Bad Bunny ha vuelto a manifestarse en Instagram tras borrar todas sus publicaciones de la red social y pasarse a TikTok, la app de moda. Ha regresado para anunciar su gira para 2022 con un clip en el que aparece su novia Gabriela Berlingeri, que le pide que no le deje sola, y Mario Casas, quien le servirá de compañía mientras el cantante esté fuera ofreciendo conciertos.
Bad Bunny se pone reflexivo y cuenta que “hay que empezar a preocuparnos menos y disfrutar más porque la vida va demasiado rápido, así que se vendieron las entradas para el último tour del mundo”. Y lanza una pregunta al aire: “Estaba pensando: ¿qué tal si anuncio mi siguiente gira? Así que en lo que yo trabajo en mi nuevo álbum que sale este año, ustedes pueden comprar los boletos para la siguiente gira». De esta forma, anuncia no solo gira para este año sino también el estreno de un nuevo disco.
‘World’s Hottest Tour’ es el nombre de esta nueva gira que por primera vez se realizará en estadios. Por el momento el puertorriqueño ha anunciado fechas solamente en Estados Unidos y Latinoamérica, algo que ya está preocupando a sus fans, que le preguntan por conciertos en Europa, concretamente en España.
León Benavente llegan a su cuarto disco convertidos en el mejor ejemplo de grupo collage. Y no lo digo de manera peyorativa: ellos mismos usan la palabra «collage» en la nota de prensa de presentación de ‘Era’, al tiempo que no ocultan en la misma sus muchísimas inspiraciones.
A menudo para el cuarteto el método compositivo es poner algo de música que les gusta… tan sólo para llevarlo al lugar más impensado. ‘Líbrame del mal‘, el single principal de ‘Era’, reúne una dedicatoria a Rafael Berrio con el tipo de narrador de Bob Dylan en ‘A Hard Rain’s Gonna Fall’, un libro de María Salgado y una frase de ‘Blade Runner’, todo ello sobre una base finalmente un tanto New Order circa ‘Temptation’. Maria Abramovic es una referencia en ‘La Gran Muralla’, como Pink Floyd lo son en ‘Canciones para no dormir’ y ‘Te comes mi corazón’ es una colaboración con Triángulo de Amor Bizarro en la que caben lo mismo Einstürzende Neubauten que James Baldwin y Leonard Cohen.
En su momento más crítico ‘Era’ es un amasijo de contradicciones, especialmente cuando el grupo trata de reírse de sí mismo en ‘Viejos rockeros viejos’, que invita a una retirada a tiempo («hay que saber irse de una fiesta antes de que se vayan los demás»), pretendiendo ser crítica con los «viejos rockeros» que se niegan a renovar su discurso. Algo raro cuando titulan un tema ‘Di no a la nostalgia’ dentro de un disco en el que caben muchísimas referencias a los años 70 y a los 80, y muy pocas al mundo actual (hasta el disco de Los Planetas reivindica a Khaled).
En su mejor momento, en cambio, ‘Era’ vuelve a ser otro discazo de León Benavente, lleno de hitazos creados como para darnos todo en los festivales aunque ellos digan que no, construcciones in crescendo y canciones-río fluyendo a toda pastilla hacia el mar.
Para no estancarse, el cuarteto ha forzado un cambio de roles, con Eduardo Baos más centrado en programaciones electrónicas, Luis Rodríguez cambiando la guitarra por el bajo, César Verdú usando la batería en lugar de las cajas de ritmos y Abraham Boba tocando por primera vez un piano acústico. Triángulo de Amor Bizarro se llevan totalmente a su terreno la agresiva e industrial ‘Te comes mi corazón’, pues no han seguido precisamente las indicaciones que les dieron León Benavente para completar el tema, sino más bien todo lo contrario; y también entre las novedades suculentas están las cuerdas aportadas por Philip Peterson (Lana del Rey, St Vincent, HAIM) en ‘La cámara de ecos’, que nos recuerda que una de las primeras voces con que quisieron colaborar León Benavente fue la de Iranzu Valencia de La Buena Vida.
Estamos hablando, eso sí, de las dos últimas canciones cuando en ‘Era’ lo que abunda es aún la imaginería kraut, synth-pop e industrial. Sea por el tipo de máquinas o por la marca de la casa, Kraftwerk, Throbbing Gristle y Depeche Mode continúan pareciendo la referencia en temas que pululan entre las pistas de baile de James Murphy y el existencialismo. Uno de los temas más emocionantes es ‘Persona’, que entre referencias a Bergman, versa sobre la ambición y la frustración («persona que lo hace mal (…) deseando ser otra persona»), consciente de la diferencia entre «lo que se imagina y lo que luego hay». Un malestar que aparece especialmente resumido en un verso de ‘La cámara de ecos’ que hace un paralelismo entre el vacío de acumular amantes y dinero («saltas de cama en cama / y ves parecidos entre esta actuación / y la acumulación de capital»).
Pese a la melancolía en algunos textos y melodías, León Benavente rehuyen la idea de hacer un disco triste, y el humor y la esperanza son también ingredientes imprescindibles de su receta. ‘Mítico’ es otro de los grandes posibles singles del álbum que todavía no han salido, pasado por un octavador con el que han tratado de «matar al cantante»: resulta casi tan divertido como la voz masculina de ‘Rufino’. Y ‘Todas las letras’ es un entretenimiento de abecedario junto a Miren Iza de Tulsa, inspirado por la exposición ‘The Atomic Alphabet’ de Chris Burden. H de «nuestra vida en HD», I de intenso, K de kraken, L de LCD y W de «algo en inglés» están entre sus ocurrencias, que nos sirven para continuar comprendiendo a León Benavente, hace ya mucho tiempo una de las bandas imprescindibles del pop nacional. La voz de una generación o dos, a medio camino entre la angustia y la lucha contra la misma.
Alison Moira Clarkson, más conocida como Betty Boo, ha regresado con su primer single en solitario después de 30 años. La británica samplea ‘Love Action’ de Human League en su nuevo tema pop ‘Get Me To The Weekend’, en el que no puede esperar a que llegue el fin de semana para volverse loca, escaparse, “olvidarse del trabajo y las facturas” y hacer de todo en las “minivacaciones” que son los días del finde.
Betty Boo cuenta en una entrevista para BBC Radio 2 el significado detrás de la canción: “Durante el confinamiento todos los días se fusionaron en uno solo. El fin de semana no parecía llegar nunca. Pensé que debía escribir una canción sobre eso. Pensar en salir y tener unas vacaciones”. ‘Get Me To The Weekend’ es el primer adelanto de su nuevo álbum que tiene previsto ver la luz a finales de este año.
Betty Boo se dio a conocer con el single junto a The Beatmasters ‘Hey DJ/I Can’t Dance (To That Music You’re Playing)’ en 1989. La artista alcanzó el Top 10 en Reino Unido en los 90s con los temas ‘Doin The Do’ y ‘Where Are You Baby?’, que lograron posicionarse en los puestos 9 y 10 en España, respectivamente.
En 1990 lanzó su álbum ‘Boomania’ y dos años después ‘GRRR! It’s Betty Boo’, antes de retirarse de su carrera en solitario. Después escribió canciones para otros artistas pop como ‘Pure And Simple’ para la banda Hear’Say y ‘Mars Attack’, ‘Boogie Down Love’ y ‘Love Bomb’ para Girls Aloud en su álbum de 2003 ‘Sound Of The Underground’.
En una entrevista para NME Betty Bo habla sobre su experiencia trabajando con Girls Aloud: “Ser una post estrella pop era como ser un ex-futbolista y trabajar en un club, aunque no tan bien pagado. Fue un poco mierda”. «Manejar las voces en un grupo es difícil porque quieres presentar a todos por igual y no presentar al mejor cantante, porque si no, los demás se molestan. Trabajé con una banda de chicas -no Girls Aloud- y una de sus madres entró al estudio exigiendo: “¿Puedes subir el micrófono de mi hija?” y yo como: “¡Vete de mi estudio!”», confesó.
Rammstein planean publicar una versión de ‘Entre dos tierras’ de Héroes del Silencio. Verá la luz esta primavera y formará parte de su nuevo álbum. Así lo ha confirmado un miembro del grupo zaragozano en el Heraldo de Aragón.
En este diario el guitarrista y cofundador del grupo, Juan Valdivia hablaba así sobre Rammstein: “Es un grupo cañero, y nos alegramos mucho de que la canción les guste hasta el punto de hacer una versión. Aunque también me parece muy bonito el trabajo de los grupos tributo que tenemos. Tuvimos cierto impacto en Alemania, y supongo que de ahí viene la cosa. Me la mandaron y les ha quedado muy bien. ¿Que si me choca lo de que sea en español? No, hombre, cantan en español en Alemania, nosotros hicimos lo mismo -ríe- hace treinta años. Fue una suerte contar con Phil y su ingeniero de sonido, el equipo técnico de aquel disco fue increíble”.
El ingeniero de sonido al que hace referencia es Phil Manzanera. Este, además de trabajar con ellos, ha colaborado con artistas como Pink Floyd, Antonio Vega o Mónica Naranjo. Joaquín Cardiel y Pedro Andreu, bajista y batería del grupo, cuentan que esta versión “se siente como un homenaje” y “un regalo de la vida realmente sorprendente”.
El nuevo álbum de Rammstein verá la luz antes de este primer semestre del 2022. Seguramente lo publicarán antes de iniciar su gira, que empieza el 15 de mayo en Praga y termina el 4 de octubre en Ciudad de México.
‘Entre dos tierras’ fue el tema que abrió el segundo disco de Héroes del Silencio, ‘Senderos de traición’, todo un clásico del rock español. El disco llegó a ser número 1 en España. En Alemania se llegó a emitir en las radios underground suponiendo el arranque del éxito de Héroes del Silencio en este país y en Europa.
En esta reciente conversación via Zoom, un locuaz Elvis Costello nos habla de su último disco ‘The Boy Named If’, de colaborar con Vega, de su admiración por Ronnie Spector, de regrabar su legendario ‘This Year’s Model’ en castellano, de la pandemia, y de su amor por el público español. La conversación comienza tras preguntarme dónde me encuentro (Pamplona) y contarme que él se encuentra en Nueva York, y que ve la nieve a través de la ventana. Foto: Mark Seliger.
Cuéntanos acerca de la concepción de este disco, aparecido en un momento muy prolífico de tu carrera…
Las canciones vinieron a mí muy rápidamente, quizá porque las compuse guitarra en mano, y porque mi única decisión de antemano fue mantener un cierto tempo y que predominase la tonalidad mayor. Además creo que las letras salen más fácilmente cuando compones con la guitarra, quizá porque el ritmo está definido más claramente.
¿Cómo fue esa grabación a distancia?
Conforme fui compartiendo las canciones con los Imposters, ellos entendieron enseguida lo que pretendía hacer. Inicialmente hubo un diálogo entre batería, voz y guitarra, y poco después Davey con el bajo aportó su “groove” y Steve [teclados] sabía perfectamente dónde debía tocar… En definitiva, no tan distinto a como trabajamos habitualmente, sólo que lo hicimos en lugares diferentes. De hecho yo estaba en el porche trasero, y eso que esta música no suena mucho a “back porch music” (risas)… grabé casi todo ahí, y de vez en cuando tenía que parar porque aterrizaba un hidroavión, que en Vancouver es bastante habitual. Pete Thomas estaba en su sótano con su batería Gretsch, es el mismo kit que tenía cuando le conocí, con el que grabó ‘This Year’s Model’. Para él es tan importante como mí Fender Jazzmaster. En este disco sólo he usado esa guitarra, yo también.
Y una vez grabado todo lo coprodujiste con Sebastian Krys…
Bueno, todo el mérito le corresponde a Sebastian por su bonita mezcla. Por supuesto yo le indicaba en plan “este detalle debería sonar un poco más presente”, o “mi voz está demasiado alta”, pero poco más. Hemos ido construyendo una amistad desde que le conocí, hacia 2007, en Miami. Yo estaba metido en un encargo muy difícil, estaba escribiendo música para el Miami City Ballet, para Twilla Tharpe, luchando por mantener bien el equilibrio entre una banda y una orquesta, y entonces me invitó a cantar con La Marisoul de La Santa Cecilia, y luego me presentó a Vega, y canté una canción en italiano con ella… Sebastian había trabajado mucho con Pete y Davey, ya que viven en Los Angeles, y entonces ocurrieron varias cosas que me acercaron más a él: me di cuenta de que tocaba volver a reunirme con los Imposters después de un tiempo haciendo cosas con otra gente, e incluso había decidido que no grabaría nada más, allá por 2011… pensé en que me concentraría en los directos y nada más, y así estuve casi diez años.
Sin embargo no fue exactamente así, ¿no?
Claro, en cuanto tomas una decisión así alguien piensa que es una mala idea. Me invitaron a tocar con The Roots, y me invitaron a participar en las ‘New Basement Tapes’… y bueno, desde ese reencuentro de 2018 con The Imposters, ‘Look Now’, la actividad no ha parado. Luego nos pidieron remezclar ‘This Year’s Girl’ para una serie de la televisión italiana, lo cual supuso recuperar las cintas originales del disco después de 40 años… y entonces los del programa nos pidieron una voz femenina en el segundo estribillo y añadimos a nuestra amiga Natalie Bergman. Y no tengo ni idea de dónde me vino la idea, pero entonces se me ocurrió “¡vamos a regrabar todas estas canciones en castellano!”.
«Si pudiera escribir una canción con Vega o Raquel Sofía o para ellas, lo haría ahora mismo».
Ahí nació el proyecto ‘Spanish Model’…
Sí. Por suerte Sebastian no pensó que había perdido la cabeza y le dio una vuelta al proyecto. Empezamos a buscar cantantes que encajasen en cada canción. A veces había dos o tres candidatos y yo escuchaba atentamente todos esos estilos tan diferentes y trataba de imaginarme el resultado… y de ahí salió una comunidad de amigos realmente maravillosa, que es como así los considero ahora, porque aportaron tanto talento, integridad, y en algunos casos, como en el de Fito Páez en ‘Radio, Radio’, estilo y humor. Y en canciones como la de Francisca y Luis Humberto cantando ‘Hand in Hand’ se realza la melodía, le sacan un precioso timbre con sus voces, o por supuesto la emoción de La Marisoul cantando ‘Detonantes’. Y otras curiosidades, como alguien que está en el momento más explosivo de su estrellato pop, Sebastián Yatra, presentando ‘Llorar’ a su público, que no tienen ni idea de quién soy yo. No importa, para ellos soy simplemente el compositor de esta nueva canción suya y ya está. El disco está lleno de maravillosas sorpresas y estoy muy agradecido a Juanes, a Luis Fonsi, cantantes de la América hispana, algo que incluye Texas, California… o gente como Raquel Sofía, o Vega: me digo “si pudiera escribir una canción con ellas, o para ellas, lo haría ahora mismo”.
Pero entonces ¿estos eran artistas que conocías, o que te sugirió Sebastian?
Bueno, conocía a Fito, he estado en su casa en Buenos Aires, conocía obviamente a Marisoul… y pronto fui familiarizándome con todos los demás si no los conocía, o si no había escuchado su música en algunos casos. Pero estaba claro que todos tenían la energía adecuada, y a veces elegíamos deliberadamente a alguien inesperado para algunas canciones. También ocurrió que algunos de los más jóvenes tuvieron que aparcar un poco algunas cosas a las que están acostumbrados, como por ejemplo grabar con claqueta, o Autotune… ¡no hay Autotune! (risas)
Igual no puedes elegir, pero ¿cuál dirías que es tu letra favorita del nuevo disco, y también tu melodía preferida? Mi letra favorita es ‘Paint Red Rose Blue’, y quizá también su melodía.
Gracias. En cuanto a melodía, esa me gusta mucho. Es una pieza con bastante emoción, porque trata de dos personas que intentan amar de nuevo después de sufrir mucho trauma. También me gusta ‘Mr Crescent’, la última melodía del disco, porque es muy añorante, y es un buen cierre después de todas esas piezas sobre el final de la niñez, porque va de un viejo sinvergüenza al final de su vida.
«El disco nuevo parte de ese amigo imaginario infantil al que culpar de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48…»
… que es un poco el concepto del disco, ¿no? Ese momento de pérdida de la inocencia al entrar en la adolescencia.
Sí, partiendo de la idea de ese amigo imaginario infantil al que echarle la culpa de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48, etcétera. Pero intento contar esa historia y esos momentos confusos sin moralizar, sin dejar las canciones perfectamente acabadas con un lacito, quería dejarle espacio a la imaginación del oyente. Por ejemplo, el hecho de que no sepas exactamente lo que está pasando, como en ‘My Most Beautiful Mistake’, que empieza como un flirteo entre un guionista y la camarera que le sirve en una cantina. Cuando él le dice “creo que podrías ser mi inspiración” ella le dice “sí, claro…”, en la voz de Nicole Atkins. Pero entonces empieza a volverse más surrealista: ¿es real lo que describe la letra o quizá es algo que está ocurriendo en una película?
Y ahí haces una mención muy guay a las Marvelettes.
Sí, precisamente eso es lo que sugiere que quizá sea la escena de una película, y eso es parte de la banda sonora. Luego al final hay ese verso donde ella dice que igual le conmutan la pena, así que… ¿quizá le mata al final de la canción, en plan peli de Hollywood? Pero en fin, tampoco hay un tema único en todo el disco. Creo que aunque escribí las letras con rapidez, tuve claro lo que cuentan, y lo que tienen en común son ciertas conexiones. Una vez que decidí que ‘A Boy Named If’ sería el título, pensé que encontraríamos a ese chico en distintos momentos de su vida en las distintas canciones, quizá no el mismo chico, pero esa parte común que tenemos todos en el interior que al hacernos mayores en algunos madura y en otros quizás no.
Has sido muy fan de toda la escena del Edificio Brill, no sólo por esa mención a las Marvelettes, de hecho has colaborado con gente como Burt Bacharach y Carole King. ¿Qué piensas de Ronnie Spector, recientemente fallecida?
Bueno, ella es responsable de una parte muy conocida de mi repertorio [empieza a cantar]: “oh-oh-oh-o-oh…” Es el verso final, sin letra, que cierra ‘Oliver’s Army’, algo que viene completamente de Ronnie, o de Darlene Love. Ya sabes, almacenas pequeños fraseos que canta otra gente e intentas que salgan de tu boca de una forma que no te avergüence. Ronnie era una cantante tremenda. Estuve con ella un par de veces, brevemente. He encontrado una foto de nosotros dos juntos, en un evento a favor de los derechos de los músicos, para pedir compensaciones justas para artistas que grabaron en los 60, y tenía un aspecto espléndido. Una noticia muy triste, tuvo un camino muy duro en muchos sentidos, pero consiguió mantener ese algo especial. Y Darlene obviamente también, y además hizo una de mis canciones. Al hablar de esa era no se puede evitar hablar de estas dos cantantes porque, además de Tina Turner, eran las voces de Spector. Y todo lo que pasó con él es horroroso… así que es increíble la fuerza que todas estas personas tuvieron para pasar por eso y seguir cantando en la actualidad, en el caso de Darlene, como el primer día.
Mi hijo es muy fan de ‘Pete the Cat’, serie de dibujos para la que compusiste música y pones voz también. Me ha dicho que te diga que tu voz es muy cool.
¡Ja ja ja! Ah, eso me alegra muchísimo. Pues mira, es muy gracioso: nos pidieron a mí y a mi mujer que hiciéramos la música y las voces, y la verdad es que a mí me gusta hacer voces en plan de broma. El caso es que el día que iba a grabar por primera vez tenía un resfriado, y me salió una voz así como… rara. Así que el problema por supuesto fue que cuando fui a la siguiente sesión tuve que encontrar esa voz otra vez dentro de mí. Una voz que hecho sonaba un poco como David Beckham (risas). No me parezco a él, pero puedo hacer esa voz. Fue divertido participar, aunque por desgracia no pudimos hacer más que la primera temporada, es muy difícil compatibilizar ese trabajo con nuestro trabajo habitual, que es básicamente actuar ante gente.
Aunque en los últimos dos años no habéis podido hacerlo mucho, ¿verdad?
Sí, los últimos dos, tres años, han sido muy extraños. Creo que más para Diana que para mí, porque el tipo de música que ella toca implica un intercambio instantáneo de ideas entre los músicos, y sentirlo en la misma sala todos juntos, mientras que la relativa tosquedad de lo que yo hago con lo Imposters significa que podemos hacer algo como este disco. Estoy seguro de que si hubiésemos intentado hacer algo más delicado y sutil nos habría planteado más dificultades. La gira más reciente de Diana se tuvo que aplazar y va a empezar en abril. Y nosotros salimos de mayo a agosto… y claro, luego tenemos que mirar todos los conciertos que se cancelaron en 2020 y 2021 y buscar dónde ponerlos, porque muchas fechas incluso de 2023 están cogidas por shows pospuestos de muchos artistas, así que hay que armarse de paciencia. Y es difícil no girar, porque puedes perder un poco el norte al no tener nadie con quien hablar, más allá de tu propio eco… que es lo malo de Internet, la gente oyendo su propio eco. Tenemos suerte de que el grado de confianza entre nosotros y Sebastian ha llevado este disco adelante, y parece que la gente lo está escuchando con el corazón abierto, no todo el mundo está diciendo “back to basics” o algún otro cliché por el estilo, de esos que no requieren pensar mucho. Están escuchando lo que hay dentro de las canciones, las ideas, el sentimiento… y haremos todo lo posible por llevarlas a los escenarios. Y quién sabe, ¡podríamos estar tocando en Pamplona, incluso!
«Poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Son las únicas vacaciones que pasé con mis dos padres»
Bueno, o en España, al menos.
Curiosamente, como quizá sepas, de los sitios menos obvios de España donde he tocado, fuera de Madrid y Barcelona… tengo un recuerdo muy especial. He tocado varias veces en el Festival de Jazz de San Sebastián, fui con los Imposters, con Alain Toussaint y también con los Sugarcanes. Y recuerdo mucho la gira por España con The Juliet Letters, por ciudades más pequeñas. Tocamos en Castilla La Mancha, Guadalajara… fue genial para nosotros, porque llevamos la música a comunidades que no tenían necesariamente un conocimiento sobre mí como cantante de pop. Así que tuve la suerte de tocar allí con mis amigos del Brodski Quartet, fue maravilloso. Y también tocamos en Andalucía. Por cierto, poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Nos llevaba conduciendo a través de Francia a la velocidad del rayo para pasar vacaciones de unos pocos días, te hablo de alrededor de 1961, así que era un mundo bastante distinto en tantos sentidos… Tengo muy bonitos recuerdos, porque son las únicas vacaciones que pasé como mis dos padres, les tengo mucho afecto a esos recuerdos. No es nostalgia, pero es muy evocador. Ciertas frases que leo en la literatura describen muy bien aquel mundo. Incluso por ejemplo ‘Pandora y el holandés errante’, ¿conoces esa película, con Ava Gardner?
La verdad es que no.
Búscala. Se rodó en Tosa de Mar, hacia 1959 o 60. Así es exactamente el aspecto que tenía ese pueblo cuando fui allí de niño. Un sitio muy tranquilo, sin hoteles. Muy distinto, una cultura muy diferente. Así que cuando pienso en volver a tocar a España me acuerdo de cómo era ir a Valencia cuando era chico, ahora que está tan llena de actividad… y he viajado por toda esa costa. Las veces que he vuelto tocando con los Attractions o los Imposters, en todos esos sitios me doy cuenta de que España son muchos países diferentes. Y también recuerdo aparecer en la película de los Pogues, que rodaron en Almería. Así que añoro volver a esa parte del mundo, no porque hable español, al contrario que mi padre… sino porque significa mucho en mi corazón, porque en todas esas ocasiones en las que he ido a tocar, he tenido más variedad de experiencias en España que en ningún otro país del mundo, excepto los EE.UU. Es el único país en el que se me ha permitido ser una persona diferente dependiendo de la música que venía a hacer. El público quizá no siempre era numeroso, pero estaban allí, y escuchaban con sinceridad, y eso es algo maravilloso. Es fabuloso cuando has creado algo tan inusual como ‘The Juliet Letters’ y piensas que hace ya 29 años fue escuchado con tanta curiosidad, y también es la manera en la que intuyo que se estará escuchando este nuevo disco en tu país.
‘Las canciones del agua’ es el nuevo disco que Los Planetas publicaban el pasado viernes, reuniendo la media decena de singles que han venido publicando durante el último par de temporadas, junto a unas pocas canciones nuevas. La primera en la frente, ‘El manantial’, un tema 12 minutos que además han escogido como «focus track» aprovechando que ya no están en Sony ni en ningún otro sello grande ni pequeño sino que editan simple y llanamente desde su casa, El Ejército Rojo.
Como ‘Islamabad‘ -una adaptación de Yung Beef- abriendo ‘Zona temporalmente autónoma‘, ‘El manantial’ es la canción más importante de ‘Las canciones del agua’, como su propio nombre indica, y es también una adaptación, solo que en este caso de su también paisano Federico García Lorca. Es hoy nuestra «Canción del Día». El poema original de Lorca podéis encontrarlo en la red bajo el nombre de «Manantial» o como fragmento de ‘1919‘ y habla de nuestra relación con la naturaleza a través de unas imágenes tan potentes y bellísimas como vanguardistas.
El narrador se acerca a la naturaleza porque quiere «entender los manantiales, el secreto del agua», azotado por el sentimiento de culpa («¡Mi corazón es malo, Señor! / Siento en mi carne la implacable brasa del pecado»), en busca de un «sexo sin mancha», y siendo finalmente aliviado por el sentimiento de comunión tras la voz imperativa que sugiere «sé árbol»:
«Sentí sobre mis brazos dulces nidos,
acariciar de alas,
y sentí mil abejas campesinas
que en mis dedos zumbaban.
¡Tenía una colmena de oro vivo
en las viejas entrañas!
El paisaje y la tierra se perdieron,
sólo el cielo quedaba,
y escuché el débil ruido de los astros
y el respirar de las montañas».
Los Planetas acompañan este relato tan apto para las actuales reivindicaciones «verdes», únicamente de piano y guitarras, recordando al formato trío que han paseado en vivo por algunos lugares como el Festival Brillante durante la pandemia: escuchar esta producción es recordar hasta la brisa que te golpeaba en la cara durante estos recitales tan inusuales en su historia.
Muy recomendable para comprender el sentido último de la incorporación de este poema de Lorca al repertorio de Los Planetas es la charla mantenida por J y Floren con Rockdelux, en la que, sin descolgarse del presente (también han adaptado a Khaled en la pista 2 del disco), hablan de la necesidad de comprender el pasado. J revela en Rockdelux que conoció este poema hace unos 7 u 8 años y que le ha dado vueltas desde entonces: «Además del poder del texto, la idea de manantial, de que la creación, la música, la lírica brota de manera natural en nuestra tierra, encierra una visión tan profética que asusta. El poeta, aún muy joven, decide dedicarse a la poesía, aunque muera, aunque lo maten por ello. Entender a Dios, a la naturaleza y explicárselo a los demás, que los demás lo escuchen. Señala el lugar donde va a morir, donde va a convertirse en árbol, la fuente de las lágrimas, en Aynadamar. Esa acequia, la de Aynadamar, pasa por el Fargue, por debajo de la casa de mis abuelos, entonces sin agua corriente. De ella cogían, con cubos, el agua. Ese manantial es muy importante en mi vida. Como Lorca», indica antes de concretar cómo The Jesus & Mary Chain les llevó a la Velvet Underground; estos, a su vez, a Bo Diddley y estos al blues, en esa búsqueda del pasado para comprender el presente y el futuro.
Preguntado sobre si el capitalismo es la aberración suprema, J responde afirmativamente, considerándolo “una regresión respecto a las sociedades religiosas” y se pregunta: “Cómo no iban a matar a Lennon o a Lorca si podían acabar con 2000 años de historia». Eso sí, curiosa la proclama contra el capitalismo, cuando los seguidores de Los Planetas se enteraron de la existencia de este álbum más por la web de El Corte Inglés en noviembre que por el propio grupo, que apenas lo confirmó en sus redes hace 6 días.
Los Nafta (no confundir con NAFTA, la banda argentina) son un grupo de rock formado por Luis Manosalva (voz y guitarra), Luis Chirivella (guitarra y coros), Gabriel Chirico (bajo), Daniel Iribarren (batería) y Maurizio Di Pietro (guitarra). Ahora afincados en Madrid, comenzaron su aventura en la música en 2015 en Venezuela, su país natal. Debido a la crisis política en la que se sumió el país en marzo de 2017, decidieron aplazar el lanzamiento de su primer EP y cada uno emprendió su propio camino. Una vez reunidos de nuevo en Madrid volvieron a hacer música y recuperar algunas pistas del EP pospuesto pero con un cambio de sonido acorde al momento.
A finales del año pasado actuaron en la sala Hangar 48 en Madrid, donde presentaron los singles previos a ‘Noches sin gravedad’, el álbum debut que acaban de publicar hace unos días. Este primer LP se desliga de sus anteriores singles para presentar un disco de “rock conceptual inspirado en un drama de detectives como pueden ser ‘True Detective’, ‘Knives Out’, ‘Se7en’ o incluso ‘Scooby Doo’. Cada canción cuenta una historia como si fuesen los capítulos de un libro o programa de televisión pasando por todas sus fases: desaparición, presentación del caso, interrogación de los sospechosos, recopilación de pistas… hasta llegar a la confrontación con nuestro culpable que acaba en una despedida llena de arrepentimientos e incertidumbre hacia el futuro”.
‘Noches sin gravedad’ presenta 12 canciones, de las cuales 8 fueron concebidas en Venezuela, donde solían tocar para amigos, en fiestas y pequeñas salas. Los Nafta se ven muy influidos por artistas como Arctic Monkeys, The Black Keys, Tame Impala, The Strokes, y también por grandes bandas latinoamericanas de diferentes épocas como Soda Stéreo o Zoé y venezolanas como Los Mesoneros. Así se refleja en canciones como ‘Nademos en el fuego’, ‘Tu secreto’ o ‘Noches sin gravedad’. Su tema ‘¿Cómo te llamas?’ ha conseguido colarse en ‘Fresh Finds Latin’, la playlist de Spotify que incluye “lanzamientos frescos de artistas y sellos latinxs independientes” y el grupo aparece en portada de dicha lista, lo que puede representar su «breakthrough».
EN tiempo de funciones escolares -niñas y niños haciendo representaciones navideñas antes de empezar las vacaciones-, la actuación de Olly Alexander en el vídeo de ‘Sweet Talker’ presentado el pasado mes de diciembre tenía un poco ese nivel. La función empieza como una fantasía BDSM medieval: Alexander, caracterizado a la manera de Timothée Chalamet en ‘The King’ (2019), encerrado en una oscura mazmorra custodiada por dos hombretones enfundados en armaduras.
El cantante (y actor, no lo olvidemos) logra liberarse de sus amos, y corre por los pasillos del castillo-colegio hasta meterse por una “puerta dimensional” a la manera de ‘Alicia en el país de las maravillas’. Tras resolver un acertijo dificilísimo, encuentra una llave que le dará acceso a una estancia donde hay una espada clavada en una roca al estilo Excálibur.
“Arturo” Alexander se abrirá camino a espadazos (todos los muertos se desintegran en bolas de caramelo), hasta llegar a un salón de baile donde se ubica la corte de un rey fauno. ‘Dentro del laberinto’ (1986), ‘El laberinto del fauno’ (2006) o ‘Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas’ (2020) son algunos de los referentes cinematográficos (confesados por la propia autora del clip, Sophia Ray) que saltan a la vista. Tras marcarse un tango porque sí, Olly mata al rey con Excálibur y se convierte en el nuevo monarca. Fin de la función.
El equipo de Thierry Mugler anuncia en Instagram que el diseñador ha muerto este domingo: «Nos entristece enormemente informar del fallecimiento del señor Manfred Thierry Mugler el domingo 23 de enero de 2022. Que su alma descanse en paz”. El artista nacido en Estrasburgo en 1948 se había trasladado a París con 20 años, fundando su marca Café de París en 1973, y después Thierry Mugler. En la actualidad tenía 73 años.
Thierry Mugler había estado vinculado de diferentes maneras con hitos de la historia de la música pop como David Bowie, Diana Ross, Grace Jones, Madonna y George Michael. Entre sus prendas más icónicas están las que llevó Bowie en Saturday Night Live en 1979 (entre otras ocasiones), el vídeo de ’Too Funky’ de George Michael o el vestido de Demi Moore en ‘Una proposición indecente’, considerado uno de los vestidos más famosos de los años 90.
Últimamente Cardi B, Rihanna, Dua Lipa y Katy Perry han llevado cosas suyas rescatadas del pasado pese a que se había retirado de la marca Mugler en 2002, volviendo como consejero en 2013. Mugler también fue director artístico de la gira ‘I Am…’ de Beyoncé en 2009, mientras Lady Gaga rescató un modelo suyo para el vídeo icónico de ‘Telephone’, el de la palmera negra sobredimensionada. Un revival que le permitió ser una de las marcadas de lujo más aclamadas entre la generación Z.
El interés artístico de un disco como ‘Toy’ es muy limitado, incluso aunque escuchar a David Bowie sea un placer en cualquier forma, por desgracia no una obligación en todos los centros educativos de secundaria. Por un lado, es una confusión para el público generalista encontrarse todo esto como novedad en 2021 o 2022 en las estanterías de las tiendas físicas o en las sugerencias de “novedades viernes”. Esto no es un disco de canciones inacabadas de la última etapa de Bowie (cosa que existe), ni siquiera del año 2001, cuando realmente se llegó a planear su edición. Estos temas rechazados por una discográfica, EMI/Virgin, que no vivía su mejor momento organizativo, no expresaban su sentir después de haber arrasado en Glastonbury 2000.
Por otro, sus fans ya saben perfectamente qué es ‘Toy’, y no representa gran novedad para ellos: el álbum se filtró hace más de 10 años. Se trataba de un proyecto que Bowie quiso publicar para que sus seguidores pasaran el rato, regrabando canciones de sus inicios en torno a 1966, junto a temas de otras épocas que sus seguidores conocían como caras B y descartes. Algunos han dado tantas vueltas por recopilatorios, cajas y ediciones deluxe que necesitaríamos varios croquis para explicar su procedencia. Rechazado como disco, ‘Toy’ fue perdiendo cada vez más sentido cuando Bowie empezó a concentrarse en ‘Heathen’ (2002) y ‘Reality’ (2003), recuperando a Tony Visconti, y ahora se ha editado como parte de la gigantesca caja ‘Brilliant Adventure (1992–2001)’ y también de manera independiente.
Volver a mediados de los 60 supone reencontrarnos con el Davie Jones adolescente, que en torno a los 18 años ya comenzaba a lanzar sus primeros sencillos sin ningún tipo de éxito. Reencontrarse con descartes o temas que llevaron al infravalorado debut ‘David Bowie’ es encontrarnos con un David Bowie olvidado: el cautivado por el pop barroco de la época, y por el folk de arreglos orquestales muy vistosos. Flautas, oboes y tubas sobreviven en ‘Toy’, pero la regrabación de los 2000 de David Bowie lleva las canciones al rock que practicaba en la época y tan buenos resultados le había dado en Glastonbury. Con alguna salvedad como la destacable ‘Shadow Man’, que en verdad es una balada acústica que procede de las sesiones de ‘Ziggy Stardust’, si la escucha de ‘Toy’ llega a ser agradable es por la cierta pegada comercial de sus canciones guitarreras.
Son temas de letra tan machacona como ‘You’ve Got a Habit of Leaving’ (su estribillo es simplemente «a veces lloro, a veces estoy triste, a veces estoy tan contento»), y tan directos como ‘I Dig Everything’. De hecho, en cierta medida el CD2 con tomas alternativas funciona algo mejor con una secuencia diferente en la que ‘Can’t Help Thinking About Me’ -que avanzaba ya los intereses narrativos y desarraigados del joven Bowie, que habla sobre un personaje que va a misa, teme ir a la escuela y huye de algo- y ‘Baby Loves that Way’ aparecen en la primera mitad y no en la segunda. Algo que podría ser definitivo de no abrirse ese segundo disco con una versión de ‘Liza Jane’ de sus tiempos rhythm and blues alargada hasta los 5 minutos cuando la original, el primer single de Bowie, duraba exactamente la mitad.
El CD 3 rescata versiones acústicas de estas canciones, lo que beneficia especialmente a piezas como ‘Hole in the Ground’, la balada ‘Silly Boy Blue’ o a ese punteo luminoso tan indie-pop de ‘Conversation Piece’ (que lo mismo podría sonar a The La’s que a R.E.M.), pero el grueso de ‘Toy’ se caracteriza por estar grabado por la que era la banda en vivo de David Bowie en la época: Earl Sick a la guitarra, Mike Garson a los teclados, Mark Plati al bajo y la co-producción, y Sterling Campbell a la batería. No fue la mejor idea de un Bowie que en aquella época simplemente producía canciones apañadas en lugar de ofrecer ideas realmente vanguardistas como había hecho todos y cada uno de los años que conformaron la década de los 70.
El año pasado grabábamos un podcast en el que nos preguntábamos si realmente España quiere ganar Eurovisión. Como si los duendes hubieran escuchado nuestras plegarias, la celebración en unos días del Benidorm Fest supone algo más que una pequeña luz al final del túnel. Por primera vez en años vuelve a haber ilusión entre los eurofans españoles gracias a propuestas aspirantes tan variadas como las de Rigoberta Bandini, Tanxugueiras o Rayden. RTVE no solo incluía propuestas tan underground como la de Luna Ki, sino que ampliaba el espectro a la balada clásica (Gonzalo Hermida) al indie (Varry Brava), el dance noventero (Javiera Mena) o la propuesta meta anti-edadismo (Azúcar Moreno).
El nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, está dedicado a realizar una valoración de cada una de las 14 canciones aspirantes, analizando los pros y contras de cada propuesta e incluso imaginando quién puede salir beneficiado o perjudicado de las puestas en escena.
Podcast que grabamos hace unos días, antes de saber que Luna Ki se retiraría, y antes de saber cómo se repartirían definitivamente las entradas (se han entregado a asociaciones de fans) y quién compondría el jurado, lo que condicionará indudablemente que la decisión final sea más atrevida, conservadora o mainstream. A falta de averiguar lo que suceda estos próximos miércoles, jueves y sábado, antes de que se cocine el nuevo #EURODRAMA, parece claro que Måneskin han cambiado el festival, probablemente para siempre… y que el camino al certamen, pocas veces fue tan divertido.
Luna Ki ha grabado un vídeo de 6 minutos lanzado «desde 2034», en el que explica su decisión de retirarse de la carrera eurovisiva, al no permitirse el uso de Autotune en el Festival de Eurovisión. En él explica que habría podido decir que no actuaba en el Benidorm Fest pero como artista debe defender «la verdad». En el vídeo responde las críticas de que no sabe cantar in Autotune: «Luna canta sin Autotune, pero Luna Ki canta con Autotune. El Autotune es parte de la esencia de esta canción (‘Voy a morir’), no solo es una herramienta del directo, sino parte del concepto de la canción». A continuación, lo compara con cambiar una guitarra eléctrica por una guitarra acústica en una canción en la que no pega.
Luna Ki asegura que es «una artista, no una intérprete» y cree que Eurovisión «no es un concurso de habilidades vocales, como OT o La Voz», haciendo a la vez un llamamiento para que haya «un cambio» en este tipo de formatos en pos de proyectos más electrónicos. Por último, narra cómo han sido estos días para elle, asegurando que está viviendo momentos muy duros, y que con más tiempo podría haber adaptado la canción para presentarla en Turín sin Autotune, pero que en tan pocos días no se ha visto capaz.
RTVE daba este domingo por la mañana la noticia, que se mantiene como «trending topic» 24 horas después, recordando que el uso de Autotune está desestimado por la normativa del festival. La noticia se ampliará este lunes en rueda de prensa a las 16.30 horas. Eurovisión ha consentido incluir coros pregrabados en su última actualización de normas, y la música es en playback desde 1999, pero no ha dado el paso de incluir el software que es el pan nuestro de cada día en los conciertos de los últimos tiempos.
La propuesta de Luna Ki, ‘Voy a morir’, era una de las más rupturistas, al incluir no solo Autotune, sino guitarras metal, un mensaje destructivo y una estructura más propia del trap que de la canción pop tradicional. Así se siente en la difuminación de estribillos, pre-estribillos y ganchos melódicamente diferentes (de «voy a morir» a «he quemado un coche»). Realmente sonaba muy próxima a gente como Rina Sawayama, Poppy o incluso Grimes. Además, podía haber sido la primera representación no binaria que tuviera España en el festival.
Durante la presentación de las canciones, Luna Ki no realizó un a capella de ‘Voy a morir’ sino que simplemente recitó. En el nuevo episodio del podcast de JENESAISPOP comentábamos que, pese a ello, su propuesta podía conectar con las nuevas generaciones de diversos países europeos.
El comunicado de Luna Ki en su Stories indicaba: “Luna Ki ha comunicado a RTVE su decisión de retirarse del festival Benidorm Fest, ya que la normativa europea de Eurovisión ha prohibido finalmente el uso del autotune en el festival. Nos entristece, ya que el autotune es una herramienta musical que ha sido utilizada por artistas como Cher desde el 98, y que representa parte del sonido e identidad de una generación. Luna considera que su canción ‘Voy a morir’ ha sido compuesta con dicha herramienta y que su sonoridad y timbre son partes imprescindibles de su interpretación.
Luna es una persona sensible y está pasando un momento emocional delicado, por lo que pedimos a todxs el máximo respeto y amabilidad. Luna se siente responsable ante el público del Benidorm Fest, ante los demás artistas participantes y ante RTVE, por lo que dará una explicación detalllada acerca de su decisión. Por último, queremos agradecer a RTVE y en especial a Eva Mora y María Eizaguirre su apoyo y sensibilidad en todo momento”.
Luna Ki se retira del Benidorm Fest con su tema “Voy a morir”.
Así lo ha decidido al no poder utilizar ‘autotune’, cuyo uso está desestimado por la normativa de Eurovisión.
Entre los discos que el sello madrileño Elefant (La Casa Azul, La Bien Querida) ha publicado en los últimos meses de 2021 está el de Cour de Récré. Un estupendo vinilo de color rosa y portada y encarte amarillos que supone el debut a lo grande de este grupo francés que tiene a Freezepop entre sus bandas de referencia y que también nos recuerda a los tiempos en que Elefant editaba a La Monja Enana y después a los ya tristemente desaparecidos Stereo Total. Foto: Marion Diaz.
El grupo fue formado en la distancia por Stan y Héloïse, él desde Francia (en concreto desde Avignon) y ella desde Chile. Al final Chloé ha sustituido a Héloïse, uniéndose en el proyecto otro amigo de Stan llamado Quentin. Las canciones del álbum de Cour de Récré tienen referencias también como The Pirouettes o Lio. Entre los singles está un tema primigenio del grupo llamado ‘Vice et Werther’, hay temas con la pegada de ‘Coeur Cruel’ y una canción en castellano que te costará identificar.
Pero es el sencillo ‘Agathe, Agathe’ el que seleccionamos como “Canción del Día” hoy. Se trata de otro festival synth-pop de teclados que nos llevan al revival juguetón de los años 80 de los primeros 2000, abordando la historia de un «hombre que se enamora de una chica intoxicada en una fiesta». Su estribillo es “Agathe, te observo mientras estás en coma / Sí, lo sé, dicho así parezco un psicópata”, aunque las intenciones parecen buenas: “déjame traerte un vaso de agua pura”. Como curiosidad, Lady Gaga aparece en la letra del tema, en concreto en la segunda frase (“Lady Gaga te hace la señal de que la velada se echa a perder”), mientras la coda del tema está en inglés. ¿No es loable que Elefant permanezca fiel a sus inicios al tiempo que atento a nuevas tendencias por el camino de rebe o interrogación amor?
La luz de Måneskin no se apaga. El grupo que ha cambiado el curso de Eurovisión probablemente para siempre -no hay más que ver qué tipo de artistas ahora sí se presentan, de Rayden a The Rasmus- ha conquistado también Estados Unidos. Su versión de ‘Beggin’, un tema de 1967 de Four Seasons, ha estado durante 6 meses en el Billboard Hot 100 tras haber sido top 13 y esa ha sido su elección para la primera actuación de la banda en Saturday Night Live.
No es muy habitual ver a un grupo de origen italiano actuar en un programa de máxima audiencia en Estados Unidos, y seguro que esta correcta rendición de ‘Beggin’ sirve para asentarlos.
En segundo lugar y tras el pertinente cambio de vestuario, Måneskin han presentado su tema ‘I Wanna Be Your Slave’ en directo. Se trata de otro de los grandes éxitos de su mini álbum ‘Teatro de’ira Vol. 1’, que de hecho dejaba la canción ganadora de Eurovisión ‘Zitti E Buoni’ casi como algo secundario. Una presentación esta, en la que por un momento, creíamos que íbamos a ver la famosa práctica de sexo oral a una guitarra de David Bowie. «Guitar fellatio», lo llamaban, en los tiempos en que Bowie presentaba en vivo su obra maestra ‘The Rise & Fall of Ziggy Stardust’ acompañado del guitarrista Mick Ronson.
La casualidad ha hecho que el año pasado coincidieran dos novelas ambientadas en la decadente Glasgow de los 70 y 80, una ciudad degradada y violenta por efecto de la crisis económica provocada por la reconversión industrial. La primera fue ‘Hijos de febrero’, de Alan Parks. Un sórdido y brutal relato criminal situado en los bajos fondos y los barrios obreros de la gran urbe escocesa. La segunda es ‘Historia de Shuggie Bain’, ambientada en los mismos barrios pero en un tono muy diferente.
El extraordinario debut de Douglas Stuart, diseñador de moda de 45 años (ha trabajado para Calvin Klein o Ralph Lauren), ganó de forma inesperada el Premio Booker, el más prestigioso en lengua inglesa. Stuart era un desconocido y no tenía apoyos de ningún tipo. De hecho rechazaron su manuscrito en más de 40 ocasiones. Sin embargo, una vez leído, lo más increíble no es que le dieran el premio, sino que este libro sea una primera novela y que las editoriales lo rechazaran (alguien capaz de describir la vigilancia de las vecinas fisgonas con la frase “sentir la brisa de mil visillos agitándose” debería disparar las alarmas de cualquier editor).
La historia de Shuggie Bain no es exactamente la de Stuart, pero casi. Al igual que el protagonista de la novela, el autor es hijo de una madre alcohólica, creció en un barrio de Glasgow azotado por el desempleo y la pobreza, y sufrió acoso escolar por su amaneramiento. Su historia es la de muchas familias obreras británicas que sufrieron los golpes del puño de hierro de Margaret Thatcher. La de las novelas de Irvine Welsh o las películas de Ken Loach o Mike Leigh.
La diferencia es que la mayoría de esos retratos sociales han sido contados desde un punto de vista masculino heterosexual. ‘Historia de Shuggie Bain’, en cambio, está narrada a través de los ojos de una mujer abandonada y adicta a la bebida que sobrevive con ayudas públicas, y del pequeño de sus tres hijos, un chico con “demasiada” pluma que prefiere no salir de casa para no sufrir las burlas de sus vecinos y poder vigilar a su madre para protegerla de sí misma.
También, a diferencia de muchos de esos relatos, el discurso político no está subrayado con lápiz rojo en primer término. ‘Historia de Shuggie Bain’ es ante todo una emotiva historia de amor maternofilial situada en un contexto social marcado por la crisis de la desindustrialización. Un desgarrador drama narrado con enorme delicadeza y sensibilidad, con una gran compasión por sus personajes, que contrasta con la sordidez y la inclemente hostilidad del ambiente donde transcurre. Un descenso a los infiernos del alcoholismo descrito con un escalofriante realismo (el capítulo 17 es una obra maestra de principio a fin) pero a la vez con una ternura devastadora. Sin duda, una de las grandes novelas de 2021.
Juro que, juro que, juro que… he escuchado a una persona asegurar que Rosalía puede quedar como “one hit wonder” tras el revuelo que han despertado los últimos teasers de ‘MOTOMAMI’. Dejando de lado que son eso, teasers, de además temas que ni siquiera sabemos si van a ser singles o bonus tracks, ¿cuán fascinante puede ser este grado de despiste? Si Rosalía fuera acaso “one hit wonder”, ¿cuál demonios sería su hit?
Aún recuerdo cuando tontamente pensé que el mayor éxito de su carrera iba a ser… ‘Aunque es de noche’. ‘Antes de morirme’ se ha revelado como el mayor sleeper que ha tenido con 170 millones de streamings solo en Spotify. ‘Malamente’ es su canción más emblemática ya por encima de los 200 millones. Su colaboración con Ozuna ‘Yo x ti, tú x mí’ tiene el doble, 425 millones, y se acerca a este dato ‘TKN’ con Travis Scott, unos 350.
A falta de averiguar cuál es el techo de ‘LA FAMA’ con The Weeknd, que continúa en el top 200 del global de Spotify, exactamente en el puesto 118 después de haber sido número 1 en España y de llegar al Billboard Hot 100 pese a que los más despistados creen que no es un hit (hay gente que se engaña a sí misma más que Esperanza Aguirre), son dos canciones las que realmente lideran los streamings de Rosalía, por encima de los 600 millones en Spotify.
Hasta ahora su mayor hit era ‘Con altura’, la colaboración medio rapera que la cantante hizo con J Balvin y también versos del co-productor El Guincho, que sí sigue liderando en Youtube con casi 2.000 millones de reproducciones. Pero en Spoti acaba de haber sorpasso: ahora mismo es ‘La noche de anoche’ con Bad Bunny el tema más oído de Rosalía con 612 millones de reproducciones de nada. Un éxito que ha sido una sorpresa también para el propio Bad Bunny: no es la canción más oída de él, entre las que hay que hablar de colabos como ‘Dákiti’, ‘La canción’ o últimamente la sorpresa de ‘Yonaguni’, pero está casi en su podio también, contra todo pronóstico.
‘La noche de anoche’ fue número 1 en España y Puerto Rico, además de en República Dominicana, logrando un éxito significativo en Colombia, México y Argentina, donde fue top 2, top 3 y top 4 respectivamente en el ránking semanal de Spotify. Incluso en territorios europeos, los que más se resisten en Occidente al poder de Rosalía, ‘La noche de anoche’ ha sido disco de oro en Italia y Portugal. A destacar también el caso de Estados Unidos, pues el tema llegaba a ser número 53 en el Billboard Hot 100. Veamos hasta dónde pueden llegar los singles de ‘MOTOMAMI’ y cuál podría ser su pequeño caballo de Troya en un disco suyo.
Alondra Bentley ha regresado después de tres años de parón. En estos momentos en los que prima la inmediatez y el desgaste, la bailable ‘Si tuviera’ se centra en recordar todas aquellas actividades que podríamos hacer si no nos faltara el tiempo. El día tiene 24 horas y en ocasiones necesitamos muchas más para cubrir las necesidades que la vida nos impone, ya sean laborales o personales.
Y es que en medio de la saturación y ajetreo del día a día nos olvidamos de lo que realmente nos llena, como “escribir, hacer cerámica, tocar y dibujar” y cosas tan mundanas como “bajar un rato al bar”. Con este primer single en castellano y adelanto de su nuevo disco, Alondra nos invita a detenernos a pensar “cómo la vida que nos imaginamos queda bastante lejos de la realidad”. Aprovechamos este mes cargado de nuevos propósitos para traer ‘Si tuviera’ como la ‘Canción del Día’ de hoy e intentar proponernos lograr todos esos planes en esta nueva etapa. Precisamente abriendo etapas está Alondra Bentley, quien nos cuenta un poco más de este tema pop-folk y de su próximo álbum.
¿’Si tuviera’ responde a un momento concreto de tu vida en el que dices “no tengo tiempo para nada, necesito parar”? ¿A qué época te recuerda?
Me recuerda al presente. De unos años para acá siento que he perdido el control sobre mi vida. Hay muchísimas cosas que quiero hacer y tengo la sensación que no llego a nada y cuando lo consigo es de forma atropellada. La mayoría de personas con las que hablo se siente igual que yo, es esta sociedad loca. Ya lo decía Damon Albarn en ‘Modern Life is Rubbish’ y eso que era 1993, el mundo se ha vuelto muchísimo más salvaje en los últimos 30 años.
¿Qué es lo que te animó a lanzar la canción en castellano? Es decir, esta canción como primer avance
La canción me salió de una forma muy espontánea y decidí ir al estudio y grabarla. Me gustaba la idea de publicar algo poco meditado, muy sincero y directo. Es una característica que aprecio cada vez más en cualquier expresión artística.
Este es tu primer single desde 2018, ¿es indicativo de lo que nos ofrecerá tu disco de 2022 o hay diversidad?
Hay diversidad, mucha. Todos tenemos gustos, facetas y estados de ánimo muy distintos, me gusta que los discos lo reflejen. Esta canción ya anticipa el cambio de registro y un espíritu más abierto a la hora de escribir.
‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro ha sido el mayor hit del año en España sumando hasta 9 discos de platino antes de que Promusicae cambiara el ratio para los singles en España por otro más exigente. Como siempre, es de destacar el escaso número de canciones españolas que triunfan en España. Si hablamos del top 10, apenas ‘Tiroteo’ de Marc Seguí aparece en el top 3 anual y con featurings internacionales, y ‘Mon Amour’ de Zzoilo con Aitana en el top 9.
La excepción sería C. Tangana, que además lidera la lista de discos más vendidos en España el año pasado. ‘Tú me dejaste de querer’ es top 4 anual pese a haber sido editada en 2020, ‘Ingobernable’ de Puchito ha quedado en el número 18, y también aparecen más abajo ‘Los tontos’, ‘Demasiadas mujeres’ y ‘Párteme la cara’ extraídas del mismo ‘El Madrileño’ (además de ‘Ateo’).
Con la preferencia por temas portorriqueños, colombianos o argentinos, es un éxito para Lola Indigo llegar al puesto 36 anual con ‘La niña de la escuela’ y más para Jarabe de Palo colarse en el 86 con ‘Eso que tú me das’. La primera canción en inglés de todo el top 100 es ‘Save Your Tears’ de The Weeknd en el número 30, animada por el remix con Ariana Grande. Entre los nombres anglosajones destaca el éxito de “MONTERO” de Lil Nas X (top 39 anual), ‘drivers license’ de Olivia Rodrigo (top 54 anual) y ‘Bad Habits’ de Ed Sheeran (top 56). ‘Stay’ de The Kid Laroi y Justin Bieber ha tenido una aceptación modesta en nuestro país comparando con otros territorios: top 61 anual.
‘Easy on Me’ de Adele es la gran ausencia de este top 100, pues en nuestro país quedaba en el top 12 semanal y solo ha tenido un par de meses para sumar puntos, lo cual no ha sido un impedimento para ‘La Fama’ de Rosalía y The Weeknd, que aparece en el número 98 anual, siendo la canción más joven de todo el top (7 semanas), junto a ‘Ateo’ de C. Tangana con Nathy Peluso, que en 12 semanas ha logrado posicionarse en el número 28 anual.
Así ha quedado el top 10. El top 100 completo anual podéis consultarlo en la web oficial de Promusicae.
1.-Rauw Alejandro / Todo de ti
2.-Sebastián Yatra, Myke Towers / Pareja del año
3.-Marc Seguí, Rauw Alejandro, Pol Granch / Tiroteo (remix)
4.-C. Tangana, Niño de Elche, La Húngara / Tú me dejaste de querer
5.-Farruko / Pepas
6.-El Taiger, DJ Conds / La historia
7.-Justin Quiles, Chimbala, Zion & Lennox / Loco
8.-Bad Bunny / Yonaguni
9.-Zzoilo, Aitana / Mon Amour (remix)
10.-J Balvin, Maria Becerra / Qué más pues?
Promusicae ofrece su resumen anual de la música en España informando de los discos y canciones más populares y también de algunos datos interesantes en cuanto a consumo. En general hay buenas noticias, si bien no espectaculares. El consumo de streaming ha subido un 23% y ya es un 85% del consumo de música en el año. Además, suben las suscripciones de pago hasta llegar al 54% del consumo total de streaming.
Curiosamente, los españoles escuchamos más música a lo largo del día que otros compañeros europeos. No obstante, las cifras anuales siguen lejos de dar los datos que se conseguían cuando se vendían discos en cuanto a ingresos. Las ventas físicas suben un 10%, y los vinilos suben un 32% a pesar de que solo el 90% de las tiendas reportan a Promusicae.
‘El Madrileño’ de C. Tangana ha logrado ser el disco más vendido del año sumando streaming y soporte físico, y además el suyo es el vinilo más vendido del año. Es por tanto doble platino por la distribución de 80.000 unidades. Eso sí, hay que apuntar que ’Sanz’ de Alejandro Sanz ha conseguido situarse en el número 4 anual con tan solo 3 semanas de vida.
Aunque quizá habría que considerar indies también a Bad Bunny, top 9 anual con ‘El último tour del mundo’ y top 11 con ‘YHLQMDLG’, editado por Rimas Entertainment; y ‘Mayéutica’ de Robe, top 18 anual bajo la autoedición de Dromedario. Son los únicos discos del top 20 anual en los que NO figuran ni Sony, ni Warner, ni Universal.
En cuanto a artistas extranjeros, hay que destacar a Camilo, que llega a ser el 2º disco más vendido del año con el simpático ‘Mis manos’, curiosamente sin haber sido nunca número 1 en la lista semanal; y a Dua Lipa con ‘Future Nostalgia’ animada por su reedición. Adele logra llegar al top 15 anual con tan solo 6 semanas de longevidad de ’30’, mientras Doja Cat aparece en un modesto puesto 78. Esperábamos una posición mejor también para Måneskin, que han quedado en el top 52 anual, mientras viejos álbumes de Taylor Swift, Ariana Grande y Lady Gaga sobreviven en la parte baja del top de 2021. Así ha quedado el top 10, el top 100 completo podéis consultarlo aquí.
1.-C Tangana / El Madrileño
2.-Camilo / Mis manos
3.-Dua Lipa / Future Nostalgia
4.-Alejandro Sanz / Sanz
5.-Rauw Alejandro / Vice versa
6.-Aitana / 11 razones
7.-Olivia Rodrigo / Sour
8.-Fito y Fitipaldis / Cada vez cadáver
9.-Bad Bunny / El último tour del mundo
10.-Rauw Alejandro / Afrodisíaco
Rigoberta Bandini vuelve a ser top 1 en JNSP con ‘Ay mama’ justo cuando el tema va a presentarse en Benidorm Fest, donde se elegirá la canción española para Eurovisión. La canción está siendo apoyada por Telecinco desde hace unos días.
Entran fuerte Stromae y The Weeknd con sus últimas aportaciones a las playlists de música pop, pero no queda demasiado atrás lo nuevo de Fontaines DC ni Kae Tempest ni Let’s Eat Grandma, en torno al top 10. Ferran Palau, Destroyer y Burial llegan al top 40 también.
Llamativa es la escabechina esta semana: son eliminados temas que habían sido tan mimados por vosotros como los últimos o penúltimos de ABBA, Dua Lipa, Rigoberta Bandini (‘Julio Iglesias’), Taylor Swift, Charli XCX o Rosalía con The Weeknd. Parece que con el Año Nuevo hay sed de novedades y ganas de borrón y cuenta nueva.
Entrevistar a Nacho Vegas es… ¿cómo describirlo? Una experiencia diferente. Uno atraviesa a pie la ciudad para encontrarse con él, mentalizándose para hablar, como cualquier día de diario a las 10 de la mañana, de cosas como la muerte, el suicidio o el auge de la ultraderecha. La típica conversación de gimnasio. Misteriosamente nunca salgo alicaído de estas pequeñas charlas con el artista, aunque muchas veces no sepa qué cara poner o qué decir cuando aparecen ciertos temas en la conversación. Como la música cura heridas, también lo hace hablar de aquello de lo que casi nunca hablamos.
Me avergüenza a mí mismo darme cuenta de que la muerte o incluso el sexo todavía son temas espinosos en una charla después de 20 años escuchando a Nacho Vegas, 15 escribiendo sobre su música y varios entrevistándole de vez en cuando. Nacho, que aparece recién duchado y con el pelo medio húmedo, es un gran conversador y una máquina de titulares -ambas cosas no van necesariamente unidas-. Sus entrevistas suelen producir titulares tipo clickbait y entiendo un poco a mis compañeros plumilla: sería muy tentador, por ejemplo, titular esta entrevista «En la izquierda también hay mucho gilipollas».
Más interesante, en cambio, es que se excuse por no mirar -a veces- a los ojos de la gente, aunque he toreado en peores plazas al respecto y sin explicaciones. Son reveladores su honestidad, su falta de pudor y cómo NO esquiva ciertas cuestiones. La conversación no es hilarante ni se desarrolla entre carcajadas, pero muy a menudo ofrece una sonrisa reconfortante, como si no fuera el dueño de esa mente tortuosa que a veces dibujan sus melodías. Hablamos de ‘Mundos inmóviles derrumbándose‘, estos días nuestro «Disco de la Semana», que está presentando ya en directo por todo el país. Fechas y entradas, en la web de Oso Polita.
¿Qué tal estás?
Me encuentro bien, ilusionado. Me costó mucho hacer este disco, normalmente tienes bloqueos después de un álbum y luego las canciones vuelven a surgir. Pero esta vez ese bloqueo fue muy largo. Respecto a la pandemia, me sentía privilegiado respecto a otros compañeros, porque a mí me pilló terminando una gira y pensaba en amigos y amigas que acababan de sacar disco, y en las consecuencias de eso. Muchos amigos en mi entorno han tenido bajas laborales, rupturas, ha habido suicidios… y a mí no me estaba pasando nada. Pero me di cuenta de que me estaba deprimiendo, no me salía ningún verso. Entonces, mi mejor amigo y yo nos fuimos a Ortiguera, un pueblo pegado a Galicia donde una amiga nos consiguió una casa para estar tranquilos, y allí me desbloqueé un poco. Ya me dije: «Si vuelvo y aún me siento triste, voy al médico, al psiquiatra». Pero allí escribí e hice maquetas.
Se está hablando bastante de en qué estado de salud mental vamos a salir de la pandemia…
Sí, a mi alrededor veo cosas jevis, y es jodido. Gente que la ves con comportamientos de depresión, por la situación, puede ser.
En cambio, el disco no suena depresivo. Sé que hay gente que dirá que todos tus discos suenan depresivos, pero yo veo a veces la música como un contraste.
No sé. Cuando lo pude escuchar por primera vez con perspectiva, una semana después de terminarlo, intentando oírlo fuera de mí para ver si tenía sentido y buscando cosas que las canciones tienen en común, sí me pareció bajonero y se lo comenté a Hans (Laguna). ‘Big Crunch’ tiene un tono distinto, y por eso la metimos como contraste luminoso. El germen de cada canción es un momento duro.
Hay canciones sobre la muerte, pero me da la sensación de que no la afrontas como ‘El Ángel Simón’. No sé si me parece más poético o menos dramático. Igual es la manera de escribir con el paso de los años.
He aprendido con el tiempo. En la época de ‘El Ángel Simón’, cuando tratábamos de escribir sobre algo lo hacíamos con cierta mirada cínica, usando sarcasmo, y eso te lleva a un cinismo que nunca es bonito. A lo mejor Gainsbourg lo ha sabido hacer bien, pero no es mi caso ni mi rollo. En este disco te acercas a la realidad con una mirada que sí, que cuestiona aquello de lo que estás hablando, pero esa mirada ahora tiene algo de ternura y de empatía.
Salvo algún evento aislado para apoyar alguna causa, hacía mucho que no hacía una gira acústica, y ahora voy a hacer algunos conciertos acústicos. Este verano hice un par de conciertos solo con guitarra, y ahí recuperé ‘El Ángel Simón’, que la había dejado de tocar porque es una canción que no puedes tocar en cada gira, porque acabas estropeándola. Y me sentí bien tocándola.
¿Por qué?
Es una canción muy emblemática de ese disco, fue muy importante para mí, sin estribillo, de casi 8 minutos, con la melodía escondida, un poco trágica… Yo siempre he dicho que tiene sentido del humor y que sin sentido del humor no tendría sentido. Y también ‘Ramón In’ tiene un sentido del humor a su manera, implícito, no es como el de otras canciones. Me sentí bien porque cuando cantas canciones antiguas, las resignificas de alguna manera. ‘El Ángel Simón’ fue una canción muy importante para mí y me di cuenta de que podía seguir cantándola.
‘Ramón In’ es una canción de nuevo sobre la muerte de un ser querido muy cercano, ¿la podrás tocar?
Es sobre un amigo que murió en 2018. Ya la toqué este verano, yo quería que fuera lo que llaman el «focus track», que yo lo llamo el «fuckin track», pero en la oficina y los amigos a que consulto porque no se me da muy bien lo de los singles, no lo veían. (sonríe)
«Con las burradas que se cantan ahora… ¿pasa algo por decir que un amigo me la chupó en un contexto bonito, que no es ni siquiera pornográfico?»
Es un tema que habla de sexo oral y muerte, igual es un poco duro para una playlist.
Eso me decían, pero con las burradas que se cantan ahora… ¿por decir que me la chupó en un contexto bonito, que no es ni siquiera pornográfico? Oigo auténticas burradas. Volveremos sobre ‘Ramón In’, quiero hacer un vídeo más adelante.
¿Ha cambiado el modo en que ves la muerte? Cuando te entrevisto siempre me lo paso bien, me río, te veo alegre… No sé si tienes cierta tendencia a la depresión o piensas mucho en la muerte.
La muerte está presente en las canciones, es un tema recurrente en la música popular porque es la mejor excusa para hablar de la vida. Cuando la muerte te golpea, te haces muchas preguntas. Acaba de morir una señora amiga de Santiago Alba Rico, que conocí fugazmente en su pueblo, Las Hortichuelas, y que salía en ‘Violética’. En el single ‘Ese árbol’ no sé si te acuerdas de que digo: «Mi amigo Santi me habló de una mujer que se ha ganado el cielo / Y ya, tan sólo quiere morir como la sombra de un árbol seco / Tan solita la tierra y así volver a la naturaleza». Estaba inspirada en una cosa que decía ella. Murió el otro día, y Santi estaba muy afectado, y escribió un artículo muy bonito para Ctxt en el que decía que el mundo tenía cuatro patas y ahora solo le quedaba una tras la muerte de su amiga Margarita.
En ‘El Ángel Simón’… la muerte de mi padre fue muy cercana, la primera, y muy inesperada. Me hizo preguntarme muchas cosas, pero con el tiempo, por desgracia, últimamente ha coincidido que en mi entorno ha habido unas cuantas (muertes más). No siempre canto sobre ellas en los discos pero es un tema que te hace pensar muchas cosas. Piensas en ello más.
‘Belart’ es una canción que habla de ello, pero como te decía es como alegre…
‘Belart’ es sobre una amiga que se suicidó estando yo en Ortiguera, cuando estaba bloqueado. Recibí una llamada de la que no reconocí el número… Una chica de 34 años.
Lo siento (…) A veces tus textos son tan explícitos que tengo la sensación de que no tengo mucho que preguntarte… No sé si siendo tan explícitas las letras, sientes la parte de producción infravalorada, como que se habla poco de ella. ‘Ramón In’ tiene unos arreglos muy poderosos también y ‘Belart’ me parece un tema a veces incluso alegre, como te decía.
No sé si infravalorado. Procuro comunicar esto a la oficina: que se comunique que hay un trabajo de producción y de banda. Recurrí a Hans (Laguna), Cristian (Pallejà) y Ferran (Resines) en Barcelona, hicimos piña y un equipo porque la banda estaba por formar. Trabajamos con maquetas y preproducción. ‘Belart’ es un tema que tenía claro, cuando hago discos escojo el tema con que abrirlo, el tema con que cerrarlo y otro en medio para articularlo. Tenía que cerrar la canción asturiana, ‘Ramón In’ ir en medio articulando las dos mitades y ‘Belart’ tenía que abrir. Empieza con el estribillo, tiene un toque incluso industrial… para pasar a contrastar con la estrofa con ese tipo de melodía. Es una apertura fuerte. Al principio tenía solo una frase esbozada sobre «morir», pero la canción la tenía de antes estructurada. La letra la escribí después de esa llamada. No es como ‘Ramón In’, que me senté a escribir sobre él, fue el proceso inverso. Me importaba mucho construir la canción bien en el estudio para que abriera el disco. Cristian y Ferran fueron muy importantes en muchos detalles.
En el disco hay algún banjo, no sé si estás al tanto del neo-country de gente como Kacey Musgraves y el debate en Estados Unidos sobre la adaptación de lo que es el country y lo que no.
No, estoy con cosas más clásicas, estoy descolgado de novedades, a menos que me las recomiende alguien.
Y lo de la canción latina quedó como una broma de lanzamiento.
¿Una broma?
Había mucho humor en la nota de prensa diciendo que te habías pasado a la música latina y cuestionando si no había nada de política, que sí la había.
No era una broma, fue un hallazgo dar con Mancha ‘E Plátano. Puede representar en este disco lo mismo que en ‘Violética’ ‘Todos contra el cielo’, que era la cumbia de aquel disco. Yo no iba a hacer música latina solo, para eso necesitaba a Mancha. Coincidió que ‘Teatro’ de Willie Nelson es un disco que nos gustaba mucho a todos en el estudio: es cercano, tiene ritmos caribeños… A partir de ahí surgió lo de Mancha ‘E Platano. Tratamos cada canción de manera particular, y tratamos de hacerle un traje a medida. Igual que hay un tema en el que el referente es John Prine, una versión de la que nos han denegado el permiso, el referente ahí era Willie Nelson.
«Hay gente de derechas con las que no me iría a tomar un café, y otra gente con que sí»
Escuchando en casa ‘El mundo en torno a ti’, cuando dices lo de la Cañada Real, mi novio ha gritado: «¡Esta es para Andrea Levy!». No te voy a preguntar por Andrea Levy, pero sí qué quieres decir. En ‘Los juncos salvajes’ (André Techiné), hay un personaje que dice: «¡no sé cómo puedes salir con un facha!» y esa frase me marcó mucho. Tú hablas aquí de «dos mundos que no se pueden mezclar», ¿cuál es tu visión?
Yo pasé por todas las etapas. La de que toda la gente que te rodea es muy de izquierdas, no conocías a nadie que militara en la derecha y te creías que todos los gilipollas estaban en el derecha… y en la izquierda también hay mucho gilipollas. Luego cuando tienes un poco de mundo, ves que en la derecha también hay gente razonable y gente maja. Hay que diferenciar entre estructuras de poder, por ejemplo, partidos políticos, o en música, las multinacionales; y entre la gente que trabaja en ellas. Hay gente que puede ser de derechas y afín. Hay gente de derechas con las que no me iría a tomar un café, y otra gente con que sí. Te tienes que quitar ese prejuicio. Nos tenemos que entender de alguna manera.
¿Muy, muy de derechas, también? ¿Te irías a tomar algo con alguien de VOX?
Ese es el límite, un fascismo con el que hay que acabar y silenciar como sea con poder popular. Jode mucho que se estén normalizando discursos de odio por culpa de este neofascismo. Es una línea roja que no pasaría. Sin embargo, una vez conocí a unos ex votantes del PP que ahora votan a VOX, era un rollo ultra liberal, una derecha macarra, un poco farlopera (risas) No sé por qué votan a VOX, pero para que les voten 3 millones de personas tienen que tener un electorado variado. Pero luego ves a Rocío Monasterio y no puedes permitir que se normalicen ciertas cosas como una opción política válida, y eso lo tenemos que luchar desde la militancia e incluso de la cultura para evitarlo.
«Ves a Rocío Monasterio y no puedes permitir que se normalicen ciertas cosas como una opción política válida, y eso lo tenemos que luchar desde la militancia e incluso de la cultura»
Bueno, se ve que el discurso de VOX ha calado incluso en barrios pobres de Madrid donde han llegado a ser terceros.
Apelan a la clase obrera con la migración, y les puede funcionar eso. En todo caso, esta no es una canción que hable de Andrea Levy (sonríe) Sabía que me lo iban a preguntar mucho. Sería muy injusto… Es verdad que empiezas las canciones tomando referencias de momentos de la realidad, pero se acaban transformando y acaban estando muy lejos de esa realidad. Acabas recurriendo a una ficción para hablar de una realidad. Pensar en relaciones complejas en que se puedan mezclar mundos muy diferentes tiene que ver con esta canción, pero esa segunda persona a la que hablo no es Andrea Levy. Sí hablo de una relación de dos mundos diferentes, pero también hablo de mirarte al espejo y de ver contradicciones, y a veces tener que enfrentarte a ellas. Las canciones se nutren de paradojas y hay que confrontar las paradojas para poder resolverlas.
‘Esta noche nunca acaba’ tiene una base muy 50’s y yo creo que es de las mayores canciones de amor que has hecho.
Mi parte favorita del disco es una que solo tiene piano y voz, y hago un cambio vocal que no había hecho nunca, y que aprendí con una canción de Víctor Jara. Ocurrió que me di cuenta de que no le hablaba a una persona; partió de darme cuenta de que he dejado pasar muchos trenes. Hace mucho tiempo que estoy solo. Hay cosas que me da pena no haber cuidado mejor en alguna relación. Habla del amor pero desde ese punto de vista. Es la primera vez que me planteo escribir una canción de amor, pero no puedo evitar que haya algo amargo. Habla como de un amor que se te escapó y que va a permanecer ahí toda tu vida.
«Me sentía afortunado de vivir en soledad elegida, pero con el confinamiento me sentía solo de manera muy amarga. Creo que todos hemos hecho un repaso de nuestras vidas»
¿Sientes culpa, eres una persona que se mortifique mucho?
Sí, lo justo, un poco (sonríe) Tampoco llega a ser algo patológico o neurótico. Sí… En este año y medio, una cosa que aprendí un poco es lo que era la soledad. Yo siempre aprecié mucho la soledad, llevo viviendo solo mucho tiempo, siempre he querido mantener mi piso solo en Xixon, aunque viniera largas temporadas a Madrid, pero era una soledad escogida, «solitud», una palabra que no sabía que existía en castellano. La canción habla de las dos soledades, la escogida y la impuesta. Me sentía afortunado de vivir en soledad elegida, pero con el confinamiento me sentía solo de manera muy amarga. Me hizo empezar a plantearme por qué, entré en pánico. Estar solo es una putada, y me empecé a sentir culpable por muchas cosas. Yo creo que todos hemos hecho un repaso de nuestras vidas.
No sé si ‘Séptima ola’ habla algo de la pandemia, pero de nuevo, me parece que también tiene algo de reconfortante.
No es pandémico, no lo pensé en absoluto. Yo no hago surf, pero en Xixon se hace mucho y me comentan que las olas vienen de 7 en 7. Es una referencia a eso, me imaginé como una última ola porque el mar siempre lo utilizo, es un símbolo que está en todos mis discos.
Es curioso que me hayas dicho que la canción política para ti es el contrapunto alegre del disco. Cuando pienso en VOX o en Ayuso justo me parece la parte más deprimente de la vida, y para ti es la parte alegre del disco.
Al hacer canciones políticas, hay que huir de la solemnidad. Es el tópico: soltar un sermón, un panfleto, alguien te va a soltar su ideario para adoctrinarte. En realidad, no es el caso de esta canción que va por otro lado. Pero para mí los maestros de la canción política han hecho canciones divertidas, como Phil Ochs, Housemartins, Liberace… siempre me gustó mucho ese contraste, usar la política pero en contexto luminoso, sabiendo que la política hoy es un lugar oscuro. También pasa con las canciones emocionales. En el country antiguo Hank Williams, por ejemplo, son canciones de acordes mayores, «fiddles» alegres… y las letras son tragedias amorosas. La música popular utiliza mucho esos contrastes de canciones saltarinas y letras oscuras.
Christina Aguilera ha publicado esta noche la primera parte de su proyecto en castellano ‘La fuerza’, un EP que contiene los singles que hemos conocido en los últimos meses de 2021, ‘Pa mis muchachas’ y la nihilista ‘Somos nada’. También incluye una ranchera llamada ‘La Reina’.
Pero la gran baza comercial parece el tema con Ozuna, ‘Santo’, para el que esta noche se ha estrenado un vídeo de cierta factura. Una canción tan genérica que nos habla a estas alturas de perrear, que está siendo comparada con mucho tino en nuestros foros con Lola Indigo, pero que resulta su tema más disfrutón en mucho tiempo. El vídeo ya está en el top 10 de Youtube España, lo cual siempre se puede asociar a la curiosidad o al poder actual de Ozuna, pero es innegable que el tema tiene bastante más «punch» que los 2 sencillos anteriores, pese a que ‘Pa mis muchachas’ tuviera sus defensores en nuestra redacción.
La cantante ha explicado a Billboard que le hacía mucha ilusión retomar su carrera en español más de 20 años después de ‘Mi reflejo’ ahora que es madre y tiene una carrera, para “traernos una nueva visión” y una “perspectiva más profunda”. Añade que le da miedo y puede ser “intimidante” porque “no habla español tan bien como inglés” pero que era un reto. “Es sobre mí siendo yo en mi propio viaje de la vida. Podría llorar con esto. Significa mucho para mí”.
Habrá 3 partes en este proyecto del que os dejamos con el tracklist.
1.-Ya Llegué
2.-Pa Mis Muchachas
3.-Somos Nada
4.-Santo
5.-Como Yo
6.-La Reina
Fugees iban a realizar una gira de 25º aniversario sobre su gran disco ‘The Score’, el que incluía los hits ‘Fu-Gee-La’, ‘Ready or Not’ y la versión de ‘Killing Me Softly’. Sin embargo, debido a la covid y tras un aplazamiento de las fechas de noviembre y diciembre a 2022, han decidido tirar la toalla y no anunciar un aplazamiento como es lo normal estos días, sino directamente una cancelación. Es decir, esta vez se anuncia la devolución del dinero para los que hayan comprado entrada, no que las mantengan para una fecha hipotética.
Este es su comunicado: «Entendemos la decepción que aguarda, pero nuestra gira de aniversario no podrá realizarse. La continua pandemia de covid ha puesto en dificultades las condiciones de las giras, y queremos asegurarnos de mantener a nuestros fans y a nosotros mismos seguros y con salud. La idea surgió para honrar y celebrar este 25 aniversario de The Score, pero ahora vemos que puede que no sea nuestro momento para revisar este trabajo».
Sin embargo, dejan la puerta abierta a volver cuando todo esto pase, al tiempo que recuerdan el único concierto de presentación que pudieron realizar el día 22 de septiembre, cuando interpretaron 8 temas del álbum: «Estamos agradecidos por la noche especial que pudimos compartir con algunos de vosotros en Nueva York, con ese raro momento en vivo. Si la oportunidad, la seguridad pública y la programación lo permiten, esperamos poder volver a visitaros en algún momento pronto. GRACIAS por el amor y apoyo a lo largo de los años».
Lana del Rey ha estrenado hoy viernes, como vaticinábamos hace unos días, su tema para la banda sonora de ‘Euphoria’. El mundo está revolucionado con el regreso de esta gran serie, y eso que solo se han dejado caer por HBO los dos primeros episodios de la segunda temporada. El avance del tercero, que toca el próximo 23 de enero, es el que incluye este ‘Watercolor Eyes’ que se ha estrenado hoy en su versión completa.
Sobre un punteo muy 50’s y con ciertos elementos en común con ‘Shades of Cool‘ de ‘Ultraviolence’ (2014), Lana habla sobre la tortura de hacer el amor con alguien con quien ya has roto. La cantante lamenta que el «amor joven no dure para siempre», pero lo hace con imágenes sugerentes, en este caso muy fruteras, y no en el sentido sexual de la palabra. La artista nos habla de «veranos cálidos» y «sandías refrescantes», concluyendo que «tu amor escuece como sangre y limón» en lo que parece un símil con una picadura de mosquito («sting»).
Lana del Rey no logra un top 40 en las listas de singles de UK o USA desde otra banda sonora, la de ‘Don’t Call Me Angel’ con Ariana Grande y Miley Cyrus para ‘Los Ángeles de Charlie’ (2019), y antes de eso desde ‘Lust for Life’ con The Weeknd, siendo en el último lustro más bien una artista de álbumes. Este ‘Watercolor Eyes’ ha sido apoyado por playlists como «New Music Friday» o «Chill Pop» pero no por Today’s Top Hits.
Últimamente Cardi B, Rihanna, Dua Lipa y Katy Perry han llevado cosas suyas rescatadas del pasado pese a que se había retirado de la marca Mugler en 2002, volviendo como consejero en 2013. Mugler también fue director artístico de la gira ‘I Am…’ de Beyoncé en 2009, mientras Lady Gaga rescató un modelo suyo para el vídeo icónico de ‘Telephone’, el de la palmera negra sobredimensionada. Un revival que le permitió ser una de las marcadas de lujo más aclamadas entre la generación Z. 
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