Amazon Prime Video anunciaba esta mañana todos los nuevos detalles de Operación Triunfo 2023, el programa que presentará Chenoa. Aunque aún no se ha desvelado la fecha de emisión, sí se han adelantado algunas informaciones acerca de la dinámica que tendrá el reality.
Esta primera temporada durará 14 semanas en las que habrá cambios sustanciales. Las galas pasarán a durar 90 minutos, un intento de evitar las emisiones excesivamente extensas de las últimas ediciones. No desaparecerá la post-gala, pero tampoco se mantiene como antes. El canal 24 horas en YouTube se mantiene como punto fuerte del formato, allí se seguirá el día a día de los concursantes de la misma forma. Pero Prime Video incluye un contenido más novedoso aún: un magacín diario. Tendrá un presentador diferente y colaboradores que siguen siendo un misterio. Podría decirse que será un repaso diario de lo que ocurra en la Academia.
Los responsables del programa han asumido que los fans de OT son muy poco transigentes en cuanto a los cambios o novedades, así que han decidido mantener a cuatro de los profesores más conocidos. Se verán caras nuevas, pero Noemí Galera seguirá siendo la directora de la Academia, Manu Guix el director musical, Mamen Márquez vocal coach y Vicky Gómez coreógrafa.
La Academia, nueva también, seguirá manteniendo una de las cosas que hace que el formato tenga éxito, el encierro de los concursantes. Incluso Chenoa ha reconocido en la rueda de prensa el valor de esto: «Cuando estaba en la Academia, el hecho de no enterarme de nada me hacía focalizar». Aun así, parece que la dirección tendrá en cuenta lo que puede hacer ese aislamiento un poco más llevadero.
El Festival Tomavistas ya ha desvelado el horario de su cartel para los tres días. Tendrá lugar del 22 al 24 de junio en el parque Enrique Tierno Galván, en Madrid. Aunque ya desvelaban su cartel por días hace algo más de dos meses, hoy presentan los horarios.
El jueves 22 actúan Ginebras, La La Love You, Carlangas, Niña Polaca, Menta y BRAVA. Shego coincidirá con Queralt Lahoz a las 18.30h y Depresión Sonora con Judeline a las 20.15h.
El segundo día, el viernes 23, coinciden a la misma hora Perro y Pip Blom, y Mujeres y Playback Maracas. También se podrá ver ese día a artistas como La Casa Azul, The Vaccines, Triángulo de Amor Bizarro, Parquesvr, Playback Maracas, Mujeres, La Femme y Gazzi.
Por último, el sábado 24 cerrarán el festival Dani, La Bien Querida, La Paloma, Allah-Las, Cala Vento, Sidonie, La Élite, Ladytron y Metronomy. Aun así, coincidirán Blanco Palamera y Margarita Quebrada, y Los Punsetes con HOFE X 4:40. Los últimos abonos están disponibles en la web de Tomavistas.
Así adelantaba la artista su próximo sencillo, ‘LAS BABYS’. Todo apunta a que se trata de una canción que formará parte de su nuevo álbum, que podría llamarse ‘alpha’, al que también pertenece el single ‘Los Ángeles’.
En el adelanto, que aún no tiene fecha, Aitana ha dejado ver que en su nuevo tema sampleará el clásico del eurodance ‘Saturday Night’ de Whigfield. «Quiero bailar perreando toda la noche con las babys / Quiero brindar por un amor que nunca fue, fuck you baby». En lo que parece que será el estribillo, la artista mantiene el formato de la canción original, añadiendo el toque personal.
La artista no se cansa de publicar en las redes sociales que este nuevo trabajo pertenece a su nueva «alpha era», una era en la que ritmos house y la electrónica estarán muy presentes. Se muestra con una faceta que hasta ahora no había mostrado, muy alejada del pop más tradicional.
En su cuenta de TikTok, Aitana ha revelado otro fragmento de ‘LAS BABYS’ en el que queda claro que en esta nueva era las amigas son pilar fundamental. «Por la niña buena, por la niña mala / Y por esa amiga que vuelve hermana». Augura un tema para celebrar la amistad con esas ‘babys’ con las que salir a divertirte no tiene dificultades.
En una de las mejores canciones de ‘My Soft Machine’, el nuevo disco de Arlo Parks, la británica canta como un mantra una frase que, por su sencillez, llega hondo: “es más fácil no sentir nada, qué difícil es confiar en alguien”. En ‘I’m Sorry’, Arlo vuelve a abordar el tema de la salud mental desde una perspectiva personal y universal, y consigue reconfortarnos como tantas de sus canciones logran.
La propia Arlo ha necesitado confort: en 2021 canceló su gira por sentirse exhausta y “rota” y, aunque con su primer disco ganó el Mercury Prize, aún las ansiedades con las que convive llaman a su puerta. En ‘My Soft Machine’ las vuelca en unas canciones que parten del sonido del debut para llevarlo ligeramente adelante, en otro de esos discos que son continuistas pero solo porque desarrollan lo anterior añadiendo pequeñas novedades.
El sonido de Arlo Parks, ese pop relajado que hace uso de baterías ligeras de hip-hop y guitarras eléctricas a lo bedroom-pop, sigue presente en ‘My Soft Machine’, por ejemplo, en el estupendo single ‘Impurities’ o en el mencionado ‘I’m Sorry’. Los ecos al trip-hop blandito de Dido (voluntarios o no) se hacen notar en otros dos singles, ‘Weightless’ y ‘Pegasus’. Sin embargo, Arlo también arriesga, por ejemplo, dotando ‘Devotion’ de unas guitarras inspiradas en el grunge, y, en ‘Blades’, entregando su canción bailable. Ambas apuestas le salen bien.
Compuesto en los momentos libres que le permitió la gira de ‘Collapsed in Sunbeams’, y producido con Paul Epworth, ’My Soft Machine’ habla de las típicas experiencias de una veinteañera que empieza a reconocer las dificultades de la vida adulta. En la intro recitada de ‘Bruiseless’, Arlo canta que “ojalá volviera a tener siete años” y que “ojalá mis ojos aún fueran amplios”, en referencia a esa infancia que aún no ha perdido la inocencia, a la que todo asombra. Es un momento especialmente poético. Y en ‘Weightless’ lidia con haberse dado cuenta de que la persona a la que ama solo le da “migajas” emocionales.
Evidentemente el amor es uno de los protagonistas de ‘My Soft Machine’, que recibe su título de una frase de la película de 2019 ‘The Souvenir’. La dependencia emocional inspira una de las mejores canciones, ‘Pegasus’, en la que participa Phoebe Bridgers, y Arlo dedica varios temas a las inseguridades que emergen en su cabeza cuando se encuentra en una relación. Por su parte, ‘Impurities’ celebra que “irradio cuando tú abrazas todas mis inseguridades”, y ‘Devotion’ afronta el amor de esa otra persona con una dosis de incredulidad: “¿por qué te creo cuando me dices que soy buena?”
Y es que a veces a Arlo Parks le asuela la “culpa” por no poder ayudar a esas personas de su círculo que lo están pasando realmente mal, en concreto, con el abuso de sustancias. Nos lo cuenta en ‘Bruiseless’. Sin embargo, en sus nuevas canciones, Arlo demuestra que poco a poco va siendo capaz de salir del fango y de aceptarse a sí misma, en todas sus dimensiones. Quizá, por eso, ‘My Soft Machine’ es un disco especialmente colaborativo: además de Epworth y de Bridgers, también están por aquí Ariel Rechtshaid, Romil de Brockhampton y hasta David Longstreth de Dirty Projectors. Él toca la guitarra precisamente en ‘I’m Sorry’, llenando la canción de una luz que en realidad ilumina, tenuemente, todo el disco.
‘Hamburguesa’ es el último single de Madbel, una artista emergente que basa su sonido en tres pilares: lo urbano, la música electrónica y el indie-pop. ‘Tarara’ es el nombre de su álbum que verá la luz en los próximos meses. Con tan solo tres canciones publicadas, su estilo recuerda al de El Columpio Asesino. Esa mezcla del rock y la electrónica, con la presencia del sintetizador están en ‘Hamburguesa’, nuestra Canción del Día hoy. La reciente separación del grupo hace pensar que quizá Madbel pueda subsanar esta pérdida para una nueva o una vieja generación. Sin querer suplir, tomando el testigo.
Sus letras son una vía de escapatoria para situaciones cotidianas, especialmente situaciones en las que las mujeres se encuentran de forma habitual. En ‘Hamburguesa’ la artista reivindica el derecho a comerse una hamburguesa cuando tienes el día torcido, literalmente. A veces una chica necesita mandar callar a toda la gente que siempre tiene un consejo para todo aunque nadie se lo haya pedido. Siempre hay gente que está peor y mejor que tú, pero quejarse de lo propio es sano. “Aunque mi vida tenga mil defectos todos tenemos un ‘momento hamburguesa’ que nos hace conectar con esos pequeños placeres de la vida que hacen que todo lo demás sea más llevadero” explica Madbel. Se refleja en el tema: la sátira va del brazo de esa pequeña libertad que es silenciar el mundo de vez en cuando.
‘Tarara’ es la canción que da nombre al disco y que usa la mítica canción infantil para componer el estribillo. Busca ser cercana pero con un carácter novedoso. Adaptada al contexto pero con notas inocentes. Lo que está claro es que el sonido tecno estará presente a lo largo de todo su trabajo. En el sencillo ‘Maribitch’ Madbel se desprende de lo ingenuo pero sin soltarle la mano a la feminidad. Su tono de voz es menos melódico, más hablado. Suena a reivindicación, como el resto de sus temas. Que lo mantenga, o no, es algo que veremos en su próximo álbum.
El Primavera Sound no empieza el jueves. Ni siquiera el miércoles en la fiesta inaugural. Desde hace bastantes años, el Primavera Sound comienza el lunes con el Primavera a la Ciutat: una serie de conciertos en los que toca parte del grueso del cartel y que se celebran en los días previos y el domingo siguiente al festival. El formato ha ido mutando a lo largo de los años: de conciertos gratuitos abiertos a todo el público (mitiquísimo el de Richard Hawley en Arc de Triomf en silla de ruedas en 2016) a conciertos en salas solo para poseedores del abono: en 2019 pudimos ver a Cate Le Bon o Deerhunter de lujo en el Apolo.
En esta edición se ha recuperado este formato del 2019: conciertos el lunes, martes, miércoles y el domingo, a los que los poseedores del abono pueden entrar haciendo una reserva en Access Tickets de 10 euros (que se retorna) y los no “abonados” pagando una entrada de 16,50 euros a través de la app de Dice.
El cartel de Barcelona se reparte entre las dos salas del Apolo y del Razzmatazz y está bastante bien: Black Country, New Road, Black Midi, Arab Strap, Maggie Rogers, The Comet Is Coming, Melody’s Echo Chamber y, claro está, Pet Shop Boys, entre otros. Pero en Madrid será aún mejor. El número de salas es mayor: hasta ¡once!, del Teatro Eslava a la Riviera, Clamores, Independance… Y, a mayor número de salas, mayor número de artistas. Aparte de los antes nombrados, el plantel madrileño (y que, agh, no veremos en sala en Barcelona) quita el hipo: The War on Drugs, St Vincent, Julia Holter, Karate, Nation of Language, The Delgados… Una oportunidad única para degustar delicatessen en un ambiente perfecto… y para quitarse solapes durante el festival. Los conciertos de Madrid se celebrarán del lunes 5 de al miércoles 7 de junio y el domingo 11. Más información sobre horarios y salas aquí.
Sharon Lopez
Este lunes, pues, ya empezamos a zambullirnos en el ambiente festivalero. En el Apolo resonaban los ritmos marciales de los bielorrusos Molchat Doma, en la sala grande del Razz el post-post rock de black midi. Pero mi corazoncito era para Arab Strap, en la sala 2 de Razzmatazz. Antes, tocaron los jovencísimos The Goa Express. El grupo se formó cuando perdieron el último bus a su pueblo tras un concierto de The Brian Jonestown Massacre (¡no siempre es malo estar esperando el Nit Bus!). Menos abrasivos que los americanos, los Goa suenan muy bien, tocan mejor, son enérgicos y su pop-rock con bastante de jangle no puede ser más vitalista, aunque a la ecuación solo le falle tener unos temas con más gancho. Aun así, el cantante jugando con su gorra y el guitarrista que buscaba afanosamente latas de cerveza no pudieron resultar más simpáticos.
Para Arab Strap ya hay una buena entrada en el Razz 2, pero nada de agobios. Al dúo no se le caen los anillos teniendo que salir a montar ellos su escenario. Mi acompañante hace hincapié en el buen aspecto que luce Aidan Moffat. Su presencia, imponente de cintura para arriba, se relaja en unas bermudas vaqueras de cintura para abajo. Cuando arranca el set, unos golpes marciales resuenan en el escenario. Han venido en formato banda. Malcolm Middleton se queda en segundo plano, inamovible en su rincón. Aidan se hace de rogar, hasta que aparece desafiante con el pie de micro. Él lleva todo el peso del show, salmodiando con el pie de micro a cuestas, al que pasea por todo el escenario. Nos regalan para empezar la asfixiante ‘The Turning of Our Bones’, con la que abren su estupendo ‘As Days Get Dark’, disco que va a ser el grueso de la actuación.
Así transcurre el concierto: bajos gordos, tormentas sónicas, Aidan mandando, ora dándole a la batería eléctrica, ora desapareciendo del escenario entre flashes de luz… Se ha traído una colección de botellines de sidra y un abridor. Los botellines van cayendo, uno tras otro, mientras él ejerce de rápsoda entre el silencio en ‘Compersion pt 1’, o la intensidad y la concentración de ‘Keybabilon’… Alguien pide ‘Cherubs’ de ‘Elephant Shoe’ (yo lo hago mentalmente), pero no hay suerte. Sin embargo, sí que cierran con clásicos como ‘Girls of Summer’ y ‘The First Big Weekend’. Nada menos que 90 minutos de fango, pero inusitadamente luminoso.
Ya este martes, era el momento de vera a Melody’s Echo Chamber. Un colega me dijo que ella era “esquiva” y que tampoco se dejaba ver mucho en directo. Que había que aprovechar su visita al Apolo, vamos. Mucha gente debía pensar lo mismo. Si la sala estaba a la mitad con los norteamericanos Zopa, para cuando le llegó el turno a Melody Prochet, el aforo estaba hasta los topes. Melody conduce una banda efectivísima, que le da un empaque muy físico a su psicodelia onírica. Tras su teclado, Melody baila, canta, se sumerge en la música y se deja llevar, a ratos parece casi en éxtasis. Y lo hace todo tan bonito, que nosotros también nos dejamos llevar. La única pega es que hay un exceso de canciones de su primer disco, el homónimo ‘Melody’s Echo Chamber’. Lo compensa convirtiendo en pieza mayor, ya hacia el final del set, la preciosa ‘Shirim’ de ‘Bon Voyage’. Por otra línea, me informan de que el concierto de Black Country, New Road en Razzmatazz ha sido “histórico”, a pesar de no contar con Isaac Wood. Bien, histórico quizás no, pero el show de Melody’s Echo Chamber ha sido precioso y hechicero.
Buck Meek, guitarrista de Big Thief, ha publicado dos discos en solitario, ‘Buck Meek’ (2018) y ‘Two Saviors’ (2021), y este año publicará el tercero. ‘Haunted Mountain’ sale el 25 de agosto, un disco «sobre el amor» pero también sobre «algo más, más grande que el amor, algo que no desafía al amor sino que actúa como su contraste».
Meek cree que «a veces parece que todas las canciones de amor ya han sido escritas», pero Meek intenta su propia gran canción de amor en ‘Haunted Mountain’, la pieza que avanza su nuevo disco y que además le da título.
Haciendo uso de las típicas metáforas naturalistas en el trabajo de Big Thief, ‘Haunted Mountain’ habla de un amor que ha salvado a Meek de la oscuridad. Antes él era una persona que «divagaba», solitaria, por las «llanuras verdes». Ahora ha llegado a la «montaña encantada», donde una «nube de oro» le envuelve; una montaña de la que ya no se quiere ir.
Alegre y feliz, ‘Haunted Mountain’ recuerda a las canciones más luminosas de Big Thief, pero la influencia del country es evidente, en sonido y también en letra, pues la narrativa letra de ‘Haunted Mountain’ -co-escrita con Jolie Holland- trae ecos a las grandes historias de Glen Campbell o Dolly Parton.
Julieta es una de las revelaciones del pop catalán. Ganadora de dos premios Enderrock, sus canciones no renuncian a los beats del reggaetón ni del house de los 90, como tampoco a mezclar castellano y catalán, y con dos proyectos publicados, su gira ‘Alguna Nit’ acaba de estrenarse en la sala Paral·lel 62 de Barcelona con todas las entradas agotadas.
‘Nayades’, el primer single de Julieta, vio la luz a principios de 2021. Desde entonces sus sencillos han abandonando los arreglos de piano casi bucólicos de aquel tema por ritmos urbanos: ‘Cari’ es uno de sus hits más populares y carismáticos, influido por los 90, ‘En mi coche’ podría ser una versión de Aitana pero no, y su disco ‘Ni llum ni lluna’ esconde otras pistas destacadas como ‘Secret’, en la línea del reggaetón melancólico que hoy copa las listas de éxitos.
Vocalmente, Julieta usa un registro bonito y susurrado, similar al de las cantantes francófonas de los 60, de France Gall a Angèle pasando por Alizée. La propia Julieta parece ser consciente de esto, pues en ‘Nayades’ canta frases en francés.
Con la producción de LOWLIGHT, que han trabajado con Yung Beef o Bad Gyal, en varios de sus temas, Julieta va poco a poco dándose a conocer, y su nuevo single contribuirá a su popularidad. El reggaetón onírico de ‘T’enxules’, la Canción Del Día de hoy, es parecido al de ‘Zahara’ de Judeline y cuenta con no pocos ganchos, como ese «wooh!» saltarín que anima cada estribillo.
Julieta reconoce que sus instrumentos son «el ordenador y la voz», lo cual es evidente en su música, pues tampoco renuncia Julieta al efecto del autotune, por ejemplo en la misma ‘T’enxules’. Otra de esas artistas totalmente de nuestro tiempo que, ojo, ya cuenta entre sus seguidores de Instagram a Belén Aguilera o a otra nueva estrella del pop catalán, Triquell.
El festival Radio 1’s Big Weekend que organiza la BBC cada año desde 2005 ha tenido lugar este fin de semana en Dundee, Escocia. Entre los artistas programados, Royal Blood han actuado después de Niall Horan y antes de Lewis Capaldi y parece que ha topado con un público poco receptivo a su propuesta. Tanto que a Mike Kerr, cantante de Royal Blood, la indiferencia del público le ha sacado de quicio.
En un momento capturado en vídeo, Kerr se dirige a la audiencia sarcásticamente, con palabras en las que deja clara su antipatía: «Supongo que nos tenemos que presentar visto que nadie sabe quiénes somos. Nos llamamos Royal Blood, y esto es… ¿música rock? ¿A alguien le gusta el rock? A nueve personas, brillante. Este es Ben Thatcher y toca la batería. Todo el mundo, saludad a Ben. Nos tenemos que aplaudir a nosotros mismos porque esto está siendo patético. Bien hecho, Ben».
A continuación, Kerr se dirige a una persona fuera de cámara: «¿Nos aplaudes? Estás ocupado, pero hasta él está aplaudiendo, ¿qué dice eso de vosotros?» Con 7 canciones tocadas, Royal Blood tocan una última nota desafinada y el grupo abandona el escenario, no sin antes Kerr dedicarle al público sendas peinetas.
Royal Blood es uno de los grupos de rock más populares de Reino Unido, a pesar de que sacan disco cada cuatro años. Algo que no sucederá con ‘Back to the Water Below’, su nuevo trabajo, que sale en septiembre, dos años después de ‘Typhoon‘.
El primer single de ‘Back to the Water Below’, el «tifón» rock de ‘Mountains at Midnight’, se puede escuchar desde hace unos días.
Royal Blood making their feelings known about the crowd at BBC Radio 1’s Big Weekend yesterday 😂
¿Ha filtrado Rosalía su nuevo single en TikTok? En las últimas horas, ‘Tuya’, el tema que publica Rosalía próximamente, ha estado disponible para escuchar entero en la plataforma, en sus 2:37 minutos de duración, desde la cuenta oficial de la artista. Rosalía ha avanzado un fragmento de ‘Tuya’ en un vídeo de TikTok, por lo que la filtración vendría de ahí.
‘Tuya’ vuelve a apoyarse en un beat de reggaetón, al que Rosalía ahora agrega palmas de ecos flamencos. El elemento característico de la producción de ‘Tuya’ es el uso de un instrumento de sonido oriental, aparentemente el koto japonés, lo cual tiene sentido porque Rosalía acaba de visitar Japón, uno de sus países favoritos.
En cuanto a la letra, ‘Tuya’ habla de «dos loquitos» que están perdidamente enamorados, y que no pueden ser otros que Rosalía y Rauw Alejandro. Parece que su EP conjunto ya ha dado todo lo que tenía que dar, a menos que el vídeo de ‘Promesa’ esté en la línea de salida.
Hablando de Rosalía y Rauw, la pareja acaba de protagonizar un cuestionario para la revista GQ en la que responden preguntas personales o sobre su relación. Además, se ha subido de manera oficial a Youtube el vídeo de la actuación de ‘BESO’ en Puerto Rico.
Error o no, el caso es que las filtraciones ya no afectan tanto a las campañas de los artistas como antes, pues la gente ya ni se acuerda de lo que supone buscar un link de descarga. A Kylie Minogue la filtración de ‘Padam Padam’ no parece haberle pasado factura, y a Harry Styles la filtración de su disco tampoco.
‘Acróstico’, la balada de Shakira junto a sus hijos se posiciona como número 1 de Singles en España frente a ‘WHERE SHE GOES’, de Bad Bunny. El tema de Shakira entró la semana pasada en las listas y, finalmente, se coloca en primera posición. Gana así la competición prevista entre ambos artistas que, además, mantienen otros temas en el ranking.
Aunque no consigue el número 1, la entrada de Bad Bunny con ‘WHERE SHE GOES’ se sitúa en el segundo puesto. Era predecible después de la acogida que tuvo el mismo día de su estreno. Aun así, el cantante mantiene en el Top 50 las canciones de ‘Coco Chanel’, junto a Eladio Carrión, en el puesto 21; ‘un X100to’, en el puesto 26, colaboración con Grupo Frontera y ‘La Jumpa’ con Arcángel, que se coloca en el número 44.
Entra en la lista Omar Montes junto a Saiko con ‘Arena y Sal’, directos al puesto número 20. También Nicky Jam en su colaboración con Feid llamada ’69’, en el número 28. Habrá que esperar al 9 de junio para escuchar el remix de ‘Polaris’ tema de Saiko en el que colaborará junto a Feid y que, probablemente, se encuentre en las listas de éxito nacionales una vez lo estrenen.
Argentina está de nuevo presente en el Top 100 de singles en nuestro país de la mano de dos duplas. Nicki Nicole junto a Milo J en ‘Dispara ***’ se sitúa en el número 68. Tiago PZK y Tini lo hacen en el puesto 77, con ‘Me enteré’.
Escuchar a Cruz Cafuné es un seguro de que ese día aprenderás algo nuevo. No son saberes rebuscados o muy técnicos, es conocimiento popular. Pero él lo aúna en sus letras llenas de referencias, una tras otra. Tienes que ser conocedor de la cultura rapera, de moda o del deporte. Y, por supuesto, saber cómo referirte a la marihuana con más de siete frases o palabras diferentes. ‘4 PREZ’, single que forma parte de su último y extenso álbum, sorprende con su producción, no muy común en el ecosistema del rap actual. Reúne las características para ser nuestra canción del día.
‘Me Muevo Con Dios’ es el último trabajo del artista. Son un total de veintitrés canciones que mezcla colaboraciones de muy alto nivel y las letras instructivas de Cruzzi. Westside Gunn, Quevedo, La Pantera, Hoke, LaBlackie, Boj o Miky Woodz son algunos de los que se han subido a los temas del rapero.
En este álbum no falta seriedad. Cruz Cafuné muestra en sus versos los remordimientos que puede producir alejarse de casa y de la familia por cumplir un sueño, por cumplir con su trabajo. La fama y el placer personal a veces no van de la mano y él siempre pone a Tenerife, su isla, como el faro que ilumina el camino de vuelta.
‘4 PREZ’ no es un tema sensible, pero aun así no faltan la referencia a su hogar, ese vínculo que siempre está presente en sus canciones. «Excursiones en jetski a calas solos tú y yo / Abama, solos tú y yo». Letras sencillas y muy costumbristas, pero la referencia a su isla siempre. Abama es un hotel de lujo en la costa de Tenerife.
No son rimas ni ritmos complicados, pero sí variados. La base se acerca al house de los años 90 y a un R&B adaptado al oído actual. La diferencia está en dos cosas. La base, que se presta para letras rapeadas o cantadas, se adapta al mood del rapero. Pero el sello de identidad está en las palabras, en el relato. No es nada nuevo, pero sí personal. Orgullo canario y amor por lo que no está al alcance de todo el mundo. Y no solo hablando de lo material.
El proyecto de Alberto García Roca es uno de los más particulares de la escena. No sé si decir «nuestra escena» porque en verdad, él mismo se presenta como un migrante procedente de un «pueblo del sur de España», que lo ha tenido que cambiar por Londres por «falta de oportunidades». Autodidacta y apasionado de la música, ha decidido imaginar cómo sonaría su grupo favorito del mundo y crearlo porque «no existía». Para ello, empezó a hacer música, grabando con un «micrófono de un portátil cutre en Audacity».
Desde que empezó a trastear, no ha sido capaz de parar, creando canciones a diario y sacando a la luz ahora 12 de las más de 30 que grabó para esta gran carta de presentación. Antes, precedieron otros proyectos locos, como aquellas producciones de muy pocos segundos ideadas para TikTok.
La música que encontramos en ‘Kinda Happy Kinda Sad’ es tan atrevida como anticipa todo esto. Ya es difícil dilucidar si ‘uwu’ es una grabación de electrónica experimental transformada en country durante una décima de segundo. Si ‘Lemme Go’ está más influida por of Montreal o por Pizzicato Five. Si podría ser la banda sonora de una serie de acción de los 60, o de otra de dibujos animados.
Lo seguro es que con varios cambios de ritmo y de estilo incluso dentro de la misma pista, Alien Tango es un bálsamo para la tristeza y el desánimo. Las letras han sido creadas durante la pandemia y eso sugieren textos como el de ‘Día Gris’, que nos habla de «otro día despierto, pero inerte». La música sugiere todo lo contrario. «Kinda sad» podrían ser los sentimientos de que parte el disco inicialmente. «Kinda happy» la respuesta musical.
Se ve muy claramente en los arreglos revitalizantes tamaño Red Bull de ‘B.F.F.‘, un canto a la amistad con derecho a roce por el que se asoman durante unos instantes una armónica, percusiones excepcionales, efectos especiales, pero sobre todo unos grandes arreglos de cuerda sintetizados estilo Northern Soul, que también resaltan la en principio acústica ‘Pulpo Frito’. Canción esta que nos promete frente al peor año de nuestra vida, que «lo bueno está solo por llegar».
Junto a ‘Song for FIFA‘ y esa ‘1000 Years‘ que se ha dejado para el final, son los grandes momentos de un álbum al mismo tiempo variado y lleno de sorpresas, pero coherente a la vez. ‘Kinda Happy, Kinda Sad’ lo mismo incluye una sección de vientos que otra electrónica a lo Daft Punk. ‘Memories Are Better than the Real Thing’ mezcla folk con country y solos de guitarra más bien metaleros. ‘Fish & Chips’ y ‘Sleep Paralysis’ se adentran en territorios más esquivos. El artista termina su disco hablando de los «1000 caminos» posibles en la vida, abordados musicalmente de «1000 maneras diferentes», pero siempre sin que dejes de tener la impresión de estar escuchando un disco de Alien Tango.
Si hay alguna certeza en la temporada de festivales es que el cartel del Primavera Sound siempre alberga varios de los nombres más importantes del año musical. Esta edición del festival barcelonés, que se celebra por primera vez en Madrid también, no es una excepción: Kendrick Lamar, Rosalía, Blur, New Order, Halsey… entre tantos otros artistas consagrados.
Con un despliegue tan grande de nombres, no siempre es fácil prestar atención a los artistas emergentes, pero merece la pena detenerse en ellos y descubrir pequeñas joyas perdidas en la inmensidad del ruido mediático. A continuación, 10 artistas jóvenes que darán que hablar y que podrán disfrutarse durante el festival.
Brutalismus 3000
Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner se conocieron en Tinder y de su relación surgió Brutalismus 3000, un proyecto techno que no tuvo dificultades para encontrar su público ni en plena pandemia. Tras varios EPs, la pareja lanzó recientemente su álbum debut, ‘ULTRAKUNST’. Mezclando hard house, hyperpop o punk y alternando tres idiomas (eslovaco, alemán e inglés), se han hecho un merecido hueco en la escena electrónica contemporánea. La rave del irreverente dúo berlinés promete ser un divertidísimo espectáculo para terminar la noche por todo lo alto.
Anish Kumar
Una de las voces emergentes más interesantes de la electrónica británica es Anish Kumar. Las creaciones del productor y DJ de origen indio seducen por su espíritu festivo y su consistente precisión para construir melodías inmediatas. De forma similar a Four Tet o Caribou, es tan capaz de hacer un rompepistas como de adentrarse de forma satisfactoria en territorios más ambient.
Flowerovlove
Joyce Cisse, más conocida por su pseudónimo flowerovlove, es una cantante londinense de 17 años. Su estilo se mueve entre el indie rock y el indie pop, con producciones agradables y veraniegas y cálidas interpretaciones vocales. BBC Radio 1 la nombró “Future Artist of the Month” convirtiéndola en un valor al alza del pop británico. Entre sus canciones más destacadas se encuentran ‘Malibu’, ‘Hannah Montana’ o la reciente ‘Love You’. El año pasado lanzó un EP titulado ‘A Mosh Pit in the Clouds’.
Bar italia
Uno de los grupos más prometedores del momento. La prolífica banda londinense Bar italia, con su mutante indie-rock lo-fi, acaba de sacar su tercer largo ‘Tracey Denim’, un trabajo que seguramente aparecerá en algunas listas de lo mejor del año ya que ha conquistado a cierto sector melómano por méritos propios. Es difícil no sentirse atrapado por su sonido influido por el rock de finales de los 80 / principios de los 90. Viene a la mente Yo La Tengo o Broadcast como posibles referencias.
Two Shell (¥///0 $#£[[ \/\/&$ #£>3)
Si buscas algo desenfadado y moderno, Two Shell es justo lo que necesitas. Su electrónica glitch y experimental ofrece melodías pegadizas y una energía positiva contagiosa. ‘Home’, su mejor canción hasta el momento, es una burbujeante producción UK Bass capaz de levantar a un muerto. El misterioso dúo, además, cuenta con múltiples EPs a sus espaldas, destacando ‘Icons’. En sus manos, la diversión está asegurada.
Salamanda
El dúo coreano Salamanda sorprende por su onírico ambient minimalista. Su música pertenece a un estado cercano a la vigilia, a ese no-lugar entre sueño y conciencia. Sus delicadas producciones van construyendo mundos fascinantes mediante progresivas repeticiones. Pese a que su música a menudo se adentra en territorios inquietantes, es su calidez lo que hace de ella una experiencia tan agradable y sugerente.
TWIN
El proyecto en solitario de la valenciana Ana López tras formar parte de la banda Her Little Donkey presenta un sonido renovado: un electropop etéreo con fuerte presencia del autotune que cuenta con canciones tan envolventes como ‘Benasque’. También se atreve a versionar la ya mítica ‘Blinding Lights’ de The Weeknd adaptándola al español en ‘Cegada por la luz’.
Antònim
Ton Llevot y Maxi Ruiz forman Antònim, un proyecto musical donde la electrónica y la naturaleza van mano a mano. Una dulce voz, baja en la mezcla, acompaña a sonidos sintéticos, delicadas percusiones, sutiles guitarras y tonalidades psicodélicas. ‘Llar Camí’ es el prometedor álbum debut del dúo catalán, un trabajo ecléctico y cohesionado que al escucharlo te transporta a una naturaleza calmada. Como dar un placentero paseo por el bosque.
Verraco
El productor colombiano JP López ofrece una explosivo despliegue de las posibilidades de la música electrónica. Desde la celestial ‘Our New Order’ al deconstructed club con ritmos reggaetoneros de ‘Ronalidnho hace la elástica’, pasando por un remix del ‘megapunk’ de Ella Minus, el show de Verraco será, sin duda, ecléctico e interesante. Ideal para perderse en sus texturas futuristas.
Alissic
Según su biografía de Spotify, la brasileña Alissic nació nueve meses después de que sus padres se encontraran un UFO. Su voluntad de resultar misteriosa también se traslada a su música, aunque esta es mucho más accesible de lo que podría parecer, llena de ganchos y melodías que funcionan de forma efectiva. Con una clara tendencia pop y cantando en inglés, su estilo en ocasiones recuerda a la primera Halsey. Aún pendiente por sacar un disco, Alissic podría perfectamente convertirse en una nueva sensación pop en los próximos años.
Quién iba a decir que una comedieta como ‘Cortocircuito’ (1986), dirigida por John Badham -autor de una de las películas más icónicas de los 70, ‘Fiebre del sábado noche’, y uno de los reyes del videoclub de los 80 con exitazos como ‘Juegos de guerra’, ‘Dos pájaros a tiro’ o la propia ‘Cortocircuito’- se iba a convertir en un referente estético para la representación cinematográfica de los robots cuquis y “adorables”.
El diseño de Johnny 5, obra del gran Syd Mead (creador de todo tipo de cachivaches futuristas para ‘Blade Runner’, ‘Aliens’ o ‘Tron’), fue fusilado por Pixar en ‘Wall-E’, copiado en versión cíclope en ‘La oveja Shaun: Granjaguedón’ (el robot Mugg-1N5) y recuperado ahora en formato roomba en el nuevo videoclip de Harry Styles.
El Curiosity –el Cortocircuito de la NASA- aparece en un televisor explorando Marte mientras se escucha la inconfundible voz de Brian “Logan Roy” Cox. Esta visión resulta una epifanía para la humilde aspiradora que se mueve por la sala de catering del concierto de Styles. Se queda con la boca abierta. A partir de esa revelación, la aspiradora robótica se escapa de allí como una esclava de un campo de algodón y emprende un largo viaje en busca de su sueño.
Influenciado conceptualmente por ‘Wall-E’, ‘Satellite’ sigue los códigos dramáticos de la fábula con mensaje motivador. Tras recorrer medio país, de gasolineras y callejones inmundos a bosques, montañas, Las Vegas o el Gran Cañón, el simpático robocito llega casi sin batería a su destino: el centro de ensamblajes de vehículos de la NASA, en Florida. De este modo, la aspiradora pasa de aspirar miguitas de una moqueta a inspirar sueños de grandeza planetarios.
El Partido Popular ha ganado las Elecciones Municipales de 2023 con el 31,50% de los votos, frente al 28,11% del Partido Socialista. Las elecciones han supuesto una debacle electoral tanto para Ciudadanos como para Podemos. Avanza el PP también en poder autonómico y podrá gobernar con VOX en Comunidad Valenciana, Cantabria, Baleares, Extremadura y Aragón. El PSOE solo retiene con mayoría absoluta Castilla La-Mancha, y podrá realizar pactos en Asturias y Navarra.
En un ambiente de euforia en Génova, dadas las sendas mayorías absolutas de Ayuso y Almeida, esta última muy poco esperada, Alberto Núñez Feijóo se asomó al balcón mientras sonaba una canción de Coldplay. Justo cuando el grupo acaba de actuar para 200.000 personas a lo largo de 4 días en el Estadí Olimpic de Barcelona.
La elección musical no pasó inadvertida para la prensa generalista ni para los tuiteros comentando las elecciones en las redes sociales. La canción elegida fue ‘Fix You’ y la parte pinchada la más épica, como se puede ver en el vídeo de El País.
Las elecciones musicales de Feijóo han sido noticia previamente durante esta campaña. Nada menos que Patti Smith y su himno revolucionario ‘People Have the Power’ fue el tema que abrió el Congreso del Partido Popular de abril de 2022 para coronar a Feijóo. Y el mismo tema sonó en un acto de campaña este mismo mes de mayo.
¿Qué opinará Patti Smith, gran seguidora de Lorca y de la cultura española en general, sobre el uso de este tema que hablaba de que «el pueblo tiene el poder para redimir la obra de los necios»? Os recordamos que podéis hablar sobre las elecciones en nuestro foro Política Superficial.
Kylie Minogue logra colocar su nuevo single en el top 40 británico. Un milagro ahora mismo para una canción electropop como ‘Padam Padam‘ y para una artista que acaba de cumplir 55 años justo este fin de semana. Pero lo mejor no es que este tema se haya situado en el puesto 26 con 14.649 copias vendidas durante su primera semana (4.600 descargas y 10.000 puntos de streaming). Lo mejor es que su éxito podría ser duradero a tenor de su comportamiento durante los últimos días.
Efectivamente, ‘Padam Padam’ es ya el mayor éxito de Kylie de la era streaming. ‘Dancing’ de su disco country quedaba en el puesto 38, y tanto ‘Magic’ como ‘Say Something’ rondaron los puestos 55. Esta vez ‘Padam Padam’ ya ha llegado más alto, quedando más cerca del top 12 logrado por ‘Into the Blue’ en el año 2014. Corrían entonces los tiempos de iTunes, no los de Spotify, y era más fácil para los artistas veteranos producir ventas significativas entre sus fans durante la primera semana.
Pero lo mejor es el crecimiento orgánico que la canción está consiguiendo, mejorando visiblemente los datos de sus primeros días. ‘Padam Padam’ entró al 104 en Spotify UK en su día de salida. Después, desapareció de la lista y al tercer día resucitó de entre los muertos. Este viernes lograba ascender al puesto 69 y este sábado ha bajado al puesto 80, pero aun así continúa más alto que la semana anterior. El tema ha sido aceptado en una playlist tan importante en las islas como Hot Hits UK, también en Good Vibes o Just Hits, y eso está siendo decisivo en su popularidad.
Ahora solo queda comprobar cómo se desarrolla el tema, si Radio 1 le da la oportunidad de pincharlo, y si algo de ese entusiasmo se contagia fuera de Irlanda y Australia, de momento únicos países apoyando algo ‘Padam Padam’.
Histórico de Kylie Minogue en Reino Unido (Singles UK)
1988 01 I Should Be So Lucky
1988 02 Got To Be Certain
1988 02 The Loco-Motion
1988 02 Je Ne Sais Pas Pourquoi
1988 01 Especially For You (Kylie Minogue & Jason Donovan)
1989 01 Hand On Your Heart
1989 02 Wouldn’t Change A Thing
1989 04 Never Too Late
1990 01 Tears On My Pillow
1990 02 Better The Devil You Know
1990 04 Step Back In Time
1991 06 What Do I Have To Do?
1991 06 Shocked
1991 16 Word Is Out
1991 04 If You Were With Me Now (Kylie Minogue & Keith Washington)
1991 49 Keep On Pumpin’ It (Visionmasters feat. Tony King & Kylie Minoque)
1992 02 Give Me Just A Little More Time
1992 11 Finer Feelings
1992 14 What Kind Of Fool (Heard All That Before)
1992 20 Celebration
1994 02 Confide In Me
1994 11 Put Yourself In My Place
1995 16 Where Is The Feeling?
1995 11 Where The Wild Roses Grow (Nick Cave & Kylie Minogue)
1997 22 Some Kind Of Bliss
1997 14 Did It Again
1998 14 Breathe
1998 63 GBI (Towa Tei feat. Kylie Minogue)
2000 01 Spinning Around
2000 02 On A Night Like This
2000 02 Kids (Robbie Williams & Kylie Minogue)
2000 10 Please Stay
2001 01 Can’t Get You Out Of My Head
2002 03 In Your Eyes
2002 02 Love At First Sight
2002 08 Come Into My World
2003 01 Slow
2004 05 Red Blooded Woman
2004 06 Chocolate
2004 02 I Believe In You
2005 06 Giving You Up
2007 04 2 Hearts
2007 31 Santa Baby
2007 05 Wow
2008 10 In My Arms
2008 36 The One
2010 03 All The Lovers
2010 12 Get Outta My Way
2010 32 Better Than Today
2011 08 Higher (Taio Cruz feat. Travie McCoy & Kylie Minogue)
2011 93 Put Your Hands Up (If You Feel Love)
2012 31 Timebomb
2013 96 Flower
2014 12 Into The Blue
2014 59 I Was Gonna Cancel
2014 60 Crystallize
2018 38 Dancing
2018 52 Stop Me From Falling
2020 56 Say Something
2020 53 Magic
2021 95 Real Groove (Kylie Minogue & Dua Lipa)
2023 26 Padam Padam
El desencuentro entre las expectativas de nuestro corazón y la realidad con que lidia nuestra cabeza es el tema principal del segundo disco de BAILEN, el grupo formado por los hermanos Daniel, David y Julia. Hablan estas canciones desde la intimidad de una hoguera, como sucede en el onírico, casi bucólico paisaje del tema titular, marcado como su debut por sus suaves armonías vocales.
Pero BAILEN también tienen un interés medido por el avant pop y muchas de sus composiciones, especialmente los singles, incorporan ritmos ligeramente electrónicos, casi bailables. Es el caso de ‘Nothing Left to Give’, un intento de supervivencia a través de los baches: sé que saldré de esta viva / así que no me impidas intentar disfrutar del camino». O de ‘Here We Are Again’, un tema que recuerda los días pasados de una pareja que ahora ya no tiene nada que decirse cuando se va a la cama.
Fleetwood Mac o Fleet Foxes parecen algunos de los referentes, si bien en este último momento, incluso se acercan al pop bien hecho de Harry Styles. Al fin y al cabo las manos a cargo de la producción y la mezcla son tan experimentadas como las de Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) y Lars Stalfors (Soccer Mommy, St. Vincent, Local Natives).
Son estas canciones, junto al bajo funk ‘Call It Like It Is’ la excepción que confirma la regla, pues en verdad en el segundo disco de BAILEN predominan las producciones delicadísimas como ‘These Bones’, otro canto a la esperanza sobre curarnos. Sobre todo en la segunda mitad del álbum, donde aparecen confesiones susurrantes como ‘Change Your Mind’, y una pieza sobre la enfermedad de la madre de los miembros del trío. ‘BRCA (Nothing Takes Me Down)’ habla exactamente del gen que Julia comparte con su madre, que sufrió un cáncer de mama.
En ese grupo de canciones, la más impactante es ‘Relic’, una de esas grabaciones en las que BAILEN deciden abrirse. Si ‘Leave Me Wanting More’ incluso había mencionado a un terapeuta, ‘Relic’ deja toda la congoja que se propone desde su sencillez. «No hay nada que pueda hacer para que vuelvas a quererme», plantea, mientras otros fragmentos del texto son más poéticos apelando a que «no hay ni bien ni mal / sólo cosas que hace la gente».
Como para evitar que el disco deje mal sabor de boca o demasiada balada, ‘Tired Hearts’ se cierra en un registro diferente. ‘Hiding’ comienza más influida por las baladas clásicas de R&B de los años 60, pero mutando en medio tiempo al final. Ahí podríamos hablar de soul pop, solo que con la gracia de que BAILEN no han dejado de sonar a sí mismos en ninguno de los detalles.
Antonio Gala ha fallecido en Córdoba tras una larga enfermedad. Así lo han informado el Patronato de la Fundación Antonio Gala y su familia a través de un comunicado. Tenía 92 años.
Dramaturgo, novelista, poeta y ensayista, Gala fue uno de los grandes de la literatura española de finales del siglo XX y principios del XXI. Entre sus novelas cumbre se encuentran ‘El manuscrito carmesí’ (1990) y ‘La pasión turca’ (1993) y, entre sus obras de teatro, destacaron ‘Los verdes campos del Edén’ (1977), ‘Anillos para una dama’ (1973) o ‘Cálculo de estructuras’ (1993). Gala fue además un reputado articulista y también escribió ensayos y relatos.
Pero la que Gala consideraba su «gran obra» no fue ninguna obra escrita: la Fundación Antonio Gala abrió en 2002 en Córdoba con el objetivo de apoyar a los jóvenes creadores. Gala vivía en la sede de su fundación, en el antiguo convento del Corpus Christi, y de hecho era cordobés de adopción, pues él nació en Brazatortas, Ciudad Real, pero se trasladó a Córdoba a los 9 años.
En 2011, a Gala le fue diagnosticado un cáncer de colon del que anunció su recuperación en 2015. Desde entonces sus apariciones públicas han sido muy excepcionales, y eso que Gala era un personaje conocido por varias generaciones gracias a sus continuadas intervenciones en televisión, como en el programa de Jesús Quintero, donde eran lapidarias sus reflexiones sobre la vida, la muerte o la mera existencia.
La imagen pública de Gala era indisociable a su dependencia del bastón: se dice que su colección ascendía a los 3.000 bastones. Él daba una visión diferente: «Yo no colecciono bastones: colecciono amigos que regalan bastones. Y en realidad no me apoyo al andar en los bastones: me apoyo en los amigos».
Primavera de 1992. MTV Europa empieza a programar el vídeo de una misteriosa cantante llamada Sophie B. Hawkins. En él -filmado en ese blanco y negro característicamente arty de los 90- la artista interpreta una canción en un espacioso loft a modo de local de ensayo, mientras se mueve sin parar, baila, se une a sus músicos, rueda por el suelo. Nada excesivamente original, pero se podía percibir algo en su forma de conducirse, en su lenguaje corporal, de espíritu insumiso, de estar al mando vital y musicalmente de toda la situación. Una impresión de libertad que iba en consonancia con la canción, con su ritmo medio tiempo tipo “baggy” y una letra llena de versos de amor y deseo dirigidos a una persona atrapada en una relación de abuso.
¿De dónde salía esta nueva artista, que debutaba con este single? La neoyorkina Sophie se había formado estudiando percusión africana en la Manhattan School of Music for Percussion, además de especializarse en jazz y tocar múltiples instrumentos. Su primera y corta experiencia en la industria musical vino a finales de los 80 de la mano de Bryan Ferry: fue contratada como percusionista para sus directos, hasta que sorpresivamente fue despedida. En vez de sumirse en una depresión, Sophie lo tomó como una señal de que quizá debía apuntar a objetivos más ambiciosos, y esa misma noche empezó a componer lo que acabaría siendo ‘Damn I Wish I Was Your Lover’.
Después de dos años trabajando demos y puliendo sus composiciones, el sello Columbia lanza en 1992 ‘Tongues and Tails’, su álbum de debut, con la canción en cuestión como estandarte. Tras un vídeo que se estima demasiado “atrevido”, se lanza el definitivo en blanco y negro, mientras las radios empiezan a programar con frecuencia el tema. Su comienzo con caja de ritmos y vaporosos pads de sintetizador es un gancho bastante irresistible, seguido de un precioso estribillo que llega -con oportuna prontitud- a los 30 segundos, redondeando el cebo. Al que a su vez le sigue un tercer gancho: la entrada de la segunda estrofa introduce un sample de la espectacular batería de ‘When the Levee Breaks’ de Led Zeppelin (un loop que en los 90 sería usado casi cada mes, por artistas como Björk, Enigma, Saint Etienne, Massive Attack o los Chemical Brothers), dando a la canción una pulsión totalmente excitante.
Sobre ese lienzo, Hawkins se movía musicalmente tan a sus anchas como en el vídeo: muchas estrofas, un puente largo y brillante, un reprise de la intro… en la era del CD ya no había prisa por acabar las canciones a los tres minutos y medio. En paralelo, la letra tiene suficiente recorrido para explorar con mucha miga esa llamada a soltar un relación tóxica (“Ese viejo perro te tiene totalmente encadenada / Te da todo lo que necesitas para que vivas en una jaula perversa / Y que duermas junto a una rabia vacía”) y -crucialmente- a revelar en la tercera estrofa que está cantándole a una mujer (“Me senté en la ladera con paz en mi mente / Yací junto al océano haciéndole el amor a ella”).
Ese verso con pronombre femenino no le había llamado la atención a nadie en particular hasta que durante una entrevista para el NYT el periodista Jon Pareles le soltó una pregunta tan “normal” en 1992 como inaceptable en el presente: “¿eres lesbiana?”. Sophie, una persona franca y natural, le respondió que era “ambisexual”. Ante la sorpresa de Pareles, explicó: “mi género no define mi sexualidad. Lo hace mi espíritu creativo. Una pareja masculina no me hace hetero, ni una pareja femenina me hace gay. Yo lo soy todo, omni es todo y uno». A pesar del enfado de Columbia Records (tan normal en 1992 como inaceptable en el presente), del que Sophie hablaba recientemente en una entrevista con el Huffington Post, el escándalo se quedó en nada. De hecho, la valentía de haber sido sincera le valdría salir reforzada y -como comenta en la entrevista- tener carta libre para empezar a hablar del espectro de género en las radios (en plenos primeros 90) y convertirse en defensora de los derechos LGBTQ+.
La carrera de Hawkins no sólo siguió adelante, sino que se libró de quedarse en una simple «one hit wonder». De hecho ‘Right Beside You’ y ‘As I Lay Me Down’ -singles de su segundo disco- se clasificarían aún mejor que el top 5 de ‘Damn I Wish I Was Your Lover’. Pero ninguna de ellas era tan carismática como ‘Damn…’, que quedará siempre como la canción que convirtió en mágicas aquellas semanas preveraniegas del 92, y la que definiría a Sophie B. Hawkins como un raro espíritu libre en la retorcida maquinaria de la industria musical.
Tras un tercer disco con Sony/Columbia de resultado más discreto, Sophie recorrió la siguiente década y media editando para sellos más pequeños, pero sin caer nunca en el olvido (memorable su aparición en la cuarta temporada de ‘Community’). Ahora, tras un hiato de una década, acaba de publicar un nuevo disco, ‘Free Myself’.
‘Damn I Wish I Was Your Lover’ suena en la entrega nº 413 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Taylor Swift ha lanzado una versión extendida de ‘Midnights’, la «Til’ Dawn Edition’, que incluye varias sorpresas, como la versión con «más Lana Del Rey» de ‘Snow on the Beach’ o la antes inédita ‘Hits Different’. La mayor curiosidad de todas puede ser el remix de ‘Karma’ con Ice Spice, pues una unión entre Taylor y Ice Spice probablemente no la habríamos adivinado.
Claro que, por otro lado, tiene todo el sentido del mundo: ‘Karma’ es el nuevo single de Taylor y Ice Spice la rapera de moda, influyente incluso en España. Puede que la colaboración suene algo forzada, pero también sonaba forzada la de PinkPantheress y ha sido macrohit.
‘Karma’, que ya era una de las mejores canciones del irregular ‘Midnights’, era otra producción semi alternativa de Jack Antonoff y Taylor, entre el synth-pop y el pop a secas, con un punto lo-fi-pero-no (el volumen de la base en comparación con el de la voz, la producción al fin y al cabo refinada, nada lo-fi en realidad) con créditos en la producción también de Sounwave, Keanu Beats y Jahaan Sweet.
Una de las canciones más inmediatamente «catchy» de ‘Midnights’, casi a la altura de ‘Anti-Hero‘ (no extraña que sea single oficial), ‘Karma’ es una canción de Taylor que iba a existir tarde o temprano, pues Taylor y el karma son viejas amigas. En ‘Bad Blood’ o sobre todo en ‘reputation‘, su tendencia vengativa se hacía notar. Y no es que a Taylor le falten razones: muchos creen que ‘Karma’ puede estar dedicada a Kanye West o sobre todo a Scooter Braun, pero lo mejor es que es lo suficientemente universal como para que pueda hablar de mil personas a la vez sin que los oyentes se sientan excluidos de la lectura. El «middle 8» -Taylor los construye con maestría- lo dice todo: «pregúntame qué he aprendido en todos estos años, pregúntame qué he ganado de todas esas lágrimas, pregúntame por qué tantos desaparecen y yo sigo aquí».
Antes, Taylor habla del karma como si fuera su mejor amiga, también su «novio», y promete a un enemigo que el karma le devolverá todos los males que ha hecho. Ella tiene la «conciencia tranquila» (qué bonita es la expresión inglesa «to keep your side of the street clean»), y su némesis está «aterrado de mirar hacia abajo» y descubrir todo lo que ha destruido. En el remix, Ice Spice le da el toque urbano a la canción: «karma is your chеck’s ‘boutta bounce / and she’s boutta pop up unnanounced».
El videoclip de ‘Karma’ es otro festín visual, como los de ‘Anti-Hero’, ‘Bejeweled’ y ‘Lavender Haze’, y sitúa a Taylor en diversos escenarios: la vemos en el mundo de ‘El mago de Oz’, en el interior de un reloj de arena, en algo parecido al infierno. Finalmente Taylor y Ice Spice se reconfortan la una a la otra: la primera es una montaña, la segunda una nube.
‘Padam Padam’ ha sido acogida con los brazos abiertos por nuestros lectores y ha sido lo más votado tanto en la web, como en el “Desempate de Twitter”, donde se ha hecho con el 53% del televoto. Jessie Ware quedaba con el 21%, Lana del Rey con el 15% y Loreen con el 11%.
Se trata del 6ª número 1 en nuestro top para Kylie Minogue tras ’The One’, ‘Dancing’, ‘Say Something’, ‘Magic’ y ‘Real Groove’. Como veis, 3 de ellos estuvieron extraídos de ‘DISCO‘, su era más aceptada por aquí… de momento.
Tras Kylie y Loreen, también hay entradas fuertes, directas al top 10 ocasi, para Róisín Murphy, Miley Cyrus, Blur, Anohni y Bad Bunny.
Chenoa será la presentadora de la nueva edición de Operación Triunfo, que se estrenará a finales de 2023 por primera vez en Prime Video. Con una referencia a ‘Cuando tú vas’, uno de los mayores éxitos de Chenoa, ambos han confirmado la noticia: «cuando tú vas, yo vuelvo»
También Operación Triunfo ha felicitado a Chenoa por su regreso: «Del número 89 en el casting, a presentar OT 2023. ¡Bienvenida de nuevo a casa, Chenoa!»
Chenoa volverá a Operación Triunfo más de 20 años después de concursar en la primera edición, en la que quedó cuarta. El programa se estrenó el 22 de octubre de 2001 y la final del 11 de febrero de 2002 sigue siendo el momento televisivo más visto en la historia de España.
Tras su paso por Operación Triunfo, en 2002, Chenoa publicó su primer disco, homónimo, que incluye dos de sus mayores hits, ‘Atrévete’ y ‘Cuando tú vas’. Desde entonces ha editado otros seis álbumes de estudio, como ‘Soy mujer’ (2004), ‘Absurda Cenicienta’ (2007) o ‘Soy humana’ (2016) y ha obtenido singles de éxito con ‘Rutinas’ o ‘Todo irá bien’.
Desde 2016, Chenoa ha desarrollado una carrera paralela en la televisión y, de hecho, con su participación en ‘Celebrity Bake Off España’ ya trabajó con Prime Video. Además, es jueza de ‘Tu cara me suena’ desde hace seis años y también se ha dejado ver en programas como ‘Zapeando’.
‘Operación Triunfo’ será el primer programa de Prime Video que se emita en directo de manera semanal y, además, contará con canal 24 horas.
Lewis Capaldi es divertidísimo. En serio: poneos una entrevista random de Lewis y lo más probable es que terminéis soltando una buena carcajada, o muertos de risa. Sus dotes cómicas son hilarantes y su capacidad para reírse de sí mismo (por ejemplo de su síndrome de Tourette) ha producido grandes momentos. En una entrevista le piden que promocione su disco y él, buscando la cámara, contesta: “No perdáis el tiempo. Es una broma total. No parecía posible, pero es incluso peor que el anterior. Compraos el disco de Ed Sheeran”.
Escuchar ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’ es descubrir que es obligado tomarse las palabras de Lewis literalmente, aunque él las diga de broma. Es curioso que los títulos de sus discos parecen satíricos, porque las canciones van muy, muy, muy en serio. Ni una gota del sentido del humor, el ingenio o la agudeza de Lewis se filtra en las composiciones. Las máximas de la “gran balada pop” se aplica en (casi) todas ellas, sin sorpresas.
El segundo disco de Capaldi es evidentemente continuista de ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent’, en título y espíritu. “Broken By Desire” también hace gala de una falta de inspiración, pues eso, “infernal”. Los mismos autores, como Nick Atkinson o Edd Holloway, están involucrados. Capaldi sigue perdidamente enamorado o canta con el corazón destrozado. Bien, nos pasa a todos.
Y tampoco es que a Capaldi debamos hacerle el mayor de los vacíos sociales: tres de los singles de “Broken By Desire” han sido número 1 en Reino Unido. Una barbaridad. ’Forget You’ sobresale por su sonido animado y liviano, ‘Wish You the Best’ consigue ser algo más que la enésima ‘Someone You Loved’, y ‘Pointless’ demuestra que a Capaldi el sonido 50s de Stephen Sanchez le sienta bien.
El problema es que (casi) todas las canciones de “Broken By Desire” presentan la misma estructura, la misma idea de melodía sensiblera, el mismo desarrollo épico, el mismo apoyo en el piano más azucarado posible, la misma carga de clichés romanticones, del “quizá sea un tonto por enamorarte de ti” (‘Burning’) al “no tengo miedo de morir si es a tu lado” (‘Pointless’). Excepcionalmente, las guitarras de ‘How I’m Feeling Now’ son hijas del brit pop y los teclados de ‘Leave Me Slowly’ remiten a la nostalgia del primer George Michael o del primer Prince.
Pero son eso: excepciones. La mayoría de pistas “Broken By Desire” no se salen del molde y, sobre todo, exhiben una ambición desmedida de alcanzar la punta del Everest del melodramatismo pop, además tomándose a sí mismas tan en serio que no puedes evitar echar de menos que la genial personalidad de Capaldi se haga notar un poco más en las letras. Una canción, por ejemplo, ‘Haven’t You Ever Been In Love Before?’, puede parecer una monada escuchada de manera individual. Todas seguidas se atragantan, te aplastan con un alud emocional del que es imposible salir con vida.
Solo en pequeños destellos la auténtica vulnerabilidad de Capaldi parece atravesar sus nuevas composiciones. Cuando sufre por una relación romántica separada entre Glasgow y Los Ángeles, o cuando observa su falta de autoestima (“me pongo máscaras porque no me gusta la cara que hay debajo”), da la sensación de que Capaldi no se está limitando a interpretar tópico tras tópico sin darles una vuelta. Pero el repertorio de “Broken By Desire” hace una renuncia total a la imaginación.
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