He aquí otro álbum que podríamos incluir en nuestro artículo de los discos que más tardaron en salir de todos los tiempos. Hemos de remontarnos a 1979 para encontrarnos con el último disco de estudio de Chuck Berry, ‘Rock It!’, y 38 años después, el cantante ha anunciado nuevo largo, ‘Chuck’, para el año que viene. Precisamente hoy es el día en que Berry, leyenda viva del rock ‘n roll, cumple 90 años. Berry le ha dedicado el álbum a su mujer, Themetta. «Cariño, ¡me hago viejo!», ha escrito. «He trabajado tanto tiempo en este disco… ¡Pero hecho está!»
En nota de prensa se señala también la influencia de Berry en la historia del rock ‘n roll, que prácticamente no existiría si no fuera gracias a él. «[Berry] sentó las bases, no solo del rock ‘n roll, sino también de su ideología, y muchas de sus composiciones, desde ‘Maybellene’ a ‘Roll Over Beethoven’ pasando por ‘Rock and Roll Music’, entre otras, se han convertido en textos canónicos del género». La nota recuerda asimismo que ‘Johnny B. Goode’ fue la única canción de rock ‘n roll incluida en el disco dorado que la NASA envió al espacio en 1977 como ejemplo de cultura en la Tierra para los extraterrestres. Hay más posibilidades de que Berry viva otros 90 años a que ese disco siga pululando por galaxias desconocidas, pero no está mal recordar el dato.
Este año, Moby ha sacado tiempo de meterse con Donald Trump en Facebook para editar nuevo disco, ‘These Systems Are Failing’, a través de su nuevo proyecto The Void Pacific Choir. El álbum salía el pasado 14 de octubre a las tiendas e incluye el single ‘Are You Lost In The World Like Me?’, para el que se acaba de estrenar un videoclip que es puro siglo XXI, el retrato distópico de una sociedad enganchada al teléfono móvil que navega por Facebook, liga en Tinder, caza Pokémon con Pokémon Go y, en definitiva, ignora un mundo carnívoro, políticamente corrupto y obsesionado con la belleza y la juventud en el que Moby se siente perdido.
El vídeo es una animación de Steve Cutts, ilustrador londinense autor de estos dibujos que seguramente conoces puesto que se hicieron virales en las redes sociales hace unos meses. Cutts ha explicado que el vídeo va sobre «nuestra dependencia, en aumento, de la tecnología y sobre la interacción humana en la actualidad, o sobre la carencia de la misma». «Se concentra en cómo la tecnología nos está cambiando y cómo nos ha hecho insensibles». Por su parte, Moby opina que es uno de los mejores vídeos que ha hecho para una de sus canciones.
‘These Systems Are Failing’, que, por cierto, trae una portada muy chula en 3D, es el decimotercer disco de Moby y el último desde 2013, cuando editó el regular ‘Innocents‘. Lejos quedan ya los tiempos en que Moby era una estrella de la música electrónica gracias a discos como ‘Play’ o ’18’, aunque, para ser justos, eso a Richard Melville Hall parece no importarle demasiado.
Kings of Leon acaba de editar nuevo disco, ‘WALLS’, que incluye el single ‘Waste a Moment’ y contiene esta portada que todavía no hemos decidido si mola o es un espanto. El grupo, también, ha anunciado las primeras fechas de su gira de presentación, de momento solo en Estados Unidos, y el grupo que abrirá la misma, que ha sorprendido a muchos y a muchas, pues no es otro que Deerhunter, la banda de rock de Atlanta liderada por Bradford Cox autor de discos de culto como ‘Microcastle’ o ‘Halcyon Digest’ y que nunca ha pasado de eso, de grupo de culto, quizá por ser demasiado raro para la radiofórmula a la que aspira Kings of Leon, quizá porque nunca ha compuesto una única canción que atraiga a las masas populares como sí ha logrado el grupo de los hermanos Followill con ‘Sex on Fire’. Deerhunter siempre fue esa banda que había decidido existir en la periferia de la industria musical e ir a su bola, especialmente dada la calidad experimental de su música, por lo que su decisión de abrir para Kings of Leon parece una llamada de atención. ¿Estarán Cox y compañía aburridos de ser «underground»?
En cualquier caso, cosas más raras se han visto que Deerhunter teloneando a Kings of Leon. Y no nos referimos a que Robyn abriera para Katy Perry en 2011 cuando todos sabemos que a Robyn no le gusta nada Katy Perry, que Robyn mola mucho más, ha sacado mejores discos, cuenta con mejores producciones en su repertorio y, en definitiva, es quien debería encabezar su propio concierto en lugar de abrir para nadie, aunque también, sino a cosas como que Iggy Pop abriera para Pearl Jam en 1998 cuando Iggy llevaba treinta años actuando y Pearl Jam solo varios, que Robert Plant de Led Zeppelin abriera, a principios de los 90, para Lenny Kravitz por el mismo motivo o a que Black Eyed Peas abriera para U2 en 2009 durante su gira ‘U2 380º’ cuando ambas son dos bandas que, musicalmente, no tienen absolutamente nada que ver.
Porque no es tan raro que un artista o grupo comercial, ya toque pop, rock o electrónica, abra para otro artista con aspiraciones comerciales similares más o menos parecidos en estilo, como es el caso de Robert Plant y Lenny Kravitz o incluso de Kings of Loen y Deerhunter, salvando las distancias; sin embargo, deja con la boca abierta lo distintos que son los estilos musicales de ciertas bandas que han abierto para otras, como es el caso de Black Eyed Peas y U2 o también el de The Ramones, que teloneó a Toto en los 60, el de Beastie Boys, que abrió para Madonna en 1985 o el de Amaia Montero, que abrió para Kylie en 2009. Demonios, si hasta Jimi Hendrix teloneó The Monkees (¡The Monkees!) en 1967. Por no hablar de lo diferentes que han resultado algunas de sus trayectorias: ¿alguien se acuerda de que Radiohead abrió para Alanis Morissette en 1997?
En cualquier caso, lo que enfrenta la noticia de Deerhunter abriendo para Kings of Leon no es a dos grupos de estilos diferentes. Aunque ambos son del sur de Estados Unidos, de estados que se tocan, Deerhunter de Georgia y Kings of Leon de Tennessee, uno es deudor de la Velvet y de los Stooges y otro de la Americana más clásica y del rock llenaestadios. Lo que chocan son dos culturas contradictorias. Nadie imagina a un fan de Deerhunter comprando un disco de Kings of Leon y viceversa, precisamente porque Deerhunter representa un icono de banda independiente, libre de ataduras comerciales, que no tiene nada que ver con lo que es Kings of Leon y, por tanto, con el público que compra sus discos. Es pronto para acusar a Deerhunter de haberse vendido, tampoco procede pretender ahora que Kings of Leon no es un buen grupo, pero el interés de Cox y compañía por ampliar su público quizá es demasiado obvio para que no nos resulte, como mínimo, cuestionable, a pesar de que la historia de teloneros que hemos repasado sea más sorprendente que la suya.
A principios del año pasado, Alborotador Gomasio editó su segundo disco, un ‘Los excesos de los niños’ que situaba el sonido del grupo todavía más cerca de la frontera del indie y el pop comercial, con canciones cuyo sonido parecía referenciar a Dinosaur Jr. y a Los Punsetes pero también a Los Secretos o a Hombres G. El disco contenía canciones tan memorables como ‘Espíritus helados’ (clarísimo homenaje a ‘Pero a tu lado’ de los hermanos Urquijo), ‘Si te matas’ o ‘Contra el suelo’. El grupo ha recuperado este último tema ahora para la realización de un bonito videoclip que estrenamos en JENESAISPOP.
La nota de prensa lee: «Bajo la dirección y el montaje de Celia Vega Pérez, los integrantes de Alborotador Gomasio llevan a cabo este experimento colaborativo, editado y grabado entre todos los miembros de la banda, en el que se suceden imágenes domésticas del grupo registradas con una cámara Lomokino en película de color de 35 milímetros. El resultado de un año de grabación en distintas localizaciones es un divertido archivo visual que tiene como pretensión, lejos de querer configurar un videoclip al uso, mostrar un retrato informal del grupo a modo de collage».
Alborotador Gomasio, que editaba su álbum debut en 2013 tras años de promesa, ultima estos días la composición de su nuevo disco, que grabará a partir del año que viene con Carlos Hernández, reputado productor e ingeniero de sonido madrileño cuyo trabajo has oído en discos de Los Planetas, La Habitación Roja, Nosoträsh, Joaquín Sabina, Triángulo de Amor Bizarro, La Costa Brava, Bunbury y un sinfín de nombres más. También lo editará Limbo Starr.
Mientras se decide si es una opción para representar a España de nuevo en Eurovisión o no, Ruth Lorenzo está enfrascada en otro ambicioso proyecto. A nivel Guinness más que musical. La cantante va a intentar batir un récord Guinness actuando en 8 ciudades distintas de nuestro país en tan solo 12 horas. Lo hará recaudando beneficios para la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC). Comenzará a las 10 de la mañana en Murcia, y pasará por Hellín, Albacete, Villarrobledo, Manzanares, Consuegra, Toledo y finalmente Madrid. Los shows tendrán 20 minutos de duración y aparte de algunos de sus hits (más canciones suyas de las que crees se acercan o incluso superan el millón de escuchas en Spotify), presentará su nuevo sencillo, ‘Voces’, que se lanzaba hace unos días y está encaramado en el top 1 de las listas de iTunes España.
Además, se rodará un docu-reality sobre toda esta experiencia que se emitirá en Divinity. La canción escrita por Ruth Lorenzo, de ecos grandilocuentes a lo Queen, forma parte de la campaña Guiness Por Ellas, que culminará con un concierto que organiza cada año Cadena 100 y que se celebrará este próximo sábado en Madrid (Barclaycard Center, ocho de la tarde). Actuarán Ruth Lorenzo, Manuel Carrasco, Rosana, Coti, Sergio Dalma, Carlos Baute, Rozalén, Barei o David DeMaría, entre otros.
Minor Victories podría ser el supergrupo más singular de la historia, o al menos uno de ellos. La banda formada por músicos en principio alejados tanto estilística como físicamente, grabó este álbum de debut completo sin tan siquiera haber tocado juntos en la misma habitación. La idea partió de Justin Lockey, de Editors, que quería hacer un disco muy ruidoso y que buscaba una voz femenina para esas canciones. Enroló en ello a Rachel Goswell, de los resucitados Slowdive y Mojave 3, que a su vez embaucó a Stuart Braithwhite de Mogwai para tocar guitarras. Lockey, a su vez, implicó a su hermano James para tocar el bajo. Todas las ideas se intercambiaban vía e-mail, cada uno grababa sus partes en su propio estudio casero y se iban cruzando grabaciones hasta dar forma definitiva a cada canción.
Pero escuchando ‘Minor Victories’ uno no percibe lo más mínimo ese carácter de improvisación en la gestación de estas canciones. Más bien al contrario, el resultado es bastante compacto y coherente, una masa informe pero densa que surge de esta centrifugadora que mezcla shoegaze, cuerdas épicas, baterías rocosas (tocadas por diferentes miembros del grupo indistintamente), bajos cuasi-bailables, post-rock y dulces voces etéreas, cortesía, claro, de Goswell. No hay sorpresas. Es decir, la sorpresa es que todas las distintas y reconocibles influencias funcionen tan rematadamente bien juntas y que nadie se hubiera percatado de ello antes.
En ese compacto conjunto destacan muy claramente las que se alinean en la primera mitad, desde la introductoria ‘Give Up The Ghost’ hasta la popera (à la My Bloody Valentine) ‘Cogs’. Son, nada casualmente, los cortes que han sido destacados como singles y han tenido su correspondiente vídeo de apoyo. La épica y galopante ‘A Hundred Ropes’, las subidas y bajadas de intensidad de ‘Breaking My Light’, la divertida (¿o es solo una sensación derivada de su simpático vídeo gatuno?) ‘Scattered Ashes (Song For Richard)’ (a dúo con James Graham, de The Twilight Sad) y la apabullante ‘Folk Arp’ pugnan por convertirse en favoritas.
Pero este disco nació como un EP, y eso, quizá, queda evidenciado en la menor solidez de su segunda mitad. Por ejemplo, por más curiosa y jugosa que resulte (se trata de una especie de declaración de amor platónico cruzada entre Rachel y Mark Kozelek –Red House Painters, Sun Kil Moon– que merece la pena escuchar), ‘For You Always’ no parece tener demasiado sentido aquí. Más próxima al tono del álbum, ‘Out To Sea’ no es, en cambio, una composición inspirada. ‘The Thief’ recupera el pulso, pero sus más de 7 minutos son demasiados para una melodía vocal muy vaga. La final ‘Higher Hopes’, en cambio, ostenta el mérito de culminar ‘Minor Victories’ con el vigor y la inspiración de su primera parte.
La inusitada repercusión que ha adquirido Minor Victories ha debido sorprender al propio grupo, que ni siquiera planeaba tocar y ahora se encuentra inmerso en una gira que esta semana para en nuestro país. Pero, escuchando este debut, parece de lo más lógica: pese a sus puntos flacos, la mayor parte de él no solo es capaz de satisfacer por igual a los seguidores de los variopintos proyectos de sus miembros, sino que también puede ser atractivo para los amantes de bandas tan populares como The National y tan fiables como Low.
Minor Victories actúan el día 21 de octubre en el Teatro Barceló de Madrid, y al día siguiente, el 22, en la Sala Apolo de Barcelona, dentro del festival Primavera Club que se celebra este próximo fin de semana.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘A Hundred Ropes’, ‘Folk Arp’, ‘Cogs’, ‘Scattered Ashes (Song For Richard)’ Te gustará si te gustan: Low, The National y uno o varios de los otros grupos a los que pertenecen sus miembros. Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Hacía tiempo que no sabíamos nada de LIZ, la artista de Los Ángeles que se hizo semi famosa el año pasado por convertirse en una de las caras más reconocibles de Mad Decent y después de PC Music gracias a su hit ‘When I Rule the World’, una producción de SOPHIE que apuntaba a clásico desde la primera escucha y que la misma Britney Spears, la mayor influencia de LIZ, quiso grabar. La canción, en definitiva, era magnífica pero… ¿no habría disco?
De momento, lo que hay es una «mixtape» que LIZ acaba de publicar en colaboración con la editorial de moda NICOPANDA, ‘Cross Your Heart’, que contiene 16 producciones nuevas de la cantante, entre ellas una remezcla de ‘When I Rule the World’ por Grandtheft, y una colaboración de Vic Mensa en la pista 7, ‘All Good’. Tras la producción encontramos nombres como Henrik the Artist, Lido, King Henry o el barcelonés Alizzz, que entregan a LIZ una variedad de ritmos dance, hip-hop, R&B y electro, entre otros.
«Siempre he tenido un elemento de fantasía en mi música y vídeos, y la próxima etapa en mi carrera será todavía más salvaje y experimental», ha dicho LIZ sobre esta colaboración. «Mi música representa a la chica joven moderna, pues mezcla múltiples géneros que han salido de diversos movimientos para crear un mejunje de lo que hoy día se conoce como «pop de radiofórmula». LIZ indica, además, que ‘Cross Your Heart’ es una pista de lo que está por venir. No suena nada, nada mal de momento, conque esperaremos con ganas.
1) Star [prod. Branchez & Charlie Klarsfeld]
2) Wild Target [prod. Henrik the Artist]
3) Cross Your Heart [prod. 813]
4) High School Luv [prod. Henrik the Artist & Nightcorey]
5) When I Rule the World [Grandtheft Remix]
6) Promise [prod. Lord Olaf]
7) All Good (feat. Vic Mensa) [prod. Lido]
8) Automatic [prod. RJ Ferguson]
9) Want U to Hate Me [prod. Brunelle & Mess Kid]
10) Final Moments (Instrumental) [prod. Mess Kid]
11) Shambhala (Instrumental) [prod. STFU]
12) Forever [prod. King Henry, Daktyl, & Aryay]
13) Ur Touch (Instrumental) [prod. Alizzz]
14) Holy Water [prod. Valentino Khan]
15) Jawbreaking the Rules [prod. Mess Kid]
16) Run for Cover [prod. Picard Bros]
La última lista de singles española que la semana pasada se publicaba con retraso con motivo del Día del Pilar no dejaba más noticia que las firmes entradas de tres canciones que ya considerábamos éxito. Desde que cuenta el streaming el top 10 suele ser de lo más estático, por lo que no podemos dejar de comentar estas 3 llegadas a lo más alto de la tabla, que por supuesto sigue coronada por la omnipresente ‘La bicicleta’.
1(1) Carlos Vives, Shakira / La bicicleta
6(29) Ricky Martin, Maluma / Vente pa’ ca
8(15) Sia, Kendrick Lamar / The Greatest
10(37) J Balvin, Pharrell Williams / Safari
La mayor amenaza para el dominio español de ‘La bicicleta’ es ‘Vente pa’ ca’, el dúo entre Ricky Martin y el cantante latino de moda Maluma, que en tan solo 2 semanas es número 6. Es número 1 nacional en Spotify, por lo que puede alcanzar la cima tan pronto como mañana mismo. También ya son top 10 en nuestro país ‘The Greatest’ de Sia y ‘Safari’ de J Balvin con Pharrell Williams.
30(43) The Weeknd, Daft Punk / Starboy
Una de las subidas destacadas de la semana es la de lo nuevo de The Weeknd con Daft Punk, definitivamente encarrilado hacia el éxito con este ‘Starboy’. Es número 3 en Reino Unido -tras haber sido top 2- y número 2 en Estados Unidos, contenido por el macrohit de The Chainsmokers con Halsey.
53(E) Niall Horan / This Town
El tema con el que decíamos que este One Direction se hacía un Ed Sheeran es la entrada más fuerte de la semana. ‘This Town’ ha sido número 9 en Reino Unido y número 25 en Estados Unidos, donde en su segunda semana se desploma hasta el puesto 54.
99(E) Charly Black / Gyal You A Party Animal
Llega a España este tema lanzado el pasado verano. El estival tema del cantante jamaicano de momento sólo ha sido top 10 en Portugal.
Ryan Tedder, co-autor de decenas de temas de éxito, ha concedido una jugosa entrevista a Consequence of Sound a lo largo de 6 páginas, en la que aparte de hablar de lo nuevo de OneRepublic, lo hace sobre algunos de los hits y temas que ha compuesto con superestrellas. Curiosas son sus declaraciones sobre ‘Remedy’ de Adele, de la que ya tenía «el riff de piano, el estribillo, el título, el concepto y la primera frase» cuando se la llevó, aunque añade que si el artista percibe que la canción ya está escrita cuando se la presenta «no es suficiente» (a ambos les unió querer escribir sobre sus hijos); sobre ‘XO’ de Beyoncé, que ya se llamaba ‘XO’ cuando cayó en sus manos aunque el «XO» aún no apareciera por ninguna parte (explica que Beyoncé quería un tema para conectar con sus fans en grandes estadios); o Taylor Swift, a la que define como una «capitana» cuando el capitán suele ser él.
La noticia viene cuando avanza que Jónsi de Sigur Rós le ha mandado un par de canciones para que las haga más pop, y cuando avanza al fin, que lo nuevo de U2, la continuación de ‘Songs of Innocence’ llamada ‘Songs of Experience’, de hecho existe. «Sobre su nuevo álbum, ‘Songs of Experience’, ya he trabajado con ellos durante un año. Vamos a tener algunos muy buenos remixes que van a abrir una puerta completamente nueva para los fans de U2. El mundo ahora mismo escucha cosas tan diferentes que no puedes esperar que alguien de 20 años se sumerja en un disco de U2 si no se pone en el contexto de lo que se escucha hoy en día». Fans de U2 temblando en estos momentos…
La cantante, que cuenta con solo tres discos, pero hasta 88 videoclips de existencia acreditada en la Wikipedia anglosajona, 37 propios y 51 «featurings», parece que se va a tomar más en serio ese programa inspirado en sus tiempos mozos antes de la fama. Porque si en algún momento barajamos que Nicki Minaj viviera en un rodaje de videoclip perpetuo, parece que no va a realizar este programa con la ABC hasta que estén seguros de que la cosa vaya a funcionar. Estas son sus últimas declaraciones: «Un montón de cosas han pasado al mismo tiempo y creativamente queríamos hacer algunos cambios con el programa piloto. Vamos a tomarnos nuestro tiempo, todos los implicados queremos que sea perfecto y sentí que había otras cosas que tenía que resolver primero».
Por cierto, entre los 88 videoclips de Nicki Minaj no contamos anuncios como el de Beats by Dre que Nicki acaba de presentar junto a Pharrell, DJ Khaled, Young M.A. o Travis Scott, inspirado en Pinocho. Os dejamos con este último y los 27 «vevo certified» de Nicki Minaj tras la consecución de más de 100 millones de visualizaciones. La mayoría y los más vistos son junto a otros artistas. Destaca, de hecho, la buena posición ya de ‘Side to Side’ junto a Ariana Grande.
Los vídeos más vistos de Nicki Minaj
1.-Hey Mama (con David Guetta) 880 millones
2.-Bang Bang (con Jessie J, Ariana Grande) 776 millones
3.-Beauty and a Beat (con Justin Bieber) 690 millones
4.-Anaconda 626 millones
5.-Super Bass 622 millones
6.-Turn Me On 294 millones
7.-Starships 278 millones
8.-Right By My Side (con Chris Brown) 252 millones
9.-Only (con Drake, Lil Brown, Chris Brown) 249 millones
10.-Where Them Girls At (con David Guetta, Flo Rida) 239 millones
11.-Side to Side (con Ariana Grande) 224 millones
12.-All Eyes On You (con Meek Mill, Chris Brown) 216 millones
13.-Bitch I’m Madonna (con Madonna) 215 millones
14.-No Love (con August Alsina) 206 millones
15.-Pound the Alarm 187 millones
16.-Moment 4 Life 170 millones
17.-Pills N Potions 164 millones
18.-Beez in the Trap 146 millones
19.-The Boys 145 millones
20.-Love More (con Chris Brown) 141 millones
21.-No Broken Hearts (con Bebe Rexha) 125 millones
22.-High School 125 millones
23.-The Night Is Still Young 125 millones
24.-Fly (con Rihanna) 120 millones
25.-Check It Out (con will.i.am) 113 millones
26.-Throw Sum Mo (con Rae Sremmurd, Young Thugh) 110 millones
27.-My Nigga Remix (Con YG, Lil Wayne, Meek Mill) 108 millones
Hace unos días se anunciaba que Bob Dylan era el ganador del Premio Nobel de Literatura de este año, que por primera vez se concedía a un músico. La noticia sorprendía al mundo e incluso provocaba cierta indignación en los sectores literarios más puristas, pero lo que opina de Bob Dylan del premio todavía no lo sabe nadie. Según ha anunciado la responsable de la academia sueca que concede el premio, Sara Danius, Bob Dylan todavía tiene que darles algún tipo de reacción, básicamente, si acudirá a la ceremonia que se celebrará el próximo día 10 de diciembre o no.
«Ahora mismo no podemos hacer nada más. He llamado y enviado emails a su colaborador más cercano y he recibido respuestas muy amables. Por ahora, eso es ciertamente suficiente», son sus declaraciones, que aparecen traducidas en The Guardian tras haber aparecido en la radio estatal sueca. Después decía: «No estoy preocupada en absoluto. Creo que vendrá (…) Si no quiere venir, no vendrá. Será una gran fiesta en cualquier caso y el honor le pertenece».
El medio británico recuerda que Bob Dylan ha actuado estos días en Las Vegas cada noche, pero siempre sin hacer mención del asunto, y recopila la opinión de algunos escritores contrarios a este reconocimiento al músico en el ámbito de la literatura, entre ellos Rabih Alameddine o Pierre Assouline, que ha dicho que el premio es «despectivo para los escritores». Karl Ove Knausgaard se ha mostrado dividido: «me encanta que el comité se abra a otros tipos de literatura, letras de canciones y cosas así. Creo que es brillante. Pero saber que Dylan es de la misma generación que Pynchon, Philip Roth, Cormac McCarthy, hace que me sea muy difícil poder aceptarlo».
Bob Dylan ha sido también noticia por haberse colgado una guitarra por primera vez en cuatro años. En Stereogum, medio que se ha dado cuenta de este hecho, lo habían interpretado como una manera de celebrar el Premio Nobel, que ahora queda en duda.
Tras 8 años esperando su segundo disco, The Last Shadow Puppets no han hecho precisamente historia con ‘Everything You’ve Come to Expect‘, así que seguro que no lo van a conseguir con un EP de versiones, encima grabadas en directo. Sin embargo, el lanzamiento que planean de cara al próximo 2 de diciembre puede ser una buena idea por varias razones:
-el EP incluye dos versiones grabadas en directo de ‘Aviation’ y ‘The Dream Synopsis’ y puede ser el momento de descubrir que estas canciones de su último largo no estaban tan mal.
-la versión incluida de Leonard Cohen llega en el momento justo, ahora que el cantautor canadiense percibe que su final se acerca.
-esa versión es del tema ‘Is This What You Wanted’, en la que se cita a Marlon Brando y a Steve McQueen y las referencias sientan como un guante a Alex Turner y Miles Kane, confirmados una vez más como iconos del pop en el vídeo que se estrena hoy para esta canción. Muy especialmente el primero en este caso y como es lógico tras el pelotazo del último de Arctic Monkeys, ‘AM‘.
-el EP incluye una versión de ‘Les Cactus’ de Jacques Dutronc y toda reivindicación francófona en las islas británicas es siempre motivo de celebración.
‘The Dream Synopsis’ se ha grabado en directo en los estudios Future-Past Studios de Nueva York. Os dejamos con su tracklist. Habrá CD y vinilo para coleccionistas.
1. Aviation
2. Les Cactus – original by Jacques Dutronc
3. Totally Wired – original by The Fall
4. This Is Your Life – original by Glaxo Babies
5. Is This What You Wanted – original by Leonard Cohen
6. The Dream Synopsis
El sello donostiarra Moonpalace Records cierra tras haber «perdido la ilusión». En un comunicado su responsable (Juanra Prado) habla de cierta incomprensión del público. Se apela a «momentos de frustración al ver que eso que tú consideras maravilloso era incapaz de llegar a la gente, de ser escuchado, valorado… de sentir que estabas sacando los discos para apenas un puñado de personas». Paradójicamente, las ediciones del sello solían estar limitadas a 100 copias, siendo artesanales, hechas a mano. Muchas referencias de Ursula o House of Wolves estaban agotadas aunque es cierto que muchas otras de Francis Alun Bell o el mismo House of Wolves, no. El proyecto del angelino Rey Villalobos aparecía en nuestro top 20 de mejores discos de 2015 con ‘Daughter of the Sea‘. Os dejamos con la nota de prensa y uno de los pequeños grandes discos editados por el sello:
«Pues ya está, llegó el momento de decir adiós, de bajar la persiana, mirar atrás y sentirse orgulloso del trabajo hecho.
Han sido trece años desde la primera referencia, trece años de sacar discos maravillosos, de conocer a gente, de disfrutar muchísimo con el proceso, y por qué no, también momentos de frustración al ver que eso que tú consideras maravilloso era incapaz de llegar a la gente, de ser escuchado, valorado… de sentir que estabas sacando los discos para apenas un puñado de personas.
Sin dramas, esto se acaba pero la música sigue ahí, que al final es lo importante. Y en mi caso lo que queda además es la sensación de haber logrado lo que desde un principio me propuse, o al menos eso creo firmemente, un sello totalmente personal, para lo bueno y para lo malo, con una línea muy definida, quizás no la más fácil ni popular, pero sí la que más me gustaba a mí, y la que con el tiempo he visto que ha habido gente que ha apreciado y valorado.
Sin más, he perdido la ilusión y sin eso es imposible seguir, al menos en algo tan personal y con esta filosofía tan definida de ocio y disfrute puro y duro. Las cosas que queremos, que hacemos porque nos llenan y nos aportan algo hay que hacerlas así, cuando se pierde la ilusión se convierten en rutina y eso lo acaba estropeando todo, antes de que eso pase es mejor ponerles final.
No habrá actos de despedida, ni fiestas, ni nada parecido… la “celebración” de este final será lo que siempre ha sido el principal objetivo y motivación de moonpalace records, sacar discos. Así que habrá una última referencia, la número 36, el “canto de cisne” del sello, un último disco que verá la luz en noviembre y que cerrará de manera definitiva una historia muy bonita y emocionante que me ha encantado compartir con vosotros.
Cass McCombs, autor de la gran ‘County Line’, ha sacado este año un disco precioso llamado ‘Mangy Love’ que contiene, al menos, dos de las canciones destacadas que se han hecho este año en el ámbito de la música norteamericana, ‘Opposite House’ y ‘Medusa’s Outhouse’, la del vídeo rodado durante una peli porno. Nuestro colaborador Jaime Cristóbal expresaba en su crítica que ‘Mangy Love’ es un trabajo fantástico, de primera mitad apabullante, en el que McCombs consigue «resucitar sonidos clásicos y clichés que casi eran anatema en el pop independiente y reencuadrarlos en su propio universo, creando así algo auténticamente singular».
España es uno de los países europeos afortunados en los que McCombs presentará ‘Mangy Love’ en directo. El artista actuará junto a su banda el 2 de febrero en el Teatro Lara de Madrid, el 4 en Las Armas de Zaragoza y el 5 en el Centre Artesà Tradicionarius de Barcelona, dentro del ciclo de conciertos Ronda organizado por Heliogàbal.
Justo el pasado mes de febrero, McCombs editaba sus rarezas en ‘A Folk Set Apart‘. Este mismo año salía también su disco junto a The Skiffle Players. El prolífico compositor californiano ha editado nueve discos desde su debut en 2003, notablemente ‘Catacombs’ en 2009 y ‘Wit’s End’ en 2011.
Tove Lo publica el viernes 28 de octubre su segundo disco, un ‘Lady Wood’ que sucede a aquel exitoso ‘Queen of the Clouds‘ que dejó hitazos en las plataformas de streaming como «Habits» o ‘Talking Body’. Hablamos con la cantante y autora sueca 15 minutitos por teléfono que al final fueron 13 tras la interrupción de su agente, si bien hay tiempo ya para hablar incluso del próximo disco de Tove Lo. El tercero.
‘Cool Girl’ está siendo más un sleeper en lugar de un hit instantáneo, ¿esperabas que fuera así?
Intento no esperar nada nunca. Este es mi segundo disco pero todavía me suena todo demasiado nuevo. Todo ha salido más a lo grande de lo que jamás esperé. Lo único que puedo hacer es una canción que me haga sentir orgullosa, que la gente se identifique. No pienso en la recepción que va a tener una canción, aunque estoy muy emocionada con la que ha tenido. Mi equipo siempre dice que lo que tenga que pasar, pase.
¿No te preocupan las listas de éxito?
Bueno, sí… Pero no las miro nunca. Si hay buenas noticias, alguien me lo dice, pero intento no esperar demasiado. Obviamente si va bien, me emociona mucho (risas).
«Este disco intenta describir los momentos de mayor adrenalina o colocón, cuando te deprimes, cuando te enamoras, cuando te drogas, cuando sales al escenario»
‘Queen of the Clouds’ tenía muchas grandes canciones pero también un concepto cerrado, ¿fue una presión tener un segundo disco que siguiera también un concepto tan chulo?
Para mí es importante que sea como una obra por sí sola. Este es un disco sobre perseguir las grandes emociones, sobre intentar hacer cosas para sentirte lo más vivo posible, lo que me da terror y lo que me pone. En lugar de describir diferentes estados de una relación como el disco anterior, intenta describir los momentos de mayor adrenalina o colocón, cuando te deprimes, cuando te enamoras, cuando te drogas, cuando sales al escenario. Todo ese curso emocional.
¿Has escrito durante la gira o no te apañas?
Nunca escribo cuando hago promo, pero mientras giraba por Europa, sí hice algunas demos a principios del año pasado, y terminé la grabación e hice la mayoría a principios de este año. Así que el disco va sobre lo que ha pasado estos dos años. Es una mezcla de ambas cosas.
¿Cuál sería la canción más vieja?
‘Influence’, la escribí el año pasado.
¿Wiz Khalifa no estaba al principio, verdad?
Él vino después (se ríe)
¿Era estrictamente necesario? ¿Cómo fue su aportación?
Le pregunté si quería salir en la canción, creía que sería perfecto. Me gusta colaborar con gente. Cuando pensé que podía ayudar y dijo que sí, me puse muy contenta. Sí, creo que hizo un gran trabajo.
¿Escuchabas hip-hop de pequeña?
De pequeña no, ha sido más últimamente. No creo que escuchara hip-hop hasta el instituto, cuando empecé la escuela de música, años después descubrí cosas que eran increíbles de R&B y hip-hop que nunca me habían interesado.
Has hablado del disco como una obra cerrada, pero trabajas con muchísimos productores diferentes. ¿Nunca has pensado hacerlo con solo uno o dos productores?
Bueno… yo escribo todas las canciones, así que obviamente todo está impregnado de mi sonido artístico. Los tipos que hicieron ‘Queen of the Clouds’ también están en este trabajo, así que es muy orgánico. Entienden mi visión, mis inspiraciones, el desarrollo. Siempre me comprenden, así que es fácil saber con quién trabajar para que el disco funcione. Y me encanta hacerlo así.
Así que no hay sesiones con otros productores que no funcionaron.
No, quizá porque trabajo siempre con gente que conozco hace mucho y con la que me llevo bien. Decido quién va en el disco y entonces estoy contenta con cada canción.
¿Te ves como productora de otros artistas o produciendo tus discos sola? De momento no coproduces tus discos, ¿verdad?
Sí lo hago, pero no. Me involucro mucho en el proceso. Produzco a veces, pero lo haré menos y menos porque prefiero escribir. Si en un punto no hago más giras en el futuro, y me concentro en escribir, quizá vaya más por ahí.
«Hay otro disco que saldrá el año que viene, que es como una continuación. No quería que salieran 20 canciones juntas»
Sólo me han dejado oír 5 canciones, pero sé que es un disco muy corto…
Bueno, el disco tiene más de 5 canciones. Creo que había como 20 canciones en total. Las 10 canciones que están en este disco forman un todo, una obra. Elijo las canciones para que la gente entienda la historia. Hay otro disco que saldrá el año que viene, que es como una continuación. Por eso está dividido, porque no quería que fueran 20 canciones juntas.
¿Cómo de acabado está ese otro disco?
No sé cuándo (sic).
¿Pero está escrito, producido y mezclado?
No puedo decírtelo. Eso es todo lo que puedo decirte (risas)
¿Qué clase de autora eres? ¿Escuchas mucha música y te empapas de ella o eres más de encerrarte sin pensar en lo que se lleva?
Escribo sola primero, por mi cuenta, en el estudio… Escucho mucha música cuando no estoy escribiendo, y cuando escribo me encierro en mi burbuja. Disfruto el proceso, no pienso «necesito una canción así». Es más «qué quiero decir» y voy por ahí.
‘Imaginary Friend’ o ‘Influence’ me han hecho pensar que el disco era más años 90, pero ‘True Disaster’ es más italodisco, más 80’s de nuevo, ¿el resto del disco es más de los 80 o de los 90?
No sé si puedo categorizarlo como de los 80 o de los 90, quería hacer algo relacionado con el minimal agressive, con beat techno, hay más soul en las melodías y evolución en mi voz. Para mí es más una versión 2.0 de mí.
¿Hay alguna canción que hayas escrito para otro artista y creas que está infravalorada?
(piensa) Quizá una de Lea Michelle, ‘Thousand Needles’, me hubiera encantado que tuviera más atención.
¿Y qué pasó?
No sé, no sé qué pasó. Llegó a aparecer en su álbum pero no sé si la gente la llegó a escuchar.
David Bisbal lanza «casualmente» justo en la semana de emisión de ‘Operación Triunfo: El Reencuentro‘ un single de corte electrónico llamado ‘Antes que no’, que parece su ‘AMOLAP‘ particular. El sencillo ha sido compuesto por Bisbal junto a la argentina Claudia Brant y está producido por el ganador de dos Grammy Jeeves (a.k.a. Jean-Yves), conocido por sus trabajos con Bruno Mars, Britney Spears, Giorgio Moroder y en TV como productor musical de la BSO de Modern Family o Sexo en Nueva York.
El single que avanza su nuevo álbum, que irá sobre el hecho de que «el elemento más importante del planeta es el agua», cuenta con un vídeo grabado entre Los Ángeles y Cabo de Gata, pero de momento está siendo noticia por la cantidad de veces que durante la letra se repite el lema «sí se puede», más de hecho que en el mitin medio de Podemos. En una entrevista con 20 Minutos, habla sobre el tema: «¿Qué pasa, que parece un eslogan político?», responde a la primera pregunta de la entrevistadora. Paula Arenas le pregunta si temía que le vincularan con Obama o con Podemos y Bisbal responde a esta pregunta y a la siguiente, reformulada: «Sí, pero es otro sentido en el que yo lo estoy cantando (…) yo prefiero siempre mirar hacia el lado positivo antes. Hay gente conflictiva por naturaleza, sinceramente me gusta ser tolerante, apaciguar las cosas, pensar antes de enfadarme, ser cauto con las cosas que se dicen».
La entrevista continúa hablando del Premio Nobel a Bob Dylan y parece algo tensa en algún momento. En el vídeo que publica 20 Minutos se le ve bastante agobiado por el hecho de que se puedan tergiversar sus palabras y generen titulares. ¿Nadie lo pensó antes de que repitiera el estribillo hasta la saciedad?
Escuchar a Jenny Hval es como adentrarse en un diario secreto en formato audio: sus letras, así como el modo en que la artista las enuncia ante el micrófono, con una voz de apariencia frágil y cristalina que es capaz de poner los pelos de punta, son confesionales, íntimas, traten estas conceptos concretos como la anatomía humana o la sangre o abstractos como la muerte o el feminismo. El anterior disco de la noruega, ‘Apocalypse, girl’, es el que mejor ha sublimado su talento al mundo, por lo que ‘Blood Bitch’, su nuevo trabajo, parece un nuevo comienzo.
La naturaleza profundamente confesional de las interpretaciones de Hval sigue intacta en ‘Blood Bitch’, sin embargo, la música, al contrario que en sus anteriores entregas, hace hincapié en lo que esta -y no las letras que la acompañan- nos puede comunicar, en su poder de evocación, en su cinematografía. Hval y su compañero de producción, el también noruego Lasse Marhaug, devoraron películas de miedo y vampiros de los 70 obsesivamente durante la composición del álbum, lo cual ha impregnado la estética de sus composiciones electrónicas, notablemente en canciones de inclinación pop como ‘Female Vampire’ -que da paso a un interludio que combina gemidos de terror y cánticos místicos-, la cautivadora ‘Conceptual Romance’, por la que asoma la influencia de Kate Bush confesada por la propia Hval, o la trip-hopera ‘Secret Touch’.
Son números más desfigurados como ‘The Plague’, una serie de viñetas que aúnan vulnerabilidad («nunca he amado de verdad») con monólogos taciturnos y escenas de terror vampírico, sin embargo, los que irónicamente dan forma a un disco de estructura libre y episodios esquizofrénicos que toca cumbre a su mitad con ‘Untamed Region’, una pieza sumamente intrigante que sitúa a Hval en la soledad de una habitación de hotel desde donde la cantante se despierta, en mitad de la noche, sorprendida por la sangre derramada en su cama e insegura de su propia juventud antes de meterse los dedos en la vagina, oler la sangre «que huele a invierno cálido» y proceder a toquetear y manchar con ellos todos los objetos dispuestos a su alrededor.
El efecto es perturbador y hermoso al mismo tiempo. Todo el disco se desarrolla en una atmósfera similar al tiempo que habla sobre temas como la menstruación, el capitalismo, la necesidad de expresión artística, el amor no correspondido, la muerte o, de manera importante, el deseo, ya sea carnal o espiritual, un deseo cuyo concepto mismo despide el álbum en ‘Lorna’. «Usando, si quiera, la palabra «deseo» / nadie me dijo o enseñó nunca que no la refrenara», reflexiona Hval. «Siguió existiendo, pero sin lenguaje / ¿alguien tiene lenguaje para el deseo? / ¿podemos encontrarlo?». Por lo menos, el deseo vampírico lo habla, lo canta y lo expresa deliciosamente Jenny Hval.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Female Vampire’, ‘Conceptual Romance’, ‘Untamed Region’, ‘Secret Touch’ Te gustará si te gusta: Kate Bush, Björk, PJ Harvey, Julia Holter Escúchalo:Spotify Cómpralo:Bandcamp
El Economista recoge hoy unas declaraciones de Bebe a El Mundo que pinta van a traer cola en los próximos días. El Mundo entrevista a Bebe con motivo de la reedición de su último disco, ‘Cambio de piel’ , y le pregunta cómo le contaría la situación actual del país a su hija. La cantante extremeña resume la situación señalando que España vive actualmente una «dictadura peor que la anterior, salvando las distancias, porque la anterior dictadura se sabía lo que era, pero la de ahora estaba muy camuflada [y] es la dictadura de lo políticamente correcto» y que hoy en día hay que «tener mucho cuidado con la boca». Esta es la respuesta al completo:
Había una vez un país muy bonito, con un clima maravilloso, unas carreteras divinas, que venía de haber pasado una tremenda, terrible y horrorosa época de una dictadura. Pero después, las personas empezaron a expresar lo que pensaban para ponerse de acuerdo y ese país se convirtió en algo mejor de lo que era. La gente se expresaba sin problemas, porque en la dictadura había que tener muuuucho cuidado. Y, de repente, cuando más guapo estaba, ese país entró otra vez en una tremenda dictadura, casi peor que la anterior, salvando las distancias, porque la anterior dictadura se sabía lo que era, pero la de ahora estaba muy camuflada. Y era la dictadura de lo políticamente correcto. Y parece que todos somos muy libres, todos tenemos derecho a opinar, pero en realidad es todo mentira. Tenemos que tener mucho cuidado, por lo menos antes había censores, sabíamos qué era un censor. Ahora hay que tener mucho cuidado. Éste es un país divino, pero hay días que tienes que tener mucho cuidado con la boca.
En otro punto de la entrevista, Bebe reflexiona sobre la situación política actual del país, en la que identifica un «problema de ego» que nace de un grupo de «niños grandes y caprichosos». «Me parece muy triste y muy poco maduro», apostilla. «Me parece que está muy despiporrado […] A algunos se les olvida que somos un montón, que hemos votado. Una cosa es el ideal que tengas y otra lo que le interesa al país. No todo es idealismo. Los partidos deberían remar a la vez; en realidad tienen muchas cosas en común. Si al final esto es cíclico. Ahora le toca a uno y dentro de cuatro años a otro. No os preocupéis, si os va a tocar a todos». No queda claro a quién ha votado Bebe estas elecciones pero sí que espera con impaciencia que se resuelva el no-gobierno actual.
Además, Bebe habla en la entrevista sobre lo cutres que son los camerinos españoles, recordando uno de un concierto en Bulgaria que no tenía luz ni espejos, y destacando para mal los camerinos de los festivales españoles con «baños químicos» en los que «no hay lavabos para lavarte y tienes que estar con la botella de agua»; o sobre la polémica con unos periodistas en la Sala El Sol de Madrid en 2011 (en que los llamó hijos de puta»), señalando que el asunto se sobredimensionó porque es mujer y que «si lo hubiera hecho Albert Pla no hubiera pasado nada».
Azealia Banks ha fichado recientemente o estaría a punto de hacerlo por Soul Temple Music, el subsello en Sony de RZA de Wu-Tang Clan. Por eso, este fin de semana, tal y como cuenta TMZ, el rapero se trajo a su nuevo fichaje consigo a una fiesta en una suite de hotel de Beverly Hills organizada por Russell Crowe en la que el actor y unos pocos invitados e invitadas cenaron y escucharon música. Pero estamos hablando de Azealia Banks, que allá por donde va, arrasa o, en su lugar, le echan.
En esta ocasión, ocurrió lo segundo. La rapera ha publicado en Facebook que Russell Crowe «me llamó negrata, me cogió del cuello, me echó de la habitación y me escupió», añadiendo que aquella noche ha sido una de las peores de su vida. Sin embargo, según TMZ fue Banks quien utilizó la palabra «negrata» (algo que parece haber confirmado el mismo RZA) y empezó el barullo cuando se rió de Crowe y sus invitados por la música que sonaba durante la fiesta. A estos les llamó «aburridos hombres blancos».
Según el tabloide, una mujer trató de callar a Banks en defensa de Crowe, a lo que la rapera respondió con amenazas físicas. «A ti lo que te gustaría es que rompiera este vaso de cristal, os apuñalara con él en la garganta y la sangre os brotara por todas partes como en una película de Tarantino», espetó Banks, supuestamente. Después cogió un vaso y Crowe, harto, supuestamente le agarró de los brazos y le echó de la habitación a la fuerza.
Tenemos nuestras dudas de que ‘Business & Pleasure’, el segundo disco de Banks, vaya a salir ahora a través de Soul Temple Music…
‘Joanne’ de Lady Gaga tenía que salir al mercado este viernes 21 de octubre. Sin embargo, se ha filtrado en la red. Según el foro de expertos en listas de éxitos de UK Mix, el disco ha aparecido en las tiendas belgas, pues algunas lo han sacado a la venta al recibirlo en lugar de guardarlo en sus almacenes hasta el próximo viernes, día de publicación oficial.
Hay gente posando en las redes sociales con una copia del CD, y está por ver si el equipo de la cantante reacciona y sube el álbum a iTunes antes de tiempo, pues este lanzamiento de Lady Gaga es precisamente el que menos depende de momento del público general y más se sustenta en su base de fans, que difícilmente aguantará hasta el viernes sin oír el álbum.
En los últimos días, Lady Gaga ha sido noticia por cancelar la promoción de ‘Joanne’ que tenía prevista en Reino Unido, entre otras cosas el show de Graham Norton. Algunas fuentes de dudoso origen y más que dudosa fiabilidad apuntan a que la decisión puede deberse a la mala aceptación en las listas de ‘Perfect Illusion’, que solo aguantaba una semana en el top 40 británico, y ‘Million Reasons’, que ha quedado fuera del top 40; aunque, como se señala en el propio Daily Star, el mal funcionamiento de los singles de la artista debería ser una razón más para promocionar el disco en lugar de para cancelar entrevistas.
Este fin de semana se ha celebrado en Nueva York el segundo concierto solidario de TIDAL para The Robin Hood Foundation. El objetivo del concierto ha sido «sensibilizar y recaudar fondos para crear un impacto social positivo hacia iniciativas de educación en todo el mundo». Beyoncé y su marido Jay Z, dueños de la compañía, así como Alicia Keys, Nicki Minaj, Common y Blood Orange, entre otros, actuaron en un concierto que está generando titulares por todas partes por un curioso motivo.
El motivo es Beyoncé o, más concretamente, su oreja derecha, que esta se cortó durante un punto de su actuación, posiblemente entre tanto latigazo de trenza, para entretenimiento de los medios musicales, que ya están extrayendo titulares de un simple corte. Este vídeo de Twitter documenta el momento en que Beyoncé se percata de que su oreja sangra y continúa cantando, algo que, para sus fans más extremos, supone una confirmación de su existencia sobrehumana y, para el resto de mortales, precisamente una no-confirmación de que Beyoncé es humana como Chenoa y sangra sangre.
Otro de los momentos destacados ocurridos durante el concierto fue el encuentro entre Ms. Lauryn Hill y Nicki Minaj en los camerinos. La propia Minaj ha subido a Instagram un vídeo de ella arrodillándose ante Hill, a quien considera una de sus mayores influencias. «Estoy enamorada de ti», le confiesa desde el suelo. «De tu espíritu, de tu mente, de todo lo que eres». Mientras, la pobre Hill, naturalmente a cuadros, aguanta con saber hacer y risa incómoda la situación.
En el post de Instagram, Minaj escribe: «Perdonadme mientras tengo una experiencia extracorpórea. Tiemblo, lloro, ¡qué DESASTRE! Esta señorita es la razón, Dios. La REINA. ¡Diosa! ¡El epítome! ¡La cumbre!»
‘Operación Triunfo’ fue un fenómeno social en la historia de la música pop en España, claramente digno no de uno sino de varios documentales. Que hasta casi 13 millones de personas se reunieran frente al televisor para ver la final de un programa con actuaciones del tipo karaoke, que tal cantidad de cientos de miles de personas se acercaran cada semana a las tiendas de discos para comprar los discos de las galas, es algo que nos cabe tan poco en la cabeza en 2016 como la totalidad de los modelos diseñados en 1992 que los concursantes lucieron en las galas de 2001.
Naturalmente, ‘El Reencuentro’, la serie de tres episodios que RTVE ha ideado celebrando su 15º aniversario, no es el documental que nos explique por qué se pudo producir ese fenómeno, su relación con Gran Hermano, estrenado en España un año antes; el salto en la implantación de internet en España que se vivió en los primeros años del siglo; la cumbre de consumo en la industria musical (justo 2001, antes del desmelene de la piratería), etcétera. No se da voz a expertos, grandes ejecutivos o periodistas. El programa se centra en la reunión en una sala de los 16 concursantes, los cuales recuerdan anécdotas sin sustancia o interpretan viejas canciones con las mismas voces incoloras de siempre, amparándose en que la clave del éxito del programa fue el «buen rollo» entre ellos. Por ahí, ‘El Reencuentro’ parece un temprano programa navideño en el mejor de los casos, y un publirreportaje de la cadena o del concierto que se celebrará el día 31 de octubre en Barcelona, en el peor.
El concierto que alguien ha tenido la ocurrencia de programar en Halloween como para reírse de la cualidad de «muertos vivientes» de algunos de los participantes (al programa de ayer no le habrían venido mal un par de rótulos indicativos sobre quiénes eran algunos de los ex concursantes que figuraban) ha sudado tinta para agotar entradas pese a la macropromoción recibida por las vías normales y por las alternativas (el recurrente «trending topic» de Juan Camus). El propio Manu Tenorio era el primero en reconocer que en ‘Operación Triunfo’ «la música quedó en segundo plano» por el compañerismo y todo eso, en plena contradicción con lo que se presenta al comienzo como el recuerdo de «un gran proyecto musical».
Así, no tanta gente quiere ir a un concierto de esta índole 15 años después. Todos sabemos que en verdad ‘Operación Triunfo’, pese a las desbordantes cifras de ventas de las galas semanales y de los primeros discos de sus participantes, y pese a la envidiable posición en la industria musical que aún a día de hoy conservan especialmente David Bisbal y David Bustamante, dejó una buena ristra de discos improvisados, producciones mediocres y portadas que duele a los ojos ver, que nunca fomentaron -ni se buscó- la cultura musical en España. Es marciano, a diferencia de lo que ha de suceder con un buen disco, plantear siquiera que un álbum de una de estas personas te pudiera llevar a cuestionar sus influencias, a descubrir otras cosas, a comprarte algo que no hubieras visto por la tele. Irónicamente, como para plantear este debate, el programa de anoche se veía aderezado con música de Bon Iver, Kings of Convenience, Jose Gonzalez o Explosions in the Sky. Me pregunto quién de sus concursantes y de sus fans podrían entonar siquiera una de las canciones de estos artistas que han vendido cientos de miles de discos y han generado tanto entusiasmo con sus giras por nuestro país. A nadie le importará nada.
‘El Reencuentro’ deja también abiertamente a la luz -y es uno de sus escasos aciertos- la falta de autenticidad de algunos de los productos que se presentaron en el mercado. De hecho, es en las entrevistas unipersonales grabadas aparte de ese «reencuentro» donde se ve lo único interesante de este documental: cómo Álex habla totalmente desencantado de la industria porque se encontró actuando con un grupo con el que no quería actuar sólo porque una mano negra en la que no se profundiza le obligaba («»¿Por qué?». «Porque sí». Pues así era»); cómo Geno #SufroComoGeno llegó a ser aconsejada por Rocío Jurado; o cómo algunos se quejan de que había favoritos. A falta de comprobar si Naím explica cómo se le ocurrió hacer una canción-acróstico mandando a la mierda con discreción y educación a VALE Music, de momento lo mejor ha sido ver que Rosa recibe un justo protagonismo, a pesar de que Bisbal aún no suena muy convencido cuando dice que ella era la mejor opción para ir a Eurovisión.
Aparte de haber sido la ganadora, es sin duda el personaje más singular surgido en el programa. Al margen de su comparación con el público de un estadio «con un potaje de lentejas» que espero que traspase generaciones, todavía dejan con la boca abierta sus serias dificultades para aceptarse a sí misma o enfrentarse a su propio pasado: «tenía 20 años pero mi cabeza era de 13 años. No estaba preparada (para el programa) ni físicamente ni emocionalmente. Ni culturalmente. Yo no puedo ver vídeos porque me choca mucho. Me enfada verme así». «No había por dónde cogerme», llega incluso a repetir. El biopic sobre esta versión de la Cenicienta de principios de siglo parece más cercano.
Calificación: 6/10 Destacamos: el crossover Def Leppard: Javián con una camiseta suya y Vero escribiendo con su guitarrista en Los Ángeles Te gustará si: te lo tragaste en su momento Predictor: hizo un 25% de share. Hoy en día un éxito.
La Academia de Cine confirma hoy el fallecimiento, a los 84 años, de Elena Santonja, una de las presentadoras de televisión más queridas de nuestro país durante los ochenta gracias a ‘Con las manos en la masa’, el influyente programa de cocina de RTVE por el que pasaron multitud de estrellas del pop de nuestro país como Carlos Berlanga, Alaska, Pedro Almodóvar, Sara Montiel, Ana Belén, Fernando Fernán Gómez o Joaquín Sabina. ‘Con las manos en la masa’ fue el primer programa de cocina en plató que se hizo en nuestro país y esta es la fórmula que siguió la mayoría de formatos similares que se han hecho posteriormente en España. Santonja no solo lo presentaba sino que también lo dirigía junto al guionista Álvaro Lion-Depetre, con quien además diseñaba los platos.
La mítica sintonía de ‘Con las manos en la masa’ era composición del dúo Vainica Doble, entre cuyas integrantes se encontraba Carmen Santonja, hermana de la fallecida presentadora, que murió en 2000. Su compañera de grupo, Gloria Van Aerssen, nos dejaba el año pasado.
Además de presentar el mítico programa de cocina, Santonja actuó en ‘El verdugo’ de Luis García Berlanga y ‘Crimen de doble filo’ de José Luis Borau y era pintora, afición a la que se dedicó plenamente en los últimos años de su vida. La propia Santonja era bisnieta del conocido pintor Eduardo Rosales.
Bruno Mars saca nuevo disco, ’24K Magic’, el próximo 18 de noviembre. El primer adelanto oficial, el tema titular, es una de esas canciones capaz de dividir opiniones en extremos; por ejemplo, solo tenéis qué comparar lo que opina nuestra redacción de la canción (gran sí) con lo que piensan de ella nuestros lectores (gran no). El éxito de la misma, sin embargo, no está tan claro: puede que su parecido a ‘Uptown Funk’ le ayude o, por el contrario, le termine perjudicando como que le ocurrió a Ariana Grande con ‘Focus’, que venía de ‘Problem’ y fracasó en listas.
Mientras, Mars ha sido este fin de semana uno de los últimos invitados a la nueva temporada de ‘Saturday Night Live’. Allí ha actuado para presentar ’24K Magic’, para la que hizo una actuación que le llevó del camerino al plató del programa y de allí a su escenario, y un tema nuevo, ‘Chunky’. De nuevo, estamos ante un tema bailable totalmente old-school que nos recuerda que Mars debe gran parte de su saber hacer a Michael Jackson; sin embargo, por momentos más que un hit parece un boogie random de los 80 tipo Kashif o similares. No parece, en principio, un nuevo ‘Treasure’. Veremos qué tal le va.