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Britney actuará en los MTV Video Music Awards

Por
Jordi Bardají
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britneyExisten muchas razones por las que los MTV Video Music Awards dejaron de ser interesantes hace mucho tiempo. Una de ellas es que parecen cada vez más concentrados en premiar el éxito mediático de un vídeo que su calidad artística. Otra es que hace nueve años que Britney Spears no pisa su escenario. Fue en 2007, el año que Spears presentó ‘Gimme More’ en la gala completamente ida y desorientada, cuando la vimos actuar por última vez. Desde entonces solo ha protagonizado una actuación en una gala de premios televisada en directo y esa es la que ofreció el pasado mes de mayo en los Billboard Music Awards.

Pero Spears está de vuelta. La cantante actuará en los MTV Video Music Awards el próximo 28 de agosto tal y como ha informado MTV. Spears presentará su nuevo sencillo, ‘Make Me…’, acompañada del rapero G-Eazy. La actuación se producirá solo dos días después de la salida de ‘Glory’, el nuevo disco de Spears. No es moco de pavo la noticia: las actuaciones más memorables de la carrera de Britney, como la de ‘I’m A Slave 4 U’ con la pitón de 2001, la del beso con Madonna (y Christina Aguilera) en 2003 o, sí, la actuación infame de ‘Gimme More’ de 2007, se produjeron en esta misma ceremonia.

La noticia viene acompañada de un excitante adelanto visual narrado por Britney en el que cuenta que el escenario de los Video Music Awards no es solo un escenario sino también una «historia». En el vídeo en cuestión avistamos varias referencias a la carrera de Britney, entre ellas, el vestido de novia de su actuación de 2003, el mono rojo del vídeo de ‘Oops!…I Did It Again’ y la serpiente pitón de su actuación de 2001 (¿la más icónica de su carrera?). Mientras, Britney calienta motores contándonos que actuar en los MTV Video Music Awards es una «manera de coger una fracción de segundo y hacerla vivir para siempre». «Antes de que te enteres, es historia», concluye. «Antes de que te enteres, es Britney, zorra».

It's not just a stage. It's a story… @mtv #VMAs August 28.

Un vídeo publicado por Britney Spears (@britneyspears) el

Seguro que esta actuación hará que recobremos la fe en los Video Music Awards. Y si no lo consigue, por lo menos esperamos que a la muermo de P!nk le guste.

Britney estrena nuevo single promocional mañana, ‘Do You Wanna Come Over?’.

Las dos canciones inéditas de Lana Del Rey del verano

Por
Jordi Bardají
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lana del rey hbtbA estas alturas todo el mundo sabe que las palabras «Lana Del Rey» y «filtración» son sinónimas. No pasa un año sin que llegue a la red material inédito de Lizzy Grant rescatado de un baúl perdido en el espacio y en el tiempo y este tampoco ha sido excepción. El mes pasado llegaba a nuestras vidas una canción hasta ese momento desconocida de Del Rey titulada ‘Super Movie’ que, por estilo y voz, parecía sacada de las sesiones de ‘Born to Die‘ o anteriores. La canción es una balada romántica, triste y contemplativa perfecta para cantar bajo la luna azul de Kentucky y es, también, bastante sencilla: una guitarra, el siseo de la cinta de grabación y el ronroneo ebrio de Del Rey conforman un número precioso que no sabemos por qué Lana no ha metido en ninguno de sus discos (es decir, como siempre).

La última filtración de Lana ha llegado esta semana y se trata de una canción muy distinta a lo que nos tiene acostumbrados. ‘BBM Baby’ es un número de pop bailable ochentero producido por Penguin Prison en el que Del Rey canta sobre enviarse mensajes de texto sexuales con su interés romántico a través de su Blackberry. Parece, de nuevo, de 2010. No es lo mejor que le hemos oído a Del Rey pero tanto esta canción como ‘Super Movie’ sirven para recordarnos que la cantante dispone de material inédito suficiente para sacar al menos cuatro o cinco discos (aparte de los discos enteros que también se han filtrado) y para aliviar algo la sed de material nuevo suyo, pues parece que este año la autora de ‘Video Games’ se nos queda un ratito más en su luna de miel.

Lady Gaga actuará en el «remake» de ‘Ha nacido una estrella’ dirigido por Bradley Cooper

Por
Jordi Bardají
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gaga-artpopEra de esperar que Lady Gaga le cogiera el gusto a la actuación. Después de ganar un Globo de Oro por su interpretación de La Condesa en la quinta temporada de ‘American Horror Story’, la cantante, confirma Deadline, ha dicho sí a una película que le sienta como anillo al dedo, el «remake» de ‘Ha nacido una estrella’ de Warner Bros dirigido por el actor Bradley Cooper. Gaga encarnando a Judy Garland… ¿la unión perfecta?

La nueva versión de esta película será el primer largometraje de Cooper tras la dirección y el primer papel protagonista de Gaga tras su aparición secundaria en ‘Machete Kills’ y ‘Sin City: la mujer por la que mataría’. Cooper le ofreció el papel primero a Beyoncé pero esta lo rechazó. Además, Gaga compondrá y cantará la música para la película, lo que nos hace preocuparnos un poco por el desarrollo de su quinto disco, que debería llegar este año (se hablaba de single en un mes). Por cierto, Gaga prepara estos días también su papel en la sexta temporada de ‘American Horror Story’. No puede parar de crear.

La nueva producción de ‘Ha nacido una estrella’ empezará a rodarse el año que viene en California.

‘The Get Down’: la historia del hip-hop según Baz Luhrmann

Por
Lolo Rodríguez
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thegetdownnetflixNueva York, verano de 1977. Mientras la ciudad está cociéndose lentamente al fuego de una ola de calor, el barrio de El Bronx se encuentra asolado por el paro, la pobreza, las bandas callejeras, la droga, el trapicheo, los incendios y la picaresca. Sin embargo en sus entrañas bullen dos subculturas fundamentales que cambiarán el ritmo del siglo XX: la de la música disco, en los albores del Studio 54 y la del hip hop, apoyada en cuatro pilares básicos.

Altamente incomprendida por la sociedad incluso a día de hoy, lo que conocemos como cultura hip-hop abarca cuatro disciplinas independientes entre sí, pero que surgieron en una época determinada y gracias a un caldo de cultivo muy específico: los MCs o maestros de ceremonias capaces de dominar el rap; los DJs y sus scratches; el break dance y el graffiti. Y como no podía ser de otra manera, estos son los cuatro elementos en los que se apoya Baz Luhrmann para dar vida a ‘The Get Down’, la serie de Netflix que estuvo a punto de dar al traste con la compañía y que se inmiscuye en lo más hondo de un gueto afroamericano y portorriqueño para entender un poco más las raíces de la música callejera.

Si eres fan de ‘Moulin Rouge’ estás de enhorabuena. ‘The Get Down’ tiene todos los defectos que a priori se asocian con Luhrmann y más. Para empezar, un capítulo de noventa minutazos que se transforma en un pastiche inacabable entre presentaciones de personajes, presentación de tramas e historias deshilachadas sueltas que -entendemos- el australiano ha incluido «porque sí». Eso sumado a una serie de números musicales que no vienen a cuento y en la cabezonería del director por salvaguardar la estética setentera por encima de todo da lugar a un inicio abrupto con actuaciones demasiado forzadas, súbitos cambios de escena y una sensación general de que te estás perdiendo algo (o todo). Por suerte, según corren los capítulos de esta primera parte, estos defectos se hacen cada vez menos palpables, dando paso a una serie con más cuerpo.

Si eres fan del hip-hop también estás de enhorabuena, pero menos. Luhrmann parece haberse acercado al mundillo con humildad, y se ha dejado asesorar por personajes presentes en la historia del hip hop para parir ‘The Get Down’. Grandmaster Flash no solo es un personaje, sino que también presta su conocimiento y parte de su historia a la serie (veréis bastantes paralelismos entre los ‘Furious Five’ de Grandmaster Flash y los ‘Fanstastic Four plus one’ que protagonizan la serie).

Así y todo, para los que esperábamos esta serie con ganas, ‘The Get Down’ supera por poco nuestras expectativas. Baz Luhrmann parece empeñado en presentarla constantemente como un bonito ejercicio estilístico, dejando en suspenso lo demás. Las actuaciones no son memorables, la trama está enrevesada en cientos de subtramas innecesarias y los números musicales a veces quedan deslucidos por la imperiosa necesidad de Luhrmann de contar demasiadas cosas a la vez. Allá donde el australiano nos conquistó en ‘Moulin Rouge’, vertebrando el guion a través de increíbles mash-up de música pop; aquí parece más concentrado en darle a la producción el toque setentero perfecto que en presentar un guion mínimamente elocuente. 6,5

Tim Hecker y Vessel: esta noche no vas a bailar

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Sr. John
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VesselNo parecen temer instituciones privadas, como Caixa Forum con la reciente programación de Nosaj Thing, o públicas, como el Ayuntamiento de Madrid –de forma discontinua en Matadero- o este pasado fin de semana en los Veranos de la Villa con Tim Hecker y Vessel, apostar por propuestas musicales más complejas, sobre todo por no ser mayoritarias entre el público. Una propuesta audaz que puede llevarles a rivalizar con La Casa Encendida, por unos precios muy asequibles y la dificultad de hacerse con una entrada por un aforo bastante reducido; o con Espacio Fundación Telefónica, que parece descolgarse un poco últimamente, ante la falta de nueva programación, tras el éxito de asistencia con actuaciones como de las de Bflecha, Dj Food o Moiré.

En la primera noche, previamente a Vessel, tuvimos a Óscar Barras empleando toda una maquinaria atronadora que se podía oír desde fuera del Pabellón Satélite de la Casa de Campo a medida que íbamos llegando. Una demostración de fuerza encaminada a la explosión y el estruendo. Un pasaje gélido y de emociones fuertes como la actuación del británico Vessel, que estuvo apoyada, llamativamente, por visuales en blanco y negro, inicialmente con imágenes de una chica semidesnuda, recordando vagamente a ‘Psicosis’ de Hitchcock por lo hipnótico y por estar rodado en un baño, para después derivar junto a un individuo desdentado en una relación más violenta y en un ambiente más industrial. En lo musical apenas cincuenta minutos, incluido un bis muy solicitado, con una parte central un tanto embrollada que se despejó hacia el final. No faltaron los dos temazos que son ‘Red Sex’ y ‘Anima’. 7.

En la segunda velada, Tim Hecker comenzó con F-On como telonero. El madrileño, actualmente involucrado en el proyecto Downbeat que tiene por objetivo reanimar la escena house, se encargó no precisamente de caldear el ambiente minutos antes de la actuación del canadiense: minimalismo extremo bajo la omnipresencia de sonidos nítidos, con la clave de captar la atención del público más que de prepararlo a nada. Sin duda un acierto ante el comienzo que desarrolló Tim Hecker, una sugerente propulsión de sonidos que, repicando unos con otros, crecieron como un despegue. Velocidad de crucero que se mantuvo en los apenas cuarenta y cinco minutos de actuación. No faltaron las secuencias pregrabadas e inspiradas en música sacra de ‘Love Streams‘, la influencia post-‘Yeezus’ en las que las capas instrumentales se diluyen para sonar todas a la par, o los desacordes incómodos al oído pero gratificantes para el enajenamiento mental. Si el día anterior la destreza estaba en el choque y el vapuleo, con Hecker las tornas cambiaron en la segunda jornada por un armazón mucho más complejo. A pesar de negarnos un bis al poco más del centenar de asistentes, incluido un señor mayor con sombrero de paja que llevó su silla plegable para sentarse, no nos quedó mal sabor de boca ni ganas de baile. Ni falta que hizo… 7,5.

Cooper da un concierto de lujo

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Marcos Domínguez
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AC Sonorama SábadoEn una maniobra para diferenciarse de otros festivales, Sonorama -que este año ha superado su cifra de asistentes, situándose por encima de los 60.000- ha apostado por las actividades diurnas (y gratuitas) en las propias calles del pueblo, así como la asociación con influyentes actores de la zona. Aranda de Duero no tiene playa, pero tiene vino: su alianza con el Consejo Regulador de la Denominación de Origen Ribera del Duero ha propiciado talleres de catas gratuitas para los más madrugadores, además de stands dentro del propio recinto del festival donde disfrutar de un buen tinto en una copa, en lugar de en los vasos reutilizables de plástico duro con los que la organización ha intentado limitar la cantidad de desechos generados durante estos tres intensos días. El resultado de esta política ha sido más bien ambiguo, pues el sábado los camareros servían la bebida en vasos nuevos y tiraban los que les acercaban los asistentes, mientras que en la zona VIP se usaron desechables en todo momento.

El poder tomarse una copa de vino entre concierto y concierto es una señal de que los tiempos están cambiando para los festivales. Otra es la cada vez mayor presencia de padres con sus hijos. Lo que antes era una anécdota se ha convertido en algo habitual, al menos en el Sonorama, donde los chiquillos correteaban a gusto convenientemente alejados del bullicio de los escenarios. Otro signo es que alguno de los conciertos más interesantes de todo el festival se den a mediodía, en un parque y con los espectadores de picnic. Solo así uno puede entender que Javiera Mena actuara en el escenario Charco (nuevo este año) a las tres de la tarde. A pesar de la inusual hora, la chilena ofreció un espectáculo completo, con bailarinas y cambios de vestuario, basado principalmente en su último disco, ‘Otra era’. El punto álgido, como era de esperar, llegó con ‘Espada’, cuando la gente de los islotes de sombra más alejados se levantó para bailar a pesar del calor.

MD Sonorama SábadoEl plato fuerte de la última jornada en el recinto festivalero era Mando Diao, pese a que los suecos sacaron su último disco hace ya dos años. Es curiosa la evolución de la banda en el directo: la primera vez que los vi, hace siete años ya, se marcaron un concierto correctísimo y contenido. La segunda, unos años después, aumentaron las revoluciones de tal forma que Björn Dixgard acabó descamisándose y con la voz rota. En Aranda directamente apareció sin camisa y sin voz. Costaba verle interpretar una versión del clásico ‘It’s Now or Never’, que enlazaba con ‘Gloria’ sin mucha gracia. Al público no parecía importarle mucho pero más allá de las primeras filas costaba ver el éxtasis que producía ‘Dance with somebody’ en otros años, en esta ocasión algo baja de revoluciones quizá para reducir la exigencia física y vocal de Dixgard. Comparados con sus compatriotas The Hives, Mando Diao parecen algo cansados de su propia música.

Todo lo contrario le ocurre a Álex Cooper. Treinta años de carrera que se pasaron como un suspiro en un concierto calculado al milímetro en el que la sección de vientos puso la guinda de una música enérgica y melódica, sin duda lo mejor del festival tras la lección que dio el jueves el Niño de Elche. Nuevamente hicieron acto de aparición las patillas y las camisas pero las canciones de Los Flechazos sonaban como recién salidas del horno: ‘A toda velocidad’ y ‘Viviendo en la era pop’ eran dos himnos que se sacudieron las telarañas de la nostalgia y movieron hasta al público que se acercó al escenario Castilla y León por casualidad.

En ese mismo escenario sonó justo antes Luis Brea y el Miedo. Sorprendía verle a esa hora del sábado (10 de la noche), reservada normalmente a los grandes nombres festivaleros, esos que se repiten una y otra vez a lo largo del verano español. No obstante, dio la impresión de que el momento le quedaba algo grande y su música se difuminaba a medio camino entre la intimidad y la intensidad. Sorprendió la aparición de Zahara y la versión de ‘Radio Ga Ga’, de Queen, al final de la actuación, pero el momento más reseñable fue sin duda ‘Automáticamente’, con la que abría su primer LP, ‘Hipotenusa’.

Entre los que pueden dar que hablar de aquí a poco son Mirémonos, grupo joven que derrocha una energía inusual: cantan bien, tocan bien y se lo pasan muy bien sobre las tablas. Del africanismo de ‘Triángulo de las Bermudas’ a la inspiración de grupos de pop comercial de finales de los 80 por la que parecen abrirse camino en la actualidad, parecen tener algo que contar. En cuanto afinen ideas y personalidad cada vez más focos se centrarán en ellos.

Fotografías de María Clara Montoya.

Dani Martín preferiría «morir» antes que hacer una canción «reggaetonera»

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Raúl Guillén
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danimartínDe todos es sabido que Dani Martín no se corta un pelo cuando se pone a los mandos de su cuenta de Twitter. Famosas son sus diatribas contra Los Planetas, «los indies» (así, en general) o Bob Dylan, por ejemplo. Ayer su objetivo era mucho más obvio, si bien lo llamativo de la cuestión fue lo rotundo de su sentencia. En un tuit, el autor e intérprete de obras como ‘La madre de José’, ‘Eres un canalla’, ‘Zapatillas’ o ‘Besos’ manifestaba «Si la vida me diera solo dos ultimas opciones y esas fueran hacer una canción reggaetonera de estas de moda de ahora o morir, elegiría MORIR». Así, en mayúsculas.

Sin embargo, por previsible y manida que parezca la frase, dada la situación del mercado musical, abre algunos interrogantes. ¿Se refiere Martín al reggaeton de origen portorriqueño que comenzó a triunfar en toda América Latina y España a principios de los 90, años antes de que emergiera El Canto del Loco -por ejemplo- y que hoy, 20 años después, sigue vigente? ¿Al vallenato de Carlos Vives que es hoy número 1 en nuestro país con ‘La bicicleta’? ¿O quizá, más bien, al pop de influencia caribeña que copa las listas de todo el mundo a manos de estrellas como Rihanna, Drake, Major Lazer o Justin Bieber? ¿O a todo a la vez? ¿De verdad le haría ascos a una colaboración con Diplo, en el peregrino caso de que surgiera la oportunidad?

Dani, por su parte, prefiere seguir siendo muy reconocible en lo que ha hecho siempre. Así lo demuestra ‘Los charcos’, nuevo single de su próximo disco en solitario y que sucede a ‘Las ganas’, de la que hablamos profusamente hace semanas.

Banks se convierte en un yin yang humano

Por
Raúl Guillén
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banks_geminiBanks camina con firmeza hacia el lanzamiento de ‘The Altar’, su segundo álbum largo. La artista californiana presenta hoy el clip para su segundo single, ‘Gemini Feed’, una canción cautivadora y llena de misterio que presentábamos hace pocas semanas. Y resulta, igualmente, seductor. Repleto de simbología de cultura y religión ancestrales, Jillian comienza caracterizando una especie de deidad con rasgos de serpiente, que observa la dualidad de la propia Banks. El vídeo, dirigido de nuevo por Philippa Price, muestra un yo luminoso y un yo oscuro de la cantante que toman caminos y poses opuestas, aunque acaban fundidas en uno cual ying y yang. Aunque inicialmente se podía interpretar que la canción podía ir dirigida a una ex-pareja, en realidad esos «eres pasiva-agresiva» y «éramos tan depresivos» parecen ir dirigidos a sí misma.

‘Gemini Feed’ supone una nueva composición de Banks junto al músico y productor de origen austríaco SOHN, con el que trabajó profusamente en varios temas de su debut, ‘Goddess’. En la producción también ha participado Lido, que ha trabajado recientemente para Ariana Grande. Otros nombres notables implicados en la producción de ‘The Altar’ son DJ Dahi (Kendrick Lamar) o Ben Billion$ (The Weekend). El anterior single ‘Fuck With Myself‘, que incluíamos entre los mejores temas del mes de agosto para JENESAISPOP, estaba co-escrito y producido por Al Shux (Lianne La Havas) y Tim Anderson (Halsey). ‘The Altar’ se publica el 30 de septiembre.

Escuelas Pías / Nuevas degeneraciones

Por
Raúl Guillén
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escuelas piasPese a su buena prensa tanto nacional como internacional, inexplicablemente Sundae fueron, han sido, o son (están en un lapso indefinido) un grupo al que la suerte les ha esquivado. O quizá ha sido al revés, quién sabe. La cuestión es que, quizá, la decisión de no claudicar a la inercia de los formatos tradicionales y no publicar un álbum largo (pese a contar con buenas canciones suficientes) les impidió llegar a una base de público más sólida. Curiosamente, Davis (50% del proyecto desde sus inicios, junto con el otro 50%, Cris Romero) no ha esperado tanto, apenas un EP autoeditado, para lanzar el primer álbum de su nuevo proyecto, Escuelas Pías, que comparte con Cristian de Blacanova, músico que ya venía colaborando en las últimas canciones del grupo sevillano.

Juntos, ambos músicos apuestan por una economía de recursos que les lleva a concentrarse en su faceta más electrónica y sintética, con las guitarras tratadas para dar aún mayor profundidad, pero no como protagonistas. Emparentándose con outsiders del pop estatal como Apenino y su “secuela” Dar Ful Ful o internacional como Trembling Blue Stars o The Radio Dept., Davis y Cristian nos invitan en ‘Nuevas degeneraciones’ a un espacio de habitaciones en penumbra, de persianas bajadas y luz diurna que se cuela penosamente entre los recovecos. Habitaciones en las que suenan teclados dramáticos, por momentos pomposos, sobre cajas de ritmo sencillas y de cadencia tranquila. En el espacio que resta, la voz de Davis (próxima en timbre a la de Algora) parece luchar por imponerse y revelarse como una de las más bonitas y delicadas del panorama underground. No siempre lo logra, y a menudo debe conformarse por dejar que se intuyan sus líneas melódicas, frecuentemente luminosas, entre los robustos colchones de sintes que anegan canciones como ‘Otoño de revolución’ o ‘Sierras’. Con esa inducida y leve claustrofobia, se presentan como el vehículo idóneo para unas letras de simbología lúgubre, dibujando personalidades que luchan, infructuosamente, por encajar pese a saberse ajenas, inadaptadas al mundo que les ha tocado en suerte. O, en el mejor de los casos, que esbozan una media sonrisa de alivio cuando chocan con alguien de su misma condición (especialmente espeluznante resulta ‘Invencibles’ como «broche» final).

Curiosamente, pese a que la sensación de melancolía llena buena parte de ‘Nuevas degeneraciones’, este resulta más convincente cuando el dúo sube el tempo de las bases y permite que esas melodías vocales, con frecuencia optimistas, manden. Es el caso, sin duda, del brillante single ‘Temporal’, con ese fantástico giro que ofrece su estribillo, pero también el del homenaje a los primeros New Order que es ‘Zoo’ (con la colaboración de Paco e Inés de Blacanova), el shoegaze vibrante de ‘Los márgenes’ y las bailables ‘La ciencia del iluso’ y ‘Devil D’. Pese a flaquear cuando reiteran determinados patrones (‘Hikikomori’, ‘Todos los santos’), Escuelas Pías muestran sobradamente que han dado con su propia fórmula para situarse, desde ya, como nuevos abanderados para aquellos que gozan del pop electrónico más bucólico y sombrío.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Temporal’, ‘La ciencia del iluso’, ‘Zoo’, ‘Los márgenes’
Te gustará si te gusta: Dar Ful Ful, La evolución del hombre al pájaro, Sundae
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon; El Genio Equivocado

El pop y la política mandan cariño a Supersubmarina desde las redes sociales

Por
Jordi Bardají
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supersubmarina-fotosTras conocerse la noticia del accidente de tráfico de Supersubmarina, del que sus integrantes ya se recuperan favorablemente, las redes sociales se han inundado de mensajes de apoyo al grupo, por supuesto también de parte de compañeros de profesión como Amaral, Sidonie, Iván Ferreiro, Zahara, Edurne o Fuel Fandango. Ninguno de ellos (y muchísimos nombres más) ha querido dejar pasar la oportunidad de mandar cariño a los integrantes de una de las bandas más populares de nuestro país tras el siniestro del pasado domingo. Desde JENESAISPOP mandamos también nuestro cariño a la banda y le deseamos una recuperación pronta y exitosa.

También la política de nuestro país ha enviado ánimos a Supersubmarina desde las redes sociales. Pablo Iglesias ha querido recordar el peligro que supone para los artistas viajar en carretera, mientras Pedro Sánchez (reconocido fan del grupo) le ha deseado una «pronta recuperación». Por su parte, Alberto Garzón ha retuiteado el mensaje de Fuel Fandango, Andrea Levy ha deseado poder ver a la banda en los escenarios pronto y Edu Madina ha enviado «fuerza».

Los miembros de Supersubmarina, «estables dentro de la gravedad» tras su accidente de tráfico

Por
Jordi Bardají
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Supersubmarina-entrevistaEste fin de semana, Supersubmarina ha sufrido un accidente de tráfico en Úbeda después de que la furgoneta del grupo chocara contra un turismo durante la mañana del pasado domingo. Este regresaba del festival Medusa Sunbeach de Valencia cuando se produjo el siniestro. El grupo era trasladado inmediatamente por separado a varios hospitales cercanos. Dos miembros del grupo, José Chino Marín (voz) y Juan Carlos (batería), eran hallados en el siniestro en estado grave y operados ese mismo día, el primero en el Hospital Neurotraumatológico de Jaén y el segundo en la unidad de cuidados intensivos del Hospital San Juan de la Cruz de Úbeda.

Poco a poco se van conociendo más detalles sobre el siniestro y el estado de los heridos. Según ABC, tanto José Chino Marín como Juan Carlos se encuentran «estables dentro de la gravedad» y el grupo ha pasado «buena noche» en la UCI tal y como ha informado el Ayuntamiento de Baeza. El primero, que hubo de ser rescatado por los bomberos tras quedarse atrapado en la furgoneta, era intervenido por traumatismo cranoencefálico y el segundo por un golpe abdominal. Por su parte, el conductor del otro vehículo, un repartidor de pan, «permanece en el hospital Virgen del Rocío en Sevilla. Su estado también es grave y ha sido intervenido de urgencia en la columna vertebral. Por el momento, la Guardia Civil continúa investigando las causas del suceso en orden de poder esclarecerlo», informa Diario Jaén.

Supersubmarina tiene seis conciertos agendados hasta el 16 de septiembre en Lucena, Albacete, Guadalajara, Murcia, Salamanca y Jaén. Presenta su último trabajo, ‘Viento de cara‘, editado en 2014.

Actualización: Pink House Management, representantes oficiales de Supersubmarina, han emitido un nuevo comunicado confirmando la evolución positiva de los heridos en el accidente y agradeciendo las muestras de apoyo y cariño recibidos.

Justin Bieber borra su cuenta de Instagram tras enfrentarse con sus fans y Selena Gomez

Por
Jordi Bardají
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justin bieberEste puente de agosto el mundo se ha levantado con una noticia que hará tambalear los cimientos de la civilización global: Justin Bieber ha borrado su cuenta de Instagram (con más de 74 millones de seguidores). Si no os lo creéis, lo que sería natural porque en qué mundo borraría Bieber su cuenta de Instagram, podéis acceder a este enlace para comprobarlo. ¿El origen del drama? Una foto de Bieber con su nueva pareja, Sofia Richie.

Este domingo, el autor de ‘Purpose’ publicaba una foto de él con Richie en Instagram que propiciaba incontables críticas a la joven por parte de las «beliebers». Harto de sus fans, Bieber amenazaba a estas después con hacer su cuenta de Instagram privada si no dejaban de meterse con Richie y la ex del cantante, Selena Gomez, aprovechaba este momento para intervenir y publicar una opinión sobre la actitud de Bieber en la sección de comentarios de su perfil. «Si no puedes aguantar el odio, deja de publicar fotos de tu novia», escribía la reina de Instagram. «Esos momentos deberían ser privados entre vosotros dos. No te enfades con tus fans. Ellas te aman y te han apoyado antes de que nadie lo hiciera».

Con la polémica servida, Bieber optaba por hablar y responder a Gomez indirectamente. «Es divertido ver a gente que me ha usado para llamar la atención tratar de señalarme de esta manera. Es triste. Todo amor». Muchos fans de Bieber recordaban después que, hace unos meses, el cantante publicó una foto de él con Gomez en Instagram perteneciente a su noviazgo, cuestionando quién de los dos estaría realmente usando a quién para llamar la atención. Concluido el drama, Bieber decidía desactivar su cuenta de Instagram y, de momento, continúa completamente en blanco. Seguramente no la necesitara de todas formas para estimular el éxito de sus nuevas canciones, ‘Cold Water’ con Major Lazer y Mø y ‘Let Me Love You’ con DJ Snake.

Los fracasos de Madonna que hubieron de ser hits

Por
Sebas E. Alonso
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Madonna KMBMadonna, eternamente asociada a los 80, como mucho a los 90, también ha tenido sus hits durante el siglo XXI. ‘Music’, ‘Hung Up’ y ‘4 Minutes’ arrasaron, y también lograban éxitos mayores o menores canciones como ‘Sorry’ y ‘Give Me All Your Luvin». Hoy nos centramos en otras canciones: una serie de singles, singles potenciales y anti-singles que, por mala organización, mal márketing, vídeos mediocres o inexistentes, un exceso de expectativas artísticas por parte del público, un exceso de expectativas creadas por la cantante que aceptó autocoronarse como «reina del pop» y/o un poquito de discriminación por edad por parte de las emisoras de radio y el público, permanecen ocultos entre su discografía reciente, pero serán reivindicados por alguien, algún día, en algún lugar.

Celebramos el 58º cumpleaños de Madonna con una playlist de 20 temas para Kia Music Box en la que incluimos temas que nunca llenaron ninguna pista de baile pero debieron hacerlo (‘Impressive Instant’, ‘Get Together’, ‘Celebration’, el loco remix de ‘Let It Will Be’), baladas más que decentes (‘Nothing Fails’, ‘Masterpiece’), hits que parece haber olvidado todo el mundo (‘Don’t Tell Me’), temas que crecen con las escuchas (‘Living for Love’) y esas considerables idas de olla que todos sus coetáneos se resisten a grabar (‘Gang Bang’, ‘Love Spent’, ‘Bitch I’m Madonna’). God save the queen! Puedes escuchar nuestra playlist aquí.

Asalto al trono de Love of Lesbian

Por
Marcos Domínguez
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LB Sonorama viernesHa nacido una nueva estrella de los festivales españoles. Si bien los componentes de León Benavente son perros viejos en esto de la música indie, pocos grupos tan recientes (lanzaron su primer disco hace apenas tres años) han conseguido semejante masa fiel de seguidores.

No es muy normal ver en un festival que tanta gente se sepa las letras de canciones enteras de un grupo más allá de los estribillos, y menos las de su último disco, aparecido esta primavera. Eso quiere decir que el impacto emocional de ‘La ribera’, ‘California’ o ‘Gloria’ ha sido profundo en la generación imperante el viernes en el Sonorama, tanto veinteañeros como algunos treintañeros con mucho bagaje a sus espaldas, el mismo que mostraba sobre el escenario el grupo, en un concierto que funcionaba como un reloj, con altas cotas de intensidad pero que hacia el final se adivinaba algo plano en el repertorio.

Los apostados en las primeras filas demandaron la presencia de la banda de Abraham Boba en el escenario principal (actuaban en el algo más pequeño Castilla y León), pero seguramente los que saltaban con las manos en alto veinte metros más atrás pensaban lo mismo. En el más grande tocarían momentos después Love of Lesbian, auténticos reyes del festival español desde hace más de un lustro. Santi Balmes y compañía tienen dignos sucesores, aunque todavía su núcleo duro de fieles no se distinga entre las modas festivaleras (cuerditas de colores para las gafas y abalorios pegados en la cara están sustituyendo poco a poco a las coronas de flores) por algo tan llamativo como los disfraces.

Es curioso que las dos bandas triunfantes de un festival español sean patrias. A pesar de todo, Kula Shaker y The Hives, que les antecedían en horario, disfrutaron de un público fiel, sobre todo los suecos, que parecen haberse quedado anclados en 2007: su popularidad sigue estando intacta y aunque ya parezca muy lejano los tiempos en el que el punk-rock del nuevo siglo protagonizaba anuncios para móviles, la gente que abarrotaba el escenario respondía con pasión a las indicaciones de Pelle Almqvist en ‘Tick Tick Boom’, con la que cerraron su actuación. Esta y la clásica ‘Hate To Say I Told You So’, que sonó casi al comienzo, siguen siendo dos cañones en directo.

KS Sonorama viernesEl caso de Kula Shaker es diferente: no tan masivos pero con unos seguidores fieles al máximo. Patillas, camisas psicodélicas y corbatas recibían a los londinenses; muchas de ellas no se volvieron a ver en el resto del festival. Aunque la banda, con el paso de los años, haya quedado definida definitivamente en la segunda fila del sonido británico noventero, su potente directo merece la pena. Además, para los que vivimos el apogeo de aquella época sentimos cierto confort casi hogareño en sonidos y efectos (ese trémolo de guitarra) no tan habituales de un tiempo a esta parte.

Fuera del recinto del festival, el Sonorama continúa en las calles de Aranda de Duero, donde cada vez más escenarios florecen por sus calles al mediodía y primera hora de la tarde. En la archiconocida Plaza del Trigo, Miss Caffeina (el jueves) y Love of Lesbian (haciendo versiones) protagonizaron los clásicos conciertos sorpresa, y bandas jóvenes como Fizzy Soup, ganadores del concurso Talento Ribera, logran algunas de sus primeras oportunidades. Entre estas bandas emergentes ha destacado Papaya, que además tiene en la carismática Yanara Espinoza una de las escasas presencias femeninas de un cartel dominado por completo por el cromosoma Y. Escuchando algunos de los temas de ‘No me quiero enamorar’ a la sombra de los árboles de un parque hacía presentir que dentro de no mucho caerán desde un escenario más propicio y, sobre todo, a una hora más fresca.

Fotos: María Clara Montoya

Adiós a Kenny Baker, el actor que dio vida a R2-D2 en ‘La guerra de las galaxias’

Por
Jordi Bardají
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bakerKenny Baker, el actor inglés que dio vida a R2-D2 en ‘La guerra de las galaxias’, ha muerto a los 81 años en su casa de Manchester a causa de una «larga enfermedad», tal y como ha confirmado su sobrina, Abigail Shield. Baker, que medía 112 centímetros a causa de su enanismo, consiguió el papel de R2-D2 en 1976 después de que George Lucas, director de la saga, le viera actuar junto a Jack Purvis en su banda cómica The Minitones. Desde entonces había aparecido en seis películas de la saga acompañado de Anthony Daniels, el androide C-3PO, con el que se llevaba mal (Baker llegó a asegurar que Daniels era un borde con todo el mundo, incluidos sus fans).

El mismo Lucas ha querido recordar a Baker en unas declaraciones a StarWars.com recogidas por Wall Street Journal. «Kenny Baker era un verdadero caballero, así como un soldado increíble y siempre trabajó duro bajo circunstancias adversas», ha dicho. «[Baker] sabía cómo hacer reír a todo el mundo y fue realmente el corazón y el alma de R2-D2».

La sobrina de Baker ha asegurado que «hacía tiempo que [el actor] tenía problemas con sus pulmones y tenía que ir en silla de ruedas». “Nos lo esperábamos, pero es triste igualmente», ha indicado. «[Baker] ha vivido una vida larga y llena, ha llevado montones de felicidad a la gente y ha sido amado por todo el mundo. Estamos orgullosos de él”. La interesante vida de Baker le encontró también especializándose en patinaje sobre hielo o protagonizando un programa de monólogos durante los noventa.

Además de en ‘La guerra de las galaxias’, Baker actuó en otras películas de renombre como ‘Dentro del laberinto’ de Jim Henson, ‘El hombre elefante’ de David Lynch, ‘Los héroes del tiempo’ de Terry Gilliam y ‘Mona Lisa’ de Neil Jordan, así como en varias series británicas, entre ellas ‘The Goodies’, ‘Las crónicas de Narnia’ y ‘Casualty’.

La portada del nuevo disco de Leonard Cohen no es espantosa

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Jordi Bardají
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cohenEn 2014, Leonard Cohen aterrorizó a medio mundo con la cubierta de su decimotercer disco, ‘Popular Problems’, que parecía diseñada (mal) con Paint. Le perdonamos el desliz a Cohen porque el disco era (y sigue siendo) una maravilla, pero no podemos sino alegrarnos por que la portada de su nuevo largo, que se acaba de anunciar, sea mejor. Este se titula ‘You Want It Darker’ y sale en otoño.

Ha producido el álbum Adam Cohen, hijo del músico y artista por cuenta propia. Cohen lo ha descrito como un disco lleno de «actuaciones vocales oscuras y evocadoras, letras emotivas y melodías clásicas» y asegurado que es una «absoluta joya». Oscuro y evocador es también el disco según el mismo equipo de Cohen que, en el anuncio de su llegada en Facebook, ha escrito que «las pocas personas que lo han oído lo consideran una obra maestra y puro Cohen».

Este verano, el fragmento de una canción nueva de Cohen sonaba en una escena de la serie ‘Peaky Blinders’. Hoy sabemos que esta canción es la que titula el disco, ‘You Want It Darker’.

‘You Want It Darker’:

01 You Want It Darker
02 Treaty
03 On the Level
04 Leaving the Table
05 If I Didn’t Have Your Love
06 Traveling Light
07 It Seemed the Better Way
08 Steer Your Way
09 String Reprise/ Treaty

Un «desconcertado» James Blake niega haber colaborado con Hudson Mohawke

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Jordi Bardají
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jamesblake-nosinglesEl productor Hudson Mohawke ha tenido un fin de semana turbulento después de haber asegurado en Twitter haber colaborado con James Blake y Frank Ocean en el pasado y de apuntar que la música de estas colaboraciones «jamás verá la luz». La polémica nacía después de que Blake negara dicha colaboración en Twitter, donde se mostraba «desconcertado» por las palabras del autor de ‘Lantern’. «Nunca he trabajado con Hudson Mohawke y no sé de qué está hablando», escribía Blake en esta red social.

Poco después, Mohawke regresaba a Twitter para aclarar sus palabras. «James hizo algunas cosas con algunas bases mías para mi último disco pero nunca se llegó a nada, Frank y yo trabajamos juntos en algunas pistas pero tampoco se llegó a nada. Por eso he dejado los tuits publicados como están. Como he dicho, dudo que ninguna de estas colaboraciones vaya a ver nunca la luz porque ambas sucedieron hace ya varios años, aunque sería genial que lo hiciera». A continuación, Hudson publicaba en Twitter la captura de un correo electrónico de Blake en el que este aseguraba haber experimentado con varias de sus bases:

En respuesta a la filtración de este mail, Blake ha querido aclarar la realidad de este asunto: el autor de ‘The Colour in Anything’ no llama «colaboración» a unos experimentos que jamás se materializaron en canciones sólidas. «Escuché tus bases y rechacé tu propuesta amablemente. ¿Dos años después aludes a la idea de que hemos colaborado hasta el punto de que tienes material que puedes filtrar? Filtra lo que tengas porque lo único que podrías sacar es una de tus propias bases sin mi voz ni ningún tipo de contribución por mi parte. Gracias a Dios nunca hemos trabajado juntos porque no sería capaz de confiarte mi música. Si sigues amenazando con filtrar música o sugiriendo que puedes hacerlo pronto nadie te confiará tampoco su música. De nuevo, desconcertado».

Frank Ocean no ha hecho ninguna declaración al respecto (debe estar ocupado buscando nuevas formas de retrasar su nuevo disco). Por cierto, Blake y Ocean sí han colaborado en una canción del primero, la preciosa ‘My Willing Heart’, incluida en su último disco. Con ella os dejamos:

Bon Iver anuncia su disco de títulos i m p ◊ S i b l ∑ s

Por
Jordi Bardají
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JV1-640x640Este fin de semana, Bon Iver ha estrenado su nuevo disco, ’22, A Million’, entero en Eaux Claires Music & Arts Festival de Wisconsin, que él mismo dirige junto a Aaron Dessner de The National. Poco después se desvelaban más detalles. ’22, A Million’ sale a la venta el 30 de septiembre a través de Jagjaguwar y contiene 10 pistas cuyos títulos son absolutamente delirantes, hasta el punto que parecen extraídos de un disco de «vaporwave» perdido por los submundos de Bandcamp. ’22 (OVER S∞∞N)’ es uno de ellos.

Justin Vernon ha grabado ’22, A Million’ en sus estudios de Wisconsin. La nota de prensa indica que es una «colección de momentos sagrados» sobre «salvación y el tormento del amor» y sobre «contextos de recuerdos intensos [y] señales a las que puedes dotar de significado o ignorar por ser solo una sucesión de coincidencias». Dos de las pistas del álbum ya pueden oírse en Spotify y son ’22 (OVER S∞∞N)’ y ’10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’. Ambas demuestran un giro marcadamente experimental y electrónico en la música de Bon Iver, posiblemente propiciada por las recientes colaboraciones del músico con Kanye West.

Bon Iver no saca disco desde 2011, cuando editó su segundo trabajo homónimo.

Alguien ha recopilado las grabaciones del estreno del disco en el festival de Wisconsin. Con ellos y con las pistas oficiales en Spotify os dejamos.

’22, A Million’:

01 22 (OVER S∞∞N)
02 10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄
03 715 – CR∑∑KS
04 33 “GOD”
05 29 #Strafford APTS
06 666 ʇ
07 21 M◊◊N WATER
08 8 (circle)
09 ____45_____
10 00000 Million

Supersubmarina sufren un accidente de tráfico

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JNSP
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supersubmarinaSegún varios medios de comunicación (El Mundo, El País) el grupo Supersubmarina se ha visto involucrado en un accidente de tráfico alrededor de las 8 de la mañana de hoy. El grupo regresaba del Medusa Sunbeach Festival, que se celebra en las playas de Cullera, y el accidente ha tenido lugar en el kilómetro 168 de la N-322, a su paso por Úbeda.

Pink House Management ha enviado un comunicado posteriormente aclarando que todos los componentes del grupo se encuentran estables, si bien el vocalista, José Chino Marín está siendo intervenido actualmente en el Hospital Neurotraumatológico de Jaen, y el batería se encuentra en la unidad de cuidados intensivos del Hospital San Juan de la Cruz de Úbeda.

TITAN regresan con la sordidez de ‘Dama fina’

Por
Raúl Guillén
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titan dama finaComo en España, en México hubo una explosión de bandas independientes a mediados de los 90 de la que surgieron nombres como Cafe Tacvba, Julieta Venegas, Molotov, Caifanes… o TITAN. El grupo fundado por el guitarrista Julián Lede (al que más tarde hemos conocido bajo el alias Silverio, el de ‘Yepa yepa yepa‘) y el teclista Emilio Acevedo fue de los primeros en incorporar la electrónica a su rock alternativo. Debutó en 1995 con ‘Terrodisco’, para después editar en 1999 y ya como trío ‘Elevator’, un disco bajo el auspicio de Virgin Records que buscó la repercusión internacional con singles como la fantástica ‘Corazón‘ (que muchos recordaréis por la banda sonora de ‘Amores perros’) y ‘1,2,3,4‘. Con él actuaron en el festival de Reading y giraron por Europa con Soulwax y Moby. Su último álbum, ‘TITAN‘, data de 2005 y tras él el trío se dio un tiempo para dedicarse a otros proyectos.

Hasta ahora. TITAN se reactivaron hace meses y se embarcaron en la grabación de un nuevo disco, un álbum que se publicará bajo el auspicio de ATP Recordings y en el que han contado con colaboradores de lujo como Boy George o Gary Numan. La producción ha corrido a cargo del prestigioso Nick Launay (Arcade Fire, David Byrne, INXS, Yeah Yeah Yeahs, Nick Cave and the Bad Seeds).

Hoy en JENESAISPOP tenemos el honor de estrenar en España, de forma simultánea con Noisey en EEUU, el primer avance de este álbum, aún sin título ni fecha de edición. La canción se titula ‘Dama fina’ y es un corte de bajo disco y ambientes sórdidos, pero de melodía seductora. El estreno viene acompañado de un videoclip de impresionante factura visual. Dirigida por Rogelio Sikander, la pieza parece buscar removernos por dentro, mostrando a un ser despreciable que goza con el sacrificio de jóvenes mujeres, «damas finas».

‘Puto’ revienta el Sonorama

Por
Marcos Domínguez
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Dos estrategias tan aparentemente sencillas como eficaces demostraron la noche del jueves en Sonorama lo que se necesita para triunfar en un festival. Por un lado, el idioma universal del tarareo hermanó a niños y abuelos. Por otro, el efecto catártico de un insulto, de un improperio, sirvió para saltar de alegría a la vez que se suelta la rabia.

La primera de estas estrategias sirvió al Dúo Dinámico para reventar la noche con un público, en las primeras filas, dividido a partes iguales entre jóvenes y mayores. ‘Resistiré’ o ’15 años tiene mi amor’ habían elevado el listón al máximo al iniciar su actuación, pese a que Manolo y Ramón todavía no habían afinado suficientemente sus voces, que estuvieron por debajo de lo esperado buena parte de la noche. Las décadas de experiencia se notan al ver con qué facilidad pasan de una canción a otra, introducen nuevos bloques temáticos en el concierto o frenan el ritmo para contar anécdotas.

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Algunas partes se resentían ante el público más joven, como cuando daban rienda suelta a su repertorio más roquero. Pero la culminación llegó con el tema que escribieron para aquel festival de Eurovisión de 1968, en principio pensado para Serrat y que acabó cantando Massiel: ‘La la la’ hizo vibrar a la mayor parte del público del jueves, concentrado alrededor de este escenario. Ni siquiera la aparición de Eva Amaral para acompañarles en ‘El final del verano’ (antes lo hicieron Alberto Giménez, de Miss Cafeína, y Gabriel de la Rosa, de Shinova) logró esa comunión del auditorio.

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Hubo que esperar hasta bien pasadas las 3 de la mañana para encontrar el otro momento álgido de la noche. Molotov no apelan a melodías luminosas o dulces sentimientos, sino a la rabia. Los Rage Against the Machine mexicanos lograron la respuesta del público (a veces, violenta: por las pantallas a los lados del escenario se podían ver los pogos y empujones de las primeras filas) a base de apelar a las entrañas, con ese ‘Chinga tu madre’ o el “¡Viva México, cabrones!” de ‘Gimme the power’. Dardos dirigidos contra los poderosos que lograron el éxtasis en ‘Puto’, donde literalmente todo el festival se vino arriba incluso tras reavivarse en los últimos días la polémica por su presunta homofobia. Aunque a nadie parecía importarle mientras gritaban “matarile al maricón”, aprovecharon para dejar claro que la canción “habla de la cobardía de mierda de los pinches gobiernos”. La contundencia de su directo, aun habiendo algún que otro sonido pregrabado (ese acordeón en ‘Frijolero’), no dejaba espacio para la duda.

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Además de estos dos momentos, hay que destacar, muchas horas antes, la soberbia actuación del Niño de Elche. Aunque una parte de la primera fila estuvo copada por fans del Dúo Dinámico, el músico supo atraer al público del Sonorama con su versatilidad vocal. Francisco Contreras demostró en su repertorio, compuesto en exclusiva por canciones del notable ‘Voces del extremo’ (2015), un dominio completo de la voz y la improvisación. Junto a su banda, Niño de Elche ofreció el concierto más reivindicativo de la jornada: dedicó ‘Nadie’ al feminista Paul B. Preciado y cerró con ‘Que os follen’, que concentra la rabia ante el escenario social y político actual.

Poco después, Manel demostraron que siguen en plena forma. Guillem Gisbert y compañía son cada vez más Belle and Sebastian circa 2015 que Beirut en 2006 y esa transición es natural y admirable. Es cierto que ‘Les cosines’, ‘La serotonina’ o ‘Jo competeixo’, de su último disco, funcionan muy bien en directo, pero la apuesta ganadora está en canciones que ya son clásicas como ‘Al mar’, ‘Boomerang’ e incluso ‘Teresa Rampell’. Alejados por completo de los vientos y de la épica, los catalanes ahora trazan líneas funk y latinas en sus directos con elegancia. El final llegó con ‘Sabotatge’, su ‘Lambada’ particular y mientras los técnicos recogían el escenario, ‘Obsesión’ de Aventura despachó a los asistentes, quienes la corearon como otra más del setlist. María Clara Montoya.

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Fotos: María Clara Montoya

Escucha la primera canción inédita de The White Stripes en 8 años

Por
JNSP
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TMR387_JackWhite_AcousticRecordings_FrontCover_FINALJack White va a rentabilizar sus rarezas. El músico ha anunciado ‘Acoustic Recordings 1998-2016’, una recopilación de caras b, rarezas y tomas alternativas de canciones tanto de The White Stripes como de los Raconteurs y de la carrera de White en solitario (aunque no habrá nada de The Dead Weather). Sale el 9 de septiembre a través de Third Man y el primer adelanto es ‘City Lights’, la primera canción «nueva» de The White Stripes que oímos desde 2008, según la nota de prensa. Esta pertenece a las sesiones de grabación de ‘Get Behind Me Satan’, el disco que el grupo editó en 2005, pero no se terminó hasta este año. White ha estado ocupado con otras cosas, por ejemplo, llevando un disco al espacio, promocionando Tidal o reeditando singles históricos. Sobre todo, eso sí, le hemos visto triunfar espectacularmente con ‘Lazaretto’, su segundo disco en solitario, que ha llegado a convertirse en el vinilo más vendido de los últimos 20 años.

Os dejamos con el audio de ‘City Lights’ y un trailer del disco.

‘Acoustic Recordings 1998-2016’:

01 Sugar Never Tasted So Good
02 Apple Blossom (Remixed)
03 I’m Bound to Pack It Up (Remixed)
04 Hotel Yorba
05 We’re Going to Be Friends
06 You’ve Got Her in Your Pocket
07 It’s True That We Love One Another
08 Never Far Away
09 Forever for Her (Is Over for Me)
10 White Moon
11 As Ugly as I Seem
12 City Lights
13 Honey, We Can’t Afford to Look This Cheap
14 Effect & Cause
15 Love Is the Truth (Acoustic Mix)
16 Top Yourself (Bluegrass Version)
17 Carolina Drama (Acoustic Mix)
18 Love Interruption
19 On and On and On
20 Machine Gun Silhouette (Acoustic Mix)
21 Blunderbuss
22 Hip (Eponymous) Poor Boy (Alternate Mix)
23 I Guess I Should Go to Sleep (Alternate Mix)
24 Just One Drink (Acoustic Mix)
25 Entitlement
26 Want and Able

Viola Beach / Viola Beach

Por
Raúl Guillén
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viola beachEl que el público de Reino Unido haya aupado al número 1 de la lista de álbumes el “debut” de Viola Beach, tristemente póstumo tras el fallecimiento del grupo en un desgraciado accidente de tráfico, no deja de ser un bonito homenaje. Un bonito recuerdo para ellos y, sobre todo, sus amigos y familiares, que promovieron por su cuenta la publicación del disco. A la altura de unos Coldplay interpretando “junto a ellos” su hit ‘Boys That Sing’. Pero, ¿realmente podían haber aspirado a tal honor de no haberse producido esta terrible tragedia?

‘Viola Beach’ es un disco a medio hacer, producto de unas sesiones de grabación sin finalizar y algunas tomas en directo en los estudios de la BBC. Sin embargo, ya muestra unas ideas muy definidas por parte del cuarteto sobre lo que era su música: guitarras arpegiadas muy en la línea de Two Door Cinema Club o The Stone Roses, pero con una intención más dulce, a veces folkie, emparentada con los extintos Hefner; la voz de Kris Leonard, con leves rasgos jamaicanos (a medio camino de Ian Brown y el hoy perdido Finley Quaye), entonando melodías de gran gancho; y ritmos post-ska, bailables y ágiles. Eso es lo que ofrecían singles como ‘Boys That Sing’ o ‘Swings and Waterslides’, y lo que encontramos en ‘Viola Beach’ es una buena continuación, especialmente en los brillantes ‘Really Wanna Call’ o ‘Drunk’, sin duda los cortes más certeros de los que no habían publicado.

Es cierto que, quizá por esa falta de producción o visión global de álbum, a menudo los esquemas resultan demasiado repetitivos (‘Cherry Vimto’, ‘Get To Dancing’) y el sonido está obviamente sin pulir. Pero, a cambio podemos descubrir que también podían brillar en una faceta más reposada, como muestra la preciosa ‘Call You Up’. Si algo muestra ‘Viola Beach’ es que eran una banda que tenía una idea clara de lo que quería y podía ofrecer. No es una obra brillante, pero realmente se hace muy difícil baremarlo como un disco más. Había madera de éxito y, aunque ya no haya más, estas canciones funcionan como un bonito recuerdo de lo que pudo ser y no será más.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Boys That Sing’, ‘Really Wanna Call’, ‘Call You Up’, ‘Swings and Waterslides’
Te gustará si te gusta: Two Door Cinema Club, The Stone Roses, Hefner
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon

Giraffage: la elegancia (del «bedroom pop») la llevo yo

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JNSP
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giraffageInternet ha convertido en estrellas de la música a gente que no ha necesitado moverse de su cuarto o de su garaje para hacer música interesante, sustancial e innovadora y para recibir atención mediática por ella. De hecho, precisamente desde la intimidad de los hogares de estos músicos ha nacido todo un género -el denominado «bedroom pop»- en el que identificamos las propuestas de gente como Youth Lagoon, Toro y Moi o James Ferraro. Este género que engloba microgéneros como el chillwave, el vaporwave o el witch-house nos ha dado grandes canciones en los últimos años, entre ellas, las del californiano Giraffage.

Charlie Yin, que así se llama en realidad este estudiante de políticas económicas de San José, produce música de paisajes oníricos, líquidos y translúcidos, que cabalgan en ritmos R&B o trap ralentizados y minimalistas.Estos parecen, efectivamente, extraídos de un sueño. La elegancia de ‘Feels’, por ejemplo, suena como evocada de tiempos pasados, mientras las percusiones orgánicas de ‘Slo’ recuerdan al mejor BeGun. Los dos álbumes que ha publicado Giraffage hasta el momento, ‘Comfort’ y ‘Needs’, son «reconfortantes», nostálgicos y contienen una sensualidad intangible pero seductora.

Hubo un tiempo en que la música de Giraffage hubiera encajado en el término «pop hipnagógico». Ahora que el mainstream ha adoptado estos sonidos como hace siempre con las innovaciones de la producción underground (la nueva ola de R&B de radiofórmula parece inspirada en el surgimiento de estos microgéneros experimentales), podemos hablar de Giraffage como un productor de R&B fantasioso que tampoco le hace ascos al vaporwave (‘Thinking About You’), al chiptune (‘Be with You’) o a los paisajes de videojuego de Rustie (‘Impression of You’). La elegancia, desde luego, la lleva él.

Giraffage actúa este sábado 13 de agosto en Razzmatazz.

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