Junior Boys siempre han sido muy sutiles en sus discos, pero esta vez van un poquito más allá. Este año publicarán un 12″ con una versión de ‘What You Won’t Do For Love’ de Bobby Caldwell (editada a finales de los 70) y en ella la verdad es que esta vez sí se han lanzado casi de lleno a la pista de baile disco, rozando en algunas voces a los Communards y Bronski Beat.
El 12 pulgadas saldrá a través de Jiaolong, sello de Caribou, pero el mp3 es gratuito a través de Soundcloud. La cara B será un «instrumental dub».
Su versión es bastante más extrema que la original, mucho más soul, como podéis comprobar a continuación. Deliciosa en cualquier caso.
Nos contaba Fernando León de Aranoa durante una entrevista que publicaremos en los próximos días que a él nunca se le ocurriría rodar una película bélica que se recreara en las víctimas. Que no le interesaba enfatizar a cámara lenta y con música trágica el dolor de los que sufren una guerra porque eso significaría contar solo un pequeño fragmento de todo lo que viven aquellos que tienen la mala suerte de verse sumergidos en un conflicto.
Que en ‘Un día perfecto’, su nuevo largo de ficción, más allá de limitarse a señalar a buenos y malos o de sacar los colores a determinadas nacionalidades, su principal objetivo era contar que, cuando estalla una guerra, la primera víctima siempre es el sentido común. Y así, explicado por el propio autor, podemos decir que Aranoa ha conseguido su objetivo de sobra. El problema viene cuando el espectador, ese al que no le importa que manipulen sus emociones con trucos que le marquen cuándo tiene que llorar y cuándo soltar una carcajada, se siente en su butaca y se encuentre con una historia que, de tanto buscar la equidistancia, se antoja demasiado fría.
Frívola incluso, ya que allí donde el drama se contiene para no caer en la conmiseración, el humor, fino pero a la vez muy negro, se embrutece más de la cuenta. Con motivo, es verdad, pero eso no quita que el tono elegido no vaya a incomodar a todos aquellos que no estén acostumbrados a navegar en aguas de corrientes indefinidas en las que el género, como en la vida, nunca es uno, sino la suma de todos ellos. Pero la gente quiere etiquetas para sentirse cómoda a la hora de dar su opinión, y si no se la dan, se enfada.
Vamos, que esta vez decir que aquello de «esta peli es buena» o «es una basura» dependerá más de fobias y filias personales que de decisiones objetivas tomadas por su director. Poniéndonos metafóricos, podría decirse que Fernando León de Aranoa es como ese grupo de voluntarios en Bosnia que al arrancar la película lucha por sacar un cadáver de un pozo (de nuevo la dirección de actores es fantástica), y nosotros los habitantes del pueblo que observamos la maniobra esperando a que esos extraños nos solucionen el problema sin mover un dedo. Da igual que lo consiga o no. Pase lo que pase, siempre vamos a encontrar alguna pega. 6,5.
Ebrovisión celebra este año su 15 aniversario con un cartel que incluye a Delorean, Hercules & Love Affair, Allah-Las o Supersubmarina, a los que os proponemos la posibilidad de conocer en persona.
En colaboración con Ebrovisión, JENESAISPOP regala 5 «meet & greet» con los autores de ‘Viento de cara‘ a las 5 primeras personas que ya tengan su abono para Ebrovisión y manden un mail a jenesaispop@gmail.com.
Ebrovisión se celebra los días 3, 4 y 5 de septiembre en Miranda de Ebro (Burgos).
Os recordamos que el meet and greet es sólo para los poseedores de la entrada para Ebrovisión.
La primera pista la dejamos ayer en el foro de Adele: la portada de Rolling Stone menciona el nuevo álbum de la autora de ‘19‘ y ’21’ como uno de los «que hay que oír este otoño».
Billboard va más lejos y concreta este lanzamiento para el próximo mes de noviembre. Eso sí, la información hay que cogerla aún con pinzas por la frase exacta de su noticia: «Adele ha venido anticipando el sucesor de su blockbuster de 2011 ‘21‘ durante más de un año, pero el nuevo conjunto de música podría materializarse este otoño. El sello planea su edición para noviembre».
Más interesante que si se planea una edición a tiempo para vender millones en Navidad o se decide dar una vida más larga al disco, como sucedió con ’21’ (el single ‘Rolling in the Deep’ salió a finales de 2010 y el álbum ya en enero de 2011, con promo en los Brits, etcétera); es la lista de nuevos colaboradores implicados. De momento sólo se conocía la presencia probable de Pharrell, en esta noticia no confirmada, cuando Williams indicaba que estaba trabajando de 20 en 20 minutos con Adele debido a que su maternidad no daba para más.
Ahora se confirman los nombres de superproductores como Danger Mouse (Broken Bells, U2, Black Keys), Max Martin (Britney, The Weeknd), Ryan Tedder (con quien ya trabajara en ‘Rumour Has It’) y Tobias Jesso Jr. Aunque a Billboard le han dicho que la canción de Tedder será una de las cumbres del disco, es por supuesto noticiable la presencia de Max Martin (¿a la caza del próximo ‘Can’t Feel My Face’?) y Tobias Jesso Jr, que este año debutaba con el notable ‘Goon‘. Adele fue una de las primeras personas que le apoyó desde Twitter y él declaraba en Pitchfork que para él sería un sueño trabajar con Adele. Así de próximo es lo que hacen el uno y la otra aunque una sea una superestrella y el otro no.
Ni que decir tiene que este nuevo álbum, que podría llamarse ’25’, es el más esperado del año después de que el casi sobresaliente ’21’ vendiera en torno a 30 millones de copias, cifra que no alcanzaba ningún disco de estudio desde el siglo XX. ¿Logrará este álbum vender 4 millones en un par de meses y alzarse como el más vendido de 2015 o flopeará?
Chris Walla abandonaba Death Cab For Cutie antes de que estos editaran este año ‘Kintsugi’. Ahora el querido músico y productor anuncia un nuevo disco en solitario, que se compone de 5 canciones y en cuanto escuchéis el adelanto ambient ‘Kanta’s Theme’, como de banda sonora, entenderéis por qué. No habrá voces en el disco, es todo instrumental.
El álbum de Walla sale el 16 de octubre y se llamará ‘Tape Loops’, ya que se inspira en las limitaciones para alterar el contenido de una cinta desde un ordenador. En una entrevista reciente con Interview Magazine ha explicado que abandonó Death Cab for Cutie tras 17 años porque las historias que estaba contando Ben Gibbard ya no coincidían con su propia vida, por lo que ha decidido apostar por su “propia experiencia”. También reconoce que últimamente no habla “mucho” con sus ex compañeros, pero dice que siempre serán como sus “hermanos”.
Chris Walla, que además de ser miembro de Death Cab For Cutie ha trabajado como ingeniero, productor y/o en las mezclas de discos de gente como The Decemberists, Tegan and Sara, Hot Hot Heat, Mates of State o Ra Ra Riot, ya sólo participó en ‘Kintsugi‘ como co-autor. Está acreditado en ‘Ingénue’ y también como músico a cargo de teclados, guitarras y coros. Sin embargo, durante la producción del disco, abandonó, produciendo la decepción de sus seguidores, que entendían en él un bastión tan importante para el grupo como el propio cantante, Ben Gibbard.
Por otro lado, os recordamos que Death Cab For Cutie están a punto de actuar en nuestro país. Será los días en Barcelona y Madrid los días 23 y 24 de noviembre respectivamente. Mientras en Barcelona los acogerá Razzmatazz, en Madrid ocuparán el Barclaycard Center, antes Palacio de los Deportes. Entradas, en Live Nation.
Os dejamos con el tracklist de ‘Tape Loops’.
01 Kanta’s Theme
02 Introductions
03 I Believe in the Night
04 Goodbye
05 Flytoget
Destroyer publica este viernes 28 de agosto ‘Poison Season‘, nuestro último Disco Recomendado. Para que no se nos olvide que la fecha es mañana, el artista estrena un vídeo en «stop motion» para uno de los ‘Times Square’ incluidos en el largo.
El director Shayne Ehman ha querido capturar “las fuerzas de la naturaleza enamoradas” de la canción tras un paseo por un Nueva York desierto a las 3 de la mañana.
Ed Droste de Grizzly Bear ha dicho «basta». Tras recibir insultos y amenazas de los fans de Taylor Swift por sus comentarios desfavorables sobre la artista en Twitter, el músico ha decidido borrar su cuenta hasta nuevo aviso. Stereogum recopila los tuits publicados en relación a este asunto y lo cierto es que son incómodos de leer.
El origen de esta decisión lo encontramos en la aparición de Beck y St. Vincent en uno de los últimos conciertos de la gira de ‘1989‘. Como sabéis, Swift invita a famosos al escenario a cada concierto y los últimos en subir fueron estos dos iconos indies con los que, al parecer, Droste estaría ahora bastante decepcionado. «Esta semana he perdido el respeto a muchos famosos sedientos de fama», tuiteaba. «Estoy harto de que todo el mundo se rinda al poder. ¡No alimentéis al monstruo!».
Droste lamenta después haber recibido insultos como «maricón» o «sucio judío» por parte de varios seguidores de Swift en la conocida plataforma y defiende que se negó a «ser censurado y atacado por equipos de relaciones públicas y por gente desesperada de aprobación». Consiguientemente, Alana Haim de las Haim, que telonean a Taylor Swift en su gira por Estados Unidos, dejaba de seguir a Droste en Twitter, escribiendo que está «harta de amigos que no están aquí para lo bueno y para lo malo», en obvia referencia al Grizzly Bear.
Las críticas de Droste a Swift, por supuesto, no son nuevas. El músico ya se ha encargado en el pasado de mostrarse como el enemigo número 1 de la novia de América asegurando que Taylor es una persona «calculadora» e «interesada» y comparándola con Regina George de ‘Chicas malas’ (como Katy Perry). Según el músico, Swift habría sido mala persona con él al menos en tres ocasiones y se alegra de que la gente «al fin esté descubriendo la basura» que supuestamente Taylor Swift es en realidad.
Droste, al parecer, ha vivido en primera persona la parte oscura de la autora de ‘Wildest Dreams’ y de todo esto extrae que la «fama es una enfermedad». «Me siento estúpido participando [en el juego de la fama]». La retahíla de celebridades que han pasado por el escenario de Swift, desde luego, no.
Anoche, fueron Justin Timberlake, Selena Gomez y la actriz Lisa Kudrow (Phoebe de ‘Friends’) los invitados a la gira de Swift. Se suman estos a Julia Roberts, Alanis Morissette, Lorde, Beck, St Vincent, The Weeknd, Nick Jonas y hasta Joan Baez (!). ¿Quién será el siguiente? Atendiendo a los artistas que siguen a Taylor en Twitter, que no os extrañe verla acompañada en el futuro por Chvrches, DIIV, Torres, Best Coast o hasta Cat Power. «Bienvenida al escenario… ¡Chan Marshall!» Ya lo oímos de lejos…
Aunque nunca está claro a qué se refiere Droste con que Swift es mala persona, lo cierto es que hay algo en la cantante que no deja de resultarnos inquietante. ¿Será que son Perry y Droste los que tienen cosas que esconder y no Swift? Tantas personas a favor de Swift no pueden estar equivocadas… ¿o sí?
Done with friends who aren't ride or die…Snip, snip, bye, bye! 👋✂️ #notsorryatall
Menuda y con una sonrisa desarmante, vestida como una buena chica pero con cierto desaliño en su cabello rizado, Natalie Prass se presentó anoche en la sala Sidecar de Barcelona, en la segunda jornada de su primera visita a nuestro país. Con solo un álbum (mágico, eso sí) abiertamente inspirado en las grandes vocalistas de soul y rhythm and blues de los 60 y 70, en su haber, las preguntas obvias que uno se hacía eran, primero, si la joven artista de Virginia brillaría sin los cuidados y poderosos arreglos de vientos y cuerdas que ella y Matthew E. White idearon; y segundo, si podría sostener un show con esas nueve preciosas canciones. Sí y sí son las respuestas.
Apoyada por una banda tan joven como sólida, Prass opta por enmarcar canciones como ‘Your Fool’, ‘Never Over You’, ‘Bird Of Prey‘ o ‘Why Don’t You Believe In Me?’ en el ámbito del rhythm and blues y el rock puros, apostando por el volumen, el groove y la contundencia para suplir los matices, en una línea que por momentos recordaba a sus paisanos de Alabama Shakes. Con ese planteamiento, claro, es necesario un gran sonido, cosa que su técnico logró con creces salvo por cierta carencia inicial de brillo en la voz de Natalie que, por momentos, nos hizo temer que su timbre de pajarito no estaría a la altura. Por suerte, fue un espejismo: una vez ajustada la mesa, pudo mostrar que es una cantante muy dotada, instalada en la dulzura. Ese planteamiento sonoro realza el valor de sus composiciones por encima del factor de la producción, haciendo aptas para este formato incluso las más insospechadas, como la delicada ‘It Is You’, el muy inspirado spoken-word de ‘Reprise’ o la doliente ‘Christy’.
En cuanto al repertorio, los nueve cortes incluidos en ‘Natalie Prass’ son un magnífico pero corto bagaje para apenas completar, como mucho, una hora de show, así que la norteamericana tuvo que tirar de curiosidades y algún tema nuevo que otro para armar un setlist que lograra dejar satisfecho. Esta vez (parece que va alternando con otros covers, como el ya conocido ‘Any Time, Any Place’ de Janet Jackson), optó por homenajear a Carole King, reivindicando la preciosa ‘No Easy Way Down‘, y a la diva del R&B ochentero Anita Baker, con un medley de ‘Caught Up In The Rapture’ y ‘Sweet Love’ que no pasó de la mera anécdota. Lo mismo sucedió con una especie de ininteligible aunque divertida jam, a medio camino entre el corrido mexicano y el africanismo, llamada ‘Jazz’; y un corte recuperado de su segundo EP, ‘Sand Dunes’. Más interesantes resultaron ‘Last Time’, una nueva composición que, esta sí, parecía a la altura de su material más reciente, y una agitada apropiación de ‘You Keep Me Hangin’ On‘ de Las Supremes.
Cabe destacar la enternecedora tendencia a hacer el payaso en escena de Natalie, que no se ruboriza al tratar de sujetar sobre su cabeza, sin manos, la taza de la que bebe en el show, intentar infructuosamente que su camisa no se mueva bajo su pichi negro o bromear sobre las dificultades de ubicar en escena a un bajista zurdo. Con su apariencia como fuera de tiempo, que de forma hilarante recuerda a dos Karens (Carpenter y Allen), Prass se gana a la audiencia con su sencillez torpona, sólo al alcance de una artista en crecimiento, que se toma en serio a sí misma pero solo lo justo. Lo más importante es que, pese a su aparente fragilidad, Natalie ya logra emocionar en sus shows casi tanto como en su trabajo en estudio: para los asistentes, ya son imborrables tanto la intensa interpretación de la sexual ‘Violently’ como una sobrecogedora ‘My Baby Don’t Understand Me’. Tras la frase final a capella, ni siquiera ella pudo contener un pequeño y desarmante sollozo.
Antes de que Natalie Prass subiera a escena, los ilerdenses Renaldo & Clara lucharon por imponer ante el creciente y hablador público la melancolía delicada de canciones preciosas como ‘D.’, ‘Els dies s’allarguen’, ‘Gira-sols’ o ‘Lilà’, con Clara Viñals y su voz bonita y pequeña como principal baza. Pero, pese a los esfuerzos, las dificultades sonoras (los arreglos de mandolina y violín complicaban el asunto) y el escaso respeto por parte del público hicieron mella. Con todo, volvió a quedar claro que la suya es una propuesta personal, de las que no sobran en la escena actual y merecen mucha más atención y difusión.
Oh, ‘Kaputt’. Dan Bejar construyó una obra maestra usando los códigos del blue-eyed soul y el pop sofisticado de los ochenta. Quizás abrumado por la repercusión del disco, se tomó un respiro en ‘Five Spanish Songs’, el EP de versiones de Sr. Chinarro, con un sonido muy diferente. Pero este y los dos trallazos power-pop que nos regaló en ‘Brill Bruisers’ de The New Pornographers no han resultado indicadores de hacia dónde iba Destroyer a dirigir sus pasos.
Porque al final no se ha alejado tanto de ‘Kaputt’. Simplificando mucho a costa de Prefab Sprout, si ‘Kaputt’ era el ‘Steve McQueen’ de Destroyer, ‘Poison Season’ sería su ‘Jordan: The Comeback’. Un tour de force con el que demostrar que está más allá de su obra anterior, para confirmar su peso como compositor. Porque el pop ya no es suficiente; Bejar ha llevado su propuesta hasta el musical, el jazz y los standards, para poder explorar al máximo las capacidades expresivas de su voz (uno de sus objetivos con este disco, tal como explicaba en una reciente entrevista a Rockdelux). Sin los coros que le daban el contrapunto en ‘Kaputt’, con mayor presencia (¡aún!) del saxofón y el apoyo de un quinteto de cuerda, Dan ha fabricado su propio musical, onírico y neblinoso, repleto de canciones líquidas que, lejos de contenerse, parecen desparramarse.
La acción de la obra transcurre así: arranca con ‘Times Square, Poison Season I’, un melancólico paseo de Dan por las calles desiertas de Manhattan al amanecer. Pero, en nada, se sacude la tristeza con la maravillosa ‘Dream Lover’ y su euforia saxofónica, casi al borde del ‘Born to Run’ de Springsteen. El público aplaude entusiasmado y se maravilla ante ‘Forces From Above’, cinematográfica pieza apoyada por los timbales y unas cuerdas dramáticas, con un inicio a lo ‘Cloudbusting’ de Kate Bush. La función sigue con ‘Hell’, que, de numerito apocado y simpático, se transforma en fanfarria; aparecen las bailarinas con chistera, las luces, el confetti y en las butacas todo el mundo arranca a danzar jubilosamente. Pero la alegría dura poco. En ‘The River’ Dan se apoya en la barandilla que da al río mientras rememora nostálgico el ritmo tranquilo que marcan las aguas. Finalmente, se acerca a la chica y le declara arrebatadamente su amor en ‘Girl In a Sling’: «Girl, I know what you’re going through. I’m going there too». La platea se enjuaga una lágrima.
Pero el argumento cambia a la mitad. Bejar parece dejar aparcado el musical y abandona el arropamiento orquestal (pero no el saxo) para irse a abrazar al Bowie de ‘Hunky Dory’ en el reprise de ‘Times Square’. En ‘Archer On The Beach’ cambia el esmoquin por un traje blanco para interpretar su soul nocturno y sedososo. Ya no se lo quita, porque ‘Midnight Meeets The Rain’ es un salto funky sobre metales y percusiones sabrosonas. Pero baja el pistón en ‘Solace’s Bride’, con aire del océano.
Tras la escapada nocturna, las cuerdas regresan, tímidas. Y ‘Bangkok’ ilumina el retorno al musical, al número reposado, melancólico y evocador. ‘Sun In The Sky’ recuerda a los grandes autores americanos de los setenta. El público, por eso, empieza a lanzar miradas furtivas a sus relojes. En este tramo, demasiado pausado, la obra se hace un poco larga. Para cerrar, recupera la inicial ‘Times Square, Poison Season II’, pero más breve, suave y con más cuerdas. Fin. Se encienden las luces y aplaudes. La interpretación ha sido soberbia. Las canciones, muy bonitas. Pero, piensas mientras te levantas de la butaca, que en ‘Kaputt’ no sólo eran bonitas; eran definitivas. Aun así, sonríes mientras alcanzas la calle, porque sabes que acabas de presenciar algo grande.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Dream Lover’, ‘Hell’, ‘Girl in a Sling’, ‘Times Square’ Te gustará si te gusta: El musical contemporáneo, los Prefab Sprout de ‘Jordan: The comeback’ Escúchalo: NPR
La promotora Miles Away anuncia que las entradas para el concierto de Belle & Sebastian el próximo 14 de noviembre en Madrid están agotadas. Debido a esto se añade una nueva fecha a la gira presentación de su nuevo álbum ‘Girls in Peacetime Want to Dance‘, de forma que la banda escocesa estará actuando también el 15 de noviembre en la sala La Riviera. Os recordamos que también actúan en Barcelona el 12 de noviembre, en concreto en Razzmatazz.
Las entradas para esta segunda fecha ya están disponibles a través de los puntos de venta habituales. Los teloneros serán Other Lives, autores de ‘Tamer Animals‘.
Este domingo se celebra la gala de MTV Video Music Awards de la cadena musical que ya casi sólo emite vídeos de madrugada. Parten como favoritos Taylor Swift y Kendrick Lamar, y presenta los galardones Miley Cyrus en medio de una polémica sobre lo acertado de sus próximos pasos artísticos. Poco más. El listado de actuaciones, que siempre ha sido lo más importante de la ceremonia, es el escenario de la desolación, sin Taylor ni Kendrick de momento, y con gente confirmada como Tori Kelly, Justin Bieber, Demi Lovato, Macklemore & Ryan Lewis, Pharrell, A$AP Rocky con Twenty One Pilots y The Weeknd haciendo su hit del momento, ‘Can’t Feel My Face’. No está del todo mal, especialmente este último interpretando la que ya sabemos que es una de las canciones del año, ¿pero no da más de sí el pop actual? La cadena, ahora que los Youtube Music Awards han pasado de quitarle protagonismo, ha de tener algún as en la manga. Y si no aquí van algunas ideas.
Taylor Swift ft Kendrick Lamar
Ambos pelean por el vídeo del año. Digamos que Kendrick Lamar lucha contra sí mismo, pues acude por un lado con ‘Alright’ y por otro con su «featuring» en ‘Bad Blood’. Taylor Swift parte como favorita en el mejor momento comercial de su vida, ella es más lista que el hambre y su gira americana, que se desarrolla estos días con multitud de invitados, tiene un descanso estratégico perfecto para pasarse por la gala a recibir premios. ¿No sería de recibo que se realizara una espectacular puesta en escena de ‘Bad Blood’ en vivo? De momento sólo está confirmado que durante el pre-show Taylor estrenará vídeo, ‘Wildest Dreams’.
Bruno Mars estrenando single
Otro que se rumorea que puede aparecer, pero no ha sido confirmado, es Bruno Mars. No olvidemos que interpreta el mayor hit de todo 2015 (‘Uptown Funk’ de Mark Ronson era editado en 2014 pero terminaba de arrasar este año) y que además fue el mayor vendedor de álbumes de 2013. La continuación de ‘Unorthodox Jukebox‘ podría ver la luz este 2015 y qué mejor que esta gala para presentar un single sorpresa.
Lana del Rey estrenando su single en vivo
Lana del Rey no es el personaje que más asociamos a la audiencia MTV, si bien ha recibido alguna que otra nominación técnica en el pasado por algunos de sus vídeos. Sin embargo, está claro que la autora de ‘High By The Beach‘ es una de las favoritas de la red ahora mismo y que MTV necesita reconciliarse con su numeroso público.
Adele, Kanye y/o Rihanna estrenando single sorpresa ¡y bueno!
Llevamos más de un año esperando los nuevos discos de Adele, Kanye West y Rihanna. Estos dos han ido dejando caer piezas que han calado moderadamente (‘FourFiveSeconds‘) o no han calado nada. Kanye West va a recibir un premio especial por su aportación vanguardista (el premio llamado «Michael Jackson»), pero como «performer» no ha sido confirmado. Por otro lado, MTV se aportaría un tanto presentando lo nuevo de Adele, de la que se sigue sin saber nada de nada. O casi.
Florence + The Machine
Que los MTV Video Music Awards tengan que centrarse en artistas americanos no significa que no puedan ir un par británicos. Florence ha sido top 1 en Estados Unidos con su último disco, hemos comprobado en el FIB que es un auténtico torbellino sobre las tablas y su set sería una manera de cerrar el show de manera elegante y épica, cumpliendo la cuota rock requerida cada año.
Tove Lo
De hecho incluso se puede invitar a artistas de otros países. ‘Queen of the Clouds’ lleva casi un año en el Billboard 200 gracias más que a sus ventas al streaming y a la descarga de pistas sueltas, pero el caso es que ya todo el mundo sabe quién es Tove Lo, una de las cantantes de moda. ¿Por qué no invitarla a interpretar uno de sus muchos éxitos o a realizar un dueto?
FKA twigs
No vamos a pedir a Björk, que está a otras cosas y no ha sido nominada de manera inexplicable en los premios técnicos, pero esperar que FKA twigs actúe en una ceremonia de los premios MTV no es tan rocambolesco. La cantante ha recibido 3 nominaciones entre ‘Two Weeks’ y ‘Pendulum’ y tiene nuevo EP en el mercado. ¿Para qué incorporar este cupo alternativo si luego no se refleja en la ceremonia?
Carly Rae Jepsen
Debido a su caótica promoción y a una edición dispersa, el nuevo disco de la intérprete de ‘Call Me Maybe’ promete ser el gran flop del año. MTV se apuntaría otro tanto si la invitara aunando pop y underground. El álbum no está nada mal y ‘I Really Like You’, co-escrita por un Cardigan, finalmente se puede considerar un sleeper.
Madonna ft Nicki Minaj
Madonna conseguirá esta semana su primer certificado de Vevo por los 100 millones de visitas para su vídeo ‘Bitch I’m Madonna‘. Ya realizó una gran presentación en vivo de la canción en la televisión americana, pero Nicki Minaj no pudo pasarse. Ambas le deben un dueto en vivo a su público presentando esta canción y en algún momento se rumoreó que Nicki actuaría por su cuenta en la ceremonia. Madonna libra pero está enfrascada en la preparación de su gira, que comienza a principios de septiembre en Canadá. Parece poco probable que se pueda pasar, pero esperamos que la hayan tentado… si es que los MTV Video Music Awards recuerdan quién ha sido Madonna para ellos mismos.
Major Lazer ft Mø y/o Ellie Goulding y/o Justin Bieber
‘Lean On‘, uno de los mayores hits del momento, sí ha sido interpretado en la tele con Major Lazer y Mø de cuerpo presente, ¿pero por qué no llevarlo al que se supone el mejor espectáculo del pop mundial con un show mejorado? ¿No pueden todos sus responsables? ¿Qué hay de Major Lazer interpretando ‘Powerful’ con Ellie Goulding? ¿Qué hay de Ellie Goulding haciendo uno de sus múltiples singles de éxito (‘Outside’, ‘Love Me Like You Do’, estrenando la nueva canción de James Bond…) .
Por cierto, ya que Justin Bieber está por allí, no estaría de más una interpretación en vivo de ‘Where Are Ü Now’ con Diplo y Skrillex.
Andrea Montes, mujer de Javier Fernández de Los Piratas, fallecido ayer tras ser disparado por un agente de la guardia civil, ha publicado una carta en Facebook en defensa de su marido por las acusaciones de maltrato vertidas sobre él en las últimas horas.
La policía había acudido al lugar de los hechos tras ser advertida por varios vecinos de un caso de malos tratos en el interior de un domicilio. Uno de los agentes, con la intención de tranquilizar su conducta violenta, era atacado por Fernández con un cuchillo y respondía con un disparo. El músico moría en el hospital a consecuencia del mismo horas después.
Montes defiende, sin embargo, que Fernández no era un maltratador sino que sufría una enfermedad mental y que su conducta había sido provocada por la retirada de la medicación por parte de su psiquiatra. Según Montes, el parto de su primer hijo había sido muy complicado y eso había empeorado la salud de Fernández, por lo que debía haber seguido con el tratamiento.
Según Faro de Vigo, la mujer del batería indica asimismo que los agentes actuaron erróneamente al entrar en el domicilio. «Yo y el bebé estábamos fuera a salvo, no era necesario que entraran y lo mataran», asegura.
La suegra del músico, por otro lado, culpa también al psiquiatra de Fernández por lo ocurrido. «La culpa es del psiquiatra que le quitó el tratamiento y le dio el alta a pesar de que su madre y mi hija le insistían en que necesitaba medicación».
Esta es la carta de Montes completa:
Soy la mujer de Javier, Hal 9000 bateria de los piratas. No voy a permitir que se manipule la información sobre lo…
Hace unos días se informaba de la desaparición de Toby Sheldon, un hombre de 35 años que se había hecho famoso por haber aparecido en varios programas como ‘Botches’ o ‘My Strange Addiction’, en los que afirmaba haberse llegado a gastar 100.000 dólares en operaciones de cirugía estética para parecerse a Justin Bieber. Lamentablemente Sheldon ha sido encontrado muerto en un motel de Los Ángeles, como informa el portal de sociedad TMZ.
Se desconoce la causa de la muerte, si bien las autoridades han afirmado que han encontrado drogas en la habitación, aparentemente vinculadas con los hechos. Los medios están asociando esta muerte con la del brasileño Celso Santebanes, que se produjo hace dos meses. Celso se había gastado 35.000 dólares en operaciones para parecerse al muñeco Ken. Dos noticias que reabren el debate sobre la fama, las aspiraciones y frustraciones que genera y sus consecuencias.
La noticia se produce justo cuando Justin Bieber está a punto de presentar su nuevo single, ‘What Do You Mean’, que saldrá a la venta mañana mismo, 28 de agosto. Avanza un nuevo disco que podría salir el próximo 13 de noviembre. Se trataría de su primer álbum en tres años, desde la edición de ‘Believe‘, un lapso muy poco habitual en el mundo del pop y menos en el mundo adolescente y post-adolescente. Hay rumores de que este domingo podría presentarlo en vivo en la gala de los Premios MTV, de momento no confirmados.
Beach House no es un grupo cualquiera. A la hora de ser entrevistado, tampoco. Como en su música, miden cada palabra y lo que pueden parecer en un primer momento contestaciones cortantes -casi bordes- se antojan a la larga respuestas que son cortas sólo porque son la síntesis de largas meditaciones. Los difíciles pero adorables Alex Scully y Victoria Legrand, que se ofrecen a completar cualquier detalle que necesite a través del mail, quejándose de lo fríos que resultan estos encuentros con la prensa de 19 minutos, componen uno de los grupos más especiales y «suyos» de nuestros tiempos. Eso es bueno. Este viernes 28 de agosto publican su quinto disco, el esperado ‘Depression Cherry’, y este otoño nos visitan de nuevo en concierto.
‘Bloom’ fue nuestro disco del año en 2012, pero tardamos varios meses en darnos cuenta de lo bueno que era. ¿Crees que este puede ser un «grower» similar?
Alex: «No sé, algunos amigos me lo han dicho, pero todo lo que puedo asegurarte es que hay mucha sutileza enterrada que no emerge al primer nivel en un primer momento. Es algo que siempre hemos hecho. Es la manera que tenemos de escribir. Me parece que hasta que no escuchas el disco unas cuatro o quizá cinco veces no percibes todo lo que hay en capas más subterráneas. Nos gusta hacer ese tipo de música, buscamos más las atmósferas».
De hecho una de las cosas que nos comentaste la otra vez cuando os entrevistamos es que queríais que las canciones os llevaran a sitios. Yo interpreté que os referíais más a las estructuras, pero quizá era más a las atmósferas.
Alex: «Es a ambas cosas (piensa un rato). Creo que en este álbum hay dos canciones que sí se desenvuelven en ese término, dos canciones que son «estrofa-estribillo». Las otras van de un sitio a otro».
¿’PPP’ es una de ellas?
Alex: «No, esa tiene estribillo».
Pero el final es otra cosa, sí te lleva a otro sitio…
Alex: «Sí, la verdad es que buscamos un gran final».
A finales de este mes (NdE: la entrevista se hizo en junio durante una visita promocional a Madrid), presentaréis una canción del álbum, ¿habéis elegido cuál?
Alex: «Creo que ‘Sparks’. No lo tenemos claro, no tenemos demasiadas nociones sobre el mercado comercial. Nos han dicho que saquemos ‘Sparks’ porque es la canción más diferente a lo que hemos hecho antes».
Victoria (incorporándose en este momento desde otra entrevista): «Tenemos una idea, pero no lo tenemos claro».
Estaba pensando en ‘Space Song’, que es la que se me ha pegado más después de las primeras escuchas y también en ‘Sparks’, es diferente y suena a My Bloody Valentine.
Victoria: «‘Sparks’ es el ejemplo de algo nuevo y eso es muy emocionante para nosotros. Creo que va a ser divertida de tocar en directo por su energía. Si piensas en la locura del mundo que vivimos hoy, esa canción lo define muy bien. El caos… espero que refleje el amor como una bola de fuego (risas)».
¿Podéis ver la influencia de My Bloody Valentine? ¿Os gusta el último?
Victoria: «Son una banda increíble y ese último disco es increíble. Creo que te puede recordar por la guitarra, las voces, ese modo de grabar suave pero muy alto… Pero My Bloody Valentine tienen un sonido único y ese es su sonido».
Alex: «También es una canción «muy nosotros». Seguro que lo dices por las guitarras. A veces evito meter una guitarra porque si metes una guitarra en una canción, te va a sonar inmediatamente a alguien».
¿Creéis que ‘Sparks’ puede ser una pista sobre el futuro de Beach House?
Victoria: «No sabemos, porque eso es algo que nunca hemos hecho, nunca hemos tomado una pista o un sonido para mirar a ver por dónde puede ir el disco siguiente. No es realmente de las últimas que hicimos, que serían ’10:37′, ‘Levitation’… Me gustan mucho los teclados que tiene ‘Sparks’, el tipo de sonido que ha resultado es muy salvaje, tiene sonidos que son bastante locos e intensos. Sonidos raros. Si oyes otros temas del disco, como por ejemplo el principio con ‘Levitation’, puedes asociarlo a otros puntos de nuestra carrera, a algunos aspectos particulares de ‘Bloom’, pero esta canción no».
Realmente más que los teclados lo que me ha llamado la atención son las guitarras.
Victoria: «La verdad es que las guitarras son increíbles, cuando Alex me enseñó el riff me encantó porque no se parecía a nada que hubiéramos hecho y sonaba muy pasional y enérgico».
¿Habéis compuesto en el estudio o no funcionáis así?
Victoria: «Cada canción está escrita desde antes, como desde septiembre de 2013 y a lo largo de 2014. Y luego grabamos entre noviembre y enero de 2015. En el estudio nos gusta experimentar, por lo que escribir en el estudio sería demasiado estresante. Podemos trabajar bastante rápido, pero cada canción lleva su tiempo y cada una, una cantidad diferente de tiempo. ‘Levitation’ llevó bastante desarrollarla al completo aunque teníamos todo escrito».
«Tratamos de dar a cada canción su momento. El pasado es el pasado y estamos en paz con él, pero en cada disco intentamos empezar de cero»
Has dicho que ‘Levitation’ puede contener guiños a ‘Bloom’. ¿Hay más, conscientes, a otros puntos de vuestra carrera?
Victoria: «No, simplemente la he mencionado en contraste con ‘Sparks’. Tratamos de dar a cada canción su momento. El pasado es el pasado y estamos en paz con él, pero en cada disco intentamos empezar de cero».
Antes hablaba con Alex de cómo vuestras canciones van a sitios. ‘Days of Candy’ empieza sonando como una banda sonora, como para ser tocada en un teatro ceremonioso, para después convertirse en una canción de Beach House. ¿Qué me podéis contar sobre esta canción?
Victoria: «Queríamos que fuera como un viaje. Es un viaje. Es el viaje final del disco. Cada parte es como un sitio nuevo. El principio lo grabamos con el coro del Pearl River Community College de Mississippi. No eran tantas personas y crearon un sonido muy bonito (piensa)… Es duro explicar por qué pasan cosas en las canciones».
Alex: «Hay tres sentimientos contenidos seguidos: el primero es solemne, el segundo es…
Victoria: «… dejar que algo se vaya…»
Alex: «Sí, empezar a aceptar que algo se tiene que ir, y el último es la epifanía».
Habéis escrito vosotros mismos la nota de prensa, que empieza diciendo «Beach House somos Victoria y Alex». ¿Y eso? ¿Alguna mala experiencia con cosas con las que no os identificabais?
Victoria: «Las notas de prensa son una pesadilla. Sólo queríamos decir que es ridículo el uso falso de la tercera persona. La mayoría de notas de prensa las termina escribiendo el propio grupo, pero para no decirlo, usan la tercera persona del plural (se ríen). Como la queríamos escribir nosotros, hemos decidido hacerlo directamente así. Lo que queríamos era que hubiera diferentes cosas de las que hablar al salir el disco».
Mencionáis en ella los aniversarios de las muertes Roy Orbison y John Lennon, artistas que yo nunca habría mencionado al oír el disco, y también hay bastantes citas de escritores en torno al paso del tiempo. ¿Fue bastante pensado o más casual?
Victoria: «No, es bastante casual. Con estas cosas pasa que alguien dice algo y la gente se lo toma de manera literal. Podríamos haber mencionado a Jamiroquai y la gente habría alucinado. Hay tantas influencias y cosas increíbles… así que soltamos algunas de manera casual «.
Alex: «Como autores somos bastante obsesivos, consideramos la composición como una especie de artesanía. Particularmente Roy Orbison era un maestro en su manera de componer, así que queríamos mencionarle».
«Este disco no es tanto sobre el tiempo. ¿El tiempo qué es? Para mí no tiene sentido decir que es sobre el tiempo. Sería sobre la irreversibilidad del paso del tiempo. Es sobre muchas cosas, sobre la pérdida, sobre no tener miedo…»
¿Este disco va más sobre el paso del tiempo que los demás?
Victoria: «No especialmente, tiene su propia vida. No sé yo misma lo que es…»
Alex: «No es tanto sobre el tiempo. ¿El tiempo qué es? Para mí no tiene sentido decir que es sobre el tiempo. Sería sobre la irreversibilidad del paso del tiempo. Es sobre muchas cosas, sobre la pérdida, sobre no tener miedo… ‘Teen Dream‘ iba más sobre el amor, así que este álbum sí tiene más que ver con esos temas que te he dicho, más que con el tiempo en sí».
¿Qué me decís del título ‘Depression Cherry’? Parece contener una contradicción. ¿Y por qué no «Cherry Depression»?
Victoria: «Es la belleza de las palabras, que puedes ponerlas al revés y transformarlas. Las palabras pueden referirse a objetos pero son significantes y abstractas. Es algo que me fascina, la totalidad de los significados. Todos los títulos de nuestros discos han sido abstractos. La elección de «Depression» y «cherry» encierra algo artístico… son dos palabras que nunca se habían puesto juntas, es una combinación que es difícil que se produzca, veremos cómo funciona (risas)».
Habéis dicho que los vídeos no son importantes para vosotros, pero después vais y sacáis una cosa como ‘Wishes’, que cambió totalmente mi visión de ‘Bloom’. Antes de ese vídeo mis canciones favoritas de ‘Bloom’ eran las tres primeras y después del vídeo han terminado siendo las tres últimas. ¿Qué haréis esta vez?
Victoria: «En ese caso está claro que un buen vídeo te ha hecho percibir la canción de una manera totalmente diferente. El arte de los vídeos es cambiar las cosas para siempre… Tenemos algo planeado… pero ‘Wishes’ fue ‘Wishes’ y ahora haremos otra cosa».
¿No te gusta particularmente el vídeo de ‘Wishes’? El momento en que «Leland Palmer» pasa el micro me parece glorioso…
Victoria: «Sobre todo la intro del vídeo. Llamamos a Eric Wareheim, que ya había trabajado con Ray Wise, o con «Leland Palmer» (Alex se ríe). La verdad es que dijimos que si Ray Wise no podía hacerlo, no haríamos este vídeo, sino otro. Teníamos la idea del gran estadio, él cantando, las banderas… Líricamente queríamos que ciertas cosas pasaran, tener a Ray fue genial».
«No nos importan las etiquetas. La gente necesita una guía en principio, pero ahí empieza y ahí termina: las canciones son más que dos palabras»
¿Qué opináis de la etiqueta dream pop? ¿Os molesta que se os meta en el mismo saco que las composiciones de Angelo Badalamenti, otras bandas sonoras y artistas que no tienen nada que ver o no son tan complejos?
Victoria: «No, no importa. La gente necesita una guía en principio, pero ahí empieza y ahí termina: las canciones son más que dos palabras. Llámanos lo que quieras».
Alex: «No creo que una etiqueta vaya a cambiar mucho la impresión de una persona sobre lo que es la banda».
Victoria: «Vemos muchas películas, oímos bandas sonoras… pero dream pop para nosotros es también Cocteau Twins, aparte de ‘Twin Peaks'».
¿Qué me decís de Twin Peaks? ¿Creéis que veréis la nueva temporada?
Alex: «No sé qué pensar, ¿qué opinas tú? (cruza los dedos). Además, David Lynch se ha salido del proyecto».
Victoria: «No, ya ha vuelto. Le han convencido para volver, tras pedírselo por favor».
Alex: «No lo sabía, habrá que esperar».
Tal y como informa El País, Javier Fernández, batería de los extintos Piratas (el grupo que lideró Iván Ferreiro), ha muerto en Ponteareas, Pontevedra, como consecuencia de un disparo de un guardia civil. Tenía 40 años.
Según un portavoz del Instituto Armado de Pontevedra, los hechos se han producido tras un forcejeo de Fernández con uno de los agentes presentes en el momento y que habían acudido a la vivienda del músico tras ser advertidos de un caso de malos tratos. Fernández había agredido a su mujer y la agredió de nuevo delante de los agentes, que indican que el músico presentaba una actitud «muy violenta».
Con la intención de tranquilizarle, uno de los guardias se acercó a Fernández y este le clavó un cuchillo en la cara. Entonces el agente disparaba, señala el Instituto, «apuntando en una zona no vital». El músico, sin embargo, fallecía en el hospital Meixoeiro de Vigo horas después de ser trasladado con urgencia y «donde permanecía estable hasta primeras horas de la tarde».
Según Faro de Vigo, Fernández habría retenido a su mujer y a su bebé toda la noche y amenazaba con matarle a él «y a su familia» en presencia de la Guardia Civil.
La misma fuente informa que la familia de la mujer de Fernández descarta que el caso se trate de un episodio de violencia doméstica y alude a la depresión que sufría el músico en los últimos tiempos y para la que, según su suegra, le había sido retirada la medicación. Según varias fuentes, sufría esquizofrenia desde hace 10 años.
Aparte de ser miembro de Los Piratas, Javier Fernández, que era conocido con el apodo de Hal 9000, daba clases de batería y había trabajado con Amaral o Enrique Bunbury. En Los Piratas tocó desde su nacimiento en 1991 hasta su disolución en 2004, dejando estos una de las discografías más queridas de la escena independiente española de los 90.
Actualización: la mujer de Javier ha escrito un comunicado para defender que no era un maltratador.
Repasamos algunos de los movimientos destacados de la lista de singles.
1(1) Gente de zona, Marc Anthony / La Gozadera
‘La gozadera’ es top 1 por séptima semana consecutiva. Curiosamente, sólo lleva 6 semanas entre las 50 más radiadas, esta semana subiendo al top 16: le queda cuerda para rato.
8(15) J Balvin / Ginza
Por segunda semana consecutiva, la subida más fuerte es la de J Balvin con ‘Ginza’. El tema contiene frases como «Si necesitas reggaeton dale / Sigue bailando, mami, no pares / Acércate a mi pantalón dale / Vamos a pegarnos como animales»
20(28) Flo Rida, Robin Thicke, Verdin / I Don’t Like It, I Love It
La canción del EP de Flo Rida que cuenta con Robin Thicke no ha dejado de avanzar desde que llegara a la lista en mayo y esta semana se cuela al fin en el top 20.
Supone una pequeña vuelta al éxito para Robin Thicke tras el aparatoso fracaso de ‘Paula’, pues ‘I Don’t Like It, I Love It’ ha sido top 7 en Reino Unido y top 43 en Estados Unidos, en este país su mejor posición desde 2013. En realidad, tras su top 1 ‘Blurred Lines’ sólo ha sido top 25 con ‘Give It 2 U’ con Kendrick Lamar y top 82 con ‘Get Her Back’ en USA.
35(51) Calvin Harris, Disciples / How Deep Is Your Love
49(59) The Weeknd / Can’t Feel My Face
Dos de las mejores canciones del momento para nuestra redacción y además sendos hits internacionales avanzan en la lista española batiendo sus mejores marcas.
Se trata de ‘How Deep is Your Love’ de Calvin Harris (top 2 en UK, top 60 en EE UU) y de ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd (top 1 en Estados Unidos, top 3 en UK).
La radio española de momento sólo apoya la de The Weeknd. ‘Can’t Feel My Face’ es la 48ª canción más radiada del país.
89(E) La Mafia del Amor, El combo perfecto / La disco resplandece
Teniendo en cuenta la cantidad de reggaeton que chupamos cada semana en la lista de singles, era cuestión de tiempo que el alias indie reggaeton de PXXR GVNG, La Mafia del Amor, junto a El Combo Perfecto, apareciera por el competitivo top 100 español, donde por comentar una ausencia, no ha aparecido el nuevo single de Lana del Rey.
Este ‘La disco resplandece’ era uno de los temas que aparecían en nuestro especial «Lo más sabrosón 2015«.
El tema, distribuido por Sony, lleva 3 millones de visitas en Youtube y nos recuerda que el debut de PXXR GVNG está a punto de caramelo.
97(E) Chino & Nacho Feat Gente de Zona, Los Cadillacs / Tú me quemas
La segunda entrada es reggaeton más tradicional. Este dúo venezolano ya apareció hace unos años por el top nacional con ‘El poeta’ y ahora vuelven con Gente de Zona, que os recordamos que son el top 1 actual.
La entrada más fuerte viene de mano de Julieta Venegas, que ha vuelto con un disco cargado de techno pop, política y regreso a sus raíces. Reseñábamos ‘Algo sucede‘ hace unos días.
Por comparación, el anterior disco, ‘Los momentos’, fue top 35 en España, pero en un período más competitivo, primavera.
66(E) Bullet for My Valentine / Venom
El grupo de heavy metal, que ha vendido 5 millones de copias en todo el mundo, se conforma con una modesta posición en España, pero es top 3 en Reino Unido y top 8 en Estados Unidos con este quinto disco. Uno de los múltiples singles de lo último de Bullet for my Valentine es ‘No Way Out’.
79(VE) Florence + The Machine / How Big, How Blue, How Beautiful
La falta de novedades, quizá el excelente vídeo de ‘Queen of the Clouds’ o el boca a boca produce un pequeño resurgimiento del disco de Florence, que también ha vuelto al top 10 en Reino Unido.
88(RE) Izal / Agujeros de gusano
Otra de las muchas re-entradas de la semana (Van Morrison, Abraham Mateo, Maldita Nerea…) son Izal. ‘Agujeros de gusano‘, que fue top 8 en su momento, ya acumula 33 semanas en la lista, si bien ellos ya piensan en su próximo disco, del que han adelantado ‘Copacabana‘.
96(E) Camarón de la Isla / Antología 2015
La segunda y última entrada de la semana es la de Camarón de la Isla con su Antología 2015. El doble recopilatorio había salido en junio pero ahora está de oferta en algunos grandes almacenes. Con él os dejamos.
El mítico club Ochoymedio celebra este año su 15 aniversario. Por eso, ha organizado una serie de eventos que tendrá lugar entre los meses de septiembre y diciembre y que acogerá actuaciones de figuras tan destacadas del indie nacional como Hidrogenesse, McEnroe, The New Raemon, Delorean, Ellos o La Bien Querida.
Desde su apertura el año 2000, Ochoymedio ha acogido algunas de las actuaciones nacionales e internacionales más sonadas. Especialmente memorables han sido los espectáculos de Yelle, Ladyhawke o Lady Gaga, que actuó por primera vez en España en Ochoymedio y por partida doble, ofreciendo un concierto extra para la que gente que se quedó fuera. Entre quienes han pinchado, aunque no siempre se recuerde, Franz Ferdinand o Arctic Monkeys.
Para acudir a varios de los conciertos del ciclo se han habilitado una serie de abonos.
Esta es la programación al completo:
Septiembre
4 Guille Milkyway (La Casa Azul) DJ set
19 The New Raemon + Ricardo Vicente + Belle and Sebastian DJ Set
25 Club del Río
Octubre
3 Mercromina
15 Carmen Boza
16 Carlos Sadness
22 Delorean + John Grvy
23 Ellos + Bla
31 McEnroe
Foals publican este viernes 28 de agosto su esperado nuevo disco, ‘What Went Down’, que presentarán en un par de semanas en el madrileño Dcode. Como promoción del álbum han escondido una serie de cintas gratuitas con el disco en varios lugares del mundo, ofreciendo sus coordenadas en Twitter, y por una vez nos ha caído algo en este país. Quizá porque el grupo está a punto de visitar la mencionada ciudad, una de las coordenadas nos lleva directamente a la Plaza de Guardias de Corps, muy cerca de donde se encuentra la tienda de discos Radio City. ¿O será Radio City lo que vemos en esta imagen?
Además de Madrid, Foals han soltado unas cuantas cintas en París, Oslo, Amsterdam, Berlín y Hamburgo, con una estrategia que nos recuerda mucho a la elegida por alt-J para promocionar su segundo álbum (tenías que bajarte una app y gracias a ella el disco podía oírse en algunos puntos concretos del mundo, entre otros las inmediaciones del Retiro).
El grupo ha pedido que los fans hagan fotos de los cassettes pero también que no suban su contenido a internet. A escasas 48 horas de que se lance el álbum, resulta que no se ha filtrado (a diferencia de lo que les había sucedido a alt-J). Eso sí, no queremos ni imaginar el precio que alcanzarán las cintas en el futuro si se han producido pocos ejemplares. En el tweet embebido, ya varios fans pelean por ser el primero en acudir. Permaneceremos atentos a la correspondiente página de Discogs.
Actualización: Los twitteros Alberto Pajares y Javier Garriga nos informan de que la cassette había volado ya «esta mañana». El tweet original de Foals es de las 12.18 horas.
@jenesaispop esta mañana ya se lo habían llevado :(
Julia Holter, autora de uno de los mejores discos de 2013, ‘Loud City Song‘, había anunciado un nuevo disco para el próximo 25 de septiembre. Se trata de ‘Have You In My Wilderness’, del que ya conocíamos un vídeo con perro, ‘Feel You’.
Ahora estrena otro tema, más claro si cabe, con reminiscencias de los Carpenters y los Stereolab y Broadcast más pop. Se llama ‘Sea Calls Me Home’ y según la nota de prensa es una canción sobre “apartarse de las cosas que te atrapan, el miedo a descubrir el sentimiento de libertad”. La canción «atrapa» de verdad.
Os dejamos con la nota de prensa que envía su sello en España:
«Have You in My Wilderness ha sido escrito desde las entrañas- cálidas, oscuras y crudas- para explorar el amor, la confianza y el poder de las relaciones humanas. Aunque las canciones sobre el amor son habituales en la música pop, Holter permanence fascinantemente enigmática con alguna de las composiciones más sublimes y trascendentales hasta ahora. Como sus anteriores álbumes, Have You in My Wilderness es rico en texturas, con arreglos electrónicos e instrumentos acústicos a cargo de músicos de Los Ángeles. Es uno de sus álbumes más introspectivos en cuanto a sonido, situando su voz en el centro, levantándola como si fuese una bruma en medio de la composición.
El resultado es llamativo, contundente y capaz de desarmar con tan sólo una escucha».
A espera de que a algún redactor de JENESAISPOP le toque hacer una aparición estelar en la gira actual de Taylor Swift en presentación de su último disco, el exitosísimo ‘1989‘, dos de las mayores estrellas «indie» que nos puedan venir a la mente subieron anoche al escenario de Swift para darse un baño de masas que probablemente no vayan a repetir en sus vidas.
Hablamos de Beck y St. Vincent, dos de los triunfadores de la pasada edición de los Grammy (él por ‘Morning Phase‘, ella por ‘St. Vincent‘). Ambos son los nuevos mejores amigos de Taylor Swift y subieron al escenario de la autora de ‘Bad Blood’ para tocar el último single del primero, ‘Dreams’, que producía Pharrell para un disco de Beck del que todavía no sabemos nada.
Ambos son las últimas estrellas en reunirse con Swift de una lista que incluye a Julia Roberts, The Weeknd, Lorde, Nick Jonas o, últimamente, a Ellen DeGeneres o incluso Alanis Morissette, con quien tocó el clásico ‘You Oughta Know’. La mecenas del pop ataca de nuevo.
Tal es la afición de Swift por invitar a gente a su espectáculo que una escritora estadounidense ha bromeado con el asunto en un vídeo que, de tan acertado, se ha hecho viral y es divertidísimo. Ella es Lara Marie Schoenhals y su vídeo acumula ya casi 730.000 visitas en YouTube. No os la perdáis dando la bienvenida al escenario al holograma de Maya Angelou, a las víctimas de Bill Cosby o a sus «dos nuevas mejores amigas», Gigi Hadid y la bruja de Blair.
El nuevo single de Swift es ‘Wildest Dreams’ y podremos ver su videoclip en la próxima edición de los Video Music Awards. Os dejamos con el salvaje adelanto:
Parece mentira porque ‘Ultraviolence‘ salió el año pasado, pero Lana Del Rey publicará nuevo álbum el 18 de septiembre, es decir, en menos de un mes. De ‘Honeymoon’ ya hemos oído el tema titular, el primer single, ‘High By the Beach‘; y la balada ‘Terrence Loves You‘, su favorita del álbum y que referencia a David Bowie.
Con todos los detalles que han trascendido de ‘Honeymoon’, lo cierto es que del plantel de productores del disco sabemos más bien poco. Lo que sí sabíamos desde hace tiempo es que Mark Ronson, uno de los productores más prestigiosos del pop en la actualidad, trabajaba con Del Rey en este nuevo álbum. Tanto ella como él habían confirmado la colaboración a los medios y esperábamos los resultados con ganas.
Ahora, sin embargo, conocemos que Ronson finalmente no formará parte del álbum de Del Rey. El mismo productor lo ha confirmado, tal y como informa NME (vía Digital Spy). «Odio cagarme en vuestra emoción pero solo trabajamos juntos un par de días y creo que ella es genial, pero realmente no terminamos haciendo nada para su disco», ha señalado. Ronson cree que no debería haber dicho nada para evitar malentendidos pero apunta que le encanta ‘Honeymoon’ (canción) y que el material que ha oído del álbum le parece muy bueno.
Previamente, Lana Del Rey había anunciado que le había presentado 10 canciones nuevas a Ronson «no tanto para que añad[iera] su sonido típico soul y funk, sino para explorar un sonido más cercano a la era dorada del jazz”. El álbum, indicaba la cantante, no vendría corto de «coros majestuosos, bellas orquestaciones [y] un rollo de los 50s con un poco de grunge suave”.
Hay que recordar que Ronson es autor de una de las canciones del año (pasado y este), ‘Uptown Funk’, interpretada por Bruno Mars. Su último álbum, ‘Uptown Special‘, no andaba escaso de colaboraciones e incluía la participación de músicos como Kevin Parker de Tame Impala, Andrew Wyatt o el mismo Bruno Mars. Lana, por su parte, no es especialmente dada a las colaboraciones, pero podremos oírla en el nuevo trabajo de The Weeknd, ‘Beauty Behind the Madness’, a la venta este viernes.
Pese al exitazo de ‘Uptown Funk’, el disco de Ronson ha sido un fracaso comercial. ¿Correrá ‘Honeymoon’ de Lana Del Rey la misma suerte?
Que se aparten alt-J. Everything Everything han superado con creces el premio al disco más pretencioso, pomposo y recargado de los últimos años. Ya su portada da cosica, pero es que una vez asimilada la experiencia que aporta este ‘Get to Heaven’ sólo cabe exclamar: «chatos, vais más pintados que una puerta». Estamos ante el tercer trabajo de la banda de Mánchester, pero ya en el momento en que publicaban su debut, ‘Man Alive‘, mi compañero Lolo Rodríguez sentenciaba sobre él: «no sabes si estás escuchando un zurullo o una obra maestra». El sucesor ‘Arc‘ contenía aciertos del tamaño de ‘Cough Cough’, pero a ratos parece que hoy en día seguimos casi igual… ¿O no?
‘Get To Heaven’ tiene una facilidad pasmosa para pasar de sonar a TV On The Radio a Phil Collins, como sucede en el corte titular, aderezado con unos silbidillos que también pueden recordar a ‘Moves Like Jagger’. Pero lo más curioso en los días en que estamos acostumbrados a asimilar géneros antagónicos conectados en la misma canción no es eso, sino que la letra habla sobre el «horror de la vida diaria» y sobre cómo el terrorismo nos hace sentir que cada día puede ser el último de nuestra vida, mientras nosotros pensamos simplemente en cosas como, literalmente, «cuál es nuestra contraseña / mientras los buitres aterrizan». Como el segundo disco de EMA, Everything Everything plantean si la tecnología nos da la felicidad o si consigue hacernos realmente tan diferentes de nuestros antepasados o de los animales (‘Distant Past‘ habla de la evolución del hombre), pero no se quedan ahí ni mucho menos.
¿Ojalá? ‘Spring / Sun / Winter / Dread’ habla de manera agresiva del paso del tiempo, al que califican como «un ladrón y un asesino» en una idea que habría encantado a Muse. ‘The Wheel (is Turning Now)’ cuestiona el liderazgo de nuestros políticos corruptos, especialmente el del Partido de la Independencia del Reino Unido (UKIP). Igualmente, ‘Zero Pharaoh’ compara la corrupción de hoy en día con los faraones que tuvieron a multitud de generaciones esclavizados a su servicio. ‘Fortune 500’ habla de cómo las instituciones más ricas son siempre las mismas pero también tiene tiempo para incorporar un atentado y plantear lo que siente un suicida con su bomba en última instancia a través de ese agridulce «I’ve won! I’ve won! They told me that I’ve won!». ‘No Reptiles’ es una canción sobre la alienación de la sociedad que plantea la opción de ser gobernados por reptiles, cuyo argumento el intensísimo grupo ha sido incapaz de resumir en menos de 5 parrafazos. Sobre ‘Regret‘, el líder Jonathan Higgs ha tenido que aclarar que no habla sobre la huida a Siria de tres chicas para ingresar en el Estado Islámico (algo que parece tratar colateralmente ‘To The Blade’), pero sí de la ansiedad que genera «no saber qué está bien y qué está mal del conflicto en este lugar o Ucrania». De manera significativa, el propio grupo ha intervenido en Genius para corregir de qué hablan algunas de estas letras.
¿Te has quedado con ganas de más? Pues hay seis bonus tracks (¡bien!). ‘Yuppie Supper’, casi instrumental, no necesita mucha explicación, pero el tema final, ‘Only as Good as My God’ describe las protestas en Londres tras la muerte de Mark Duggan por un disparo de la policía, entre acusaciones de racismo y discriminación. En ‘President Heartbeat’ dan gracias a los políticos por “nada en absoluto” mientras que ‘Brainchild’ no por llamar al amor deja de valerse de nada menos que la Biblia. ‘Hapsburg Lippp’ referencia las bombas que se pusieron en un autobús de Londres en los atentados del 7-J y a la dinastía Hapsburg como metáfora de la corrupción y el nepotismo, con la “p” del título triplicada como metáfora de aquellos a los que no se deja hablar.
Hay quien pensará que todas estas reflexiones serán del agrado de Víctor Lenore y esa oleada de periodistas agobiados porque el pop no es suficientemente político, pero como suele pasar cuando las bandas se acercan a estos temas, las letras no aportan tanto, cuando no resultan sonrojantemente tontas. El final de ‘The Wheel (is Turning Now)’, con esa vacua repetición de «Do you wanna know how far you’ve come? / Do you have any idea? / Do you have any ideas?», es tan lamentable que sólo se puede responder: «¡SÍ, LO SABEMOS!», mientras que la mayoría de las veces, las figuras elegidas son simplemente rocambolescas, como la del chupacabra (sic) en la final ‘Warm Healer’.
Pero también tenemos buenas noticias. En medio de este festival de solos de guitarra, falsetes, más referencias a TV On The Radio, fraseos a toda velocidad y elementos electrónicos, de vez en cuando emergen resplandecientes estribillos que debemos situar entre lo mejor de su carrera. Sucede en ‘Regret’ después de unas estrofas más turbias y propias de Talking Heads, o en la incontestable ‘Distant Past’. ‘Regret’ está claro que es uno de los momentos claves de este año y de su vida, puesto que la melodía de los «did you imagine?» no puede ser más resplandeciente. Por su parte, ‘Distant Past’ alterna de manera sabia la experimentalidad de las voces robóticas a lo Kraftwerk sampleadas y un estribillo de nuevo muy acertado.
A pesar de la densidad que esconde cada tema, lo que no se esconde por ningún lado es el gusto por el pop de Everything Everything y eso queda claro desde que empiezan con ‘To the Blade’ hasta ‘Blast Doors’ pasando por ‘Spring / Sun / Winter / Dread’, en realidad una pista de lo más bailable y loca (para bien). Con alguna salvedad como el desarrollo y final de «The Wheel», raro es el momento que ‘Get In Heaven’ musicalmente decepciona. Everything Everything han construido una obra cargante e indigesta cuando atiendes a sus textos, pero también paradójicamente accesible, única y al fin y al cabo representativa del año en que vivimos. El disco que termina de diferenciarlos de la masa. Para rematar, produce Stuart Price, que por fin hace algo que no sea buscar nuevos hits radiofónicos post-Madonna junto a Pet Shop Boys y Brandon Flowers.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Regret’, ‘Distant Past’, ‘Spring / Sun / Winter / Dread’ Te gustará si te gustan: alt-J, Muse, TV On the Radio y las letras de Bloc Party Escúchalo:Spotify
Tal día como hoy un disco capital de la historia del rock’n’roll aterrizaba en las calles hace cuarenta años: se trata de ‘Born To Run’, el álbum que redefinió a Bruce Springsteen en una superestrella del rock por aquel entonces. De él se ha escrito todo lo habido y por haber durante décadas, pero teniendo presente la feliz efeméride, aquí van unos motivos por los que, aún hoy en día, el tercer trabajo de estudio del «Boss» con la E Street Band sigue siendo una obra igual de fascinante que inmortal.
Fue el disco que marcó un antes y un después en su carrera
Tras el fracaso comercial que supusieron en 1973 sus dos primeros largos, ‘Greetings From Asbury Park, N.J.’ y ‘The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle’, pocos en el despacho del sello Columbia daban un céntimo por aquel joven de New Jersey que hizo de la poesía callejera su razón de ser. Las palabras que el periodista musical y poco después mánager de Springsteen Jon Landau le dedicó en 1974 en The Real Paper («El viernes en el Harvard Square Theater vi el pasado delante de mis ojos, pero vi algo más: vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen») llegaron en el momento justo, provocando que el músico dejara de sentir la presión de verse valorado únicamente por su capacidad de generar beneficios para mutar en una especie de profeta, de salvador de la clase media trabajadora.
Meses antes de que el disco llegara a las tiendas el tema titular ya se pinchaba en las principales emisoras de radio, provocando que el público acudiera en masa a las tiendas de discos y se fueran de ahí con las manos vacías. La campaña promocional no había hecho más que arrancar, y esta vez sí que ninguno de los actores implicados tendría motivos para quejarse. Springsteen hasta entonces no era más que una promesa del rock venerada por un reducto de seguidores que habían disfrutado de él en vivo. No obstante, gracias a esta colección de canciones, su figura se vio engrandecida y admirada por el público mayoritario.
A pesar de la publicidad salvaje, no era un simple capricho de los medios
A sabiendas de lo que tenía entre manos, Columbia invirtió 250.000 dólares en la promoción del disco. Muchos por aquel entonces veían en Springsteen un mero hype pasajero del que el mundo pronto se olvidaría. Y más después de que en la semana del 27 de octubre acaparara las portadas tanto de Time como de Newsweek por expresa orden de Mike Appel, su primer mánager (Appel fue el iniciador de esa dinámica periodística que responde a “si no hay portada, no hay entrevista”).
Ante esta guerra de cabeceras, Newsweek al final decidió publicar un artículo en el que, más que del artista en sí, se habló del bombo publicitario que rodeaba a Bruce. Sin embargo, Time sí que apostó por el rockero, aunque el autor del reportaje, Jay Cocks, desde un principio dejó claro que Springsteen podía ser muchas cosas, aunque para nada algo “nuevo” teniendo en cuenta que antes de él estaban Sam Cooke, Elvis Presley, Buddy Holly, Roy Orbison o Bob Dylan.
Pese a ese debate que le envolvía (cuya responsable era su propia discográfica, ya que el artista se negó en rotundo a que se usaran, por ejemplo, las aduladoras palabras de Landau como reclamo mercadotécnico en los carteles de sus conciertos), ‘Born To Run’ vendió 700.000 copias en sus dos primeros meses y en tiempo récord se convirtió en el primer disco de platino de la música rock tras despachar un millón de copias en EE UU.
Pudiéndose aprovechar de su incipiente fama, Springsteen además decidió actuar sólo en pequeños teatros (históricas fueron las diez fechas en el Bottom Line de Nueva York o su concierto en el Hammersmith Odeon de Londres en noviembre de 1975), creando desde entonces una comunidad perpetua con su público. Tal como Cocks escribió en Time: “Ni es sentimental ni superficial. Su música es primaria, en contacto directo con todos los impulsos de humor salvaje y de melancolía oblicua, de tragedia callejera y anarquía descarada que ha hecho del rock la voz característica de una generación”.
Llegó en el momento adecuado
Si hay algún disco de rock’n’roll del que se pueda decir que había necesidad de él en un tiempo y lugar concretos, ese fue ‘Born To Run’ en los Estados Unidos de mediados de los setenta. El espíritu libertario de los sesenta por aquel entonces ya era un mero recuerdo del pasado, y el país por entonces se encontraba en una crisis de valores en pleno post-Watergate y post-Vietnam.
La salvaje subida del precio del petróleo tras la guerra del Yom Kippur, asimismo, hizo que todo el país viviera en una recesión galopante y que la esperanza de un futuro mejor fuera algo cuanto menos utópico. Y, para más inri, el rock’n’roll había perdido gran parte de su frescura y la prensa únicamente se dejaba impresionar por la vertiente travesti del glam rock, el sesudo rock progresivo y el hedonismo de la música disco, abrazando esta última la exclusividad de las zonas VIP del Studio 54 y el Xenon, más que defender la paridad entre clases sociales.
Sin duda, el país necesitaba un narrador que, ante ese presente tan gris, llenara de esperanza una cotidianeidad difícil de sobrellevar.
Ofreció las letras que el público necesitaba
Los coches, los sueños, el amor, el peligro y la huida, todos ellos temas recurrentes del rock’n’roll, son la base sobre la que se vertebra ‘Born To Run’. Sin embargo, a mediados de los setenta, ese mensaje cobraba una nueva dimensión. Aunque desde sus inicios fueron temas recurrentes de su por entonces corta discografía, Bruce Springsteen en su tercera obra dio un gran salto cualitativo derrochando una madurez y una empatía en las letras que conectaron estupendamente con aquellos que sentían en sus carnes que sus aspiraciones en la vida se habían esfumado por completo tras acabar el instituto y recibir su primera nómina.
‘Born To Run’ sigue siendo una obra igual de poderosa que el primer día gracias al rechazo que sus protagonistas muestran a la hora de aceptar su destino y a la predisposición que tienen de seguir luchando aunque sus sueños se marchiten. Tal como el propio Springsteen ha declarado en diversas ocasiones, este es un álbum que habla sobre el heroísmo no ensalzado de la vida cotidiana, una obra que mira al futuro con optimismo de forma desafiante. “Juntos, Wendy, podremos vivir con la tristeza. Yo te amo con toda la locura de mi alma. Oh, algún día, chica, no sé cuándo, vamos a llegar a ese lugar donde realmente queremos ir y vamos a caminar por el sol. Pero hasta entonces los vagabundos como nosotros, nena, hemos nacido para correr”, canta el estadounidense en el tema titular resumiendo a la perfección su intencionalidad.
Cuenta con himnos de ayer, hoy y siempre
Springsteen en aquel momento ya empezaba a ganarse la fama de ser un músico obsesivo que trabajaba las 24 horas del día sin descanso en busca de esa melodía que solamente residía en su cabeza. En su siguiente álbum, el también capital ‘Darkness On The Edge Of Town’, su perfeccionismo ya rozó cuotas dramáticas, pero ‘Born To Run’ no se quedó para nada corto. Por ejemplo, tras seis meses enclaustrados en el estudio, él y la E Street Band únicamente fueron capaces de completar la canción titular.
Pero lo llamativo de esto es que, tirando de archivo, el propio Springsteen llegó a decir que, poco antes de que llegara el ultimísimo plazo de entrega a Columbia, detestaba todo lo que había grabado hasta entonces. Al final fue el propio Jon Landau el que le animó a seguir adelante diciéndole “¿tú crees que Chuck Berry se sienta a escuchar ‘Maybellene’? ¿No crees que, cuando la escucha, él desearía poder cambiar algunas cosas?”, así que a él le debemos que el disco viera la luz a tiempo.
Compuesto con el piano, sin usar ninguna guitarra en su fase elemental, Springsteen creó un muro de sonido a lo Phil Spector para desarrollar esta epopeya musicada que abría cada cara con una oda escapista (‘Thunder Road’ y ‘Born To Run’) y cerraba con sus particulares narraciones de pérdida y derrota (ahí están ‘Backstreets’ y ‘Jungleland’). Aunque lo más mágico de todo esto es comprobar cómo la totalidad del álbum sigue siendo no sólo esencial en cualquier concierto del «Boss», sino también en cualquier estantería de todo buen coleccionista que se precie.
Las introducciones instrumentales de casi todo su tracklist, la bellísima sobreproducción de la que hace gala (‘Jungleland’ con sus casi diez minutazos de duración y ese solo de saxo de esa bestia parda que fue Clarence Clemons deberían ser estudiados por cualquier artista que haga de la épica su razón de ser) y el mensaje esperanzador que destila de principio a fin hacen de ‘Born To Run’ una obra capital a la que agarrarse siempre. Feliz cumpleaños.
Junior Boys siempre han sido muy sutiles en sus discos, pero esta vez van un poquito más allá. Este año publicarán un 12″ con una versión de ‘What You Won’t Do For Love’ de Bobby Caldwell (editada a finales de los 70) y en ella la verdad es que esta vez sí se han lanzado casi de lleno a la pista de baile disco, rozando en algunas voces a los Communards y Bronski Beat.
Nos contaba Fernando León de Aranoa durante una entrevista que publicaremos en los próximos días que a él nunca se le ocurriría rodar una película bélica que se recreara en las víctimas. Que no le interesaba enfatizar a cámara lenta y con música trágica el dolor de los que sufren una guerra porque eso significaría contar solo un pequeño fragmento de todo lo que viven aquellos que tienen la mala suerte de verse sumergidos en un conflicto. 
Ebrovisión celebra este año su 15 aniversario con un cartel que incluye a Delorean, Hercules & Love Affair, Allah-Las o Supersubmarina, a los que os proponemos la posibilidad de conocer en persona.
La primera pista la dejamos ayer en el 
Chris Walla abandonaba Death Cab For Cutie antes de que estos editaran este año ‘Kintsugi’. Ahora el querido músico y productor anuncia un nuevo disco en solitario, que se compone de 5 canciones y en cuanto escuchéis el adelanto ambient ‘Kanta’s Theme’, como de banda sonora, entenderéis por qué. No habrá voces en el disco, es todo instrumental.
Destroyer publica este viernes 28 de agosto ‘
Ed Droste de 
Oh, ‘
La promotora Miles Away anuncia que las entradas para el concierto de Belle & Sebastian el próximo 14 de noviembre en Madrid están agotadas. Debido a esto se añade una nueva fecha a la gira presentación de su nuevo álbum ‘
Este domingo se celebra la gala de MTV Video Music Awards de la cadena musical que ya casi sólo emite vídeos de madrugada. Parten como favoritos Taylor Swift y Kendrick Lamar, y presenta los galardones Miley Cyrus en medio de una 
Andrea Montes, mujer de Javier Fernández de Los Piratas, 
Hace unos días se informaba de la desaparición de Toby Sheldon, un hombre de 35 años que se había hecho famoso por haber aparecido en varios programas como ‘Botches’ o ‘My Strange Addiction’, en los que afirmaba haberse llegado a gastar 100.000 dólares en operaciones de cirugía estética para parecerse a Justin Bieber. Lamentablemente Sheldon ha sido encontrado muerto en un motel de Los Ángeles, como informa el portal de sociedad 
Beach House no es un grupo cualquiera. A la hora de ser entrevistado, tampoco. Como en su música, miden cada palabra y lo que pueden parecer en un primer momento contestaciones cortantes -casi bordes- se antojan a la larga respuestas que son cortas sólo porque son la síntesis de largas meditaciones. Los difíciles pero adorables Alex Scully y Victoria Legrand, que se ofrecen a completar cualquier detalle que necesite a través del mail, quejándose de lo fríos que resultan estos encuentros con la prensa de 19 minutos, componen uno de los grupos más especiales y «suyos» de nuestros tiempos. Eso es bueno. Este viernes 28 de agosto publican su quinto disco, el esperado ‘Depression Cherry’, y este otoño nos visitan de nuevo 
Repasamos algunos de los movimientos destacados de la lista de singles.
Repasamos algunas novedades y movimientos interesantes de la lista de ventas española.
El mítico club Ochoymedio celebra este año su 15 aniversario. Por eso, ha organizado una serie de eventos que tendrá lugar entre los meses de septiembre y diciembre y que acogerá actuaciones de figuras tan destacadas del indie nacional como Hidrogenesse, McEnroe, The New Raemon, Delorean, Ellos o La Bien Querida.
Foals publican este viernes 28 de agosto su esperado nuevo disco, ‘What Went Down’, que presentarán en un par de semanas en el madrileño Dcode. Como promoción del álbum han escondido una serie de cintas gratuitas con el disco en varios lugares del mundo, ofreciendo sus coordenadas en Twitter, y por una vez nos ha caído algo en este país. Quizá porque el grupo está a punto de visitar la mencionada ciudad, una de las coordenadas nos lleva directamente a la Plaza de Guardias de Corps, muy cerca de donde se encuentra la tienda de discos Radio City. ¿O será Radio City lo que vemos en esta imagen?
Julia Holter, autora de uno de los
A espera de que a algún redactor de JENESAISPOP le toque hacer una aparición estelar en la gira actual de Taylor Swift en presentación de su último disco, el exitosísimo ‘
Parece mentira porque ‘
Que se aparten 
Tal día como hoy un disco capital de la historia del rock’n’roll aterrizaba en las calles hace cuarenta años: se trata de ‘Born To Run’, el álbum que redefinió a Bruce Springsteen en una superestrella del rock por aquel entonces. De él se ha escrito todo lo habido y por haber durante décadas, pero teniendo presente la feliz efeméride, aquí van unos motivos por los que, aún hoy en día, el tercer trabajo de estudio del «Boss» con la E Street Band sigue siendo una obra igual de fascinante que inmortal.