Parecía que la tendencia de lanzamientos había aminorado este mes de octubre en comparación al salvaje septiembre, sin embargo en este último día del mes, sumando dos lanzamientos sorpresa tan importantes como los de Fever Ray y Mø, la cosa ha estado muy animada. Especialmente en el panorama estatal, donde tenemos nuevos largos de Templeton, Modelo de Respuesta Polar (que anticipábamos en exclusiva ayer), Núria Graham, Sierra, AMA (que han ido desgranando mes a mes, culminando hoy con un featuring de Irantzu Valencia), Flamaradas, Marina Gallardo, Joe La Reina y el EP producido por Julio de la Rosa que han venido avanzando Rusos Blancos.
En el panorama internacional el álbum más llamativo de la semana en un plano comercial son los nuevos de Kelly Clarkson y Ty Dolla $ign, pero también se presentan hoy discos tan significados como los de John Maus, The Sound of Arrows, Weezer, Julien Baker, Baxter Dury, Stereophonics o el disco póstumo de Gord Downie –de The Tragically Hip–, fallecido días atrás. También merecen atención el segundo disco de un revitalizador del soul añejo como Curtis Harding, la reedición de ‘Otros principios fundamentales’ de Viva Suecia, que incluye dos temas también inéditos y el nuevo EP de Snoop Dogg, cuyo título ‘Let’s Make America Crip Again’ vuelve a estar dedicado con cariño a Trump.
Junto a los temas que esta semana han presentado Franz Ferdinand, Morrissey, Tune-Yards, Paloma Faith, Ezra Furman, Selena Gomez & Marshmello, !!! (cantando en español, recordemos), Ojete Calor, SOPHIE (hasta esta semana no ha estado disponible en streaming) o Porches, hoy destacamos nuevos avances de Noel Gallagher’s High Flying Birds (el tema que, dice, se inspira en ‘Yeezus’ de Kanye West), Rhye, Sam Smith, Vetusta Morla, First Aid Kit, Delorean, Dream Wife (que acaban de anunciar su debut), Loreen, Sleigh Bells (parte de un nuevo EP) o El Imperio del Perro. También incluimos en la playlist nuevos y atractivos temas de Dawn Richard, blackbear & Tinashe, Amanda Mair, Kygo & John Newman, Clean Bandit & Julia Michaels, Los Santos, DJ Snake & Max Frost, Digitalism, Pitbull & Fifth Harmony y los murcianos Jump To The Moon, que debutan con altas miras.
Además, este viernes también hemos descubierto el tema principal de la próxima película de Pixar, ‘Coco’, que une a Miguel y a la mexicana Natalia Lafourcade, a Laura Mvula reinterpretando el clásico ‘Stay Awake’ de ‘Mary Poppins’ para un álbum de adaptaciones al jazz de canciones Disney, a Benjamin Biolay versionando a Johnny Hallyday para un disco homenaje a su figura, un tema inédito de Cintia Lund que se incluye en la próxima edición física de su debut ‘New York Anthem’, un inédito precioso de Lucy Rose y una nueva versión de ‘Grace’ de Rag’n’Bone Man. Por último, destaca el bonito homenaje que Miley Cyrus ha rendido a Tom Petty, versionando suu ‘Wildflowers’ para un single exclusivo de Spotify.
Que un grupo logre su mayor hit cuando lleva 15 años de carrera no pasa todos los días, pero L Kan parece que lo han conseguido con ‘Ay Marie Kondo’. Es difícil determinarlo con precisión, porque en sus inicios, a principios del siglo XXI, no conocíamos ni Youtube ni Spotify, por lo que no tenemos herramientas para medir el alcance de canciones que circularon por el underground electroclash como ‘Todo por placer’, ‘Modern Talking’, ‘Aburrida de estar salida’ o, entre sus canciones emo, la preciosa ‘Todo lo que no’.
Pero lo que les ha pasado este año es digno de noticia. ‘Ay Marie Kondo’, que fue estrenada por JENESAISPOP junto a su vídeo, se acerca en Spotify a las 400.000 reproducciones tras haber aparecido con frecuencia entre los virales del país. Multiplica por 5 su segunda canción más escuchada y por 10 y por 20 las reproducciones de la mayoría de su repertorio. En Youtube ganan aún por mucho los viejos hits, donde llevan subidos 10 años, pero a todas luces ha sido un acierto hacer un juego de palabras con esta conocida gurú del orden, y el tema también parece haberse beneficiado de la buena aceptación entre el público de proyectos como Ojete Calor o Las Bistecs en los últimos tiempos.
Además de en su momento la lista viral, las listas de Spotify que más reproducciones han aportado a esta canción son Spanish Bizarre y, muy especialmente, Que tengas un buen día, donde ‘Ay Marie Kondo’ comparte protagonismo con U2, Scissor Sisters, Beck o Miley Cyrus.
The Sound of Arrows publican hoy su esperado nuevo disco, ‘Stay Free’, que llega siete añazos después del anterior. Tras adelantarse con un single celestial, ‘Beautiful Life’, son varios los singles que hemos escuchado del álbum antes de su lanzamiento oficial, entre ellos ‘Don’t Worry’, una preciosa balada muy William Orbit cuyo videoclip tenemos el honor de estrenar en JENESAISPOP.
Acorde al sonido fantasioso de ‘Don’t Worry’, el nuevo vídeo de The Sound of Arrows presenta a uno de sus integrantes, su vocalista Stefan Storm, interpretando la canción tras una variedad de proyecciones preciosistas que juegan con la luz y el color, y de vídeos antiguos.
Sobre el disco, el grupo declara: “Éste es un álbum que trata sobre cómo mantenerse en pie cuando crees que no puedes más, cómo encontrar alegría, esperanza y amor cuando te ves enfrentado con la tristeza, y de cómo disfrutar de la vida mientras tienes que lucharla. Las aspiraciones del álbum son directas y verdaderas: “se trata de todas esas canciones con sentido, grandes y decididas del pop”.
St Vincent continúa en el número 1 de lo más votado de nuestro site con ‘Los Ageless’, pero además ahora ocupa también el número 2 con su single anterior, ’New York’. Entran en la lista lo nuevo de Fever Ray, MGMT y SOPHIE. A su vez, varias canciones ocupan un nuevo máximo en nuestro top 40, como son los sencillos de The National, Beck, Morrissey, LCD Soundsystem, Alexanderplatz, Vetusta Morla y Tears for Fears. Esta oleada en general alternativa expulsa de nuestro top los singles de Miley Cyrus, Kesha, Katy Perry, Calvin Harris y Alice Glass, que llevaban ya más de 10 semanas con nosotros y están en la parte baja de la tabla. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.
Hay dos Núrias Graham. Una diurna y otra nocturna. Una, dispuesta a abrazar el desastre, su propio caos; la otra, pasional y luminosa. Una es la que aparece en la portada: inmaculada, clara y rodeada de flores, fruta y un vaso de agua; la otra es la que habla de noches de bar, drogas, alcohol y amores que se acaban. Superados ya los 21 años, y con una trayectoria que llega al lustro, la guitarrista, compositora y cantante vigitana publica hoy ‘Does It Ring A Bell?’, su segundo álbum: un trabajo de pop-rock personal, equilibrado y sincero a través del cual ha analizado, combinado, separado y enfrentado a sus dos yos. Y lo hace mediante una serie de confesiones teñidas de autocrítica que le sirven, primero para purgarse, y luego para perdonarse a sí misma por sus pecados.
Esa dualidad marca la lírica general de todo el álbum, pero se ejemplifica sobre todo en ‘Marianne’, un elegante y despreocupado tema en el que Núria se desdobla en Mariana –que es su segundo nombre– para reconocerse en su vertiente más oscura: “Marianne is only alive at the night time”; o, como dice en ‘Lucifer Sam’, cuyo ritmo marcial y dirección de tono recuerda ligeramente a St.Vincent, en su peor versión: “And I have seen the worse version of us: Drunk! Pretending! And laughing”. Lo dicho: un disco confesional.
Desde el punto de vista formal, sin embargo, no hay mucha variación entre ‘Does It Ring A Bell?’ y ‘Bird Eyes’, su primer álbum. De hecho, Graham suena cada vez más a sí misma: con melodías muy suyas y una manera concreta de tocar la guitarra, cuyo sonido, según ella, “es más sincero que mis propias palabras”. En ese sentido, su estilo se hace reconocible por la construcción a fuego lento de una espacialidad siempre abierta –ya sea diurna o nocturna, siempre es diáfana– y por la delicadeza y la seguridad de su tacto en las cuerdas. Es ligera como una mariposa, pero cuando se posa lo hace muy consciente de donde pisa. Mucho tendrá que ver también el hecho de que su banda, compuesta por Jordi Casadesús al bajo, Aleix Bou a la batería y Artur Tort –nueva incorporación– al teclado, está cada vez más compenetrada; así como el trabajo de producción de Joan Pons (El Petit de Cal Eril), con quien Graham se embarcó conjuntamente en la búsqueda de un sonido concreto.
Donde sí ha cambiado, más allá de las nuevas experiencias emocionales que nutren ahora sus historias, es en la ambientación: más equilibrada entre noche y día, cuando en ‘Bird Eyes’ eran fundamentalmente composiciones noctámbulas. Por un lado hay canciones como ‘Bird Hits Its Head Against The Wall’, tenue y cristalina, ‘Sinner’, lenta, acuosa e íntima –hola, Mac DeMarco–, ‘Does It Ring A Bell?’ o ‘Hide Your Emotions (Somewhere Safe)’, un elegante y nostálgico corte con alma de blues, que entrarían de maravilla en un viaje en coche al ponerse el sol. Por otro, piezas con energía casi matinal, luminosas, como ‘Cloud Fifteen’, casi cegadoras como ‘Lucifer Sam’ –“I need to get away from the sun before he reaches me”– o simplemente optimistas, como ‘Smile On The Grass’, donde puede olerse el frescor de la hierba y oírse la risa caer despreocupada. Un equilibrio logrado a través de ser natural: el mismo modus operandi de artistas como Courtney Barnett o Angel Olsen, de quienes se respira cierta influencia. Un equilibrio que también es fruto, por otra parte, de un proceso de autoanálisis y de enfrentar sus dos mitades.
Con todo, puede que algunos esperásemos cierta evolución morfológica por su parte, más acorde a lo que ella misma reconoce como su forma más actual de expresión: más encrespada y envuelta en distorsión. En la línea de su EP ‘In The Cave‘ y de sus últimas actuaciones, ya como cuarteto. Por ese camino solo se adentra un par de veces: en ‘Peaceful Party People From Heaven’, un monumental y desgarrado tema que supera los cinco minutos, y en ‘Morphine’, canción concebida ya como cierre, donde más que garra lo que muestra es carácter. Dos inmersiones en distorsión donde vemos a la catalana realmente cómoda. Su futuro es el de una artista cada vez más dueña de su sonido, con la inteligencia, el interés y la habilidad necesarias para acabar dominando todo el proceso de creación, grabación y producción musical. Tiempo al tiempo. Por el momento, este nuevo paso que ha dado, aunque no muy arriesgado, sí es firme y seguro: una confirmación en toda regla.
Calificación: 7,9/10 Lo mejor: ‘Peaceful Party People From Heaven’, ‘Morphine’, ‘Hide Your Emotions (Somewhere Safe)’ y la delicadeza de su tacto. Te gustará si te gustan: Angel Olsen, Courtney Barnett, St. Vincent, Mac DeMarco, Julien Baker. Escúchalo: Spotify
El 3 de noviembre se edita finalmente ‘Pataky’, el nuevo disco de Ojete Calor, y hoy viernes llega un nuevo avance del mismo titulado ‘Opino de que’. Toda una oda a la (des)información y al arte de hablar sin saber que nos deja una frase para enmarcar: “primero comento, y luego, como es lógico, ya me informo del tema en cuestión”.
Ojete Calor explica ‘Opina de que’: «A veces parece que para juzgar y opinar tengas que estar informado o saber de lo que estás hablando. Pues no, porque eso es discriminación. Que el hecho de desconocer un tema o tener datos parciales no te frene a la hora de expresarte. Para eso está la democracia. Nosotros no tenemos tiempo para la gente que argumenta. A mí dame un titular”.
‘Por favor’ tiene toda la pinta de apuntarse pronto a la lista de grandes éxitos latinos de 2017, sobre todo a la de España, donde precisamente tanto ha triunfado ‘Señores’. La canción es una oda al sexo consensuado (su estribillo reza “yo hago lo que tú quieras, si me pides por favor”) e incluye cautelosas insinuaciones por parte de Pitbull, quien pide “un besito en la punta, por favor” a su amante, no antes sin haber averiguado si “tienes novia, o buscas hombre”.
Pitbull es en ‘Por favor’ amable con sus acercamientos, hasta el punto que nos alerta que está “muy loco” y que va “muy suelto” (por si no nos habíamos enterado), pero lo mejor, además de la referencia a TLC en el primera estrofa -justo el año en que han vuelto-, es el posible guiño al hit de Luis Fonsi y Daddy Yankee, cuando el cubano pide amor “despacito, suavecito, rico, como arroz con huevo frito”.
Pablo Alborán ha acudido esta semana a ‘Mi casa es la tuya’, el espacio de Bertín Osborne, para hablar sobre su “comeback”, que se produce el próximo 17 de noviembre con la edición de su nuevo disco, ‘Prometo’. Alborán no ha contado nada nuevo: ha dicho que estaba exhausto, que necesitaba tiempo para reencontrarse y que en estos dos años se lo ha pasado muy bien sexualmente, pues ha hecho “de todo con quien he querido”, aunque insiste en que todavía no ha encontrado a su medio limón.
Alborán sí cuenta una curiosidad de su retiro, pues recuerda que tras abandonar los escenarios, lo primero que hizo fue limpiar su nevera. Y habla de ello como un logro. “Nunca la había lavado en mi vida”, asegura. “Son logros absurdos pero que forman parte de la cotidianidad de todo el mundo pero de la mía no”.
Por cierto, hoy viernes de lanzamientos el cantante malagueño estrena tema, ‘Al paraíso’, un bonito ritmo brasileiro en el estilo de ‘Insensatez’ de João Gilberto, muy apto para escuchar mientras limpias la nevera, aunque también simplemente para deleitarse con un rico arreglo de jazz y pop clásico. Es el tercer adelanto de ‘Prometo’ tras ‘No vaya a ser’ y ‘Saturno’.
Jason Derulo acaba de anunciar dos fechas en nuestro país, el 26 de febrero en Barcelona y el 27 de febrero en Madrid (detalles, aquí). Solo unos días después de desvelar estas fechas, el intérprete de ‘Swalla’ y de la que solía ser la sintonía de El Hormiguero, ‘Kiss the Sky’, ha visitado el programa de Pablo Motos para hablar sobre música, dinero y sexo, más o menos en este orden.
Derulo, por cierto, muy simpático durante toda la entrevista, ha dicho que empezó a componer a los 16 años, pero que siguió arruinado hasta los 19 (cree que alguien de su entorno le robaba pasta, ¡bienvenido al club!). A partir de entonces empieza a hacerse rico de verdad y hoy posee, dice, trece empresas, como un gimnasio, una empresa inmobiliaria o una empresa de bebida de proteínas (también tiene un reloj “de 80.000 dólares”, que muestra orgulloso). Derulo cuenta que su aspiración es llegar a tener “100 empresas” porque “tener empresas de cosas que te gustan es muy importante”.
El cantante ha hablado también sobre sexo: cuenta que ‘Dirty Talk’ se inspira en la comunicación sexual que puede haber con una persona cuyo idioma no entiendes, y ha afirmado que efectivamente una chica le dijo una vez que es “silencioso en la cama”, aunque asegura que hace mucho tiempo, “cuando era muy joven y no sabía que todo eso tenía que sacarlo afuera”. Imperdible también, por cierto, la visita de “Donald Trump”, “Vladimir Putin” y “Kim Jong-un” al plató de Pablo Motos gracias al escultor hiperrealista Landon Myers.
Si hay un género musical superpoblado en los últimos años, es el de la canción de autor. Culpad a la crisis y a Bon Iver. Y si cuesta hacerse un hueco en el reggaetón, imaginaos en un género que tiende a mecernos con canciones esqueléticas y tristes. Por eso, también tiene un valor excepcional conseguir destacar ante una oferta tan amplia. Es el caso de la artista de Memphis Julien Baker.
Mientras formaba parte de la banda rock Forrister, Baker lanzó en 2015 –con apenas 18 años– su debut en solitario, ‘Sprained Ankle’, a través del pequeño sello 6131 Records. La repercusión crítica fue tal que Matador la fichó poco después y reeditó aquel álbum, un disco de enorme belleza e intimismo, sostenido sobre todo por la voz y guitarra de Julien, con escasos arreglos. Sin embargo, el poder emocional de temas como ‘Everybody Does’, ‘Blacktop’ o ‘Sprained Ankle’ eran suficiente para enamorar.
No se ha hecho esperar mucho su continuación: este viernes, 27 de octubre, se publica ‘Turn Out The Lights’, un nuevo álbum grabado en los legendarios estudios Ardent que vieron nacer a Big Star, por ejemplo. Si nos basamos en sus dos adelantos, ‘Appointments’ y el tema que da nombre al disco, parece que estemos ante un disco de sonido más expansivo, en el que Baker interpreta con una mayor confianza. Lo que no cambia es el tono confesional de sus letras, que según su nota de prensa presenta la lucha contra uno mismo por resolver conflictos internos, emocionales o de salud mental. Precisamente ‘Turn Out The Lights’, el tema que hoy destacamos, resulta especialmente descarnado en ese sentido. En él Baker desarma presentando con franqueza la idea del suicidio (“nunca lo haría, pero no estoy bromeando”) y sobrecogiendo con la frase que sirve de «estribillo»: “cuando apago las luces, no queda nadie entre mí misma y yo”. Nudoenlagarganta.
Julien Baker presentará ‘Turn Out The Lights’ en España el próximo mes de noviembre: el día 17 estará en la sala El Sol, y el 19 en La [2] de Apolo. Las entradas están a la venta en Ticketmaster.
Actualización 0.00: El nuevo disco de Fever Ray ya está en Spotify.
Fever Ray ha vuelto este año con un nuevo single, ‘To the Moon and Back’, después de varios “teasers” que apuntaban al posible lanzamiento de algo titulado ‘Plunge’. Este “algo” finalmente es el disco. El disco sale este viernes en streaming y en físico el 23 de febrero según nota de prensa.
Puede que el “destape” inicial fuera un error de Spotify, o puede que el disco haya aparecido online al lanzarse en Nueva Zelanda. En cualquier caso, Fever Ray había guardado los detalles de ‘Plunge’ en secreto y el lanzamiento de su single principal, ‘To the Moon and Back’, es tan reciente que la inminente publicación del disco supone toda una sorpresa.
A espera de que se publiquen oficialmente los detalles de este ‘Plunge’, el sucesor del excelente ‘Fever Ray’, editado en el lejano 2009, presenta una portada mucho más colorida que el debut -¿en sintonía con el tono pop de su primer single?- y títulos aparentemente políticos como ‘A Part of Us’ o ‘This Country’.
‘Plunge’:
01 Wanna Sip?
02 Mustn’t Hurry
03 A Part of Us ft. Tami T
04 Falling
05 IDK About You
06 This Country
07 Plunge
08 To the Moon and Back
09 Red Trails
10 An Itch
11 Mama’s Hand
Ya ha pasado más de un año de la publicación de ‘Summer 08’, el último disco de Metronomy, y la banda regresa a España tras su paso previo por el Primavera Sound. El viernes 27 tocarán en el festival BIME Live en Bilbao y el sábado 28 de octubre en la sala La Riviera en Madrid (entradas en Ticketea). A pesar de un muy audible resfriado, charlamos por teléfono con Joseph Mount, alma del proyecto, sobre la recuperación de la banda para los directos, lo que supuso volver a grabar solo y otros detalles del álbum y de la actual gira.
¿Cuál fue la principal razón para reunir la banda y volver a tocar juntos? Porque el disco lo grabaste tú solo, ¿verdad?
Cuando el disco salió, el año pasado, como en junio o en mayo… no lo recuerdo bien [Ndr: el disco apareció el 1 de julio de 2016], lo que dije es que estaríamos un año sin dar conciertos, no que no fuéramos a actuar nunca más. [Risas] Ahora que estamos en la carretera otra vez, aprovecharemos para tocar también las canciones nuevas. Esta es nuestra manera de encararlo realmente, porque necesitamos actuar, necesitamos cotizar y… el dinero. [Risas] No ha sido un cambio de decisión. ¡Qué rápido pasa el tiempo!
Entonces, ¿es más difícil de evitar el ciclo disco-tour de lo que parece?
Eso es una cosa muy diferente. No empezamos a actuar hasta un año después de sacar el disco; somos afortunados porque hemos sido capaces de tener un descanso, volver, tocar en festivales y que nos gustara. Antes nunca me había gustado tocar en ellos, ya sabes, es un tipo diferente de público, no sirve para promocionar un disco… Y nunca lo habíamos hecho así, antes. No hay necesidad de promover el álbum, hay nuevas canciones en el setlist, estamos preparando un nuevo álbum… pero sí, es difícil mantenerse sin dar conciertos mucho tiempo.
«Nuestro primer show fue en mayo de este año, casi dos años sin tocar, y eso te da una nueva sensación de… felicidad»
El resto de la banda siguen viviendo en Reino Unido, ¿verdad [Mount reside en París]? ¿Eso hace más difíciles los ensayos y los tours?
Por supuesto. Oscar está en California ahora. Lo que hemos hecho fue quedar tres semanas antes de la gira, tres semanas de ensayos. Pero al final es lo opuesto, porque ha sido como tener un descanso. No habíamos tocado desde… [Nde: duda] Terminamos el tour anterior en septiembre de 2015 y nuestro primer show fue en mayo de este año, casi dos años sin tocar, y eso te da una nueva sensación de… felicidad, supongo, cuando vuelves a tocar, ves a todo el mundo otra vez… Te refresca, es una cosa muy bonita. Supongo que alcanzas un nuevo nivel de seguridad en una banda cuando eres capaz de tener un parón y, cuando regresas, vuelves a pasártelo bien. Sí, somos afortunados.
‘Summer 08’ fue el primer disco que grabaste solo desde ‘Pip Paine (Pay the £5000 You Owe)’, tu primera referencia. ¿Fue un reto? ¿Por qué decidiste grabarlo así?
Es divertido, porque yo siempre produzco los discos. La diferencia con este es que no lo hice completamente en el estudio, montones de cosas venían ya hechas previamente en mi dormitorio, cosas que hice por mí mismo y eso, en contraste con ‘Love Letters’, el disco anterior, resultó inusual. ‘Love Letters’ fue grabado de un modo muy tradicional, con toda la banda tocando, en un estudio analógico. Fue más difícil acabar ‘Summer 08’, necesito mucho tiempo para trabajar en las canciones antes de que estén completamente terminadas, pero me siento muy cómodo trabajando solo. Estuvo bien, fue muy chulo.
‘Summer 08’ está inspirado en el verano en que se lanzó ‘Nights Out’
Sí.
¿Cuál es tu mejor recuerdo de esa época?
Toda la experiencia. No te puedo decir una sola cosa. La mejor manera de describirlo es que, desde que tenía once años, quería estar en un grupo, ser músico, actuar, hacer todas esas cosas. Y ese [2008] fue el primer año en que eso se materializó. Y todavía no ha cambiado nada. No fue un hecho concreto; simplemente, fue el año en que el sueño se hizo realidad. [Risas]
En una entrevista decías que el del 2008 fue el último verano “libre” que tuviste pero, escuchándote, creo que no te importa estar ocupado. ¿O echas de menos ese “no hacer nada”?
Cuando estaba intentando de convencer a todo el mundo de que sería una buena idea darnos un descanso de hacer giras, lo hice porque, mientras actúas, es muy difícil concentrarse en otras cosas como hacer música o poder pasar el tiempo en el estudio. No me gusta la idea de parar para “no hacer nada”. Quise parar para poder escribir, trabajar en el estudio… Realmente no he parado. Este ha sido el año en que he estado más ocupado en años. Pero también he pasado mucho tiempo con mi familia, mis hijos… Eso es lo que echo de menos cuando estoy tan ocupado.
«Cuando la gente crea una familia y hacen música que lo refleja, no suele ser particularmente interesante. Es un tema bastante aburrido»
El disco familiar no parece, suena muy… hedonista.
Muy a menudo sucede que, cuando la gente crea una familia y hacen música que lo refleja, no suele ser particularmente interesante. Es un tema bastante aburrido. A mí me interesaba más pretender que tenía 24 años otra vez, tratar de recordar cómo era antes de que todo fuera tan adulto. El disco no trata de ser realista, es más bien una recreación en que trato de imaginar cómo me sentía cuando empecé por primera vez.
¿Aprendiste algo nuevo de aquella época mientras lo grababas?
Oscar [Cash], que toca los teclados en la banda, lleva tocando en directo conmigo desde el principio. Anna [Prior] y Gbenga [Adelekan] se unieron pocos años después. Entonces, para Oscar y para mí se trata de darte cuenta de que ya no eres más la banda joven, apasionante, en la cresta de la ola. Nos las hemos arreglado para pasar por todo eso y ahora la banda se ha convertido en algo estable. Muchos de los grupos con los que tocábamos entonces rompieron o lo dejaron. Y eso te hace pensar que, fuera lo que fuera lo que hacíamos entonces, era genial, algo bueno. Hemos aprendido, creo. [Risas]
Quizás no en Reino Unido, pero diría que ‘Night Out’ fue en su momento un álbum infravalorado comparado con ‘The English Riviera’ o ‘Love Letters’. ¿Crees que fue injustamente tratado? ¿Fue un problema de promoción?
Creo que fue la manera de… (duda) Creo que en aquella época éramos una banda entre un montón de bandas que desarrollaban ideas con ese tipo de música, nuestro sello tampoco era una major, no tuvimos el empujón necesario… Pero creo que fue brillante que no obtuviera tanta repercusión, porque eso fue lo que nos hizo capaces de crear ‘The English Riviera’. Y eso es fantástico. ‘Nights Out’ es un disco es muy importante para mucha gente que conocimos lo cual es muy gratificante.
¿Entonces es mejor no tener éxito muy al principio para mejorar tu carrera?
No.¡ Eso no es verdad! Aunque sí que es cierto que si una banda hace un gran disco rápidamente, le es muy difícil continuar después, porque tienes toda esa presión encima. Pero respecto a nosotros creo que valió la pena, no habría cambiado nada.
«Con el disco que estoy preparando ahora, sí que quiero tener un montón de éxito»
Y volviendo a ‘Summer ‘08’, y fiándonos de algo tan dudoso como las reproducciones de Spotify, parece que no ha sido tan bien recibido como los dos anteriores. ¿Crees que es un disco más difícil?
Creo que fue porque decidimos ni promoverlo ni actuar, porque estuvimos un año fuera. [Risas] No había ninguna expectativa por mi parte o por parte del sello, de sacarlo como los demás discos. No había la intención de crear un álbum muy importante y grande, girar durante meses y meses, hacerle un montón de promoción… Eso era lo que no quería hacer. No hay ninguna razón. En contraste, con la música que estamos haciendo ahora, con el disco que estoy preparando ahora, sí que quiero tener un montón de éxito. [Risas] Ya veremos cómo funciona.
¿Cómo sucedió la colaboración con Robyn en ‘Hang Me Out to Dry’?
Quería tener una voz femenina en ese tema, había trabajado mucho con Robyn, pero nunca la había tenido de invitada en un disco de Metronomy. Ella es una cantante fantástica, la conozco, le pregunté si quería colaborar y me contestó que sí. Adoro su voz, era algo muy bonito de incluir en un álbum tan sutil.
‘Summer ‘08’ parece muy influido por el rap old skool, no solo la canción del mismo título, ¿es así?
¡Sí! Amo ese tipo de música desde hace mucho tiempo y creo que, cuando trabajas en un disco sin ningún tipo de presión, te sientes más relajado acerca de la manera cómo lo haces. Y sí, en este disco hay un montón de esa influencia. Creo que antes ya estaba, pero nunca había sido tan obvia.
Modelo de Respuesta Polar publican mañana viernes 27 de octubre su nuevo disco, ‘Más movimientos’, que sucede a discos tan notables como ‘Dos amigos‘ o ‘El cariño‘. Pero hoy te lo traemos en exclusiva en JENESAISPOP.
El disco venía presentado por un single ya conocido llamado ‘Siempre’, y se plantea como un álbum que «habla de viajes, de conciertos, de planificar a medio plazo, de disfrutar del presente». Como dice la nota de prensa, «‘Más movimientos’ es energía pero también es reflexión, descanso y disfrute. Es una forma de expresarse con rabia pero también es una forma de abrir los ojos y apreciar lo que nos rodea (…) Canciones donde las cuidadas letras lo mismo te pueden teletransportar del momento presente a la adolescencia, plantearte el incierto futuro y, sobre todo, suponen un aprendizaje del presente».
Aunque la música de la banda de Borja Mompó es de crecerse a fuego lento, entre las primeras favoritas de ‘Más movimientos’ podemos destacar ya la costumbrista ‘Sábado’, la balada ‘No me falles’, las instantáneas ‘Revivir’ y ‘Planes’ y, en el final del disco, el contraste entre el intimismo de ‘Dejar ir’ con la despedida furiosa de ‘Tu canción’, curiosamente una de las canciones más rockeras y enérgicas del largo. Temas que pueden interesar a los seguidores de Antonio Vega, Los Planetas más pop o The New Pornographers.
Modelo de Respuesta Polar han anunciado una larga gira que les llevará el 20 de enero a Valencia, el 26 de enero a León, el 27 de enero en Oviedo, el 28 de enero a Miranda del Ebro, el 16 de febrero a Córdoba, el 17 de febrero a Sevilla, el 23 de febrero a Málaga, el 24 de febrero a Granada, el 3 de marzo a Coruña, el 3 de marzo a Santiago, el 8 de marzo a Madrid, el 9 de marzo a Donosti, el 10 de marzo a Huesca, el 16 de marzo a Cádiz, el 17 de marzo a Badajoz y el 24 de marzo a Palma.
Rels B, C. Tangana, Bad Gyal, Dellafuente, One Path y Mueveloreina son los artistas confirmados en la primera edición de Tag Music Festival, el festival de música urbana contemporánea de Madrid, que se celebra el 5 de diciembre en el Wizink Center. A ellos se suman la DJ Flaca y las bailarinas Team Irie & Irie Queen.
La música urbana en español está en auge y es precisamente gracias a muchos de los artistas que aparecen en el cartel de TAG Music Festival, entre los que hay que destacar a Rels B, cuyos singles acumulan millones y millones de visitas en Youtube; C. Tangana, autor de uno de los mayores éxitos de España en 2017, ‘Mala mujer’, y de un disco que ya es número 1 en streaming; y Bad Gyal, cuyo trabajo ha llamado la atención de medios como Pitchfork.
Las entradas para TAG Music Festival están disponibles en Ticketea.
Mañana, 27 de octubre, se publica ‘A ninguna parte’, el primer disco largo de Sierra, que no es sino el grupo creado en torno a las canciones de Hugo Sierra. Una de las más recientes aliadas de Fernando Márquez “El Zurdo” en grupos como La Ruleta China y El Día Después, Clara Collantes, el batería de Juventud Juché, Arturo Hernández –también, insólito actor fetiche–, y Antonio Castro, que militara en Charades, completan la banda.
Tres años después de publicar el EP ‘Tiene mucha fuerza’, con 4 canciones pop claramente herederas de La Movida más underground, los adelantos que se han presentado de ’A ninguna parte’ también parten del pop de guitarras de los 80. ‘Me destrozaré’, que en pocas semanas se ha convertido en un pequeño fenómeno superando las 64.000 escuchas en Spotify, no tiene nada que envidiar a los The Drums más oscuros. Y ‘Amiga extraña’, el tema que han lanzado después y que hoy destacamos como La canción del día, está en una senda similar.
Esta, en cambio, presenta un fondo musical más luminoso que remite un poco a las composiciones más brillantes de Bernardo Bonucci en los Zombies. Jangle-pop de altura y con un gancho irresistible. Su letra, en cambio, presenta más claroscuros, aparentemente evocando con cierto punto surrealista esas relaciones sentimentales imposibles pero adictivas, a las que resulta difícil –si no imposible–dar definitivamente por cerradas. Dirigido por David Iñurrieta (Wild Honey, Cosmen Adelaida) e inspirado en la obra gráfica de Guy Bourdin –que aseguraba que «los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes”–, su fantástico vídeo ejerce de sugerente complemento visual a la canción, con algunos planos (como la cabeza de Hugo yaciendo imitando a una estatua) verdaderamente delirantes e inolvidables.
Las Chillers han sido una de las sorpresas del underground de los últimos tiempos. Un grupo de versiones de gente tan dispar como Camela, Rocío Jurado, Mónica Naranjo, Gala, Laura Pausini y así hasta 90 temas entre los que no cabe prejuicio alguno. Se trata de un grupo de chicas entre 19 y 40 años que ha pasado de tocar para «30 colegas en casas okupas y circuitos feministas» a actuar en el WAM o el Low. A la más joven, la batería Pilar, la conocieron en el local de ensayo -que compartían con el grupo jevi de esta- al tener que sustituir a la batería anterior, Noelia, que tuvo que abandonar por razones laborales cuando las cosas en Las Chillers se empezaron a salir de madre y no daban abasto con los compromisos. Hablamos con Rocío (voz) y Adela (teclados) sobre los secretos de su éxito, sus fans famosos o sus planes de futuro, con motivo de la despedida de su actual gira. Será un concierto especial este viernes 27 de octubre en OchoyMedio, Madrid, junto a L Kan, y con invitados especiales como Marilia, Marta Vaquerizo, Luis Miguélez, Diana Aller o Ana Morgade. Últimas entradas disponibles, en Ticketea. Foto: José Báez.
Decís que la batería anterior tuvo que dejarlo cuando os empezasteis a dedicar a esto. ¿Pueden Las Chillers dedicarse a la música?
Rocío: «¿Que nos vamos a dedicar? ¡Sería muy fuerte que Las Chillers nos dedicásemos a la música sin un puto tema grabao!».
«La gente nos ve porque necesita descargar, como quien va al gimnasio»
¿Hay un punto de inflexión en el éxito de la banda?
Adela: «No ha sido una evolución al uso».
Rocío: «Igual el bolo antes del WAM, en la Sala Arena con Las Bistecs, hemos tocado varias veces con ellas. Teníamos claro que no queríamos vender discos, nos hemos movido por casas okupas, un circuito muy alternativo, el boca a boca, fiestas… Hace 3 años que hicimos por primera vez el Siroco como unas taradas gritando y luego tenemos gente que nos sigue de la cultura jet set, Marta y Mario Vaquerizo, Soy Una Pringada… Tocamos para Los 200 de Rafa Doctor, el director del Musac, que pagas nosecuánto dinero por un libro de arte súper exclusivo. Son los que hacían Qué Maravilla. Es súper fan. La gente nos ve porque necesita descargar, como quien va al gimnasio».
Adela: «Con lo del Low nos volvimos locas, somos súper humildes y vamos con todo el respeto, nos han ofrecido muchas cosas para el año que viene».
Rocío: «En una entrevista en Valencia nos preguntaron por gente como Ojete Calor, Ladilla Rusa, Las Bistecs… no es que ese tipo de música haya vuelto, siempre ha habido cosas así, pero por fin se da importancia a otras cosas, no solo al indie de intensidad. Llevamos todos 5 años muy duros. Con Las Chillers cualquiera se puede subir al escenario, nos proponen canciones, somos el grupo del pueblo».
Adela: «Nosotras no tenemos ni puta idea de tocar y también está de puta madre que el público tenga más presencia en la industria. Intentamos que todo el mundo pueda venir al concierto y pagarlo».
«OT1 forma parte de la historia de nuestro país, te guste o no te guste»
¿Cuánto humor hay en la selección del repertorio? Por ejemplo, ‘Como yo te amo’ por melodía y arreglos es una canción que me gusta completamente en serio, pero no sé por qué a mí mismo me da la risa cuando la tocáis.
Rocío: «Somos melómanas, adoramos esos temas. Son canciones con las que hemos crecido. Vino Marilia (de Ella Baila Sola) al estudio y nos emocionamos. Yo me puse ahí a llorar. Vamos a hacer una colaboración y vino a ensayar».
Adela: «Más que humor es diversión».
Rocío: «Siempre lo decimos pero la gente no nos escucha. Cuando cantamos a Rocío Jurado yo suelo hacer un speech sobre la importancia del folclore. Cuando muera Isabel Pantoja no nos va a quedar ninguna tonadillera. Falete. Esa abuela cantando María Dolores Pradera se va a perder. Raphael, Palito Ortega…. ¡Mi abuela tiene alzhéimer y solo se acuerda de ‘Se nos rompió el amor’! Y eso se va a perder. Luego hacemos ‘Ave María’. ¿Quién coño no vio OT? Toda España vio OT1 y no se puede dar la espalda a eso. Forma parte de la historia de nuestro país, te guste o no te guste».
Adela: «Yo creo que fui la única que no lo vio, pero por supuesto los conocemos a todos».
¿Qué escuchabas tú?
Adela: «Yo escuchaba más música norteamericana y antigua. Tengo hermanos mayores que oían Iron Maiden, Dire Straits, Bruce Springsteen… después he cambiado mucho. En la universidad sí me llegaba un poco más la música española, tocaba con compañeros de clase cosas como Ella baila sola».
Rocío: «Ella (Adela) siempre quiere que hagamos Amparanoia y siempre le decimos que no».
Vuestro repertorio parece tirado al tuntún, pero en realidad estoy seguro de que está súper seleccionado en busca del factor kitsch.
Rocío: «Hemos tocado Álex Ubago, ‘Hoy tengo ganas de ti’, ¿’Achilupú’ te parece kitsch?».
¿Cómo no va a ser kitsch algo llamado ‘Achilipú’?
Rocío: «Elegimos canciones con las que hayamos tenido una experiencia jevi en nuestra vida, por ejemplo David Civera porque me recuerda a mi primer rollo. Tenemos 90 canciones, podemos hacer 3 bodas seguidas».
Adela: «Hits ya mezclados que la gente te pide».
Rocío: «Con Christina Rosenvinge queríamos hacer una colaboración que al final no salió. Queríamos hacer «Chas», pero al final cantamos ‘Voy en un coche'».
¿Cómo fue eso?
Rocío: «A Christina Rosenvinge le encantamos, ha venido a un montón de conciertos. Es muy fuerte (risas). La colaboración al final no la hicimos nunca, siempre estamos como «vamos a hacerla». Nos ha dicho que cuando queramos vayamos a su casa a componer».
Pero el rollo que lleva ella ahora no tiene nada que ver…
Rocío: «Ya veremos, igual todo el mundo piensa que no, pero a mí me dijo: «oye, que me suelto la melena». Las Chillers sirven para eso, para que todo el mundo se suelte la melena. Todos llevamos un Chiller dentro».
¿Qué te parece el último de Christina Rosenvinge, te gusta?
Rocío: «He ido a verla en concierto. Ella es un icono y tiene que seguir siendo un icono».
¿Tenéis pasado más indie?
Rocío: «Yo iba a todos los conciertos de Love of Lesbian hasta que me explotaba la cabeza, era fan de Vetusta Morla hasta que dije «esto a tomar por culo, esto va a ser imposible». Ya me ha aburrido un poco de verlos en directo».
Pero no puedes ser ese tipo de persona que deja de escuchar algo cuando se hace famoso. ¿Y si os pasa a vosotras?
Rocío: «Siempre voy a Camela, nunca me defraudan, cada concierto es diferente. Camela es mi talón de Aquiles. Son el grupo que más ha vendido en España y se dejan la vida. ¿Has visto el vídeo de Chile 2001? Te emocionas. Como llevan tanto tiempo te da tiempo a volverte homosexual, a casarte, a tener hijos. A mí lo que más me pone es el rollo emocional. Camela hace un mashup con 10 canciones. Es muy fuerte. Y venden colonia en el merchan».
«Las Chillers ponen en el punto de mira música que ha sido denostada. Ahora será moderna o reivindicada pero ha sido relegada a las gasolineras»
Han tenido su reivindicación por Alaska y otra gente, ¿pero los últimos también te gustan?
Rocío: «Hombre, a ver, nunca fallan porque siempre son igual. Me los escucho igual. Me los pongo y soy feliz».
Adela: «Las Chillers ponen en el punto de mira música que ha sido denostada. Ahora será moderna o reivindicada pero ha sido relegada a las gasolineras. Como Rebeca».
Rocío: «Varias madres que vienen a vernos nos dicen: «hace años que no salgo y es como recordar cómo era antes de tener 4 hijos». Eso es muy bonito. Ahí dijimos, «igual hay que seguir con esto», no por cosas niveles metafísicos».
Adela: «Y también viene la más moderna».
Rocío: «El fan de Austra, mucha gente va a ver a Austra y a Las Chillers».
«Nuestras canciones propias serían como Camela y Gala, tirando a Aerosmith»
Decís que vais a grabar temas propios, ¿verdad?
Rocío: «Vamos a trabajar con un productor que aún no hemos anunciado. Lo que queremos es grabar 3 canciones nuestras, hacer un vídeo chulo, y también grabar un par de versiones. Por ejemplo ‘Mujer contra mujer’ todo el mundo nos la pedía en el Orgullo, menos mal que va alguien al Orgullo a cantar ‘Mujer contra mujer’ que no fuera travestido y a darle al play. Nos apetece investigar a ver qué pasa, sería como Camela y Gala, tirando a Aerosmith. Igual sale un producto divertido».
¿Lo que habéis hecho con Los Koplowitch sería indicativo?
Rocío: «Sería indicativo, pero más guitarrero, falta Aerosmith, ahí tienes a Gala».
¿No os da miedo que sea como La Década Prodigiosa, que salvo ‘Made in Spain’, nadie quería oír sus temas propios?
Adela: «Supermiedo, sí. No queremos hablar mucho de ello, pero sí».
Rocío: «Yo no tengo. Todo lo que nos está pasando no ha sido ni buscado ni esperado. No tengo ninguna expectativa puesta. Si funciona podemos seguir y si no, ya veremos lo que pasa. La esencia de Las Chillers no se va a perder. Vamos a reivindicar la industria de las mujeres».
«El otro día subimos una foto a Instagram de la guitarrista Laura casándose con su mujer. Ningún grupo en España hace eso»
Para vosotras es muy importante desempeñar ese papel feminista, ¿verdad?
Rocío: «Somos 100% feministas, éramos el grupo de amigas que jugábamos al fútbol, siempre nos hemos movido en entornos como ZorriFest, con colectivos de mujeres haciendo cosas, todo sitio del que nos llamen y toda visibilidad que podamos dar de las mujeres es buena. Que cualquier niña pueda coger una guitarra y subirse al escenario, sepa tocar o no sepa tocar. También lesbianas, subirte al escenario y tocar en el Orgullo Gay, que parece el Orgullo, eso, «gay». El otro día subimos una foto a Instagram de la guitarrista Laura casándose con su mujer. Ningún grupo en España hace eso, y no lo hacemos por los likes, sino porque nos gusta que se vea.
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«Siempre hago un speech defendiendo a Chenoa como feminista, porque nos ha enseñado a salir del barro»
Aparte de que el Orgullo da más visibilidad a los gays que a las lesbianas, artísticamente no es muy rockero. No sé si reivindicáis eso, porque también reivindicáis cosas como Gala, Rebeca… cuya implicación feminista desconozco.
Rocío: «Cero. ‘Duro de pelar’ igual sí, pero lo que nosotras hacemos es darle la vuelta a ese discurso. Siempre hago un speech defendiendo a Chenoa como feminista, porque nos ha enseñado a salir del barro. Hay medios que la machacan y ella con los años nos ha enseñado que tú puedes salir de eso victoriosa. Llevamos un discurso lúdico-combativo, no queremos que a Paula Echevarría se la machaque por decir que no es feminista sino enseñarle a Paula Echevarría un discurso feminista. Tampoco vamos a cantar ‘La mataré’ de Loquillo, pero nos encantaría sentarnos con él. Marta G. Franco hizo un artículo sobre canciones indies machistas y me encantaría que esos artistas volvieran esas canciones feministas. Decir «me he equivocado, voy a intentar solucionarlo, a darle la vuelta para que todos ganemos».
¿Os parece el indie uno de los géneros más machistas?
Rocío: «El machismo existe da igual donde te vayas».
¿Hay divergencias entre vosotras sobre lo que es machismo o feminismo, por ejemplo con Beyoncé?
Rocío: «No, las seis estamos 100% coordinadas. De hecho queremos hacer una versión de Maluma. Estuve en su concierto, si Maluma dijese en un micrófono que «todos somos iguales»… Lo que hay que hacer es convencerle, no tirarle piedras, cuando no sabrá ni por dónde le da el aire esta persona. La lucha no es enfrentarnos todos, sino que Maluma diga que «todos somos iguales»».
Adela: «Una vez cantando David Civera en el Matadero, nos dimos cuenta de lo de «que la detengan» y dijimos: «qué fuerte es esta canción»».
Lleváis 3 años en esto y soléis decir que no sabéis cantar ni tocar, ¿este discurso será para siempre o solo dura un tiempo limitado?
Rocío: «Nadie nos dice qué tenemos que cantar o qué tenemos que ponernos. Empezamos sin saber tocar, sin saber cantar para decir lo que nos apetece. Ya ha cambiado, hemos mejorado».
Hay una confrontación entre el discurso «nos jactamos de no saber tocar», pero «si se meten con nosotras porque no sabemos tocar nos enfadamos». Tampoco hay muchos tíos que se jacten de no saber tocar…
Rocío: «Pues ojalá empezasen siendo más humildes, cualquier cosa que conseguimos las tías es un logro».
Adela: «No veo un problema en reconocer eso, a mí me parece muy natural».
Rocío: «También nos dicen «llevan 10 festivales importantes, cuando iban de que no sabían tocar». Hemos mejorado y hay otros grupos menos sinceros. Por estar en el escenario estás en el punto de mira. Yo siento un agobio constante por lo que van a decir. Hay un análisis, un examen constante para machacar a las tías. Y hay paternalismo».
Adela: «Aunque la mayoría de gente que nos hemos encontrado muy bien».
Rocío: «Y hay muchos técnicos maravillosos. Pero otros que no te están escuchando. «Hazme tú caso a mí que soy la artista»».
«Las Odio y Las Chillers somos dos géneros musicales distintos, cada una sale como le sale del coño y todas somos criticadas»
También supongo que por el tipo de repertorio o el género. Hay gente que tiene que flipar con lo que lleváis…
Rocío: «No se lo toman en serio muchos».
Adela: «Y hay otros que sí. En la Caracol los técnicos estaban encantados».
Rocío: «Yo una vez salí en bañador, todo el mundo «qué buena estás» y al cabo de 2 semanas alguien dijo: «qué bien ha cantado»».
A mí esto me genera un conflicto porque para mí el pop siempre ha tenido un componente sexual. Brandon Flowers está bueno, lo mismo que Beyoncé, cuando PJ Harvey salía en sujetador y bragas me parece noticiable aunque ni siquiera es mi opción sexual, pero esto está en la primera plana de los columnistas ahora en varios medios, porque para una mujer supongo que no es lo mismo. La cantante de Chvrches y Grimes se han quejado al respecto indicando que no quieren halagos o comentarios sobre su físico.
Rocío: «Yo no digo que no me digan que estoy buena, estamos todas muy bien, seguiré reivindicando mi cuerpo como mujer, pero que no sea todo eso. Que tarden 15 días en hacer un comentario sobre mi voz… Mira Las Odio, siempre les digo que van de Nochevieja, ellas se sienten bien así. Cuando veo tíos sudaos sobre el escenario a mí eso pues me puede no gustar. Que un grupo cuide su estilo, les guste ofrecer ese show…»
Adela: «Hay muchas más cosas que comentar. Es como en el mundo del deporte Mireia Belmonte o Carolina Marín. Parece que detrás de ellas siempre tiene que estar su belleza o su no belleza, su novio o su padre».
Rocío: «Las Odio y Las Chillers somos un poco como lo más macarra y lo que no, somos dos géneros musicales distintos y cada una sale como le sale del coño y todas somos criticadas, y casi nunca es por nuestra música».
MØ no espera al viernes y publica por sorpresa su nuevo EP, ‘When I Was Young’. Es una colección de seis canciones nuevas, entre las que por supuesto destaca el híbrido tropico-swing del tema titular, o la más R&B ‘Turn My Heart to Stone’, pero en el que hay espacio también para cortes más clásicos, como ‘Roots’.
No se incluye aquí, por tanto, ninguno de los singles que la cantante danesa ha publicado en los últimos tiempos, entre ellos ‘Nights with You’, ‘Drum’, ‘Don’t Leave’ con SNAKEHIP (en realidad una colaboración) o el éxito que le ha salvado del “one-hit-wonder”, ‘Final Song’. Tampoco se han tenido en cuenta otros singles más antiguos como ‘Kamikaze’, aquel nuevo ‘Lean On’ en solitario que no caló.
Cuesta creerlo pero este EP es el primer lanzamiento más o menos serio de la artista desde su primer disco, ‘No Mythologies to Follow’, en 2014. Posteriormente la danesa cantaba uno de los mayores éxitos pop de la era streaming, ‘Lean On’ de Major Lazer. Claro que si juntamos estos nuevos temas con los viejos, ya tenemos “disco”…
‘When I Was Young’:
01 Roots
02 When I Was Young
03 Turn My Heart to Stone
04 Linking with You
05 Bb
06 Run Away
Teatro Barceló, una de las discotecas y salas de conciertos más importantes de Madrid, ha colgado en su fachada una bandera gigante de España que cubre todo el edificio. Según LaSexta, la bandera, que mide 16 metros de ancho y 20 de largo, permanecerá situada en la fachada “hasta finales de diciembre”.
En declaraciones a La Sexta, un representante del Teatro Barceló explica que la presencia de la bandera española en la fachada del edificio promueve “un mensaje integrador, lejos de cualquier connotación política”. Sin embargo es imposible no ver en esta idea una reacción directa al conflicto de Cataluña y una clara defensa por la unidad de España.
A El Español, el director de Barceló, Íñigo de Lorenzo, asegura que la bandera es una pieza antigua que solía estar expuesta en Plaza de Colón. Estas banderas se sustituyen por nuevas cada cierto tiempo y De Lorenzo asegura que la bandera en cuestión la guardaba un amigo que “no sabía qué hacer con ella”. El director celebra que a los madrileños parece haberles gustado e incluso emocionado la idea.
De la misma manera que Teatro Barceló expone la bandera española en su fachada, en el interior de esta misma discoteca también se ha tomado alguna decisión parecida en defensa de la unidad. Recientemente un DJ pinchó el himno de España durante una sesión, acompañado además de proyecciones de esta misma bandera. Está claro de qué lado está Teatro Barceló y sí, ambas ideas son inequívocamente políticas.
Por Teatro Barceló pasarán próximamente RuPaul, Destroyer o Mishima con Joan Miquel Oliver.
La anterior bandera que ondeaba en Colón forma ahora parte de nuestra fachada. Nos sumamos con un mensaje integrador “España somos todos”. pic.twitter.com/LQxYPFqBzw
La entrada más fuerte en la lista de ventas de la semana es la de Sidecars, que triunfan con su nuevo disco, ‘Cuestión de gravedad’. Es la mejor entrada del grupo después de que ‘Fuego cruzado’ fuera número 19 en España, ‘Cremalleras’ número 9 y ‘Contra las cuerdas’ número 5. Una carrera en ascenso que además se corresponde con las nuevas fórmulas de escuchar música: su nuevo álbum es número 4 en la lista de streaming álbumes. Repasamos otros movimientos interesantes de la lista de ventas del país.
1(1) Sergio Dalma / Vía Dalma III
Continúan los grandes contrastes entre las ventas y el streaming. Mientras ‘Vía Dalma III’ continúa siendo el disco más vendido del país, en “streaming álbumes” en su segunda semana, baja del puesto 54 al 94.
3(E) Sidecars / Cuestión de gravedad
¿Cómo han llegado Sidecars al top 3 en España aparte de “currándoselo”? Una pista: este tema es puesto 35 en Los 40 Principales.
4(E) P!nk / Beautiful Trauma
P!nk no emula el holgadísimo número 1 de ‘Beautiful Trauma’ en Estados Unidos y Reino Unido y en España ha de conformarse con el puesto 4 (y el 6 en streaming). ¡Luego no os preguntéis por qué no viene de gira! Eso sí, se mejora el número 10 que conseguía en nuestro país ‘The Truth About Love’.
22(E) Elvis Presley / Elvis: El Disco de Oro
Nuevo recopilatorio de Elvis en un CD formato digibook, con tapa dura y 32 páginas con fotos, textos, e información relativa a las grabaciones incluidas.
28(E) Robert Plant / Carry Fire
Undécimo disco solo de Robert Plant, que ha alcanzado el top 3 en Reino Unido y también el número 14 en Estados Unidos. En los tres casos, incluido el top 30 español, el resultado es muy similar al del largo anterior, de 2014.
32(E) Beck / Colors
Beck no llega al top 30 en nuestro país por poco (en “streaming álbumes” es puesto 41), si bien hay que destacar lo que le ha esperado su público en territorios anglosajones: ‘Colors’ es número 3 en EE UU y número 5 en Reino Unido. De nuevo, datos casi calcados a los de ‘Morning Phase’ en 2014 (#34 en España, #4 en Reino Unido, #3 en Estados Unidos).
41(65) Arcade Fire / Everything Now
La subida más fuerte en número de copias de la semana es la de ‘Everything Now’, posiblemente motivada por su presentación en nuestro país el próximo año. El largo fue número 2 en su semana de salida en España.
69(E) Courtney Barnett & Kurt Vile / Lotta Sea Lice
Sorprendente entrada en el top 75 del disco colaborativo de Courtney Barnett junto a Kurt Vile, cuando ninguno por su cuenta había logrado conseguir conquistar las listas de nuestro país. ‘Lotta Sea Lice’ es puesto 51 en Estados Unidos y número 11 en Reino Unido.
74(E) Nine Inch Nails / Add Violence
EP de Nine Inch Nails que a su edición original en verano lograba ser top 17 en Estados Unidos.
85(E) BSO Game of Thrones. Season 7
España, siempre fiel a una banda sonora, sigue comprando la música de ‘Juego de Tronos’. El disco de Ramin Djawadi ya fue número 86 a su edición a finales de verano, aunque Promusicae lo apunta como nueva entrada.
89(E) St Vincent / Masseduction
Tímida entrada de St Vincent en España después de que ‘St Vincent’ fuera número 70 en 2014. De manera más extraña todavía, ‘Masseduction’ llega más alto en la lista de “streaming álbumes”, donde se ha colocado en el puesto 59.
‘Masseduction’ es el primer top 10 de la carrera de St Vincent tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, donde ha llegado al puesto 6.
Y en streaming… Foyone
C. Tangana continúa por segunda semana consecutiva en el número 1 de la lista de “streaming álbumes” con su nuevo disco ‘Ídolo’. Destaca la subida del disco de Post Malone ‘Stoney’ aunque no incluye ‘rockstar’, del puesto 57 al 34. Además, se registra una entrada que no se produce en la lista de álbumes tradicional: Foyone llega al número 42 con ‘Rico sin denuncia’. Kase.O aparece en el tema ‘Guerrero psicodélico’.
El 17 de noviembre se publica ‘The Architect’, el nuevo disco de Paloma Faith, que llega avalado por la bailable y dramática ‘Crybaby’. El nuevo single de Faith, ‘Guilty’, sin embargo no es bailable sino que es un baladón de cabo a rabo, un tema clásico de ecos Motown en la que Faith vuelve a acertar gracias a una gran melodía y a su interpretación. También se ha estrenado el vídeo de ‘Guilty’, que continúa donde terminó el de ‘Crybaby’.
Faith explica que la canción habla sobre el arrepentimiento y que está inspirada en el Brexit. “Puede tener muchos significados para todo el mundo, como quien se arrepiente por haberla cagado en una relación o quien se arrepiente por haber hecho algo que no debía. Me inspiraron los días posteriores al Brexit. Me imaginaba cómo debe ser haber votado por algo así y después darte cuenta de que ha sido un error porque las repercusiones pueden ser muy dañinas”.
Faith ha copado titulares en los últimos días tras revelar a The Mirror que va a criar a sus hijos en “género neutro”, esto es, que no va a imponerles ningún género. Faith quiere que sus hijos “sean lo que quieran ser”. La artista ha explicado por ejemplo que evitará adscribir géneros a los colores azul y rosa y que en su casa habrá “tantos juguetes supuestamente masculinos como juguetes supuestamente femeninos”.
A menudo parece una obligación que en cada obra un artista debe romper barreras, que se superen a sí mismos, que cambien como síntoma de mejoría o madurez. Y un paso atrás o a un lado suele mirarse con recelo, cuando no como un retroceso. No es más que una mera convención, y estas están para ser derribadas. Un ejemplo puede ser el tercer disco de TOPS. El grupo de Montreal mostró uno de esos avances que hacen arquear cejas en ‘Picture You Staring’, el álbum que publicaron en 2014. Aquel mostraba un potencial comercial superior al de su sugerente debut, con temas como ‘Way To be Loved’ y ‘Outside’ que hacían presagiar éxitos mayores en el futuro. Pero el futuro ya está aquí, se llama ‘Sugar At The Gate’ y nada de eso ha pasado ni parece que vaya a pasar. ¿Qué ha podido ir mal?
En realidad nada va mal, salvo que aquel no es el camino que han elegido Jane Penny y David Carriére –estrenan formación como quinteto, con las recientes incorporaciones de Jackson Macintosh y Marta Cikojevic– para su grupo. ‘Sugar At The Gate’ es un disco notablemente más rácano en ritmos bailables y ganchos que su predecesor, con excepción de sus –por otra parte, preciosos– singles ‘Petals’ y ‘Further’ (muy bonito su vídeo, que presenta una relación de poliamor con dos miembros del grupo), que apenas encuentran un comedido eco en ‘Cutlass Cruiser’. Y es que, salvo la excepción ruidosa y desmelenada de ‘Dayglow Bimbo’, ‘Sugar At The Gate’ discurre por territorios de placidez y no poca melancolía. Jangle pop suave y dulce que tan pronto remite a referencias cercanas como Homeshake, Sean Nicholas Savage o el Ariel Pink más sobrio, como a viejos héroes del pop más elegante, nivel Everything But The Girl o Sade.
Este aparente retroceso –que, la verdad, no vimos venir cuando afirmaban que el título de esta obra evoca un orgasmo–, supone en realidad una reafirmación de la militancia de TOPS en la liga de un pop delicado que antepone la belleza a lo comercial. En esa línea situamos maravillas –discretas, pero maravillas– como ‘Marigold & Gray’, ‘Cloudy Skies’ o la singular ‘I Just Wanna Make You Real’, con ese cautivador arreglo de flauta que subyace bajo una estructura tan anómala como hipnótica. Una faceta fascinante en la que se detienen sobre todo en su segunda mitad, perezosa y taciturna pero en ningún caso aburrida ni mucho menos vulgar o prescindible (a ‘Hours Between’ y la final ‘Topless’ me remito). De hecho, diría que el haber escogido envolverse en brumas de intimidad y cierta tristeza en lugar de exponerse más, es una decisión muy valiente.
TOPS inician este sábado, 28 de octubre, en BIME Live (Bilbao) una pequeña gira de presentación de ‘Sugar At The Gate’ en nuestro país: el día 1 de noviembre estarán en la sala Moby Dick de Madrid, y el día 2 en la sala Sonar de Santiago de Compostela.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Petals’, ‘Further’, ‘Cutlass Cruiser’, ‘Marygold & Gray’ Te gustará si te gusta: Sean Nicholas Savage, Homeshake, los primeros EBTG y Sage Escúchalo: Spotify
Carla Bruni presentará su nuevo disco de versiones, ‘French Touch’, en España el próximo mes de enero. Las fechas son el 10 de enero en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid y el 12 de enero en el Palau de la Música de Barcelona, como parte del Festival Mil·leni. Las entradas ya pueden comprarse en los puntos de venta habituales.
En ‘French Touch’, la que fuera primera dama de Francia repasa algunos de sus clásicos anglosajones favoritos, de ‘Highway to Hell’ de AC/DC a ‘The Winner Takes it All’ de ABBA pasando por ‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode’ o ‘Perfect Day’ de Lou Reed, entre otros temas de Elvis Presley, The Clash o The Rolling Stones. Lo hace, claro, en “clave francesa”, en el estilo acústico y semi susurrado que acostumbra desde su debut en 2002, ‘Quelqu’un m’a dit’, uno de los mejores discos de la década pasada.
Bruni, que inició su carrera en el mundo de las pasarelas, ha publicado varios discos tras su éxito ‘Quelqu’un m’a dit’, entre ellos el recomendable -y aún algo infravalorado- ‘Comme si de rien n’était’, en su momento muy esperado por ser el primer álbum de Bruni como primera dama. Su disco anterior a ‘French Touch’ también era explícitamente francés, ‘Little French Songs’.
Nancys Rubias han publicado un vídeo para ‘La filosofía pipa’, uno de los temas incluidos en su último disco, ‘Marcianos Ye Yés’. Se ha rodado en algún lugar de Castilla La Mancha (la nota de prensa no indica dónde exactamente) y es una curiosidad, pues es una colaboración con vibbo, la web de compra y venta de objetos de segunda mano.
A propósito de esta colaboración, se ha realizado una versión interactiva del vídeo a través de la cual pueden comprarse todos los objetos presentes en él. Son más de doscientos objetos, treinta de los cuales pertenecen al líder del grupo, Mario Vaquerizo, como el fanzine exclusivo de David Delfín ‘El extraño viaje’. El objetivo del vídeo es recaudar fondos para Fundación Aladina, que apoya a niños y adolescentes enfermos de cáncer.
Al margen de este gran escaparate solidario, el videoclip de ‘La filosofía pipa’ tiene otro fondo dedicado al carpe diem en relación al valor sentimental que otorgamos a ciertos objetos , pues, en palabras de la mencionada nota de prensa, es “una oda a todos esos objetos que necesitamos para vivir experiencias, pero también a saber dejarlos atrás para dar paso a nuevos objetos que nos permitan seguir disfrutando”.
Los singles de MGMT y Franz Ferdinand anticipan discos que escucharemos ya en 2018. ¿Qué significa eso? Que desde ya, muchas de las nuevas canciones que conozcamos presentarán lanzamientos que no se editarán este año. Empieza a estar el pescao vendido. Pocos artistas se atreverán ya a competir con los grandes lanzamientos de Sam Smith y Maroon 5 (3 de noviembre), Taylor Swift (10 de noviembre), Noel Gallagher (24 de noviembre), U2 (1 de diciembre) o en España Vetusta Morla (10 de noviembre) y Pablo Alborán (17 de noviembre). ¿Qué pasará con todos esos discos de los que de una u otra forma hemos oído hablar durante los últimos meses o incluso años?
¿Será Eminem el verdadero rey de la Navidad?
A menos que consideremos el disco de Morrissey o el navideño de Sia un macrolanzamiento internacional, hay una fecha bastante libre en el mercado para organizar uno: el 17 de noviembre. No sabemos si acobardados porque el día 10 sale ‘Reputation’ y sus ventas se prevén tan monstruosas como para ser número 1 dos o más semanas, no hay ningún lanzamiento enorme programado para la semana justo antes del Black Friday. Desde el mes pasado se rumorea que Eminem sacará disco este día, pero no acaba de concretarse ni después de sus apariciones públicas ni de teasers que están ejerciendo de posibles pistas.
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¿Escucharemos algo este año de Justin Timberlake?
Otro que podría sacar disco un 17 de noviembre es Justin Timberlake, que ha sido confirmado para la Super Bowl. Justin ya había dicho que su álbum saldría cuando estuviera listo, pero seguimos desconociendo si ese momento ha llegado. Timberlake tiene dos caminos: el de anunciar disco y gira ya en febrero coincidiendo con la Super Bowl o el de reforzar un álbum que pueda sacar ahora más adelante, como fue la estrategia en 2017 de Lady Gaga.
¿Dónde ubicar estos discos menores?
Una larga lista de artistas ha dado señales de vida durante 2017, pero no ha concretado aún un larga duración. Hemos dado un poco por perdida a Sky Ferreira, pero hay artistas que se han apuntado algún que otro tanto comercial este año y aún no han anunciado disco. Serían Clean Bandit, Charli XCX, Camila Cabello, Jennifer Lopez, Zayn… Gente que no aspira a vender 3 millones de copias pero sí se enfrenta a una dura disyuntiva: competir con las complicadas listas navideñas con el peligro de pasar totalmente desapercibido, o tener que comenzar de cero otra campaña en 2018 con un nuevo single. Nada se sabe tampoco de Lily Allen y, ojo, ‘Utopia’ de Björk sigue a día de hoy sin fechar. Hay rumores que apuntan al 24 de noviembre, pero no tenemos tracklist ni confirmación.
¿Será verdad que no hay disco de Nicki Minaj?
Nicki Minaj ha sacado este año colaboraciones no como para un disco, sino para dos, entre otros muchos un hit con Jason Derulo y hasta 3 sencillos en solitario. Y sin embargo, el sucesor de ‘The Pinkprint’ (2014) sigue sin anunciarse. Vale que el formato disco hay quien dice que está pasado de moda, ¿pero no canceló un docu-reality para centrarse en su carrera musical? ¿Nos preparamos para un 2018 también con single quincenal de Nicki Minaj? Por cierto, no se sabe mucho más del largo de Jason Derulo, llamado ‘777’… ¿pero editado en año terminado en 8?
¿Habrá disco sorpresa en Navidad?
Tras Beyoncé, son muchos los artistas que han querido joder las listas del año a la prensa musical publicando publicar discos a mediados de diciembre: D’Angelo, Run the Jewels… esto es 2017, la gente no se desconecta del móvil ni en Nochebuena y la pregunta es quién se animará a hacerlo este año. Kanye West lleva tiempo grabando, pero quien está en una posición comercial envidiable para sacar números estratosféricos de los regalos de Navidad es Post Malone, que está arrasando con ‘rockstar’ tras su disco ‘Stoney‘. ¿Cuántos meses se lleva anunciando su sucesor «para este mismo 2017»?
El caso La Casa Azul
Nada que añadir a esta no tan reciente tira cómica de Oli + Glu. Ni siquiera esas dos palabras, Operación Triunfo. La tira sigue 100% vigente.