Neil Young vuelve a clamar por el medio ambiente en la épica ‘Children of Destiny’

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3 julio, 2017

La banda grancanaria The Birkins ha venido desde principios de esta década desarrollando una carrera orientada a un pop rock de corte aparentemente clásico, que aderezaban con cierto afán experimentador y un inédito gusto por la chanson. Tras tres álbumes (en su debut contaron con la presencia de nada menos que Dayna Kurtz), el próximo otoño se disponen a publicar su cuarto disco de estudio y parecen decididos a no pasar desapercibidos con él. Para empezar, al menos en su single, abandonan el inglés y el francés habituales en sus canciones para cantar en su lengua materna. Y no es el único giro que dan en él.

‘Chantal (o cómo dar de lado a una canción)’ tiene desde el primer instante un ambiente muy particular, que respira la oscuridad del primer Nick Cave pero que en su estribillo roza con la punta de los dedos una melodía memorable que podría haber cantado David Bowie… o Camilo Sesto. Paco Loco dispone, hábilmente, una producción con una pátina de baja fidelidad que la hace sonar como si estuviéramos ante una grabación perdida de un grupo maldito de los 80, para coronar este gran single.

Birkins (nótese cómo han pasado a prescindir del “The” en su nombre) explican, además, que hay en ella un curioso y romántico trasfondo metamusical: “es la historia de una canción con nombre y voz de mujer que decide salir del olvido al que estaba relegada y reclamar su valía a su autor”. Cristina Santana pone pues voz a Chantal, que habla a Daniel Machín, su autor. Un llamativo regreso que nos pone en alerta sobre lo que no espera en ese nuevo disco de Birkins.

Para Acid Arab el «Álbum Blanco» de The Beatles tiene una secuencia desastrosa

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3 julio, 2017

6

Hace unas semanas hablábamos del dúo francés Acid Arab, dos músicos y productores tan fascinados con la música del norte de África, Oriente Medio y Asia como con la electrónica, realizan en sus canciones un acercamiento de ambos mundos, haciendo bailar a las nuevas generaciones con melodías del folclore magrebí, etíope o iraquí.

Con motivo de su visita al ciclo Caprichos de Apolo en la Sala Apolo de Barcelona, el próximo lunes día 3 de julio, hemos sometido a Guido Minisky y Hervé Carvalho a nuestro Tipo Test para conocer bien sus orígenes, influencias y fetiches musicales que les definen.

1.-¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Hemos estado obsesionado con unas cuantas canciones del último disco de Yasmine Hamdan, y al final hemos hecho un remix de una de ellas. :)

2.- ¿Cuál es la primera versión de otro artista que tocásteis?
‘Tanki tanki’ by Rene Bandaly & Bandaly Family.

3.- ¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘Wadana’ de Ragheb Alama, en la BSO de ‘El marido de la peluquera’.

4.- ¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Happy Birthday’.

5.- ¿Qué canción odias con toda tu alma?
El odio es un desconocido para nosotros.

6.- Actuación vocal que adores.
El Cocinero Sueco. [Ndr: un personaje de Los Muppets]

7.- Momento musical exacto de una canción que adores.
El momento en el que te das cuenta de que Led Zeppelin se habían inspirado en la música marroquí en ‘Friends’.

8.- ¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure»?
La vergüenza es un desconocido para nosotros.

9.-¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
‘Lovesexy’ de Prince en CD.

10.-¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
‘The Beatles’ de The Beatles.

11.-¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Composición, interpretación, producción.

12.-¿De qué canción de tu propio repertorio te enorgulleces más o crees que está más infravalorada?
De la próxima.

13.-¿Qué canción vuestra te imaginas cantando a otro artista? ¿A quién?
‘La Hafla’ por Elvis Presley.

Fleet Foxes y Rosalía sobresalen claramente frente al resto

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2 julio, 2017

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Se antojaba pequeño el escenario El Vaixell para el predicamento que viene acumulando Rosalía y, efectivamente, diría que fue el concierto más multitudinario que yo recuerdo en este escenario. Un arma de doble filo, porque se echó un poco de menos el silencio que requerían los momentos más sutiles. En cualquier caso, Rosalía mostró igualmente que sigue inspiradísima, fantásticamente asistida por un Refree con el que es evidente que se entiende de vicio, logrando poner los vellos de punta como los grandes cantaores. Aunque se salió del guión al inicio –con una versión del célebre tango ‘Aunque es de noche’ de Enrique Morente– y final –con la emocionante bulería de Manuel Molina ‘Que nadie vaya a llorar–, el dúo no se anduvo con experimentos y centró su repertorio en el fantástico ‘Los Ángeles’, para gozo de un público entregadísimo que tantas ganas tenía de aplaudirla que llegó a joder el clímax al aplaudir antes de tiempo el final de ‘Catalina’. Los mejores momentos, en cambio, llegaron justo después cuando, quizá encorajinada, agarró un buen hilo que la llevó a hacer auténtica magia con ‘Día 14 de abril’, ‘De plata’ y ‘La hija de Juan Simón’.

En contra de lo que pudiera parecer, el barcelonés Pau Vallvé goza de un enorme predicamento y fue capaz de llenar de manera notable el ámbito de La Cova de un público que cantaba sus letras de memoria. ~~Pese~~ gracias a su autogestión, el arduo trabajo de tocar incansablemente da esos frutos. También se percibe su bagaje sobre las tablas, interpretando con una intensidad arrebatadora junto a una banda rocosa canciones (principalmente del reciente ‘Abisme cavall primavera i tornar’, con algún guiño a ‘Pels dies bons’). ’Porquè collons has trigat tant?’, ‘Que vingui l’hivern’, ‘Nem fent i andavant’ (confeso homenaje a Pink Floyd) o ‘Diguem blat!’ sonaron imponentes, no lejanos en directo de la complejidad y fuerza de los Radiohead de los 90 o unos Grandaddy, clamando por escenarios y audiencias más amplios.

Confieso tener dudas de que la de una propuesta como la de Fleet Foxes lograra, como principal atractivo de la jornada del sábado, empatizar con esa parte del público del festival que no busca delicatessen sino solo pasárselo bien. Para mi sorpresa, el grupo de Robin Pecknold lo logró con creces. Incluso a pesar de que no lo parecía en su arranque, con un sonido demasiado enmarañado en el que las presupuestas sutilezas de su art-folk quedaron totalmente deslucidas y que, para más inri, se centró en presentar ‘Crack-Up’ (‘-Naiads, Cassadies’ y ‘Fool’s Errand’ apuntan a futuros momentos álgidos). Sin embargo, cuando recordaron sus inicios enlazando ‘Ragged Wood’ y ‘Your Protector’), se produjo el gran giro con el que, ya más afinados, consiguieron hacer que el público entrara de lleno en el mundo de montañas nevadas y coloridos collages que planteaban sus sencillos visuales. A partir de ahí, el ayer sexteto confirmó que su folk delicado, emotivo y vibrante no está reñido con la diversión de un grupo de estadio, situándose en un singular punto intermedio. ‘Mykonos’, ‘White Winter Hymnal’, ‘The Shrine’, ‘Blue Ridge Mountains’ o ‘Helplessness Blues’ se mostraron como himnos capaces de hacer saltar, cantar y hasta bailar emocionado al público, como si estuviesen viendo a un Bruce Springsteen o unos Bon Jovi, por decir algo. Un triunfo insospechado pero muy merecido.

Tras el bonito baño de masas de Fleet Foxes, Warpaint se esforzaron por ofrecer un concierto festivo y divertido. Dicharacheras y bailonas, Jenny Lee, Theresa y Emily se movían por el escenario y trataban de animar al personal. El problema es que canciones como ‘Heads Up’, ‘Undertow’ o ‘So Good’, a medio camino de Siouxsie and The Banshees y la corte DFA, son demasiado oscuras y por momentos asfixiantes (especialmente intensa resultó ‘The Stall’) como para bailarlas como si cualquier cosa, por más que ellas insistieran con actitud incómodamente juguetona. Como alguien que asiente con la cabeza mientras su boca emite un “no”. Al final, cuando rematan la faena, ahora sí con todo el público entregado y bailando al son de ‘Love Is To Die’ y, sobre todo, la simple pero enorme ‘New Song’, uno cae en la cuenta: si lo que quieren es que bailemos, que escriban/toquen más canciones así.

No podemos negar que el del grupo australiano Jagwar Ma era un nombre que, a priori, no parecía a la altura de cerrar el escenario principal del festival. Sin una discografía particularmente sólida ni éxitos ampliamente reconocidos más allá de ‘Come Save Me’, parecía una apuesta de riesgo. Sin embargo, el trío, tras obsequiarnos con una sesión de “silent-disco” forzosa (solo había sonido de monitores, pero no al exterior) de más de 10 minutos, demostró que domina unos cuantos trucos aprendidos del house-rock post-Madchester, aderezados con toques jamaicanos y eurobeat, para poner manos arriba a todo el que por allí se acercó. Poca sutileza pero enorme eficacia en la que el esforzado (aunque algo limitado) vocalista Gabriel Winterfield se convirtió en un notable maestro de ceremonias que iba deslizando las certeras melodías de ‘Uncertainty’, ‘Give Me A Reason’, ‘Man I Need’ o ‘O B 1’ entre la tormenta de bases noventeras y guitarras de Jono Ma y Jack Freeman. Un buen número festivalero, sin duda, aunque quizá falto de empaque para estar en lo más alto de la noche.

Fotografía de Fleet Foxes por Mika Kirsi y de Rosalía por Christian Bertrand, ambas cedidas por Vida Festival.

Bonjour, les copains! (6): Angus & Julia Stone, Courtney Barnett, Benjamin Schoos, Jane Weaver…

Por

Angèle Leciel

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2 julio, 2017

Hace seis meses, cuando empecé con esta sección, me dio por pensar en qué ocurriría si no encontraba suficientes canciones como para completar una playlist decente. Supongo que me invadió algún tipo de miedo escénico, miedo a no poder cumplir. Hoy puedo reírme muy (MUY) alto de mi yo de entonces porque no solo dispongo de canciones suficientes como para completar la sección sino que últimamente tengo incluso que andar quitando algunas para que esto pueda tener cierta coherencia. Lo importante es que disfruto mucho descubriendo cosas nuevas y contando aquí lo que me emociona mes a mes.

Y entre las novedades, Los Lagos de Hinault, el proyecto de Carlos Yndurain, vuelve con nuevo trabajo. ‘Escenas de caza’ se edita en vinilo de 12’’ con un diseño impecable. Andrea Gasca es la compañera de aventuras en este tercer largo ya que Matilde Tresca ha abandonado el dúo. Los graves de Carlos casan a la perfección con la voz de Andrea, que ya participó a los teclados en su anterior largo, ‘Flores de Europa’, y ahora asume el peso de ser componente principal de la dupla. ‘Escenas de caza’ arranca con ‘De novios’, tema que abre camino a un disco por el que ya siento una clara y aguda predilección con respecto a los anteriores trabajos de Los Lagos de Hinault. Presentarán ‘Escenas de Caza’ el 7 de julio en la sala Moby Dick de Madrid y el 8 en Hi Jauh USB! De Barcelona.

Otro dúo que estrena material es el compuesto por los hermanos Angus & Julia Stone. Los de Sidney presentarán este 2017 su cuarto álbum conjunto con gira europea incluida. Visitarán Madrid y Barcelona los días 23 y 24 de octubre respectivamente. ‘Snow’ es el single de adelanto del nuevo álbum homónimo que sigue la línea de los anteriores, pop melódico con voces quebradas aportando su punto justo de melancolía y ensoñación. Sin salir de Australia, estas semanas también he estado pendiente de Gabriella Cohen a colación de su actuación en el Vida Festival. Su tema ‘I Don’t Feel So Alive’, del que ya se habló a finales del pasado año tiene el cuerpo, gancho y salero de rock de antaño en la línea de Courtney Barnett (también australiana) que estrenaba single el pasado mayo. ‘How to Boil an Egg’ se presenta en formato single 7” para la serie Split Singles Club creada por los sellos Bedroom Suck y Milk! Records.

Y de Australia a Nueva Zelanda en un pispás. No, no he podido resistir la tentación de zambullirme en ‘Party’, el segundo álbum de la neozelandesa Aldous Harding, que en pocas semanas ha pasado a estar en boca de muchos. Creo que llegué a él con unas expectativas tan elevadas que terminó por decepcionarme ligeramente. Pero no puedo negar que tiene temas brillantes como es el caso de ‘Blend’, que se me ha enganchado hasta el tuétano y dudo mucho de que pueda soltarlo fácilmente.

Lo nuevo de los californianos Wavves, ‘You’re Welcome’, me lleva de algún modo al grunge y al noise punk de mis años de instituto. El álbum no está mal para un rato, aunque dista mucho de ser uno de mis discos de cabecera del año. Para esta lista me he quedado con ‘I Love You’ -inevitablemente- por sus coros, sus arreglos vintage y por los deliciosos armónicos de guitarra emergiendo entre sutiles elementos electrónicos y una contundente batería más propia del punk.

Benjamin Booker es el joven de Virginia que me tiene completamente hipnotizada con su nuevo disco ‘Witness’ (el segundo de estudio), en el que mezcla soul y rock garajero, aunque para esta playlist me haya quedado con el tema más pop del disco, ‘Motivation’. Lo recomiendo encarecidamente. Lo último de The Charlatans, ‘Different Days’, es una prueba más de que este grupo siempre seguirá vivo pase lo que pase. Su decimotercer trabajo, sin ser un disco que nos vaya a marcar para la posteridad, cumple una función que va mucho más allá del “dejarse oír”.

No voy a ponerme a disertar sobre el último álbum de alt-J, ‘Relaxer’, porque ya está todo muy explicadito aquí. Pero no puedo pasar por alto la emoción que siento cuando llega ‘Last Year’. Especialmente cuando, a mitad del tema, llega la voz de Marika Hackman y lo convierte en una nueva canción. En otras ocasiones me veríais renegando de un tema de más de 6 minutos, pero esto es una maravilla innegable. Casi tanto como Cigarettes After Sex, que nos deleitan estos días con su álbum homónimo, donde trabajan el dreampop y el slow core dejándonos temazos como ‘Truly’ o ‘Sweet’.

Si nos preguntaran qué podría salir de unir los conceptos Rolling Stones, rumba y Carla Bruni es posible que pusiéramos cara de incredulidad o sorpresa cuando menos. Pues así es el segundo single presentado por Bruni como adelanto del álbum de versiones de clásicos del pop y el rock, ‘French Touch’. A ritmo de rumba, con guitarra española y cajón flamenco, Carla Bruni hace suyo ‘Miss You’, el hit compuesto por Jagger en 1978. Aunque el tema está cantado en el inglés de la original, Bruni nos deja unos muy oportunos “tu me manques, tu me manques”. Echo de menos un disco de temas propios y por el momento parece que no queda otra que contentarnos con estas rarezas.

La francesa Camille acaba de publicar su último disco de estudio, ‘Ouï’, del que ya os hablábamos aquí y se la etiquetaba como “la Björk francesa”. Mi conocimiento de la islandesa es tan profundo como un charco en el desierto, así que no puedo opinar demasiado al respecto. Pero sí puedo decir que, con este disco, Camille abandona su temas de estilo chanson y nos presenta un pop experimental que cuenta tanto con elementos de música tradicional como con sintetizadores y cajas de ritmos. ‘Je ne mâche pas mes mots’ (cuya traducción es “sin pelos en la lengua”) cuenta con todos estos componentes que lo convierten en uno de los temas más redondos del álbum.

Benjamin Schoos, el productor belga también conocido por su pseudónimo Miam Monster Miam, publicó el pasado marzo el recopilatorio ‘Profession Chanteur’ que recoge los temas más destacados de la discografía publicada con su nombre real. Una de las piezas con más encanto es ‘Sophie’, aunque a los curiosos les recomiendo una escucha al dúo con April March (‘J’ai essayé de t’aimer’) o con Lætitia Sadier (‘Je ne vois que vous’). Y con Sadier saltamos al siguiente tema, ya que Elephant Records acaba de lanzar el EP resultante de la colaboración del grupo brasileño Mombojó y la francesa, que han bautizado a su proyecto con el nombre de Modern Cosmology. Aquí he incluido ‘Power of Touch’, una melancólica pieza con aires de bossa nova vintage pero tenemos vídeo de ‘C’est Le Vent’, un viaje psicodélico y onírico” como dicen desde el propio sello. Y para seguir con las conexiones, la británica Jane Weaver ha publicado el pasado mes su nuevo álbum llamado precisamente ‘Modern Kosmology’ (esta con k). ‘Slow Motion’ fue el single de presentación.

Para acabar, “casémonos”. ‘Let’s Get Married’ es el mensaje que nos dejan Bleachers en uno de los temas de su último disco ‘Gone Now’. Aunque no es ninguno de los singles elegidos hasta la fecha para representar al álbum, la canción es tan pegadiza y bailable que no he podido resistirme a incluirla aquí. Los neoyorquinos estrenan su tercer álbum y parecen haber tenido muy buen acogida en los circuitos alternativos de su país. Aunque visitaron España hace un par de años, de momento no se conocen fechas de próximas actuaciones.

‘De novios’ – Los Lagos de Hinault
‘Snow’ – Angus & Julia Stone
‘Blend’ – Aldous Harding
‘I Don’t Feel So Alive’ – Gabriella Cohen
‘How to Boil an Egg’ – Courtney Barnett
‘I Love You’ – Wavves
‘Motivation’ – Benjamin Booker
‘Solution’ – The Charlatans
‘Last Year’ – Alt-J
‘Sweet’ – Cigarettes After Sex
‘I Miss You’ – Carla Bruni
‘Je ne mâche pas me mots’ – Camille
‘Sophie’ – Benjamin Schoos
‘Power of Touch’ – Laetitia Sadier
‘Slow Motion’ – Jane Weaver
‘Let’s Get Married’ – Bleachers

Royal Blood / How Did We Get So Dark?

Por

Sergio del Amo

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2 julio, 2017

5

Nadie, incluso ni ellos mismos, podía imaginarse hace tres años que un dúo sin guitarra acabaría conquistando no sólo las listas de ventas británicas con su debut homónimo, sino al público gracias a unas presentaciones en vivo sobradas de testosterona y vigorexia desmedida. Royal Blood por entonces no inventaron nada de nada (más allá del hecho de emplear un bajo que sí suena como una ruidosa guitarra eléctrica, su sonido está plagado de referencias que ni mucho menos les hace desmerecer lo que han conseguido), y ahora con su segundo álbum tampoco. Cayeron en gracia, supieron aprovechar al máximo la oportunidad y en estos momentos vuelven al ruedo siguiendo el patrón exacto. Aunque eso sí, en ‘How Did We Get So Dark?’ se ve de forma descarada que Mike Kerr y Ben Thatcher disparan hacia el rock de estadios y hacia una parcela de audiencia más heterogénea que la de su primer largo sin necesidad de dulcificarse más de lo debido para evitar que les tachen de vendidos.

Sin ir más lejos, en ‘She’s Creeping’ el falsete y el bajo de Kerr tienen un ramalazo glam incontestable, al escuchar ‘Look Like You Know’ perfectamente te puede venir a la cabeza Franz Ferdinand o cualquier otra banda británica de principios de los dos miles, y en ‘Don’t Tell’ los Muse menos incendiarios de los últimos años se asoman para dejar claro que Royal Blood pueden rebajar la agresividad y, aun con esas, seguir siendo efectivos. La producción, a cargo del propio dúo junto a la ayuda de Jolyon Thomas (Daughter, Slaves) y Tom Dalgety (Pixies, Ghost, Band of Skulls), equilibra este aspecto.

Una de las cosas buenas de este disco es que se hace cortísimo (apenas diez temas en treinta y cinco minutos) y el dúo sigue firmando canciones brevísimas que, como en el caso de ‘Where Are You Now?’, pide a gritos un minuto más extra para gozarla en condiciones. El cierre, ‘Sleep’, es la única del lote que supera los cuatro minutos, por lo que quizás de cara a una futura entrega se replanteen que esa duración sería la perfecta para que sus canciones puedan desarrollarse adecuadamente sin dar la sensación de coitus interruptus.

No obstante, a pesar de esa producción un poco más light de la que antes hemos hablado, Royal Blood siguen firmando piezas que harán las delicias de los que se quedaron prendados de su debut. Ahí está el tema titular que abre, esa ‘Lights Out’ que sigue el ADN de Queens of the Stone Age, ‘I Only Lie When I Love You’ (mi favorita desde la primera escucha por la sensualidad y la chulería que desprende Kerr ante el micro) o la bravía ‘Hook, Line & Sinker’. Está por ver si consiguen repetir esta vez el éxito de hace tres años con un disco del todo continuista en donde las sorpresas superlativas brillan por su ausencia. Pero como ya nos ocurrió tiempo atrás, en directo todo apunta a que no van a defraudar a nadie.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘I Only Lie When I Love You’, ‘Lights Out’, ‘Where Are You Now?’
Te gustará si te gustan: Los Royal Blood del primer disco, claro está, y las bandas de las que han mamado los de Brighton desde el principio: Muse, The White Stripes o Queens of the Stone Age
Escúchalo: Spotify

Detenido Billy McFarland de Fyre Festival

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1 julio, 2017

El fiasco del año se llama Fyre Festival. El festival, que iba a celebrarse este año en Las Bahamas por el médico precio de 1.500 dólares por entrada (también había pases por 4.000 dólares y 12.000 dólares), tenía que suspenderse in extremis dejando unas imágenes de caos en el recinto y en el aeropuerto de las islas que miles de asistentes difícilmente borrarán de su retina.

Meses después de su cancelación, y de que, de manera chanante, la organización prometiera volver el año que viene, el co-fundador Billy McFarland ha sido detenido en Nueva York por «fraude». En concreto, se le acusa de haber falsificado documentos para que los inversores pusieran 1 millón de dólares tanto en la compañía Fyre Media como en Fyre Festival. NME recalca que el rapero Ja Rule, co-fundador, no ha sido arrestado.

En su momento se aseguró que o bien se devolvería el dinero a la gente o se ofrecería una entrada VIP a quien conservara el abono para el Fyre Festival de 2018, “que tendría lugar en un sitio con playa de Estados Unidos”. ¿Queda algún tipo de ganas? De momento su Facebook luce así: «¡quedan 17 días!», en un mensaje firmado el 12 de abril.

Fyre Festival fue objeto de una de las tiras cómicas de nuestros colaboradores Oli + Glu. Podéis recordarla aquí.

Adele cancela los 2 conciertos finales de la gira ’25’

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1 julio, 2017

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Tras concluir la gira mundial de presentación del exitosísimo ’25’ hace unos meses, Adele tenía una pequeña residencia de cuatro fechas en el Wembley Stadium de Londres. Ha dado dos de esos conciertos esta semana, pero no podrá hacer los dos conciertos finales, pues ha vuelto a dañarse las cuerdas vocales, como durante la gira anterior.

“No sé ni como empezar”, arranca el comunicado que ha colgado en Twitter, indicando que durante dos noches ha peleado con sus cuerdas vocales para poder actuar, añadiendo que ya no puede hacerlo más. Adele cuenta que especialmente durante el último concierto tenía que aclarar constantemente la garganta, y que al visitar a su médico, este le ha indicado que no puede actuar este fin de semana. “Decir que estoy desolada es poco”, cuenta antes de decir que está tan “desesperada” por hacer los conciertos que ha considerado hasta hacer playback solo para estar con la gente. “Pero nunca lo he hecho ni puedo haceros eso, ni en un millón de años”.

Adele asegura que es consciente de que parece que su carrera condujera a estos dos conciertos. “¿Quién coño cancela conciertos en el Estadio de Wembley?”, y concluye que si los shows no pueden reubicarse, el dinero será devuelto. “Por favor, perdonadme” son sus últimas palabras.

pic.twitter.com/nMB7xcK7BD

— Adele (@Adele) June 30, 2017

El «mejor concierto» de La Casa Azul eclipsa incluso al circo rock de The Flaming Lips

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1 julio, 2017

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Tras la notable jornada del jueves, el viernes en la Masia D’en Cabanyes se presentaba más ajetreada, ya con todos los escenarios a pleno rendimiento. Más oferta y, también, más dificultad para abarcarlo todo. Estas son nuestras impresiones de los conciertos de Dr. Dog, Devendra Banhart, Real Estate, The Flaming Lips y La Casa Azul.

Para comenzar la jornada comprobamos, en forma de insoportable murmullo, lo complicado que resultó para Lidia Damunt contener las conversaciones ajenas durante su actuación en el siempre coqueto escenario El Vaixell. Sus enérgicas interpretaciones, con patada de cascabel y rasgueo inmisericorde de guitarra, parecían al contrario invitar a la charla. Pues nada. Tras la siempre necesaria ‘La caja’, se ayudó de un coro medio improvisado con Hugo Sierra –de Sierra, que colaboró en la grabación de ‘Telepatía’–, su pareja y la diseñadora de su web para dar mayor empaque a ‘Bolleras como tú’, erigida ya en su gran himno. El Orgullo no solo se celebraba en Madrid.

Probablemente Dr. Dog pasen a la historia por ser unos eternos secundarios del rock. Tras década y media de carrera, la mitad de ella en un sello tan potente como Anti-, parece improbable que algún día pasen a primera línea. Poseen composiciones bonitas y emocionantes, quizá demasiado deudoras de sus referentes (Grateful Dead, Eagles… pasados por un tamiz indierock), que parecen merecer más repercusión de la que tienen. Ellos, sin embargo, aparentan ser unos tipos demasiado normales para competir con el carisma de un Jim James y sus My Morning Jacket, Andrew Bird o M.Ward. Ellos, con la modestia por bandera, se limitan a elegir una buena selección de canciones de sus 9 álbumes y a interpretarlas con una pasión y energía contagiosas (especialmente intensas en ‘The Rabbit, The Bat and The Reindeer’ , ‘Broken Heart’ o la pseudo-‘Graceland’ ‘Survive’, del reciente ‘Abandoned Mansion’). Incluso lograron emocionar con dos medios tiempos tan rematadamente bonitas como ‘Nellie’ y ‘Jim Song’, antes de encarar la recta final que, como es habitual, remataron con su versión de Architecture in Helsinki. Un buen concierto, de los que obligan a repasar y redescubrir discografías.

Es obvio que Devendra Banhart se siente especialmente cómodo en nuestro país y que poder interaccionar en su lengua materna con el público le pone juguetón. Quizá demasiado. Su set anoche en el escenario Estrella Damm fue claramente de menos a más, tras unos comienzos hiératicos en los que parecía estar engrasando a su banda, encontrando su lugar en escena. Tan pronto se centró en la música y acometió temas como ‘Long Haired Child’, ‘Fancy Man’, ‘Foolin´’ o ‘Fig In Leather’ con convicción, el público comenzó a despertar y conectar. Y así, entre efluvios jamaicanos y funk, su versión en castellano de ‘Sound + Vision’ de David Bowie enlazada con ‘Carmensita’ (rematada con un espectacular duelo de guitarras entre Banhart y Huw Evans –de White Fence, H. Hawkline–) desataron un delirio que llevó incluso a la gente a tirar su ropa interior al escenario (cosa que Banhart agradeció guardándosela, “porque ya no le quedaba nada limpio”).

Si Dr. Dog nos habían parecido ya la antítesis de unas rock-stars, lo de Real Estate alcanza nuevas cotas en la estética normcore. Tipos normales con guitarras tocando canciones bonitas, y ya. El grupo de Nueva Jersey comenzó, sorprendentemente, con algo de torpeza, especialmente decepcionantes en el plano vocal que deslució el trabajo maravilloso en las guitarras (en ‘Had To Hear’ fue particularmente decepcionante). Comparado, por ejemplo, con el reciente concierto de Teenage Fanclub –una referencia inevitable para ellos– en Primavera Sound, les hizo quedar en evidencia. El transcurrir de las canciones, por suerte, pareció ir asentándoles sobre las tablas y se entonaron, especialmente Martin Courtney y Julian Lynch, que brillaron entrelazando sus doce cuerdas de forma mágica, propiciando momentazos de absoluto candor jangle-pop como los finales de ‘Two Arrows’ y ‘Saturday’, ‘Horizon’ o la inconmensurbale ‘Darling’. Fue un concierto de emociones encontradas, ejemplificado en su final: tras la fría ‘Diamond Eyes’ cantada por Alex Bleeker, ‘It’s Real’ fue un hito de esta jornada festivalera, con su final ruidoso que desembocó en una ‘Crime’ que ya habían tocado al inicio (dedicada a Steve Drozd de Flaming Lips). Por cierto, aunque hayan encadenado tres discos fantásticos, no entiendo que se permitan renunciar a tocar una canción descomunal como ‘Talking Backwards’.

“Sin todo el circo, este grupo sería un coñazo”, escuché decir más de dos veces durante el concierto de The Flaming Lips. Puede que sí, ciertamente. Estas opiniones, más que respetables –admitamos que los últimos tres discos de los de Oklahoma requieren empeño y sus destellos son esquivos–, olvidan algo. Es cierto que el directo de la banda comandada por Wayne Coyne se apoya excesivamente en la escenografía y recursos teatrales accesorios, pero si es tan sencillo, ¿por qué nadie más lo hace? ¿Y qué hay de malo en ofrecer al espectador una experiencia en directo diferente, que le mantenga atento a lo que pasa en el escenario tanto o más que a lo que suena? No se puede negar, además, que los Flaming no pusieran toda la carne en el asador: arrrancaron por todo lo alto, con confetti, bolas de colores y ‘Race for the Prize’, nada menos, seguida de ‘Yoshimi Battles The Pink Robots Pt 1’ –esta vez con un gigantesco texto fabricado en globos plateados en el que se leía “FUCK YEAH VIDA FEST” y los muñecos hinchables gigantes– y ‘There Should Be Unicorns’ (única concesión a ‘Oczy Mlody’, su nuevo disco, junto con ‘The Castle’), en la que Coyne salió a lomos de un unicornio de crines luminosas de unos tres metros de altura, ataviado con alas arcoiris. ¿Qué desastre, verdad?

Admitamos que toda esta imaginativa parafernalia freak –una nueva en casi cada tema: el gongo luminoso que hace estallar la pantalla posterior, las proyecciones psicodélicas, bola de espejo gigante, ojos y labios hinchables, etc.– ralentiza los tiempos entre canción y canción. Tiempos que Coyne emplea en dar las gracias insistentemente y, de manera irritante, pedir aún más insistentemente gritos y jaleo del público, que no siempre estaba por la labor. Pero es un peaje admisible a cambio de escuchar a una banda de sonido verdaderamente espectacular –del que te levanta el flequillo con los graves (en ‘The W.A.N.D.’, por ejemplo)–, ver a un frontman excesivo pero muy divertido (que parecía estar algo justito de voz). La catarsis llegó en forma de versión de ‘Space Oddity’ interpretada desde el interior de la ya habitual bola de plástico transparente sostenida en medio de la masa de público, antes de enfilar una recta final que culminó con la imprescindible ‘She Don’t Use Jelly’ y una ‘Do You Realize??’, si acaso más emocionante –¿fue cosa mía o se percibió la congoja de Coyne al cantarla?– de lo habitual al ir dedicada a un miembro de su equipo durante más de 20 años que les había dejado recientemente.

Era evidente que había ganas, muchas ganas de volver a ver un directo de La Casa Azul, incluso aunque siga debiéndonos un disco. Lo cierto es que no cabe acusarle, ya en serio, de que no ofrezca nada nuevo, puesto que Guille presenta su repertorio clásico rehecho y adaptado al formato de banda de pop rock más o menos tópica, aunque manteniendo un cuidado aspecto audiovisual inédito por estos lares. Así, ‘Chicle Cosmos’, ‘Sucumbir’, ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’, ‘Siempre brilla el sol’, ‘Hoy me has dicho hola por primera vez’, ‘Cerca de Shibuya’, ‘Que se siente al ser tan joven’ (con un simpático guiño a ‘Enola gay’) o ‘Superguay’ suenan incluso más efervescentes que la primera vez, gracias a una nueva pátina power pop. Porque Guille toca casi la mitad del set con guitarra eléctrica, ojo. Además, pese a los numerosos cambios de instrumento y entradas y salidas de los miembros del grupo, el concierto fue dinámico incluso cuando ralentizaron ‘El momento más feliz’ o llegó la siempre emotiva ‘Como un fan’ solo al piano. Tras presentar una nueva canción, que parece que se llamará como su próximo disco, ‘La gran esfera’, y que remite a Los Planetas, Beach Boys y ABBA en sus tres minutos y pico, el cuarteto acometió el éxtasis colectivo inducido por ‘La revolución sexual’. Guille, visiblemente emocionado, aseguró al final que aquel había sido posiblemente el mejor concierto en la historia de La Casa Azul. No seré yo quién lo niegue. Tras tamaña entrega, y pese a lo tentador que parecía la fantástica selección afro funk de John Talabot como DJ, el cuerpo no acompañaba y hubimos de dejarlo pasar para otra ocasión.

Foto de The Flaming Lips tomada del sitio de Vida Festival en Facebook.

Kendall y Kylie Jenner retiran sus polémicas camisetas tras las críticas y un «cease and desist»

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30 junio, 2017

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Kendall y Kylie Jenner anunciaban ayer que cobraban 125 dólares por unas camisetas en las que sus logo y caretos aparecían por encima de imágenes muy identificativas de Tupac Shakur, Notorius B.I.G., Pink Floyd o The Doors. El que fuera mánager de estos últimos y responsable de la herencia de Jim Morrison, Jeff Jampol, ha mandado el primer «cease and desist» (un aviso legal para abstenerse de utilizar algo para lo que no se tiene derecho) a las hermanas para que se abstengan de usar la imagen de The Doors. También Sharon Osbourne se ha quejado del uso desautorizado de la imagen de Ozzy Osbourne.

Las palabras de Jeff Jampol han sido tan contundentes como las de esos seguidores escribiendo en las redes sociales que estos artistas no han construido obras maestras o muerto para que estas personas planten su jeta por encima. «Este es el típico caso de gente que se fabrica a sí misma como celebridad, que es famosa por ser conocida, pero que de hecho no hace nada sino usar, robar y capitalizar el legado de otros que de hecho sí han hecho algo y han creado un arte increíble y nos han dejado su mensaje». Continúa en declaraciones para Rolling Stone: «Son el polo opuesto de los artistas que están pisoteando».

Ha sido Kendall quien a través de Twitter ha compartido una disculpa y el anuncio de que las camisetas desaparecen del mercado: “Estos diseños no fueron bien meditados y nos disculpamos profundamente con cualquier persona que se haya molestado, especialmente las familias de los artistas. Somos grandes fans de su música y no fue nuestra intención faltar el respeto a estos iconos culturales. Las camisetas han sido retiradas y todas las imágenes se han eliminado. Vamos a utilizar este malentendido como una oportunidad para aprender de estos errores y de nuevo lo sentimos mucho».

💜 pic.twitter.com/wfcNyNBgVe

— Kendall (@KendallJenner) 29 de junio de 2017

Jim Morrison did not die for this shit pic.twitter.com/FefcbtuFwj

— b (@riverofdelrey) June 28, 2017

El Editorial: ‘Masterchef 5’ en cinco errores

Por

Lolo Rodríguez

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30 junio, 2017

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El pasado miércoles, casi de tapadillo y fuera de su horario de emisión tradicional, finalizaba ‘Masterchef 5’. Jorge, el futbolista granadino, se hacía con el título tras cuatro horas de programa final. ¡Cuatro horas! Incluso los conciertos del World Pride 2017 en Madrid terminaron antes.

Esta edición no ha estado exenta de polémica, e incluso se despidió en su penúltima semana con un spoiler enorme que prácticamente revelaba, a poco que tuvieras un poco de ojo y hubieras seguido todos los capítulos, quién ganaba el programa a través de un plano final enormemente indiscreto.

En nuestro El Editorial de hoy en nuestro canal de YouTube (al que, por cierto, os podéis suscribir directamente desde aquí) repasamos los que nos parecen los cinco errores primordiales en los que los responsables de Masterchef han incurrido este año. Desde chistes cuñados hasta un excesivo metraje de las galas, que nos ha sorprendido a muchos dormidos en el sofá a las tres de la mañana de un domingo, pasando por un montaje enormemente torpe.

Unos errores que, aun así, no han sido capaces de cargarse los buenos resultados del programa al completo, que seguía acumulando una audiencia aceptable semana tras semana. Y que probablemente tampoco minarán la audiencia del próximo ‘Masterchef Celebrity 2’, cuyos participantes ya están anunciados.

Liam Gallagher suena y no suena a Oasis en su segundo single solo, ‘Chinatown’

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30 junio, 2017

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Después de sumarse un top 40 en las islas británicas con su primer single en solitario, ‘Wall of Glass‘, Liam Gallagher ha compartido otro de los temas incluidos en su debut previsto para el próximo mes de octubre, ‘As You Were’. Aunque en principio se desconocía si ‘Chinatown’ era un single promocional o un single de verdad, acaba de compartirse el teaser de un vídeo que nos hace inclinarnos por la última opción.

Aun así, el cambio de tercio respecto a ‘Wall of Glass’ es considerable. El tipo de arpegios en la guitarra acústica y el tipo de sintetizadores de fondo en algunos momentos no nos hacen pensar en los clásicos acústicos de Oasis -de ‘Wonderwall’ a ‘Don’t Go Away’-. Sin embargo, hay algo en la melodía que se aproxima bastante a la de ‘Champagne Supernova’.

Liam Gallagher ha colaborado en 4 temas del álbum con el compositor de superestrellas Greg Kurstin, a quien incluso Foo Fighters se han aproximado recientemente. El resto ha sido producido por Dan Grech-Marguerat (Radiohead, Mumford and Sons, Circa Waves). Os recordamos que Liam Gallagher presentará su nuevo álbum, junto a algunos hits de Oasis, en el FIB y posteriormente en Dcode.

1. ‘Wall Of Glass’
2. ‘Bold’
3. ‘Greedy Soul’
4. ‘Paper Crown’
5. ‘For What It’s Worth’
6. ‘When I’m In Need’
7. ‘You Better Run’
8. ‘I Get By’
9. ‘Chinatown’
10. ‘Come Back To Me’
11. ‘Universal Gleam’
12. ‘I’ve All I Need’

London Grammar, Vitalic con LBQ, SZA y The Drums entran en nuestra lista semanal

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30 junio, 2017

‘Perfect Places’ continúa siendo por segunda semana consecutiva la canción más votada por nuestros lectores, mientras la propia Lorde continúa en el puesto 2 con su single anterior, ‘Green Light’, que ya fue también número 1 en nuestra humilde lista semanal. Entre las subidas más destacadas, tenemos ‘Mala mujer’ de C. Tangana, ya situada en el número 4, o ‘Want You Back’ de Haim. Entran ‘Oh Woman Oh Man’ de London Grammar, Vitalic con su tema con La Bien Querida, SZA y The Drums. Nos despedimos de la colaboración de Grimes y Janelle Monáe, ya en la mitad baja de la tabla y con 20 semanas de permanencia. Podéis volver a votar por vuestras 20 canciones -que no artistas- favoritas aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	1	1	4	Perfect Places	Lorde	Vota
2	5	1	17	Green Light	Lorde	Vota
3	2	1	10	Lust for Life	Lana del Rey ft The Weeknd	Vota
4	11	4	5	Mala Mujer	C.Tangana	Vota
5	3	1	4	Everything Now	Arcade Fire	Vota
6	4	1	7	Malibu	Miley Cyrus	Vota
7	6	1	18	Love	Lana del Rey	Vota
8	36	8	8	Want You Back	Haim	Vota
9	12	2	16	Say Something Loving	The xx	Vota
10	8	8	5	Cut to the Feeling	Carly Rae Jepsen	Vota
11	10	1	33	On Hold	The xx	Vota
12	7	2	6	Sign of the Times	Harry Styles	Vota
13	13	5	10	Bon Appétit	Katy Perry	Vota
14	9	4	6	Bad Liar	Selena Gomez	Vota
15	15	2	20	Chained to the Rhythm	Katy Perry	Vota
16	17	3	31	Love on the Brain	Rihanna	Vota
17	22	1	10	The Cure	Lady Gaga	Vota
18	–	18	1	Oh Woman Oh Man	London Grammar	Vota
19	26	13	8	Right Now	Haim	Vota
20	19	7	19	Feel It Coming	The Weeknd	Vota
21	18	11	11	Barca quemada	Triángulo de Amor Bizarro	Vota
22	21	21	2	Apocalypse	Cigarettes After Sex	Vota
23	24	11	11	Baloncesto	La Prohibida	Vota
24	25	3	20	Venus Fly	Grimes ft Janelle Monáe	Vota
25	27	25	2	The Man	The Killers	Vota
26	33	22	5	De plata	Rosalía	Vota
27	–	27	1	Tú conmigo	Vitalic ft La Bien Querida	Vota
28	16	3	12	Notget	Björk	Vota
29	30	11	12	Humble	Kendrick Lamar	Vota
30	28	28	2	The Way You Used To	Queens of the Stone Age	Vota
31	40	16	10	Hard Times	Paramore	Vota
32	14	3	13	Ocean	Goldfrapp	Vota
33	23	9	17	¡Viva!	Los Punsetes	Vota
34	20	18	7	The System Only Dreams in Total Darkness	The National	Vota
35	29	8	13	Saturn	Sufjan Stevens, Bryce Dessner, Nico Muhly, James McAlister	Vota
36	32	12	15	3WW	alt-J	Vota
37	–	37	1	Drew Barrymore	SZA	Vota
38	–	38	1	Heart Basel	The Drums	Vota
39	34	28	4	Iluminados	Fangoria	Vota
40	31	31	2	Machine	The Horrors	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Alegrías y pesares	Rocío Márquez	Vota
–	7 días juntos	La Bien Querida	Vota
–	We Could Run	Beth Ditto	Vota
–	New York	St Vincent	Vota
–	Party in the Dark	Mogwai	Vota
–	I Dare You	The xx	Vota
–	El amado distraído	Algora	Vota
–	Something Here	Day Wave	Vota
–	Feels	Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean	Vota
–	Fool’s Errand	Fleet Foxes	Vota

Qué no debes perderte en Los Veranos de la Villa 2017

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30 junio, 2017

Los Veranos de la Villa incluirá 60 citas muy diferentes en el mundo de la cultura, todas ellas comprendidas entre hoy 30 de junio y el 3 de septiembre. Este año se suman escenarios, pasando de 36 a 60 los espacios en que se desarrollarán las actividades de esta edición. La primera representación será la de la ópera ‘Madame Butterfly’ en el Teatro Real, que se proyectará en directo en 21 espacios de la ciudad.

Además de incluir actividades relacionadas con la danza, las artes escénicas, plásticas y otras disciplinas, más del 80% de las actividades serán de acceso libre. Las de pago tendrán un precio máximo de 15 euros por entrada. En una presentación a la prensa de las actividades, la directora de Los Veranos de la Villa Maral Kekejian hablaba de «aprovechar la belleza de la ciudad» e incluso de «maridaje con lo espacial». Pese a que algunos artistas muestren interés por «actuar en Conde Duque», la idea es la «descentralización», llegar a todos los distritos de Madrid y «dar ideas al mercado» (que no consideran su competencia al organizar casi siempre actividades gratuitas) «para que el mercado las copie». Seleccionamos 10 de esas ideas a continuación. Más información, en la web oficial.

Homenaje a Camarón de la Isla

Este domingo 2 de julio se cumplen 25 años de la inesperada muerte de Camarón de la Isla, en 1992. Veranos de la Villa ha querido en esta edición rendir un especial homenaje al cantaor, de la mano de Jorge Pardo, saxofonista y flautista madrileño, con un concierto en el centro Conde Duque.

Durmiendo en un saco de dormir con Max Richter

Max Richter acude a Los Veranos de la Villa para presentar ‘Sleep: 8 horas de música mientras descansamos’. Se trata de la primera representación en España de este espectáculo del compositor e intérprete británico, en el que el público ha de estar acostado escuchando durante 8 horas «música contemporánea y minimalista, descubriendo el efecto de esta en el subconsciente». El show tendrá lugar en la Nave de Villaverde el sábado 8 de julio.

Carla Morrison

El 9 de julio será el día en que la premiada Carla Morrison actúe en el Auditorio al aire libre del Parque Forestal de Entrevías. La cantante mexicana también visita en julio Bilbao BBK Live, Santiago, Barcelona, Málaga y Cartagena.

Colaboración con Río Babel

Como parte de la programación de Río Babel (festival en el que actúan Estopa, Residente, Mala Rodríguez, Niño de Elche o Novedades Carminha), Veranos de la Villa acogerá un triple concierto: Siddharta, Porter y el Instituto Mexicano del Sonido. Será el jueves 13 de julio, dentro de la primera jornada del festival, que se celebra en el IFEMA.

Bonnie Prince Billy con Bitchin Bajas

El folk más experimental vendrá de mano del proyecto de colaboración de Bitchin Bajas & Bonnie “Prince” Billy, que aterrizan en Madrid el martes 18 de julio. Como informa la organización, Bitchin Bajas es el trío compuesto por Cooper Crain, Dan Quinlivan y Rob Frye, que producen un tipo de ambient cálido, instrumental, psicodélico y melódico que bebe del minimalismo electrónico de los 60 y 70, introduciendo instrumentos acústicos como flautas, saxos, xilófonos y pequeños instrumentos de viento.   Será en Quinta de Torre Arias.

Regreso de Santiago Auserón

Muy pocos días después y tras su actuación en las fiestas de San Isidro, Santiago Auserón repite concierto acompañado de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. Será el viernes 21 de julio, en el auditorio al aire libre Pilar García Peña, en el Parque Pinar del Rey de Hortaleza. Muy poco antes de que el artista actúe junto a Sexy Sadie en Sonorama.

Rosalía con el Coro Milagros

Rosalía, autora de uno de los discos del año, ‘Los Ángeles’, ofrecerá una actuación en el auditorio al aire libre del Parque de la Cuña Verde de O’Donnell, en Moratalaz, el domingo 23 de julio. Además, en esta ocasión estará acompañada del Coro Milagros, formado por alumnas de un colegio público del barrio de la Ventilla-Almenara, en Tetuán.

DJ’s en piscinas y música subacuática

Por segundo año consecutivo, Madrid Suena lleva a las piscinas sesiones en directo de DJ’s y artistas de varios estilos. Los sábados 29 de julio y 5 de agosto, en el Centro Deportivo de San Blas y Centro Deportivo Francos Rodríguez respectivamente, sonarán los ritmos más negros, electrónica y house. Además, el artista Damian Schwartz presentará su proyecto de música subacuática Ambphi, creado expresamente para esta ocasión.

Valgeir Sigurðsson

La ensoñadora música del compositor islandés Valgeir Sigurðsson llegará el martes 8 de agosto al auditorio del Parque Las Cruces de La Latina.

Christina Rosenvinge en un entorno especial

En lo que serán los últimos días de festival, Christina Rosenvinge actuará compartiendo sus últimos temas. A pesar de estar concentrada en la grabación de un nuevo álbum y según la organización, Rosenvinge ha accedido a tocar por tratarse de un entorno especial. Actuará el miércoles 30 de agosto en el Parque Quinta de Los Molinos.

Kings of Leon y Chance the Rapper instaron a MTV a borrar críticas negativas sobre ellos

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30 junio, 2017

Spin publica estos días un amplio reportaje sobre la deriva de MTV News, desde que la cadena apostara por los artículos de opinión con una serie de firmas hace un par de temporadas. El objetivo era ofrecer «mayor diversidad de géneros» pero también mostrar un espíritu crítico. Sin embargo, el proyecto se ha ido diluyendo y, si bien se recalca que en algunos casos ha servido de trampolín para algunas de esas firmas, nada queda de esa idea original debido a varios factores. Entre ellos, el cambio del mercado hacia el consumo de vídeo pero también la dificultad de MTV para equilibrar su contenido crítico y su dependencia de los artistas para el desarrollo de sus programas y por supuesto sus galas de premios anuales.

En concreto se mencionan dos artículos que se convirtieron en un quebradero de cabeza para MTV, pues contenían críticas para Kings of Leon y Chance the Rapper. En cuanto a los primeros, se decía de su single ‘Waste of Time’ que prácticamente sonaba «anónimo» mientras que sobre el segundo, la persona responsable del texto decía que no podía «conectar emocionalmente» con él en una presentación de su disco ‘Coloring Book‘». Kings of Leon amenazaron con suspender su aparición en los MTV Europe Music Awards. Chance the Rapper dijo que «no volvería a trabajar con MTV de nuevo». Ambos artículos fueron borrados y además se acordó que, desde entonces, las críticas debían tener al menos 500 palabras para evitar «lo mordaz o lo crítico» («negativo» o «gratuito», entendemos).

Ni Kings of Leon ni sus representantes han querido contestar las preguntas de Spin, pero sí lo ha hecho un representante de Chance the Rapper, que reconoce que el artículo les pareció «ofensivo» y habla de una «larga historia con MTV» de idas y venidas que ha resultado en una colaboración del artista con la cadena esta misma semana.

El artículo analiza, entre muchas otras cosas, la pérdida de tráfico de MTV y plantea diversos problemas éticos que, pese a las características tan concretas de la cadena (ciertamente necesitan llevarse bien con los artistas para sus premios, si no, no harían galas), sirven como reflexión, de nuevo, sobre la libertad de expresión en los medios musicales, y sobre la benevolencia sobreentendida en la crítica musical. ¿De verdad afecta tanto a Chance the Rapper una crítica negativa, con todas las buenas que acumula? Claro que él también puede argumentar: «si no les gusto, ¿para qué me quieren en su ceremonia o en sus programas?».

J. Balvin martillea cerebros con Willy William en su inminente hit, ‘Mi gente’

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30 junio, 2017

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J. Balvin no se conforma con toda su retahíla de hits de los últimos años, ni tampoco con el ascenso en listas españolas de su último single junto a Jowell & Randy, ‘Bonita’. Cuando este último tema está lejos de tocar techo, pues ha salido hace escasamente un mes, ahora estrena otro tema que pretende aprovechar el buen momento comercial de la música latina, que en parte se debe a él mismo. No podemos pasar por alto que ‘Safari’ y ‘Ginza’ superan los 200 millones de reproducciones en Spotify y que muchas otras de sus canciones superan los 100 millones.

‘Mi gente’ es una canción realizada junto al DJ y productor francés Willy William, que resulta realmente martilleante, hipnótica e inolvidable desde la primera escucha gracias a ese loop que no muere desde el principio al final de la canción. Así, el parecido del vídeo con la estética Mad Decent es pura anécdota, y ni merece la pena hablar de cierta conexión con el ‘Hips Don’t Lie’ de Shakira ni mucho menos a qué puede recordar en particular en España ese ‘Say Yay’.

4 millones de reproducciones en pocas horas avalan este nuevo hit seguro de cara al verano 2017, que llega justo cuando el disco de J. Balvin, ‘Energía‘, cumple un año.

Dos agentes enamorados en el nuevo vídeo de Arcade Fire, ‘Signs of Life’

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30 junio, 2017

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“Agentes especiales enamorados disfrutan un agradable día de actividades culturales”. Esta, así en castellano en el original, es la premisa del nuevo vídeo de Arcade Fire, ‘Signs of Life’, el tercero extraído de su nuevo álbum, ‘Everything Now’, que los canadienses publican en menos de un mes, el próximo 28 de julio.

Si el audio lo comparábamos con alguna banda sonora ochentera (también es un poco ‘Rapture’ de Blondie), el vídeo es directamente un corto dividido en varios episodios, en el que vemos a estos agentes especiales que no tienen casi nada que ver con James Bond visitando lugares como “un laboratorio extraño en el pantano” o sorteando dificultades hasta “escapar al triángulo Bermuda” (sic).

El vídeo ha sido dirigido por Borscht y sucede al divertidísimo “pop up video” que realizaban hace poco para ‘Comfort Creature’. Parece que el humor será clave en la nueva etapa de Arcade Fire, si bien siempre dejando una puerta abierta a la reflexión. Según ellos este tema va «o bien de la futilidad de buscar sentido en un mundo sin sentido o bien sobre una celebración nocturna en un club. La banda no confirmará ni desmentirá ningún significado». Así lo indican en Facebook, mientras el estribillo repite claramente: «Buscando signos de vida / Buscando signos cada noche / Pero no hay signos de vida / Así que lo hacemos otra vez».

Ojete Calor transforman un hit de Gala en un himno veraniego para recogerse, ‘Vete a tu casa’

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30 junio, 2017

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Ojete Calor, el dúo de “subnopop” formado por Carlos Areces y Aníbal Gómez, está de regreso con otra canción suelta, como lo fue hace un par de meses ‘Qué bien tan mal‘, en este caso una adaptación de uno de los dos macrohits de Gala, ‘Freed From Desire’, que ellos han transformado en ‘Vete a tu casa’. La canción ha sido estrenada al mismo tiempo que su videoclip. ¿Por qué una versión? Lo tienen claro: «Cuando ya hay una canción muy buena, ¿para qué vas a hacer tú otra? Y siempre hemos sido muy fans de Gala, de todos: Nos encanta el de ‘La Pasión Turca’ y nos fascina la musa de Dalí, pero la que saca hits noventeros directamente no tiene rival».

También justifican: «Con la entrada en vigor del calentamiento global, el verano es más largo y hacen falta más canciones (…) Hay infinidad de canciones que te invitan a salir, a saltar, a bailar y a disfrutar la noche, pero ninguna que te diga que ya es hora de recogerse. Cuando la pasti empieza a bajar, la fiesta tiene que acabarse, es el ciclo de la vida (El Rey León). Sabemos que hay mucho tete que no ve la hora de cortar la marcha, y esperamos que se den por aludidos y reflexionen cuando la oigan. Además, que tienen a sus madres en vilo y dónde van a estar mejor que en casa. Suponemos que la letra original dice más o menos lo mismo».

Al tiempo que estrenan su rústico nuevo vídeo, Ojete Calor comparten también las fechas que les esperan este verano, un “live” en Low Festival y dos sesiones de dj’s. Foto: Juan Cruz Durán.

NO CLOSET FESTIVAL – VELES E VENTS (VALENCIA) – 8 JULIO
Carlos Areces & Aníbal Gómez Djs
LOW FESTIVAL – BENIDORM 28 AL 30 DE JULIO
Ojete Calor Live
ARENAL SOUND – BURRIANA (CASTELLÓN) – 1 AL 6 DE AGOSTO
Carlos Areces & Aníbal Gómez Djs

Ready for the Weekend: Arcade Fire, La Bien Querida, Calvin Harris, TLC, Beach House, Drake…

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30 junio, 2017

Una semana después de su tema junto a Vitalic, el single de La Bien Querida, anticipo de su próximo disco ‘Fuego’, vuelve a ser protagonista de nuestra playlist de novedades musicales. Junto al suyo, otros primeros adelantos de los anunciados discos de St. Vincent, Liars, Starsailor (¡vuelven!), Princess Nokia, Deerhoof (un disco repleto de invitados, como Jenn Wasn de Wye Oak), Alex Cameron, Widowspeak o Moses Sumney (promesa que ha firmado por Dead Oceans) protagonizan la semana. Y se suman a discos también muy esperados de los que seguimos descubriendo nuevos sonidos: Arcade Fire, The National, Mogwai, Mura Masa (hoy lanza doble single con Damon Albarn y Christine and The Queens), Foster The People, Liam Gallagher, Broken Social Scene, Benjamin Clementine, Shabazz Palaces, los italianos Fitness Forever, Oscar & The Wolf o Lucy Rose.

Contamos desde esta semana, además, con nuevos singles de Clean Bandit (su tema con Marina & The Diamonds, que al fin ve la luz), Drake (creado para una campaña publicitaria), Baywaves, Rudimental (featuring James Arthur), Barei, Ms Nina (un himno LGBTTIQ con el instagrammer King Jedet), One Republic o J Balvin. Curiosamente, hoy hay lanzamientos de dos productores de Azealia Banks como Lunice y Machinedrum, en una buena jornada para los aficionados al hip hop: Tyler The Creator, Desiigner, Metro Boomin, Dellafuente, el británico Chip y el sevillano Tote King presentan novedades.

Aunque el verano suele ser tranquilo en cuanto a lanzamiento de nuevos álbumes, este viernes tenemos algunos muy destacables. Sobre todos, el esperado regreso al funk de Calvin Harris en un ‘Funk Wav Bounces Vol. 1’ repleto de estrellas. También lanzan disco largo hoy Beach House (recopilatorio de inéditos y caras Bs), TLC, Washed Out, Baio (miembro de Vampire Weekend), el veterano Peter Perrett (de The Only Ones), Rosa López y Jay Z (aunque solo disponible en Tidal). También hay EPs de Jay-Jay Johanson, The Japanese House, la revelación noruega Astrid S y Sampha, que lanza cinco versiones acústicas exclusivas de Spotify, que incluyen una adaptación de un tema de Francis & The Lights.

Phoenix no decepcionan en la notable primera jornada de Vida Festival

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30 junio, 2017

Con la jornada del jueves instaurada como mucho más que una fiesta para calentar motores, ayer comenzaba Vida Festival 2017, de nuevo en el bonito y agradable recinto de la Masia d’en Cabanyes, que presentó algunos cambios dispares: este año el presupuesto de decoración y elementos de ambiente se ha –o eso parece– se ha reducido, y a cambio es muy de agradecer una mayor oferta de servicios y productos (especialmente bienvenidos son la oferta de vinos y la nueva zona de comidas frente al escenario principal). La subida del precio de la cerveza, sin embargo, duele.

El final de la actuación de Alien Tango fue suficiente para certificar por qué no cejan de sumar fans y su proyección es imparable. Tienen carisma, presencia escénica, se toman en serio a sí mismos lo justo y, además, cuentan con canciones tan raras pero fascinantes como ‘Honey’, ‘Sexy Time’ y ‘Dancing In The Void’ (también algunas aún inéditas) que ejecutan con desparpajo, versatilidad y solvencia de unos veteranos. Apuntan muy alto.

No errábamos al decir que el de Parcels era un concierto para no perderse y que, posiblemente, cuando vuelvan por aquí será con otro estatus. El grupo australiano no desaprovechó la oportunidad que tuvieron ayer ante un muy nutrido público que, esperando a Phoenix, se dio de bruces con una banda que hizo mucho más que calentar el ambiente (de hecho, son sus teloneros en la actual gira europea de los franceses). Y es que la propuesta de Parcels, manteniendo cierta sintonía estética con ellos, les puso el listón muy alto. Porque consiguieron, siendo prácticamente desconocidos, despertar momentos de euforia en el escenario Estrella Damm, aunque fuera de manera intermitente –en ocasiones, tomaban una deriva prog-rock que dejaba caer el entusiasmo–. Canciones como ‘Older’, ‘Gamesofluck’, ‘Hideout’ y su reciente single con Daft Punk ‘Overnight’ amplifican su potencial en directo, dada la impresionante pericia instrumental y el entusiasmo que imprimen en su ejecución. Estupendos.

Lejos de Parcels, en el Escenario La Cova, Rusos Blancos lograban congregar, aunque paulatinamente, a una notable cantidad de público que ni ellos mismos, o así lo dijeron, esperaban. Cuesta creer que el grupo madrileño se planteara incluso disolverse meses atrás: con Manu como bailongo aunque aún algo tímido frontman –poniendo el acento en uno de sus fuertes, sus letras–, la banda suena muy engrasada, con Laura y Betacam brillando. Y, sobre todo, cuentan, como hemos repetido muchas veces, con un repertorio envidiable –centrado lógicamente en ‘Museo del romanticismo’ y recordando viejos hitos como ‘Tus padres, tu novio, tú y yo’, ‘Baile letal 3’ u ‘Orfidal y caballero’– en el que soul, synthpop y grandes ganchos se funden para hacer bailar tema tras tema. Al discotequero final con ‘Camas y trincheras’ y ‘A otra con esas’ le hubieran ido de perlas unos fuegos artificiales, un confetti o algo.

Parecía raro ver programado a un grupo del estatus de Guadalupe Plata en el pequeño escenario La Cabaña Jägermusic. De hecho, al inicio de la actuación casi asustaba ver la enorme cantidad de gente que congregaron por todo el bosque alrededor. Sin embargo, pronto entendimos que aquella arboleda era el entorno perfecto para su blues primitivo y su honky tonk herrumbroso pero vibrante. La intensa luz roja que les bañó durante todo el show era una perfecta metáfora del intenso calor que desprendían. No eran llamas, sino unas ascuas que Carlos Jimena y Paco Martes mantenían calientes y se encendían cuando Pedro de Dios bufaba con su guitarra y su micro, incitando al baile y hasta al stage-diving. Reservaron la infantil y perversa ‘En la calle 24’, ya con mucho menos público, para un final catártico.

La última ocasión en que pude ver a Phoenix fue en la edición 2013 de Primavera Sound y no guardaba un recuerdo especialmente bueno. Así que había miedo anoche, en la presentación de un disco como ‘Ti amo’, que alterna momentos deslumbrantes con lugares comunes, no tan excitantes. Pero Thomas Mars y los suyos no se la jugaron y acometieron el asunto como el público medio de un festival espera: tocando sus mejores canciones. Seleccionando mayormente la crema de su nuevo lanzamiento (‘Ti amo’, que abrió el set, ‘J-Boy’, una refrescante ‘Fior di Latte’ y ‘Role Model’, que supone un inesperado subidón en el set), el resto del show se nutrió de temas tan rotundos como ‘Lasso’, ‘Entertainment’, ‘Lisztomania’, ‘1901’ (glorioso cierre, antes de que Mars echara a correr hacia el centro de la masa de gente para ser elevado en pie mientras sonaba un reprise de ‘Ti amo’) o ‘If I Ever Feel Better’. Incluso aunque se permitieron el lujo de ignorar totalmente ‘Alphabetical’ y casi casi ‘It’s Never Been Like That’ (de manera insólita, apenas cayó ‘Long Distance Call’) y que no contaron con uno de sus trucos escenográficos (el enorme espejo que reflejaba los alucinantes efectos de su suelo luminoso –lo rompió una tormenta días atrás–), el grupo triunfó gracias a un sonido contundente y refinado a la vez, con Thomas magnético y en buena forma vocal. Ni su insistencia por incluir el bajonero interludio ‘Love Like a Sunset’ a mitad del set logró amainar la revolución anímica que provocaron en el público. Fantásticos.

Tras deleitarnos (es un decir) con ‘Ano’, Las Bistecs dieron las gracias a sus teloneros, Phoenix, por haberles hecho el warm-up, y remangaron sus saltos de cama lenceros para enarbolar la bandera del electrodisgusting bien alta en el Vida. A lo Mario Vaquerizo, las barcelonesas no necesitan tocar ni un instrumento (aunque ellas al menos pidieron perdón a los músicos) para poner patas arribas a un público que aún hoy alucina con sus letras y no puede resistir su electropop punchy-punchy. Aunque es posible que comenzar con lo que uno supone la traca final –‘HDA’, ‘Señoras bien’, ‘Cosas negras’, ‘Señoras bien’ e ‘Universio’, casi del tirón– hiciera decaer su show para el público casual, los convencidos entrecots disfrutamos hasta la interpretación, guitarra hinchable en mano, de ‘Galicia’ o la retahíla de paradas de Metro barcelonés. Asín semos. ¯\_(ツ)_/¯

Fotos de Alien Tango y Parcels, obra de Rafa Rubiales. Foto de Phoenix, de Mika Kirsi. Cedidas a Jenesaispop por Vida Festival.

‘Colossal’: otra colosal idea de Vigalondo que tropieza como un monstruo borracho

Por

Joric

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30 junio, 2017

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“Es una gran idea mal ejecutada”. Esta frase lleva acompañando al cine de Nacho Vigalondo desde el principio de su carrera. La ingeniosa ‘Los cronocrímenes’ (2007), aún hoy su mejor película, se desinflaba un poco al final. ‘Extraterrestre’ (2011) perdía su gracia (que era mucha) a la media hora. Y al deslumbrante dispositivo formal de ‘Open Windows’ (2014) se le acababa la batería más rápido que a una tableta de marca blanca.

¿Es ‘Colossal’ también una “gran idea mal ejecutada”? Desgraciadamente sí. Su premisa argumental es grandiosa. Vigalondo mezcla la comedia indie con el kaiju-eiga por medio de una conexión tan sorprendente como extrañamente poética. El director vuelve a demostrar su gigantesca habilidad para insertar elementos fantásticos en entornos costumbristas sin que la verosimilitud se resienta ni se note la falta de presupuesto. El espectador entra en la historia con la misma naturalidad con la que Godzilla camina pisando coches.

‘Colossal’ es algo así como el ‘Manchester by the Sea’ de Vigalondo. La típica vuelta al pueblo de un personaje (una algo afectada Anne Hathaway) que ha fracasado en la consecución de sus sueños urbanitas y se reencuentra con sus amigos de la infancia, se convierte en manos del director de Cabezón de la Sal (el pueblo de la película se llama Mainhead) en una lúcida, ingeniosa y muy divertida reflexión acerca de los monstruos que generan la frustración por los fracasos personales.

El problema es cuando esta idea quiere crecer y pasar de cómica a dramática. A partir de ese momento la película empieza a deshincharse como el colchón donde duerme la protagonista. La revelación de otro tipo de monstruosidad, interior, de naturaleza moral, se convierte en una metáfora demasiado obvia que acaba dándose de tortas con la propuesta inicial. Menos mal que, a diferencia de sus películas anteriores, Vigalondo se saca, por fin, un buen final de la chistera. Un paso de gigante en una filmografía irregular pero llena de colosales golpes de genio. 6,9.

TLC / TLC

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Jordi Bardají

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30 junio, 2017

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TLC no se han comido la cabeza con su nuevo disco financiado por sus fans: lo han llamado TLC porque ellos sugirieron este título masivamente en Kickstarter, pero también porque ellas querían, como nos ha contado Chilli recientemente en una entrevista; y su contenido es puramente nostálgico. Por suerte el protagonismo en el álbum de Lisa Lopes, la L de TLC, fallecida en un accidente de coche en 2002, se ha reducido a un interludio simbólico, porque por mucho que Lopes fuera una gran rapera, el disco no necesitaba raps holográficos sino buenas canciones… y se ha quedado corto.

No era una posibilidad que TLC se entregaran así de repente a los sonidos R&B punteros cuando llevan 15 años sin sacar disco, pero viendo lo bien que se ha renovado Beyoncé a cada trabajo, cuando de hecho es contemporánea suya, cabe lamentar que ‘TLC’ no sea un poco mejor. Y no es culpa del primer single, ‘Way Back’, que con o sin Snoop Dogg seguiría siendo una canción digna para las TLC actuales, un pegadizo «New Jack Swing» casi tan bueno como las réplicas noventeras de Bruno Mars y que suena tan despreocupado (para bien) como las propias TLC hablando de política en las entrevistas. Pero este es el nivel de un primer single de TLC en 2017 y no, no tiene nada que ver con ‘No Scrubs’.

‘TLC’ despunta en unos pocos momentos, aparte de ‘Way Back’: ‘Haters’ es un buen single «que se jodan los haters» en el que destacan las suculentas armonías de T-Boz y Chilli, y precisamente son estas armonías las que han distinguido siempre al grupo y las que brillan por ejemplo en ‘Start a Fire’, una bonita balada de hoguera que además incluye un evocador fondo fantasmagórico en su producción; o en ‘It’s Sunny’, que es más que una recreación de ‘Sunny’ de Boney M: su estribillo de «pa pa pas» robóticos son irresistibles, mucho más de lo que parece. Un single buenrollista que además nos hace bailar como pocas veces lo ha hecho TLC, que es con un ritmo disco.

Luego está el resto. TLC tenían una responsabilidad con sus fans: o bien entregaban un disco con lo mismo de siempre o bien algo diferente, y han optado por lo primero, con resultados exangües. Sin embargo se traza una evolución en el sonido de TLC desde su último disco al actual: más bien se halla una involución, por ejemplo en los insípidos ritmos urbanos de ‘No Introduction’ y ‘American Gold’ o en ‘Perfect Girls’, un ‘Unpretty’ para la generación Millennial que la generación Millennial no va a oír jamás. Ni siquiera cuando el grupo experimenta con el swing en ‘Aye Muthafucka’ se intuye una canción mejor de lo que podría haber sido.

El nuevo disco de TLC es básicamente un homenaje a sí mismas que se resume en el agradecimiento final a sus fans ‘Joyride’, que desprende un mensaje claro: «muchas gracias por la pasta, lo hemos hecho lo mejor que hemos podido». Pero lo peor viene en la edición de lujo del disco: ‘No Scrubs’, ‘Creep’, ‘Unpretty’, ‘Baby-Baby-Baby’ y ‘Diggin’ On You’ aparecen recreadas exactamente como en sus versiones originales. Porque ‘No Scrubs’ suena igual, pero es que ‘Diggin’ On You’, una de las mejores canciones R&B de la historia, parece una base de karaoke. ¿Hacía falta? Realmente no. Pero escuchado este disco, casi nos hacemos la misma pregunta.

Calificación: 5/10
Lo mejor: ‘Way Back’, ‘Haters’, ‘It’s Sunny’, ‘Start a Fire’
Te gustará si te gusta: mucho TLC y que los grupos hagan «comebacks» aunque no cumplan con las expectativas
Escúchalo: Spotify

Kodaline se enfrentan a una triste pérdida en ‘Brother’ y anuncian conciertos en España

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30 junio, 2017

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Kodaline, una de las bandas irlandesas de más éxito en Reino Unido, donde fueron top 3 con su primer disco ‘In a Perfect World’ y top 4 con el segundo ‘Coming Up for Air’, y a los que tanto hemos visto triunfar por ejemplo en el FIB, anuncian gira por nuestro país. Estarán el 13 de noviembre en La Riviera de Madrid (entradas aquí) y el 16 de noviembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona (entradas aquí). Las entradas salen a la venta el próximo 7 de julio en Live Nation, Ticketmaster y otros puntos habituales, justo cuando además actúan en Mad Cool, festival para el que están todos los tipos de abonos y entradas agotados. La nota de prensa recuerda además que, a su último paso por Madrid en marzo de 2016, Kodaline agotaron todos los tickets con un mes de antelación.

La banda acaba de presentar el adelanto de su tercer álbum de estudio en el que están trabajando, ‘Brother’, un tema que puedes degustar a través de su vídeo de presentación o a través de su versión reducida subida hoy en Spotify, con menos tratamiento en voces y un protagonismo especial de la guitarra y el piano. El vídeo, de temática familiar, sobre un niño que ha de enfrentarse a la muerte por primera vez, ha sido dirigido por Stevie Russell, que ya se encargara de algunos de sus viejos hits, ‘Honest’, ‘High Hopes’ y ‘All I Want’, siendo este último su mayor éxito hasta el momento con 130 millones de reproducciones en Spotify.

Franz Ferdinand vuelven a Dcode

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30 junio, 2017