Taylor Swift ha anunciado las fechas de su “gira” “europea”, que son 3 y únicamente en Reino Unido e Irlanda. Pasando total de la Europa continental, pues pese a ser una superestrella mundial, en este territorio vende muchos menos discos que en las islas y muchísimos menos que en Estados Unidos, Swift presentará ‘reputation’ el 8 de junio en Manchester, el 15 de junio en Dublín y el 22 de junio en Londres. Siempre en viernes (al menos de momento).
Son pocas fechas, pero Taylor ha tenido en cuenta que su popularidad se extiende más allá del mundo anglosajón y actuará en estadios gigantes con capacidad para acoger también a las miles de personas en todo el mundo que planeen volar para verla: en el Eithad Stadium de Manchester caben 55.000 personas, en el Croke Park de Dublín 73.500 y en el Wembley de Londres 90.000. Las entradas salen a la venta el viernes 1 de diciembre.
‘reputation’ ha vendido 1.619.000 copias en su primera semana, se mantendrá en la segunda (sigue en el número uno de Estados Unidos) y será con holgura uno de los discos más vendidos de 2017 y también de 2018, cuando además de una gira le espera la promoción de un single nuevo con Ed Sheeran y Future, ‘End Game’, y posiblemente más entrevistas o actuaciones en la tele, si es que le da por hacerlas, que de momento no ha hecho muchas.
Fechas UK e Irlanda:
8 de junio, Eithad Stadium, Manchester
15 de junio, Croke Park, Dublín
22 de junio, Wembley Stadium connected by EE, Londres
Y estas son las fechas norteamericanas, por si os pilla de paso:
05-08 Glendale, AZ – University of Phoenix Stadium
05-12 Santa Clara, CA – Levi’s Stadium
05-19 Pasadena, CA – Rose Bowl
05-22 Seattle, WA – CenturyLink Field
05-25 Denver, CO – Sports Authority Field at Mile High
06-02 Chicago, IL – Soldier Field
06-30 Louisville, KY – Papa John’s Cardinal Stadium
07-07 Columbus, OH – Ohio Stadium
07-10 Washington, DC – FedEx Field
07-14 Philadelphia, PA – Lincoln Financial Field
07-17 Cleveland, OH – First Energy Stadium
07-21 East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
07-28 Foxborough, MA – Gillette Stadium
08-04 Toronto, Ontario – Rogers Centre
08-07 Pittsburgh, PA – Heinz Field
08-11 Atlanta, GA – Mercedes-Benz Stadium
08-14 Tampa, FL – Raymond James Stadium
08-18 Miami, FL – Hard Rock Stadium
08-25 Nashville, TN – Nissan Stadium
08-28 Detroit, MI – Ford Field
09-01 Minneapolis, MN – U.S. Bank Stadium
09-08 Kansas City, MO – Arrowhead Stadium
09-15 Indianapolis, IN – Lucas Oil Stadium
09-18 St. Louis, MO – The Dome at America’s Center
09-22 New Orleans, LA – Mercedes-Benz Superdome
09-29 Houston, TX – NRG Stadium
10-06 Arlington, TX – AT&T Stadium
‘New Rules’ de Dua Lipa, la canción más votada de la semana en nuestro site, es claramente uno de los mayores éxitos comerciales de 2017, sobre todo en Reino Unido, donde ha sido número uno, y en las plataformas de streaming: en Youtube está a punto de alcanzar las 700 millones de visualizaciones y en Spotify se ha mantenido en las primeras posiciones de las canciones más escuchadas en todo el mundo durante todo el verano y más adelante, saludando ahora mismo desde la cuarta posición.
El éxito de ‘New Rules’, lejos de tocar techo, continúa también en el difícil mercado estadounidense, donde la canción ha alcanzado finalmente el top 20, tras meses de subida paulatina. Ha ayudado en parte que Lipa se encuentre ahora mismo de gira por Estados Unidos, lo cual será clave para que el tema logre el ansiado top 10, no ya tanto el top 1, que se antoja más complicado con el éxito de las más recientes ‘rockstar’ y ‘Havana’ (aunque con la longevidad y el impacto que ha logrado ‘New Rules’, ¿tan importante es el número uno?). En cualquier caso, la canción logra el puesto 19 en Billboard y ojo, en España también sigue ascendiendo posiciones, ahora logrando un nueva cumbre en el puesto 14.
‘New Rules’ es también noticia hoy viernes 24 de noviembre porque un remix nuevo de la canción ha llegado a Spotify. Se trata del mismo remix no oficial por Initial Talk que se viralizaba hace unas semanas, una reinterpretación en clave ochentera cuyo lanzamiento oficial resulta toda una sorpresa, pues no son tantos los artistas que en lugar de encargar un remix a un productor oficial optan por usar uno que una persona anónima ha colgado en internet. Además, el remix tiene hasta portada propia y todo y retrata a Lipa portando el icónico top de conos de Madonna.
Aunque quizá el mejor remix de ‘New Rules’ que ha salido hasta ahora, o por lo menos el más divertido, es el montaje con Donald Trump, también viral y realmente delirante, que también os adjuntamos…
It’s that time of the year… en el que (casi) dejan de publicarse discos de temas inéditos para dejar paso a las reediciones y demás fruslerías navideñas. Así y todo, este Black Friday nos trae un par de los lanzamientos más potentes del año: los nuevos discos de Björk y Noel Gallagher’s Hifgh Flying Birds. También hoy se publica la mixtape/disco de rarezas de Sufjan Stevens, Loreen, lo nuevo de los navarros Berri Txarrak y el debut de sus paisanas Melenas, también el primer disco de los chilenos Paracaidistas, un urgente disco de nanas de Joe Crepúsculo y varios interesantes EP’s: Pimp Flaco, Papaya, El Coleta (con Mueveloreina, Niño de Elche…), los franceses Moodoid, la austríaca Mavi Phoenix (la de ‘Aventura’), Digitalism y un disco de inéditos que !!! habían estado distribuyendo exclusivamente en su gira.
Tampoco ha estado nada mal la semana en cuanto a singles: con los de El Último Vecino, Anitta y J Balvin, Pablo López, Perapertú –que estrenábamos la pasada semana, pero no ha estado disponible hasta hoy–, Chico y Chica y Ssion a la cabeza, también se presentan hoy canciones interesantes de Rae Morris (qué bien pinta ese disco), James Arthur, ionnalee (Jonna Lee de iamamiwhoami), Kehlani, Maluma & French Montana, el muy prometedor Billy Raffoul, Noah Cyrus (otro buen tema bailable, esta vez producido por One Bit), el venerable jazzman etíope Hailu Mergia (que anuncia disco), el anticipo de otro nuevo disco de Van Morrison, Craig David & Bastille, Dellafuente (un tema sobre fraude fiscal que desde aquí recomendamos a Cristóbal Montoro), Mueveloreina, la mutación en Frank Ocean de Sen Senra, Mudhoney (primer avance de su próximo disco en directo), Icona Pop, blackbear, Yellow Claw, 50 Cent & Jeremih, G-Eazy, Jim James (My Morning Jacket), INNA (la rumana que lo petó con ‘Hot’ a principios de década), Ti.po.ta. (el proyecto de Manu Chao con la griega Klelia Renesi), Mura Masa colaborando con los interesantes Jadu Heart, Black Rebel Motorcycle Club (otro avance de su nuevo álbum) y Fermín Muguruza & The Suicide of Western Culture, del disco que publican la próxima semana.
En el apartado de rarezas, curiosidades y demás, destacan ese remix de ‘Krippy Kush’, el tema de Farruko, el ya estelar Bad Bunny y Rvssian, ahora junto a Nicki Minaj y 21 Savage, o el inédito ‘Photograph’ de R.E.M. con Natalie Merchant (10.000 Maniacs) que se incluye en la preciosa reedición 25º aniversario de ‘Automatic for the People’. Otros que muestran inéditos y nuevas versiones de temas recientes para reediciones son Elbow (en un “best of”), Kelly Lee Owens, Imelda May, Bunbury –en un EP que también incluye algunas remezclas– y Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, que presentan una revisión navideña del clásico popularizado por Ella Fitzgerald ‘Baby It’s Cold Outside’. También Tom Waits presenta esta semana la remasterización completa de su enorme disco de 2004 ‘Real Gone’.
Jonna Lee, o como se la conoce ahora, ionnalee, publica su nuevo disco al margen de su proyecto iamamiwhoami el próximo 16 de febrero. Se titula ‘Everyone Afraid to Be Forgotten’ y llega respaldado por singles de electropop oscuro como ‘SAMARITAN’, ‘NON HUMAN’ y ‘SIMMER DOWN’, a los que ahora se suma una accesible ‘GONE’ cuyo videoclip oficial ya puede verse.
En el vídeo de ‘GONE’, dirigido por Lee y John Strandh, la sueca aparece encerrada en una habitación medio a oscuras, con los rayos del sol entrando tímidamente por una ventana, pero incapaz de salir, con magulladuras en la cara y atormentada por una especie de hiedra espectral que no hace sino recordaros al demogorgón. El visual parece una metáfora sobre la opresión a la mujer, que llega a su clímax cuando Lee es literalmente meada encima a través de una rejilla.
ionnalee explica que uno de los temas de su nuevo disco es la expectativa de la sociedad hacia las mujeres, concretamente hacia su maternidad. “He estado examinando el papel que se me ha atribuido en la sociedad en general y en la industria de la música en particular, por ejemplo en cuanto a cómo debo comportarme y a cuál debe ser mi aspecto, tanto como mujer como artista”.
Uno de los primeros lanzamientos de 2018 será el nuevo disco de El Último Vecino, el proyecto de guitar-pop ochentero lo-fi del barcelonés Gerard Alegre Dòria, que se publica el próximo mes de febrero. El disco sucederá a ‘Voces‘, uno de los mejores discos de 2016, del que se desprendieron singles como ‘Antes de conocerme’ o ‘Mi escriba’.
El primer avance de este nuevo disco, cuyo título no se ha revelado todavía, es la dramática -y sorprendente por las modulaciones en falsete de Gerard- ‘Donde estás ahora’, estrenada este jueves en Los40 Trending y que hoy viernes llega a las plataformas de streaming y a Youtube mediante un videoclip dirigido por Freemasons. La estética VHS sigue alimentando la obra visual de El Último Vecino, ahora para presentarnos a un Gerard que busca a una persona desesperadamente por toda la ciudad, hasta que la encuentra y con, ella, las consecuencias.
Aunque la letra de ‘Donde estás ahora’ es lo suficientemente ambigua como para que cada uno haga su interpretación personal (“no es que el tiempo vuele bajo, es que no mereces tanto” es una frase un tanto críptica, pero quizá por eso esconda multitud de significados), no es ambiguo el sonido de una canción que vuelve a beber de los Smiths y quizá, de manera más notable, de The Cure, por ejemplo en la humedad de sus punteos de guitarra, que remitirían a ‘Disintegration’. No, su excelente versión de La Zowi no era pista de lo que estaba por venir… al menos, que sepamos.
¿Te enerva que los grupos solo actúen en Barcelona, como mucho Madrid, como mucho una ciudad más de nuestro país? Toma nota de la decisión de Baby Shakes de realizar una gira más punk que el punk de hasta 11 conciertos por todo el país (incluso 2 el mismo día), comenzando hoy por el Trashcan de Madrid, como parte del ciclo Escenarios Mahou. No todos los artistas internacionales se arriesgan tanto.
Las Baby Shakes (sorry, Ryan) son un grupo de punk pop en la estela de los Ramones que ha editado 3 discos y varios singles y EP’s desde su formación en 2005, destacando himnos playeros como ‘Summer Sun’ y ‘All the Pretty Things’, tan aptos para seguidores de Best Coast como Hunx and his Punx o Los Nikis. La banda de Mary, Judy y Claudia (todas cantan) ha publicado este año una nueva entrega llamada ‘Turn It Up’ en la que caben himnos de rock’n’roll como ‘Baby Blue’, casi siempre con un punto retro como ‘Crazy’. Como si las primeras Pipettes o Debbie Harry se hubieran colgado las guitarras eléctricas.
Os dejamos con las fechas de su gira, un vídeo, su disco y una foto de su llegada a Madrid.
Fri. Nov 24 – MADRID @Trashcan (Calle del Cardenal Cisneros, 30, 28010 Madrid, Spain)
Sat. Nov 25 – CORDOBA @Ambigu-Teatro La Axerquia (de s/n, Av. Menéndez Pidal, 14004 Córdoba, Spain)
Sun. Nov 26 – ALGECIRAS-CADIZ @La Gramola (Pje. Fuente Nueva, 11203 Algeciras, Cádiz, Spain)
Mon. Nov 27 – GRANADA @Sala Planta Baja (Calle Horno de Abad, 11, 18002 Granada, Spain)
Tues. Nov 28 – ALMERIA@La Cueva (Calle Canónigo Molina Alonso, 23, 04004 Almería, Spain)
Wed. Nov 29 – ORIHUELA-ALICANTE @La Gramola (Calle Valencia, 21, 03300 Orihuela, Alicante, Spain)
Thurs. Nov 30 – VALENCIA @16 Toneladas (Carrer de Ricardo Micó, 3, 46009 València, Spain)
Fri. Dec 1 – CASTELLON @Four Seasons (Carrer Castelldefels, 14, 12004 Castelló de la Plana, Castelló, Spain)
Sat. Dec 2 – BARCELONA @Magic (Passeig de Picasso, 40, 08003 Barcelona, Spain)
Sun. Dec 3 – ZARAGOZA @Vermut En Las Armas (Calle las armas, 66, 50003 Zaragoza) **DAY SHOW**
Sun. Dec 3 – TERUEL @El Sotano (joaquin costa, 30, 44001 Teruel, Spain) **NIGHT SHOW**
Bilbao BBK Live anuncia nuevos nombres para su edición de 2018, que tendrá lugar entre los días 12 y 14 de julio en Kobetamendi. Tras confirmar a Gorillaz y The xx, el macrofestival bilbaíno confirma en su cartel a Noel Gallagher, alt-J, David Byrne, Bomba Estéreo, Triángulo de Amor Bizarro, Mexrrissey, Parquet Courts y Borrokan.
Precisamente hoy 24 de noviembre se publica ‘Who Built the Moon?’, el nuevo disco de Noel Gallagher’s High Flying Birds, muy esperado tras la llegada de singles como ‘Holy Mountain’ y también tras el éxito del disco de su hermano. El ex integrante de Oasis se suma así a un programa de artistas, el de Bilbao BBK Live, que también han publicado álbum notablemente en 2017, como son alt-J y su ‘Relaxer‘, The xx y su ‘I See You‘, Gorillaz y su ‘Humans‘, Bomba Estéreo y su ‘Ayo‘ o Parquet Courts, que han publicado un ‘Milano’ junto a Daniele Luppi y Karen O.
Las nuevas confirmaciones de Bilbao BBK Live llegan de la mano de una oferta de bono de 72 horas, que finaliza el lunes a las 12 del mediodía.
El cartel queda, por ahora, así:
GORILLAZ
THE XX
ALT-J
DAVID BYRNE
NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS
BOMBA ESTEREO
TEMPLES
PARQUET COURTS
TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO
MEXRRISSEY
BORROKAN
…
El grupo británico The Vaccines ha anunciado un tour por su país y, de paso, han dejado caer que tienen un nuevo álbum ya en sus manos, un par de años después de ‘English Graffiti’. Se titula ‘Combat Sports’ y ya está en preventa en su web, aunque habrá que esperar nada menos que hasta el 30 de marzo de 2018 para que vea la luz. Entre sus 11 canciones encontramos títulos como ‘Your Love Is My Favourite Band’ o ‘Rolling Stones’, pero el single es una ‘I Can’t Quit’ que aún no podemos disfrutar.
Pero sí que podemos escuchar, en cambio, otra canción del disco llamada ‘Nightclub’, aunque no completa aún: a través de sus redes sociales podemos ver ya un vídeo de algo más de un minuto y medio a modo de teaser, en el que suena el tema. Se trata de la típica filmación del grupo tocando en un set de rodaje, pero al menos sirve para descubrir que el cuarteto de Londres ha pasado a ser un quinteto, con la incorporación del teclista de sus directos, Timothy Lanham.
The Vaccines se convirtieron en 2011 en la gran esperanza del rock británico con su debut ‘What Did You Expect From The Vaccines’, un álbum divertido, vibrante y enérgico, con ecos de glam y punk. Un año después publicaron el también notable ‘Come of Age’, y en 2013 el interesante EP ‘Melody Calling’. Con el citado ‘English Graffiti’ ya se convirtieron en un nombre recurrente en la «línea media-alta» de festivales de todo el mundo, España incluida.
Tracklist de ‘Combat Sports’:
Put It On a T-Shirt
I Can’t Quit
Your Love Is My Favourite Band
Surfing in the Sky
Maybe (Luck of the Draw)
Young American
Nightclub
Out On The Street
Take It Easy
Someone To Lose
Rolling Stones
Pablo López, el que fuera finalista de Operación Triunfo 2008 –cuando venció Virginia Maestro, por cierto–, es de los pocos concursantes de esas últimas ediciones del talent-show (pre-retorno a RTVE) que ha logrado consolidarse como autor e intérprete. Sus dos álbumes de estudio publicados hasta la fecha, ‘Once historias y un piano’ (2013) y ‘El mundo y los amantes inocentes’ (2015) –el cual incluía su hit junto a Juanes ‘Tu enemigo’–, han sido disco de oro y platino respectivamente, llegó a ser nominado al Grammy al Artista Revelación en 2014 y su popularidad ha crecido en paralelo como cantante de pop melódico. En estos momentos es uno de los coaches de la actual edición de ‘La Voz’, junto con Malú, Juanes y Manuel Carrasco.
Ahora anuncia su tercer álbum, ‘Camino, fuego y libertad’, que se publica en un par de semanas –el 15 de diciembre– y su primer adelanto nos ha sorprendido bastante. Aunque la producción de Kim Fanlo (Nena Daconte) ya había mostrado ciertas maneras interesantes –al menos, más arriesgadas y complejas que las habituales en el pop mainstream nacional– en sus anteriores álbumes, este ‘El patio’ se sitúa en un piano pop épico que no queda tan lejos de algunos momentos de Coldplay, Elbow, Keane o incluso Vetusta Morla, deje vocal a lo Antonio Orozco aparte.
Su vídeo oficial está ideado por el propio artista malagueño y Universal lo define como “una pieza audiovisual extraordinaria, digna de galardones por méritos propios”, viniéndose bien arriba. El clip, eso no se lo quita nadie, está lleno de invitados-estrella, como los actores y actrices Javier Cámara, Ana Milán, Fernando Tejero y Manuela Velles, la cantante Malú, el presentador Pablo Motos y el modelo Juan Betancourt (‘Masterchef Celebrity 2’).
Chico y Chica, autores en la década pasada de hits como ‘Tú lo que tienes que hacer’, ‘Supervaga’ o ‘Vaquero’, así como de la divertidísima radionovela por capítulos 4 en Alicante, retoman hoy su actividad discográfica con un nuevo single llamado ‘Un, dos, tres, orgasmo’. Austrohúngaro edita un 7″ dentro de su colección Golden Greats en lo que supone la séptima referencia. La canción tiene un marcado aire de bolero a lo ‘Sabor a mí’ y de spoken word, estando cantada desde dentro de un orgasmo, durante «el momento». Para Alicia y José Luis, «el orgasmo en esta canción representa la idea de presente, algo que está ocurriendo en ese momento. Un silencio, un paréntesis que alargamos durante toda la canción. (Es una canción) con cadencia lenta y moderna, para poder bailarla sola, con pasos a lo tango y brazos en alto», pero también indican que se puede bailar en pareja, «y que cada cual tenga su orgasmo. Aquí nadie ha dicho que haya que sincronizar los orgasmos». Añaden que se la imaginan bailando a Emmanuelle Seigner y Kristin Scott Thomas en ‘Lunas de Hiel’, otra de las películas sobre el amor enfermizo de Roman Polanski.
Según la nota de prensa, «José Luis Rebollo (aka Madelman) ha construido un ritmo automático a partir de diferentes patrones de la clásica caja de ritmos Roland CR78, secuencias sintéticas y filigranas analógicas que parecen salidas de una manga pastelera. «El caso era dejar de lado la maraca, los bongos y el saxo reventón, para no pasarnos de decadentes ni reminiscentes. Así que nos ha quedado una canción con dos temperaturas que se hacen un favor la una a la otra. Porque ni el tecno es tan frío ni la voz va de sexy».
La cara B es una adaptación de Battiato, en concreto de ‘Chan-son Egocentrique’, mucho más bailable, rollo Eva Nasarre o Stereo Total. Indican: «Hay otras canciones de Battiato que nos gustan más, pero esta nos parecía más abordable, más fácil de hincarle el diente y jugar con ella. Tiene una melodía muy segura de sí, asertiva o idealista. Cuando la cantas parece que estás diciendo verdades universales válidas para el resto de los terráqueos». Además, no han querido usar la adaptación existente al castellano, sino combinar el inglés, el francés, el italiano y el alemán. «Desistimos de utilizar la adaptación oficial al castellano porque no acabábamos de entenderla. Con la letra original nos sentíamos más libres. Es como cuando viajas a un lugar donde nadie te conoce».
El nombre de Tommy Keene no ha gozado del eco de Alex Chilton, Peter Holsapple, Steve Wynn, Matthew Sweet o Ken Stringfellow, héroes de diversa procedencia del power pop. Pero sí que es toda una figura para los que no se quedaban en la superfiicie de ese estilo ultramelódico y guitarras a gran volumen. Digo es porque seguirá siéndolo, pero lo cierto es que ahora sabemos que ha fallecido hace unas horas, cuando apenas contaba con 59 años.
En un comunicado-obituario publicado en su web, se informa de que falleció el pasado miércoles 22 de noviembre en su casa de Los Ángeles, “de manera inesperada y en paz, mientras dormía”. El mismo comunicado hace un breve repaso por la carrera del músico y autor de Illinois (aunque crecido en Maryland), de sus inicios a finales de los 70 en grupos como The Razz y The Rage, antes de debutar en solitario en 1982 con el disco ‘Strange Alliance’. De ahí dio el salto a la multinacional Geffen Records, que publicó sus dos discos más populares, ‘Songs From the Film’ (1986) y ‘Based on Happy Times’ (1989).
Tras no cumplir con las expectativas comerciales, recaló en el sello independiente Matador ya bien mediados los 90, publicando dos álbumes más. En los 00s, pasó a colaborar con otros músicos y bandas como Paul Westerberg (The Replacements), Velvet Crush o Robert Pollard (Guided by Voices) –con el que llegó a grabar un disco en 2006 como Keene Brothers–. Ya en esta década publicó un doble álbum retrospectivo de su carrera hasta el momento, y en 2015 publicó ‘Laugh In The Dark’, que es hoy su último disco.
En Ticketmaster, en «ver ofertas», podéis encontrar descuentos para gente como Sidonie, James Rhodes o Els Amics de les Arts. Por otro lado, Doctor Music anuncia que las entradas para las giras de 2018 de Jason Derulo y The Script valdrán un 50% menos entre las 10.00 de este viernes y las 10.00 de este sábado. Jason Derulo actúa el 26 de febrero en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el día 27 de febrero en el WiZink Center [Ring] de Madrid. The Script estarán algo más tarde, el 21 de marzo en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el día 22 de marzo en el Palacio Vistalegre [The Center] de Madrid. Estos últimos traen a Ella Eyre de telonera. La cantante es conocida por haber cantado en hits de Rudimental o por pistas como ‘We Don’t Have to Take Our Clothes Off‘ o ‘Came Here for Love’.
En el mismo año de edición de su último disco de estudio, ‘Disco duro‘, que contenía hits como ‘Música para adultos’ o ‘Pisciburguer’, Joe Crepúsculo presenta nuevo disco. Se llama ‘Las nanas’ y se trata de un mini LP para niños de 12 pistas y 16 minutos de duración. Existe una edición en vinilo de 10 pulgadas con portada a cargo de Cristina Daura. Las canciones tienen títulos por tanto de corte infantil y onírico como ‘Te arroparé’, ‘Soñando’, ‘Fiesta de pijamas’, ‘La luz de la noche’… pero, ojo, también como ‘Pesadilla’, ‘El monstruo de la cueva’ o ‘No te duermas rata’.
Y es que aunque el concepto esté claro, la voz de Joe Crepúsculo es demasiado personal como para que el disco no suene a sí mismo, y de hecho no todas las canciones incitan al sueño: también están las uptempo y bailables ‘Vamos’ y ‘Aldebarán’, que es más bien para dar saltos en la cama. En lo musical, quizá por su brevedad, el disco recuerda más a los inicios del artista que a los últimos discos, caracterizados por hits llenapistas como ‘Mi fábrica de baile’, ‘Música para adultos’ o ‘La verdad’.
Este es el tracklist del largo:
1.Bajo las mantas
2.Pesadilla
3.Fiesta de pijamas
4.Aldebarán
5.Me gusta dormir
6.Te arroparé
7.La luz de la noche
8.Soñando
9.Vamos
10.El Monstruo de la cueva
11.No temas la oscuridad
12.No te duermas rata
‘New Rules’ de Dua Lipa vuelve al número 1 de nuestro top semanal al mismo tiempo que otros artistas llegan al top 40 con sus nuevos singles. Se trata de Renaldo & Clara -la entrada más fuerte-, Christina Rosenvinge, Los Punsetes y Kimbra. Entre las canciones que alcanzan nuevos máximos, dos hitazos internacionales, ‘Anywhere’ de Rita Ora y ‘Havana’ de Camila Cabello. Vota por tus 20 canciones favoritas aquí.
Vetusta Morla tienen fijación por los espacios. Nos explican “un día en el mundo”, nos sitúan en “mapas”, nos llevan a “la deriva” y terminan en el “mismo sitio” pero en “distinto lugar”. La mejor canción de su debut se titula como una capital europea, ‘Copenhague’, en la que se plantea que “dejarse llevar suena demasiado bien” y donde se habla de una chica que sueña “con despertar en otro tiempo y en otra ciudad”. Más tarde nos encontramos en “la marea” o incluso en Saharabbey Road, pero si algo se puede decir de ‘Copenhague’ es que precisamente esta canción nunca se va a ir a ninguna parte.
Es la canción de Vetusta Morla más escuchada en Spotify con bastante diferencia: 18 millones de streamings frente a los 8 millones de ‘Valiente’ avalan la calidad de esta preciosa composición sobre un amor imposible que, sin embargo, no es la canción que el grupo más ha tocado en directo (esa sería ‘Valiente’ según las estadísticas de Setlist). Sirven como contrapunto ideal la memorable ‘Sálvese quien pueda’ y la rabiosa ‘Autocrítica’, la canción que abría ‘Un día en el mundo’ y planteaba firmemente el discurso de unos Vetusta Morla que nunca han destacado tanto por su estilo como por sus buenas canciones, desde el principio hechas para ser grandes.
Cuesta creerlo ahora, pero Vetusta Morla empezaron en 1999, así que para cuando grabaron su primer disco, autoeditado en 2008, ya llevaban el suficiente tiempo tocando como para traer al estudio canciones buenas de verdad. La jugada les salió bien, porque los chicos de Tres Cantos terminaban convirtiéndose, desde la autoedición, en el grupo referente por antonomasia del pop-rock nacional, llenando pabellones y consiguiendo discos de oro y platino (‘Un día en el mundo’ alcanzaba en 2014 las 53.000 copias vendidas) como no lograron ni Los Planetas. Vetusta Morla se ganaron no solo llegar lejos sino también hacerlo en sus propios términos.
Como ya supimos en su momento, ‘Un día en el mundo’ no inventaba nada, pero las canciones eran muy buenas, tanto que a día de hoy nadie debería recordar lo mucho que se comparó al grupo con los primeros Radiohead en cuanto este se hizo un poco famoso. ¿Y qué? ¿Por qué siempre tenemos que pensar que lo de fuera es más original? ¿Acaso Radiohead no se inspiraron en nada a su vez? Y aun así, curiosamente si hay algo a lo que achacar a los vetustos es que, pese a cantar en español, el lirismo abstracto de sus canciones a menudo es completamente imposible de entender. La canción titular, que describe disparos “en honor” a un león, encuentros con sirenas y “piernas de neón”, es un buen ejemplo, como también lo es la clase de geografía sudamericana de ‘La cuadratura del círculo’.
No es en frases como “en las sombras me veo al revés, en los libros me encuentro mejor” (‘Pequeño desastre animal’) donde se haya la poesía más bella de Vetusta Morla, sino en sus baladas: la conmovedora ‘Año nuevo’ presenta uno de los estribillos más bonitos de su repertorio, y ‘La marea’ es simplemente una de sus mejores canciones. Vetusta ha compuesto varias baladas emocionantes a lo largo de su carrera, pero ‘La marea’ es posiblemente la más pura de todas, un corazón roto embotellado en canción. ¿A alguien le extraña que ‘Copenhague’, su canción más popular, sea una balada? Y ojo, que cuando les dan arrebatos, como en ‘La cuadratura del círculo’, demuestran que sobre todo en directo hay pocos que les tosan.
Vetusta Morla han publicado canciones mucho mejores después de ‘Un día en el mundo’ y si algo está claro es que es su disco más vendido porque salió el primero, porque el grupo no ha hecho más que superarse con cada nuevo lanzamiento, hasta llegar al que hasta ahora es su mejor trabajo, publicado este año. Pero al contrario que otros grupos, los de Tres Cantos no tendrían en absoluto que avergonzarse de este debut que cocinaron durante tantos años, y que terminó sentando las bases no solo de su sonido sino también de algunas de las mejores canciones que han publicado posteriormente, como ‘Golpe maestro’, que es precisamente eso. Y golpe maestro fue también, indudablemente, ‘Un día en el mundo’.
Vetusta Morla están de gira y las entradas para verlos en directo están disponibles en Ticketea, con descuento de un 20-25% solo durante Black Friday.
Björk plantea ‘Utopia’, su noveno disco, abiertamente como una colaboración entre ella y Arca, después de que ambos compartieran créditos en el anterior largo de la islandesa, ‘Vulnicura’. En la misma portada del disco puede leerse la indicación “concebido por Björk & Arca”, como reflejan además los equitativos créditos del disco, que incluyen también una co-producción de Rabit (‘Loss’). La islandesa aclara que ‘Utopia’ es su disco, pero que “puramente como músicos, [Arca y yo] hemos decidido entrar en este otro mundo que es la superposición entre Arca y Björk”.
La “utopía” que propone Björk no es un fin, sino un medio a través del cual alcanzar lo más parecido a un mundo mejor no solo personal, sino también y, sobre todo, político y ambiental, donde naturaleza y tecnología convivan armónicamente. Para ello ha creado un “mundo” menos lúgubre que el anterior, mucho más abierto, aligerando el peso de las cuerdas y añadiendo un grupo -enteramente femenino- de 12 flautas, además de arpas y sonidos de pájaros procedentes de ‘Oiseaux de Vénézuela’ de Jean C. Roché y ‘Hekura’ de David Toop y Nestor Figueras. Es una “utopía” que, como ‘Homogenic’, en su unión de naturaleza y modernidad tecnológica refleja la Islandia natal de Björk, aunque ahora desde un prisma menos amenazante y más paradisiaco. Un ejemplo de esto es la canción titular, que suena como una escena de Disney en la que Björk pasea alegremente por un bosque encantado, ambientado por lo que parece el graznido de un ave en bucle.
‘Arisen My Senses’ abre ‘Utopia’ y se abre camino mediante explosiones de belleza y luz, conformando una especie de Big-Bang particular para Björk, el que origina esta “utopía” llena de flautas, pájaros, beats ásperos y letras sobre los varios tipos de amor carnal, musical, familiar o espiritual. Es una de las composiciones más inmediatas que ha publicado la artista en años, un single algo más claro para ‘Utopia’ que ese solemne ‘The Gate’ que supone una “entrada” entre ambas etapas de su carrera y nos sume en una especie de ciberespacio líquido, elevado por la presencia de una Björk que invoca emotivamente la presencia de un “amor trascendental” que cure las heridas abiertas en su disco anterior. No es, desde luego, el mismo lugar en el que la encontramos en el segundo single oficial de ‘Utopia’, ‘Blissing Me’, una canción romántica, preciosa, en la que, entre arpas, la cantante intercambia MP3 con su amante platónico e imagina la “fantasía” de su “unión física”.
Pese a lo que sugiere su título, ‘Utopia’ no es un disco explícitamente político y su oscuridad se vierte a lo largo del álbum en otras formas, sobre todo en lo musical y lírico. La litúrgica ‘Features Creatures’ sitúa a Björk en una conjura solitaria, acompañada únicamente de unos coros fantasmales (producidos en realidad por los tubos armónicos de Sarah Hopkins) que parecen protegerla mientras invoca al hombre de sus sueños, hasta que al final una fantasía de flautas se crea a su alrededor. Lo hace en una letra no exenta de ingenuidad millennial en frases como “cuando veo a alguien de la misma altura que tú, y que va a las mismas tiendas de discos, literalmente pienso que estoy a cinco minutos de enamorarme”. Incluso en la épica ‘Body Memory’, que emerge del pantano de ‘Black Lake’, y dura casi lo mismo, contrarresta su oscuridad con pasajes sobre el “ADN sexual” y “rayos X de mis kamasutras”, situándonos después en una sudorosa “pista de baile de Brooklyn”.
A pesar de que son muchos los que siguen buscando melodías accesibles en los discos de Björk como si fueran LaToya Jackson y su lupa, y al margen de algunas composiciones redundantes como ‘Courtship’ y ‘Claimstaker’ o del repelente aroma “new age” de ‘Saint’, el mayor punto flaco de ‘Utopia’ siguen siendo las letras. Björk presenta en el disco pasajes hermosos, como en la tierna ‘Tabula Rasa’, pero también es capaz de lo peor en ‘Sue Me’, una canción dramática, pero cuya ejecución roza la parodia, sobre el litigio por la custodia de su hija entre Björk y su ex pareja Matthew Barney, a quien la islandesa se enfrenta de manera bastante explícita, comunicándole que “ya era hora que te enseñara algo de dignidad”. A su hija entonces dedica unas confesionales palabras, viniéndose demasiado arriba: “no voy a dejar que corten a nuestra niña por la mitad, no puedo aguantar que ella sufra, es tan injusto, los pecados del padre lo han jodido todo, teníamos la mejor familia, lo teníamos todo”.
‘Utopia’ concluye positivamente, con una ‘Future Forever’ que en su visión de esperanza -desde luego no en su sonido ambiental y flotante- remite, quizá trágicamente, a ‘Unison’, la canción que cerraba ‘Vespertine’ y en la que Björk proyectaba hacia el infinito su sueño de futuro con su familia. En ‘Future Forever’, Björk pide que la observemos “formando nuevos nidos, tejiendo una cúpula matriarcal, construyendo un andamio musical”, pero la base musical curiosamente establece un puente con ‘The Gate’: ambas existen en la misma dimensión abstracta y abren sendos umbrales hacia la posibilidad de esa “utopía” que suena exactamente a lo que parece, a una fantasía que, con sus altibajos, con sus claroscuros, se ha hecho realidad.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Arisen My Senses’, ‘Blissing Me’, ‘The Gate’, ‘Utopia’, ‘Body Memory’, ‘Features Creatures’, ‘Tabula Rasa’ Te gustará si te gusta: Robert Wyatt, Juana Molina, Scott Walker, Jenny Hval… y sobre todo Björk Escúchala:Spotify
Los fans de la “escuela” de The xx o London Grammar están de enhorabuena, porque tienen un nuevo nombre con el que gozar, emocionarse o sufrir. Se trata de Lo Moon, un trío de Los Ángeles formado por Matt Lowell (voz, teclados, guitarras), Crisanta Baker (bajo, voz) y Samuel Stewart (teclados, voz) que hacen de la delicadeza y la melancolía su mejor arma, pero tratadas con un punto de vista sofisticado y expansivo, no solo intimista. Otros referentes que les van como anillo al dedo pueden ser los elegantes The Blue Nile o también, de manera algo más difusa, aquellos Unbelievable Truth que comandaba Andy Yorke, hermano de Thom, ¿recordáis?
El caso es que, aunque el proyecto lleva en marcha unos 5 años –Lowell reconoce que cuidan todos los detalles al máximo, como parte de su filosofía– no ha sido hasta este 2017 cuando han comenzado a despuntar. Lo hicieron a finales del pasado invierno con ‘Loveless’, un medio tiempo que por momentos tiene ecos del Peter Gabriel de ‘Don’t Give Up’, alternados con otros más épicos. Aquella canción les llevó a ser teloneros de MUNA durante una gira norteamericana, pero en estos meses han seguido ascendiendo.
Porque ahora son ya teloneros de Phoenix en EEUU y han presentado otras dos nuevas muestras de que son un valor de futuro fiable. La primera, ‘This Is It’, un tema que discurre próximo a ‘Loveless’, con un sugerente riff de sinte que se incrusta en el recuerdo a la primera de cambio, y la más reciente ‘Thorns’, un tema precioso que sitúa a Rhye como otro nombre que orbita en la mente al escucharles. Todo ello con un buen acabado estético y con producción, atención, de Chris Walla (Death Cab For Cutie, The Postal Service) y François Tetaz (Gotye, Kimbra). El debut que editarán en Columbia, probablemente el año que viene, debería confirmar las buenas sensaciones que dejan estos tres singles.
Stevens ha ido publicando varios avances de la “mixtape” en los últimos meses, como el descarte ‘Wallowa Lake Monster’ o una grabación de iPhone de ‘John My Beloved’. Hoy podemos escuchar, mediante vídeo, el tema titular, una breve canción -dura menos de 2 minutos- en la que el oriundo de Detroit canta sobre alcanzar la iluminación a través del amor espiritual. En su letra clama que se pueden “adorar la montaña y la lluvia”, pero que el “mayor regalo de todos” es el “amar a tus amigos y amantes, y entregar tu vida a tus hermanos”, así “en paz te quedarás, y tu alegría crecerá”.
Para ‘The Greatest Gift’, Stevens ha realizado él mismo un videoclip en stop-motion en el que se suceden varios recortes de fotografías y revistas, muchos de los cuales representan personajes e iconos de la religión cristiana como Moisés con el Testamento (Stevens es anglocatólico). En la misma letra de la canción hay una referencia a Asa Lovejoy, fundador de Portland, en Oregón, donde Stevens pasó tiempo junto a su madre de niño y donde grabó parte de ‘Carrie & Lowell’.
“La misión del copiloto es rular uno tras otro”. El título del 13º álbum en la carrera del provecto Julio Bustamante surgió durante un paseo en coche con su hijo, que le iba “rulando” los cigarros. Más allá de una anécdota divertida, ‘La misión del copiloto’ esconde “la necesidad de luchar juntos”. Un elepé ecléctico –a este venerable señor nunca le ha gustado pensar en discos, ya que su atención se centra en las canciones– que pasa de ‘La doble’ (un poema de Sam Shepard) y ‘El cel de les cançons’ (El cielo de las canciones), temas que abren y cierran el disco, a ‘Iratxi’ (cantada a dúo con Nacho Vegas), recorriendo mientras tanto diez canciones escritas, mes a mes, a su joven amante. “No quiero mencionar cuántos años nos llevábamos, me da demasiada vergüenza”, cuenta Bustamante. “Fue algo que ella me pidió, e incluso la relación se dio por ella. Fue ella la que tiró de mí. Es una buena amiga”. Circunstancia que hace que este disco del llamado “artista de culto” valenciano sea el más redondo de su carrera. O, mejor dicho, el más planteado como un disco en sí mismo y no como una recopilación de canciones.
Nos encontramos con Julio Bustamante (Valencia, 1951) en las oficinas de El Volcán, su agencia discográfica. Juntarse con él es estar dispuesto a que nos cuente lo que él tenga a bien narrar, sea lo que sea, sin seguir un rumbo fijo. Con la mirada perdida y un cierto aire tímido, nos cuenta que acaba de echarse la siesta (“es algo obligatorio”) mientras nos recibe con sus andares espigados, un vaquero raído y una boina, como salido de la estampa de aquellos cantautores de los años 70, una década que sirvió a este letrista para darse a conocer, hace más de treinta años: “Soy un niño que sabe muchísimas cosas. Creo que fue Dylan el que dijo “todo el mundo se muere por ser joven, cuando los que disfrutan son los niños”. Y es verdad. Cuando eres joven son todo ansiedades e intensidades. También es cuando empiezas a relacionarte más con el mundo exterior”, comenta, recordando aquellos tiempos.
«Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie»
Ese mundo exterior que servía como inspiración principal en los primeros discos del valenciano (‘Cambrers’ –1981– o ‘Cargo de mí’ –Discos Medicinales, 1987–) aparece reflejado de manera tenue en ‘La misión del copiloto’. Como una pátina de realidad que sirve de fondo a los sentimientos: “Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie. Aunque no se lo propongan. Es lo que yo llamo la impersonalidad. En mis canciones procuro que pase. Que todo eso que está pasando es una circunstancia social, en gran medida. Todos somos producto de una circunstancia social”, explica con su voz ronca de profesor de filosofía.
“No hay que hablar de España, hay que pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso”
Después de décadas reafirmándose en la lucha social y en la protesta, nos sorprende encontrar una mirada tan tranquila en las letras de su último trabajo. ¿Qué hay de la situación que estamos viviendo, qué hay de Cataluña? Le preguntamos, a tenor de lo exótico que podría resultar en estos momentos un disco escrito en ambos idiomas, catalán y castellano: “No aporta nada. Es algo que tienen que arreglar. Hay temas más importantes. Me parece una cortina de humo todo esto. Y también pienso que algo de interés habría por forzar la situación tanto. Pienso que la política maquiavélica es de derechas, más todavía. Hay temas mucho más importantes, como son las pensiones, la educación, la investigación, la sanidad. Todo eso lleva esperando muchísimo tiempo. Cuando hay gente en Valencia estudiando en barracones, de todo lo que robaron. Todo eso no es dinero, es voluntad política. Decir “no va a haber gente muriéndose en la camilla de una sala de espera”. Es denigrante. No tiene por qué haber 60 alumnos en un aula, tiene que haber 20. Todo eso es voluntad política, pensar en hacer las cosas bien y no hablar de España, sino pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso. Pero no, solo somos contribuyentes, y punto. Y esto si quieres lo sacas, o no lo sacas”, remata con un cierto deje de hastío, dando a entender que ya nadie “quiere mojarse”.
“He vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio”
Esa intensidad de la que hacía gala en su juventud (“empecé en esto a los 27 años, ¡qué intensidades!”), el miedo a hablar de sus propios sentimientos o a narrar su propia vida son parte de las capas que se ha ido quitando Julio Bustamante: “He ido quitándome cosas” – continúa-, “Internet no tengo. Bajo todos los días a la biblioteca, que además es muy grande y muy bonita y antigua. Y voy todos los días una hora a internet. Y los días que necesito más, voy por la tarde otra hora. Pero, por lo general, voy una hora nada más. No tengo televisión, tampoco (como dice la canción). Y tampoco tengo electrodomésticos. La verdad es que vivo solo y me apaño muy bien. Los he ido cerrando poco a poco. El frigorífico me cansé de verlo siempre con un plátano y un huevo y pensé “¿Para qué quiero esto aquí?” Luego lo apagué. Llevaba años apagado y este verano, cuando pinté la casa, lo saqué a la calle. Pero me apaño bien, porque salgo a comer al parque normalmente, y en casa tengo cosas que no caducan nunca, como el arroz. Pasta, huevos, jamón, galletas, cebollas… viviendo solo, las cosas cambian mucho. Lavar la ropa a mano. Me gustan mucho los trabajos manuales. Aparte, no me gustan los ruidos. Las lavadoras, las neveras… siempre acaban haciendo ruido. Yo también tengo una edad y he nacido en una época en la que esas cosas no existían. No ha sido inventar nada, ha sido como volver al principio. Tocadiscos y guitarra sí que tengo. Esas son cosas importantes para mí. En fin, que he vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio.”
Tras haber participado incluso en un documental sobre su vida y obra (‘Bustamante Perkins’) decidimos terminar la entrevista preguntándole al sabio qué es lo que le preocupa ahora que no tiene intensidades, ni frigorífico ni prisas: las mujeres. “Yo siempre estoy leyendo. Creo que leo incluso demasiado. Suelo leer un par de libros a la semana. Y sigo estudiando filosofía. Ahora estoy con la temática de las mujeres contemporáneas españolas. Más allá de si me gusta o no me gusta, por recabar información. Rosa Montero me encanta.”
Hoy mismo podremos verle en directo, en una de sus espaciadas actuaciones, en la sala Fun House de Madrid (entradas, en Ticketea), acompañado por su grupo, Lavanda, y Kiko Sumillera. Veremos a ver qué nos cuenta esta vez este venerable letrista.
Sia intentará llevarse un buen trozo del pastel navideño -el mejor periodo de ventas del año para la industria- con su nuevo disco de villancicos originales, ‘This is Christmas’, que llegaba al mercado el 27 de noviembre adelantado por varios singles como el alegre ‘Santa’s Coming to Town’ o la emotiva balada ‘Snowman’.
La australiana, que era noticia recientemente por otros asuntos menos navideños, presenta ahora videoclip para ‘Santa’s Coming For Us’, para el que ha sentado a cenar por Navidad a un reparto de personajes famosos como Kristen Bell, Caleb McLaughlin (Lucas en ‘Stranger Things’) o Sophia Lillis, quien interpreta a Beverly en ‘It’. También los actores Dax Shepard y Henry Wrinkler, el cómico J.B. Smoove, la actriz Susan Lucci y Wyatt Oleff, otro niño de ‘It’, se dejan caer por aquí. No, no se te ha pasado el nombre de Maddie Ziegler: la bailarina favorita de Sia no aparece en el vídeo.
Caleb es el último niño de ‘Stranger Things’ en apuntarse a un videoclip: antes que él, Millie Bolly Brown (Eleven) protagonizó el vídeo de ‘Find You’ de Sigma con Birdy y Finn Wolhard (Mike) apareció en el clip de ‘Sleep in the Heat’ de PUP. Wolfhard, de hecho, tiene su propio grupo, Calpurnia. Por su parte, Sophia Lillis acaba de aparecer en un vídeo de The War on Drugs.
El pasado 10 de noviembre llegaba a las tiendas ‘Stranger’, el nuevo trabajo de Yung Lean, el “sad boy” sueco autor de canciones como ‘Kyoto’, ‘Ginseng Strip 2002’ o ‘Yoshi City’ que acumulan decenas de millones de escuchas en Spotify, pero que también han valido críticas a Lean por su apropiación descarada de la cultura negra estadounidense.
Jonatan Leandoer Håstad publica ahora videoclip para otro de los temas incluidos en su nuevo disco, la pista 5, ‘Metallic Intuition’. El colectivo francés Suzie and Leo dirige esta pieza audiovisual ambientada en el lejano oeste americano y en el que el rapero sueco está en busca y captura. La tensión puede cortarse con un cuchillo en este vídeo que se desarrolla con una inquietante tranquilidad y que termina en una carnicería.
‘Metallic Intuition’ destaca por su producción líquida y oscura, desarrollándose hacia un climax ultra sutil. En la letra, Yung Lean se jacta de su futuro “sin techo” y rapea sobre solucionar la vida a su familia gracias a su éxito. También hay hueco en la letra para menciones a Elvis Presley, ‘Las uvas de la ira’ y la mejor frase es entre lapidaria e irónica: “me importa una mierda, Narnia me ha hecho sabio”.
Arenal Sound se marca un “Raphael en Sonorama” o un “Los Del Río en SanSan Festival” más fuerte todavía con la confirmación de su primer cabeza de cartel para 2018, Bad Bunny, uno de los mayores exponentes del trap latino actualmente en el mundo gracias a canciones como ‘Sensualidad’, ‘Krippy Kush’ y actualmente a su colaboración con Becky G en la exitosa ‘Mayores’. Arenal Sound se celebra en Burriana del 31 de julio al 5 de agosto.
La nota de prensa de Arenal Sound recuerda los éxitos del puertorriqueño, uno de los cuales, ‘Sensualidad’ con Prince Royce y J Balvin, es ahora mismo la canción número uno en España. La segunda es ‘Mayores’, la colaboración de Bad Bunny con Becky G, que ya ha sido número uno y saluda actualmente desde el top 3. También ‘Tú no metes cabra’ y ‘Soy peor’ aparecen por el top 100. Además, se rumorea que Bad Bunny hará con Maluma la próxima canción del Mundial. “El joven puertorriqueño no para de ascender y de cosechar éxitos y el próximo verano será uno de los shows más esperados de la novena edición de Arenal Sound”, comenta el festival.
Bad Bunny, presente también en ‘Si tu novio te deja sola’ de J Balvin, de la que os hablábamos en su momento con motivo de su curiosa letra, acaba de publicar un remix de su éxito ‘Krippy Kush’ con Farruko, 21 Savage (presente en ‘rockstar’), Rvssian y Nicki Minaj, quien en su parte rapea en español sobre su “pelo rosa” y su “culo gordo”.
Rosalía nos adelantaba hace unas semanas que antes de que acabara el año estrenaría un single nuevo no incluido en su disco ‘Los Ángeles’. Esa canción ha resultado ser una escalofriante interpretación de ‘Aunque es de noche’ de Enrique Morente, que desde hoy cuenta con su propio videoclip.
El sencillo vídeo, en el que la figura de Rosalía como cantaora va emergiendo, ha sido dirigido por Ignasi Monreal y producido por Pink Salt & Collateral Films. El concepto es “utilizar la noche como metáfora de lo desconocido y pretende ser una celebración de la muerte como parte de la vida”. Las superposiciones cromáticas del final no hacen sino acentuar el desenlace, dibujando por ejemplo lágrimas en el rostro de Rosalía.
Cabe preguntarse por qué esta canción impresiona tantísimo desde la primera escucha. Y es que además de que Rosalía suena en su mejor momento en su interpretación, la original de Enrique Morente, que abría el disco ‘Cruz y luna’, de 1983, planteada en plan «tango», ya era alucinante. Rosalía la ha reducido a lo mínimo, quitándole algo de ritmo en principio, pero recalcando los momentos más pasionales de la letra en la búsqueda de un clímax que no existía. Claramente una de las mejores canciones del momento y del año.
Guille Milkyway es profesor de cultura musical en la nueva edición de Operación Triunfo, por lo que por la imaginación de todo el mundo en algún momento ha pasado la posibilidad de que La Casa Azul presente un nuevo tema en el programa, al modo de los «coaches» de The Voice. De momento no va a pasar pero lo que sí se sabe es que ‘La revolución sexual’, el gran hit de su proyecto, será la canción grupal en próximo lunes en OT.
Los ensayos de la canción ya han sido subidos a Youtube, no exentos de polémica (algunos comentarios preguntan de dónde ha salido esta canción -que lleva 4 millones de reproducciones en Spotify-, e incluso cuestionan su calidad; también hay quien no entiende la negativa de Milkyway a interpretar con ellos la canción) ni anécdotas (alguien tiene que indicarle a Guille que se suba la bragueta). Pero lo seguro es que la interpretación será toda una curiosidad de nuestro prime-time. ¿Alguien recuerda alguna canción editada por Elefant sonando en vivo y en directo en el prime-time de una cadena mayoritaria desde… que Guille Milkyway fue candidato a Eurovisión justo con esta canción?
Al término de 1 hora de ensayos y vídeos, podéis ver cómo quedará la canción previsiblemente el lunes (al final del vídeo). La decisión de bajarla un tono y de separar chicos y chicas en una voz ultra aguda, solo puede recordarnos a la mojigata ‘Amo a Laura’ del falso grupo Los Happiness, un anuncio-viral para MTV creado hace una década por Guille Milkyway.