman les presenta cuestionando si son la mejor banda del planeta como se dice en Reino Unido. En cuanto a lo segundo, lo más interesante rodea las dificultades que siempre tuvo el grupo para sonar como quería en estudio, especialmente con su primer álbum. Con todo lo que a Owen Morris le costó pillarles el punto después de pasar por varias manos, lo cierto es que el pobre tampoco logró desarrollar una impresionante carrera como productor después de ellos: lo mejor de Oasis eran las canciones. Eternas, supersónicas, híper capaces de hacernos olvidar todo lo demás. Hasta sus tonterías. 7,5.

Dua Lipa logra su primer éxito en EEUU con ‘Blow Your Mind (Mwah)’

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27 octubre, 2016

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A finales del pasado año, Dua Lipa emergió como una artista a tener en cuenta empujada por su inclusión en la prestigiosa lista de noveles BBC Sound of 2016 tras haber editado varios singles este año, como ‘Last Dance‘ y ‘Hotter Than Hell‘, notables piezas de pop bien hecho y apto para la radiofórmula. Pese a cierto ruido, sobre todo de este último, no ha sido hasta que ha lanzado ‘Blow Your Mind (Mwah)’, hace pocas semanas, que de verdad ha logrado resultados comerciales significativos.

Esta semana la canción ha sido la entrada más fuerte al siempre peleado Hot 100 de Billboard, entrando directa al número 72. Además, es la canción más radiada en las emisoras norteamericanas Radio 1 y Capital FM. También está logrando buenos resultados de streaming, si nos fijamos en Youtube y Spotify, encaminándose a una cifras conjuntas de 40 millones de reproducciones. Teniendo en cuenta que apenas hace un mes de lanzamiento, pronto superará a ‘Hotter Than Hell’ como su single más conocido.

La canción está coescrita por Lipa, que recordemos es británica de ascendencia kosovar, junto a Lauren Christy (de The Matrix, equipo que ha trabajado con Shakira, Britney Spears y hasta Bowie) y Jon Levine (Nelly Furtado, Little Mix, Drake). Lo cierto es que sí, parece uno de sus estribillos más eficaces, coronados por ese besito final, una de esos detalles bobos que luego no puedes sacarte de la cabeza. El lanzamiento de su debut homónimo ‘Dua Lipa’ (recordemos que es su nombre real) está previsto para el día 10 de febrero de 2017.

Vaginas, sangre y Donald Trump, las tres equis del nuevo EP de Pussy Riot

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27 octubre, 2016

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Esta semana hemos conocido un nuevo single en inglés de Pussy Riot, ‘Straight Outta Vaginas’, producido por Dave Sitek de TV On the Radio, dedicado a las vaginas y que se presentaba al mundo con un vídeo delirante a la altura. Lo que no sabíamos entonces es que era el primer de tres sencillos que el colectivo activista ruso presentaría de un nuevo EP, ‘xxx’, que sale mañana.

En las últimas horas, Pussy Riot ha compartido los dos sencillos restantes de este EP y sus respectivos vídeos, que también tienen tela que cortar. El primero es ‘Organs’, una producción de hip-hop abstracto con cuerdas en el que Nadya Tolokonnikova (una de las integrantes del colectivo que fue encarcelada en 2012 por protestar en una iglesia ortodoxa) aparece sangrando sin parar y bañándose en sangre hasta que esa sangre se derrama por todas partes. El texto que acompaña al vídeo es el siguiente:

«Existen muchas maneras con las que el gobierno puede absorber tu energía y tu vida. Te puede meter en la cárcel por cantar o te puede matar por protestar como hizo con el político ruso anti-Putin Boris Nemtsov. Puede cerrar todos los medios de comunicación independientes y puede controlar tu cuerpo y tu sexualidad. Puede tragarse tu vitalidad y tu creatividad. ¿Realmente quieres vivir de acuerdo a la tradición? ¿Quieres que América y Rusia sean grandes otra vez? ¿No quieres poner fin a abortos involuntarios como Trump? Entonces córtate los huevos, hijo de puta, y no habrá necesidad de abortar. Pero deja mi coño en paz y no me toques con tu sucia tradición».

El tercer single es ‘Make America Great Again’, que alude claramente a Donald Trump y samplea imágenes del candidato republicano en su vídeo, que imagina cómo sería Estados Unidos si Trump fuera elegido presidente del país: no más abortos, no más homosexuales, no más inmigrantes. «¿Viene tu madre de México?», lee la letra. «¿Viene tu padre de Palestina desde Siria, cruzando todas las fronteras? / Deja entrar a otra gente, escucha a tus mujeres, deja de matar niños negros / haz que América sea grande otra vez».

10 años de Fotomatón: química, proximidad… y algún concierto sin gente

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27 octubre, 2016

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El madrileño Fotomatón celebra este mes su 10º aniversario con una serie de conciertos especiales cuya cumbre tendrá lugar este viernes 28 de octubre, con la presencia de Alice Wonder, Alondra Bentley, Tulsa, Mayor Tom, Pasajero, Poochie & Maxi y David Matellán. La entrada es con invitación a través de sus redes sociales, si bien sabéis que el aforo es reducido. El sábado tocan Lecciones de Vuelo. Preguntamos al socio fundador Alfonso Menasalvas (los otros son Joanra de Love of Lesbian y Jordi Montero), por estos 10 años de existencia.

Supongo que os lo estarán preguntando mucho estos días y que será difícil elegir, ¿pero qué eventos os enorgullece más haber organizado estos 10 años?
Quizás de lo que nos sintamos más orgullosos es de los ciclos de conciertos en los que participan bandas unidas por un concepto común. Las dos ediciones del ciclo ‘De Madrid al Suelo’ tenían como objetivo dar la oportunidad de tocar a grupos underground, las cuatro ediciones de ‘La Vie en Rose’ buscaban dar visibilidad a bandas lideradas por chicas y el ciclo ‘Musicauciados’ consiguió que participaran muchos músicos conocidos para mostrar su apoyo y solidaridad hacia los miles de refugiados que llegan a Europa.

¿Cuál, por razones técnicas, mala suerte, poca asistencia, por ser deficitario o lo que sea, habría representado un punto más bajo?
Seguramente el concierto de un grupo holandés al que no vino absolutamente nadie.

¿Alguna anécdota pocas veces contada que merezca la pena rescatar?
A lo largo de estos años ha habido muchas. Quizás una de las más bonitas fue durante la actuación de Stanley Brinks. Entró en el bar un vendedor de flores pakistaní y el cantante le invitó a subir al escenario para acompañarle con los coros de la canción ‘They Don’t Have a Clue’. El vendedor de flores no se lo pensó dos veces, subió al escenario e hizo los coros de una manera más que digna. Ese día todos nos fuimos a casa con una sonrisa.

¿A quién os sorprende más haber visto entre los asistentes de Fotomatón durante estos 10 años?
No sabría decir. Quizá, por no mencionar a ningún músico, destacaría la visita del ex concejal madrileño tristemente fallecido Pedro Zerolo.

En los últimos años ha habido varios bandazos en lo que a política de «bares con concierto» se refiere. ¿Cómo habéis sobrevivido al infierno de licencias e insonorización?
Por suerte, aunque somos conscientes de los problemas que han tenido que afrontar muchos bares, no hemos tenido problemas a ese respecto.

¿Habéis notado algún cambio para bien en algún sentido con el nuevo gobierno o más bien todo lo contrario?
Todavía es pronto para dar una opinión al respecto, pero sí que parece que hay una mayor sensibilidad respecto a la música en directo y de intentar que esté más presente en el día a día de las personas.

¿Para qué artistas creéis que ha supuesto un punto de inflexión de una manera o de otra haber pasado por Fotomatón?
No compartimos el día a día de los grupos por lo que sería pecar de arrogantes pensar que hemos supuesto una inflexión en la carrera musical de algún grupo. Estaríamos encantados que así fuera, pero no tenemos suficiente información al respecto.

¿Qué suele agradarles más de tocar ahí? ¿Acústica, intimidad, otra cosa?
Muchos grupos nos han dicho que han disfrutado mucho tocando en el Fotomatón por la proximidad del público y la química especial que eso produce.

¿Y desagradarles? ¿Tienes conciencia de algún artista que se haya ido a disgusto tras actuar allá?
No somos conscientes. Quizá algún grupo no se ha sentido del todo cómodo pero en ningún momento hemos tenido la sensación de que a nadie le haya desagradado en extremo.

El apoyo a artistas noveles, ¿se produce más que nada por las dimensiones del local o por ser una vocación y una labor muy agradecida?
Las dos cosas van unidas porque para que todo fluya, el local y los conciertos tienen que estar dimensionados de forma adecuada.

¿Alguna anécdota con los locales en las inmediaciones? ¿Se han pasado alguna vez por el bar por ejemplo los empleados o responsables de El Rey del Tallarín?
En alguna ocasión se han pasado a tomar una cerveza y no es extraño que las personas que trabajan alrededor nos visiten alguna vez.

La gran fiesta es el día 28 y es con invitación, supongo que un evento de esta envergadura ni es rentable y puede producirse por la generosidad o el cariño que os tengan los artistas, ¿es así?
Efectivamente no es un evento con ánimo de lucro sino una fiesta en la que intentaremos compartir con amigos músicos un momento muy especial para nosotros.

¿Qué puede hacer el público que lo desee para asistir?
Todos los músicos participantes tienen invitaciones. Por otro lado, nosotros también disponemos de algunas por lo que los clientes habituales del bar pueden contactar con nosotros para conseguir invitaciones y asistir.

Sen Senra sorprende al sumarse a la ola trap en ‘Pretty Empty’

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27 octubre, 2016

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Sen Senra es uno de los jóvenes (jovencísimo, más bien: apenas tiene 20 años) músicos más interesantes surgidos en nuestro país en las últimas temporadas. El pasado año publicó ‘Permanent Vacation‘, un debut de garage rock de inspiración retro que le valía el apelativo de «Mac DeMarco gallego» y le llevó a tocar en festivales como SOS 4.8, Vida Festival, BIME, Villamanuela, Sinsal o Monkey Week, así como a telonear a The Vaccines, Motorama o Hinds. Pero a pesar de esa intensa actividad en directo, ha tenido tiempo de escribir y grabar el que será su segundo álbum.

El disco ya está terminado y verá la luz en las primeras semanas de 2017, por medio del sello Crispis Editorial. Ha sido grabado en los estudios La Mina de Sevilla, con producción de Carlos «Carlangas» Pereiro (líder de Novedades Carminha) y que «dará un giro a su sonido, aportando matices r&b, soul y pop a su sonido garagero».

Para demostrar que ese teórico cambio de sonido está muy lejos de ser un farol, el primer adelanto de ese disco no podría ser más sorprendente. Se trata de ‘Pretty Empty’, precisamente el único tema del disco que no produce Carlangas. En este caso, ese papel ha corrido a cargo de Rolo Royce, miembro del colectivo Banana Bahía Music, responsable por ejemplo de la música que escucharemos en ‘Siempre‘ el disco que publicará en las próximas semanas el colectivo de rap Agorazein. Así que ‘Pretty Empty’ es un tema de trap que perfectamente podrían cantar C.Tangana o Sticky M.A., y Senra lo lleva a su terreno con unas líneas melódicas que la hacen muy atractiva. Sin duda, permaneceremos atentos a más novedades de este prometedor «giro».

La verbena punk-rock de Las Chillers protagoniza la ‘Noche de muertas’

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27 octubre, 2016

Aunque no gocen de prestigio en el mundo de la música, esos nómadas de las orquestas ambulantes que hacen miles de kilómetros al año para amenizar las fiestas de los pueblos y ciudades de España merecen todo el respeto. No solo generan jolgorio (o eso pretenden) a su paso, sin que contribuyen a perpetuar muchos viejos éxitos de la música popular que, de otra manera, quizá no llegarían a nuevas generaciones. Con un espíritu similar, Las Chillers se han hecho un nombre en la escena underground madrileña a base de hacer versiones de clásicos de la música, solo que pasados por un tamiz punk-rockero.

Así, estas cinco chicas de Madrid se deshacen de una de las grandes pegas de esas orquestas: que no aportan nada a los originales. En su caso, anteponiendo el jaleo a la pericia interpretativa, «sabotean» los originales con ruidosas versiones, invitando al despiporre total. Su repertorio se nutre de clasicazos tan variopintos como ‘Titanium’ de David Guetta con Sia, ‘Lágrimas de amor’ de Camela (conocida popularmente por su estribillo «Sueño contigo»), ‘Sobreviviré’ de Mónica Naranjo (que mezclan, a modo de mash-up, con ‘Estoy llorando por ti’ de Minerva), además de otros hits de Mecano, Rebeca, McNamara, Pimpinela, Jeanette y divas así. El resultado es que sus conciertos son verdaderos fiestones, como puede verse en varios clips recogidos en Youtube. Por el momento, y remitiendo de nuevo al espíritu efímero de la verbena, no han registrado en estudio sus adaptaciones.

Las Chillers son el principal reclamo de la fiesta ‘Noche de muertas’ (en referencia a la festividad de Todos los Santos) que el club Somoslas celebra este viernes, 27 de octubre, en La [2] de Apolo, y cuyo cartel se completa con sesiones de Äadrik Synth, Siria y el residente Ferdiyei. Puedes comprar las entradas en la web de la Sala Apolo.

Christina Rosenvinge despide el desaprovechado ‘Lo nuestro’

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