ANOHNI, autora de uno de los Mejores Discos de 2023, nos visitará de gira junto a su banda The Johnsons. Presentarán obviamente su álbum ‘My Back Was A Bridge For You To Cross‘ y añade la nota de prensa que también «canciones de todo su catálogo».
ANOHNI estará acompañada por una banda de 9 miembros que incluye a Julia Kent (violonchelo), Maxim Moston (violín), Doug Wieselman (multiinstrumentista) y Jimmy Hogarth (guitarrista / productor). El tour con los primeros conciertos desde 2010 junto a los Johnsons comienza el 13 de junio en Atenas y llegará enseguida a nuestro país.
Será los días 18 y 20 de junio en Madrid y San Sebastián. El concierto de Donosti es en el marco incomparable del Kursaal y el concierto de Madrid del 18 de junio pertenece a la espectacular programación del ciclo Noches del Botánico, que ya incluía shows de PJ Harvey, Mitski, James Blake o Take That.
Habrá preventa de entradas con oferta exclusiva el miércoles 28 de febrero y el jueves 29 solo en ANOHNI.com. Las entradas generales estarán a la venta a las 10 de la mañana del viernes 1 de marzo. Así queda el tour:
13 de junio – Atenas – Festival de Epidauro Herodion
15 de junio – Festival de Rávena – Pala de André
18 de junio – Madrid – Noche del Botanico
20 de junio – San Sebastián – Auditorio Kursaal
26 y 27 de junio – París – Philharmonie
1 y 2 de julio – Londres – Barbican
6 de julio – Festival de Jazz de Gante
9 de julio – Berlín – Festival de Música de la Ciudadela
12 y 13 de julio – Copenhague – DR Concerthaus
Depresión Sonora, el proyecto musical de Marcos Crespo AKA Markusiano, es habitual en nuestras páginas. Sin embargo, han hecho falta un disco y cuatro EPs para sentarnos a hablar con él. El último de estos es ‘MAKINAVAJA’, un trabajo de cuatro canciones en el que el madrileño lleva el particular sonido de Depresión Sonora a nuevos lugares. El próximo 22 de marzo estará presentándolo en su primera vez en La Riviera. Mientras tanto, Crespo está preparando su segunda gira por Estados Unidos. Este abril, Crespo estará en Dallas, Houston, Pomona, Portland, Seattle y, por supuesto, en Coachella.
Hablamos con Markusiano sobre los prejuicios respecto a su proyecto, las etiquetas (de mierda) que ponemos los periodistas, su éxito absoluto en el continente americano y las inquietudes y problemas de esta generación. La primera pregunta la hace él: «¿De qué medio vienes?».
JENESAISPOP.
Ah, mis amigos de JENESAISPOP. Pues nunca has hecho una entrevista con nosotros.
Pero se han hecho cosas, reseñas de disco, articulillos… Vais a cuchillo. En algunas cosas. ¿En serio?
Hay alguna que va dura. De reseñas no, de artículos. A mí me gusta, eh. Sigo a JENESAISPOP desde la cuenta de markusiano y desde la de Depresión Sonora. Me gusta, pero porque es crítico con muchas cosas y no es bailar el agua todo el rato.
Bueno, ¿qué tal estás?
Acatarrado. Me he levantado hoy bastante chungo, llevo un par de frenadoles en el cuerpo, y cansado, que llevo ya 10 entrevistas hoy. Así es como estoy, pero por el resto bien. ¿Cómo llevas los días de promo?
A ver, son duros. Porque tienes que hablar y pensar mucho, pero bien. Tú no eres mucho de entrevistas. He encontrado más cosas en medios latinoamericanos que españoles.
No será por mí. Será por los periodistas, que no les interesa.
¿Tú crees?
Ahora sí. No sé por qué. No lo sé, pero me alegro. Sí que ha habido una época más dura de “nah, no hace falta”.
¿Con tus primeros EPs?
De medios musicales como el tuyo muy bien siempre, porque al final tienen muy buena relación con el sello, pero con medios más generalistas es complicado. Pero bueno, para mí, y para todos. Todo lo que se salga un poco de la norma suele costar más.
La cultura es lo primero que quitan de los periódicos generalistas cuando falta dinero. En medios latinoamericanos sí que has salido más. ¿Por qué crees que tienes tanto éxito fuera de España? Es algo que mucha gente persigue, pero a ti te vino desde el principio.
Vino todo un poco al revés. Primero empezó a crecer en México y en Latinoamérica y luego conseguimos trasladarlo a España. Pero sí, viene de eso y del mundo en el que vivimos, en el que todo ocurre a través de Internet la mayoría del tiempo, o todo lo que ocurre en la realidad tiene una repercusión en Internet y de ahí se traduce al mundo real.
«Si no hago más entrevistas será por los periodistas, que no les interesa»
Pero, ¿por qué crees que has conectado tanto con esa audiencia?
Bueno, primero por el género musical, que al principio iba más por el punk y demás, lo-fi… Una cosa como muy de Internet. Hay muchas bandas de ese estilo por allí y siempre se ha consumido mucho, mucho más que aquí. Segundo, por las letras, porque creo que son bastante accesibles. No tengo un lenguaje muy concreto, no tengo ningún slang muy madrileño para escribir. Quizás hablando contigo, tomándonos una cerveza, sí, y empiezo: “¿Qué pasa tronco?”. Por eso creo que es bastante accesible. Y tercero, por la realidad que se vive allí, que si nos sentimos identificados aquí con ciertas cosas, allí mucho más.
¿Tú le hablas a la gente de nuestra generación?
No, me hablo a mí mismo. Creo que es un diálogo interno, todo lo que voy haciendo. Constantemente. Creo que es un error escribir para la gente, en vez de para ti, a no ser que sea un mensaje político o algo así, que en absoluto, porque creo que es un tema mucho más introspectivo y personal, que se traduce, quizás, en cosas políticas o en cosas de tu vida cotidiana. Al final, todo surge de lo personal.
¿Con qué te gustaría que se quedase la gente de tu mensaje?
Con lo positivo, con que se identifiquen con esa parte negativa cuando tengan que hacerlo, que lo tiene, y con toda esa realidad que es dura muchas veces, pero que busquen esa salida hacia la luz que intento mostrar en muchas canciones. En esa comprensión de la realidad y del mundo desde mi perspectiva.
Mucha gente ve solo lo negativo.
Tienen que indagar un poco más, porque hay más cosas. Creo que se prejuzga mucho por el nombre. O sea, que se llama Depresión Sonora. Al final, surgió. A mí me parece un nombre de puta madre. Como nivel conceptual, me parece muy guay, viene de un juego de palabras sobre el nivel de presión sonora y conceptualmente me parece muy interesante en cuanto a la música lo-fi y los temas que trato y demás, pero creo que es prejuzgarlo y sacar de contexto lo que puede llegar a ser un proyecto por su nombre. Porque anda que no hay bandas aquí con nombres… Love of Lesbian, Él mató a un policía motorizado… Es un nombre, no le daría mayor importancia.
Siempre ha habido un montón de nombres raros de grupos. La gente abierta de mente, que escucha música en general, lo entiende perfectamente. Y no juzga. No por llamarse Depresión Sonora tiene que ser música triste constantemente. No me arrepiento en absoluto.
«No por llamarme Depresión Sonora tiene que ser música triste constantemente. No me arrepiento del nombre en absoluto»
Tú mismo has dicho que los valores de tu música no son la desolación, la tristeza…
Quizás sí reflejo introspección y desarrollo temas que tratan sobre eso, pero siempre intento enfocarlos hacia un punto más positivo y luminoso. Con el disco sí que hay canciones muy oscuras, pero al escuchártelo completo quiero que te lleve hacia sitios más positivos. Creo que al final todo lo que hago es un poco manual de autoayuda.
Dijiste ayer en Instagram que esta era la etapa en la que más cómodo te sentías musicalmente. ¿Por qué?
Porque tengo el tiempo, los medios y cada vez más conocimiento para hacer lo que realmente me apetece hacer y me he visto mucho menos encajonado en cuanto a lo que debería hacer y lo que no. Creo que el proyecto tiene que madurar y tiene que tomar diferentes caminos, que no me puedo quedar en el primer EP que saqué. Y estoy muy contento, muy conforme con eso. Creo que ha salido muy buen EP, que está muy bien trabajado.
¿Te has sentido encajonado en eso hasta ahora?
En ciertos momentos, sí, al principio, con la inmadurez de empezar con algo y que te funcione, sobre todo comentarios de ‘ha cambiado, ya no es lo mismo’. Yo realmente quiero mantener esa esencia que tiene el proyecto, que es lo que me llena y es lo que soy yo, que es un reflejo de mi persona. Creo que es algo que no se puede describir, que cuando lo escuchas, lo ves.
¿Quieres que Depresión Sonora sea algo cambiante?
Sí, que pueda tomar diferentes caminos. Yo también cambio, yo también maduro, yo también voy teniendo diferentes perspectivas de la vida. Pues que eso vaya cambiando también con mi música. Creo que es lo interesante. ‘MAKINAVAJA’ es el trabajo que he hecho en el que las canciones entre sí son más diferentes.
Se llama como el cómic de los 80.
Sí, como la tira cómica de El Jueves. Al final, aporta una ilustración también. No es un homenaje, porque no hablo de nada sobre MAKINAVAJA, sobre la tira cómica, pero me parecía un buen nombre. Creo que después de hacer un disco tan conceptual y con tanto sentido me apetecía algo que tuviera gancho, pero sin tener que darle tantas vueltas. Me gustan mucho los títulos muy largos de las canciones y de discos, y aquí quería hacer justo lo contrario. Un poco por romper. Y también por decir a todo el mundo: «Oye, yo también puedo cambiar y puedo hacer lo que me apetezca en cada momento». Es probable que lo próximo que haga tenga unos títulos larguísimos de nuevo. Porque me gusta mucho. Sobre todo, no quiero sentirme encasillado y encajonado en lo que se supone que debo hacer.
El revival del post punk.
Sí, lo odio, lo odio…
Cuando escucho tu música, escucho a un chaval que hace lo máximo con los medios que tiene, sobre todo al principio, que eran mínimos. ¿Cómo llevas lo de las etiquetas?
Mal, me parece que es una cosa de periodistas. Al final, es para categorizar, que lo veo útil. Pero no puedes encasillar un proyecto desde un primer momento, porque es que dentro de un mismo género hay cosas muy diferentes. Y parece que cuando te dicen la palabra post punk, te imaginas un sonido y una cosa muy concreta que no tiene que ser. Entonces, simplemente fue una decisión que tomé con el disco, después de que un montón de gente me diera la chapa con este revival post punk. No es el objetivo. A mí me escuchan chicos de 16 años que no tienen ni puta idea de lo que es Joy Division, y está perfecto, y no hace falta que sepan nada de eso y por eso me propuse dejar de decir nada sobre géneros.
«A mí me escuchan chicos de 16 años que no tienen ni puta idea de lo que es Joy Division, y está perfecto, y no hace falta que sepan nada de eso y por eso me propuse dejar de decir nada sobre géneros»
Tenemos un poco de culpa en lo de que te digan “joder, vaya vendido, vaya cambio, no es lo de antes”, porque ya te hemos categorizado como algo.
También se podría llamar post punk o se podría llamar de mil formas. Bueno, luego en Spotify me meten en una playlist que se llama ‘El Rock No Ha Muerto’, y me parece un mierdón. Y luego hay música guay dentro, pero, ¿qué título es ese, tío? ¿Dónde me estas metiendo? ¿Cómo que no ha muerto? No jodas.
¿Te definirías como lo-fi todavía?
Sí, pero lo-fi no es un género, es un tipo de sonido, un sonido apagado, degradado, con desaturación y demás. Que sea lo-fi no quiere decir nada de un género, simplemente quiere decir cómo suena. A mí me gusta mucho ese sonido y creo que me caracteriza mucho. Creo que me transmite un montón y creo que es muy útil a la hora de transmitir, pues eso, nostalgia, melancolía y ciertas emociones.
Los estribillos de ‘mala’ o ‘vivo del aire’, por ejemplo, sí que son más grandilocuentes. Se te llenan mal los oídos.
Está más producido el LP. Hay más elementos, es más maximalista que lo otro, que era súper minimalista. Pero bueno, era lo que me apetecía también. Intentar cambiar ahí. También meter guitarras más grandes.
¿Vas a continuar con esto?
Lo mezclaré con otras cosas. Es que no tengo nada, pero es probable porque es el camino que estoy siguiendo. No creo que sea un disco de bachata lo próximo, pero sí seguirá evolucionando. Me aburro muy rápido. Y lo que escuchaba hace cuatro años, cuando saqué el EP, pues no es la música que escucho ahora. Mis referentes y mis gustos van cambiando.
«No creo que sea un disco de bachata lo próximo, pero sí seguirá evolucionando. Me aburro muy rápido»
Si en realidad tú acabas de empezar. ¿Cómo llevas el cansancio respecto a la industria musical y todo esto?
Intento no hacerle mucho caso, pero es complicado porque hay que seguir ciertos ritmos. Que bueno, es una realidad y es lo que hay. Intento seguirle el ritmo a mi manera.
¿Querrías ir más despacio?
Si pudiera… Al final tengo que pagar un alquiler. Tengo muchos gastos. Yo iría mucho más lento e intentaría desarrollar lo que hago muchísimo más, hacer giras más largas y disfrutarlo de otra manera, no de manera tan inmediata.
Lo bueno es que te va muy bien. Tocas este año en Coachella, ¿qué te esperas?
Famosos por ahí, dando vueltas. Lo bueno es que ha supuesto un escaparate brutal para medios, para que te descubra gente por un montón de cosas. Así que, súper agradecido con ello. Es la excusa perfecta para volver a hacer una gira por ahí. Es un altavoz muy guay, porque yo estaría haciendo la misma música, pero seguramente muchos medios no me llamarían, o mucha gente no se fijaría, o seguiría el prejuicio este. Creo que es una oportunidad de romper un poco esa barrera y llegar a buen sitio.
Le llegas a mucha gente. Con la siguiente pregunta, no quiero un análisis sociológico ni nada. Solo lo que opinas y ya está. ¿Qué crees que le pasa a la gente de nuestra generación?
Estamos muy frustrados, porque nos han prometido muchas cosas y nos estamos dando cuenta de que la realidad es completamente diferente. Yo renegué de una vida de estar en la oficina. Yo era ingeniero de telecomunicaciones y estaba en una consultora haciendo plataformas de streaming. Renegué de aquello porque no es la vida que quiero vivir. Veo mucha frustración en todo el mundo porque todo es muy inmediato y rellenamos nuestros huecos a través de redes sociales, porque nos morimos de ansiedad por dentro, porque no sabemos qué cojones vamos a hacer con nuestra vida. Es bastante duro.
«Rellenamos nuestros huecos a través de redes sociales, porque nos morimos de ansiedad por dentro, porque no sabemos qué cojones vamos a hacer con nuestra vida. Es bastante duro»
Duro, pero real.
Y encima parece que uno no puede quejarse y expresarse, porque no sé quién lo ha pasado peor, pero no sé, cada uno vive una realidad diferente y tenemos el derecho a intentar mejorar.
Al final ‘nada importa’, ¿no?
Justo en esa canción digo que después de todo ese nihilismo absurdo en el que todo te da igual hay una frase con un poco más de luz, en la que digo lo contrario: todo lo que soy volverá a importar. Nada importa, pero tienes que pensar en ti mismo y cuidarte, e intentar lidiar con una realidad bastante cruel muchas veces.
La de ‘estupefacientes’, por ejemplo. Contaste que la escribiste hace mucho tiempo y la regrabaste para este EP.
Además tiene bastantes años ya. La rescaté porque me parece muy oportuna para este momento. Habla de preocupaciones que tenía entonces, sobre todo a nivel social, de poder romper barreras para socializar y para ser uno mismo.
Estamos siempre en las redes sociales, pero realmente nos cuesta muchísimos expresarnos. Es la jaula de cristal de la que hablas justamente en esa canción.
Total, y porque no nos damos tiempo para pensar. Estamos consumiendo todo el rato contenido completamente dispar, en el que no nos damos tiempo para hacer introspección, para pensar, para cuidarnos. Simplemente ahogamos esa ansiedad y ese vacío en pasar una pantalla, que acabe el día y empezar el siguiente, porque no sabemos qué va a suceder. Es muy difícil plantearse metas realistas a día de hoy.
La solución para eso está en cada uno, ¿no?
Sí, yo nunca hablo de una solución colectiva ni social. Siempre trato temas personales míos propios que siento que le pueden suceder a mucha gente. Y sobre lo que yo hablo es si el trabajo está en uno mismo. Lo primero, darse cuenta de todo esto y segundo, tomar acción por parte de uno mismo. Yo hablo de una cosa que es muy personal, pero que es muy cotidiana y que le pasa a mucha gente. Entonces, te acabas identificando. Y acabas siendo como algo generacional y global. Yo creo que ayuda en parte a poder ser compasivo con uno mismo y no machacarse.
Sé que la colaboración con Carolina Durante y su ‘markusiano’ empezó como una broma, pero, ¿cómo surgió lo de continuar con Los Punsetes y Javiera Mena?
Del sello (risas). A mí me parece divertido, son colegas. Ha sido como una cosa bastante anecdótica. No tiene más. Yo cogí canciones diferentes de todos, pero ellos siempre cogían la misma mía.
¿Eso lo eligieron ellos o también fue el sello? Porque es tu canción más conocida.
No lo sé, supongo que reversionar la canción desde distintos puntos de vista era algo guay.
¿Por qué elegiste tú esas canciones?
La de Javiera Mena (‘Cámara Lenta`) porque me parece de las canciones más guays de su primer disco y la de ‘Camino’ de los Punsetes porque fue una canción muy importante para mí en 2018.
¿Tú hacías música por aquel entonces?
Siempre ha sido un hobby. Siempre lo he tenido ahí, pero no como algo a lo que dedicarme porque nunca nadie me animó a ello.
Qué importante es que la gente te anime a hacer cosas así.
Nadie te anima normalmente, eh. Te estoy hablando de tu entorno directo. Tus amigos, tus padres, tu familia, tus amistades, los profesores cuando eres pequeño… Supongo que es complicado llegar aquí y que no es para todo el mundo, porque también hay un factor de suerte muy grande. Nadie te va a animar nunca a que sigas tu propio camino. Es mucho más fácil seguir lo establecido, lo que se supone que deberías hacer y lo que se supone que deberías ser para meterte en el menor número de problemas posibles. Tienen parte de razón…
Hay gente que no se puede conformar con eso.
Yo no podía. Me costaba mucho. Al final esto ha sido una forma de coger una oportunidad que me permita vivir de otra forma.
Beyoncé logra su noveno número 1 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos con ‘Texas Hold ‘Em’, su apuesta country para su próximo trabajo discográfico. La artista lidera la lista por primera vez desde que lo hiciera con ‘Break My Soul’ en 2022.
Este top 1, además, deja varios logros históricos. Uno de ellos, quizá el más importante, es que ‘Texas Hold ‘Em’ se convierte en la primera canción country de una artista negra que consigue la primera posición de la lista. De hecho, es la primera vez que Beyoncé manda un tema al número 1 de la lista country de Billboard. La cantante ya ha liderado en los géneros pop, R&B, rap, hip-Hop, house, dance-hall y country.
Por otro lado, en su segunda semana en el Hot 100 y tras debutar en el segundo puesto, ‘Texas Hold ‘Em’ escala hasta la cima acumulando 29 millones de reproducciones y 29.000 descargas en Estados Unidos. Esta hazaña la repitió en Reino Unido este pasado viernes, logrando así ser número 1 en ambos países simultáneamente. En España ha debutado en la posición 83.
Desde su primera vez en el top 1 del Hot 100 con ‘Crazy in Love’ (2003), hasta ahora con ‘Texas Hold ‘Em’ (2024), Beyoncé lleva 20 años, siete meses y tres semanas apareciendo como solista en lo más alto de la lista. Anteriormente, Destiny’s Child, con Beyoncé como miembro, acumuló cuatro números 1: ‘Bootylicious’ (2001), ‘Independent Women (Pt. 1)’ (2000), ‘Say My Name’ (2000) y ‘Bills, Bills, Bills’ (1999).
Estos son los nueve top 1 de Beyoncé en el Hot 100 de Billboard:
1. Crazy in Love (2003)
2. Baby Boy (2003)
3. Check On It (2006)
4. Irreplaceable (2006)
5. Single Ladies (2008)
6. Perfect (2017)
7. Savage (2020)
8. BREAK MY SOUL (2022)
9. TEXAS HOLD ‘EM (2024)
Charli XCX tiene en camino su sexto álbum de estudio. La artista lo ha comunicado a través de redes sociales, donde ha adelantado que será un disco de música dance y cuyo primer single se titula ‘Von Dutch’. Ese single estará disponible este mismo jueves 29 de febrero.
«Nací para hacer música dance. Vengo de los clubes, mi próximo álbum es el que siempre quise hacer», ha escrito Charli XCX en Twitter, justo unas horas antes de anunciar que ‘Von Dutch’ se publica esta semana. El tema supondrá un adelanto del que es el próximo trabajo discográfico de la artista.
Charli XCX ha interpretado la canción este fin de semana, por lo que muchos de sus seguidores ya han podido escucharla. Lo hizo en un edificio de Bushwick, Nueva York, donde también cantó alguno de sus clásicos como ‘Vroom Vroom’ o canciones inéditas como ‘Get Into It (Spring Breakers)’.
Para el lanzamiento del single en plataformas digitales habrá que esperar hasta el jueves, día que también saldrá su respectivo videoclip. Del álbum no hay más información de momento, excepto que habrá un homenaje a su productora y amiga SOPHIE; sin embargo, se espera que salga este 2024.
Selena Gomez tiene el amor muy encendido. Desde el lanzamiento de ‘Love On’ el pasado viernes, la artista ha comenzado la promoción del que se supone que es un adelanto de su tercer álbum de estudio. Y, más romántica y nostálgica que nunca, Selena Gomez ha confesado que Kurt Cobain fue su ídolo de la infancia.
La revelación sorprende porque Selena Gomez nació solo dos años antes del fallecimiento del cantante. Sin embargo, cuando Jimmy Kimmel le preguntó en su programa si había algún artista con el que alguna vez hubiera estado obsesionada, la autora de ‘Rare’ tenía clara su respuesta.
«Mi madre me ponía todo tipo de música mientras crecía», explica. «En cierto modo me obsesioné y me teñí y corté el pelo como él. Sé demasiado sobre él», añadió riéndose, confesando que tenía pósters de Cobain en sus paredes y que «volvía a ver sus entrevistas, veía sus actuaciones y había visto su documental como 12 veces».
Selena Gomez continúa trabajando en su próximo disco, que podría suponer su retiro definitivo de la industria musical para dedicarse a la actuación. De hecho, la artista ya tiene un gran papel entre manos: interpretar a Linda Ronstadt en su película biográfica.
Ninguna canción ha sido más grande que ‘Flowers’ de Miley Cyrus en 2023. Así lo ha hecho saber hoy la IFPI (Federación Internacional de la Industria Fonográfica) en su ránking anual de los temas con más ventas del año en todos los formatos digitales, contando con el streaming por suscripción de pago, las plataformas con publicidad y las descargas de canciones sueltas.
Miley Cyrus ha vivido en 2023 uno de sus mejores años como artista. Lo ha hecho, además, cuando no parecía posible. Pese a no haber vuelto a liderar el Hot 100 de Billboard desde que lo hiciera por primera vez con ‘Wrecking Ball’ en 2013, la artista se las apañó para repetir dicha hazaña con el lanzamiento en enero de ‘Flowers’, que se convirtió en un sorpresivo hit instantáneo. La canción, single principal de su disco ‘Endless Summer Vacation’, fue también un éxito de crítica, dándole a Miley Cyrus los dos primeros Grammys de su carrera, incluyendo la codiciada estatuilla a Grabación del Año.
“Al encabezar las listas en tantos países simultáneamente, el tema, junto con su mensaje de empoderamiento, ha resonado en todo el mundo y es la definición de un verdadero hit global. Enhorabuena a Miley y a su equipo por este increíble logro”, ha comentado Lewis Morrison, director de certificaciones de la IFPI.
Asimismo, en el top 10 han aparecido por primera vez artistas de Nigeria, gracias a ‘Calm Down’ (#2) de Rema y Selena Gomez, y de México, por ‘La Bebe’ (#6) de Yng Lvcas y Peso Pluma, en un reflejo del ascenso de los géneros afrobeats y mexicano regional durante el 2023. Otros como el country se ven representados por Morgan Wallen y su ‘Last Night’ (#8).
Estos son los mayores hits de 2023:
1. Flowers (Miley Cyrus)
2. Calm Down (Rema, Selena Gomez)
3. Kill Bill (SZA)
4. Die For You (The Weeknd, Ariana Grande)
5. As It Was (Harry Styles)
6. La Bebe (Yng Lvcas, Peso Pluma)
7. Cruel Summer (Taylor Swift)
8. Last Night (Morgan Wallen)
9. Anti-Hero (Taylor Swift)
10. Seven (Jung Kook)
Kings of Leon han vuelto con su primer single en tres años. ‘Mustang’ es el primer adelanto de ‘Can We Please Have Fun’, un nuevo disco de Kings of Leon que verá la luz en primavera, el día 10 de mayo.
La nueva era de Kings of Leon llega con novedades. En primer lugar, el grupo autor de ‘Sex on Fire’ ha fichado por Capitol Records. En segundo, se ha aliado con el productor Kid Harpoon, el hombre detrás de dos de los mayores éxitos de la década, ‘As it Was‘ de Harry Styles y ‘Flowers‘ de Miley Cyrus.
Con su ‘Mustang’, Kings of Leon toma camino en buena dirección. Digamos que, si Kings of Leon escuchara su último álbum ‘When You See Yourself‘ (2021) en su Mustang, correría el riesgo de estrellarse contra un poste después de que el conductor se quedara dormido. ‘Mustang’ le ayudaría a espabilar, pues suena enérgico y vital, valiéndose de un estribillo que no tardará en ser coreado en sus próximos conciertos.
No parece haber sido labor de Kid Harpoon modificar el sonido de Kings of Leon en absoluto. En ‘Mustang’ el estilo de guitarras y bajos, inspirado en el rock’ n roll clásico, captura el sonido del primer disco de Kings of Leon, mientras el grupo de los hermanos Caleb y Jared Followill suena aún comprometido con crear un tipo de rock capaz de sonar en radios y, a la vez, de llenar estadios.
La letra de ‘Mustang’ puede referirse al coche, como aquel tema de Lana Del Rey, o también al caballo, pues en el estribillo se contrapone con la imagen de un «gatito». La letra es una sucesión de imágenes surrealistas («hay un globo dorado en mi oficina», «les vi operando al niño en la planta de abajo», «hay una revista de músculos en el baño») en la que «Mustang» parece ser una persona que tiene a Caleb confundido. El videoclip, digamos, está a la altura.
En torno a las 9 de la noche, Ralphie Choo apareció en el escenario de la sala La Paqui en su segunda fecha de tres en Madrid. Con todas las entradas agotadas desde hacía meses, el artista madrileño inauguraba su set brincando de un lado a otro, invitando a todo el mundo a su fiesta, que comenzaba con ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO‘, una de sus canciones más emblemáticas hasta la fecha. Su energía no tardó en converger con la del público, que cantaba las letras y se movía eufórico a cada instante.
Llevando una suerte de gafas de ski transparentes que le cubrían también la nariz y vistiendo con un plumas, Ralphie Choo se presentaba acorde al aire futurista que recorre su música, cuya base está a menudo en sonidos tradicionales pero siempre con una clara intención posmoderna. Rodeado tanto de un chelo y una guitarra como de un ordenador, el artista mezclaba indistintamente géneros, celebrando sus canciones híbridas y experimentales. Por mucho que las estructuras de sus canciones no sean en absoluto convencionales, su audacia para crear melodías pegadizas ha logrado crear consenso entre oyentes de todo tipo. Allí no solamente estaba la Generación Z, sino gente de todas las edades entregados por igual en cada canción.
Lo mismo daba ‘BESO BRUMA’, con sus palmas flamencas, que la balada ‘TOTAL90NOSTALGIA’, dedicada a su madre, que estaba viéndole desde la segunda planta. Choo supo hacer de cada canción de su set un momento especial, como si cada una fuera un mundo en sí misma.
El concierto, además, estuvo marcado por los invitados que llevó al escenario. Para ‘WCID?’ apareció mori; para ‘GATA’ y ‘DOLORES’, rusowsky; y en ‘ROOKIES’, hizo lo propio Barry B, haciendo latente la naturaleza colaborativa de su música.
Adrián YR
Es un placer ver cómo en menos de un año, sus shows han crecido y evolucionado pero manteniendo a la vez el mismo encanto underground. Su presencia en el escenario es humilde y cercana, sin darse demasiada importancia a sí mismo, preocupándose mucho más en ofrecer un espectáculo donde el público se lo pasara en grande, que en la perfección técnica.
Si en ciertos momentos el sonido no era todo lo nítido que podía ser, daba totalmente igual, sobre todo cuando uno encadena temazos como ‘VOYCONTODO’ y ‘MÁQUINA CULONA‘, que revolucionaron, sobre todo la última, a cualquiera que estuviera allí presente. La magia de la juguetona ‘lamentos de una supernova’, con sus «juro que no voy a llorar más», coreados al unísono por el público, también fue uno de los momentos álgidos.
Y así, como quien no quiere la cosa, nos encaminábamos al final de un concierto que se pasó volando. Ahí es donde uno se da cuenta del gran mérito de Ralphie Choo como «performer», de su admirable capacidad para divertir y entretener. Por si fuera poco, para el final se reservó una canción que sabía que iba a hacer enloquecer a los asistentes: ‘VALENTINO’. Los enormes pogos no paraban de surgir, impulsando a la gente de un lado al otro del recinto en un ataque de euforia colectiva que supuso el postre perfecto para dejar a todo el mundo con buen sabor de boca y con ganas de repetir.
Megara representará a San Marino en la próxima edición de Eurovisión. El grupo de hard rock madrileño ha competido en las semifinales de ‘Una Voce per San Marino’ con la canción ’11:11′, quedando en primer lugar por delante incluso de la conocida cantante italiana Loredana Bertè, quien partía como favorita.
En el estilo guitarrero de Megara, ’11:11′ no anda lejos del sonido de la canción que presentó en la segunda edición de Benidorm Fest, ‘Arcadia’. ’11:11′ se diferencia incluyendo un puente instrumental de inspiración flamenca. Barriendo para casa también en San Marino.
‘Arcadia’ llevó a Megara a la final de Benidorm Fest, donde quedó en cuarto lugar por detrás de Blanca Paloma, Agoney y Vicco.
La participación de San Marino en Eurovisión es una de las más curiosas del festival. San Marino es un micropaís situado dentro de Italia, que compite en Eurovisión desde 2008. Debido a la falta de artistas locales que se presenten a las galas de preselección, el país recurre a las propuestas de artistas internacionales. Aunque la mayoría de veces que San Marino ha competido en Eurovisión (13 ocasiones), lo ha hecho con artistas sanmerinenses, italianos, o de ambas nacionalidades, en el pasado, San Marino ha participado en el festival mandando artistas extranjeros, como el turco Serhat en 2016 o la maltesa Jessika en 2018. Ahora, San Marino volverá a competir en Eurovisión mandando un grupo de fuera de sus fronteras, madrileño. Cabe mencionar que ‘Una Voce per San Marino’ solo se vale del voto del jurado experto para decidir su representante en Eurovisión, ya que el certamen no cuenta ni con voto popular ni demoscópico.
Megara no es, como están recordando diversos medios, el único grupo español que ha intentado llegar a Eurovisión por la vía de San Marino. Sin ir más lejos, Nebulossa compitió en 2022 con ‘Anoche’ y ‘Glam’, pero no llegó a la final. Otros artistas españoles que han competido en San Marino son Verónica Romero o Víctor Arbelo.
Entre los lanzamientos del viernes recopilados en la playlist de novedades se encuentra el nuevo single de SZA publicado por sorpresa. Por sorpresa, decimos, porque se desconocía la fecha de lanzamiento de ‘Saturn’, no porque el de ‘Saturn’ fuera un lanzamiento del todo inesperado: SZA había dado pistas últimamente de la llegada de ‘Saturn’ cantando la canción en los Grammy, y sabemos -desde hace tiempo- que SZA prepara el lanzamiento de una edición deluxe de ‘SOS‘ (2022) con 10 pistas nuevas.
‘Saturn’ en absoluto da a entender que esta edición ampliada de ‘SOS’ vaya a componerse únicamente de bonus tracks. Se trata de otra canción maravillosa de SZA que ella dedica a su tema favorito: el tormento del (des)amor. Ella culpa a la dura realidad («si hay otro universo, dame una señal»), pero también a sus propios «pensamientos intrusivos», que le hacen la vida imposible. Dice que está «harta» de su mente, declara que el «Nirvana no es como lo contaron», y, en el estribillo, alude a su necesidad de escapar de la realidad «flotando a otro lugar», posiblemente con la ayuda de algún tipo de sustancia que no es la dormidina, aunque podría ser.
SZA descubre que el «Nirvana» no es exactamente feliz, en esta balada ¿bedroom pop? que se vale de una instrumentación similar a la de su hit de 2023 ‘Kill Bill‘. Una batería real en lugar de un beat programado, una guitarra eléctrica y una ambientación psicodélica son suficientes para que SZA entregue otra de esas canciones capaces de hacerte «flotar» y escapar. Las diferentes versiones publicadas -hasta cinco en total contando el «live» y el «sped up»- pueden empujar el tema al éxito, aunque con esta melodía tan bonita, para SZA anotarse otro hit con ‘Saturn’ debería ser pan comido.
La vida de Pablo Rouss no se ha parado durante los últimos meses, por ser jurado de Operación Triunfo. Cada lunes grababa el programa en Cataluña, y cada martes cogía el AVE de las 9.50 para a la 13.00 estar en Madrid y grabar en el estudio. En su currículum encontramos muchos de los mejores hits de Belén Aguilera, entre muchos otros. Y sobre todo en 2023 terminaba de preparar un segundo disco en solitario llamado a ser el más importante, aunque no sea el más famoso, de toda su vida. Esta vez sin artistas invitados, ‘Asintomático’ está inspirado plenamente en la muerte de su madre.
Pregunto a Rouss cómo ha aguantado este ritmo durante los últimos meses. Responde, tajante: «Poniendo el foco. La gente piensa que mi vida solo ha girado alrededor de OT, que un poco también, pero es solo un 25% de mi tiempo. El otro 75% son un montón de producciones y mi propio proyecto, que tenía que atender. Equilibro las dos cosas».
¿Cómo has podido seguir produciendo mientras ha durado OT? Sobre todo mentalmente, con esa presión social.
Sí es muy agotador mentalmente. Pero tengo la suerte de tener una estabilidad emocional bastante jevi. Aun así, me ha costado digerir la opinión pública no constructiva. La constructiva me ayuda a verme desde fuera como yo no me veo. Mucha gente me dice que en persona soy totalmente diferente. Pero es que en la tele solo tengo 3 minutos. Tienes que ser conciso, que se te entienda, decir algo que les sirva [a los concursantes]… Todo eso con todo lo que supone hacer una gala en directo. No puede haber fallo ni error. Lo que les digas va a misa. Es muy difícil ser tú mismo en un tiempo tan pequeño.
¿Qué crítica te ha dolido más?
Intento no darle importancia. Lo que más me ha dolido es que hayan metido a mi madre de por medio. ¿Qué necesidad? Y en medio de la promo de un álbum que habla sobre eso… Ha habido comentarios no constructivos que digo «¡qué pena!». Me han dicho «se te ve muy frío», y yo soy lo contrario de esto. Todo mi entorno social me ha dicho «tú no eres así, tú no tienes esa barrera entre la gente y tú». Pero la tele y nuestra posición de jurado genera esa barrera inconsciente. Al final estás en una situación de tensión. De «a ver lo que digo, cómo lo digo…» No es una situación de palique tranquilo, como ahora contigo, en la que podemos hablar de OT, de la vida, de mi disco… Va a ser muy relajado. Ahí estás decidiendo no el futuro, pero sí quién sí y quién no. Tengo 29 años y llevo 10 años en esto, pero aun así me siento el hermano mayor. A alguno le saco 3 años. Les tengo un cariño especial, les he visto crecer durante 3 meses y me hace ilusión ver que chavales como yo se han lanzado a un monstruo tan grande como OT.
¿Qué has aprendido en este tiempo?
A relativizar. No todo el mundo va a tener una opinión positiva respecto a ti. He aprendido de las opiniones de gente que ha escrito desde la educación. Y a salir de la zona de confort en la que estaba desde hace años de trabajar, trabajar y trabajar en un lugar en el que controlaba todo. Esto ha sido descarrilar a tope y encontrar el centro, porque OT te hace balancear mucho.
Has dicho de manera muy determinada y nada más empezar la entrevista «yo tengo una estabilidad emocional». ¿Cómo se llega ahí y qué quieres decir?
Me viene desde pequeño. Cuando has experimentado cosas que sí tienen importancia… Creo que la vida te pone en situaciones que a la fuerza te enseñan que hay cosas con importancia y cosas que no. Las que no la tienen, no hay que dársela porque solo te va a hacer sufrir. He sido una persona muy independiente. Siempre he vivido bien conmigo mismo. Siempre he intentado construir ese tesón desde mí mismo, afrontando esa montaña rusa que es la música. Y más yo que vengo del underground, donde tienes que construir pieza a pieza, hasta llegar al castillo.
«Quería hablar de la muerte como una fase de la vida que no hay que esconder en un cajón»
Estás hablando de cosas que tienen importancia y tu disco habla de la muerte de tu madre. Pero lo llamativo es que es un disco alegre, como se ve en canciones como ‘Ojalá’ o ‘Despedidas’.
Quería tratar el tema de la muerte como una fase de la vida que existe y que no hay que esconder en un cajón, en una caja de Pandora. No se habla de ella todo lo que se debería y eso implica que tengamos emociones reprimidas. No es una sensación agradable porque crees que nadie te va a entender. Este es un disco que yo necesitaba hacer porque siempre me he tomado la vida de una manera muy positiva, muy alegre, muy de mirar para adelante. Pero a veces tienes que pensar las cosas, de corazón y hacer autoanálisis, porque tendemos a guardar cosas en ese cajón mágico. Hasta que metes otra cosa más y explota. Yo vivía en esa vorágine de no permitirme el lujo de estar mal y de entender lo que estaba pasando.
La muerte es un tabú, incluso no se habla con amistades muy cercanas. El «luto» era el luto de nuestras abuelas, y ahora es algo que se supera como buenamente puedes. Nadie te dice cómo, ¿no?
‘No me presiones’ habla sobre eso, sobre esa incomodidad de la gente intentando consolarte. Y tú solo quieres estar mal, desaparecer, y que cuando vuelvas, la gente siga ahí. El proceso de la muerte es algo que no vas a entender. Hay quien se lo toma de manera catastrófica. Yo me lo tomé bien, todo lo bien que te puedes tomar esto. Y luego salieron esos males, esas preguntas que creía que tenía apartadas pero realmente no. A la gente que haya vivido algo parecido, el disco le va a ir hasta el fondo y le va a ayudar a entenderse un poquito más. Porque está escrito desde una verdad tan cruda y real que es un storytelling apto para todos los públicos.
‘No me presiones’ habla sobre esa incomodidad de la gente intentando consolarte. Y tú solo quieres estar mal, desaparecer, y que cuando vuelvas, la gente siga ahí.
De hecho, el lenguaje es muy coloquial, con frases como «estoy cagado», «mierda», huyendo del tono poético y trágico de este tipo de discos. Es muy de la calle.
Totalmente, pero no lo he hecho por la gente, el disco viene de la necesidad de contar algo. Lo he contado desde un punto de vista tan puro, de contárselo a un amigo, que por eso hay gente que me escribe y me dice «esto es lo que tenía en mi cabeza, transformado en canciones». Belén [Aguilera] escribe mucho así, es muy espontánea. Es metafórica pero es cruda y real. Trata las emociones de manera realista y a mí eso me gusta mucho.
¿De dónde te viene esto de ser tan alegre ante la vida?
Mi madre vivió 10 años de cáncer, de manera frenética. Fue una montaña rusa de altibajos. Siempre ha sido muy positiva, con esa necesidad de ayudar a los demás. Siempre intentaba esconder su malestar, lo que supone a nivel físico el cáncer, que te deja molido. Era la que ayudaba a los demás. Por eso creo que los problemas no tienen importancia. Que una persona que se está muriendo te diga «mañana será otro día, no te acordarás de esto, no te preocupes» es cuando te das cuenta de que todo lo que te ha pasado en la vida no tenía importancia. Que ojo, cada uno decide a qué le da importancia y a qué no. Pero a veces deberíamos hacer cierta autocrítica, como «no voy a sufrir por esto porque no merece la pena».
En un disco tan especial que la palabra «especial» se queda corta, ¿a qué canción tienes más cariño?
Con la que más he llorado es con ‘La pena’. Es la más cruda. La escribí en 30 minutos. Fue cuando tu cerebro hace clic «me acabo de quitar un peso de encima». Entonces decidí hacer un álbum para soltar todo lo que tenía que soltar. Siempre he vivido con la sensación de tener algo a medias. Y cuando empecé a escribir, conseguí sanar y resolver cosas que hacía tiempo que no conseguía resolver con la música. Porque llevo 200 producciones en 3 años, más mi disco de colaboraciones. Necesitaba sentarme y escribir algo de corazón que de verdad me ayudase. Y este disco ha sido esto. 100%.
Me gusta ‘Punto y aparte’ que empieza con una voz con Autotune o Melodyne. ¿Quién es el pionero de usar el Autotune con un efecto triste? ¿James Blake, Bon Iver? Todos habíamos escuchado a Cher, Daft Punk… ¿Pero en cuanto a ese efecto tristón?
No te sabría decir quién es el pionero o la pionera pero Cher me explotó mucho la cabeza en su momento. Era tratar la voz como un instrumento. Llevar la voz más allá que de manera orgánica. Ha ayudado a entender el discurso melódico de manera más artística, no solo como una manera de contar una historia. Por eso me gusta tanto Max Martin, el autor de tantos hits de los 2000. Es un matemático.
Yo por eso lo odio. Es más un matemático, que un artista.
(risas) Yo soy fan, 100%. En mi vida soy bastante matemático, muy metódico. Me gusta mucho su manera de entender la música, las melodías. Soy muy friqui de las melodías. Sus melodías es como si estuvieran construyendo una letra. La música que más me ha funcionado ha sido construyendo de esa manera. Los tiempos han ido cambiando y TikTok ha cogido mucha fuerza y la balanza se ha ido decantando hacia las letras. Porque en TikTok estás leyendo muchas veces, no solo escuchando.
Belén Aguilera nos hablaba mucho, cuando vino al podcast, de cómo ha construido letras desde la música pop.
Tiene una jerga muy suya, que ya es totalmente identificativa de su persona, y ha conseguido salvaguardar las melodías, que es algo súper complicado. Y desarrollar su música hacia algo más indie, más alternativo, pero manteniendo esa parte tan pop que tiene. Es muy jevi.
¿De qué te sirve estar encasillado cuando la música es un hervidero de información que te va a ayudar a construirte como persona?
Una de las cosas que más me ha gustado de OT es ver a gente joven haciendo una ranchera, ‘Zombie’, canciones de urban… ¿Cómo has vivido tú la evolución de las etiquetas? Me extraña incluso verte usar la palabra «indie» ahora que está todo tan mezclado.
Las etiquetas son irrelevantes. Yo vengo del metal, del hardcore… Éramos muy nicho. Me gustaban Pantera, Slipknot, y a la vez Justin Bieber y Katy Perry. Estaba en la mitad de dos mundos y yo quería beber de todos y construir a partir de ahí, no elegir. La apertura de mente de la sociedad, con las redes sociales, ha permitido que la gente no quiera encasillarse. Encasillarse es ponerse barreras. La música está ligada con la evolución personal. ¿De qué te sirve estar encasillado cuando la música es un hervidero de información que te va a ayudar a construirte como persona?
¿No se reían de ti en ciertos ambientes por escuchar a Justin Bieber y Katy Perry?
¡No! Yo lo viví de manera muy natural. Siempre había comentarios, es verdad. Pero yo hice terapia de choque. Empecé con 21 años, como técnico de sonido de gente como Skunk DF, Hamlet, que tenían 20 o 25 años de carrera. Eran mis padres. Yo era muy hardcoreta, muy metalero. Pero empecé a hacer mucha producción vocal, haciendo algo más mainstream, y la gente encantada. Yo pensaba: «¿Quieres ser ese nicho?» A muchos les gusta evolucionar hacia el mainstream y no lo quieren reconocer.
¿Crees que este background tan variado fue lo que te llevó a ser jurado de OT? ¿O tu carácter optimista?
Yo creo que es que soy muy joven y he trabajado con artistas súper diferentes: Vanesa Martín, Sebastián Yatra, David Bisbal, Recycled J, Hens, Pole… Urbano, rock, pop, indie, electrónica… creo que tengo un abanico musical y un criterio muy abierto para poder opinar… no me gusta la palabra «juzgar», para opinar de chavales que tienen un sueño y verlo de manera global, y no encerrarme en mi criterio de «esto me parece bien» y «esto no lo entiendo». Este ha sido uno de los puntos por los que me han podido coger. Tengo mucho carisma y mucha personalidad. Aunque no se ha visto.
No se ha visto en el programa por el factor Buika. Yo mismo no puedo respirar cuando habla. No se sabe si va a decir algo bueno o malo. No quiero pensar lo que es tenerla al lado.
Si a mí me enfocasen cada vez que habla Buika… Hay un par de planos en que se ve un poco que me estoy llevando las manos a la cara. La quiero mucho porque es muy real. Lo primero que dice es lo que piensa. A veces le he dicho: «¿Pero por qué has dicho eso?». Ella te lo argumenta y lo entiendo. Es que no tienes tiempo real para enrollarte mucho. Tienes un pinganillo para que te digan «no te enrolles». Es un poco injusto. Mi labor es difícil y no solo eso, sino que tienes handicaps todo el rato que te impiden estar 100% satisfecho con tu participación.
El carisma no está relacionado con un carácter fuerte. El carisma para mí es centrarme en cosas positivas y llevarlas a otro nivel
Dices que no se ha visto tu carisma. La impresión que dabas es que te esforzabas en no hacer daño a los concursantes. Como el día de las puntuaciones.
Me gustó mcuho un meme de Twitter que decía que yo era el profesor de Educación Física que ponía un 9 a todo el mundo. El carisma no está relacionado con un carácter fuerte. Yo tengo un carácter, no fuerte, sino sólido. Yo construyo desde lo positivo. Ariel Rot me preguntó en una entrevista el otro día qué haría si Bisbal me trae un tema de mierda. Y yo dije: «me la ha dicho para pillar». Lo que yo haría es buscarle un punto. Vamos a coger tu movida y vamos a llevarla a otro nivel. Centrarme en cosas positivas. El carisma para mí es eso. No tienes que ser llamativo. Sino que la persona que tengas delante quiera seguir escuchándote. Para mostrar ese tipo de carisma necesito una conversación larga, para que tú te puedas enganchar a lo que estás haciendo.
Hay un momento de la vida en que confundes ser borde con ser carismático.
Exacto. ¿Tú que quieres? ¿Generar odio o amor? Yo no me hago un disco de 22 colaboraciones si no tengo relación de respeto con gente de la industria.
A ver si te he entendido. Si alguien te trae un tema y no te gusta, te fijas en la única línea o gancho que te gusta, pero sí o sí haces algo con él.
Yo nunca digo «huy, esto no», porque entiendo que el artista tiene un criterio suficiente para presentarme solo cosas que le gustan. Lo que te voy a decir es: «vamos a encauzarlo». Mi labor es llevar lo que tienes a otro nivel. Pero no decir «solo me gusta esto». Si solo me gusta la parte más característica, mi labor no es que me flipe, sino que le flipe a la gente. Yo quiero salir del ego de mi persona, porque la música no solo es tu pensamiento y no se trata de que me guste a mí. En la música es todo súper subjetivo. Todo desde el respeto.
¿Qué productores son referente para ti y quién crees que pueda pegar en el futuro?
A mí me lleva volando la cabeza bastante tiempo esta persona: ODDLIQUOR. Me parece un productor súper completo, creativo, ha entendido muy bien la música, no solo el mainstream sino la musicalidad completa: letra, melodía, música. Dos productores que admiro son Tumbao y D3llano. Tumbao hace mucho hit, mucho urbano. Y con D3llano trabajo mucho mano o mano y creo que tendremos un hueco.
Olivia Rodrigo ya está encima de los escenarios. La artista, que tiene prevista una gira mundial para promocionar su segundo álbum de estudio, dio el primer concierto del GUTS World Tour en el Acrisure Arena de Palm Springs, California. Por Barcelona y Madrid pasará el 18 y 20 de junio respectivamente.
La primera parada de la gira, que ha reunido a 11.000 espectadores, ha presentado a Olivia Rodrigo junto a su banda y bailarines en el que ha sido un show puramente rock-pop. Esto no es ninguna sorpresa, pues la artista reveló que escribió ‘GUTS’ con esa intención: «Creo que son canciones que quería que la gente pudiera gritar en una multitud. Con suerte, eso es lo que se ha conseguido».
Olivia Rodrigo ha interpretado hasta 22 canciones en esta primera noche, además de hacer 5 cambios de vestuario y subirse en una luna gigante para cantar baladas como ‘logical’ por primera vez. La canción de inicio elegida ha sido ‘bad idea, right?’, mientras que ‘get him back!’ fue la canción de cierre. Algunas que se quedan fuera del setlist son ‘1 step forward, 3 steps back’ o ‘hope ur ok’ de ‘SOUR’, en pos de añadir la inesperada ‘Obsessed’, bonus track solo disponible de momento en algunos vinilos de ‘GUTS’.
Entre los momentos más memorables del concierto destaca una anécdota de la artista sobre su mayoría de edad: «Acabo de cumplí 21, estoy muy feliz por ello. Tanto que fui a la estación de servicio el otro día y compré un par cigarrillos. ¡No me los pensaba fumar, pero los compré solo porque podía hacerlo! Crecer da miedo, pero dicen que mejora».
Este es el setlist del GUTS World Tour en California:
1. Bad idea right?
2. Ballad of a homeschooled girl
3. Vampire
4. Traitor
5. Drivers license
6. Teenage dream
7. Pretty Isn’t Pretty
8. Love is Embarrasing
9. Making The Bed
10. Logical
11. Enough for you
12. Lacy
13. Jealousy, jealousy
14. Happier
15. Favorite crime
16. Déjà vu
17. The grudge
18. Brutal
19. Obsessed
20. All-American Bitch
21. Good 4 U
22. Get him back
¿Qué tipo de fan de MGMT eres, el que sigue escuchando ‘Kids’, o el que defiende ‘Congratulations’ a muerte? ¿El que vive atrapado en la época de ‘Electric Feels’, o el que ha seguido la pista al grupo hasta descubrir que ‘Little Dark Age’ era un (muy) buen disco? ¿Eres de los que sabe que Caroline Polachek salía en el videoclip de ‘Time to Pretend’, o has llegado más tarde, en el viral de ‘Little Dark Age’ (canción)?
A MGMT, el tipo de fan que seas o hayas sido, siempre le ha dado un poco igual. El dúo de Connecticut, compuesto por Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden, ha seguido su propio camino y el éxito le ha venido de sorpresa. Quieran o no, tienen una habilidad especial para escribir canciones que se quedan contigo para siempre. Aunque se valgan de estructuras y acordes complejos, aunque las producciones sean densas como un bosque o las canciones duren 13 minutos, la magia de sus melodías lo atraviesa todo.
En ‘Loss of Life’, su primer lanzamiento independiente, MGMT busca no solo complacerse a sí mismo, como siempre, sino también contentar a sus distintos tipos de fans. Porque en el disco hay pop, pero también canciones que, como un cubo de Rubik sigues escuchando, atrapado por ellas, hasta que por fin encajan en tu cabeza. ‘Loss of Life’ suena a los MGMT de siempre y, a la vez, a unos MGMT nuevos.
Cuenta MGMT en una entrevista con este medio que en ‘Loss of Life’ mezclan diferentes géneros pero que el disco sigue sonando cohesivo. Es verdad. Y no solo porque sean ellos los autores. Junto al productor Patrick Wimberly (ex-integrante de Chairlift, justamente), MGMT siguen envolviendo de una pátina psicodélica todo lo que tocan. Y esto puede sonar tan a britpop como el single principal, ‘Mother Nature’, deliberadamente inspirado en Oasis, o tan ochentas como ‘Dancing in Babylon’, que con la participación de Christine and the Queens, es como la prima de ‘Me and Michael’. Solo que esta vez, MGMT abandonan la ironía y se entregan a lo “cheesy” sin prejuicios.
Cuando Andrew canta, en ‘People in the Streets’, que “estoy empezando a poner en duda aquello en lo que antes creía”, no solo está hablando de su experiencia con las manifestaciones durante la pandemia. De alguna manera parece estar comentando sobre la filosofía de su grupo. Porque si antes la ironía lo inundaba todo, como sabe “Lady Dada”, en ‘Loss of Life’ se impone una sensación de querer hacer las cosas realmente en serio. En ‘Mother Nature’ el mensaje de “agarrarse al amor” suena sincero. Precisamente la setentera ‘People in the Streets’ funciona porque se entrega por completo a la catarsis. Y en ‘Bubblegum Dog’, MGMT parece aceptar que el pop no está tan mal. Que, a veces, no hace falta complicarse la vida. Lo hace en un tema inspirado en el stoner rock y el prog (ese clavecín), pero en el que la melodía, sí, es totalmente “bubblegum”.
También suena serio el objetivo de Andrew de “cantarte todas las noches” en ‘Phradie’s Song’, una de esas baladas introspectivas que avisan de que el disco ha llegado a su punto más oscuro. No es la mejor balada de ‘Loss of Life’. Ese título va para ‘Nothing to Declare’, una preciosidad folk como inspirada en Simon & Garfunkel que, hablando de una relación a la que regresas porque te hace sentir como en casa, no puede estar mejor colocada dentro del tracklist, separando las dos mitades del disco. Después, es verdad que la sucesión de tempos lentos y aletargados hace que el disco parezca denso de más. ‘Nothing Changes’, tan desolada como una balada de The Cure, es hermosa, pero ‘I Wish I Was Joking’ no pasa de ejercicio psicodélico.
El disco remonta con ‘Loss of Life’, de hecho, cerrando el circulo iniciado por la primera pista, ‘Loss of Life pt. 2’. De alguna manera, el disco empieza por el final, y termina en el inicio. ‘Loss of Life’ es una pedazo de producción de MGMT que parece cruzar a Spirtualized con los Beatles de ‘Sgt. Pepper’, un viaje cósmico que invita a dejar el pasado atrás y abrazar el cambio. Porque con el cambio no solo mueren cosas, sino que también nacen, y precisamente el cambio ha sido el motor que ha mantenido sana la creatividad de MGMT todos estos años. ‘Loss of Life’ es un nuevo ejemplo de ello.
¿Puede Taylor Swift alterar todo el calendario de LaLiga? Lo cierto es que sí. La máxima competición de fútbol en España va camino de verse condicionada por el paso del The Eras Tour por Madrid, que acogerá el concierto previsto de la cantante para el próximo 30 de mayo en el nuevo Santiago Bernabéu.
Según confirman medios deportivos como Marca, el Real Madrid habría pedido cambiar la fecha de su último partido de la temporada para tener tiempo de montar el concierto de Taylor Swift. El evento, que supondrá la inauguración del estadio como principal albergador de conciertos en nuestro país, ocurre tan solo unos días después del Real Madrid-Betis programado para el fin de semana del 25-26 de mayo.
Sin embargo, en caso de que el Real Madrid o el Betis se estuvieran jugando puestos importantes en la clasificación, el cambio de fecha también alteraría todos los partidos de LaLiga, que se juegan al mismo tiempo en la última jornada. Pero ojo porque todo este revuelo podría tener un gran objetivo detrás: conseguir un segundo concierto de Taylor Swift en la capital.
Tal y como se ha hecho eco Relevo, el Real Madrid estaría tratando de que la artista hiciera doblete en el Bernabéu añadiendo un nuevo concierto el 29 de mayo, justo un día antes del que ya hay fijado. España es el único país con solo una fecha, por lo que si LaLiga acepta la petición del equipo blanco, el Bernabéu quedaría libre tres días antes del 29 de mayo, tiempo suficiente para que la artista pueda preparar el escenario y añadir otro concierto (posteriormente no es posible, pues el 2 de junio debe estar en Lyin, Francia).
Mientras tanto, Taylor Swift sigue recorriendo el mundo con el The Eras Tour, que la ha llevado a actuar en Sídney, Australia, esta misma noche. Allí ha tenido dos invitadas muy especiales entre el público: Katy Perry y Rita Ora. Y, aunque no es ninguna sorpresa la buena relación que hay ahora entre Taylor y Katy, sí que se ha producido un momento icónico: Katy Perry disfrutando de ‘Bad Blood’.
El tema, que Taylor Swift dedicó a Katy Perry hace justo una década tras el malentendido por unos bailarines, propició una guerra entre las artistas que duró años (Katy Perry le respondería después en ‘Swish Swish’). Ahora, y desde el lanzamiento de ‘You Need To Calm Down’, ambas se han reconciliado y hay buen rollo. Tanto es así que Katy Perry se ha grabado cantando ‘Bad Blood’ en el concierto: «Pude ver a una vieja amiga brillar esta noche», ha escrito.
Jennifer Lopez ha apostado veinte millones de dólares a que te va a interesar ver una película enteramente dedicada a su vida amorosa. Después de pasar años protagonizando comedias románticas, Lopez ha decidido que, para comedia romántica, la suya. ‘This is Me…Now: A Love Story’ es eso mismo. Y veinte millones -pagados de su bolsillo- es lo que ha costado. ¿Vale la pena?
Vayamos por partes. Jennifer Lopez se ha casado con Ben Affleck y le ha dedicado un disco, ‘This is Me…Now’. El disco no vale mucho, pero Lopez tiene un as en la manga, una superproducción estrenada en Prime Video que narra su biografía y su “adicción al amor”. Lopez ha conseguido que Dave Meyers dirija la película, y ha convencido a Jane Fonda para que aparezca en ella, a pesar de sus reservas iniciales. Fonda no lo veía claro y no es para menos: me habría gustado ver su cara mientras Lopez le explicaba el guion.
En ‘This is Me…Now: A Love Story’, Jennifer Lopez entrega una película hecha a medida. Es parte comedia, parte musical, parte delirio de Salvador Dalí, y funciona en una mezcla de todas estas cosas. La música no es el fuerte de la película, pero J Lo te vende las canciones actuando como nadie. Pero ‘This is Me…Now: A Love Story’ entretiene porque se atreve a llegar a unos extremos completamente increíbles.
Un primer extremo es evidentemente el económico. Si Jennifer Lopez imagina una fábrica del amor, Dave Meyers se lo construye. Si quiere instalar un corazón gigante, lo hace. Si quiere el bodorrio del año, lo tiene. Si quiere juntar a Jane Fonda y a Kim Petras en una misma escena, se inventa un gabinete zodiacal para ello, solo integrado por celebridades. La única manera en que This is Me…Now: A Love Story’ ha escatimado en algo, ha sido en su duración: apenas una hora, y los diez minutos finales pertenecen a créditos.
Tan indescriptible que Ben Affleck, la persona aparentemente más amargada de Hollywood, aparece en la película completamente disfrazado, ‘This is Me…Now: A Love Story’ es una película palomitera que funciona porque comete su función de entretener. Algunas escenas musicales, como la de ‘Rebound’, ambientada en una casa de cristal, son francamente espectaculares, y la calidad interpretativa de Jennifer Lopez da básicamente lo que la película necesita.
Pero lo mejor de This is Me…Now: A Love Story’ es simplemente que exista. Un proyecto tan tremendamente vanidoso solo podría haber salido de la cabeza -y de la cuenta corriente- de Jennifer Lopez. Es una pena que el “shock” que provoca ver el tráiler por primera vez, cuando no te esperas el absoluto delirio de superproducción que Jennifer se ha montado, se disipe después viendo la película, cuando esta empieza a parecer poco más que un videoclip dividido en varias partes.
Selena Gomez hace lo que le da la gana. Así lo lleva haciendo desde el lanzamiento de ‘Single Soon’, y así lo ha vuelto a demostrar ahora con ‘Love On’. Sin presiones con respecto a su tercer trabajo discográfico, la artista ha abrazado una era de droplets en la que nos da pinceladas sobre cómo se siente en este momento. Y la realidad es que se siente muy, muy bien.
Demasiado lejos queda ya 2019 para Selena Gomez, cuando estrenó ‘Lose You To Love Me’, una de las mejores canciones de desamor de su discografía. Ahora la artista está a otra cosa. Y si en ‘Single Soon’ se regodeaba del placer de la soltería, en ‘Love On’ está más libre que nunca. Presentando la canción junto a un videoclip en el que juega con gran variedad de looks, la artista solo quiere pasárselo bien, importándole poco todo lo demás.
Selena Gomez apuesta por un sonido pop que recuerda a lo último de Sabrina Carpenter. Lo hace, además, ddispuesta a celebrar su San Valentín en París. De hecho, el tema comienza con una intro en francés: «¿Cómo te llamo? Te llamaré ‘amor’… ‘tierno amor’». A continuación, ‘Love On’ da paso a su estribillo, en el que la cantante pide paciencia hasta que encienda su amor, que parece que ya está bastante encendido. «Sella el momento en el que te enamoraste, el tiempo no puede jugárnosla a nosotros», canta Selena Gomez.
La artista no ha querido desvelar si ‘Love On’ es el single principal de su próximo disco, misma estrategia que siguió con ‘Single Soon’. Lo que sí ha confirmado es que el álbum no está terminado, por lo que estos lanzamientos permiten amenizar la espera hasta el mismo. En cuanto a si está disfrutando del proceso, Selena Gomez prefiere dejar que la música hable por sí sola.
Cada semana ofrecemos a la audiencia 50 canciones por las que votar: las que están en el top 40 al ser lo más votado y 10 nuevas candidatas. De esas 50 pistas, ‘Carnival’ de Kanye West y Ty Dolla Sign ha sido lo menos votado por nuestros lectores al obtener solo el voto de 1 persona. Queda incluso fuera del top 40. Curioso para una canción que ha sido número 1 global en Spotify. La que se lleva el gato al agua entre nuestra audiencia es Dua Lipa, que vuelve a convenceros con ‘Training Season‘.
El segundo single del tercer álbum de Dua Lipa se lleva más del 50% de vuestros votos a través de X, dejando de nuevo a Pet Shop Boys o a Angy por detrás. La segunda entrada más importante de la semana es Beyoncé, pero ‘Texas Hold’em’, actual número 1 en Reino Unido, no logra pasar del puesto 5.
Siguen saliendo a la luz nuevas informaciones relacionadas con el Benidorm Fest 2024. En esta ocasión, el diario Público ha tenido acceso al panel de selección de la última edición, donde se pueden observar quiénes eran los favoritos del comité interno de RTVE encargado de elegir a las candidaturas, así como los artistas que se quedaron a las puertas de la semifinal.
La principal noticia que nos dejan las valoraciones de este jurado interno es que Nebulossa y su ‘ZORRA’ no eran las favoritas, como sí lo acabaron siendo para el público y el jurado de la gala tras su actuación. La representante de España en Eurovisión acabó en quinto lugar con 120 puntos, alejada de Jorge González con ‘Caliente’ (161), en segunda posición, y Lérica con ‘Astronautra’ (186), considerada la mejor canción para este jurado interno de RTVE. De hecho, St. Pedro entró por los pelos tras su 14.ª posición.
Entre los artistas que estuvieron a punto de luchar por el micrófono de bronce destacan Verónica Torres con ‘Fugaz’, Ondina con ‘Me está mirando’ y Reyko con ‘Run with you’. Ángela Carrasco, otra de las suplentes de la edición con su ‘Él y yo’, sí que acabó participando en el Benidorm Fest 2024, aunque como miembro del jurado de las galas.
De esta forma, y atendiendo a las puntuaciones del jurado interno de las tres últimas ediciones del Benidorm Fest, los elegidos para representar a España en Eurovisión habrían sido Rigoberta Bandini con ‘Ay Mamá’, Aritz y su ‘Flamenco’ y Lérica con ‘Astronauta’ si del comité de RTVE hubiese dependido. Consulta a continuación el desglose proporcionado en exclusiva por el periódico Público.
Valoración de los participantes por el jurado de RTVE:
1. Lérica – Astronauta (186)
2. Jorge González – Caliente (161)
3. Miss Caffeina – Bla Bla Bla (141)
4. Dellacruz – Beso en la mañana (136)
5. Nebulossa – Zorra (120)
6. María Pelae – Remitente (106)
7. Sofía Coll – Here to stay (97)
8. Mantra – Me vas a ver (97)
9. Noan – Te echo de menos (88)
10. Roger Padrós – El temps (88)
11. Angy Fernández – Sé quien soy (82)
12. Marlena – Amor de verano (79)
13. Almácor – Brillos platino (75)
14. st. Pedro – Dos extraños (74)
15. Yoli Saa – No se me olvida (67)
16. Quique Niza – Prisionero (67)
Suplentes del Benidorm Fest 2024:
1. Verónica Terres – Fugaz (65)
2. Ondina – Me está mirando (62)
3. Reyko – Run with you (60)
4. Ángela Carrasco – Él y yo (59)
5. La Beba – No me fucking importa (57)
6. Veintiuno – Telenovela (57)
Beyoncé acaba de lograr su sexto número 1 en Reino Unido. Lo hace gracias a ‘Texas Hold ‘Em’, su apuesta por el country y single principal de su próximo álbum ‘Act II’. Y, además, con mérito doble: consigue alcanzar la máxima posición de la lista catorce años después de su último liderato (‘Telephone’, marzo de 2010). Su nuevo single ha acumulado 59.272 ventas (6.072 descargas y 53.200 de streaming).
Este nuevo logro para Beyoncé marca, además, su primer número 1 en solitario desde 2008 con ‘If I Were A Boy’. La artista acumula así hasta seis canciones que han logrado estar en lo más alto de la lista de éxitos de Reino Unido. Esta hazaña la volverá a repetir el próximo lunes en Estados Unidos, cuando sea número 1 del Hot 100 de Billboard en su segunda semana (acumulando nueve top 1 en total).
Por otro lado, ‘Texas Hold ‘Em’ también se convierte en la primera canción con influencias country en alcanzar el número 1 en UK desde ‘Old Town Road’ de Lil Nas X en 2019, tema que fusiona el country y el rap. Este resurgimiento del country ya propició que artistas como Luke Combs y Morgan Wallen consiguieran el top 40 en Reino Unido el año pasado.
En cuanto al resto de singles de la lista, el fenómeno de Benson Boone ‘Beautiful Things’ logra un nuevo peak alcanzando el número 2 con 44.617 ventas. Dua Lipa, en cambio, no corre la misma suerte y se tiene que conformar con la cuarta posición de la mano de ‘Training Season’, el segundo single de su próximo disco, que consigue 40.497 ventas (3.045 CDs, 3.937 vinilos y 2.598 casettes). Ariana Grande se queda con el séptimo puesto tras el remix de ‘yes, and?’ con Mariah Carey.
Después de conquistar España con su ‘ZORRA’, todos imaginábamos que el próximo objetivo de Nebulossa sería hacer lo propio en Europa. Sin embargo, el grupo ha aterrizado en otro lugar antes: Estados Unidos. Es allí donde Mark y Mery ya están llevando a cabo la promoción internacional de la canción.
Esta promoción, de hecho, pasa por dar vida al remix del tema. Para este, Nebulossa ha fichado a la mexicana Gloria Trevi, que se declara zorrista y ya se ha reunido con el grupo en el estudio para crear una nueva versión. Lo hacen, además, en Miami, donde han aprovechado para acudir a programas como ‘De noche pero sin sueño’ donde han conocido a Danna Paola, quien después compartió parte de la letra del single en redes sociales.
«Queremos dar a conocer la canción al mayor número de personas. Es la primera vez que hacemos campaña al otro lado del Atlántico. El idioma en este caso es un importante aliado, así que vamos a por todas. Al margen de las preparties, estamos trabajando ya en otras iniciativas que seguro van a sumar en el camino hacia Malmö», ha declarado la directora de Comunicación y Participación de RTVE María Eizaguirre, quien afirma que «‘ZORRA’ es un fenómeno social».
Todavía no conocemos la fecha de lanzamiento del remix de ‘ZORRA’, pero todo apunta a que formará parte de la campaña de RTVE de cara a Eurovisión. ¿Logrará así ganarse el voto exterior de la Unión Europea, que desde hace pocos años también forma parte del televoto?
Todd Haynes comenzó su carrera mezclando alta y baja cultura, la experimentación formal con el melodrama camp. En su debut, ‘Superstar: The Karen Carpenter Story’ (1987), narraba la trágica historia de la cantante del dúo The Carpenters, fallecida a los 32 años a causa de las complicaciones derivadas de la anorexia nerviosa, combinando imágenes de archivo y animación stop-motion con muñecas Barbie.
En ‘Secretos de un escándalo’, el director californiano recupera en parte esa estrategia narrativa. La película cuenta una historia telefilmera “basada en hechos reales”, el caso de Mary Kay Letourneu (una profesora de 34 años condenada por haber mantenido relaciones sexuales con un alumno de 12, con quien se casó y formó una familia), narrada mezclando los códigos expresivos de una peli de sobremesa con las metáforas visuales y la complejidad psicológica de una película de Bergman (las referencias a ‘Persona’ y ‘Los comulgantes’ son constantes).
Para ello utiliza un punto de vista muy particular, un feliz hallazgo de guion que le ha valido una nominación al Oscar a la debutante Samy Burch: la película está narrada a través del protagonismo de una actriz de televisión (espléndida Natalie Portman) que va a pasar varios días con la familia de la “escandalosa” pareja (el chico ya tiene 36 años y la mujer cerca de 60) con la intención de documentarse para interpretarla a ella en una película. Un telefilme del tipo ‘La historia de Mary Kay Letourneau’ (2000), protagonizado por Penelope Ann Miller y que fue emitida en su momento por, sí, Antena 3.
A partir de esa premisa, Haynes construye un sugerente y muy retorcido drama psicológico basado en la disonancia, en el contraste que aparece reflejado en el título original, ‘May December’: las trágicas consecuencias de un caso de estupro conviven con la sátira sobre su tratamiento mediático y ficcional, los graves acordes de la música de Michel Legrand de ‘El mensajero’ (1971) con los bucólicos paisajes de Savannah (bellamente fotografiados por Christopher Blauvelt, el fotógrafo de Kelly Reichardt), la exploración de un personaje con la explotación de la persona, los encuadres sofisticados (el de la tienda de novias es una maravilla) con el zoom, Bergman con el culebrón televisivo…
Esa dicotomía se ha visto reflejada hasta en los premios. ‘Secretos de un escándalo’ ha sido nominada como mejor drama en los Satellite Awards y mejor comedia en los Globos de Oro. Una muestra más de la capacidad de Haynes para sorprender, descolocar y hacer suyas unas historias que, desde la extraordinaria ‘Carol’ (2015), son guiones ajenos. ¿Hasta cuándo va a ser ignorado como director en los Oscar?
Cuatro siempre es mejor que uno. Si no, que se lo digan a Jimena Amarillo, Repion, Lusillón y Espineli, cuatro artistas del panorama nacional. Ambas dejan a un lado su individualidad y se fusionarán, por primera y única vez, en un concierto único en el que pasarán a ser Jaleo Real.
Tal y como han informado a través de un comunicado, Jaleo Real cobrará vida en un «escenario donde todo cambia en cada tema y cualquier cosa es posible». Jimena Amarillo, Repion, Lusillón y Espineli unirán fuerzas y formarán una banda conjunta en directo para interpretar canciones de todas ellas de una forma que no han hecho nunca antes.
Lo curioso del concierto será descubrir la combinación de las cuatro artistas, que llevan adelante proyectos muy diferentes. Desde la electrónica rupturista de Espineli hasta las guitarras de rock de Repion, tratarán de revisar sus catálogos musicales para construir algo «nuevo e inesperado». ¿Electrificará Repion una canción de Jimena Amarillo? ¿Rapeará Jimena un tema de Lusillón?
Para descubrir lo que las cuatro artistas tienen entre manos habrá que esperar hasta el 21 de marzo, fecha en la que se celebrará el concierto. Lo hará en el Teatro Barceló de Madrid como parte de la Be Week 2024. Las entradas ya están a la venta a través del siguiente enlace.
Justin Timberlake ha anunciado las fechas europeas de su gira mundial. España no es uno de los países incluidos en la ruta europea de Forget Tomorrow World Tour, que iniciará su recorrido el 26 de julio en Cracovia y hará su última parada el 6 de septiembre en Lyon. La gira incluye hasta cuatro fechas en Alemania y tres en Reino Unido, además de otras en Suecia o Bélgica.
No es ninguna sorpresa que Justin Timberlake no haya incluido España en su gira europea. La única vez que Timberlake ha actuado en España ha sido en 2004, durante la gira mundial de ‘Justified’. Las giras de ‘FutureSex/LoveSounds‘ (2006), ‘The 20/20 Experience‘ (2013) y ‘Man of the Woods‘ (2016) contaron con paradas en Europa, pero nunca en España.
Timberlake saldrá de gira para presentar su nuevo disco, ‘Everything I Thought it Was’, que sale el próximo 15 de marzo. El primer single, ‘Selfish‘, ha contado con un videoclip más interesante de lo que parecía en un principio. Desde hoy puede escucharse el segundo, ‘Drown’. Se trata de otra co-producción de Louis Bell y Cirkut enfilada en un tipo de R&B-pop similar al del primer single.
EUROPE/UK – SUMMER 2024
Fri Jul 26 – Krakow, PL – TAURON Arena Kraków
Tue Jul 30 – Berlin, DE – Uber Arena
Sat Aug 03 – Antwerp, BE – Sportpaleis Antwerpen
Wed Aug 07 – Birmingham, UK – Utilita Arena
Thu Aug 08 – Manchester, UK – Co-op Live
Sun Aug 11 – London, UK – The O2
Thu Aug 15 – Amsterdam, NL – Ziggo Dome
Wed Aug 21 – Munich, DE – Olympiahalle
Sun Aug 25 – Cologne, DE – Lanxess Arena
Thu Aug 29 – Copenhagen, DK – Royal Arena
Mon Sep 02 – Stockholm, SE – Tele2 Arena
Wed Sep 04 – Hamburg, DE – Barclays Arena
Fri Sep 06 – Lyon – Décines, FR – LDLC Arena
Russian Red estaba trabajando en su gran disco de regreso, su primer álbum de estudio de canciones originales en 10 años, cuando se dio cuenta de que tenía entre manos algo complejo. Un trabajo audiovisual que incluso barajaba firmar como Lourdes Hernández. Actualmente continúa desarrollando ese proyecto, pero en un momento dado dio con una idea más ligera que sí le apetecía firmar como Russian Red.
Esa idea es este ‘Volverme a enamorar’ que desde hoy tenemos entre manos. Un álbum de liberación sexual, liviano y lascivo, cantado en Spanglish y con unas influencias muy particulares. De un lado, la música de la era del destape, con gente como Susana Estrada a la cabeza. De otro, el post-indie de personajes tan peculiares como Mac DeMarco. Luichi Boy de Cupido y Carlos René son los encargados de dar forma a todo eso.
Porque el disco, pese a contar con algo menos de 20 minutos de duración, tiene una forma muy determinada. La portada del sencillo ‘No entiendo nada’ es un culo en primer plano visto desde abajo a través de una silla transparente; el focus track del día de salida es una tórrida canción llamada ‘Intelectual sexual’ en la que parece hablar la protagonista de ‘Ramona‘; otra se llama casi, casi ‘Soy una fresca sin sentido’ y se revuelca en su punto kitsch; y el álbum se abre con una especie de bossa nova que piensa en un montón de «chicos solos en su habitación». ‘Me gustan todos los chicos’, se titula.
La artista no ha abandonado su característico estilo, por completo. En su gran clásico ‘Fuerteventura’, había una canción llamada ‘The Sun, The Trees’ inspirada en ‘We Are the Sleepyheads’. Prácticamente triplicó en streamings a la composición original de Belle & Sebastian y ahora recupera aquellos maravillosos coros para preguntarse por qué algo se acabó en ‘No entiendo nada’: «No es verdad, me gustas igual que siempre», dice la misma letra que contrapone «si yo soy tan guapa» a «tú eres un melón».
Hay algo de amor en estas canciones que a veces ni siquiera llegan a los 2 minutos de duración. El mejor ejemplo -la canción más larga, 2 minutos y 59 segundos- es ‘La última vez’, con su «estaba escrito en las estrellas que nos íbamos a encontrar». Pero la gracia de ‘Volverme a enamorar’ es que debería llamarse «Volver a follar». El single principal lo dice claro, incluso sonando tristón: «This is not a love song. This is un volcán».
Esta «obsesión que quiere break my heart» no es sino un retrato, bastante inusual, de lo triste que es no poder follar con alguien que deseas. Suena mal en boca de Dani Martín, pero es más novedoso que una artista femenina verbalice ese anhelo con su puño y letra. «No me da miedo» es la última frase de ‘Intelectual sexual’. Quizá en unos años la Lourdes del futuro no tenga que cubrirse la cara en la portada.
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