Rigoberta Bandini lanza este viernes el videoclip de ‘Aprenderás’, el quinto single de ‘Jesucrista Superstar‘, una colaboración con la desconocida Carmen Lancho. Antes, Bandini ha publicado el cuarto, ‘Soy mayor’. De todos ellos, es el que refleja una mayor evolución en su sonido.
Una reflexión sobre el ciclo de la vida, ‘Soy mayor’ pondera las contradicciones de la edad adulta. Por un lado, Bandini necesita tener el «armario ordenado». Por otro, abraza el caos quedándose en un bar «hasta las seis de la mañana», libre de responsabilidades.
Pero ‘Soy mayor’, sobre todo, examina esa juventud que nunca perdemos. En la canción, Bandini reconoce que la vida le da «el mismo miedo que a los nueve años». Su descubrimiento es que cumplir 30 años no hace la vida más fácil de manejar. En realidad, ser mayor también es un disfraz, como el que se pone Rigoberta de «señora que sale a comprar el pan».
Una canción llena de frases 100% marca de la casa, ‘Soy mayor’ -la pista 2 del segundo CD de ‘Jesucrista Superstar’- recorre temas de la vida de Paula Ribó como su maternidad, su salud o su profesión, y lanza un dardo a los periodistas que la han entrevistado y que han podido reducirla a un clickbait, comparando su labor con la de Jordi Cruz en ‘Art Attack’.
La parte musical es parecida a la de ‘Kaimán‘, pero el synth-pop de ‘Soy mayor’ ahora es mucho más melancólico y conmovedor. A esta apreciación contribuyen el coro góspel que acompaña a Ribó durante la canción y que responden a las reflexiones de Bandini en tercera persona; y la aparición de una trompeta al final de la grabación que remata la pieza, con todo el buen gusto del mundo.
La vizcaína Janire es una de las artistas revelación nacionales de las que os hemos hablado en el último año, gracias a la pegada de himnos como ‘Pixel Negro II‘ o ‘1AM‘. La propuesta de Janire Bermejo se diferencia de la norma gracias a un sonido potente y voraz que recuerda al rock electrónico que grupos como Garbage practicaban en los 90. ‘1AM’ o ‘Pixel Negro II’, dos de sus himnos, se incluyen en su álbum debut, ‘Las Huidas’, publicado por Mushroom Pillow a finales de 2024.
Janire -que es de Barakaldo pero reside en Madrid- ha pasado por diferentes fases antes de llegar a ‘Las Huidas‘: ha sido bajista de Repion, ha trabajado con músicos asociados a Amaral o Dani Fernández y, muchos antes, dio sus primeros pasos en la música tocando en bandas de pop y punk. Janire, además, vivió en casas okupa y, en una nueva entrega de Meister of the Week comisariada por Jägermusic, ahonda en un tema que conoce de cerca: los espacios queer.
¿Por qué es importante colectivizarse y conservar espacios queer y feministas seguros?
Para mí, colectivizarse pasa por generar una red resistente desde la que ser una misma, conectar con la diversidad y vulnerabilidad propia y de otrxs, y conseguir herramientas con las que poder desarrollarte personal y artísticamente. Los espacios seguros me parecen fundamentales porque son ambientes propicios para poder existir con naturalidad y cuidarse colectivamente, fuera de los prejuicios de la norma que tienden a individualizar y a hacerte sentir rara, como que algo tienes o haces mal que no terminas de encajar. Y como dice Cristina Morales, «la resistencia no está en solitario, sino en el encuentro con otrxs”.
¿Qué precedentes de colectivización ayudan a idearlos hoy?
Podríamos hacer un listado histórico, desde los movimientos feministas de los 70 y las disidencias y comunidades trans, hasta las raves de electrónica de los 90, pasando por los gaztetxes. Pero creo que es súuper interesante fijarse también en vínculos colectivos que damos por hecho en el día a día, como pueden ser los barrios o las amigas.
¿Cuándo comienza tu interés por el activismo?
En mi caso no hubo una intención de ser activista, diría que mi interés por el activismo fue por supervivencia. Vino un poco de la búsqueda de la “normalidad” en la confluencia de mis identidades: como mujer, como persona bisexual y como artista. Hay momentos en los que tomas consciencia de esto porque se te lee y se te trata distinto, sobre todo en ámbitos como la música. Ahora bien, yo no soy activista, me visibilizo en mi música y en mi vida, apoyo causas sociales y hago pedagogía siempre que puedo, pero tendría la cara muy dura si me comparara con personas que llevan a cabo acciones directas para defender nuestros derechos básicos.
¿Cuál es tu experiencia en el ámbito de los espacios queer o feministas?
Son los espacios que decido habitar, los que siento como lugares en los que poder estar tranquila, que a veces parece algo imposible. No quiero decir que en estos espacios no surjan conflictos, que también los hay, pero están muy alejados de la hostilidad. Además, generalmente estos círculos están en revisión y autocrítica constante. Al menos, esta ha sido mi experiencia. Para mí son espacios necesarios.
El concepto de espacio ha sido históricamente analizado en la teoría queer. ¿Por qué es importante construir espacios físicos propios?
Porque los espacios nunca son neutrales. Por ejemplo, las propias ciudades están diseñadas con una lógica heteronormativa que no tiene en cuenta otras identidades. Y construir espacios propios es una manera de reconfigurar esto, es habitar un espacio que sí te tiene en cuenta. Esto te da mucho poder, básicamente porque no te margina.
¿A qué desafíos se enfrentan las personas queer y feministas a día de hoy, en espacios hegemónicamente masculinos, como la música y el fútbol?
Hace poco charlaba de esto con Olga Iglesias. El fútbol o tener una banda de música son una representación canónica de espacios de “hermandad” masculina que hasta hace poco parecían inaccesibles para nosotras. Pero siento que hemos empezado a hacer nuestros esos espacios, a generar sentimiento de grupo, particularmente las mujeres lesbianas y bisexuales, frente a la individualidad que de alguna manera teníamos impuesta. Hay unas diferencias de repercusión, de espacios y condiciones abismales que por supuesto hay que señalar. Pero también creo que nosotrxs lo estamos haciendo bien.
«Mantener espacios seguros no depende de que haya una ley, sino de que esas leyes se lleven a la práctica y se protejan»
¿Hay alguna manera en que apliques la idea de colectivizarse en tu proyecto musical, por ejemplo en tus conciertos?
Con mi música hablo de mí, de mis experiencias personales desde una perspectiva lgtbiq+, de las cosas que pasan a mi alrededor… como se lo podría estar contando a una amiga. Creo que eso es una manera de visibilizar y de generar una energía colectiva en la que sentirte segurx. Y estamos hablando de ello, no solo en el escenario, sino también en una entrevista como esta.
¿Crees que en España se ha avanzado en la protección de estos espacios?
Se ha avanzado, pero queda mucho por hacer. Creo que institucionalmente ha habido intención, pero que no es suficiente. Al final, crear o mantener espacios seguros no depende de que haya una ley, sino de que esas leyes se lleven a la práctica y se protejan. Ha habido muchos avances en el discurso, pero siento que en la práctica lo que sostiene estos espacios son la autogestión y los propios colectivos.
¿Recomiendas escritos que analizan la idea de los espacios colectivos queer?
‘La política sexual de la carne’ (1990) de Silvia Federici, ‘Vivir una vida feminista’ (2018) de Sara Ahmed o ‘Best Friends 4Ever’ (2023) de Cris Lizarraga… Aunque creo que ahora mismo hay un montón de referentes interesantes que hablan sobre esta y otras cuestiones relacionadas en redes sociales o coloquios.
¿Qué espacios conoces que existan en España que recomiendes tener en el radar?
Las fiestas de Esto es un Cuerpo que organiza la editorial Comisura en Madrid. Creo que estos encuentros son una cita indiscutible. Las fiestas y actividades de BileraBi y el espacio de La Sinsorga en Bilbao, el festival Agrocuir en Galicia, el festival Una Señora Fiesta o el espacio La Lata de Zinc en Asturias, por ejemplo.
Seis años desde su último álbum en solitario como Panda Bear (entre medias, ‘Reset’, su colaboración con Sonic Boom), Noah Lennox regresa a su celebrado proyecto con energías renovadas. ‘Siniser Grift’ deja de lado la parte más sesuda de su música, y abraza una claridad sonora que no requiere de ningún esfuerzo para adentrarse en ella. Si los anteriores trabajos del artista -y de su banda Animal Collective- a menudo demandaban varias vueltas para entender y disfrutarlos al completo, este nuevo álbum apuesta por la inmediatez.
Esto se aprecia desde las primeras notas de ‘Praise’, la apertura del álbum, una alegre composición de pop psicodélico, muy en la línea de The Beach Boys. Si bien Lennox ha estado asociado con este sonido desde hace años, en esta ocasión se acerca a él de una manera más orgánica y clásica. Panda Bear y su co-productor y colega de Animal Collective Josh Dibb, otorgan siempre el máximo protagonismo a unas melodías exultantes, aparentemente cargadas de optimismo, pero sin olvidarse de ciertos elementos sombríos que funcionan para bajarlas a tierra.
‘Anywhere But Here’ juega con ese contraste, con una armonía de apariencia relajada que esconde varias cavilaciones existenciales y a la que atraviesa una melancólica línea de bajo. Panda Bear, que vive desde hace años en Lisboa, alterna sus versos con los de su hija Nadja, quien recita los suyos en portugués. La canción versa sobre su divorcio con Fernanda Pereira, la madre de sus dos hijos y con quien llevaba casado 20 años. No es la única del disco que gira en torno a este tema, aunque ‘Sinister Grift’ se niega a ser un álbum conceptual sobre una ruptura.
Lennox no habla tanto de sus experiencias personales de manera directa como solía hacerlo antes, dejando más espacio a la interpretación, con letras que no se permiten ser especialmente reveladoras. En cualquier caso, un par de líneas a veces son suficientes para transmitir ese vacío tras terminar una relación, como en ‘Left In the Cold’ (“Left to grow old / Left in the cold”). La producción más despojada de adornos y abiertamente triste llega en ‘Elegy for Noah Lou’, una bella composición de 6 minutos de cadencia pausada, casi fúnebre, situada en penúltimo puesto en la secuencia.
El artista no quiere acabar así el proyecto, sino con una nota mucho más optimista, más parecido a lo anteriormente mostrado. ‘Defense’, en colaboración con Cindy Lee, tiene un marcado carácter indie-rock con tintes psicodélicos, elevada por unos magníficos solos de guitarra.
Más allá de esos mencionados momentos de mayor oscuridad, Panda Bear propone un álbum muy centrado en la luz, pese a las adversidades. La amalgama de géneros y tonalidades que se manejan en cada canción son innumerables. ’50mg’ y ‘Just As Well’ se inclinan tanto al reggae como al pop psicodélico. La fantástica ‘Ends Meet’ se mueve en una textura similar, aunque mucho más explosiva, sonando tan vintage como actual.
‘Ferry Lady’ coquetea con la electrónica, en una de las producciones más recargadas del proyecto, pero que suena sorprendentemente limpia. La sutil sección de vientos, la resplandeciente melodía y la expresiva voz de Lennox hacen de ella uno de los momentos más bonitos del álbum. A lo largo de sus 10 pistas, ‘Sinister Grift’ fluye con auténtica gracia, encontrando un difícil equilibrio entre la ligereza y la gravedad. Es, indudablemente, el trabajo de un gran músico que hacía tiempo que no brillaba con esta intensidad.
Si entras en el perfil de Spotify de Shakira, verás que en el top 5, superando ahora mismo a ‘Chantaje’ e incluso a la sesión de Bizarrap, hay una canción que no tiene videoclip y que fue ¡quinto! single (cuando había quintos singles) de su debut oficial, ‘Pies descalzos’, allá por 1995. Se trata de ‘Antología’, que hace unos días se convertía en el primer tema de una cantante en español del siglo pasado en superar los 500 millones de reproducciones en Spotify. La colombiana ha dejado mínimo un megahit en cuatro décadas distintas, y ha conseguido mantenerse relevante para distintas generaciones, pero este dato sigue siendo impresionante. Aunque, para impresionante, el hecho de que escribiera ‘Antología’ con 17 años. ¿Qué estamos haciendo nosotros con nuestras vidas?
‘Antología’ surgió a partir de la relación que vivió la cantante con el empresario Óscar Ulloa y, como el resto de ‘Pies descalzos’, está compuesta por Shakira y producida junto a Luis Fernando Ochoa, con quien hizo el disco quedándose «hasta las tres de la mañana en el estudio cada noche”, según contó la artista en una reciente entrevista con GQ.
La producción no es lo destacable de ‘Antología’, y admito que no tiene mucha complejidad. Pero esa sencillez, a mi juicio, juega a favor, algo que se ve mucho mejor en la letra… que sí es lo que hace que esta canción llegue tantísimo. Shakira siempre ha sido una gran letrista, capaz de mezclar lo ñoño con el humor y con el deseo, y ‘Antología’ fue precursora de grandes baladas que iría publicando después, como ‘Moscas en la casa’, ‘Que me quedes tú’, ‘Antes de las seis’, o la reciente ‘Acróstico’.
La canción tiene una estructura extraña, con estribillos cambiantes que son casi más estrofas, y, a la manera de la letra de Rafael Pérez Botija para ‘El Amor’ de Massiel, se sirve de metáforas para explicar algo tan indescriptible. ‘Antología’, eso sí, no va tanto a la épica sino a la tierra, añadiendo también inocencia con anécdotas específicas de Shakira que consiguen ser universales. De hecho, podría no mencionar la palabra “amor” en todo el tema, y, aun así, seguiríamos sabiendo a qué se refiere cuando dice “aprendí lo que significa una rosa” o “aprendí a quitarle al tiempo los segundos”. La inocencia del primer amor está presente cuando Shakira descubre que se pueden “reemplazar palabras por miradas” o cuando afirma “despegaste del cemento mis zapatos / para escapar los dos volando un rato”. Si ‘Antología’ se lanzase hoy, veríamos en TikTok fotomontajes de parejas con esa retahíla de fondo, como ha ocurrido con ‘DtMF’.
Tan bonito fue lo que sintió y tan bonito es cómo lo describe que, aunque en la segunda estrofa Shakira intente nombrar problemas o aspectos menos positivos (“mentiras”, “equivocaciones”, “no adecuadas”), casi ni nos damos cuenta. Incluso, olvidamos cómo empieza la canción: hablando de este amor como algo que terminó. ‘Antología’ es Shakira hablando de un amor que ya no existe. ¿O quizás sí? Quizás eso es lo que extraemos de esa canción: la relación se habrá acabado, pero el amor no muere. Lo cual suena precioso pero también es doloroso: demonizar a la persona es más triste, pero es cierto que ayuda a “superarlo”.
Ese dolor lo menciona Shakira al principio de ‘Antología’; la canción es también ella preguntándose si, por mucho que sintiera todo lo que describe, merece la pena, cuando luego puede venir la ruptura y traerle tanto dolor. Y que el final sea “fue por ti que descubrí lo que es amar” en bucle… es una buena respuesta a esa pregunta. Porque lo cierto es que conectar de verdad con alguien es tremendamente difícil, no digamos ya amar (que no «estar enamorado»). Confiar, admirar, cuidar y querer tanto a alguien, y que todo esto sea correspondido… es casi un milagro experimentarlo. Por eso, aunque se haya acabado, si hay alguien que se te viene a la cabeza cuando Shakira canta “fue por ti que descubrí lo que es amar”, puedes sentirte afortunado. No sé si ‘Antología’ es la mejor canción de Shakira, pero, sin duda, es una de las más especiales.
Zahara, top 4 en España con ‘Lento ternura‘, pese a que la edición física de su disco aún no ha llegado a grandes almacenes por retrasos en la fábrica, ha sido la última invitada musical de ‘La Revuelta‘. Allí la cantante y Broncano han recordado cuando fueron vecinos en un pueblo de Jaén, cuando tenían unos 8 años. Zeta le entregó una copia de su disco -muy cotizada en estos momentos- y aceite de oliva de Úbeda. Así, ‘La Revuelta’ contrarrestaba al invitado principal, futbolero (Marcelo, del Real Madrid), con la autora de ‘PUTA‘.
Ella no optó por interpretar ninguno de los 4 singles que adelantaron ‘Lento ternura’, sino una de sus muchas joyas perdidas. En concreto ‘Soy de un pueblo pequeño’, la coplilla que cierra el álbum y que es nuestra Canción del Día.
Zahara interpretó el tema con la única compañía de Martí Perarnau IV al piano, prescindiendo de la parafernalia electrónica de la grabación original. La desnudez del formato resalta la letra en la búsqueda de una misma, en concreto a través de tópicos como parecerse a una madre.
‘Soy de un pueblo pequeño’ es una carta de amor a nuestro lugar de origen, una confesión de cotidianidad que incluye frases como «soy de fritillos para cenar». Ella misma la describe como «muy bonita» en el programa. Pero también contiene matices: ¿cómo va a conocernos la gente de nuestro pueblo cuando nunca terminamos de conocernos a nosotrxs mismxs?
Por eso «crees que me conoces» es la primera frase del texto. Esto nos decía Zahara sobre ‘Soy de un pueblo pequeño’ cuando la entrevistábamos: «La última canción del disco es sobre esa cosa de cuando eres famosa en el pueblo. Mi frase favorita de esa canción es la de «tiene la misma cara de su madre». «Mira, ahí va la cantante…» Todo el mundo que ve esta entrevista, cree saber lo que soy. Y se parece mucho a lo que soy. Pero siempre hay algo, no que me lo guarde porque me lo quiera proteger, sino porque es imposible que conozcan y que vean todo. Sobre todo, porque, por mucho que yo lo contara todo, aun así iría filtrado por lo que proyectan que soy, otra cosa que alguien ha dicho, lo que siente, lo que le gusta o no mi música, lo guapa o fea que le parezca. Nunca va a ser un pensamiento real sobre lo que soy. Pero me lo están proyectando. Cuando voy por mi pueblo, me dicen: «Ay, te va muy bien, estás muy guapa, estás fantástica». Y yo pienso: «No te enteras de nada». De hecho, tú escuchas este disco y me dices: «¿Estás feliz? Porque es muy oscuro». Y eso me gusta. Porque veo que has visto algo en el disco. Has conectado con eso y sé que otras personas no lo van a ver. La mayoría no lo va a ver, porque en la portada estoy con unas bragas rosas y estoy monísima».
Zahara actúa próximamente en SanSan Festival y Warm Up, entre otras fechas que podéis consultar en su web.
Noah Lennox, alias Panda Bear, vuelve con su primer disco en seis años. ‘Sinister Grift’ es un cambio respecto al anterior disco de Lennox, ‘Buoys’ (2019), alejándose de la producción electrónica de aquel y apostando por un sonido más orgánico. Al menos, en la superficie.
Producido por Josh Dibb, ‘Sinister Grift’ es el primer disco de Panda Bear en el que colaboran todos los miembros de Animal Collective, de una forma u otra. Y no solo ellos: Cindy Lee y Rivka Ravede de Spirit of the Beehive también se suman al proyecto.
Este marzo, el artista presentará su nuevo disco, junto a lo mejor del resto de su discografía, con cinco conciertos en nuestro país. Estos tendrán lugar los días 22, 23, 25, 26 y 27 de marzo en Oviedo, Bilbao, Barcelona, Valencia y Madrid, respectivamente.
Nos reunimos con Panda Bear en el Hard Rock Hotel de Madrid durante el mismísimo Blue Monday y el mismo día en el que Trump asume su presidencia en la Casa Blanca. Hablamos con él sobre la autenticidad, los días libres, el reggae y Playboi Carti.
Es tu primer disco en seis años y Josh Dibb dijo que se sentía como un nuevo capítulo para ti. ¿Tú qué piensas?
Creo que el último disco, ‘Buoys’, fue el principio. Esto parece como una especie de continuación. Sé que puede parecer un poco loco de primeras, pero estos dos álbumes se sienten como un cambio. Si ‘Buoys’ era el negativo, ‘Sinister Grift’ es la fotografía. Para mí tiene sentido así. Los dos son discos de guitarras y hay mucho procesado en ambos. ‘Buoys’ parece explícitamente un disco de ordenador, pero en este eso está más escondido, como si fuera un secreto, pero para mí es claro.
A mí me pareció muy orgánico.
Creo que eso tiene que ver con la forma de trabajar de Josh, pero debajo de la superficie diría que es muy técnico.
¿Sabías que ‘Buoys’ era el principio de algo cuando lo estabas haciendo?
Definitivamente lo sentí, sí. Incluso cuando lo estábamos haciendo, sabía que se sentía super diferente a todo lo que había hecho antes. Me encanta cuando las bandas tienen ese algo que cuando lo escuchas siempre sabes que son ellos. Así que espero que mi música tenga algo así.
¿Tenías todo esto en mente mientras hacías ‘Sinister Grift’?
Sí, debería decir que la idea original era hacer las grabaciones con arreglos e instrumentos muy tradicionales. Yo tocaba y arreglaba la guitarra, el bajo y la batería, además de cantar. Luego, gradualmente, abstraíamos esas grabaciones y las transformábamos en algo diferente. La única canción que se parece a eso es ‘Elegy for Noah Lou’. Se puede oír que hay una canción ahí, pero como si la hubieran desmontado. La idea era que todo sonara así, pero después de dos o tres semanas nos gustaba la forma en la que sonaban intactas. También pasamos mucho tiempo editando los sonidos y haciendo los arreglos correctos, así que para la mayoría de las canciones sentimos que lo habíamos encontrado. No necesitábamos llevarlas a otro sitio.
Creo que esa canción destaca como la más sombría del disco, que para mí es bastante alegre. Es muy fácil de escuchar. Y entonces llega esa canción y te choca.
Sí, en términos de secuencia el disco empieza arriba, baja con ese tema y luego vuelve a remontar. Yo no quería terminar de forma triste porque la historia no es autobiográfica, pero se basa en cosas que pasé y mi historia no terminó en la ruina, así que no quería que el álbum se sintiera así.
En general, ¿dirías que tu música es autobiográfica?
Antes lo era mucho. Solía sentir que la mejor manera de expresarme o de comunicar algo a otra persona era ser lo más literal posible. Siempre me ha inspirado la poesía de Emily Dickinson. Una prosa muy directa, sin adornos. Luego, en algún momento alrededor de ‘Grim Reaper’, empecé a cambiar lo que me parecía correcto. En vez de mirar hacia adentro, miraba mucho más hacia afuera y ahora es un poco como un híbrido de las dos formas. Para mí es importante que las canciones estén arraigadas en algo que tenga significado para mí, pero también siento que si son demasiado personales, pierden fuerza. Creo que contar historias es la mejor forma de transmitir un mensaje. Tal vez es una cosa de la edad porque ya soy un tipo viejo y estoy más interesado en compartir cosas con la gente que antes.
Sí, estás dando un espacio para que la gente pueda verse en la música. Si es claramente sobre ti, entonces solo es para ti.
Estoy de acuerdo, pero no me solía sentir así.
¿Cómo te sentías?
Supongo que es la arrogancia de ser una persona joven y en cierto modo asumes que lo que estás pasando tú es lo que todo el mundo está pasando o que todos serán capaces de encontrarse a sí mismos en esta cosa súper específica que has experimentado. No estoy enfadado conmigo mismo. Simplemente es como muy de su tiempo, muy de esa edad y supongo que ya no soy exactamente esa persona.
‘Defense’ es una de las mejores canciones del disco. Suena a Panda Bear y a Cindy Lee a partes iguales. ¿Os conocíais de antes?
Nunca he estado en la misma habitación que él. Ha tocado en algunos conciertos con Animal Collective y ha visitado la casa de Josh en Baltimore un par de veces. Yo era fan desde Women y también de todo su material en solitario después de eso. Es genial ver que tiene tanto reconocimiento ahora, pero ha sido muy bueno durante mucho tiempo. ‘Diamond Jubilee’ es increíble, pero no es noticia para mí.
«Ya soy un tipo viejo y estoy más interesado en compartir cosas con la gente que antes»
Para el resto del mundo, un poco sí. Creo que mucha gente lo ha descubierto con este disco.
Siento que entras y sales de sintonía con la gente. Y con gente me refiero a grandes grupos de personas, no a individuos. El viaje que estás haciendo como persona creativa no tiene sentido para grandes grupos de personas. Quiero decir, alguien como Arthur Russell no tuvo realmente ningún éxito en su propia vida, y es un poco triste. Estas personas, como Nick Drake, en su tiempo se sentían confundidos: ¿Por qué a la gente no le gusta lo mío? Al menos en mi experiencia, hay cosas que parece que no vayan a encajar con la gente y lo hacen, y lo contrario también es cierto. ‘Dimaond Jubilee’ realmente ha resonado en este momento.
Creo que tu música puede ser algo desafiante, pero con este disco no. Es muy instantáneo.
Creo que atribuiría parte de eso a la producción de Josh y a su punto de vista sobre las cosas, que es lo mismo que trabajar con Sonic Boom. Es como si estuviera filtrando mi música a través del punto de vista de otra persona y eso le da un carácter que no tendría si fuera yo solo. Los sentimientos inmediatos y más cálidos de este disco son en gran medida un producto de Josh y su forma de trabajar. Él es mucho más una persona de letras que yo, así que siento que el tipo de franqueza de la música es un poco su influencia. Si él no hubiese sido una parte del disco, probablemente habría terminado sonando más obtuso y extraño. Por eso creo que colaborar es genial, porque acabas en lugares inesperados.
Noto mucha influencia del reggae en ‘Ferry Lady’, ‘Praise’ y ‘Ends Meet’. De ahí seguro que también viene la alegría.
Alguien me dijo que era cumbia, en ‘Ferry Lady’ específicamente. Entiendo de lo que están hablando, pero no puedo decir que esa era la intención en absoluto.
A mí me hizo pensar en la versión dub de ‘Reset’.
Por supuesto. Siento que puedes escuchar mucha de la música que me gusta en varias canciones. ’50mg’ es mitad reggae, mitad country, al menos para mí. Hay mucho de lo que en Estados Unidos llamamos rock clásico. Como Badfinger o Thin Lizzy, algo así. El reggae, como has dicho, es una especie de fusión de muchas cosas que han significado cosas para mí a lo largo de los años, pero nunca me metí en una canción pensando «quiero hacer este tipo de canción». Simplemente sale así.
En el pasado nos has dicho que tus hijos no entienden tu música, pero supongo que eso ha cambiado.
Sí, mi hijo me dijo que le impresionaría que hiciese una colaboración con Playboi Carti.
A mí también me impresionaría.
Pensé que tal vez podría tratar de enviarle el beat de ‘playing the long game’. ¿Conoces esa canción?
La verdad es que no.
Era una cara B de ‘Buoys’. Había un montón de influencia del trap en ‘Buoys’, pero esa canción era demasiado obvia, así que no la puse en el disco. Pensé que podría funcionar con Carti, pero ya veremos.
¿Quién es tu artista del mundo del hip hop favorito?
Me gusta mucho Carti. También era muy de Young Thug. Esos son dos de mis favoritos actuales. También me gustan los tipos que suenan un poco más viejos, como Freddie Gibbs. Me gusta todo lo que hace The Alchemist, pero también me gustan las cosas nuevas. Siento que soy agnóstico de géneros. Nunca siento que sólo me guste un tipo de música. En todos hay cosas que me parecen geniales y otras que me parecen menos geniales. Se trata más del espíritu que del sonido.
Saqué el tema porque has trabajado con tu hija en ‘Anywhere but Here’. ¿Cómo fue la experiencia?
Fue muy profesional. Hizo el trabajo, y pensé que había escrito una pieza hermosa. Yo creía que había salido muy bien y le pregunté si quería escucharlo y dijo: «Nah».
¿En serio?
No quiere oírlo, así que ahí es donde estoy. Ella escribió cuatro poemas y no le di ningún tema ni nada. Sólo le dije que escribiera algo que significara algo para ella y que ya tratábamos de hacerlo funcionar. Había uno de ellos que líricamente encajaba con el material que yo había hecho. Creo que terminó todo en una hora.
No sé por qué esa canción me recuerda a David Lynch. Como un ‘Twin Peaks’ de otra época.
Interesante. Josh siempre la llamaba la canción de Boyz II Men.
Después de más de 30 años haciendo música, ¿cómo mantienes una visión consistente? Es lo que hablábamos al principio. Todo lo que haces suena exactamente a Panda Bear, aunque suene diferente.
Supongo que se trata de seguir tu olfato. Siempre y cuando no estés fingiendo, alguien va a responder. Todo esto suena muy cursi, pero mientras lo estés haciendo por amor al juego, creo que no puedes equivocarte. Espero que esa sea la razón por la que sigo haciéndolo.
«No quería terminar el disco de forma triste porque la historia no es autobiográfica, pero se basa en cosas que pasé, y mi historia no terminó en la ruina»
¿Te has encontrado fingiendo sin darte cuenta?
Sí. Esas son las cosas que nunca acaban en los discos, ¿sabes? Al hacer una grabación y escucharla de nuevo, hay una sensación muy específica que tengo y que no encuentro en ningún otro lugar en mi vida. Es como una reacción muy concreta que tengo al escuchar algo y sentirme complacido o emocionado por ello. Eso nunca ha cambiado, desde la primera vez que empecé a hacer cosas hasta ahora. Siempre ha sido la misma sensación. Persigues esta experiencia todo el tiempo y no siempre llega. Hay olas extrañas en las que siento que todo lo que hago produce esa sensación, y luego hay tres meses en los que lo intento y no sale, y al día siguiente vuelves a intentarlo. Pero en cierto modo es como perseguir al dragón. Siempre sabes cuál es el objetivo. Supongo que mientras sienta que esa es la dinámica, no puedo equivocarme.
Volverás a España en marzo con otros cinco conciertos. Haces muchos conciertos aquí, cuando el resto de artistas tienden a ignorarnos.
Sí.
Pero no sé si es una cuestión de proximidad.
Es sobre todo proximidad (risas).
De acuerdo.
Aunque me gusta mucho España. Me gusta tocar aquí. Los shows son generalmente muy buenos, pero sobre todo es porque le doy ciertas directivas a mi mánager, como que nunca quiero conducir más de cuatro o cinco horas a la vez. Quiero tocar todos los días. No quiero tomarme días libres.
¿No quieres tomarte días libres?
No me gusta tomarme días libres. Siento que hay una especie de impulso que se construye en la gira y los días libres lo arruinan. Cuando se convierte en rutina y tu mente empieza a desconectarse, cuando se convierte en una especie de cableado, es cuando las mejores cosas empiezan a suceder en el concierto, así que no lo hago. Es duro para la voz, sobre todo porque tengo mil años, pero si podemos evitar días libres, intento hacerlo dentro de lo razonable. Después de siete u ocho conciertos, probablemente sea mejor que todo el mundo descanse un poco, pero si puedo intento evitarlo.
Cynthia Erivo es noticia lógicamente por su aparición estelar en la ceremonia de los Oscar. La artista, nominada a Mejor Actriz por ‘Wicked’ (ha perdido contra Mikey Madison por ‘Anora‘), abría la ceremonia interpretando un popurrí con Ariana Grande. Si esta se encargaba de ‘Over the Rainbow’, Cynthia entonaba ‘Home’ y finalmente ambas encaraban el hit ‘Defying Gravity’.
Pero además, Erivo ha aprovechado estos días para lanzar, de manera muy hábil, un single en solitario. La artista había publicado en 2021 un disco llamado ‘Ch. 1 Vs. 1’. En él había piezas de soul pop como ‘The Good’ y baladones como ‘I Might Be In Love With You’. Ahora, tras el éxito de ‘Wicked’ y en especial del tema ‘Defying Gravity’ con Ariana Grande, publica un avance del que será su segundo disco en solitario.
‘Replay’ pretende ser «otro viaje en su vida». Ella misma advierte: «Durante los próximos meses vais a ir viendo pedazos de mi corazón, que va a ser un honor compartir».
Con una melodía propia del Morrissey más trágico o incluso próxima al gran hit de The La’s, ‘There She Goes’, ‘Replay’ opta más bien por una producción juguetona con las voces al modo de Ibeyi o de Laura Mvula.
Con un silbido propio de Western y un constante «Pa-doo-boop-pa-pa» de fondo que ni ‘Tom’s Dinner’ de Suzanne Vega, la letra habla de cómo nuestra mente puede ser nuestra peor enemiga: «soy un proyecto a medias, no puedo mantener mis miedos a raya / Mi mente es como un disco en «auto-replay»».
El tema, que tiene un crédito del hacedor de hits Justin Tranter, quien ha trabajado con Britney, Dua Lipa o Lady Gaga, devanea entre ser precisamente un «proyecto a medias» o algo que escuchar «en auto-replay». Un «lo amas o lo odias» que terminará de definirse dentro del contexto que será el segundo disco de Cynthia Erivo.
Jay-Z no está conforme con que se haya desestimado la denuncia por violación que le puso una mujer con nombre en clave (Jane Doe). Esta aseguró que había abusado de ella en el año 2000, cuando ella tenía 13 años, en una after-party de los MTV VMA’s.
La inconsistencia del caso y la falta de pruebas han llevado a su desestimación definitiva, pero ahora Jay-Z asegura que ha perdido 20 millones de dólares en contratos, y sufrido graves daños psicológicos. Por tanto ha denunciado a esta mujer y a sus abogados, Tony Buzbee y David Fortney, por difamación, proceso malicioso, conspiración civil y abuso procesal.
Esta demanda registrada en Alabama afirma que Jane Doe «admitió voluntariamente ante el representante de Jay-Z que no este no la había agredido», pero que Tony Buzbee «la presionó para que siguiera adelante con la falsa narrativa de la agresión por parte de Jay-Z para obtener un pago».
También alega que los abogados y la denunciante extorsionaron al rapero «a través de una carta privada» e intentaron «desesperadamente presionar al señor Carter para que aceptara un pago de extorsión».
El abogado Tony Buzbee ha emitido un comunicado que recoge la revista People: «Después de hablar con Jane Doe, parece que las citas que se le atribuyen en esta demanda son completamente inventadas, o hablaron con alguien que no es Jane Doe. Este es solo un intento de intimidar a esta pobre mujer, algo de lo que nos ocuparemos a su debido tiempo. No nos dejaremos intimidar por casos frívolos».
Recopilamos lo mejor del mes una vez más en nuestra playlist titulada «Las Mejores Canciones del Momento». Febrero es el mes de San Valentín y eso significa que se han publicado muchas canciones de amor, como las de Cupido o Luvcat. Han sido Disco de la Semana este mes Amaia y Zahara, entre otros.
También ha sido el mes en que hemos seguido adelantando discos que saldrán próximamente, a destacar Lady Gaga, Bon Iver y Addison Rae. Son infalibles los nuevos temas de Cat Burns o Maria Jaume con FADES. Entre las canciones de artistas noveles que destacamos, no hay que perder de vista a María Yfeu ni a Marisol Eichborn.
Luvcat / Love & Money
Cupido / Te hago un resumen
marquitos / Mis ídolos están en mi casa
Addison Rae / High Fashion
chloe moriondo / shoreline
Fousheé / feel like home
Cat Burns / GIRLS!
Lady Gaga / Abracadabra
MARINA / BUTTERFLY
Maria Jaume, FADES / Mon Cheri Go Home
Amaia / M.A.P.S.
Bon Iver / Everything Is Peaceful Love
Cariño / Y yo que pensaba
Vundabar / I Got Cracked
La Plata / cerca de ti
My Morning Jacket / Time Waited
María Yfeu / Dime que no
Alba Morena / Nirvana
Zahara / La ternura
Rico Nasty / TEETHSUCKER (YEA3x)
LISA, Doja Cat, RAYE / Born Again
CA7RIEL, Paco Amoroso / #TETAS
Dinamarca, AKRIILA / sexo virtual
Little Simz / Flood
Coco Jones / Taste
Amaral / Podría haber sido yo
Marisol Eichborn / Raíces
Azuleja / C.R.I.N.G.E.
Desmelenao / Andaluz
Vicco / Bailar y llorar
roro / Dolce&
Shura / Recognise
Giorgia / LA CURA PER ME
Nueve desconocidos / Laberinto de pasiones
BERNARDA / Otra mañana
Silitia / Lorearena
Sin novedades en el frente, ‘Capaz (Merengueton)’ de Yorghaki y Alleh continúa en el número 1 de la lista de singles española, certificada como triple platino. El top 10 continúa siendo el mismo de la semana pasada, con hasta 5 temas del disco de Bad Bunny.
La entrada más fuerte de la semana es ‘Deseo’ de JC Reyes con Sky Rompiendo, directa al número 17. Quizá en medio del huracán de reggaeton y música urbana, la novedad sea que dos canciones ajenas a estos estilos han logrado llegar al top 100 de singles aunque por los pelos. Milagrosamente.
‘Dolor y gloria’ de Viva Suecia logra situarse en el puesto 85 de singles en España. Animada por el éxito de su disco anterior, el tema aparece en esta posición entre sendos temas de Bad Bunny.
Por su parte, Guitarricadelafuente logra aparecer en el número 97 con ‘Full Time Papi‘, que a pesar de dicho título, tiene un marcado carácter experimental. Al menos más que el resto de novedades de la lista.
La lista de novedades de la semana se completa con ‘La plena’ de W Sound, Beéle y Ovy on the Drums en el puesto 27 (que seguirá subiendo en próximos días); ‘111’ de Yan Block en el puesto 31 y ‘Nueva Season’ de Delaossa (puesto 78). Destacamos también la fuerte subida de ‘Más que tú’ de Ozuna y Kapo, del puesto 72 al 42 en su segunda semana.
Bad Bunny continúa en el número 1 de los discos más populares en España una semana más con el excelente ‘Debí tirar más fotos’, que camina hacia el triple platino a pasos agigantados.
La entrada más fuerte la protagoniza Tate McRae con el notable ‘So Close to What’, que llega al número 3 de nuestro país. El disco mejora el top 21 que había conseguido por aquí su anterior trabajo, pero lo importante es que ‘So Close to What’ es número 1 en Estados Unidos, Australia, Irlanda, Noruega y Nueva Zelanda, además de número 2 en Reino Unido, Alemania o Suecia. Es decir, estamos ante uno de los éxitos internacionales de la temporada.
Zahara es número 4 con ‘Lento ternura‘, pese a los problemas de distribución de su edición física, que aún no ha podido a llegar a los grandes almacenes. Debido al retraso en la fabricación, la artista no logra igualar el top 2 de ‘PUTA’ o el top 3 de ‘Santa’, pero sí ser el número 1 de vinilos esta semana en España por las copias de la pre-venta y las distribuidas en la firma de Marilians (Madrid).
Destacamos también la resistencia de Amaia en el número 5 con ‘Si abro los ojos no es real‘ (4ª semana); la de Carolina Durante en el número 14 con ‘Elige tu propia aventura‘ (18ª semana); y la de Rels B con ‘A new star 1 9 9 3‘ en el número 32 (44ª semana). Se nota que los tres han estado actuando en el Movistar Arena estos días.
Sam Fender, actual número 1 en Reino Unido con ‘People Watching’ y cifras estratosféricas, llega al puesto 80 en España. El álbum es top 2 en Irlanda y Holanda y top 4 en Alemania, pero su alcance internacional es limitado: puesto 17 en Australia, puesto 51 en Italia y puesto 129 en Francia.
La lista de entradas se completa con ‘Money + Enemies’ de Skinny Flex (puesto 44), ‘Concreto’ de L’Haine (puesto 58) y ‘Mr Fino Riddim. The Mixtape’ de 8Belial (puesto 95).
La hibridación del k-pop con la industria estadounidense es ya total, de manera que ‘Alter Ego’, el debut de LISA, integrante de BLACKPINK, es un trabajo plagado de nombres muy conocidos en el pop anglosajón. Todos ellos en el disco se reparten hooks sin parar, optimizando cada canción al máximo, con resultados desiguales.
La buena noticia que deja ‘Alter Ego’ es que es un disco más divertido que el de Rosé. Para empezar, LISA no ha engañado al mundo sacando un single que no tiene nada que ver con el disco, sino que ha acertado adelantando un trabajado variado, pero cohesionado en su enfoque rítmico y urbano. La mala es que LISA es un lienzo en blanco y nunca llena sus canciones de una personalidad definida.
Esto se hace evidente en colaboraciones como ‘Born Again‘, donde Doja Cat y RAYE resaltan por encima de la tailandesa, o el afrobeat de ‘When I’m with You’ con Tyla, que suena sobre todo a Tyla. Cuando LISA canta sola, la explosiva producción la engulle por ejemplo en ‘BADGRRRL’, y en ‘Lifestyle’ la adopción de jerga americana («she an icon») suena forzada.
Es difícil que no suene forzado y ultraprocesado un disco en el que participan tantísimas personas que han podido desde cambiar una coma hasta escribir un estribillo pasando simplemente por conceptualizar una canción. Pero, cuando estas personas hacen los deberes, les salen temas tan potentes como el single ‘Rockstar’ o ‘New Woman‘ con Rosalía, una pieza no tan matemática de Max Martin (la parte de Rosalía suena metida con calzador) pero trufada de ganchos que el público se ha zampado encantado.
Aunque los hooks no son la mejor parte de ‘Alter Ego’ porque canciones como ‘Lifestyle’ suenan más vistas que el tebeo y, al final, son los productores los que terminan poniendo imaginación al asunto, por ejemplo, en los abrasivos beats de ‘Thunder’ o en la burbujeante ‘Elastigirl’, que habría gustado a la Christina Aguilera de ‘Bionic‘ (2010), que había titulado una canción de ese disco casi de igual manera.
Así, al final, termina destacando la simpática recreación de ‘Kiss Me’ de Sixpence Non the Richer en el otro pop-disco del álbum, ‘Moonlit Floor (Kiss Me)‘, y tampoco es desdeñable la labor de la catalana -de Cambrils- Carly Gibert en el bedroom-pop de ‘Rapunzel’, con Megan Thee Stallion en el papel de estrella invitada.
Aunque algunos temas urban funcionan mejor (‘Fxck Up the World’ con Future) que otros (con ‘BADGRRRL’ habría hecho maravillas FKA twigs, pues la produce su colaborador Ojivolta), LISA puede presumir de haber cuidado un repertorio de ritmos dinámicos e intensos que se gana darse un respiro en la final ‘Dream’. O casi final, porque el disco podría estar mejor redondeado: empieza con el trío de ‘Born Again’, como si LISA no mereciera en su debut abrir el álbum con un tema cantado por ella sola; y acaba con dos versiones en solitario de ‘Fxck Up the World’ y ‘Rapunzel’ que nadie pedía.
Low Festival, que como siempre se celebra el último fin de semana de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, tiene una nueva confirmación de lujo para este lunes. Se trata de Pet Shop Boys, que visitará el festival con su exitosa gira «Dreamworld: The Greatest Hits Live», que ha pasado por Glastonbury y Hyde Park.
La nota de prensa recuerda que «la icónica banda británica, formada por Neil Tennant y Chris Lowe, ha marcado generaciones con himnos atemporales como ‘West End Girls’, ‘It’s a Sin’ o ‘Always on My Mind’, y llegarán a Low Festival con su inconfundible puesta en escena y con su último trabajo discográfico, «Nonetheless», publicado en 2024, en el que continúan demostrando su talento para reinventarse y adaptarse a los tiempo modernos, sin perder su esencia».
Pet Shop Boys se suman a así a otros confirmados pomo Zahara, Amaia, rusowsky, Empire of the Sun, Bomba Estéreo, Viva Suecia y Carolina Durante. Además, la organización informa de que el cartel no está cerrado. Los últimos abonos de tres días generales, VIP y VIP POOL están disponibles a 67,99€ hasta el domingo (o agotar cupo) en entradas.com y la web oficial del Low.
Este viernes 7 de marzo se publica ‘Surgery and Pleasure’, el nuevo disco del trío de post-punk Vundabar. Se trata del 6º álbum de la banda de Boston, una de esas afortunadas que ha logrado situar un viral en Tik Tok, en concreto ‘Alien Blues’, compartido decenas de miles de veces asociado a diferentes momentos. El tema extraído de su disco de 2015, ‘Gawk’, suma 600 millones de streams, recordando que en esta red social no solo circulan canciones latinas o pop. Que se lo pregunten a Beach House y a Cigarettes After Sex.
Centrándonos en el nuevo álbum de Vundabar, conocemos 4 adelantos del disco. ‘I Need You’ y ‘Spades’, en torno a los 6 minutos de duración, presentan desarrollos que van a interesar a seguidores de los primeros Radiohead o The Horrors, pero para comenzar por el principio, vamos a recomendar ‘I Got Cracked’, editada el año pasado, como Canción del Día.
‘I Got Cracked’ es un señor tiro de 3 minutos y medio de duración, tan buenos que parecen 2, incitando a la escucha en modo «repeat». Y esa urgencia tiene una explicación. El tema, como gran parte del álbum, habla del «sentido de anhelo» por parte del cantante Brandon Hagen. Así lo explica: «en un periodo de 6 semanas que solo podría describir como un aterrizaje forzoso, una relación de larga duración que mantenía implotó, mi padre murió y me rompí un brazo en un hotel mientras estaba de gira. Una semana después del funeral, estaba grabando esta canción en Los Ángeles».
Continúa: «Me estaba tambaleando ante la conexión entre todo lo que había pasado, muchas de esas fracturas que no se veían comenzaban a estar arraigadas en la rotura física de mi cuerpo. Esta rotura física dictó las partes más flotantes de la canción, porque además estaba haciendo música determinada por las limitaciones de mi propia lesión».
Melódicamente estamos ante uno de los mejores pre-estribillos y uno de los mejores estribillos de la historia de Vundabar, el primero de los cuales es tan explícito como: «se me rompió el corazón, me rompí el brazo, y después esparcí unas cenizas». Haciendo de tripas corazón, Vundabar saben hacer un himno divertido con toda esta desgracia, lo cual se nota en lo musical, pero también en la letra, que en un momento asegura ya que no puede «parar de reír» (suponemos que por no llorar); y en el videoclip. El grupo define el próximo álbum como «una síntesis más madura de todo lo que hemos explorado antes».
Entre su manera de cantar ‘Esa diva’ sin parar en la alfombra roja de los Goya, la forma en que Melody se merienda cada entrevista o aparición pública que realiza, su arrollador carisma y la pegada de ‘Esa diva’ en discotecas y bares gay de España, Melody está consiguiendo convertir ‘Esa diva’ en otro momento icónico de Benidorm Fest.
Ahora, RTVE da los detalles de las renovaciones que se implementarán a ‘Esa diva’ de cara a su presentación en Eurovisión y que afectarán tanto a grabación como a puesta de escena.
En primer lugar, ‘Esa diva’ renovará su sonido gracias al trabajo de Rick Parkhouse y George Tizzard de Red Triangle Records, dos productores de Reino Unido que han trabajado con nombres como Green Day, Camila Cabello o Charlie Puth. La nueva grabación de ‘Esa diva’ aún contará con la participación de un nombre español, Guillem Vila Borras, que desarrollará su «parte clásica española».
La nueva producción de ‘Esa diva’, en palabras de RTVE, es «prueba del amplio abanico de posibilidades artísticas de Melody». Se describe como «un viaje a través de referencias musicales»: «En cada fase de la canción se puede escuchar un matiz diferente en la voz de Melody, a una diva distinta. El resultado de este trabajo es un tema cuyo ritmo aumenta progresivamente de principio a fin, con unos coros muy potentes y que muestra la sensibilidad, la garra y la potencia vocal e interpretativa de Melody».
Por otro lado, la dirección artística de ‘Esa diva’ la asumirá Mario Ruiz, quien ha trabajado con Enrique Iglesias o Manuel Carrasco y, además, fue responsable de la puesta en escena de Almácor en la edición de Benidorm Fest de 2024. Además, Melody preparará una coreografía más «dinámica y fresca» con Mónica Peña y Alex Bullón, dos profesionales que han trabajado con Charli xcx, Katy Perry, Britney Spears o Jennifer Lopez.
Completan el equipo ‘Esa diva’ Maxi Gilbert en el diseño de iluminación, la realizadora Mercè Llorens como supervisora de RTVE, y Raúl Amor en vestuario.
Camille ha ganado el Oscar a Mejor canción original por ‘El mal’, la canción principal de la banda sonora de ‘Emilia Pérez‘, en realidad una de las grandes perdedoras de la ceremonia, pues aspiraba a 13 estatuillas y solo se ha llevado 2. Camille comparte el premio junto al compositor Clément Ducol -su pareja y padre de sus dos hijos- y el director de la cinta, Jacques Audiard.
Ha sido curioso ver a la parisina Camille Dalmais recoger el Oscar de mano del mismísimo Mick Jagger: cuando su nombre parecía olvidado hace rato, y lo estaba, ha remontado a lo grande.
Y es que de Camille se oyó hablar mucho a principios del presente siglo, tanto por sus apariciones en el querido debut de Nouvelle Vague (2004) como, sobre todo, por su innovadora carrera en solitario como artista vocal y de pop experimental. Sin duda, Camille era más que otra de las nuevas Björks que emergieron en la época, junto a -por ejemplo- la también francesa Émilie Simon.
El debut de Camille de 2002, ‘Le sac des filles’, contribuyó a poner el pop francés de nuevo en el mapa, gracias a singles como ‘Paris’ o ‘1,2,3’, el mismo año en que Carla Bruni lanzaba su exitoso segundo disco; pero fue ‘Le fil’ (2005) el que conquistó a crítica y público con su innovador concepto, basado en un «hilo» o tono vocal que recorría de fondo todas las canciones del álbum. En medio del festival de gruñidos, eructos y beatboxing que proponía ‘Le fil’ -que este San Valentín ha celebrado su 20º aniversario- destacaban singles tan divertidos como ‘Ta douleur’ -que llegó a sonar en un gag de Saturday Night Live- o el festín de palmas de ‘Au port’. ¡Y qué bonita era ‘Pour que l’amour me quitte’!
‘Le fil’ llegó al puesto 4 de ventas en Francia en 2005 y está certificado con un Doble Platino. Después, en 2008, ‘Music Hole’ se anotó un top 5 y otro Disco de Platino, aunque, sobre todo, destacaba por llevar los experimentos vocales y sonoros de Camille al siguiente nivel, en pistas como la inolvidable ‘Money Note’. Antes, en 2007, Camille ya se anotó un éxito vinculado al cine interpretando ‘Le festin’, canción que forma parte de la banda sonora de ‘Ratatouille’: es su mayor éxito en streaming, con 127 millones de reproducciones.
Los siguientes álbumes de Camille llegaron más alto en la lista de ventas de Francia que los anteriores: ‘Ilo Veyou’ (2011) al 3 y ‘OUÏ’ (2017), de hecho, es el único álbum de Camille que ha alcanzado el número 1. Ambos largos sumaron nuevas canciones al repertorio de Dalmais hechas con el mismo buen gusto y la misma originalidad de siempre, como la preciosa ‘Que je t’aime’ o ‘Fontaine du lait‘. Sin embargo, Camille no ha publicado nuevo disco en ocho años: pocos imaginaban que dirigiría su carrera a trabajar en el estudio con Selena Gomez y, finalmente, a ganar la estatuilla más preciada de Hollywood.
Kalorama Madrid, que celebra su segunda edición los días 20 y 21 de junio en la Caja Mágica, ha revelado su cartel distribuido por días.
Encabezan la edición de Kalorama Madrid de 2025 Pet Shop Boys, Jorja Smith, Azealia Banks, Father John Misty, The Flaming Lips y Scissor Sisters. JENESAISPOP es medio colaborador.
En primer lugar, la jornada del 20 de junio contará con las actuaciones de Father John Misty, The Flaming Lips presentando ‘Yoshimi Battles the Pink Robots‘, Alizzz, BADBADNOTGOOD, L’Impératrice, Bloodstein, Irenegarry y La Plata.
En segundo, la jornada del 21 de junio regalará los shows de Pet Shop Boys, Azealia Banks, Scissor Sisters, Boy Harsher, Maria Arnal, Model/Actriz, El buen hijo, Laura Sam y PUTOCHINOMARICÓN.
Los bonos y entradas de día para la segunda entrega de Kalorama Madrid están disponibles desde hoy 3 de marzo en la web del festival.
Angie Stone, cantante de neo-soul conocida por sus éxitos ‘Wish I Didn’t Miss You’ y ‘No More Rain (In this Cloud)’ y, antes, por formar parte del grupo de rap The Sequence, ha muerto este 1 de marzo a los 63 años en un accidente de tráfico en Montgomery, Alabama. El vehículo viajaba hacia Atlanta cuando volcó y fue golpeado por un camión. Stone murió en el acto.
Stone fue una de las vocalistas icónicas del neo-soul desde que en 1999 debutara con su primer álbum en solitario, ‘Black Diamond’. El single principal de ese disco, ‘No More Rain (In this Cloud)’, fue un enorme éxito en las emisoras de R&B de Estados Unidos, y después el single ‘Wish I Didn’t Miss You’, del álbum ‘Mahoganey Soul’ (2001), se convirtió en su mayor éxito internacional.
Stone se había dado a conocer a los 16 años como parte del pionero girl group de hip-hop The Sequence, cuyo éxito ‘Funk You Up’ (1979) fue una de las muchas canciones que inspiraron ‘Uptown Funk‘ de Mark Ronson y Bruno Mars; The Sequence demandaron a ambos por plagio. ‘Funk You Up’ es recordada por ser la tercera canción de hip-hop que entró en el top 50 de singles de Billboard.
En 2000, Stone apareció como co-autora en cuatro cortes de ‘Voodoo’ (2000), el influyente segundo álbum de D’Angelo, considerado uno de los mejores discos de la historia. Stone y D’Angelo salieron durante cuatro años; cuando se conocieron, ella tenía 31 años y él, 19. Stone colaboró también con Lenny Kravitz, Macy Gray, Moby, Raphael Saadiq, Blue, Groove Armada o KDA.
En su carrera como artista de neo-soul, Stone se anotó otro hit en Europa con ‘I Wanna Thank Ya’ con Snoop Dogg, extraído de su tercer álbum, ‘Stone Love’ (2004), y en cuyo videoclip aparecía un joven Idris Elba, y publicó 10 álbumes en total. El último, ‘Love Language’, se editó en 2023.
‘Anora‘ ha sido la gran triunfadora de la noche en la gala de los Oscar celebrada en el Dolby Theatre de Los Ángeles al llevarse cinco estatuillas, estas son las de Mejor película, Mejor director a Sean Baker, Mejor guion original a Sean Baker, Mejor montaje y Mejor actriz principal a Mikey Madison.
‘The Brutalist‘ se ha llevado tres premios, los de Mejor actor principal a Adrien Brody, Mejor fotografía y Mejor banda sonora original. Esta última categoría ha dado la victoria a Daniel Blumberg, conocido por haber liderado la banda de indie-rock Yuck hasta 2021.
‘Emilia Pérez‘, la película más nominada de la noche, pues aspiraba a 13 premios, apenas ha arañado dos, los de Mejor actriz secundaria a Zoe Saldaña y Mejor canción original por ‘El mal’: este último premio lo han recogido sus compositores Camille, Clément Ducol y el director de la película, Jacques Audiard. O, dicho de otra manera, Diane Warren ha vuelto a quedarse sin Oscar.
A ‘Emilia Pérez’ se le ha escapado incluso el Oscar a Mejor película internacional, que se lo ha agenciado la brasileña ‘Aún estoy aquí’.
Si Saldaña ha ganado el Oscar a Mejor actriz secundaria, su homónimo masculino lo ha recogido Kieran Culkin por su trabajo en ‘A Real Pain’.
También se ha llevado dos Oscar ‘Dune: Parte Dos‘, uno por Mejores efectos visuales y otro por Mejor sonido.
‘No Other Land’, la película sobre la ocupación de Cisjordania dirigida por los palestinos Basel Adra y Hamdan Ballal y los israelís Yuval Abraham y Rachel Szor, ha ganado el Oscar a Mejor documental, aunque la película todavía no se distribuye en Estados Unidos.
Karla Sofía Gascón, presente en la ceremonia, ha esquivado la alfombra roja, pero no las bromas del presentador Conan O’Brien, que ha aludido a los ofensivos mensajes de la madrileña imaginando el estrés que ha podido pasar su publicista en medio de la polémica. Además, O’Brien ha pedido a Sofía Gascón que, si va a tuitear sobre él, recuerde que su «nombre es Jimmy Kimmel».
"Little fact for you, "Anora" uses the F word 479 times. That's three more than the record set by Karla Sofia Gascon's publicist" – Conan at the #Oscars2025pic.twitter.com/YBYnDGI3UE
Tampoco se han llevado ningún premio Timothée Chalamet por su trabajo en ‘Un completo desconocido‘ encarnando a Bob Dylan, ni Cynthia Erivo y Ariana Grande por sus respectivos roles en ‘Wicked‘, película que sí ha arañado dos Oscar en las categorías de Mejor vestuario y Mejor diseño de producción. ‘La sustancia‘ ha logrado uno por Mejor peluquería y maquillaje.
Cynthia Erivo y Ariana Grande han abierto la ceremonia de los Oscar cantando a dueto ‘Defying Gravity’, la icónica canción de ‘Wicked’.
Además, LISA, RAYE y Doja Cat se han subido al escenario del Dolby Theatre no para cantar su single conjunto ‘Born Again’, sino para realizar un homenaje a James Bond, cada una por separado: LISA ha cantado ‘Live and Let Die’, Doja Cat ‘Diamonds Are Forever’ y RAYE ‘Skyfall’.
Mejor Película ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘A Complete Unknown’
‘Cónclave’
‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘Aún estoy aquí’
‘Nickel Boys’
‘La sustancia’
‘Wicked’
Mejor Dirección Sean Baker, por ‘Anora’
Brady Corbet, ‘The Brutalist’
James Mangold, ‘A Complete Unknown’
Jacques Audiard, ‘Emilia Pérez’
Coralie Fargeat, ‘La sustancia’
Mejor Actriz Principal
Cynthia Erivo por ‘Wicked’
Karla Sofía Gascón por ‘Emilia Pérez’ Mikey Madison por ‘Anora’
Demi Moore por ‘La sustancia’
Fernanda Torres por ‘Aún estoy aquí’
Mejor Actor Principal Adrian Brody, por ‘The Brutalist’
Timothée Chalamet, por ‘A Complete Unknown’
Colman Domingo, por ‘Las vidas de Sing Sing’
Ralph Fiennes, por ‘Cónclave’
Sebastian Stan, por ‘The apprentice’
Mejor Actriz de Reparto
Monica Barbaro, por ‘A complete Unknown’
Ariana Grande, por ‘Wicked’
Felicity Jones, por ‘The Brutalist’
Isabella Rossellini, por ‘Cónclave’ Zoe Saldaña, por ‘Emilia Pérez’
Mejor Actor de Reparto
Yura Borisov, por ‘Anora’ Kieran Culkin, por ‘A Real Pain’
Edward Norton, ‘A Complete Unknown’
Guy Pearce, ‘The Brutalist’
Jeremy Strong, por ‘The Apprentice’
Mejor Guion Adaptado
‘A Complete Unknown’ ‘Cónclave’
‘Emilia Pérez’
‘Nickel Boys’
‘Las vidas de Sing Sing’
Mejor Guion Original ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘A Real Pain’
‘September 5’
‘La sustancia’
Mejor Película Internacional ‘Aún estoy aquí’, Brasil
‘La chica de la aguja’, Dinamarca
‘Emilia Pérez’, Francia
‘La semilla de la higuera sagrada’, Alemania
‘Flow, un mundo que salvar’, Letonia
Mejor Película de Animación ‘Flow’
‘Del Revés 2’
‘Memorias de un Caracol’
‘Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas’
‘Robot Salvaje’
Mejor Documental
‘Black Box Diaries’ ‘No Other Land’
‘Porcelain War’
‘Soundtrack to a Coup d’Etat’
‘Sugarcane’
Mejor Fotografía ‘The Brutalist’
‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘María Callas’
‘Nosferatu’
Mejor Banda Sonora Original ‘The Brutalist’
‘Emilia Pérez’
‘Cónclave’
‘Wicked’
‘Robot salvaje’
Mejor Canción Original ‘El mal’, de ‘Emilia Pérez’
‘The Journey’, de ‘Seis triple ocho’
‘Like a bird’, de ‘Las vidas de Sing Sing’
‘Mi camino’, de ‘Emilia Pérez’
‘Never Too Late’, de ‘Elton John: Never Too Late’
Mejor Sonido
‘A Complete Unknown’ ‘Dune: Parte dos’
‘Emilia Pérez’
‘Wicked’
‘Robot Salvaje’
Mejores Efectos Visuales
‘Alien: Romulus’
‘Better Men’ ‘Dune: Parte dos’
‘El reino del planeta de los simios’
‘Wicked’
Mejor Montaje ‘Anora’
‘The Brutalist’
‘Cónclave’
‘Emilia Pérez’
‘Wicked’
Mejor Maquillaje y Peluquería
‘A Different Man’
‘Emilia Pérez’
‘Nosferatu’ ‘La sustancia’
‘Wicked’
Mejor Diseño de Vestuario
‘A Complete Unknown’
‘Cónclave’
‘Gladiator II’
‘Nosferatu’ ‘Wicked’
Mejor Diseño de Producción
‘The Brutalist’
‘Cónclave’
‘Dune: Parte dos’
‘Nosferatu’ ‘Wicked’
Mejor Cortometraje de Ficción
‘A lien’
‘Anuja’ ‘I’m not a robot’
‘The last ranger’
‘El hombre que no pudo permanecer en silencio’
Mejor Cortometraje Documental
‘Death by numbers’
‘I am ready, Warden’
‘Incident’
‘Instruments of a Beating Heart’ ‘The Only Girl in the Orchestra’
Mejor Cortometraje de Animación
‘Beautiful Men’ ‘In the shadow of the cypress’
‘Magic Candies’
‘Wander To Wonder’
‘Yuck!’
El quinto disco de Trevor Powers bajo su alias Youth Lagoon se adentra de lleno en el territorio de los recuerdos, en esas experiencias vividas que el paso del tiempo ha transformado en imágenes y sensaciones imposibles de trasladar a verdades absolutas. La memoria nunca es completamente fiable, sino un vehículo que utilizamos para construir nuestra historia, recogiendo las partes que creemos que nos van a resultar más valiosas y amoldándolas para enfrentarnos al mundo.
En 2023, el artista de Idaho encontró en casa de sus padres una serie de grabaciones caseras de cuando él y sus hermanos eran pequeños. Este hallazgo sirvió como inspiración para ‘Rarely Do I Dream’, un trabajo que no pretende avasallar con nostalgia, sino construir un paisaje onírico, lleno de enigmas y mitos, en el que Powers nos acerca a su mundo interior, mostrándonos la persona que fue y la persona que es.
A lo largo del proyecto, escuchamos parte del contenido de esas cintas, que no solamente sirven de introducción o cierre para las canciones, sino que a menudo se integran en los propios versos. ‘Neighborhood Scene’ traslada al oyente directamente a una zona residencial a las afueras de la ciudad, entremezclando recuerdos lejanos con una acogedora sensación de comunidad. No exenta de misterio, la canción se mueve sinuosa entre armónicas percusiones y una inquietante línea de piano.
Inmediatamente después, ‘Speed Freak’ abre la paleta sonora del álbum con elegantes sintetizadores, conformando un sugerente synthpop a fuego lento. Mientras que el delicado indie-pop de ‘Football’ pinta un cuadro decadente que equipara la religión al deporte. Esto último, está retratado como una forma de conexión, como un lenguaje universal unificador.
Powers emplea una escritura poética y libre, describiendo escenas inconexas y alternando terceras y primeras personas, consiguiendo plasmar un interesante retrato entre lo familiar y lo fantástico. En ‘Gumshoe (Dracula from Arkansas)’, nos lleva a una infancia feliz en la que jugaba con sus hermanos y donde, en su mundo de imaginación, todo era posible. Es uno de los momentos más mágicos en la secuencia, donde brillan las guitarras acústicas y la preciosa melodía.
La voz susurrante y rasgada tan característica del artista funciona como el conductor perfecto para estas canciones, narradas con gran sentimiento, pero siempre desde un bienvenido sosiego. Como en el indie-rock de ‘Seersucker’, o en el dream pop de ‘Lucy Takes a Picture’, una pista que ejemplifica el talento de Youth Lagoon para las melodías envolventes y cuyos últimos versos consiguen encoger el corazón.
La segunda mitad del álbum, aunque algo menos espectacular, también cuenta con numerosos momentos valiosos. Sobre todo, gracias a la delicadeza y buen gusto en la producción que el propio Powers y su frecuente colaborador Rodaidh McDonald demuestran, con aciertos como esa mutación de ‘Perfect World’, que pasa de ser una composición minimalista, con apenas una caja de ritmos, a emborronarse con unas exuberantes guitarras eléctricas. Destaca también ‘Canary’, una canción que inevitablemente recuerda al Sufjan Stevens de ‘Illinois’, y que sorprende con un bonito crescendo impulsado por una fina sección de vientos. El álbum culmina con ‘Home Movies (1989-1993), una pieza instrumental donde se escuchan las voces de aquellas grabaciones, cerrando este viaje a la memoria en el mismo punto familiar en el que empezó.
‘Rarely Do I Dream’ es un trabajo maduro y sólido, donde el artista hace gala nuevamente de sus habilidades como letrista y de su buen oído para construir composiciones humildes y poderosas. El resultado es tan personal como abstracto, como un recuerdo.
Desmelenao ha celebrado el Día de Andalucía con una canción para los andaluces que emigran a la capital. ‘Andaluz’ es una rumba portuguesa con toques de electrónica y R&B en la que el malagueño de 22 años farda de tener más «compás» y «sabor» que los madrileños. Es la Canción del Día.
La carrera de Samuel Sarrión se podría contar desde que empezase a patear garitos en 2016, pero lleva formándose toda la vida. En 2023, decide reimaginar el mito del Don Juan en su álbum debut, ‘El Niño Ciego y Alado’, consiguiendo un modesto viral en Tik Tok con ‘Queriendo flojito’.
Aunque en aquel proyecto también mostraba muchas influencias de la música latina, especialmente del bolero cubano, Desmelenao siempre se ha mantenido fiel a sus raíces andaluzas. Como prueba, este último single. «Te falta el compás, te falta sabor, para ser la mitad de vacilón, la mitad que yo», canta en las primeras líneas.
Sarrión aprovecha para sacar a relucir su chulería mientras se ríe del trato que reciben los andaluces al llegar a Madrid y los estereotipos que van asociados a esta comunidad: «No te olvides que soy andaluz / Tengo más arte, más clase, más guasa y más raza que tú», canta en el estribillo.
David Johansen, líder y cantante de los New York Dolls, banda precursora del punk e icono del glam, ha fallecido este viernes a los 75 años en su casa de su Nueva York, según ha informado su hija. Johansen llevaba años con un cáncer metastásico, un tumor cerebral y una fractura de espalda.
Johansen, que había cumplido 75 años el pasado 8 de enero, nació en Staten Island en 1950 y se unió a los New York Dolls en 1971 con Arthur Kane, Billy Murcia, Johnny Thunders y Sylvain Sylvain. Dos años más tarde llegaría su debut, en el que ya mostraban una estética drag muy marcada. Llegaron a lanzar dos discos, pero a pesar de ser aclamados por la crítica, recibieron muy poco éxito comercial.
En 1976, el grupo se separó y Johansen perisguió una carrera en solitario, a la vez que continuaba con su trabajo como actor. A finales de los ochenta empezó a usar el nombre de Buster Poindexter, llegando a actuar con la banda de Saturday Night Live. En 2004, los New York Dolls se reunieron gracias a Morrissey, gran fan del grupo, y lanzaron otros tres discos. En 2023, Martin Scorses llevó a Johansen a la gran pantalla con el documental ‘Una noche con David Johansen’.
Charli xcx ha teñido de verde los BRITS, literalmente. De las cinco nominaciones que había recibido, se ha llevado las cinco, incluidas Canción del año (por ‘Guess’ con Billie Eilish), Artista del año y Disco del año. Para este último galardón, la estatuilla fue pintada del verde característico de ‘BRAT’.
Chappell Roan ha sido el nombre estadounidense triunfante de la noche, llevándose los BRITS a Mejor canción internacional (‘Good Luck, Babe!’) y a Mejor artista internacional. Por otro lado, Dua Lipa, que contaba con cuatro nominaciones, se ha ido a casa de vacío.
En su lugar, JADE se ha llevado el BRIT a Mejor artista pop y ha demostrado cuánto se lo merece con una de las mejores actuaciones de la historia de los premios. ‘Angel Of My Dreams’ es así convertida en todo un número dividido en cinco actos en el que cabe de todo: un mini teatro, cambios de vestuario, coreografías, exhibición vocal… Una auténtica maravilla.
El resto de las actuaciones son protgonizadas por Sabrina Carpenter, Sam Fender, Teddy Swims, The Last Dinner Party, Myles Smith, Lola Young y Ezra Collective con Jorja Smith.
Palmarés de los BRITS
Disco del año Charli XCX – ‘Brat’
The Cure – ‘Songs Of A Lost World’
Dua Lipa – ‘Radical Optimism’
Ezra Collective – ‘Dance, No One’s Watching’
The Last Dinner Party – ‘Prelude To Ecstasy’
Artista del año
Beabadoobee
Central Cee Charli XCX
Dua Lipa
Fred Again..
Jamie xx
Michael Kiwanuka
Nia Archives
Rachel Chinouriri
Sam Fender
Grupo del año
Bring Me The Horizon
Coldplay
The Cure Ezra Collective
The Last Dinner Party
Artista revelación
English Teacher
Ezra Collective The Last Dinner Party
Myles Smith
Rachel Chinouriri
Canción del año
Artemas – ‘I Like The Way You Kiss Me’
The Beatles – ‘Now And Then’
Bl3ss with Camrin Watsin ft. bbyclose – ‘Kisses’
Central Cee ft. Lil Baby – ‘BAND4BAND’ Charli XCX ft. Billie Eilish – ‘Guess’
Chase & Status ft. Stormzy – ‘Backbone’
Coldplay – ‘feelslikeimfallinginlove’
Dua Lipa – ‘Training Season’
Ella Henderson ft. Rudimental – ‘Alibi’
JADE – ‘Angel Of My Dreams’
Jordan Adetunji – ‘KEHLANI’
KSI ft. Trippie Redd – ‘Thick Of It’
Myles Smith – ‘Stargazing’
Sam Ryder – ‘You’re Christmas To Me’
Sonny Fodera with Jazzy and D.O.D – ‘Somedays’
Artista internacional del año
Adrianne Lenker
Asake
Benson Boone
Beyoncé
Billie Eilish Chappell Roan
Kendrick Lamar
Sabrina Carpenter
Taylor Swift
Tyler, The Creator
Grupo internacional del año
Amyl And The Sniffers
Confidence Man Fontaines D.C.
Future and Metro Boomin
Linkin Park
Canción internacional del año
Benson Boone – ‘Beautiful Things’
Beyoncé – ‘Texas Hold ‘Em’
Billie Eilish – ‘Birds Of A Feather’ Chappell Roan – ‘Good Luck, Babe’
DJO – ‘End Of Beginning’
Eminem – ‘Houdini’
Hozier – ‘Too Sweet’
Jack Harlow – ‘Lovin On Me’
Noah Kahan – ‘Stick Season’
Post Malone ft. Morgan Wallen – ‘I Had Some Help’
Sabrina Carpenter – ‘Espresso’
Shaboozey – ‘A Bar Song (Tipsy)’
Taylor Swift ft. Post Malone – ‘Fortnight’
Teddy Swims – ‘Lose Control’
Tommy Richman – ‘MILLION DOLLAR BABY’
Mejor artista alt/rock
Beabadoobee
The Cure
Ezra Collective
The Last Dinner Party Sam Fender
Mejor artista hip hop/grime/rap
Central Cee
DAVE
Ghetts
Little Simz Stormzy
Mejor artista dance
Becky Hill Charli XCX
Chase & Status
Fred Again..
Nia Archives
Mejor artista pop
Charli XCX
Dua Lipa JADE
Lola Young
Myles Smith
Mejor artista R&B
Cleo Sol
FLO
Jorja Smith
Michael Kiwanuka RAYE
La última vez que Rels B estuvo en el Movistar Arena -Wizink Center, por aquel entonces- fue para celebrar el fin de gira de ‘AfroLOVA’ 23′. Ayer, en el Día de las Islas Baleares, el mallorquín presentó la gira mundial de ‘a new star (1 9 9 3)’ en un show que rebosaba nostalgia por todos los costados.
La conmovedora intro con ‘1 de Enero, Puntacana’ fijó el tono de todo el concierto, más bonito que espectacular, y antes de que Rels B apareciese agachado en una plataforma cantando ‘Caída del cielo’ ya conocíamos algunas de las novedades del tour, descrito como «el más ambicioso hasta la fecha». Entre estas, seis maravillosxs coristas que acompañaron al cantante durante prácticamente todo el concierto y que cobraban protagonismo en las outros, interpretadas a cappella junto al artista. Por supuesto, en estas el público ponía mucho de su parte. En realidad, había más de 15.000 coristas.
Manu Pasik
Los asistentes son un elemento clave en los conciertos de Rels B. Él mismo no para de recordarlo durante todo el set: «Sin público no hay show». Y a él le sobraba. ‘pa quererte’, ‘Un Rodeoooo’, ‘Sin Gato’ y ‘cómo dormiste?’ se sucedieron ante un público entregadísimo para cantar cada letra y ovacionar al cantante entre canciones, pero tranquilito. Quien prefiere bailar sin el riesgo de un pogo no tiene de qué preocuparse.
Y no es que el repertorio de Rels B no valga para ello. En 10 años da tiempo para hacer un poco de todo y ayer se aseguró de que sonase tanto «lo viejo» como «lo nuevo». Para él, el show es todo un viaje a través de los recuerdos. Gracias a la inmensa, y única, pantalla que acompaña el espectáculo, el artista puede rememorar toda su carrera a través de diferentes vídeos. «Qué pequeñitos éramos, quién iba a decir que íbamos a llenar este tipo de salas», exclamó antes de cantar ‘Tienes el Don’, una de las más antiguas de su catálogo.
Rels B es el centro de todo el concierto, transmitiendo una gran energía y una soltura, sobre todo al recorrerse la pasarela de lado a lado, envidiable. Su actitud es de: «Esto es la hostia y lo sabéis», pero a la vez agradecido. Cada vez que el público se arranca a cantar con él, da las gracias. Si es con los temas del nuevo disco, con los que no había una respuesta tan uniforme, todavía más. «¿Estáis dormidos o qué?», exclamó varias veces el cantante.
Manu Pasik
De alguna forma, es refrescante ver a un artista que tiene tantas ganas de cantar las canciones de su último disco, y en este sentido, Rels B fue insistente, aunque significase «parar el ritmo del show»: «Tengo que cantar mi favorita de ‘a new star'». Así, «se apaga // me apago» fue uno de los momentos más sobrios y efectivos del show, pero del nuevo álbum las que más brillaron fue, obviamente, ‘La Vida Sin Ti’ y ‘Detrás del DJ’.
Esta última fue el centro de un momentazo digno de cualquier concierto blockbuster de pop. Al final de la pasarela, y con una mesa de mezclas en el centro, Rels B hizo de maestro de ceremonias para una genial exhibición por parte de los bailarines y bailarinas, que aparecieron en momentos contados. Todo, mientras el cantante lanzaba camisetas al público.
Más secciones como esta no habrían venido nada mal. Por otro lado, el concierto va sobrado (quizás demasiado) de momentos calmados y emotivos. ‘Te Regalo’ dio lugar a una bonita interpretación acústica a ras de suelo junto a J Abecia, único invitado de la noche, y Omar Alcaide a la guitarra. ‘La Prisión’, descrita por el propio Rels B como «la favorita» de su carrera, dio lugar a una reflexión que también define su trayectoria: «A mí me gusta hacer música, no las cosas raras de la industria».
Manu Pasik
Ya en la recta final, ‘lo que hay x aquí’ mostró el verdadero poder de Rels B y lo que es capaz de conseguir un artista independiente. Es un momento de pura comunión entre los asistentes y en el que es complicado no notar los pelos de punta. Él mismo lo dice: «Mi show favorito de mi vida era el Wizink del año pasado, pero lo estamos superando». Hoy, 2 de marzo, es la segunda fecha del mallorquín en el Movistar Arena. ¿Se volverá a superar?
