Jay-Z debutaba en el número 1 del Billboard 200 con su nuevo disco ‘4:44’, pero lo que es más importante es que sus cifras son tan saludables que es capaz de retener ese número 1 tan valioso por segunda semana consecutiva. El rapero no volverá a los días multiplatino de ‘Vol. 2… Hard Knock Life’ (1998), ‘The Black Album’ (2003) y todo lo que hubo en medio, entre otros discos de éxito, pero cuenta con una fidelidad muy poco común en otros estilos como la música pop.
El marido de Beyoncé lograba vender lo equivalente a 262.000 unidades solo en Estados Unidos durante su segunda semana (la primera el disco era una exclusiva de Tidal y no se facilitaron datos), lo cual tiene bastante mérito pues el álbum no puede sumar puntos de Spotify al prescindir de este gigante (Jay-Z es el mandamás de su competencia Tidal). Y la siguiente semana han sido otras 87.000 unidades las que se suman al total. Diríamos que el disco de oro (500.000 unidades o puntos en EE UU) se acerca, pero la verdad es que el asunto ha tenido trampa y ya le han dado el platino porque Sprint ha comprado 1 millón de copias y las ha regalado entre sus usuarios. No lo necesitaba porque el álbum se está vendiendo por sí solo.
En el resto del mundo las cifras son por supuesto peores, pero también relativamente saludables. El disco ha sido número 1 en Canadá y número 3 en Reino Unido, donde la segunda semana no se desploma sino que simplemente cae al puesto 6. Mediatraffic estima que en los primeros siete días ya se vendían 300.000 unidades de ‘4:44’ a nivel global, que serán 100.000 más en la segunda semana, por lo que el medio millón se acerca y el millón estaría asegurado a poco que su autor mueva un dedo y no desaparezca del mapa a lo Frank Ocean.
Jay-Z, eso sí, tiene que levantar alguno de los singles del álbum, algo bastante complicado sin la ayuda de Spotify (Billboard asegura que el rapero pierde 1 millón de dólares por cada semana que no está en la red de streaming). ‘The Story of OJ’ fue número 23 en Estados Unidos pero ya está a la baja, se ha subido a Youtube tanto ese vídeo como el jamaicano para ‘BAM’ y el de ‘Kill Jay Z’. De momento no ha pasado nada con ninguna de las tres, pero hay una buena noticia: las radios adolescentes están empezando a abrazar el corte titular, ‘4:44’.
Flops
¿Alguien recuerda el día en que Gorillaz eran un proyecto de primera fila del pop internacional? En algún momento se convirtieron ni más ni menos que en el proyecto más millonario de Damon Albarn, despachando 7 y 8 millones de copias de sus dos primeros discos, algo jamás ni rozado ni soñado por Blur. Las buenas críticas siguieron con el tercero, ‘Plastic Beach’, pero no las buenas ventas. Siete años después, ‘Humanz‘ ha logrado ser número 2 en Reino Unido y Estados Unidos, pero no ofrecer un hit real que haya sabido mantener el álbum a lo largo de los meses.
El caos entre los singles que se presentaron al unísono y el excesivo tracklist por el que pasa tantísima gente -de Grace Jones a Jehnny Beth, de Kali Uchis a Vince Staples- durante tan poquito tiempo cada uno, que al final todo te da igual, no parecen haber sumado a un álbum que ya ha desaparecido del top 100 británico y aparece en un tímido puesto 165 en Estados Unidos (12ª semana).
El disco despachaba 260.000 unidades en sus primeros 7 días en todo el mundo, lo cual estaba muy bien, pero Mediatraffic estima solo 570.000 tres meses después. ¿Alguien puede imaginar alguna manera de reflotarlo? Veremos si la gira de septiembre en América o la de otoño en Europa aporta algo.
De momento, pésima señal: las 3 canciones más escuchadas de Gorillaz ahora mismo son de sus 3 primeros discos. La más alta de las nuevas, ‘Saturnz Barz’, aparece en el puesto 4 con solo 32 millones de reproducciones. Parece que alguien no va a pasarse los próximos cinco años respondiendo cuándo vuelven Gorillaz…
Este jueves 27 de julio, es decir, mañana, se celebra en la sala Razzmatazz de Barcelona una macrofiesta tecno organizada por HEX, uno de los organizadores de eventos de música tecno más respetados de la ciudad. En su fiesta HEX AT RZZ, HEX tomará control de las cinco salas de Razzmatazz, en cada una de las cuales ofrecerá una fiesta distinta, y que cambiarán de nombre (a excepción de The Loft) para adaptarse a la experiencia tecno que ha diseñado HEX.
Abrirán la noche Antigone y Francois X en The Loft, residentes de la sala de tecno parisina Concrete, que realizarán un 2B2, al que sucederán dos miembros del sello discográfico Polegroup, su jefe, el conocido Oscar Mulero, y Tensal, mitad de Exium y cofundador del sello. Ambos realizarán un nuevo B2B. Perc, también de Polegroup y fundador del sello londinense Perc Trax, cerrará la noche en la sala.
La sala Lolita será “Analog” y estará dedicada exclusivamente a live sets, acompañados de los impactantes visuales de Acid Thermal, de Clip, Architectural (entre el ambient y el experimental), que actuará junto a Boston 168 (acid); el francés Voiski, artista francés de indudable talento (neo-trance) y por último Flug, artista residente de Insert.
Arriba en el Ático (la sala conocida como “Rex”), HEX empleará esta sala para apoyar a los artistas locales, y por ella pasarán Petru, artista de vinilos underground; Neiland, fundador de Astra Space Travel; Javi Lago, histórico líder catalán de Sintetics, y Andre Crom, fundador del sello OFF Recordings y VOID.
En la “Galería”, HEX colaborará con Glove (una de las fiestas más extravagantes y divertidas de Barcelona) para viajar a los setenta junto a sus residentes Zonzo y Josep Xortó; los recomendables TVERSKY y Jamie Tiller.
Las entradas para HEX AT RZZ están a la venta a un precio de 30 euros.
CARTEL
▒ HALL ▒
Ben Klock (Ostgut Ton)
Dario Rossi (street percusionist)
Etapp Kyle (Ostgut Ton)
Huma (Hedonic Reversal)
Lorenzo (HEX)
PØLI (HEX)
▒ THE LOFT ▒
Oscar Mulero (Polegroup)
Antigone (Concrete)
Francois X (Concrete)
Perc (@Perctrax)
Tensal (Polegroup)
room hosted by: Pole Group
▒ ANALOG ▒
Architectural (Ellum)
Boston 168
Clip
Flug (Soma)
Voiski (Dekmantel)
Puede parecer que igualar el pelotazo del hit mundial que supuso ‘Pumped Up Kicks’ es un agobio para Foster the People, al fin y al cabo un grupo de música pop, aparentemente sin las excesivas ínfulas arty de unos Everything Everything. Sin embargo, verles en las entrevistas y, sobre todo, escuchar su música, deja la impresión de que el grupo permanece totalmente relajado, dedicando a la composición y a la grabación de las nuevas canciones el tiempo que requiera, entregándose a los detalles, y empeñándose en terminar su obra sin precipitaciones. No hay canción con mayores posibilidades comerciales que ‘Pumped Up Kicks’ en este disco, entre otras cosas porque en una charla reciente la banda decía seguir creyendo en el álbum en conjunto por encima del single. «El álbum es una de las formas de arte más sublimes, una de las más puras», decía con orgullo el teclista y co-autor del grupo Isom Innis. «No tiene sentido hacer un disco si no va a ser el mejor que puedas hacer», añadía.
‘Sacred Hearts Club’, el tercer álbum de los autores de ‘Torches‘, no es la obra maestra definitiva del grupo, pero sí un disco de pop realmente sólido en el que el todo es más que la suma de sus partes. Casi como para evitar que uno de los hits se les dispare eclipsando al resto, Foster the People lanzaron el pasado mes de abril tres canciones nuevas a la vez, y todavía tienen que hacer para alguna de ellas uno de los icónicos videoclips a que nos han acostumbrado a lo largo de los últimos años. Entre aquellos tres temas podemos destacar la inmediatez indie de ‘SHC’, el que da nombre al álbum, con una acertadísima lluvia de eléctricas extraída de lo que fue una larguísima sesión de horas de improvisación en el estudio; o también la declaración de intenciones que supone el medio tiempo electro ‘Doing It for the Money’, una canción de nombre irónico en la que sobre una base R&B despliegan su característico muro de sonido.
Pero el tema más sorprendente era ‘Pay the Man’, que junto a ‘Loyal Like Sid & Nancy’ (sí, inspirado en Sid Vicious y Nancy Spungen), abre nuevas vías sonoras para Foster the People. Cuenta el grupo que en sus primeras aproximaciones al estudio, ‘Sacred Hearts Club’ bebía de la psicodelia de los 60 (probablemente en deuda con el anterior ‘Supermodel‘, ahí está ‘Static Space Lover’ para comprobarlo), pero poco a poco empezaron a aportar beats de hip-hop y dance, en esas dos canciones inspirándose en el legado de J Dilla. Parece difícil que los rapeos de ‘Pay the Man’ puedan llegar donde Macklemore & Ryan Lewis tienen dificultades para volver a llegar, pero «Sid & Nancy», que recuerda en inicio a las producciones de Missy Elliott y Timbaland, retrocede en alguna de sus partes para ponerse en sintonía con el grueso del disco.
Y el grueso de ‘Sacred Hearts Club’ es una amalgama de sintetizadores ochenteros reinventados hace unos años por la moda chillwave, bajos post-‘Drive’, voces adulteradas y por supuesto falsetes, ecos easy-listening al modo en que los aplican Avalanches, más ritmos R&B y sobre todo mucho color. Mucho más optimista de lo que muestra la portada inmersa en neones rojos medio sucios, el disco es una buena colección de canciones de autoayuda y apoyo a los seres queridos, que deja una enorme paz a su paso gracias al final de ‘III’, a la calma de temas como ‘Sit Next to Me’ y a títulos tan resplandecientes como ‘I Love My Friends’, una composición deliberadamente edulcorada que podría ser de Peter, Björn and John de no ser por la nostalgia a lo chanson que evoca su melodía.
‘Sacred Hearts Club’ es un álbum variado en el que cabe un tema bastante Phoenix como es ‘Lotus Eater’, también su coda a lo Foxygen/MGMT ‘Time to Get Closer’ y algo tan Passion Pit y Gold Panda como ‘Harden the Paint’. Por eso sorprende aún más que el disco nunca deje de sonar a Foster the People: será su manera de tratar las voces, la conexión entre las guitarras eléctricas que emergen de vez en cuando, el tipo de sintetizadores o esa manera de abrazar el pop que dejamos de ver en algún punto del anterior álbum (‘Pseudologia Fantastica’, por ejemplo), pero el grupo ha dado, si no con su obra definitiva, sí con otro buen álbum de música pop, coherente y ambicioso en su justa medida.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘SHC’, ‘Doing It for the Money’, ‘Sit Next to Me’, ‘Harden the Paint’, ‘I Love My Friends’ Te gustará si te gustan: Passion Pit, Empire of the Sun, los primeros MGMT, Peter Björn and John, M83 Escúchalo: Spotify
Arranca una nueva edición de BDCODER, el concurso que permitirá a una banda o artista en solitario actuar en DCODE 2017. El ganador se sumará al cartel del festival, formado por grandes nombres como Franz Ferdinand, Charli XCX, Interpol, Band Of Horses, The Kooks, Liam Gallagher o Daughter, entre muchos otros. Hoy se abre el plazo de inscripción y de votación.
La forma de participar es muy sencilla. Los interesados tienen que subir un vídeo a la web de BCDCODER demostrando su talento e invitando a sus amigos y al público en general a apoyar su propuesta. Los 20 vídeos más votados pasarán a la semifinal, en la que un jurado formado por representantes de Radio 3, Mondo Sonoro, Jenesaispop, Live Nation y Playstation Plus serán los encargados de elegir a los 5 finalistas. El duelo definitivo tendrá lugar los días previos a DCODE, una final en la que tendrán que demostrar en directo que son los mejores candidatos para ser los vencedores de BDCODER 2017, que se conocerán esa misma noche.
BDCODER se ha convertido en un referente de los concursos, que permite a grupos que empiezan su carrera actuar en un gran festival, delante de miles de personas, contando con la mejor producción y compartiendo backstage con grandes nombres de la música internacional y nacional. La última ganadora del concurso ha sido Cintia Lund (en la imagen), que acaba de publicar su primer disco.
Vuelve Villamanuela. El festival madrileño celebrará su quinta edición los próximos 6 y 7 de octubre, como siempre en los barrios de Malasaña y Conde Duque. El mítico grupo de post-punk This is Not This Heat (antes This Heat) y Pere Ubu (The Moon Unit), la unión de Pere Ubu y Andy Diagram (James, Spaces, David Thomas and Two Pale Boys), encabezan la primera lista de artistas confirmados para el escenario de Teatro Barceló, que también acogerá a Sonic Boom (conocido por su trabajo en Spectrum y Spaceman 3 y por producir discos de MGMT o Panda Bear) y a Simon Crab, ex integrante Bourbonese Qualk, uno de los grupos más extraños y cautivadores que emergieron del underground de los 80. Bajo estas líneas podéis ver el cartel completo por salas.
Este año los asistentes podrán confeccionar su propio itinerario Villamanuela: la programación de cada día arrancará con 2 conciertos en Teatro Barceló, y continuará al fin de estos en Siroco, Tempo Club y Café La Palma. Este año los asistentes elegirán durante el proceso de compra del abono a cual de estas 3 salas prefieren acudir, evitando así los problemas de aforo puntuales que han lastrado ediciones anteriores. Como novedad, los abonos incluirán una Mahou por sala y día.
Actualización 3 de agosto: la programación se ha completado con nombres como Black Dice o Grabba Grabba Tape. Así queda la programación completa:
Escenario Mahou:
Viernes 6: This is Not This Heat + Simon Crab (ex-Bourbonese Qualk)
Sábado 7: Pere Ubu (The Moon Unit) + Sonic Boom
Siroco
Viernes 6: Black Dice + Blake Hargreaves
Sábado 7: Inga Copeland + Farai
Tempo
Viernes 6: Horse Lords + Javier Díez Ena
Sábado 7: Grabba Grabba Tape + Mohama Saz
Café La Palma
Viernes 6: God Colony + Nadia Tehran
Sábado 7: Damed Squad + IAMDDB
Habías visto a alt-J en varios festivales de nuestro país, pero nunca en salas. Esto cambiará en 2018, cuando el grupo de Leeds, uno de los más populares de la actualidad, nos visite por primera vez para ofrecer dos conciertos en recintos. Serán en el Sant Jordi Club de Barcelona el 8 de enero y en el Ring de WiZink Center de Madrid el 9 de enero. Las entradas ya están a la venta en Ticketea (enlazados abajo).
El grupo presenta su último disco, ‘Relaxer’, de nuevo una maravillosa ida de olla en su estilo, en el que combinan su extravagante pop arty con momentos más cercanos al “folk” y del que se han desprendido singles tan certeros como ‘In Cold Blood’, ‘3WW’ o ‘Adaline’.
Precisamente la semana pasada se estrenaba vídeo para otro de los temas del disco, ‘Deadcrush’, protagonizado por varias mujeres que bailan en entornos industriales. Y no son mujeres cualquiera, sino los amores platónicos “históricos”, es decir, muertos, de los miembros de alt-J (sus “dead crushes”), que son la fotógrafa Lee Miller en primer lugar, la poeta Sylvia Plath en segundo y la aristócrata inglesa Ana Bolena en tercero.
BARCELONA, Sant Jordi Club
Lunes, 8 de enero de 2018
Puertas: 20:00h
Precio: 38€ + gastos
Venta: Ticketea.com
MADRID, WiZink Center (El Ring)
Martes, 9 de enero de 2018
Puertas: 20:00h
Precio: 38€ + gastos
Venta: Ticketea.com
El rapero estadounidense Rick Ross, conocido últimamente sobre todo por ‘Purple Lamborghini’, su colaboración con Skrillex para la taquillera ‘Escuadrón suicida’, que acumula más de 130 millones de reproducciones en Spotify, y que además suma cerca de 20 millones de seguidores en las redes sociales, ha explicado en una entrevista la razón por la que no ficha a mujeres a su sello, Maybach Music Group: “me terminaría follando a una rapera”.
Ross, que al parecer es un saco de testosterona y no puede mantener la polla quieta, ni siquiera en un entorno laboral, ha insistido en que si terminara en la cama con una rapera a la que ha fichado en su sello, “jodería el negocio”, por lo que evidentemente ha de evitar dar trabajo a alguna de ellas. “Tengo que ser honesto contigo, si la rapera está buena, y me gasto un montón de pasta en sus sesiones de fotos, por lo menos un par de veces me la tengo que follar”.
El rapero recibió críticas en 2013 por la publicación de una canción, ‘U.O.E.N.O’, que incluía la frase “mete éxtasis en en su champán, y que ni se entere, me la llevo a casa y me la disfruto, y que ni se entere”. Cerca de 1.300 personas llegaron a firmar una campaña de Change para que Ross se disculpara por “glorificar la violación”, algo que Ross hizo a su manera, explicando que se trataba de un “malentendido” porque la canción no menciona la palabra “violación”. Desde luego, un experto en cubrirse de gloria.
Desde esta semana el catálogo de Drag City completo ha llegado a Apple Music, pues el sello estadounidense ha ido publicando años de lanzamientos enteros cada día desde el pasado mes de mayo, lo que incluye también discos de Joanna Newsom, una de las más fieles oponentes del streaming, cuya discografía entera se encuentra ya disponible en la plataforma de streaming de Apple.
Newsom es conocida por rechazar el streaming básicamente a muerte, sobre todo a Spotify, del que ha llegado a decir que “desprende gases” y que su sistema está diseñado para “no pagar a los artistas”. En su momento declaraba: “Los sellos pueden sacar dinero de los anuncios y de la suscripción, y no tienen que pagar a los artistas por nada de eso, [el sistema] está pensado de manera que puedan robar a los artistas y los artistas no tienen manera de luchar contra eso porque por contrato están obligados a permanecer en el sello durante una cantidad concreta de tiempo. Es un sistema basura”.
Aunque se desconoce hasta qué punto el hecho de que el catálogo de Newsom llegue a Apple Music es decisión de la propia Newsom, puramente de su discográfica o decisión de ambas partes, claramente la decisión está motivada por el hecho de que Apple Music, al contrario que Spotify, no presenta un modelo “freemium” que da acceso a todo su catálogo a cambio de publicidad, sino únicamente a la radio y a la red social Connect, por no hablar de que, gracias a Taylor Swift, el periodo de prueba gratis de tres meses compensa a los artistas económicamente, cuando antes de lanzarse no iba a hacerlo.
Y más allá de que esta noticia suponga un varapalo para los puristas de Newsom, esta solo puede ser más buena que mala para la autora de ‘Ys’, cuyos discos no se venden tan bien pese a recibir críticas unánimemente positivas y permitir a su autora llenar o casi llenar salas de conciertos por todo el mundo. Si Apple Music abre camino a que Newsom sume fans y que estos compren sus discos… ¿por qué no se ha tomado esta decisión mucho antes?
Esta semana NPR ha publicado una interesante y necesaria lista de los 150 mejores discos hechos por mujeres con el objetivo de cuestionar el “canon” de mejores discos de la historia que suele darse por sentado, y que contiene sobre todo, y en los puestos más altos, discos hechos por hombres, dejando las obras hechas por mujeres a un segundo plano. Por no decir que normalmente son listas hechas por hombres (la lista de NPR es obra exclusivamente de redactoras).
Ahora el portal estadounidense Jezebel, conocido por su contenido feminista y dirigido a mujeres (ha salido hasta en Los Simpson), y también por su humor descarado e irónico, ha dado la vuelta a la tortilla a la lista de NPR y publicado su lista opuesta, la de 150 peores discos hechos por hombres, que como puede esperarse, proporciona un panorama completo de la música más cuestionable que ha salido en los últimos tiempos, lo que incluye discos de Timbaland, Hoobastank, Nickelback, Michael Bolton, U2, Jason Mraz, Mötley Crüe, Sting, Black Eyed Peas, Charlie Puth… o el último disco de Giorgio Moroder, que ni su autor aprueba.
Encabeza el top 10 Kid Rock con ‘Rock N Roll Jesus’, publicado en 2007, al que le siguen ‘The Last Rebel’ de Lynyrd Skynyrd (1993) y ‘Lulu’, el disco colaborativo de Lou Red y Metallica, denostado en su momento por la crítica (aunque no por David Bowie, que creía sería un clásico). También el debut de The Chainsmokers, el peor valorado del año según Metacritic, aparece en el top 10 junto a Bob Dylan, Eminem y el padre de los hijos de Britney Spears, que sí, sacó un disco que de hecho llegamos a comentar, en el lejano 2006.
En el mismo ánimo de cuestionar el canon establecido de mejores discos de todos los tiempos de NPR, la lista de Jezebel incluye asimismo decisiones polémicas, esto es, obras que han sido muy buen consideradas por la crítica, como ‘For Emma, Forever Ago’ de Bon Iver, ‘The Suburbs’ de Arcade Fire, ‘Illinois’ de Sufjan Stevens, ‘Kid A’ de Radiohead, ‘808s and Heartbreaks’ de Kanye West, ‘Blunderbuss’ de Jack White o, ejem, sí, ese disco de los Beatles.
1.- Kid Rock / Rock N Roll Jesus
2.- Lynyrd Skynyrd / The Last Rebel
3.- Lou Reed & Metallica / Lulu
4.- The Chainsmokers / Memories… Do Not Open
5.- Toby Keith / 33 MPH Town
6.- Kevin Federline / Playing with Fire
7.- Bob Dylan / Christmas in the Heart
8.- Bruce Willis / The Return of Bruno
9.- Eminem / Relapse
10.- Maná / Drama y luz
Esta semana se ha publicado el tercer disco de Foster the People, ‘Sacred Hearts Club’, de nuevo asentando su repertorio entre lo que podría ser un hit en las radios pero por alguna razón se queda en “potencial” y lo que de hecho sí lo consigue, como les sucedía con ‘Pumped Up Kicks’… y puede volver a sucederles en cualquier momento. Recopilamos en una playlist algunas de las mejores canciones del grupo de Mark Foster, junto a algunos de sus icónicos videoclips.
Pumped Up Kicks
El gran éxito de Foster the People es uno de los “crossover hit” claros de la última década: de viralizarse en internet pasó a las radios oficiales -contrato con una multi para el grupo de por medio-, primero alternativas y más tarde populares (fue top 3 en USA y top 18 en UK) y hoy solo puede considerarse un clásico del pop. En este sentido precedió los éxitos insignia de Gotye, fun. o Lorde, y su estribillo entre lo infantil y lo siniestro no ha perdido un ápice de su frescura.
Houdini
A pesar de que Foster the People jamás ha logrado igualar el éxito de ‘Pumped Up Kicks’, ‘Houdini’ es claramente una de sus obras maestras, una canción que encapsula toda la euforia del mundo en poco más de tres minutos y la libera a través de un “in crescendo” espectacular, sirviéndose de un estribillo instrumental al que primero se suman vientos metal y luego un post-estribillo que eleva la canción directamente a los cielos.
Helena Beat
El exitosísimo debut de Foster the People contó con co-productores de la reputación de Paul Epworth y Greg Kurstin, en 2011 ya millonarios aunque no tantísimo como hoy (eso sí, hay que reconocer que ‘Pumped Up Kicks’ es una composición y producción exclusiva de Mark Foster). Entre las aportaciones de Kurstin sí hay que destacar la distorsión electro de este ‘Helena Beat’ que abría el disco y ejerció de segundo single, criticando el consumo de drogas y el camino hacia la destrucción de Hollywood. El vídeo se inspiraba en un futuro distópico a lo ‘Mad Max’, muy apropiadamente.
Don’t Stop (Color on the Walls)
También absolutamente imperdible, en esta ocasión por descacharrante, es el vídeo de otro de los singles de aquel álbum, ‘Don’t Stop (Color on the Walls)’, protagonizado por Gabourey Sidibe, más conocida como “Precious”, aquí sometiéndose de mala manera a un examen de conducir que lleva a su terreno. Un animado medio tiempo indisociable de lo que fue este vídeo obra de los Daniels, los mismos que terminarían ganando en Sitges con su primera película ‘Swiss Army Man‘.
Call it What You Want
La letra de ‘Call it What You Want’ se presta a interpretaciones de todo tipo, pero el mensaje de esta canción no es que tenga mucha importancia cuando contiene una melodía tan buena, astutamente liberada además en un clímax, hacia la mitad, que es toda una explosión de color. Su vídeo además confirmó que el grupo se curraba los vídeos como pocos grupos “indie” en ese momento, claro que tenía la pasta para hacerlo.
I Would Do Anything for You
La canción más cuqui de Mark Foster y compañía no es otra que esta ‘I Would Do Anything for You’ que jamás fue single por alguna razón. La pista 6 de ‘Torches’ no se avergüenza de su alto contenido en azúcar, de hecho se regocija en él con su estribillo “ooh la la, I’m falling in love”, que sin embargo no podría ser más bonito ni dándole el grupo unas diez vueltas. Es la dulzura hecha canción.
Coming of Age
‘Supermodel’ ni vendió bien ni recibió grandes halagos más allá de nuestra web, pero se recordará sobre todo entre los fans del grupo como un trabajo perfectamente reivindicable por sus buenas canciones, así como por su elaboradísima producción de estudio -el disco es una pequeña obra de arte en este sentido-. En el primer single Mark Foster explora los conflictos de su madurez. “Cuando el miedo me saca del mar, y las estrellas se esconden por culpa de mi orgullo y de mis enemigos, parece que hiero a la gente a la que más quiero”, canta Mark. “Como un animal, protejo mi orgullo, cuando estoy demasiado herido para luchar, e incluso cuando no tengo la razón, creo que la tengo”. Además de poético, ‘Coming of Age’ es un single grande, lleno de espacio, en el que Foster sobre todo mira adelante.
Pseudologia Fantastica
Las exploraciones psicodélicas de ‘Supermodel’ llegan a su cumbre en esta canción que es un océano de surrealismo en su producción, pero además contiene una melodía ligeramente R&B, perfecta en realidad para contarnos de la manera más accesible posible su lamento de un mundo capitalista en el que solo unos pocos vislumbran un futuro. ‘Pseudologia Fantastica’ es una canción ambiciosa, de hecho la más larga del disco, y por este motivo un triunfo.
Are You What You Want to Be?
La canción que abría ‘Supermodel’ es una reflexión existencial sobre la identidad: “¿eres lo que quieres ser?” es una pregunta universal, terrorífica de responder incluso, y ‘Are You What You Want to Be?’ la planteó también como la más grande, sobre todo a través de su magnética melodía y sus infecciosos ritmos africanistas. Eso sí, esas referencias “globales” de la primera frase son incomprensibles: ¡esa rima de “Champs-Elysées” y “Belize”!
Ask Yourself
En la pista 2 de ‘Supermodel’ queda claro que el joven enamorado y vital de ‘Torches’ ya no es el mismo. Ahora Foster es Sísifo portando el peso de la fama como una roca enorme de la que no puede desprenderse. “Tu confianza se desvanece con tu juventud”, canta en ‘Ask Yourself’, “y dices que los soñadores siempre consiguen lo que desean, pero yo he encontrado que, cuanto más quiero, menos tengo”. ‘Supermodel’ es la obra de un hombre desencantado con los sueños que le habían prometido: exactamente a esto suena esta magnífica canción.
Goats in Trees
Mark Foster es un vocalista con estrella, imposible de confundir. Su voz de hecho es lo suficientemente elástica como para permitirle interpretar varios personajes dentro de una misma canción, como sucede en la surrealista ‘Goats in Trees’, una preciosa balada acústica, llena de melancolía, en la que Foster fluctúa entre su registro más grave y su registro más agudo para ofrecer una de las interpretaciones vocales más emocionantes que ha registrado en estudio.
Do It for The Money
Aunque aún es pronto para averiguar cuáles son las canciones de ‘Sacred Hearts Club’ que perdurarán (¿lo será la afrancesada ‘I Love My Friends’?), son varias las que aspiran a ello desde las primeras escuchas. De hecho en abril se lanzaron 3 singles a la vez, destacando la inspiración hip-hop de ‘Pay the Man’ pero también el ritmo R&B sobre una producción colorida de este tema que dice justo lo contrario de lo que sugiere su título: que Foster the People no están en esto por el dinero. Sobre lo que nos importa, la canción sí está a la altura.
SHC
La canción que da nombre al nuevo disco era otro de los adelantos que conocíamos en abril. Estamos ante un álbum con un mensaje claramente optimista, construido en torno al Carpe Diem, y una de las mejores muestras es esta canción con palmas y una lluvia de guitarras indie que podrían haber construido los Two Door Cinema Club más inmediatos.
Harden the Paint
Frente a temas centrados en una suerte de electro hip-hop como el mencionado ‘Pay the Man’ o ‘Loyal Like Sid & Nancy’, aparecen en el último disco de Foster the People otros que son más Passion Pit que nunca, como es el caso de este estupendo ‘Harden the Point’ que no tiene nada que envidiar a los de Michael Angelakos y que también recuerda a aquel tema que Charli XCX construyó sobre una base de Gold Lake, ‘You (Ha Ha Ha)’, es decir, una maravilla.
Sit Next to Me
Ahora mismo la canción más escuchada del disco en Spotify, muy poco después de su lanzamiento, es ‘Sit Next to Me’, otro juego entre las ambientaciones clásicas de Foster the People, los ritmos R&B, las guitarras funky y los falsetes, que está gustando y con razón entre sus seguidores. Textos: Jordi Bardají, Sebas E. Alonso.
MTV continúa dando sus premios anuales a los mejores vídeos del año y esta vez la ceremonia tendrá lugar el 27 de agosto en California, dentro de aproximadamente un mes. Hoy se ha dado a conocer la lista de nominados, liderada muy claramente por Kendrick Lamar con 8 nominaciones. No tendría que tener rival dada la calidad y el icono que ha supuesto su vídeo de ‘HUMBLE.’, pero ha de quitarse de encima a Bruno Mars y en la categoría de Artista del Año también a Ed Sheeran. Y ojo, el público puede votar (aunque no por ejemplo desde España) en algunas categorías, así que cualquier cosa puede pasar.
Aparecen con 5 nominaciones, de hecho por encima de Bruno y Sheeran, tanto The Weeknd como Katy Perry, si bien pese al reconocimiento a la calidad de los vídeos de ‘Bon Appétit’ y ‘Chained to the Rhythm’, Perry no está nominada a Vídeo del Año ni a Artista del Año, a diferencia de lo que sucede, por ejemplo, con Ariana Grande y Lorde. Debajo podéis encontrar todos los nominados.
Vídeo del Año:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Bruno Mars: “24K Magic”
Alessia Cara: “Scars to Your Beautiful”
DJ Khaled: “Wild Thoughts” [ft. Rihanna and Bryson Tiller]
The Weeknd: “Reminder”
Artista del año:
Bruno Mars
Kendrick Lamar
Ed Sheeran
Ariana Grande
The Weeknd
Lorde
Mejor revelación:
Khalid
Kodak Black
SZA
Young M.A
Julia Michaels
Noah Cyrus
Mejor colaboración:
Charlie Puth: “We Don’t Talk Anymore” [ft. Selena Gomez]
DJ Khaled: “Wild Thoughts” [ft. Rihanna and Bryson Tiller]
D.R.A.M.: “Broccoli” [ft. Lil Yachty]
The Chainsmokers: “Closer” [ft. Halsey]
Calvin Harris: “Feels” [ft. Pharrell Williams, Katy Perry and Big Sean]
Zayn and Taylor Swift: “I Don’t Wanna Live Forever (Fifty Shades Darker)”
Mejor vídeo de pop:
Shawn Mendes: “Treat You Better”
Ed Sheeran: “Shape of You”
Harry Styles: “Sign of the Times”
Fifth Harmony: “Down” [ft. Gucci Mane]
Katy Perry: “Chained to the Rhythm” [ft. Skip Marley]
Miley Cyrus: “Malibu”
Mejor vídeo de hip-hop:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Big Sean: “Bounce Back”
Chance the Rapper: “Same Drugs”
D.R.A.M.: “Broccoli” [ft. Lil Yachty]
Migos: “Bad and Boujee” [ft. Lil Uzi Vert]
DJ Khaled: “I’m the One” [ft. Justin Bieber, Quavo, Chance the Rapper and Lil Wayne]
Mejor vídeo de dance:
Zedd and Alessia Cara: “Stay”
Kygo and Selena Gomez: “It Ain’t Me”
Calvin Harris: “My Way”
Major Lazer: “Cold Water” [ft. Justin Bieber and MØ]
Afrojack: “Gone” [ft. Ty Dolla $ign]
Mejor vídeo de rock:
Coldplay: “A Head Full of Dreams”
Fall Out Boy: “Young And Menace”
Twenty One Pilots: “Heavydirtysoul”
Green Day: “Bang Bang”
Foo Fighters: “Run”
Mejor lucha contra el sistema:
Logic: “Black SpiderMan”
The Hamilton Mixtape: “Immigrants (We Get the Job Done)”
Big Sean: “Light”
Alessia Cara: “Scars to Your Beautiful”
Taboo: “Stand Up / Stand N Rock #NoDAPL” [ft. Shailene Woodley]
John Legend: “Surefire”
Mejor fotografía:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Imagine Dragons: “Thunder”
Ed Sheeran: “Castle on the Hill”
DJ Shadow: “Nobody Speak” [ft. Run the Jewels]
Halsey: “Now or Never”
Mejor dirección:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Katy Perry: “Chained to the Rhythm” [ft. Skip Marley]
Bruno Mars: “24K Magic”
Alessia Cara: “Scars to Your Beautiful”
The Weeknd: “Reminder”
Mejor dirección de arte:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Bruno Mars: “24K Magic”
Katy Perry: “Bon Appetit” [ft. Migos]
DJ Khaled: “Wild Thoughts” [ft. Rihanna and Bryson Tiller]
The Weeknd: “Reminder”
Mejores efectos especiales:
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
A Tribe Called Quest: “Dis Generation”
KYLE: “iSpy” [ft. Lil Yachty]
Katy Perry: “Chained to the Rhythm” [ft. Skip Marley]
Harry Styles: “Sign of the Times”
Mejor coreografía:
Kanye West: “Fade”
Ariana Grande: “Side to Side” [ft. Nicki Minaj]
Kendrick Lamar: “HUMBLE.”
Sia: “The Greatest”
Fifth Harmony: “Down” [ft. Gucci Mane]
Mejor Montaje:
Future: “Mask Off”
Young Thug: “Wyclef Jean”
Lorde: “Green Light”
The Chainsmokers: “Closer” [ft. Halsey]
The Weeknd: “Reminder”
Ariel Pink saca disco, ‘Dedicated to Bobby Jameson’, el próximo 15 de septiembre, por lo que ya ha empezado a realizar entrevistas con los medios para promocionarlo. En la última, para Stereogum, se ha quedado a gusto hablando sobre temas como Donald Trump (al que defiende), su “odio” por hacer entrevistas, aunque es su “trabajo”; el modo en que los medios sacan sus palabras de contexto (las de Ariel, no las de Trump) y Madonna, de la que en 2014 dijo que su equipo le había llamado para colaborar en ‘Rebel Heart’ porque Madonna necesitaba “ayuda” para escribir canciones, al tiempo que aseguraba que Madonna no había hecho un disco bueno desde el primero, del que precisamente halagaba sus canciones, muchas de las cuales eran autoría única de Madonna, como ‘Everybody’, que Ariel Pink ha versionado.
El autor de ‘Picture Me Gone’ dice ahora querer trabajar con Madonna y defiende que lo que dijo de ella eran en realidad palabras de Interscope que él reproducía: “solo parafraseaba lo que Interscope me había dicho, que Madonna tenía a Avicii y todas esas cosas para su disco, pero que no había canciones, y que buscaban compositores; solo parafraseaba el porqué ellos buscaban a alguien como yo para trabajar con alguien como ella: esas no son cosas que yo sintiera sobre ella, no son mis sentimientos, ¡yo quiero trabajar con Madonna! Simplemente buscaban a compositores con tal de que su nuevo disco funcionara mejor que el anterior. Eso fue todo. Y la gente se lo tomó como si esas opiniones fuesen opiniones válidas mías, ¡y ni siquiera eran mis opiniones!”.
Pink cree que los medios han proyectado una mala imagen de él contra Madonna por culpa de estas declaraciones, que según él han puesto en boca suya cosas que no piensa de verdad. De hecho, durante un punto de la entrevista dice admirar a Madonna y su carrera. “Me encanta Madonna”, dice. “Qué manera de arruinar mis oportunidades con esa señorita. Ha tenido más éxito y una mayor sucesión de éxitos que me gustan que todos mis artistas favoritos, y aquí estoy yo, con la gente diciendo que la pongo a parir”.
Por supuesto Ariel Pink se refiere en parte a Grimes, que tras sus declaraciones sobre Madonna acudió a Twitter para llamar al artista “misógino”. Pink cree que sus palabras sobre Madonna fueron sacadas de contexto. “Como cuando digo que Grimes es estúpida por decir que «la caracterización de Madonna de Ariel es un ejemplo perfecto de la misoginia que existe en la industria hoy en día». Me convierte de nuevo en un enemigo, cuando no tengo más que respeto por Grimes y por Madonna. El titular era “Grimes es estúpida porque odio a las mujeres”. Se supone que demuestra mi odio por las mujeres y por Madonna. De esta manera ves que la gente no ve lo que no quiere ver”.
El 17º aniversario de la sala Razzmatazz se celebrará, como siempre en los últimos tiempos, durante el último trimestre del año. Será esta vez entre los próximos 21 de octubre y 16 de diciembre. Ya conocíamos alguna de las fechas, como era el caso de Kodaline. Sin embargo, en los últimos días se han sumado otras nuevas que van conformando un cartel suculento e imprescindible.
Belako, Estrons, Jaques Greene Live A/V, Kodaline, Low Roar, Micah P. Hinson, Mount Kimbie, Otherkin, Pussy Riot Dj Set (Nadya), RAC, Satellite Stories, Soft Kill, Spring King, Surfin’ Bichos tocando ‘Hermanos carnales’, The Darkness + Blckfoot Gypsies, Trombone Shorty y Vessels son los artistas confirmados de momento, a los que se sumarán otros que iremos conociendo próximamente.
La última tanda de confirmados se centra en Surfin’ Bichos, que presentarán ‘Hermanos carnales’ el 27 de octubre en la sala tras haber tocado con éxito en San Isidro o en el FIB; el cantautor Micah P Hinson, que llegará a Barcelona el 2 de noviembre; y The Darkness, que actuarán el 3 de noviembre para presentar su nuevo álbum, del que acaban de estrenar un single que puedes conocer a través de nuestra playlist de novedades semanales.
También se destaca la actuación de Ryan Karazija, más conocido como Low Roar, el artista nacido en Estados Unidos, de ascendencia mexicana por parte de madre y lituana por parte de padre, basado en Islandia. Actúa el 24 de octubre en Barcelona (también estará en Madrid, 22 de octubre) en lo que serán sus primeros conciertos en nuestro país. Low Roar presenta su nuevo álbum, el tercero, ‘Once In A Long, Long While’, tras la buena aceptación de hits pasados como el intrigante ‘I’ll Keep It Coming’ o el acústico ‘Just a Habit’.
La semana que viene, entre el jueves 3 de agosto y el sábado 5 de agosto, se celebra una nueva edición del Santander Music Festival, del que JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador. En el cartel del festival aparecen nombres del nivel de M. Ward, Los Planetas, The Vaccines, La Casa Azul, Triángulo de Amor Bizarro, Sidonie, Lori Meyers y Anni B Sweet, entre muchos otros. Desde redacción regalamos 2 abonos simples a las respuestas más originales recibidas en nuestro mail jenesaispop@gmail.com a la siguiente pregunta: “¿por qué crees que mereces ganar un abono para Santander Music 2017?”. El plazo para participar acaba este miércoles 26 de julio a las 10 de la mañana. El festival cuenta con zona de acampada, beach market, food tracks y una zona de descanso con vistas a la bahía de Santander.
Os recordamos que además del festival en la Península de la Magdalena, tanto el viernes como el sábado hay Vermú Sessions en la ciudad. Serán de Sen Senra, Pianet, Melenas y Bigott, junto a algunos dj’s. Asimismo, durante todo el mes de julio se han ido desarrollando actividades paralelas relacionadas con el cine, el arte y la literatura por todo Santander. Podéis consultar toda la información sobre este evento que llega ya a su 9ª edición en la web oficial.
No, Justin Bieber no ha salvado la carrera de Luis Fonsi: ‘Despacito’ ya contaba con cientos de millones de reproducciones antes de él. Ni tampoco Daddy Yankee. Luis Fonsi ya era una estrella internacional antes de que ambos parieran este sensual tema veraniego que lleva 26 semanas, esto es, exactamente medio año, en el número 1 oficial en España.
Aprovechando que Luis Fonsi sigue su amplia gira por nuestro país, recordamos algunos de los hitos de su carrera previa a ‘Despacito’, lo que incluye algunos de sus éxitos pero también algunos de sus encuentros casuales, lo mismo con Aguilera que con Britney, que con Bush hijo que con Obama. Luis Fonsi actúa en Madrid el 30 de julio, el 2 de agosto en Marbella, el 3 de agosto en Sanlúcar de Barrameda, el 5 de agosto en Cap Roig y el 6 de agosto en Salou. Las entradas para Luis Fonsi aún disponibles pueden comprarse en Ticketmaster.
Su disco más vendido
‘Despacito’ es el primer macrohit de Luis Fonsi que no aparece -de momento- en ningún álbum del artista. Mucha gente, sobre todo en el mundo anglosajón, le verán como “one hit wonder”, pero lo cierto es que su colección de discos de oro y platino no está al alcance de cualquiera. Su mayor éxito comercial es ‘Palabras del silencio’, un álbum editado en 2008 que fue multiplatino en varios países latinoamericanos, platino en el área latina de Estados Unidos y disco de oro en España. Ha vendido más de 1 millón de unidades. ¿Su principal responsable? Laura Pausini y Bisbal hacían colaboraciones en el álbum, pero el hit que más se recuerda de aquel disco es ‘No me doy por vencido’, un tema que empieza como un corte de cantautor a lo Silvio Rodríguez y termina en plan ‘Always’ de Bon Jovi. Tiene más de 160 millones de reproducciones en Youtube y 27 en Spotify.
Sus dos mayores hits hasta ‘Despacito’
Y sin embargo, hay dos canciones que superan en escuchas en Spotify a ‘No me doy por vencido’. Se trata de dos singles del que es su último álbum hasta ahora, titulado ‘8’: la medio rockera y cuasi soul pop ‘Corazón en la maleta’ y ‘Llegaste tú’, entonada junto al gran Juan Luis Guerra. Con este suma 45 millones de reproducciones en la plataforma sueca: es su tema más oído en ella después de las 2 versiones de ‘Despacito’.
La colaboración con Christina Aguilera en ‘Mi reflejo’
Nadie ha olvidado el disco en castellano que Christina Aguilera sacó nada más hacerse famosa, con adaptaciones de su debut a nuestro idioma y algunas canciones nuevas. En ‘Mi reflejo’ cupieron ‘Genio atrapado’ y el baladón ‘Si no te hubiera conocido’, con un Luis Fonsi que por aquel entonces (año 2000) apenas había editado un par de discos.
Telonero de Britney Spears
Un año después, Luis Fonsi se entretuvo teloneando parte de la gira norteamericana de Britney Spears. Así lo recordaba él mismo en Instagram el año pasado antes de ‘Despacito’, compartiendo una foto de ambos y escribiendo: “hace 15 años tuve el placer de abrir la gira en US de Britney Spears. La pasamos chévere y aprendí mucho”. En el hashtag, manifiesta arrepentirse de su camisa.
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Emma Bunton, trendsetter
Christina no dejaba de tener su origen latino y Britney no pasó de hacerse la foto de rigor, pero la cantante anglosajona que verdaderamente vio venir el potencial de Luis Fonsi fue Baby Spice. Fonsi aparece en el disco de Emma Bunton de 2003, ‘Free Me’, en concreto en un tema en inglés de corte easy-listening, medio swing, llamado ‘Amazing’. Producía Mike Peden, conocido sobre todo por su trabajo con Lighthouse Family.
Cantar en la Casablanca tras el 11-S
Prueba de que la fama ya le sonreía a principios de siglo es que Luis Fonsi llegara a cantar en la Casablanca inmediatamente después del 11-S. Emilio Estefan y Gian Marco compusieron una canción para las víctimas el mismo mes de septiembre de 2001 y en ella colaboró gente como Ricky Martin, Alejandro Sanz, Chayanne, Celia Cruz, Paulina Rubio y, por supuesto, Gloria Estefan. Algunos de ellos llegaron a entonar ‘El último adiós’ en la Casablanca y entre los que no se lo perdieron estaba nuestro hombre. La canción permanece entre las más oídas de Spotify de muchos de estos artistas.
Y para el Papa Juan Pablo II
Un año antes, Fonsi había participado en agosto de 2000 en el Jubileo 2000, evento en el que cantó ante el Papa Juan Pablo II. Una de las declaraciones que permanecen en la red de la época es esta: “Yo soy católico pero no canto música cristiana. Sin embargo, me invitaron a grabar un disco de música religiosa y una de las canciones que más gustó en el Vaticano fue la mía y me llamaron para cantar en vivo». Claro que, en aquella época, lo hizo sin un featuring de Daddy Yankee diciendo “quiero ver cuánto amor a ti te cabe”.
Saludar a Obama
También anterior a ‘Despacito’ es la foto de Luis Fonsi con Obama, quien tiene que estar flipando con hasta dónde está llegando la fama del portorriqueño. A pesar de llegar a la Casablanca antes que él al haber cantado para Bush, Fonsi pudo saludar al ex presidente estadounidense y se deshizo en elogios para él. Sucedió en Oslo durante la entrega del Premio Nobel de la Paz. “Después de su discurso nos llevaron al hotel donde se está hospedando Obama y pude hablar un ratito con él. Me dijo: “No me doy por vencido”, en español, y “I like Puerto Rico’”. Es un tipazo, todos nos llevamos una impresión muy positiva por su carisma, fue donde cada uno de los artistas y dijo algo real de ese artista. Se nota que está muy al tanto con lo que está pasando, que le gusta la música y que tiene los pies bien puestos en la tierra. Creo que ese es el tipo de líderes que necesita el mundo, este presidente nos da esperanza, no sólo a Estados Unidos sino al mundo entero”, fueron sus declaraciones.
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Su pequeño grupo con un N’Sync
El portorriqueño se mudó con 10 años a Orlando, Florida. Allí, gracias a un profesor que influyó mucho en su carrera, formó un grupo con unos compañeros de clase, entre ellos Joey Fatone, después en N’Sync, con los que hacían versiones de R&B y pop vocal. Su profesor les llamó Big Guys. No fue más que una anécdota al contrario de lo que sugieren algunas webs, pero él se encarga de recordarla de vez en cuando en televisión y en las redes. De hecho, indica que siguen en contacto.
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La conexión Lori Meyers y Fangoria
Cerramos más que con un hito, con una anécdota. Luis Fonsi ha trabajado con un productor en común con artistas españoles del indiemainstream, como son Lori Meyers y Fangoria. Se trata de Sebastián Krys, en cuyo currículum lo mismo aparece Gloria Estefan que Shakira, Ricky Martin que Vega. Krys co-escribió un par de temas de su álbum más vendido, el mencionado ‘Palabras del silencio’, en concreto ‘Otro día será (desencontrándonos)’ (atención a esos móviles que suenan en ella) y la uptempo ‘La mentira’ y también mezcló el single ‘Gritar’ de su disco siguiente, ‘Tierra firme’ (2011).
NPR ha publicado una interesantísima lista de los mejores 150 discos realizados por mujeres de 1964 a 2017 (no se comparte la razón de esta franja temporal, pues esto deja fuera por ejemplo discos de Édith Piaf, Billie Holiday o Yma Sumac). El objetivo de la lista es “reescribir la historia”, que no es una historia alternativa, como recuerda Ann Powers en su escrito para la publicación (las mujeres siempre han hecho música), sino una historia anticuada, definida por la presencia, raramente cuestionada, de discos hechos por hombres en lo más alto de los ránkings de mejores discos de la historia, que suelen ser siempre los mismos (‘Sgt. Pepper’s Club’, ‘Blonde on Blonde’, ‘OK Computer’) y por la posición secundaria que suele otorgarse a discos hechos por mujeres en estos mismos ránkings. La lista se pregunta por qué Bob Dylan y no Joni Mitchell ha de ser siempre el cantautor más reivindicado, o por qué los Beatles y no las Supremes han hecho siempre el mejor disco de todos los tiempos.
El ránking es imperdible por varias razones. En primer lugar es transversal en tanto que tiene en cuenta discos realizados por mujeres solistas pero también por grupos mixtos donde las mujeres eran componentes indispensables, como Fleetwood Mac o Cocteau Twins, pero también producciones de origen no anglosajón, pues hace especial hincapié en obras realizadas en países de habla no inglesa que suelen ser olvidados en este tipo de listas, como es el caso de la cubana Celia Cruz, la egipcia Umm Kalzum, la argentina Mercedes Sosa, la maliense Omou Sangaré (recientemente reivindicada por Sampha) o la israelí Ofra Haza. Por género musical también se percibe intención en no incluir lo de siempre, y ahí encontramos por ejemplo obras maestras de Meredith Monk, Pauline Oliveiros o Diamanda Galás.
Dentro de sus fronteras lingüísticas (porque evidentemente la mayoría de discos de su lista se compone de obras producidas en Estados Unidos o Reino Unido e interpretadas en inglés; sin ir más lejos, el top 20 entero con la salvedad de Selena, que era de Texas y cuyo disco está interpretado en español), NPR halla obras maestras a reivindicar en discos que normalmente no suelen tenerse en absoluto en cuenta en este tipo de listas por su carencia de buenas críticas o por no resultar “cool” de cara a un público concreto, como ‘Nightbirds’ de LaBelle, ‘¿Dónde están los ladrones?’ de Shakira, ‘Tragic Kingdom’ de No Doubt, ‘Amor prohibido’ de Selena, ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears, ‘Tuesday Night Music Club’ de Sheryl Crow o ‘Fearless’ de Taylor Swift; en algunos de los casos suponiendo una clara reivindicación de la expresión de la adolescencia femenina como una forma de arte relevante y con mérito.
La lista en cualquier caso es enriquecedora tanto por su recuerdo a clásicos nunca suficientemente valorados (álbumes de Lucinda Williams, los B-52’s, Teena Marie, Etta James) como por su inclusión de obras ya acostumbradas a parecer en este tipo de listas (clásicos de Joni Mitchell, Blondie, Björk, Kate Bush), sin olvidar clásicos recientes (Amy Winehouse, Adele, Solange, Beyoncé). Y por supuesto una lista de lo que sea, en este caso de mejores discos hechos por mujeres, se define tanto por lo que incluye como por lo que no incluye, por lo que en la de NPR cabe destacar varias ausencias: Cecilia, Kylie Minogue, Sybille Baier, Mina, Sainkho Namtchylak, Christine and the Queens, Stina Nordenstam, Cibo Matto… No se puede todo, pero NPR claramente ha hecho un espléndido trabajo.
Top 20:
1.- Joni Mitchell / Blue
2.- Lauryn Hill / The Miseducation of Lauryn Hill
3.- Nina Simone / I Put A Spell on You
4.- Aretha Franklin / I Never Loved a Man The Way I Love You
5.- Missy Elliott / Supa Dupa Fly
6.- Beyoncé / Lemonade
7.- Patti Smith / Horses
8.- Janis Joplin / Pearl
9.- Amy Winehouse / Back to Black
10.- Carole King / Tapestry
11.- Dolly Parton / Coat of Many Colors
12.- Erykah Badu / Baduizm
13.- Madonna / Like a Prayer
14.- Whitney Houston / Whitney Houston
15.- Diana Ross and the Supremes / Where Did Our Love Go
16.- Fleetwood Mac / Rumours
17.- Janet Jackson / Control
18.- Lucinda Williams / Car Wheels on A Gravel Road
19.- Selena / Amor prohibido
20.- The Ronettes / Presenting the Fabulous Ronettes featuring Veronica
Pocos grupos reflejan el desencanto de los últimos tiempos como Goat Girl, quienes han ocupado titulares en medios como el NME o incluso The Guardian tan solo gracias a un par de canciones. El diario más prestigioso de Reino Unido llega a decir que el grupo está «reconstruyendo el indie de Londres», hablando de la escena «do it yourself» a la que pertenecen. Podremos comprobarlo cuando el grupo nos visite de gira en breve como parte del nuevo JägermusicTour que recorre 6 ciudades españolas.
El ruido generado por Goat Girl se debe al poder de un 7″ de doble cara A que a pesar de contener tan sólo 2 canciones ya cuesta entre 22 y 32 euros en Discogs: si todo sale tan bien como apunta puede convertirse en una pequeña pieza de coleccionista. ‘Country Sleaze’ empieza con un bajo muy marcado para luego desarrollarse entre las sonoridades de The Fall, Black Rebel Motorcycle Club y Electrelane, aunque lo bueno es ese uso irónico de la palabra “sleaze” que puede llevarnos a traducir el título como “la asquerosidad del país” (“nadie se acercará a mí”, dicen después), pero que también puede hacer referencia a la «corrupción» o al desencanto generalizado de la sociedad británica a día de hoy. «Doy asco, me da vergüenza esto que llamamos raza humana» es la sentencia más llamativa de Goat Girl.
Su cara B, con el título ‘Scum’, no puede ser más clara: «How can an entire nation be so fucking thick?», se pregunta desesperada la vocalista Lottie, y quizá es inevitable pensar en ‘North American Scum’, aunque la también irónica canción de LCD Soundsystem tenía un sentido bastante diferente (en aquel caso James Murphy se quejaba de las generalizaciones contra Estados Unidos). Y si el vídeo de ‘Country Sleaze’ contenía una llamada para prevenir a epilépticos, el de ‘Scum’ da deliberadamente asco.
Fichadas por Rough Trade, Goat Girl acaban de sacar un single nuevo al mercado con portadón y dos canciones nuevas, otra vez reptantes desde sus mismos títulos, ‘Crow Cries’ y ‘Mighty Despair’. La primera cuenta con un irresistible ritmo blues y la segunda es introducida por una caja de ritmos antes de entregarse a sonoridades similares, destacando el uso de teclados y las voces en plan coral.
Goat Girl, que reciben su nombre del «cuestionable sketch del comediante Bill Hicks, Goat Boy (“es desagradable,” dice Lottie, aunque agrega rápidamente: “pero me gusta su comentario social y el elemento satírico de lo que hizo”)», actúan en nuestro país y no solamente para visitar Madrid y Barcelona. Como parte del JägermusicTour en colaboración con Cooncert, actuarán también en otros lugares junto a los recomendables La Plata y el power trio FAVX. Las entradas están a la venta aquí.
28 de septiembre: Moby Dick (Madrid)
29 de septiembre: Lata de Zinc (Oviedo)
30 de septiembre: Dabadaba (San Sebastian)
5 de octubre: 16 Toneladas (Valencia)
6 de octubre: Sidecar (Barcelona)
7 de octubre: Zaragoza (Sala López)
Definitivamente, 2017 es el año de los colectivos pop canadienses. Han sacado disco The New Pornographers, Arcade Fire llevan meses adelantando su próximo álbum y Broken Social Scene, el supergrupo liderado por Kevin Drew, retorna tras siete años de parón. Supongo que cuadrar agendas debe ser complicado, así que les perdonaremos este largo hiato. Especialmente porque los de Toronto han parido un discazo. Si ‘Forgiveness Rock Record’ era acuático, calmo, ‘Hug of Thunder’ es arrebatador, un retorno por todo lo alto. Como su propio título indica, es literalmente un “abrazo de trueno”; un apasionado muestrario de su pop comunitario y luminoso. Bien repleto de estribillos épicos, crescendos, himnos emocionantes, sobredosis instrumental, coros a cascoporro… Básicamente, de todo aquello que ansias en un disco de Broken Social Scene, perfectamente cristalizado en un puñado de canciones de las que-se-quedan-a-vivir-en-tu-cabeza.
Tras una introducción inocua, llega el auténtico arranque con ‘Halfway Home’, pura euforia pop con puente-subidón-redobles-de-tambor, metales irrumpiendo y estribillo comunitario explotando. Exorcizar el horror de los atentados de París en noviembre de 2015 fue uno de los motivos que impulsaron este nuevo disco, horror reflejado en este su primer single; impresiona el contraste entre su luminoso envoltorio y una letra que narra un ataque que destruye trágicamente un momento de felicidad. La tensión se rebaja un poco en ‘Protest Song’, que arranca con su adhesivo estribillo entonado por Emily Haines (Metric), enmarcado por deliciosas guitarras power pop. Sin duda, la canción con mayor regusto a The New Pornographers que, a su vez se encadena con la preciosa ‘Skyline’, una maravilla emocionante, repleta de anhelo, tras la que llega la veraniega ‘Stay Happy’, toda pizpireta (ay, ese ritmillo; ay, esos trombones), de la que se encarga Ariel Engle. ¡Si la pegadiza ‘Vanity Pail Kids’ es la canción “floja” de la primera mitad del álbum! Para paliarla, Feist abraza la homónima ‘Hug of Thunder’ y la nutre de un sofisticado sonido ochentas.
La segunda mitad de ‘Hug of Thunder’ se torna atmosférica, más melancólica, y declina un poco en comparación a su portentosa primera mitad. Aun así, cada uno de sus temas contiene un algo conmovedor… hasta que alcanzan una nueva cumbre en la dulce y susurrada ‘Please Take Me with You’, que remite a los The Radio Dept. de ‘Clinging to a Scheme’. El espíritu del grupo y el disco se refleja en su cierre, ‘Mouth Guards of the Apocalipsis’. Tras un inicio atemperado, emerge una erupción épica coronada por trompetas sí, apocalípticas; Drew canta: “Words of hope are a joke for the numb” (“las palabras de esperanza son una broma para los anestesiados”). Y, sin embargo, la canción no puede sonar más esperanzadora. ‘Hug of Thunder’ es un bálsamo de optimismo ante el peligro inminente y el terror que nos atenaza. Uno de esos discos creados para que te acompañen, te arropen. Para quemarlos.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Halfway Home’, ‘Protest Song’, ‘Skyline’, ‘Hug of Thunder’, ‘Please Take Me with You’ Te gustará si te gusta: The New Pornographers, Arcade Fire, Feist, The Radio Dept. Escúchalo: Spotify
2017 no está siendo el año de las hermanas Jenner. Cuando Kendall no protagoniza el peor anuncio del año, burlándose con la ayuda de Pepsi de las injusticias que han llevado a miles de personas a manifestarse en las calles de Estados Unidos en los últimos años, junto con su hermana Kylie estrena una serie de camisetas “vintage” en las que plantan su cara y logos encima de imágenes icónicas de artistas como The Doors o Tupac Shakur, las cuales generan suficientes críticas para que hayan de ser retiradas, y sus autoras se vean obligadas a publicar una disculpa.
Por supuesto las personas afectadas por esta idea no iban a quedarse con los brazos cruzados, y Jeff Jampol, quien fuera mánager de The Doors, enviaba poco después un aviso legal conocido como “cease and desist” para que las hermanas Jenner no vuelvan a utilizar nunca imágenes del grupo que no les pertenecen.
Ahora ha sido James Hetfield, vocalista de Metallica, uno de los grupos “reivindicados” por las hermanas, quien ha opinado sobre este asunto, asegurando que tenían que haber respetado a los artistas, pero que han preferido anteponer su poder como celebridades. “Supongo que lo pensaban fue, “podemos hacer lo que nos dé la gana”. Para mí, es irrespetuoso”, ha dicho. “Nos hemos pasado 36 años trabajando duro, haciendo lo que hemos podido para mantener una conexión verdadera con la gente, haciendo que cada nota cuente, y de repente una persona tira algo por encima de algo que creemos, no que sea sagrado… pero ten un poco de respeto”.
Aunque quizá la mejor reacción de todas ante este despropósito siga siendo la de Arcade Fire, que recientemente pusieron a la venta camisetas con su logo impreso en las caras de las Jenner. Claro que ellos lo hicieron desde la ironía, mientras las hermanas iban muy en serio.
Bebe ha concedido una entrevista a Woman con motivo del ciclo de conciertos 43 Live the Roof, que se realiza en varias ciudades, concretamente en varias azoteas, de nuestro país, durante el atardecer, y que cuenta en su cartelera también con artistas como Revolver, Vega, Miss Caffeina, David Otero o Viva Suecia.
En la breve entrevista se pregunta a Bebe por su carrera y maternidad, pero también por feminismo, ese peliagudo tema. Bebe asegura que ser mujer en el mundo de la música no le ha supuesto demasiadas dificultades en contraste con sus colegas de profesión masculinos, pero reconoce que “hasta hace relativamente poco no había sentido que si no hubiera sido chica, me hubieran tratado de otra manera en algunos momentos”.
A continuación, Woman pregunta a Bebe si es feminista, a lo que ella contesta que no, “en absoluto”. “No soy feminista; nunca lo he sido y nunca lo seré”, continúa. “Soy una mujer, eso es lo que soy”. Bebe reconoce que existe desigualdad de género en nuestro país, sobre todo salarial. “Hay muchas cosas que hay que ir mejorando”, continúa. “Sí es verdad que vivimos mejor que en otros países, pero no es suficiente. Sobre todo una de las grandes diferencias suelen ser los sueldos. Esa es, realmente, la mayor diferencia que hay”.
Bebe no es la única mujer en la música que ha rechazado la etiqueta del feminismo: en algún punto de sus carreras Madonna, Björk, Lady Gaga, PJ Harvey, Lana Del Rey o Kelly Clarkson lo han hecho, esto fuera de nuestras fronteras, con matices y algunas de ellas retractándose después; o las actrices Paula Echevarría y Blanca Suárez dentro de las nuestras, como recuerda The Huffington Post.
No hace ni diez días que Justin Bieber anunció una nueva serie de fechas de su gira ‘Purpose’ en Estados Unidos, Canadá, Japón, Hong Kong, Filipinas y Singapur. Bieber ha cancelado ahora estas fechas por “circunstancias imprevistas”, como dice su página web, donde se indica que “ama a sus fans y odia decepcionarlos” y que está “agradecido por haber compartido esta experiencia con su equipo en los últimos 18 meses”.
Bieber efectivamente lleva un año y medio de gira, que arrancó en marzo de 2016 en Seattle, por el mundo, presentando además un disco que salió en noviembre de 2015. Un repaso rápido a las fechas que sí ha realizado en Wikipedia impresiona por su cantidad, pues es un total de 150. Puede decirse que Bieber ha tenido pocas vacaciones desde el inicio de la gira, pero además se ha notado: durante el tour le hemos visto llorar, actuar completamente desganado, maltratar a sus fans, esquivar gorras o botellas de agua…
No hay que ser un lince para darse cuenta de que la cancelación de estas fechas no se debe a “circunstancias imprevistas”. Aunque es posible que haya pasado cualquier cosa, Bieber ha de estar completamente exhausto de viajar por todo el mundo y de presentar el mismo espectáculo cada día y un disco que tiene casi dos años y que ya está más que vendido. No es que Bieber, por lo menos públicamente, fuera una maravillosa persona antes de iniciar la gira (su comportamiento es problemático desde mucho antes), pero es evidente que a Bieber se le ha explotado hasta la extenuación y que eso ha repercutido en la calidad de sus actuaciones y en su trato con los fans. Ahora toca tomárselo… “despacito”.
Madonna ha sorprendido a sus seguidores en Instagram con un par de actualizaciones. En la primera, vemos a la cantante, que suponíamos descansando del mundo musical durante una larga temporada, ensayando una nueva versión en vivo de uno de sus hits de los 80, ‘Open Your Heart’. ¿Y para qué iba a ensayar un tema en directo justo durante su año sabático (al menos en lo musical)? ¿No la suponíamos concentrada en su nueva película como directora, ‘Loved‘?
La segunda es un aviso de que ya estamos bajo el signo zodiacal de Leo, es decir, el suyo, y de que los próximos 9 días serán «muy movidos». «¡Abróchense los cinturones!», sugiere. La cuenta atrás de 9 días terminaría, no en su cumpleaños el 16 de agosto, sino el próximo miércoles 2 de agosto. En su web de fans DrownedMadonna, sin hacerse eco de lo visto en Instagram, creen que Madonna podría -solo podría- actuar en el festival portugués, Meo Sudoeste, a 2 horas de Lisboa.
El festival incluye en su cartel a nombres como The Chainsmokers, Lil Wayne, DJ Snake y Dua Lipa y se celebra entre los días 1 y 5 de agosto. En concreto el día 2 de agosto será el de Chainsmokers. ¿Se atreverá Madonna a actuar en un festival internacionalmente semi desconocido (desde luego no es Glasto ni Coachella) sólo porque ahora va a ser residente de Portugal?
Por otro lado, Drowned Madonna confirma que Madonna asistirá este miércoles 26 de julio a la gala de Leonardo di Caprio en Saint Tropez, aunque no se sabe si va a actuar.
La céntrica Sala Arena, una de las más destacadas de la ciudad de Madrid, donde se ha visto actuar a lo largo de las décadas a gente como Dolores O’Riordan, Goldfrapp, Richard Hawley, Client, Hercules & Love Affair o Clap Your Hands Say Yeah, por mencionar a los primeros que nos vienen a la mente, cierra y es de manera «definitiva». La sala ha recibido nombres como Sala Heineken o Sala Marco Aldany (incentivando la imaginación de los tuiteros hace un par de temporadas), pero nunca dejaba de ser llamada por los madrileños por su nombre original hace 20 años. La razón del cierre es una disputa legal con el hotel de arriba.
Ha sido su director Pepo Perandones quien ha informado de los hechos a través de Facebook: «Hoy por la mañana ha echado el cierre (definitivo) la Sala Arena. El mismo Hotel que llevaban montando encima de la sala 3 años (con grave perjuicio para la logística de los conciertos, por cierto) ha ganado la partida. Gracias por todo a todos. Cuando esté de mejor humor escribiré algo más bonico». Según Binaural, que cita como fuente Noticias Clave, que a su vez cita como fuente KOPress, su programación se trasladará a otras salas de Madrid como Nazca, Copérnico y Penélope.
Entre los conciertos que tendrán que reubicarse están los de Peter Hook, Princess Nokia y Delaporte, como podéis comprobar en su página web. La noticia es un varapalo para la música en directo de la ciudad, como hace bastante tiempo que no se oía. En la actualidad, y pese a las trabas vividas en la última década, La Riviera o Caracol desempeñan su actividad con normalidad.
Repasamos la lista de singles española durante las últimas 2 semanas.
1(1) Luis Fonsi, Daddy Yankee / Despacito
2(6) J Balvin, Willy William / Mi gente
‘Despacito’ lleva 26 semanas en el número 1 en España, pero su reinado empieza a peligrar: tanto la versión original como la de Justin Bieber están ya fuera del top 10 de Spotify España y el liderazgo claro lo ha tomado ‘Mi gente’ de J Balvin, que de momento es la subida más fuerte de la semana. Sus reproducciones en 3 semanas en Youtube dan miedo: 184 millones.
5(5) C. Tangana / Mala mujer
C. Tangana está claramente estancado en el top 5 oficial en España, pero Sony ha ideado una nueva manera de promocionarlo: el single ya es platino por haber logrado 10 millones de streamings dentro de nuestro país y además esta es la única canción española de todo el top 10, tras la salida de ‘Súbeme la radio’ de Enrique Iglesias, que cae al puesto 12. El resto son cantantes latinos como Luis Fonsi, Maluma o Shakira, algún grupo también latino como CNCO y también encontramos en el puesto 6 a un británico, Ed Sheeran.
60(84) Drake / Signs
La única entrada de la semana pasada, aparte de la de J Balvin, era la de Drake con ‘Signs’, que además en la segunda semana se asienta y asciende hasta el puesto 60. Aún el camino hasta igualar alguno de sus mayores éxitos en nuestro país será muy largo, aunque parece que no va a pasar gran cosa con la canción internacionalmente: ronda el top 15 en Reino Unido, pero en Estados Unidos baja al puesto 83 tras haber sido puesto 36.
49(E) Jennifer Lopez / Ni tú ni yo
Entrada directa al top 50, es decir, muy buena pero no espectacular, del nuevo single en castellano de Jennifer Lopez. Su vídeo llegó a ser lo más visto de Youtube España a su salida. El tema es ahora mismo top 33 en Spotify España, por lo que esta no será su cima.
98(E) Reykon / Déjame te explico
Varios meses después de su edición, este tema de reggaetón del colombiano Reykon logra colarse en la lista de singles española. Su mayor éxito continúa siendo ‘Imaginándote’ con 53 millones de reproducciones en Spotify.
99(E) Carlos Baute / Vamo’ a la calle
Y un mes después de salir al mercado llega al top 100 este tema de pseudo tropical house de Carlos Baute, en el que presume de prescindir de featurings.