Estamos preparados para uno de los discos más anticipados del año. Sabrina Carpenter lanza hoy ‘Short N’ Sweet’, su sexto disco, aunque parezca mentira. El nuevo single es ‘Taste’.
‘Taste’ tiene el «buen gusto» de inspirarse en el soft-rock de los 70 y 80, porque ‘Taste’ remite tanto a Fleetwood Mac como al ‘Bette Davis Eyes’ de Kim Carnes, por citar dos influencias que saltan a la vista. A Carpenter este sonido le viene como anillo al dedo.
Dará que hablar su letra, probablemente inspirada en un triángulo amoroso que Carpenter ha vivido en primera persona. Y no nos referimos al de Olivia Rodrigo y Joshua Bartnett, sino a otro. En ‘Taste’ Carpenter describe una relación a tres en frases como: «Cuando sientas sus labios, sentirás los míos, y cuando respires su aire, que sepas que yo ya estuve ahí». Y es que, a Carpenter, buena samaritana, le «gusta compartir». Y si «canto sobre esto», añade, «es porque no me importa».
La sorpresa de ‘Taste’ es que el videoclip está inspirado en una película de terror y coprotagonizado por Jenna Ortega, una de las actrices clave de este género en los últimos años. El adelanto de ‘Taste’ mostraba a la cantante sorprendiendo a Ortega con un cuchillo, que se encuentra en la ducha con un amante, y recreando la icónica escena de asesinato en ‘Psicosis’.
Con la salida del videoclip, descubrimos que Ortega consigue librarse de la muerte cortando el brazo de la cantante con un machete. Eso después de dispararla, electrocutarla y quemarla en lo que se convierte en un festival cómico de gore en el que ambas se despedazan la una a la otra. De alguna manera, acaban reconciliándose y olvidando al chico por el que estaban dispuestas a morir. Un final feliz en toda regla.
Hoy 23 de agosto sale el nuevo disco de Fontaines DC, el Disco de la Semana, y también el de Sabrina Carpenter, que comentamos en diagonal. Además, se editan nuevos álbumes de Magdalena Bay, Mura Masa, The Softies, Sofi Tukker, Illuminati Hotties o Gillian Welch & David Rawlings.
Otro de los lanzamientos largos destacados de la jornada es un clásico del hip-hop que se reedita hoy en las plataformas de streaming; se trata de ‘Days Before Rodeo’, el segundo mixtape de Travis Scott, publicado en 2014.
Entre los estrenos de la semana en materia de singles hemos destacado en portada tres tan guitarreros como los nuevos de Amyl and the Sniffers; Geordie Greep, que ha dejado black midi para aventurarse en solitario; y la revelación del glam metal DIAMANTE, que prepara su tercer disco.
Estos días se han editado nuevos sencillos de yaeji, Alan Sparhawk (de Low) o Katie Gavin de MUNA cantando sobre el «uso casual de drogas». Y, entre los lanzamientos del viernes, destacan el nuevo single de Coldplay o, en el plano nacional, el afrobeat de Rouss o Albany y Yung Beef (y Somadamantina y otros) disparando su «rifle bisexual»… y usando una imagen de Trump en su intento de asesinato.
Entre las curiosidades del día, Sam Smith regraba ‘Stay with Me’ junto a leyenda del pop japonés Hikaru Utada, y Clark reinventa en clave electrónica el ‘Superstar’ de los Carpenters… en realidad original del olvidado grupo Delaney & Bonnie.
Sabrina Carpenter acaba de publicar uno de los discos más esperados de 2024. Después de cinco álbumes, Sabrina Carpenter llega con el sexto, ‘Short n’ Sweet‘, a su pico comercial, aupada por el enorme éxito de sus dos sencillos principales, ‘Espresso’ y ‘Please Please Please’. Había ganas de comprobar de qué manera Sabrina daría unidad a un disco que incluye canciones tan sumamente diferentes, tanto que parecen extraídas de discos distintos.
En ‘Short n’ Sweet’, para sorpresa de nadie, Carpenter apuesta por la variedad de estilos. Así, en el lado clásico y/o country-pop de ‘Please Please Please’, es decir, de las guitarras, están la muy Fleetwood Mac ‘Taste’, nuevo single, o la ultracaliforniana ‘Coincidence’, o la muy Dolly Parton ‘Slim Pickins’. Jack Antonoff, uno de los productores principales, deja su marca en grabaciones ligeramente más experimentales como ‘Lie to Girls’.
Y, en el lado de ‘Espresso’, es decir, de los sintetizadores, Sabrina no entrega en ‘Short n’ Sweet’ más canciones de música disco, pero le da al pop de radiofórmula en ‘Good Graces’, que parece de Ariana Grande, o al pop de los ochenta en ‘Bed Chem’, una de las joyas escondidas, muy posiblemente inspirada en ‘Sexual Healing’ de Marvin Gaye. O, como mínimo, totalmente evocadora de su sonido. En todos los casos Carpenter apuesta por la nostalgia, pero le da su toque personal.
Un toque que se nota en las letras, en las que Sabrina exhibe un sentido del humor y de la comicidad muy poco habituales en el pop. Ya se vio en la icónica frase «trabajo tarde / porque soy cantante» de ‘Espresso’ y en toda la letra de ‘Please Please Please’. En ‘Short n’ Sweet’ y, concretamente, en pistas como ‘Sharpest Tool’ o ‘Dumb & Poetic’, Sabrina deja frases para enmarcar reflexionando sobre chicos que le complican la vida, ineptos emocionales que se creen más profundos de lo que son.
Y, si las letras de ‘Short N’ Sweet’ aportan ese sentido unitario a un disco que musicalmente tira de aquí y de allá, como ya hacía Sabrina en su estupendo disco anterior, por cierto; resulta que el álbum se edita acompañado de una metanarrativa inesperada: parece que Sabrina dedica las letras a un conocido cantautor canadiense con el que salió brevemente, de ahí, también el título del álbum. Aunque fue más corto que dulce, por lo visto. Las redes ya se están frotando las manos con el salseo… y, sobre todo, con la música.
En el anuario de 2022, posicionamos a FLO como una de las revelaciones pop para 2023 por su reivindicación de las girl bands dosmileras. Ha pasado tiempo, pero por fin han anunciado su álbum debut. ‘Access All Areas’ estará disponible el próximo 15 de noviembre.
Jorja Douglas, Stella Quaresma y Renée Downer fueron las ganadoras del BBC Sound de 2023, siguiendo los pasos de PinkPantheress o de triunfadores anteriores como Adele, Sam Smith o Michael Kiwanuka. Además, recibieron la bendición de figuras como Missy Elliott o Brandy. Es decir, lo tienen todo para dar el pelotazo.
‘Access All Areas’ llega tras la retahíla de singles que han lanzado este año: ‘Walk Like This’, ‘Caught Up’ y ‘Check’. «Sabemos que nos hemos tomado nuestro tiempo para lanzar un disco… pero una cosa sobre nosotras es que somos perfeccionistas!», han apuntado en redes. También han descrito este LP debut como la representación de «nuestro crecimiento y dedicación a hacer historia en los grupos de chicas».
Lana del Rey ha tenido una pequeña conversación con Vogue con motivo de su actuación en París, en el festival Rock en Seine, y ha revelado nuevos detalles sobre ‘Lasso’. Entre estos, el aviso de que todavía quedan dos singles más antes de terminar 2024, además de la reciente ‘Tough’ con Quavo.
‘Lasso’ llamó la atención desde el principio por su supuesta desviación al country, pero Lana ha empezado aclarando que este cambio de estilo no será tan brusco como la gente espera: «Todos mis discos tienen raíces en el estilo americana, a menos que sea un disco como ‘Honeymoon’, que tiene una vena jazz, así que no creo que sea un cambio tan grande», ha declarado.
«En todo caso, será un poco menos pesado en las letras y más centrado en una producción gótica sureña o de country clásico, lo cual, de nuevo, ya ocurre con muchas de mis canciones», ha asegurado la estadounidense. No se ha despedido de la entrevista sin antes revelar que habrá otros dos adelantos del disco antes de 2025: «Tenemos dos más hacia final de año».
Lana Del Rey tells Vogue about her new album:
“All my albums are somewhat rooted in Americana, unless it’s an album like ‘Honeymoon’ which has a jazz flair, so I don’t think it will be a heavy departure. If anything, it will just be a little lighter lyrically, and more pointed… pic.twitter.com/d7DIDMdALf
Ravyn Lenae da sus primeros pasos en la música como miembro de Zero Fatigue, colectivo que da a conocer a otra futura estrella del hip-hop, Smino. La joven Ravyn, nacida en Chicago hace 26 años, crece asistiendo a las misas que oficia su abuelo y, de ahí, dice, nace su interés por la música y por escribir canciones. En los primeros años de su carrera, un hueco en la gira de ‘Ctrl‘ de SZA, en la que actúa de telonera y, sobre todo, el EP de 2018 ‘Crush’, producido por Steve Lacy, miembro de otro colectivo de R&B y neo-soul muy querido, the internet y, a la postre, autor del single número 1 en Estados Unidos ‘Bad Habit’, ponen a Ravyn Lenae definitivamente en el mapa.
En 2022, el debut largo de Ravyn Lenae, ‘HYPNOS‘, descubre al mundo a una artista con una gran sentido de la elegancia y sobre todo de la melodía. Canciones como ‘Venom’ o ‘Skin Tight’ se cuentan entre sus primeros grandes aciertos. Su estilo de «R&B alternativo» se amolda a las interesantes propuestas de Kali Uchis, Omar Apollo o SZA y ella, aparte de su gusto a la hora de elegir producciones, está dotada de una fluida y preciosa voz que convierte en oro todo lo que toca.
En otras palabras, Ravyn Lenae debería ser una estrella y ‘Bird’s Eye’, su segundo disco, lo constata. De hecho, ya se codea con la letra media-grande de la industria: el disco incluye colaboraciones de Childish Gambino y Ty Dolla $ign. El primero aparece en uno de los cortes más clásicos, ‘One Wish‘, un caramelo de sunshine soul que Lenae utiliza para reconciliarse con su padre. Ty Dolla, que se apunta a un bombardeo, llámese Kanye West o Anitta, aporta el mejor verso invitado del disco en ‘Dream Girl’, una canción enamorada, con corazones en los ojos, que pasa de la guitarra acústica a la percusión latina sin despeinarse. Ravyn es elegante hasta para eso, pero eso ya lo esperábamos.
No solo el amor ideal -o idealizado- marca el camino de estas once canciones, sino que Ravyn Lenae ha concebido ‘Bird’s Eye’ como un regreso a las raíces, para el que ha necesitado «volver a casa» y explorar los recuerdos de su infancia y adolescencia que más le marcaron para, así, ver su vida con «vista de pájaro» y descargar bagaje. En el electro-R&B de ‘Bad Idea’ pone fin a una relación tóxica, cantando: «Cuando hables conmigo, asegúrate de llegar a la parte en que me has perdido». Aunque Ravyn sigue fiel a la idea del amor que dura «para siempre», como canta en ‘Dream Girl’, entregándose en cuerpo y alma en el reggae endulzado de ‘Candy’, ha aprendido a poner límites. Así, en la pista final, ‘Days’, se da cuenta de que lo único que ha perdido terminando una relación, ha sido el tiempo.
Las diferentes reflexiones de Ravyn Lenae en ‘Bird’s Eye’ sobre la vida o, sobre todo, las relaciones, sean éstas románticas o familiares, se presentan en ‘Bird’s Eye’ desde una variedad de estilos que convierte este disco en una clara evolución respecto al anterior, que era muy bueno pero también más nicho. También porque las composiciones, sin ser en inicio históricas, están muy bien y conforman un repertorio muy sólido. En 11 canciones no hay relleno; hasta un tema menor como ‘1 of 1’ hace cosquillas gracias a sus efectos de producción.
La mencionada ‘Days’ es una cancioncilla de pop-folk que -voluntariamente o no- parece de Tennis… lo cual tiene sentido porque ‘Bird’s Eye’ se abre con una composición que ya no mira a los 70 de Marvin Gaye, sino a los de Fleetwood Mac. En ‘Genius’ Ravyn Lenae subraya la naturaleza del ser humano («nos podemos equivocar, pero no pasa nada») pero no se equivoca en absoluto tirando del sonido de la banda de ‘Rumours‘. Ese tipo de soft-rock le sienta mejor que cuando se intenta poner más dura, como en ‘Love Me Not’, a la que falta garra. Escuchando el tipo de voz de Ravyn Lenae es evidente que a Lenae le sienta mejor un estilo que otro.
El «sweet spot» de Ravyn Lenae vocalmente es ese R&B agridulce melancólico que ya practicaba en sus lanzamientos previos. En ese sentido, la gran gema de ‘Bird’s Eye’ es ‘Love is Blind’, una canción que de hecho incluye la palabra «bittersweet» en su letra, en la que Ravyn asume el fin de una relación: «¿Cómo has podido ocupar espacio en mi mente?» Después, ‘From Scratch’ no solo presenta una melodía escalofriante en el estribillo, guiada por el fantasma de una voz operística, sino que, además, expone la gran lección del disco: «No me arrebates el tiempo, porque es todo lo que necesito». Es el aprendizaje más valioso de la madurez y ‘Bird’s Eye’ supone un gran acompañamiento en esta etapa de la vida, por la que todos pasamos o pasaremos tarde o temprano.
Imagine Dragons se queda sin su batería. Daniel Platzman ha comunicado que abandona la banda para perseguir proyectos personales. «Después de un viaje increíble de más de una década, abandono la increíble banda que es Imagine Dragons. Quiero compartir mi más profunda gratitud hacia vosotros y a los fans por su inquebrantable apoyo y por haber compartido conmigo la alegría de la música».
Platzman ha indicado que deja Imagine Dragons para centrarse en su «mayor pasión», que es la composición de bandas sonoras.
Imagine Dragons no ha publicado ningún mensaje de despedida a Platzman de momento; en su lugar ha subido imágenes de Platzman y de otros miembros de la banda tocando en directo. Eso sí, el bajista Ben McKee ha comentado «te queremos, Daniel» en la publicación de Platzman, disipando cualquier rumor de conflicto entre el batería y la banda autora de ‘Believer’.
Platzman ha tocado en cinco de los seis álbumes de Imagine Dragons, desde 2011 hasta el lanzamiento, este verano, del álbum ‘Loom‘, pasando por supuesto por todos sus mayores éxitos, los multimillonarios ‘Thunder’, ‘Radioactive’, ‘Bones’, el citado ‘Believer’ o ‘Demons.
Este verano, también, Imagine Dragons ha sido noticia por unas palabras que les ha dedicado Serj Tankian de System of a Down: dice que a raíz de no haber cancelado su concierto en Azerbaiyán, países en el que acontece un posible genocidio, no les «respeta como seres humanos».
Amyl and the Sniffers, la banda de punk de Australia autora de hits guitarreros como ‘Hertz’, ‘Security’ o ‘Guided by Angels’, incluidos en su aclamado disco de 2021 ‘Comfort to Me’; banda a la que por cierto hemos tenido en España no hace mucho tocando en el desaparecido festival Cala Mijas; publica nuevo disco el 25 de octubre bajo el título de ‘Cartoon Darkness’.
Es un álbum que aborda temas como «la crisis climática, la guerra, la inteligencia artificial o el hecho de ir con pies de plomo al hablar de política». El disco, también, critica «la sensación de estar ayudando a otros al usar redes sociales, cuando en realidad solo estamos alimentando a la bestia de los datos de las grandes tecnologías, nuestro Dios moderno».
La misma nota de prensa indica que ‘Cartoon Darkness’ habla de la manera en que las redes sociales y los medios de comunicación «nos meten información en la boca» a la manera de un bebé. El grupo señala que, aunque «parecemos adultos», en realidad «somos niños atrapados», y denuncia que las redes y el entretenimiento ofrecen a la población «distracciones que ni siquiera nos causan placer, sensación o alegría; solo consiguen que no sintamos nada».
‘Cartoon Darkness’ probablemente será más divertido de lo que parece, a tenor del sonido de su nuevo adelanto, ‘Chewing Gum’, la Canción Del Día de hoy.
El sucesor del single ‘U Should Not Be Doing That’, lanzado en mayo junto a un segundo tema, ‘Facts’, es un tema dedicado a la inocencia del amor. «Solía ser tan dura, pero por amor me vuelvo tonta», vocifera Amyl en este tiro de garage punk lleno de guitarras robustas que podría haber firmado Iggy Pop en los 70. Aunque la comparación más apta parecen las Runaways y su ‘Cherry Bomb’.
Y, sí, ‘Chewing Gum’ se pega como el «chicle» y también como el clásico de Annie llamado igual del año 2004. Se pega, también, como la misma Amyl a la persona a la que desea: «Me tienes atrapada, enganchada como el pegamento, pegada como el chicle», insiste. Un sentimiento de descontrol que Amyl and the Sniffers desahogan en una tormenta de guitarras al final de la canción.
Grian Chatten está familiarizado con Madrid, más allá del hecho de que los irlandeses Fontaines DC tengan un miembro español en sus filas. Vino de adolescente, tiene amistades aquí y se pasea por ejemplo por la tienda de vinilos Marilians, donde se deja fotografiar. En una de esas visitas, el pasado mes de mayo, y con tiempo de sobra, atendió a la prensa para hablar de la nueva obra de su grupo principal.
‘Romance’, el cuarto álbum de los irlandeses e indudable Disco de la Semana, es un nuevo retrato del mundo en el que vivimos, entre el apocalipsis y la esperanza. Las letras quieren refugiarse en el amor, a veces con más éxito, a veces con menos, mientras la música se debate entre el pepinazo guitarrero, y la contemplación. Sobre todo ello hablamos con el líder de Fontaines DC, quienes el próximo 2 de noviembre actuarán en el WiZink Center de Madrid.
El disco habla sobre algo así como estar enamorado en mitad del fin del mundo. ¿Sientes que estamos al pincipio del fin del mundo?
Siempre (risas). Constantemente estamos como al principio del fin de algo. Estamos viviendo a la vez varias cosas terroríficas, como la falta de confianza en los medios de comunicación, y con razón. Hay muy poca confianza en la política. La gente está dividida, polarizada en las redes sociales. Está el crecimiento de la IA, por no mencionar el cambio climático. Literalmente estamos en el fin del mundo. Hay un montón de razones para sentirse así.
¿Qué te hace sentir peor, qué es lo más miedo da, qué te parece lo más peligroso de todo esto?
No sé, me preocupa todo. Lo que está pasando en Gaza es horrible. Es atroz y tan obvio… Pero también el cambio climático ya está matando a gente en todo el mundo. Aunque este disco no es político, es más sobre la sensación de estar sobrepasado. No siento que tu música sea política, pero sí parece contener la sensación de que el mundo no está funcionando apropiadamente. De que todo está mal a tu alrededor.
Sí, es más sobre un individuo afectado por lo que está pasando a su alrededor.
¿Cuál es el cometido del amor en medio de toda esta crisis?
La subsistencia. Es el alimento que sostiene la vida, la razón para estar vivo. Como las matemáticas, la ciencia… Robin Williams dice en ‘El club de los poetas muertos’ que la poesía, la belleza, el romance, el amor, es aquello por lo que seguimos vivos. Es el objetivo de un mundo que a menudo luce totalmente nihilista.
De todas las palabras posibles, ¿por qué has elegido «Romance» para titular el disco?
El disco tiene cierta sensación de grotesco. Hay un sentimiento grotesco y mecánico. Y hay cierta contradicción con la sensación de «romance» de los años 50, de una película de Audrey Hepburn. Me gustaba la idea de contraponer esos mundos. Hay algo muy Audrey Hepburn en el tema ‘In the Modern World’, incluso en el tema ‘Romance’, hay como una sensación de salón de baile. En el año 2060 esas tradiciones, esa noción de amor, será una reliquia. La gente leerá sobre él y dirá: «Antes la gente se enamoraba… ¡Idiotas!». Me parece muy interesante.
¿Qué opinas del amor hoy en día? Todo lo que está pasando en cuanto a identidad de género y relaciones abiertas.
En ‘In the Modern World’ hay una frase que es «you, and me and Sal» y está ideada desde el planteamiento de una trieja. En el fin del mundo, «por lo menos pasemos estos últimos momentos los tres». Esa era la idea: todo lo que queda del mundo somos tú, y yo, y Sal. Aunque es el único modo en que el álbum toca ese tema.
El álbum empieza de manera «creepy» con ‘Romance’ (NdE: se ríe y tararea la parte más «creepy») y termina más optimista, con ‘Favourite’. Háblame de ese desarrollo.
Me alegra que preguntes eso porque tengo una respuesta clara (risas). La primera canción, ‘Romance’, es la más optimista en letra, pero es la más oscura en sonido. La última, ‘Favourite’, es sobre entregarse a un delirio, relajadamente: «no puedo más, no puedo pelear más, me voy a retirar de este mundo». Es sobre la ausencia de esperanza. Pero sí hay esperanza en ‘Romance’. Así que tiene sentido que la persona que nos da esperanza es la que se rinda en ‘Favourite’. El optimismo es lo que nos sostiene por el camino, lo que nos da esperanza durante ‘Romance’.
¿Hay puntos de inflexión por el camino?
No (risas) Es broma. Estuvimos debatiendo sobre el tracklist, pero sobre todo nos preocupaba cómo empezar y cómo terminar.
‘Starburster’ es sobre un ataque de pánico. Ahora estamos más acostumbrados a hablar de salud mental, pero no sé si sabías lo que era un ataque de pánico la primera vez que tuviste uno.
No sabía lo que era cuando tenía 16 años. Empecé a tener muchos hace poco. Los últimos dos años. Probablemente de gira. Pensé que era un ataque de ira, de rabia. Básicamente necesitaba romper o tirar cosas. Me encerraba en mi habitación sin saber lo que era. Pero ya no los tengo y la razón es que me diagnosticaron TDAH (trastorno por déficit de atención con hiperactividad), y me he estado tratando. También tenía un amigo en el colegio que tenía una salud mental complicada, así que estoy familiarizado con estas cosas desde hace mucho.
¿Estar de gira es tan horrible?
(risas) Es muy difícil llegar a cierto nivel de compromiso. No puedes descansar, no puedes pasar un finde en casa, recuperándote. Es muy difícil. Al principio es muy emocionante: todo el mundo es maravilloso, el autobús está limpio, haces las camas, estás de buen humor y con ganas. Dices «este va a ser un gran tour, me lo voy a pasar bien, voy a cuidar de mí mismo». Y algo pasa de repente hacia la mitad, y es difícil sostener eso.
«Literalmente estamos en el fin del mundo. Hay un montón de razones para sentirse así»
¿Es peor en América, lejos de casa?
No sé, ahora me apetece mucho hacer gira en Reino Unido, porque hace mucho que hemos hecho. Hemos estado en América 3 veces en 3 años. En Europa, vas cambiando de país, la cultura es diferente de un lugar a otro, y es una sensación más rara. En Estados Unidos, tienes una mayor sensación de consistencia: siempre hay un 7 Eleven. Pero me encanta hacer gira por Europa, porque es tan bonita.
En ‘Starburster’ es brutal ese momento en que tomas aire. Es como el perfecto retrato del ataque de pánico. ¿Cómo surgió?
Hay tantas palabras en la canción que necesitaba tomar aire (risas), así que decidí hacer ese sonido cuando llegaba el estribillo. Al final ha sido un gancho. Así salen esas cosas, cuando estás en mitad de una composición. Es muy divertido. Es decir, no es un tema sobre algo divertido. Pero fue liberador.
¿Por qué el single principal no fue ‘Here’s the Thing’? ¿Te importa cuál es la primera presentación de un disco?
Me interesa porque quiero que la gente se vaya introduciendo en el disco de la manera correcta. ‘Here’s the Thing’ estuvo en la conversación. ‘In the Modern World’ también tenía que tener vídeo. ‘Favourite’… Quiero mostrar un poco de todo, lo amplio de la composición.
¿Ves a Fontaines DC como una banda de rock’n’roll?
Me gustaría que la gente lo viera como algo diferente, como un viaje diferente. Pero si estoy en un taxi y me pregunta el conductor qué música hago, diría que rock’n’roll, para ponérselo más fácil. ¿Tú qué crees?
Os pondría en la categoría «alternativa» de los Grammy, nunca en rock’n’roll.
Lo prefiero, vale.
Mi pregunta viene de que en el disco hay cuerdas y teclados. Obviamente mandan las guitarras. No sé si trabajas en un sonido principal y cohesivo.
Es muy variado. Creo que cada canción la tratamos individualmente. Tratamos de tener fe en que la voz y mis letras hagan todo sonar coherente. Que le den consistencia. James Ford (productor) como que sitúa los diferentes elementos en la misma habitación. Es un logro suyo.
¿Quién sería el tipo de artista que os gusta a todos? ¿Y quién os dividiría?
A todos nos gusta Nick Cave & The Bad Seeds. El último material de Nick y Warren, el de los últimos años, es alucinante. ‘Romance’, la canción, está muy influida por ‘Skeleton Tree’. ¿Quién nos divide? Es difícil… Déjame pensar… Es muy interesante, pero no se me ocurre.
¿Algo de hip hop? ¿Algo pop como Billie Eilish?
Nos gusta a todos bastante, yo creo.
Te preguntaba porque te veo más en una visión poética tipo Kae Tempest, con quien has trabajado, y el grupo me lo imagino más rock’n’roll, o post-punk, o lo que sea.
No sé, tío. Igual se me ocurre luego.
En ‘Sundowner’ dices algo así como «no soy cínico». ¿Crees que somos demasiado cínicos en el mundo moderno, por ejemplo en la industria musical?
No, no diría eso. De hecho a veces parece que la gente tiene dificultades para vivir la verdad porque es demasiado dura. Es una pregunta difícil. Necesitas cinismo porque puede concederte un espacio para asumir la verdad. Sin cinismo no habríamos descubierto la verdad en Irlanda, lo que estaba pasando en la iglesia. Si quieres ser un buen detective, necesitas algo de cinismo.
En ‘Romance’ hay referencias al manga, a la literatura, al cine… Por ejemplo, dices que hay una influencia muy grande de ‘Sunset Boulevard’ (‘El crepúsculo de los dioses’). ¿Dónde podemos encontrarla?
En ‘In the Modern World’ quería realmente sonar a esa película. Me fascina la idea de glamour venido a menos. Hay una influencia de gente como Lana del Rey. O de Amanda Lear. ¿Conoces ‘The Sphinx’? Es una de las mejores rendiciones al glamour venido a menos. Me encanta cuando dice: «I wish that I could be a silent sphinx eternally / I don’t want any past / Only want things which cannot last».
¿Por qué te atrae tanto el glamour venido a menos, siendo tan joven?
Es el delirio creado por vivir en el pasado. ¿Eso es la felicidad? Vivir en un sueño es una fantasía, es la felicidad de la ignorancia. Eso es lo que es ‘Romance’, nuestra sensación de delirio buscando la felicidad.
¿Cómo te ves como líder de un grupo a los 50, a los 60 años?
(risas) No lo sé, no me imagino tocando ciertas canciones, como ‘Boys in the Betterland’. «Hombres viejos en el hospital». (risas)
«Tenemos una culpa católica irlandesa… Se supone que no debes sentirte sexy. O hablar de eso. En este disco estamos rompiendo con eso un poco»
Dices que has ganado más confianza en tu voz, por ejemplo ahora cantas sobre deseo. Hay una canción llamada ‘Desire’, aunque no sé si será sobre «deseo» o tendrá plot twist. ¿Qué te ha hecho sentirte más cómodo con eso?
Supongo que poco a poco ha venido con mi desarrollo como autor y mi desarrollo de arreglos musicales. No me veo a mí mismo siempre como un personaje, sino que me voy situando en la canción. Con ese contexto, mi voz tiene más sentido. Creo que es una idea total. En cuanto al deseo, tenemos una culpa católica irlandesa…
… por la que tienes que pedir perdón toda tu vida, como dices en una letra.
Exacto. Se supone que no debes sentirte sexy. O hablar de eso. En este disco estamos rompiendo con eso un poco, queremos disfrutar de la libertad que nos da que nos hayamos convertido en una banda exitosa. Lucho contra eso. La negación me hace sentir incómodo. Si me enfrento a eso, no estoy tan alterado. Si lo ignoro, sí me siento alterado. Quería tratar esa incomodidad. Esa pérdida.
Nos puede sonar familiar en España… Finalmente, ¿qué es el amor en un álbum llamado ‘Romance’. Si el disco fuera una etapa del «romance», ¿cuál sería? A veces suena un poco a la fase de «venganza»…
La de tomar el control. Y dejar el control ir. Estar siempre en un globo de nieve, como en la película (‘Ciudadano Kane’). Pero si estás atrapado, no eres libre. Hay un mundo idílico dentro, pero que no te permite ser libre.
Yan Block es una de las estrellas emergentes de la música urbana latina. Nacido en Bayamón, Puerto Rico, ha amasado millones de streamings con singles como el trap de ‘444’ o, sobre todo, su colaboración con Jay Wheeler y DJ Nelson ‘Vete pal carajo’, que ha llegado al puesto 12 de la lista oficial de singles en España. El remix de ‘Wya’ de J Abdiel e iZaak, en el que Yan Block aparece junto a otros artistas, es otra de sus entradas en lista y ha alcanzado el número 30.
Autor de un primer álbum publicado a principios de este año, ‘Pitcher‘, el joven Carlos Yandre Martín Marrero está viviendo su momento Miley Cyrus después de que uno de sus singles viejos, ‘Vacile’, publicado en 2022, haya echado a volar. ‘Vacile‘ acaba de entrar en la lista de singles española, en el puesto 64, dos años después de su lanzamiento… y merece seguir subiendo.
Con ‘Vacile’ Yan Block puede presumir de estar triunfando con un single firmado completamente en solitario, interpretado y escrito por él y nadie más, y también de traer un sonido de «sad reggaeton» atmosférico que convierte en hit en poco más de dos minutos. Un tema tan adictivo como ese «Adderall» citado en la letra que conforma el gancho principal de la canción. Dedicada a una chica y llena de sexo y lujos, entre coches y botellas de alcohol, ‘Vacile’ suena de lujo, también. Pasando página, Yan Block acaba de lanzar el single ‘3 Doritos’.
Taylor Swift ha publicado un comunicado justificando su silencio durante la cancelación de las tres fechas del Eras Tour en Viena por amenaza terrorista. Se cancelaron los días 8, 9 y 10 de agosto tras la detención de dos personas vinculadas al terrorismo islámico, evitándose una posible masacre. Swift entonces continuaba con la gira sin pronunciarse al respecto de estas cancelaciones, las primeras que se han dado de la gira más exitosa de todos los tiempos.
Tras las críticas de algunos «swifties» por el silencio de Swift, de la que esperaban un mensaje de solidaridad, pues muchos de ellos viajaron desde otros países para asistir a la gira, Swift ha decidido hablar. Y ha sido categórica.
«Dejadme que sea clara: no voy a decir nada públicamente si creo que, haciéndolo, puedo provocar que vengan a mis conciertos aquellas personas que desean herir a mis fans», ha declarado Swift en su última publicación de Instagram. Swift ha expresado que el motivo de la cancelación de Viena le ha «llenado de miedo y de culpa por toda la gente que había venido a ver los shows», pero ha defendido su postura al tratarse de un asunto tan delicado: «En casos como este, el «silencio» es una manera de mostrar contención y de esperar a expresarte en el momento adecuado. Mi prioridad ha sido finalizar la parte europea de la gira de manera segura, y me siento aliviada de poder decir que lo hemos conseguido».
Swift ha mostrado su agradecimiento a las «autoridades» porque «así podemos lamentar conciertos, y no vidas» y ha explicado que «he decidido invertir toda mi energía en proteger al medio millón de personas que han venido a ver los conciertos en Londres». Swift añade: «Mi equipo y yo hemos trabajado mano a mano con el equipo del estadio y con las autoridades británicas, cada día, para lograr ese objetivo, y quiero dar las gracias a todos ellos por todo lo que han hecho por nosotros».
La gira Eras Tour, como cuenta Swift, acaba de dejar Europa y ahora regresa a América del Norte para los últimos shows de la gira. Entre octubre y diciembre, Swift actuará en Miami Gardens, Nueva Orleans, Indianápolis y Toronto antes de despedir la gira para siempre en Vancouver.
Beyoncé ha impedido el uso de ‘Freedom‘, su canción de 2016, en la campaña presidencial de Donald Trump, después de que el portavoz de Trump, Steven Cheung, subiera un vídeo en X de Trump bajando de un avión con ‘Freedom’ sonando de fondo. Una decisión a todas luces provocadora, pues ‘Freedom’ es la canción oficial de la campaña presidencial de Kamala Harris por el lado demócrata. Harris anunció su candidatura el mes pasado, tras la renuncia de Joe Biden a continuar en la carrera presidencial.
Según Rolling Stone y Billboard, el «sello discográfico de Beyoncé» y su editorial han amenazado con tomar acciones legales contra la campaña de Trump por su uso de ‘Freedom’, tras la publicación del vídeo. Un «cese y desista» ha bastado para que el vídeo haya sido borrado de forma inmediata del perfil de la campaña de Trump en la citada red social.
‘Freedom’ es el gran himno antirracista de Beyoncé y Kendrick Lamar, un tema en el que Knowles denuncia la violencia policial que se ejerce contra la población afroamericana en Estados Unidos. En el último mes, por ejemplo, el asesinato de Sonya Massey en manos de un agente de policía, en su propia casa, ha conmocionado al país. ‘Freedom’ fue el cuarto single de ‘Lemonade‘.
Beyoncé no es la única artista que, en las últimas semanas, ha señalado el uso de una canción propia en la campaña de Donald Trump. También Céline Dion ha tenido que pedir que no se use ‘My Heart Will Go On’ ni mucho menos su imagen cantando la canción en directo, en los mítines de Trump.
Beyoncé acaba de ser noticia por anunciar su propia marca de whisky, mientras su disco ‘Cowboy Carter‘ sigue sin promocionarse de ninguna manera, meses después de su edición.
Este año la promotora Last Tour (que ha despedido el festival Cala Mijas) ha sorprendido anunciando la llegada de Kalorama a Madrid. Kalorama, un festival que desde hace años se celebra en Portugal, se desdobla en una primera edición española que se celebrará al aire libre en el Recinto Ferial de IFEMA. El cartel de órdago e incluye desde grupos históricos como LCD Soundsystem, The Prodigy o la dupla de The Postal Service y Death Cab for Cutie, a potencias del pop comercial actual como Sam Smith o RAYE. El 29, 30 y 31 agosto de 2024 son los días que Kalorama celebra su primera edición en Madrid y, en este artículo, repasamos los 10 nombres clave de su programación. Las entradas siguen disponibles en sus diferentes modalidades.
LCD Soundsystem
En pleno “Brat Summer” no está de más recordar que el sonido del disco de moda de Charli XCX y, especialmente el de The Dare, productor de ‘Guess’, le debe mucho al de LCD Soundsystem, tanto que algunos no ven en The Dare nada más que una copia del proyecto de James Murphy. En Kalorama tendrás ocasión de comprobar por qué LCD Soundsystem sigue siendo tan influyente, y por qué tiene uno de los mejores directos del mundo.
The Postal Service + Death Cab for Cutie
Sigue la gira de 20 aniversario de ‘Give Up’ de The Postal Service y ‘Transatlanticism’ de Death Cab for Cutie, las dos bandas de Ben Gibbard, una en el lado electrónico y la otra en el indie rock. La gira aterriza en Barcelona el 27 de agosto y, después, llega a Madrid por la vía de Kalorama. Ambos álbumes se publicaron en 2003 y están certificados como Discos de Platino.
Massive Attack
Catorce años sin disco nuevo de Massive Attack no ha impedido a la pionera banda de trip-hop seguir saliendo de gira para repasar en vivo sus grandes obras maestras, como ‘Blue Lines’ (1994) o ‘Mezzanine’ (1998). Massive Attack, de hecho, acaba de actuar en España, y vuelve a Madrid este mes de agosto para presentar en Kalorama su asombroso directo.
RAYE
Entre las nuevas grandes estrellas del pop hay que contar a RAYE, gran ganadora de la última edición de los BRITs gracias a su fantástico álbum debut ‘My 21st Century Blues’. RAYE trae un show con big band, inspirado en los clásicos, pero sus grandes hits, como ‘Escapism’, y sobre todo su historia de superación como artista independiente, no pueden ser más actuales.
The Prodigy
Una de las últimas grandes incorporaciones al cartel de Kalorama es la de The Prodigy. Banda señera y modelo del sonido big beat de los 90, su sonido sigue siendo tan influyente que, por ejemplo, Rita Ora acaba de samplearles. The Prodigy, además, desarrolla su primera gira sin Keith Flint (fallecido en 2019) pero, como se ha visto hace poco en España, la brutalidad de su show no se ha ido a ningún lado.
Sam Smith
En plena celebración por el 10ª aniversario de su álbum debut, el multiplatino ‘In the Lonely Hour’, Sam Smith sigue de gira presentando su último trabajo, ‘Gloria’, el que contiene su macrohit ‘Unholy’ con Kim Petras. Para ‘Gloria’, Smith ha ideado el show más oscuro e impactante de su carrera y lo ha llamado ‘Gloria: The Blackout’, no se sabe si en homenaje a uno de sus discos favoritos.
Jungle
Entre las mejores bandas del pop de baile del momento hay que contar a Jungle, que, tras darse a conocer hace una década con ‘Busy Earnin’ practicando una seductora mezcla de electrónica, funk y disco, ha arrasado este último año con ‘Back on 74’, ya el mayor éxito de su carrera. Se extrae de su álbum ‘Volcano’, el mismo que Jungle presenta en Kalorama, su trabajo más retro y también el mejor.
Fever Ray
Sin sospechas de que el mundo vaya a ver un nuevo disco de The Knife, al menos, en un futuro próximo, consuela saber que una de sus integrantes, Karen Dreijer, sigue sacando discazos con su alias Fever Ray como el que lanzó el año pasado, ‘Radical Romantics’. Lo único a reprocharle es que esos nuevos discos no sean tan frecuentes como nos gustaría.
Gossip
Con la nostalgia por la época del “indie sleaze” en su pico, el regreso de Gossip no ha podido llegar en mejor momento. Su nuevo disco, ‘Real Power’, ha salido 12 años después del último, pero lo mejor es que por sonido parece el sucesor natural de su obra maestra, ‘Standing in the Way of Control’, bastante anterior. Había ganas de tener a estos Gossip de vuelta en los escenarios.
Peggy Gou
Entre las apuestas electrónicas de Kalorama es imperdible la de Peggy Gou, últimamente convertida en superestrella gracias al éxito de ‘(It Goes Like) Nanana’, una de las canciones del verano de 2023 (sobre todo en Reino Unido). Su disco ‘I Hear You’ no ha producido un hit de igual tamaño, pero Peggy Gou tiene un as en la manga: acaba de lanzar ‘Find the Way’ y apunta alto.
El último disco de Eminem, ‘The Death of Slim Shady (Coup De Grâce)‘, se cierra con un tema llamado ‘Somebody Save Me’. Representa la muerte del personaje, con Marshall Matters abriéndose en canal.
En la letra de la canción, Eminem pide perdón a sus hijos por haberse perdido momentos fundamentales de su vida al haber estado inmerso en el consumo de drogas. Y eso es exactamente lo que cuenta su videoclip, en el que aparecen vídeos caseros de Hailie Jade en un recital de guitarra, de la graduación de Alaina -que es quien le pide que se levante sin éxito en los primeros instantes del videoclip- o de Stevie abriendo regalos de Navidad. También aparece su hermano Nate en unas vacaciones.
El tema cuenta con un sample del artista de country y rap Jelly Roll, en concreto de su single de 2020 ‘Save Me’, por lo que Jelly Roll también aparece en el vídeo interpretando el gran gancho del tema.
‘Save Me’ ya había llegado al top 30 en Estados Unidos y Reino Unido sin necesidad de mayor promoción, y ahora está por ver si, extraída como sencillo, logra alargar la vida de un álbum que en su 5ª semana permanece en el top 10 de UK y en el top 16 de EE UU. De momento, la sombra del primer single ‘Houdini’ -con su ilustre sample de ‘Abracadabra’- parece demasiado larga. Tras 3 meses, ‘Houdini’ ronda aún el top 50 global de Spotify, tras haber alcanzado el número 1 en UK y el número 2 en EE UU.
Ice Spice es la última celebrity en negar el uso de Ozempic, la medicina de moda en Hollywood para perder peso fácilmente. No es la única, ya que en los últimos meses multitud de artistas y celebrities han negado o confirmado el uso del medicamento, convirtiéndose en una especie de caza de brujas moderna.
«Ojalá nunca hubieseis aprendido la palabra Ozempic», empezaba Ice Spice en los Espacios de X antes de desmentir los rumores sobre el Ozempic. «Se llama gimnasio, se llama comer sano, se llama estar de gira. O sea, ¿Qué coño? Quizás si estuviese sentada todo el día en casa sería más fácil mantenerme grande», aseguró la rapera, que lanzó hace poco su disco debut.
«¡Dios mío! Es que, ¿qué es Ozempic? ¿Qué cojones es eso? De verdad, ¿qué es?», preguntaba Spice durante su intervención en X. Como lo describió El País, Ozempic es el «Santo Grial de las dietas». Es inyectable y cuesta alrededor de 130 euros mensuales. Originalmente, fue desarrollado para tratar la diabetes de tipo 2, pero también ha probado ser efectiva en la lucha contra la obesidad. O, en el caso de Hollywood, para perder unos kilitos de más.
Todo empezó cuando Kim Kardashian apareció en la Met Gala de 2022 vistiendo el estrecho vestido de Marilyn Monroe. Al parecer, tras haber perdido siete kilos en menos de tres semanas. Desde ese momento, el medicamento se viralizó. Oprah Winfrey, Rebel Wilson o Whoopi Goldberg son algunas de las personalidades que han promovido su uso. A otras celebrities les ha causado serios dolores de cabeza.
Kelly Clarkson negó su uso hace unos meses, mientras que Christina Aguilera, Adele y Lana del Rey han estado en el ojo de los paparazzi y han asegurado no estar bajo los efectos del Ozempic, aunque hayan perdido algo de peso en los últimos tiempos. Otras celebrities, como Bella Thorne, han dejado claros los efectos secundarios de la normalización del Ozempic en la sociedad: «No me he sentido bien con mi cuerpo en un tiempo, especialmente por el uso de Ozempic en Hollywood», declaraba en Instagram.
Una nueva gala de los MTV Video Music Awards se celebrará el 11 de septiembre en Nueva York (la fecha inicial, el 10 de septiembre, se ha movido a la siguiente para que no coincida con el debate electoral). Taylor Swift lidera las nominaciones y entre las favoritas se encuentran también Billie Eillish, Chappell Roan, Ariana Grande, Bad Bunny o Sabrina Carpenter.
Tanto Chappell Roan como Sabrina Carpenter son dos de las performers confirmadas en la ceremonia. Ellas son evidentemente las dos artistas revelación de 2024 en el mundo del pop. Además están anunciadas las actuaciones de Rauw Alejandro, Camila Cabello y GloRilla.
Katy Perry es otra de las performers anunciadas pues, en plena promoción de su nuevo disco, ‘143’, recibirá el MTV Vanguard Award, que premia a los artistas visionarios en el mundo del videoclip. En el pasado Lady Gaga, Justin Timberlake, Shakira o Britney Spears han recogido este premio inicialmente creado para honrar la carrera de Michael Jackson, su primer destinatario.
Benson Boone, Halsey, Lenny Kravitz y LISA se unen también a la lista de performers en la ceremonia de 2024. Según indica Pop Crave, esta última cantará ‘New Woman’ junto a Rosalía. Por otro lado, Halsey desvelará una nueva canción de su próximo disco.
Ver a Katy Perry interpretando este supuesto “himno feminista” con alarido autoafirmativo final, da tanta cosa como ver a su marido Orlando Bloom encarnando a un héroe de acción en la recién estrenada ‘Pacto de sangre’. Es como si se hubieran puesto de acuerdo: vamos a hacer la canción y la película más simplista, desfasada e involuntariamente paródica del año.
El videoclip que ilustra la oportunista ‘Woman’s World’ es tan sutil como la letra: un desfile de iconos del feminismo que parecen sacados de un collage de cartulina hecho por unos niños de primaria. Comenzamos con Rosie la Remachadora sentada en una viga como en el clásico de la fotografía ‘Almuerzo sobre un rascacielos’ (Charles Clyde Ebbets, 1932), seguimos con unas trompas de Falopio colgadas en una monster truck a modo de ambientador de pino y terminamos con un trípode con el que faltaba, el símbolo de Venus, que la cantante enarbola como un monje fanático blandiendo una cruz en las Cruzadas.
Entre medias, vemos algo así como un espectáculo de strippers con pretendido discurso empoderador. Una suerte de show para despedidas de soltero con chicas disfrazadas de trabajadoras sexis -con martillitos de Swarovski y, uh, succionadores de clítoris-, de muñeca hinchable convertible en mujer biónica y de camionera forzuda como del Medio Oeste (interpretada por la influencer Trisha Paytas). Una mezcla de referentes pretendidamente satíricos que funcionan como una camiseta “graciosa” con mensaje, ideal para vestir un discurso que resulta más postizo que esos repartidores enrollándose en pleno accidente de tráfico.
En su nuevo álbum, hay tantas referencias al verano y a la familia que se nota que Childish Gambino tiene ganas de tomarse unas vacaciones. En este caso, indefinidas.
El álter ego de Donald Glover, un auténtico hombre del renacimiento en tiempos modernos, se presentó al mundo con ‘Camp’ (2011) y desde entonces hemos visto su infinita creatividad florecer en proyectos como ‘Behind The Internet’ (2013), para muchos su trabajo más querido; el funky ‘»Awaken, My Love!»‘ (2016) y el experimental ‘3.15.20’ (2020) (revisitado recientemente en ‘Atavista’). Pese a ser su disco más completo en cuanto a estilos y atmósferas, ‘Bando Stone and The New World’ no es el final triunfal que todos estábamos esperando.
El disco también sirve como soundtrack original de la película del mismo nombre, aún sin fecha de salida, pero con un interesantísimo tráiler disponible. Este aspecto del proyecto queda reflejado con múltiples fragmentos de audio directamente sacados de la cinta y dispersados por el tracklist. Las conexiones tampoco acaban ahí. Canciones como ‘Can You Feel Me’, con su hijo Legend, o ‘Lithonia’ están clara y directamente ligadas a la trama del filme. Puede ser raro valorar una banda sonora de una película que no has visto, pero en el caso de ‘Lithonia’, es un testamento de lo realmente buena que es.
Nadie esperaba un tema de grunge como primer single, pero el resto del disco esconde muchas más sorpresas. De alguna manera, Gambino incorpora todos los géneros que ha ido asimilando a lo largo de su carrera: R&B, rap narrativo a lo ‘Behind The Internet’, trap, dance, pop experimental… Y va un paso más allá. Ya sabíamos que Donald Glover podía hacerlo todo. La pregunta es: ¿Tenía que hacerlo todo? Si algo estaba claro, es que no tenía nada que demostrar.
La variedad que presenta es tan dispersa e incoherente que acaba siendo chocante, y no fluye del todo bien. Se puede ver de dos maneras. Qué bien que haya algo para todo el mundo / Qué pinta Childish Gambino haciendo bubblegum pop, rock alternativo y un pop punk que está entre blink-182 y Post Malone en su último disco. El atrevimiento no es criticable, el resultado sí. ‘Real Love’ tiene que ser la canción más cheesy que haya hecho nunca y, aunque una canción cursi y pegadiza está bien, en este caso es demasiado. ‘Running Around’, por otro lado, tiene madera de ‘guilty pleasure’, aun siendo el verso de Fousheé lo mejor del tema.
Cuando Glover se centra en el reino del hip hop y el R&B, la cosa cambia, aunque mantiene el eclecticismo dentro de sus propios límites. ‘Steps Beach’ es un precioso tema acústico que tampoco le pega, pero funciona muy bien, mientras que ‘In The Night’ nos devuelve al mejor Childish Gambino, con un sabor añadido a house tropical. En el terreno de lo veraniego, de lo cual hay mucho en este LP, la guinda del pastel es ‘No Excuses’. Con 7 minutos de duración y la presencia notable de Ludwig Göransson, es un envolvente tema que presenta una de las letras más interesantes del disco, de puro desapego: «No tienes que decir adiós, ya no lloro / Ya no tienes que salir fuera, ya no lo intento».
Una de las grandes sorpresas es la vuelta de Gambino a rapear. Lo hace como si nunca lo hubiese dejado y, además, lo presenta también en varios estilos. ‘Talk My Shit’ está plagada de frases graciosas y juguetonas sobre un durísimo beat de trap al uso, pero que no para de incorporar elementos que hacen que sea imposible despegarse del tema: «Voy a hacer un billón («billi'») como si fuera Eilish». A la vez, hay algo en su tono y en lo estrafalario de sus rimas que da a entender que se está riendo un poco de ese estilo. Para algo serio, está ‘Yoshinoya’, en la que rapea sin tomar aire sobre todos aquellos que dudaron de él en un beat que podría ser de Tyler perfectamente.
‘Bando Stone and The New World’ es un disco agridulce. Es el último de Childish Gambino (que no de Donald Glover, ojo) y, pese a tener algunas de sus mejores canciones, no consigue ser una despedida por la puerta grande. Más bien, por la puerta mediana. La trama de la película cuenta la historia de un músico que se toma un descanso y, al volver, descubre que a nadie le importa su figura como antes. No será lo que ocurra con Gambino, pero despedirse con este LP desde luego no ayuda. Eso sí, su arte siempre se ha caracterizado por una cosa que sigue presente en ‘Bando Stone’: no importarle nada una mierda.
FKA twigs prepara su regreso a la música. De hecho, el nuevo disco de FKA twigs está terminado y la artista británica acaba de presentarlo en una listening party exclusiva celebrada en un sótano del Lower East Side de Nueva York. Según Julia Fox, una de las personas que han asistido al evento, el álbum se titula «EUSEXUA», aunque el título no ha sido confirmado por FKA twigs. «Lo escuchamos anoche y todo el sitio se llenó de electricidad y de pura emoción», ha indicado la actriz.
La propia FKA twigs ha acuñado esta palabra, un neologismo que usa para describir «ese momento en que te besas con tu amante durante horas y te conviertes en una ameba; ya no eres una persona, eres solo un sentimiento».
Parece, por tanto, que el anuncio o incluso el lanzamiento de «EUSEXUA» -si es que este es su verdadero título- está más cerca de lo que parece. Sobre su contenido poco se sabe, pero es público que FKA twigs ha vuelto a trabajar con el productor británico Koreless en este proyecto. En sus palabras, es un disco inspirado en la música tecno, pues la artista se ha aficionado a este género musical al mudarse a Praga, ciudad en la que reside desde hace un par de años: «El disco no es tecno, pero el espíritu definitivamente está ahí».
Sobre la temática del álbum, FKA twigs ha dicho que «es profundo pero no triste» porque ella «ya no está triste». Hay que recordar que «EUSEXUA» es el verdadero sucesor de ‘Magdalene’, el mejor álbum de 2019, y que por tanto se considera el tercer disco oficial de FKA twigs; ‘Caprisongs’ (2022) se considera un punto a parte en su carrera por su condición de mixtape.
Estos días se ha cumplido el décimo aniversario de ‘LP1’, el debut de FKA twigs, publicado un 6 de agosto de 2014. 10 años después parece que el tercer álbum de FKA twigs no tardará en llegar.
FKA twigs ha presentado su nuevo disco en una listening party celebrada en Nueva York
Fontaines DC publican este viernes 23 de agosto su nuevo álbum ‘Romance’. Otro discazo a sumar a su discografía, y van 4de4, que va a ser nuestro Disco de la Semana. Ya os presentamos ‘Starburster’ y ‘Favourite’ y desde entonces hemos conocido dos singles más.
Hoy mismo se presenta ‘In the Modern World’, a través de un vídeo protagonizado por Ewan Mitchell (‘La Casa del Dragón’, ‘Saltburn’) en un desagradecido papel marcado por la violencia y la claustrofobia a partes iguales. El escenario es una competición de Car Jitsu, el absurdo deporte que se practica en el interior de los coches, según el cual hay que incomodar a tu oponente, pero sin golpearlo.
Pero lo que hoy escogemos como Canción del Día es el tercer single, ‘Here’s the Thing’, que había salido también este mismo mes de agosto, hace un par de semanas. La misma directora del videoclip de ‘In the Modern World’, Luna Carmoon, se había encargado de este otro videoclip influido por películas de terror adolescente como ‘The Lost Boys’ y ‘Phenomena’ (con guiño irlandés), mientras la música citaba como referencias a Placebo, Shygirl y Eartheater.
«Es una melodía ansiosa que se retuerce y gira en lo que quiere, yendo y viniendo entre el dolor y el entumecimiento», decía oficialmente Grian Chatten sobre ‘Here’s the Thing’.
‘Here’s the Thing’ es una de las canciones más inmediatas de ‘Romance’, con permiso de ‘Favourite’, y pese a que su vídeo es más bien un corto de 7 minutos. En sintonía con ese vídeo adolescente, la letra habla sobre la empatía de hacer tuyo el dolor de una amiga, y de la música como refugio.
Esta semana publicaremos nuestra entrevista con Grian Chatten, en la que nos habla sobre la influencia del cine en ‘Romance’, entre otras cuestiones compositivas y de actualidad. El miedo que da el mundo puede aunar el nuevo vídeo, el vídeo anterior, y la conversación con Grian que podréis leer en breve.
Os recordamos que Fontaines DC actúan el 2 de noviembre en el WiZink Center de Madrid. Entradas disponibles, aquí.
En el mundo real, ‘Midnights’ fue el Disco del Año en 2022. Ganó el Grammy a Mejor Álbum, vendió más de 11 millones de copias, asentó a Taylor Swift como artista de streaming…
En un universo paralelo en el que algunos dudábamos de que fuera uno de sus trabajos más interesantes, el álbum murió tras el éxito de ‘Anti-Hero’ y sus demás singles quedaron algo eclipsados por el boom de ‘Cruel Summer’, una vieja canción viralizada en TikTok de manera tardía, pero muy salvaje. Suma 2.000 millones de streams solo en Spoti.
En el mundo real, ‘The Tortured Poets Department’ vuelve a ser el Disco del Año en 2024. Ha vendido ya 7 millones de copias, lleva 15 semanas en el número 1 del Billboard 200 y va a ser nominado sí o sí a Álbum del Año en los Grammy.
Pero en un universo paralelo, el disco está teniendo ciertas dificultades para dejar verdaderos clásicos swifties. ‘Fortnight’ ha sido obviamente número 1 a nivel global, pero ni siquiera va a ser la canción más exitosa de Post Malone de este 2024, mérito que irá, seguro, para ‘I Had Some Help’, su colaboración con Morgan Wallen. ‘Cruel Summer’ continúa siendo la canción más escuchada de Taylor.
Ya se anhelaba un segundo single de ‘The Tortured Poets Department’ y, entre la docena de candidatas en un álbum que recordemos que tiene más de 30 grabaciones en su versión deluxe, la elegida ha sido ‘I Can Do It With a Brokenheart’. El tema se envió a radios hace unas semanas, y actualmente lo encontramos en el top 25 en UK, en el top 33 en EE UU y en el top 98 del Global diario de Spotify. En todos los casos, avanzando lentamente.
Para darle un empujón, se acaba de editar un videoclip. Pero se trata tan sólo de una sucesión de imágenes de la gira de Taylor Swift, la más exitosa de la historia. Un montaje de mejores momentos, tomas falsas y ensayos que muestra algunos de los trucos del show, incluido ese en el que se esconde en un carrito de limpieza. Con él, la artista nos está diciendo definitivamente que lo que más recordaremos de esta “era” será esta mastodóntica gira, a la que puede enfrentarse noche tras noche, incluso con el corazón partido.
“Lights, camera, bitch, smile” es una de las frases en las que Swift reflexionaba sobre la presión de los medios en mitad de una ruptura, por lo que la opción «vídeo en directo» no deja de tener cierto sentido, por mucho que se nos ocurran muchas formas de desarrollarla de manera más atractiva. En el estribillo, además de esa sonora mención a su cumpleaños (“estoy tan deprimida que me comporto como si fuera mi cumpleaños todos los días”), resume: “lloro un montón, pero soy tan productiva… es un arte”.
2024 no será recordado como el mejor año para Jennifer Lopez. Si en primavera tenía que cancelar su gira por razones personales, entre rumores de ventas de tickets por debajo de lo esperado -en mayo decía que necesitaba estar con su familia-, ahora se conoce la noticia de su divorcio de Ben Affleck.
La fecha de la separación es oficialmente el 26 de abril de 2024 en los documentos, aunque tal documentación se ha presentado este 20 de agosto. Una fecha cargada de simbología pues es el 2º aniversario de su boda. Así lo ha comunicado al mundo el site de chascarrillos TMZ y después lo han confirmado medios como Billboard.
TMZ asegura que ha sido la propia Jennifer Lopez, sin sus abogados, quien ha solicitado el divorcio, y que además no hubo acuerdo prenupcial pese a las 6 bodas que suman entre ambos.
Bennifer se conocieron en 2002 durante el rodaje de la película ‘Gigli’, se comprometieron en 2003, retrasaron la boda y finalmente rompieron en 2004 debido a la presión mediática. En agosto de 2022 se casaron finalmente tras casi 20 años separados, y ahora se han divorciado. Veremos si ahora ese reciente disco-película envuelto en imaginería de boda llamado ‘This Is Me… Now‘ se resignifica, o termina de hundirse en el olvido. La pareja no ha emitido un comunicado al respecto, como por ejemplo sí hicieron Chris Martin y Gwyneth Paltrow.
Sitúemonos. Vamos por el Acto II de una trilogía de Beyoncé, es decir, aún falta por conocer la tercera parte de una serie de discos iniciada en 2022 con ‘Renaissance’ y continuada este año con ‘Cowboy Carter’. El primero era house, el segundo, country. El tercero, nadie lo sabe.
Algo que une también a estos dos álbumes de Beyoncé es una inaudita falta de promoción. La artista conocida por sus espectaculares trabajos conceptuales audiovisuales (‘Beyoncé’, ‘Lemonade’) ha dejado de entregar siquiera vídeos al uso. En bares queer donde se pinchan videoclips, se ha tenido que optar a la desesperada por proyectar montajes cutres de ‘Break My Soul’ y ‘Texas Hold’Em’ porque nunca hubo vídeos oficiales. ¿Pasa la artista de gastarse el dinero en una plataforma en horas bajas como Youtube, o esconde un as en la manga y algún día habrá una película también para estos trabajos o al menos parte de ellos?
De momento, lo único que sabemos es que ‘Cowboy Carter’ es un disco abandonado, sin ni siquiera gira a la vista. De manera extraña, ’Texas Hold’Em’ ha sido el mayor éxito de Beyoncé en mucho tiempo, y continúa siendo su tema más oído varios meses después de su edición. Pero ni tal single ha llevado a la gente al disco, ni ella ha hecho promoción propiamente dicha del mismo para lograrlo. Ni una aparición televisiva, ni un descuento, ni un «bundle» con trampa, ni una firmita, ni edición extra. Nada.
En realidad, lo mismo sucedió con ‘Renaissance’. La diferencia es que su segundo single ‘CUFF IT’ funcionó por sí solo en TikTok, se viralizó sin que Beyoncé moviera un solo dedo y alargó la vida del álbum. Este año, la recepción del dúo con Miley Cyrus ‘II Most Wanted’ fue tibia porque la canción no era de lo mejor de ‘Cowboy Carter’. Entonces, habría cabido esperar que pasara algo con algunas de las gemas ocultas en el álbum, como ‘BODYGUARD’ o ‘YA YA’, o incluso con alguna de las colaboraciones, de Post Malone a Dolly Parton.
No ha pasado nada de eso. Como resultado, si ‘Renaissance’ pasó, por ejemplo, 72 semanas en el top 100 británico, el nuevo álbum ha resistido solo 14 semanas. En Estados Unidos resiste en el número 79 en su 19ª semana, estable. Pero los 1,4 millones despachados en todo el mundo según las estimaciones de Mediatraffic suponen que ‘Cowboy Carter’ va a ser el disco menos vendido de toda la carrera de Beyoncé. Una pena teniendo en cuenta todas las grandes ideas que hay -perdón, que había- en él.
Si nadie espera que Beyoncé retome la promo de este imprescindible disco-enciclopedia, la cantante sorprende -o no- involucrándose en la creación y promoción de un whisky. Se llama SirDavis, lo ha ideado en colaboración con Moët Hennessy y según Forbes, se ha inspirado en su bisabuelo, que era productor de licor ilegal. El mundo del pop tiembla ante la idea de que le pueda ir tan bien como a Rihanna en el mundo de la cosmética.
El taquillazo de ‘Deadpool y Lobezno’, ya por encima de los 1.000 millones de dólares recaudados, cuando costó solo 200, ha dejado un claro vencedor en lo musical. ‘Bye Bye Bye’ de *NSYNC, que aparece en los créditos iniciales de la película, se ha viralizado en TikTok. El grupo incluso ha modificado el título de esta canción originalmente editada en los 2000, añadiendo el nombre del film, y lleva 3 semanas entre las 20 más escuchadas de Spotify a nivel global.
Tras haber sido top 3 y top 4 en el año 2000 en Reino Unido y Estados Unidos, ahora ha reentrado a los puestos 12 y 45 en estos países. También ‘Iris’ de Goo Goo Dolls ha tenido una aceptación espectacular, que ya venía de antes (el tema tiene casi 2.000 millones de streams que desde luego no proceden solo del último mes).
Y en los últimos días, ‘Like a Prayer’ de Madonna también ha hecho su incursión en listas, a pesar de que el tema no aparece en la banda sonora oficial, seguramente porque es muy difícil de licenciar. Madonna solo consintió su uso con una visita personal a su casa por parte del director de la película y los actores protagonistas, en la que le explicaron la escena y ella sugirió cambios, que fueron aceptados.
Por primera vez desde 1989, cuando se editó y fue número 1 durante 3 semanas, ‘Like a Prayer’ vuelve al top 40 oficial británico. Lo hace en el puesto 27, con la ayuda de un EP recién editado por Marvel con las dos mezclas alternativas de ‘Like a Prayer’ que se utilizan en ‘Deadpool y Lobezno’. Una es un edit de Madonna con el autor de la banda sonora de la película, Rob Simonsen, y la otra es una interpretación en clave de góspel de la composición por parte de un coro creado ad hoc llamado ‘I’ll Take You There Choir’.
Gracias a las ventas del EP, el tema sube en la lista británica y entra en el puesto 45 en Irlanda. También ha llegado al número 140 en el Top Global Oficial de Billboard. El tema nunca ha aparecido en el top 200 global de Spotify, en parte porque sus streams se dividen en varias versiones de discos de estudio, remezclas, directos y recopilatorios. Además, parece haber funcionado mejor en Apple Music, iTunes y Youtube, que en Spotify.
En los últimos días, alguien ha aunado en Spotify las dos versiones más importantes de ‘Like a Prayer’ (Álbum Original y recopilatorio ‘Celebration’), lo que da cierta esperanza de que Warner arregle algún día el desaguisado general de la artista en las plataformas de streaming. 3 años después de las anunciadas reediciones de todo el catálogo de Madonna, sigue sin haber noticias al respecto, quizá por el retraso de su biopic, quizá por su dedicación a un tour mundial.
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