Una noticia buena y otra mala para los fans de Janet Jackson. La buena es que Janet volverá a Europa con su gira ‘Together Again‘. La mala es que España no es uno de los países incluidos en la agenda. Aunque sí uno cercano, Francia.
El tramo europeo de la gira ‘Together Again’ empezará en París el 25 de septiembre de 2024, después seguirá con cuatro fechas en Reino Unido y Escocia, estas son, el 27 de septiembre en Birmingham, el 28 de septiembre en Londres, el 30 de septiembre en Glasgww y el 1 de octubre en Manchester; y continuará en Amberes el 3 de octubre, el 5 de octubre en Múnich, el 6 de octubre en Colonia y el 8 de octubre en Berlín. La fecha final es en Ámsterdam el 10 de octubre. Wyclef Jean será el telonero de la gira salvo por la fecha londinense.
Jackson está repasando en la gira ‘Together Again’ todos los éxitos de su carrera. Por supuesto, ‘Together Again’ es también el título del single principal de ‘The Velvet Rope’, uno de los mejores discos de 1997. Del próximo disco de Jackson, titulado ‘Black Diamond’, sigue sin saberse nada.
Chico y Chica informan de la muerte de Félix Daniel a los 56 años. Félix Daniel es muy recordado entre los fans de Austrohúngaro por haber formado parte del entorno del dúo durante su formación, poniendo la voz masculina en su gran éxito ‘Tú, lo que tienes que hacer’. Es la canción más emblemática de Chico y Chica, perteneciente a su disco de debut, ‘Sí’. También trabajó con Lourdes Madow.
Este es el texto que han compartido ChyCha en Instagram: «Ayer domingo dijimos adiós a nuestro amigo Félix Daniel. Compañero en aventuras musicales, emocionantes viajes, conciertos y en cada momento de alegría y asombro que compartimos juntos. Escribimos a su medida “Tú lo que tienes que hacer” y la cantamos con él por primera vez el 25 de febrero de 1998 en El Convento, un bar pequeño y abarrotado de la calle Esperanza de Bilbao. Fue nuestro regalo por su 30 cumpleaños.
En estos últimos años, como modista, se encargó de hacer los figurines para el video “Que opinen las modelos” y el estilismo para el video “La actriz más mala que hay». Como discjockey siempre fue el primero en escuchar y testar nuestras canciones. Porque en todos estos años, con su criterio único e intuitivo, Félix siempre ha estado planeando sobre cada nueva canción que ibamos haciendo: “¿Le gustará a Félix?”, “¿Qué cara va a poner Félix?”, “¡A Felix le va a encantar!”.Estas fotos son de invierno de 2001 para nuestro álbum “Sí”.
Félix Daniel Pérez Sáenz
Bilbao, 25 de febrero de1968 – 28 de abril de 2024″.
Taylor Swift es obviamente el nuevo número 1 de las listas internacionales. La pregunta era de qué manera. ‘The Tortured Poets Department‘ es un disco doble, de hasta 31 canciones, lo que ha propiciado que las cifras sean aún más espectaculares.
En Estados Unidos, ‘The Tortured Poets Department’ ha conseguido despachar 2.610.000 copias en su primera semana. De ellas 1.914.000 han sido ventas reales y casi 700.000 han sido puntos de streaming. De hecho, este es el álbum más popular de la era streaming. También se ha batido un récord de la era moderna en la venta de vinilos: 859.000 en solo una semana.
Vinilos más vendidos en una semana en EE UU:
1, Taylor Swift, The Tortured Poets Department, 859,000, May 4, 2024
2, Taylor Swift, 1989 (Taylor’s Version), 693,000, Nov. 11, 2023
3, Taylor Swift, Midnights, 575,000, Nov. 5, 2022
4, Taylor Swift, Speak Now (Taylor’s Version), 268,000, July 22, 2023
5, Harry Styles, Harry’s House, 182,000, June 4, 2022
6, Taylor Swift, Red (Taylor’s Version), 114,000, Nov. 27, 2021
7, Adele, 30, 108,000, Dec. 4, 2021
8, Taylor Swift, Evermore, 102,000, June 12, 2021
9, Olivia Rodrigo, Guts, 94,000, Sept. 23, 2023
10, Travis Scott, Utopia, 93,000, Aug. 26, 2023
Pese al obvio éxito, no ha superado las cifras totales de la primera semana de ’25’ de Adele en Estados Unidos, que vendió casi 3,5 millones de copias en una semana, tras el furor que vivió en listas el anterior ’21’. Así queda el top 10 de mejores ventas en una semana en Estados Unidos, sumando ventas y streaming:
1, Adele, 25, 3.482 million, Dec. 12, 2015
2, Taylor Swift, The Tortured Poets Department, 2.61 million, May 4, 2024
3, Taylor Swift, 1989 (Taylor’s Version), 1.653 million, Nov. 11, 2023
4, Taylor Swift, Midnights, 1.578 million, Nov. 5, 2022
5, Taylor Swift, reputation, 1.238 million, Dec. 2, 2017
6, Adele, 25, 1.193 million, Jan. 9, 2016*
7, Adele, 25, 1.162 million, Dec. 19, 2015*
8, Drake, Views, 1.039 million, May 21, 2016
9, Taylor Swift, Lover, 867,000, Sept. 7, 2019
10, Taylor Swift, Folklore, 846,000, Aug. 8, 2020
En Reino Unido, el disco de Taylor Swift ha vendido en su primera semana 270.091 unidades. 109.000 han sido CD’s, 66.000 copias han sido vinilos, 4.500 cintas, 11.000 descargas, y 79.000 los puntos de streaming. También muy lejos de ’25’ de Adele, que superó las 800.000.
Otros países en los que Taylor Swift ha sido número 1 son Australia, Suecia, Holanda, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Noruega o Suiza. Entre los territorios donde se le ha escapado, Noruega (número 2) o Finlandia (número 2). El dato español se conocerá esta tarde.
Este domingo se ha celebrado un acto en Madrid, organizado por CCOO y UGT, en apoyo a Pedro Sánchez, que a las 11.00 horas de este lunes comunicará si dimite o no, tras 5 días de reflexión en los que se está planteando si los bulos que sufren él y su familia, aceptados recientemente en un juzgado, «merecen la pena».
En el acto, celebrado un día después de la manifestación de militantes y simpatizantes del PSOE en Ferraz, se ha reivindicado «la legitimidad democrática, el respeto y la convivencia», frente al «odio, el impudor y la mentira» que ponen en peligro la convivencia.
Entre las personalidades de la cultura que acudían al acto del domingo destacan Marisa Paredes y Miguel Ríos. La actriz ha leído un texto de Almodóvar, que está rodando en Nueva York y escribió una columna para El Diario sobre este tema. Por su parte ha dicho que es «verdaderamente emocionante que salgamos a la calle, que hagamos actos de apoyo a la democracia, a Pedro y a la democracia» y se ha mostrado visiblemente emocionada: «¿pero no vamos a hacer nada cuando vemos que el país está en un momento realmente peligroso?».
La carta escrita por Almodóvar y leída por Paredes dice que lo ocurrido «pone en peligro nuestra exigua democracia, ya de por sí mermada e imperfecta. Lo que está ocurriendo es gravísimo. Nos concierne a todos los ciudadanos y a todos los partidos políticos que hace tanto tiempo se han olvidado de nosotros».
Miguel Ríos ha elogiado a Pedro Sánchez por ser el político que «ha puesto el nombre de Gaza y la dignidad de los habitantes de la franja en el frontispicio de su pensamiento». Otros artistas presentes han sido Loles León, José Carlos Plaza, Rosa León, Olga Rodríguez, Juan Miguel Hernández León y Benjamín Prado.
Doja Cat ha criticado duramente a los padres que llevan a sus hijos a sus conciertos. «Dejad a los niños en casa, hijos de puta», ha escrito en redes sociales. La artista, que nunca ha tenido ningún reparo en llamarle la atención a sus fans cuando lo considera necesario, ha dicho en Twitter que no hace música para niños y que estos no deberían ir a sus conciertos.
«No sé qué coño te crees que es esto, pero yo no hago música para niños, así que dejad a vuestros hijos en casa, hijo de puta», publicó la cantante. «Estoy rapeando sobre semen, ¿por qué traes a tus hijos a mi concierto?». Lo cierto es que, actualmente, las diez canciones más populares de Doja Cat en Spotify tienen la marca de contenido explícito, siendo un recurrente en su discografía.
Un debate similar ocurrió en España hace unos meses, aunque propulsado por «trolls» de Internet que se hacían pasar por padres que criticaban el componante «pornográfico» de una de las actuaciones del concierto de Aitana. La artista nunca llegó a cambiar la coreografía, y esta acabó convirtiéndose en uno de los momentos más icónicos y esperados de la gira.
En cuanto a Doja Cat, la cantante acaba de concluir sus dos shows como cabeza de cartel del Coachella 2024 para promocionar su último disco, ‘Scarlet’. La rapera subió al escenario a 21 Savage y A$AP Rocky, y se atrevió a excluir dos de las canciones más importantes de su catálogo: ‘Say So’ y ‘Kiss Me More’. Ahora sabemos que, las hubiese cantado o no, no son para niños.
idk what the fuck you think this is but i don't make music for children so leave your kids at home motherfucker
Después del batacazo en taquilla de ‘Beau tiene miedo’ (2023), la película más cara de A24 hasta esa fecha, la productora neoyorquina debía estar temblando ante el estreno de su producción más ambiciosa en términos económicos (50 millones). Tras dos semanas en cartel en EEUU y una en el mercado internacional, seguirán temblando, pero de emoción: ya ha recaudado más de lo que ha costado. Una buena noticia, ya que puede ayudar a devolver la confianza de la industria por los proyectos originales de nivel medio, entre la megafranquicia y la película de autor indie.
Lo mejor de ‘Civil War’
1. Por fin un exitazo para Alex Garland. Escritor de culto (‘La playa’) y reputado guionista (‘28 días después’, ‘Sunshine’, ‘Nunca me abandones’), a Garland le faltaba un taquillazo para consolidar su interesantísima carrera como director (‘Ex Machina’, ‘Aniquilación’, ‘Devs’, ‘Men’) y poder aspirar a presupuestos más holgados que le permitan, dado su interés y talento para la ciencia ficción, llegar a grandes producciones como le ha ocurrido a Denis Villeneuve.
2. Su capacidad para capturar el clima sociopolítico actual. ‘Civil War’ ha llegado a la cartelera estadounidense en el momento más oportuno: en pleno año electoral. ‘Civil War’ imagina un futuro, un pasado mañana, en el que la polarización política, la fractura social y el auge del autoritarismo han provocado un conflicto armado entre estados secesionistas, distribuidos en tres alianzas, y los leales al gobierno liderado por un presidente de rasgos fascistoides (a lo que hay que sumar todo tipo de guerrillas locales). Una impactante distopía política, articulada en forma de road movie bélica y periodística, con una enorme capacidad para generar debates gracias a su ambigüedad ideológica y su punto de vista observacional.
3. La secuencia protagonizada por Jesse Plemons. ‘Civil War’ tiene muchas paradas en el camino, la mayoría muy estimulantes e interesantes, y un notable nivel actoral: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen Henderson… Pero la escena protagonizada por el marido de Dunst es de las que se recuerdan como un disparo a bocajarro. Ver a ese paramilitar armado hasta los dientes y ataviado con unas gafas carnavalescas preguntar a los periodistas “What kind of American are you?”, no solo es aterrador sino muy sintomático del momento en que vivimos.
4. El creativo uso de la banda sonora. Tanto las canciones de Suicide (‘Rocket USA’, ‘Dream Baby Dream’) como los efectos de sonido, particularmente los hiperrealistas disparos, están integrados en la puesta en escena de tal manera que enfatizan enormemente la sensación de tensión, amenaza y desesperanza que transmite la narración, facilitando una respuesta emocional en el espectador. No es una violencia lúdica y confortable la que vemos, sino profundamente desagradable.
Lo peor de ‘Civil War’
1. El final resulta extrañamente anticlimático. Obviamente, no lo voy a contar (y no me refiero al final final, sino a la escena anterior). Solo decir que, después de hora y media en la que Garland nos ha introducido sin problemas en una espiral de tensión dramática y acción bélica, parece increíble que no haya conseguido resolver uno de los conflictos que plantea de forma menos previsible y con más fuerza narrativa.
2. ¿Se ha pasado Garland de equidistante? Entre los debates que se pueden abrir tras ver ‘Civil War’ está también este: ¿debería Garland haberse mojado más? La postura del director ha sido posicionarse en un lugar neutro, el de los reporteros que informan sobre el conflicto (como si estos no tuvieran ideología o moral). Sin embargo, despolitizar algo tan sumamente político como una guerra, obviar qué extremos ideológicos alientan los discursos antidemocráticos y el enfrentamiento violento, quizás por miedo a espolear la misma polarización que denuncia, acaba resultando algo artificioso.
Pedro Sánchez revolucionó el panorama político de nuestro país el pasado miércoles. Después de denunciar una campaña de «acoso y derribo» que dice estar sufriendo junto a su familia por unas informaciones supuestamente vinculadas a su esposa, Sánchez anunciaba que estaba pensándose si seguir o no al frente del Ejecutivo.
Esto ha llevado a la izquierda a ocupar los alrededores de Ferraz para pedir a Pedro Sánchez que no se rinda y no dimita. Pero, lejos de ser una manifestación con insultos o donde primase el pesimismo, la manifestación frente a la sede del PSOE ha sido toda una celebración. Aunque no hay fotografías que confirmen la presencia de Quevedo, Bizarrap, Raffaella Carrà o Rigoberta Bandini, hay audios que demuestran que sí estuvieron sus canciones.
«¡Pedro, quédate!», gritaban al unísono los 12.500 simpatizantes que, según la Delegación del Gobierno, estaban reunidos en Ferraz. Pero ¿cómo gritar «Pedro, quédate» sin continuarlo con un «que la noche sin ti duele»? Los manifestantes cantaron, bailaron y rieron mientras pedían al presidente que no abandonara el cargo. «No estás solo», le dejaron saber en repetidas ocasiones.
«Yo nací para ser perra, por favor dejadme serlo», gritaban para mostrar su apoyo a Pedro Sánchez. El himno de Rigoberta es ya la nueva banda sonora de Sánchez, quien en las pasadas elecciones se ganó el dicho de «Más sabe el perro sanxe por perro que por sanxe». «Porque donde unas cuencas vacías amanezcan, ella pondrá dos piedras de futura mirada», cantaba la militencia socialista en referencia a Joan Manuel Serrat.
Del ‘Quédate’ de Quevedo pasaron al ‘Perra’ de Rigoberta para continuarlo con el ‘Pedro’ de Raffaella Carrá, haciendo que la gente cantara el «Pedro, Pedro, Pe» del estribillo mientras María Jesús Montero y Teresa Ribera bailaban al son de la música. Más tarde, el PSOE elegiría la canción ‘Algo que sirva como luz’ de Supersubmarina en un vídeo difundido en redes sociales sobre lo ocurrido en la manifestación. La hermana de uno de los integrantes del grupo fue alcaldesa del PSOE en Baeza entre 2015 y 2023.
Pedro Sánchez comunicará mañana su decisión. ¿Se quedará al ritmo de Quevedo, o le cantarán «Qué lástima pero adiós» de Julieta Venegas? «Llegados a este punto, la pregunta que legítimamente me hago es ¿merece la pena todo esto? Sinceramente, no lo sé. […] Muchas veces se nos olvida que tras los políticos hay personas. Y yo, no me causa rubor decirlo, soy un hombre profundamente enamorado de mi mujer que vive con impotencia el fango que sobre ella esparcen día sí y día también», escribió el miércoles.
📺TV en DIRECTO | María Jesús Montero agradece a los militantes su apoyo. “Fuerza, fuerza”, grita la vicepresidenta mientras suena a todo volumen la canción de ‘Perra’, de Rigoberta Bandini https://t.co/5fIQz81Z9ipic.twitter.com/a2X8LCHn1c
“En un mundo ideal y en otra época, yo no hubiera sacado otro EP hasta que no hubiera sentido un salto que te cagas, pero hoy en día, pues lo tienes que hacer”, comentaba hace poco Chico Blanco a Álex Jérez en Mondosonoro, a la vez avisando de que “ahora me apetece un poco estar a mi rollo y jugar (…) creo que todo esto me va a dar el espacio para volver a ser creativo como lo era en el momento en que di con este rollo que hago”.
La entrevista fue concedida con motivo del lanzamiento de ‘Forever 21, vol. 1‘, y llama mucho la atención no solo por sus declaraciones sobre el techno de Berlín, del que dice “pasar un poco” (“yo ya me lo he mamado en Granada en La Copera, a veces voy a Berghain a bailarme alguna sesión, pero me gusta más Panorama”), sino por el punto en que ve su carrera y su propia vida: no se considera un adulto, pero tampoco un adolescente, y eso es un poco lo que vemos reflejado en los dos volúmenes de ‘Forever 21’.
El primero era más arriesgado que ‘Gominola‘, pero seguía teniendo varios bangers, y el tono, comparado con esta segunda entrega, era mucho más hedonista, divertido, y sí, comercial. Esto, en cambio, es como aquel segundo bloque en el ‘blue lips’ de Tove Lo tras el éxtasis del primero (con ‘PITCH BLACK’, esa llegada a casa y las preguntas). Una primera escucha de ‘Forever 21, vol.2’ te puede dejar frío, porque desde luego no es lo que esperas encontrarte: no hay ningún tema inmediato aquí (lo más cercano sería el matiz urban de ‘MAYOR Q AYER’, o, si eso, parte de ‘TODOS LOS DIAS’). Pero, si te deja frío, prueba a ponértelo de nuevo, y seguido. Quizás la cosa cambie.
La nostalgia y el paso del tiempo eran los temas principales que Pablo Cobo quería explorar en este volumen, además de experimentar con los instrumentales y con el acercamiento al ambient. Y no tarda en hacerlo: el EP se abre con ‘OKEY’, un tema de 6 minutos en el que no escuchamos una sola voz… salvo la de Luz Casal. Un sample de ‘No me importa nada’ es el único vocal con el que, eso sí, Cobo juega a que te creas que una y otra vez, despedazándolo y haciendo que se me vengan a la cabeza, a la vez, la SOPHIE más espiritual y la Madonna de ‘Ray of Light’ (again, espiritual). Y quizás tiene sentido: pese a los temas nombrados, no estamos ante un EP dramón, sino más bien uno espiritual, e incluso optimista dentro de todo ese sentimiento melancólico ante el paso del tiempo.
“Sé que andas intentando no volcar / lleva su tiempo cambiar / to se mueve aunque tú lo veas igual”, canta en ‘HAZ LO QUE QUIERAS’, “siempre sale el sol, no siempre lo veo”, continúa en ‘TODOS LOS DÍAS’ (que empieza similar a ‘One Love’ de Guetta), donde GAZZI aparece añadiendo que “ahora vuelvo donde antes, y todo eso ya no existe / la gente es diferente, es todo un poco más triste / pero al finá siempre sale el Sol / quemará y lo entiendo, pero es lo mejor”. ‘Forever 21, vol.2’ es algo distinto en la carrera de Chico Blanco, pero al mismo tiempo lo vemos conectado con lo que ha hecho: bangers aparte, si te mola el Chico Blanco de ‘Fantasia’, ‘El cole no es para siempre’ (‘HAZ LO QUE QUIERAS’ es casi una secuela en concepto) o ‘Cadillac’ (una de nuestras covers de 2023), te puede interesar mucho darle una escucha a esto. “No siempre es igual, cambia con el tempo”, que dice él mismo.
Falta poco más de un mes para el lanzamiento de ‘Dopamine’, el disco debut de Normani. La exintegrante de Fifth Harmony ha anunciado que el álbum saldrá el próximo 14 de junio, lo que significa que ya debe ultimar los preparativos de cara a su lanzamiento. Es por ello que el anuncio ha ido acompañado de la publicación de Normani ‘1:59’, single principal de ‘Dopamine’ en colaboración con el rapero Gunna.
Lejos de tratarse del banger que cualquiera podría esperar como primer single del disco, Normani apuesta por una canción bastante tranquila de sonidos R&B. Teniendo en cuenta que la artista llevaba dos años sin sacar música, la elección de ‘1:59’ puede indicar mucho sobre la dirección que ha tomado en la creación de ‘Dopamine’. No tiene pinta de que vaya a ser un hit instantáneo, aunque podría dar la sorpresa y acabar siendo un grower de aquí a junio.
Normani canta en ‘1:59’ sobre cómo sigue vinculada a una persona con la que tuvo algo en el pasado y cómo ninguno puede resistirse a la atracción que sienten el uno por el otro cada vez que se vuelven a encontrar. La parte de Gunna logra que el tema no caiga en la monotonía, cuajando bien ambas voces. «No hables mucho, solo haz esta mierda», canta una sensual Normani. «Puedo decirte desde aquí arriba, nena, que vas a disfrutar las cosas que hago», le responde Gunna.
«El álbum se siente como una liberación, como una fase de libertad. No solo porque por fin salga el disco, sino porque es una celebración de todo lo que he pasado para llegar a este momento. Durante este proceso, he oído a Dios decirme: ‘Confía en mí. Sé que tienes miedo, pero confía en mí de todas formas. Atrévete a confiar en mí de todas formas. Ahora es el momento'», confesó la artista en una entrevista para Who What Wear.
Recientemente, Normani también ha confesado que, cuando sacó ‘Motivation’ en 2019, lloró porque no quería que fuera su single. «Es una locura. Ahora aprecio esa canción mucho más que entonces. Lloré, lloré mucho», desvela en una entrevista a Elle. «Decía ‘No quiero que este sea mi single’. Pero después tuve total control creativo sobre el videoclip, lo cual significó mucho. Solo quería sentirme representada. Ahora lo entiendo. Ahora lo entiendo mucho mejor».
Más de 250 artistas han firmado una carta abogando por la protección del consumidor en la venta de entradas para conciertos. Entre ellos, Billie Eilish, Lorde, Green Day, Fall Out Boy y Becky G., que se dirigen al Comité de Comercio del Senado para pedirle la aprobación de la Ley Fans First para que los consumidores tengan más transparencia en el proceso de compra de las entradas y sean protegidos de robots o revendedores.
«Como artistas y miembros de la industria musical, dependemos de las giras para ganarnos la vida, y valoramos a los fans de la música por encima de todo», comienza la carta. «Nos unimos para decir que el sistema actual está roto: los depredadores de los revendedores y las plataformas secundarias se dedican a prácticas de venta de entradas engañosas para inflar los precios de las entradas y privar a los fans de la oportunidad de ver a sus artistas favoritos a un precio justo».
Los cantantes denuncian que los revendedores hayan dañado la relación entre los artistas y sus fans al hacer que sus eventos sean «menos asequibles», a veces inflando los precios de las entradas hasta «20 veces su valor nominal». «Nadie se preocupa más por los fans que los artistas», dice la carta, defendiendo una ley que proporcine «más herramientas para combatir a los revendedores y el uso de bots ilegales» y prohíba «las entradas falsas y las tácticas de marketing engañosas». «Los revendedores fraudulentos no deberían ser más rentables que las personas que dedican su vida a su arte», finaliza la carta.
Hace un año discutíamos en JENESAISPOP cómo el mercado de los conciertos había cambiado radicalmente tras la pandemia y cómo la avalancha de eventos ha trastocado el mercado, perjudicando tanto a los artistas como a los fans. Recientemente, Jamila Woods anunció que había cancelado su gira para no perder dinero, siendo tan solo uno de los muchos casos actuales.
“¿Qué hace Emilio viendo una serie de fútbol?”, “¿por qué se ha enganchado Belén a una serie de fútbol?”. Los nombres de estos amigos míos son inventados, pero puede que tú lo hayas pensado con los tuyos estas últimas semanas. Yo, desde luego, he estado viendo cómo tuiteaba sobre ‘La Academia’ gente a la que a priori no podía pegarle menos hacerlo. Y me he visto a mí mismo devorando los episodios de una serie que para nada estaba en mis planes ver. Tenemos cerca el ejemplo de ‘Ted Lasso’ como serie sobre un equipo de fútbol que acaba siendo adorada por la misma gente que huye de los fifes como del demonio, pero, aunque desde luego el tono es muy distinto, no había habido ningún ejemplo en España.
En general, hay poquísima ficción sobre fútbol aquí, en principio paradójico teniendo en cuenta el poder que tiene el fútbol en nuestro país. Así que, como dando por hecho que el público generalista más futbolero va a pasar de ella, ‘La Academia’ (anunciada en la mismísima Variety como la primera serie en español de Sony Pictures) se ha ido a por otro público, ese que quizás estaba huérfano de una serie de adolescentes que realmente se comportasen como tales.
Porque estos años hemos visto ‘Heartstopper‘, ‘Young Royals’ o ‘Derry Girls‘, pero si hablamos de series españolas… digamos que ‘Élite‘, por muy entretenida que sea (últimamente ni eso), no es el mejor ejemplo. En ese sentido, ‘La Academia’ presenta a un grupo de adolescentes que se siente bastante más orgánico, y que recuerda a lo que vimos en ‘Merlí‘.
Parte de esa “culpa” está en el reparto. La serie ha pescado en los castings de ‘HIT’, ‘UPA Next’, ‘Paraíso’ o ‘Esto no es Suecia’ para las “caras nuevas” de su reparto joven, destacando especialmente la manera en que afrontan sus personajes Marc Soler, Rita González y León Martínez. Completan el cast joven Ton Vieira, Mia Sala-Patau, Jing Zhu, Jaume Ibars o Ebony Vidjrakou, y todos ellos están acompañados de valores seguros en el plantel adulto: Paco Tous, Diego Martín y Bárbara Goenaga son los tres pilares a los que hay que sumar a Marc Martínez (de la excelente ‘Intimidad’), Luka Perós (‘La casa de papel’), Irene Montalá (‘El Internado’, ‘El Barco’) o Eric Masip (‘Veneno’), además del cameo de la futbolista Mapi León. Todos ellos ayudan a dar veracidad a una historia que, por desgracia, a veces cuesta creerse… porque, como ocurría cuando comparabas nuestro mundo con el de ‘Los Sims’, el de ellos es un poco mejor.
En la serie, creada por Jacobo Delgado, Pablo Bartolomé y Laura León (sumando a Yolanda García Serrano en el guión, y con Fernando Trullols a cargo de la dirección), vemos el día a día de un grupo de chavales que está en la cantera del Apolo, un equipo ficticio que parece ser a la vez el Real Madrid y el Barça. Se muestra tanto el equipo masculino como el femenino, subrayando la menor importancia que se le da a éste, e incluso incluyendo un paralelismo respecto a las polémicas que ha habido con Vilda y el trato a las jugadoras.
Aunque cada capítulo nos cuenta el contexto de un personaje concreto, los protagonistas son los capitanes de cada equipo, Adrián y Lara, ambos con un punto de partida complicado; el primero ve peligrar su liderazgo con la entrada de Jairo (fichado en la calle por su talento, toca con la inseguridad de Adrián sobre si él es realmente bueno, sobre todo cuando su padre y representante presta más atención al recién llegado), y la segunda tiene al estricto entrenador como modelo a seguir por su perfeccionismo, lo que le derivará en dificultades a la hora de trasladar esta disciplina al equipo, también cuando decide defenderlas frente a las injusticias… y también a la hora de enamorarse.
Porque, evidentemente, el salseito es otro punto clave de la serie. Lara le tiene el ojo echado a Adrián, pero lo que no sabe es que él se lo tiene echado… a un compañero de equipo. Sí, ‘La Academia’ se atreve a poner el tabú que es la homosexualidad en el fútbol nada más y nada menos que a su personaje protagonista. La vulnerabilidad que Marc Soler es capaz de imprimir en la mirada de su personaje sin recurrir a las palabras (porque no puede) es vital para entender a un personaje al que al principio no soportas… y al que enseguida querrás darle un abrazo.
Algo similar ocurre con Rita González y el personaje de Lara, que en otras manos podría resultar antipática e inexpresiva, pero no en las suyas. Sin entrar en spoilers, ‘La Academia’ también da cabida a otros temas poco explorados en nuestra ficción como una relación abusiva entre dos chicas o el trastorno de conducta alimenticia en un chico. Y todo esto lo maneja sorprendentemente bien, aunque es cierto que se echa de menos algo de riesgo por parte de fotografía y montaje. Pero luego te meten en distintas escenas canciones de gente como Belén Aguilera, Ralphie Choo, Cariño, rusowsky, Natalia Lacunza, Samurai, Julieta, Alba Reche, Soledad Vélez y El Último Vecino, así que una cosa por la otra. En definitiva, no va a cambiarte la vida, pero, si te gustan este tipo de series, es de lo más digno que se ha hecho aquí últimamente.
Hay artistas que, por alguna razón, no terminan de despegar pese a tener un evidente talento para la música, y, a la vez, un punto comercial en lo que sacan. Afortunadamente, siguen sacando canciones, y tienen su nicho de intensas que les seguimos, pero el mainstream no lo huelen. Era hasta hace poco el caso de Chappell Roan, es el caso de Allie X o Slayyyter… y es, de manera más significativa, el caso de Isaac Dunbar.
Ya os hablamos de Isaac hace un par de años, cuando con solo diecisiete sacó el temazo ‘love, or the lack thereof’, en el que notábamos la influencia de Lorde, reconocida por él mismo, y no solo por compartir productor (Joel Little). En ese momento, Dunbar estaba a punto de sacar su tercer EP (‘Evil Twin’), al que siguió el también recomendable ‘Banish the Banshee’, y esta semana publica su quinto EP, con el que esperamos que su suerte cambie. Motivos hay, desde luego: ‘Beep Beep Repeat’ incluirá, además de los temas que aún no conocemos, el medio tiempo ‘American High’, la más funky ‘Apartment A’ y la que puede ser su mejor canción hasta el momento: ‘Backseat Girl’.
Esta vez no hay productor estrella, ni falta que hace: junto a su colega Jackson Shanks, Isaac (que aprendió sobre producción musical escuchando ‘ARTPOP’ y viendo tutoriales de Youtube) se marca todo un viaje con una estructura clásica y el pop de los 80 en mente. “Ser la chica del asiento trasero es sentir que te lo estás perdiendo todo. Te pierdes las risas, la diversión, las conversaciones que los demás sí experimentas… he intentado que sea un himno para la chica que se siente sola”, explicaba el cantante hace poco, revelando que él siempre se ha sentido un poco esa backseat girl, algo por lo que siempre intentaba compensar en otras áreas (pista: mala idea).
“Blame God, or blame mom, or blame you” repite Isaac en el estribillo de una canción que, ciertamente, tiene un toque clásico para el que el artista cita como inspiraciones a Stevie Nicks, Bowie y Prince. El videoclip, con el que declara haber querido homenajear ‘Hood’ de Perfume Genius, nos muestra un coche que es un poco el camarote de los Hermanos Marx en su parte delantera, mientras vemos a Isaac solo en la parte de atrás, solo fuera del coche, o con personas que no interactúan con él. “Bang bang the door down man! Let me in!” repite en el pegadizo puente, dejando también abierta una segunda interpretación para el tema: llamar la atención de un chico para el que, como decía MARINA, eres más un personaje secundario.
Estaremos atentos a la publicación de este quinto EP y a sus próximos pasos. ¿Quizás su esperado debut largo? ¿Quizás, como dice en ‘Apartment A’ (“I wanna go to Spain”), podamos verle en directo por nuestro país? De momento, tocará ser también sus backseat girls.
Cuando la prensa musical tuvo oportunidad de escuchar el nuevo disco de St. Vincent por primera vez, ‘All Born Screaming’ ni siquiera se había anunciado. No se conocía ningún single, ni la portada. Unas declaraciones iniciales de Annie Clark sobre el sonido del disco, que describía con la palabra “psicótico”, daban una vaga idea de lo que el público encontraría en él, pero… ¿cuándo no ha sido eso la música de St. Vincent?
En ‘Daddy’s Home’ las aguas se calmaron un poco. La aproximación de Annie Clark al soul y rock psicodélicos los 70 -que le sirvió para entregar un trabajo particularmente autobiográfico- es reivindicada por algunos, pero en general es ‘MASSEDUCTION’, el disco anterior, el verdadero estándar. ‘All Born Screaming’ es como una versión oscura de aquel álbum de St. Vincent de 2017, uno de los mejores del siglo XXI para este medio. Más oscura, mejor dicho.
En ‘All Born Screaming’ ya no hay tonos pastel ni chillones. Al contrario, la oscuridad se impone: Annie aparece en la cubierta quemándose viva. Las canciones sospechan que el “infierno está cerca” y que vivimos “tiempos violentos” y hablan de amores que «chupan la sangre» y de gente que «se tira de un tren». La música, a su vez, es un asalto a los sentidos. El paralelismo de la portada de ‘All Born Screaming’ con la autoinmolación de Aaron Bushnell insufla poder a un disco que suena tan agresivo y atormentado como la época en la que nos encontramos. Como toda época, supongo.
Pero hay matices. “En estos tiempos violentos”, canta Annie Clark en la orquestal ‘Violent Times’, “había olvidado que la gente podía ser tan buena”. El nuevo disco de St. Vincent afronta los males del mundo, pero no es catastrofista. Cuenta Clark a JENESAISPOP que “la vida es brutal, perdemos a gente, no vivimos eternamente”, pero, añade, «el mensaje que prevalece es que tenemos la oportunidad de vivir y de vivir nuestra vida plenamente”. Clark tiene razón: “Que sea duro no significa que no valga la pena”.
Para transmitir este mensaje de unidad frente al desastre, Clark se vale de sus estruendosas guitarras y por primera vez en su carrera se encarga ella de producir el disco sin ayuda de nadie. ‘All Born Screaming’ es el disco mejor producido de su carrera. Esta vez, Clark suena especialmente cómoda siguiendo las coordenadas del stoner rock en ‘Flea’, y de la música industrial, la de Nine Inch Nails, en ‘Reckless’. Sus angulosas melodías se contonean y adaptan a la forma de las producciones, pues ella empezó buscando el sonido del disco y este le llevó a las composiciones que lo conforman.
‘Broken Man’, el single principal, es un espectáculo de producción de rock de altísima definición en el que las guitarras están grabadas para darte un tortazo en la cara. La letra, tan violenta como promete su título, incluso parece incluir una referencia a la crucifixión de Jesucristo. ‘Broken Man’ es el mejor rock moderno posible, y es un banger. ‘Big Time Nothing’ es una apisonadora de funk-rock que tiene a Prince revolviéndose en su tumba. En los últimos minutos, Clark se desahoga en una coda asfixiante en el mejor de los sentidos.
Al disco -tengo que decirlo- le cuesta arrancar. ‘Hell is Near’ es un inicio ambiental y ‘Reckless’ estira la tensión hasta que al final tira la verdadera tralla. Después, el asunto se anima con la guitarrera ‘Flea’ y con una serie de composiciones que no son exactamente rockeras. La mencionada ‘Violent Times’ es el momento James Bond o Nick Cave del disco. Sin duda, aporta un bálsamo melódico a un trabajo oscuro y esquinado a partes iguales. Clark hasta se atreve con el reggae en ‘So Many Planets’ mientras invoca a un “rompecorazones que se desangra apoyado en su ventana quemada”.
Entre los momentos melódicos de ‘All Born Screaming’ destaca, para bien, el vals noir de ‘The Power’s Out’ y, para no tan bien, ‘Sweetest Fruit’, que amarga su sabor con una explícita referencia a la trágica muerte de SOPHIE que no viene demasiado a cuento. Después de tanta tensión y de enfrentamientos con la muerte -la propia, la ajena, la imaginada, la que exponen las noticias- el disco de St. Vincent echa el vuelo con los siete minutos de mantra del corte titular. Y de ahí, el «infierno» vuelve a estar cerca y, de repente, no suena tan mal.
Dua Lipa mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Illusion’ con el 41% de los votos en X, destacando el número 2 directo de Sabrina Carpenter con ‘Espresso’. Estamos ante el que era uno de los estrenos pop más exitosos de los últimos tiempos en las listas globales y en posición creciente. De hecho, deja en el puesto 3 el mismísimo dúo entre Taylor Swift y Post Malone. Otros que llegan esta semana a nuestro top 40 son Hozier, Fontaines DC, Dagny y Willow.
Las reacciones algo histéricas al ‘The Tortured Poets Department’ de Taylor Swift’ están dejando poco espacio para análisis más lúdicos de ese copioso nuevo disco: por ejemplo, el de las referencias en sus letras a diversxs artistas musicales. Y entre ellas hay un detalle particularmente fascinante. Junto a citas a Charlie Puth, Patti Smith, Stevie Nicks o The Starting Line, hay una mención no ya al maravilloso combo escocés de sofisti-pop The Blue Nile, sino en particular a una de sus canciones, la embriagadora ‘Downtown Lights’:
“Drowning in the Blue Nile. He sent me Downtown Lights. I hadn’t heard it in a while.”
El “he” en cuestión es Matt Healy de The 1975, quien ha declarado en más de una ocasión que The Blue Nile son su grupo favorito y una de sus mayores influencias. Pero escuchando los exuberantes paisajes de sintetizadores de la canción en cuestión se hace evidente que influyó mucho también a Taylor, en particular en el sonido acolchado y electrónico de ‘Midnights’ y también en buena parte de este nuevo LP.
Grabado en ese año tan querido por Swift (1989), el disco ‘Hats’ era el segundo álbum de The Blue Nile tras su debut de 1984 (‘A Walk Across the Rooftops’), y en él este trío tan singular tomaba las riendas de la producción. El resultado fue una colección de canciones con arreglos etéreos construidos en gran parte con el sintetizador Roland Jupiter 8, y que contrastaba bellamente con la voz muy expresiva y dramática -algo triste- de Paul Buchanan.
Al igual que otras bandas como Japan o Talk Talk habían hecho a lo largo de los 80, ‘Hats’ marcaba una evolución muy interesante de un sonido ‘blue-eyed soul’ británico hacia territorios electrónicos resplandecientes y atmosféricos, pero sin detrimento de las melodías: ‘Downtown Lights’ es excelente pop, y escuchado en la actualidad suena como algo de una época que no volverá, y a la vez como algo lleno de excitantes posibilidades -no es de extrañar que Taylor detectase aquí una veta perfecta para explorar.
La combinación es simple pero devastadora: la voz emocionante de crooner de los 80 de Buchanan, pads de sintetizador tocando acordes preciosamente evocadores, y letras sobre amor y desamor con indefinición impresionista, a veces simples enumeraciones de algunos de esos elementos urbanos que pueblan también el vídeo (“Los neones y los cigarrillos / Las habitaciones alquiladas o los coches de alquiler / Las calles abarrotadas, los bares vacíos / Chimeneas y trompetas / Las luces doradas, las oraciones de amor / Los zapatos de colores, los trenes vacíos / Estoy cansado de llorar en las escaleras / Las luces del centro.”)
The Blue Nile nunca se dejó encasillar en ninguna escena, ni de su Glasgow natal ni del Reino Unido. Perfeccionistas y poco amigos de la notoriedad ni la publicidad, su éxito acabó siendo más de crítica que de público. También tuvieron grandes fans artistas antes de Matt y Taylor, gente como Peter Gabriel o Annie Lennox (que grabaría una versión de ‘Downtown Lights’ en su disco ‘Medusa’ en 1995). Tras dos discos más, el grupo se disgregaría en 2004, pero Paul Buchanan lanzó un magnífico disco en solitario en 2012 (‘Mid Air’).
Preguntados por la repentina atención sobre su música, la banda ha declarado estps días pasados su sorpresa y satisfacción: Paul Buchanan dijo que “le conmovía” la mención en la canción de Swift, y Paul Joseph Moore declaró: “siempre pretendimos que la música, las palabras y también los paisajes sonoros llegasen a la gente corriente y aportasen un sentimiento de humanidad compartida. Me alegro de que a TS le haya tocado tanto nuestra música, pero no más que cuando ocurre con cualquier otra persona. ‘Downtown Lights’ no es ni mejor ni peor que cuando la hicimos en 1989. Pero quizá esto sí demuestre que conseguimos hacer algo lo suficientemente auténtico como para resultar duradero.”
«Siete meses sin sacar música», ha declarado Aitana recientemente en sus redes. Ese es efectivamente el tiempo que ha pasado desde que Aitana lanzara, el pasado mes de agosto, su último álbum, el bailable y hedonista ‘Alpha‘. Una eternidad en los tiempos de hoy.
Aitana seguirá presentando ‘Alpha’ por festivales este verano. Está confirmada, por ejemplo, en Mallorca Live. Sin embargo, la catalana enfila ya nueva música aprovechando que acaba de estrenarse en Netflix la película que protagoniza, ‘Pared con pared‘.
Pero hace unos días, Aitana compartió una fecha, el 26 de abril, y una coordenada que, introducida en el buscador de Google Maps, llevaba a un lugar recóndito de Islandia. La cantante visitó Islandia el año pasado para celebrar su cumpleaños, y volvió a visitar la isla el pasado mes de marzo. El resultado de las pistas es ‘Akureyri’, donde se despide de su relación con Sebastián Yatra acompañada de… Sebastián Yatra.
«Al final no fue culpa de nadie / Nunca es culpa de nadie / Pero te extrañaré», cantan Aitana y Yatra en una canción en la que se sinceran sobre el romance que vivieron juntos hace unos meses. Aunque nunca han querido abordar el tema públicamente, parece que sí han querido hacerlo a través de la música, lo que posiblemente los unió.
Esta no se trata de una versión de McEnroe, pero tampoco será la primera vez que Aitana dedique un tema a un país o ciudad que ha visitado: ya le cantó a ‘Berlín’ hace unos años. Por otro lado, el videoclip guarda una referencia a la película ‘Olvídate de mí’, donde los artistas aparecen tumbados encima de una placa de hielo. El filme también sirvió de inspiración recientemente para el disco de Ariana Grande ‘Eternal Sunshine’.
Después de haber apostado por la vía bailable de ‘Alpha’ en su anterior proyecto, la imagen que compartió Aitana de ella llorando mientras recuerda que hace tiempo que no saca música, apuntaba a que podría volver a la balada. Así ha sucedido, pero falta por ver si ‘Akureyri’ se trata de una excepción o de una premisa de lo que está por llegar.
Cala Mijas, el festival que ha traído a la Costa del Sol de Málaga a artistas de la talla de Arctic Monkeys, The Strokes o Florence + the Machine, ha comunicado su fin después de dos exitosas ediciones, las de 2022 y 2023, y su promotora, LAST TOUR, ha acusado al Ayuntamiento de Mijas de haber incurrido en un «grave impago» del «patrocinio» de la edición de 2023, entre otros «incumplimientos no menos graves». Ello, unido a la «desatención» y falta de «interés» del Ayuntamiento hacia el festival, ha llevado a Cala Mijas a «cesar en la organización y puesta en marcha de las próximas ediciones del festival». Todo esto se produce después de que el pasado mes de octubre se produjera un cambio de gobierno en Mijas, a través de una moción de censura que sacó al PSOE para que entraran PP, Vox, y un concejal no adscrito, ex de Cs, que tiene la llave del gobierno.
En un comunicado, LAST TOUR describe los «graves incumplimientos en los que ha incurrido el Ayuntamiento ante LAST TOUR, el más relevante de todos ellos consistente en el impago de las importantes sumas debidas en concepto de patrocinio con relación a la edición del festival de 2023; impago que ha persistido a pesar de los continuos requerimientos de pago formulados». Continúa: «A ellos se suman otros incumplimientos no menos graves, como la falta de acondicionamiento y dotación de instalaciones del recinto».
Cala Mijas razona que «es obvio que la injustificada desatención por el Ayuntamiento de sus compromisos contractuales impide la continuación de la colaboración pactada, pues, entre otras cuestiones, priva a LAST TOUR de un ingreso esencial para la promoción del festival en su edición de este y sucesivos años y, lo que es aún más lamentable, evidencia la falta de interés del ente municipal en el buen fin de la organización del festival». La promotora concluye por tanto que «LAST TOUR se ha visto forzada a tomar las decisiones de resolución del patrocinio y de cese en la organización del festival».
Miguel Figueras e Ignacio Alarcón dieron con un pequeño hit en pandemia. Sucedió cuando ‘si fueras lluvia’ empezó a sumar millones de streams, especialmente al ser incluida durante más de 2 años en la playlist de Spotify «Relax en casa». ‘sangre y sal’, su segundo disco, mantiene esa apuesta por la electrónica intimista, incluso podríamos hablar de cierta vinculación con la indietrónica de Postal Service en alguna ocasión. De vez en cuando le dan a sus temas un arrebato ligeramente rock y otras ligeramente rapero, pero quizá sea la etiqueta de bedroom pop la que mejor les encajaría en el hipotético caso de que fuera necesario elegir.
En un ataque de honestidad, vangoura citan entre sus influencias no solo nombres conocidos internacionales como Post Malone, artistas parecidos menos famosos como Gus Dapperton o Easy Life, sino también alguna estrella nacional de última hornada como Natalia Lacunza. Con ella comparten el interés por el desamor y el amor por uno mismo, la voz baja, el gusto por hacer las cosas deliberadamente en pequeño y el tipo de producción casera y local que dan a su obra. El dúo produce por sí mismo este trabajo, en compañía de Daniel Belenguer, que no es otro que Bearoid, y Teresa Gutiérrez, que no es otra que Ganges.
La voz de Miguel Figueras dota a las composiciones de vangoura de una adorable calidez, idónea para el mal de amores. ‘después de ti’ plantea después de su falso principio: «desde que te fuiste no he parado de preguntarme en qué la he cagado. De preguntarme qué hay después de ti». Incluso cuando parece que se adentra en la canción social, también nos están hablando de amor. Sucede en ‘números rojos’, la colaboración con Besmaya. El cantante va «con el agua al cuello» cuando solo es «día 10», no puede «pagar el alquiler» y se «cuela en el metro»… pero lo hace «solo por ver» a su chica, no para hacer la revolución. Eso sí, no descuida su salud mental. La bonita canción titular pasa de decir «debo alejarme para poderte ver de verdad» a concluir al final «debo alejarme para poderme ver de verdad».
La segunda parte de ‘08030’ sería una de esas pistas ligeramente más rockeras, de las que justifica esa mención a Cala Vento que encontramos en ‘cuando faltes’. Por su parte, los acordes de ‘sería perfecto’ son muy Coldplay, mientras ‘sobre el mar’ tiene la gracia de incorporar un minúsculo guiño bossa.
Entre canciones que a veces presentan alguna dificultad para diferenciarse entre sí, destaca el single ‘rachel y ross’. Composiciones que referencien a ‘Friends’ ya conocíamos (Astrud tenían una línea muy buena en ‘Minusvalía’), pero esta además tiene un estribillo muy bueno, cuando Miguel se cuelga «de una foto en la que salíamos mal».
vangoura actúan este viernes 26 de abril en Barcelona. Después aguardan citas como Mallorca Live Festival, Festival de los Sentidos y el Festival Gigante.
Hoy 26 de abril se ponen a la venta nuevos discos de Pet Shop Boys, St. Vincent, Justice, Anitta, Thom Yorke (la banda sonora de ‘Confidenza’), Perro, Jess Glynne, Rels B, Teddy Swims, SAIKO, Iron & Wine, Recycled J, Bullion, Delone, Cosmic Wacho, Hovvdy o Bala.
‘Contradicción‘, la colaboración de Love of Lesbian y Rigoberta Bandini, se encuentra entre los lanzamientos sueltos destacados de la jornada. Suenan las alarmas ante el estreno de un nuevo single de Normani. Su disco -el primero de su carrera- sale en junio después de miles de retrasos.
Christine and the Queens sorprende estrenando tema, el primero tras el lanzamiento de su ambicioso último álbum. Otro gran regreso es el de Nilüfer Yanya. Además, Aitana publica su balada dedicada a Islania, junto a Sebastián Yatra. Mientras, Twenty One Pilots, DIIV, Sega Bodega (en la foto) o Menta siguen avanzando sus próximos trabajos.
Hay plancha en la parte de música nacional. Nuevos temas de Babi, Ultralágrima, mariagrep, Queralt Lahoz, Axolotes Mexicanos con Aiko el grupo, nusar3000, Julieta, Perdón, Cometa, San Tosielo, Roko Banana, Amor Líquido o A Pedreira se suman hoy a la línea de lanzamientos.
A todos ellos se agregan también los estrenos de Lauv, Varry Brava, nuestros recomendados Softcult, Lara91k con Julieta Venegas, Ellis (te gustará si te gusta Ethel Cain), Laufey, Wallows, Tems, Cults…
Nilüfer Yanya está de regreso en el panorama musical tras dos años desde su último single. La artista, que publicó su segundo trabajo discográfico ‘Painless’ en 2022 (uno de los 50 mejores del año para JENESAISPOP), ha dado a conocer la carta de presentación de su tercer álbum de estudio. Se titula ‘Like I Say (I runaway)’ y, tal y como sugiere el nombre, no tiene tiempo que perder.
Apoyada por un rock bastante ágil que hace que el tema suceda casi volando, Nilüfer Yanya canta a un amor que se desmorona pese a sus esfuerzos por salvarlo. «Me estoy desgarrando por dentro», confiesa en el estribillo de la canción. Sin embargo, la artista sabe que no hay nada peor como estar en una relación en la que sientes que no estás aprovechando la vida. «Como digo, como digo, como digo / Huyo porque tengo un tiempo precioso / No puedo perder, es un estado mental», dice en una de las estrofas.
«Se trata de cómo eliges pasar tu tiempo. El tiempo, cada momento, es como una moneda. Nunca lo vas a recuperar. Es algo bastante abrumador de comprender», se sincera la artista al explicar el significado detrás del tema. Pero el single es incluso más desolador: «Dime que todo va a estar bien / Cuando me pierda de vista».
La cantante ficha a su hermana, Molly Daniel, para la grabación del videoclip de ‘Like I Say (I runaway)’, donde vemos a Nilüfer Yanya correr durante casi los tres minutos de duración. Dotando de humor el profundo mensaje de la canción, Yanya abandona al que iba a ser su futuro marido en pleno altar. Vestida de novia, tira al suelo el ramo de flores y huye sin mirar atrás. Quizás seguir adelante sea uno de los mayores logros del ser humano.
‘Like I Say (I runaway)’ es la primera música original que Nilüfer Yanya publica desde el lanzamiento de su último disco. Después la hemos escuchado colaborando con Liss (‘Boys in Movies’) o versionando a PJ Harvey (‘Rid of Me’).
Neil Tennant de Pet Shop Boys ha hablado sobre Taylor Swift en una entrevista con el periodista de The Guardian, Alex Petridis, realizada con motivo del lanzamiento de ‘Nonetheless’, el nuevo disco de Pet Shop Boys, que se pone a la venta hoy 26 de abril. Y su valoración de Taylor Swift no es exactamente positiva.
Tennant viene a decir que la música de Taylor Swift no le parece que esté a la altura del fenómeno. “He escuchado el disco de Taylor Swift”, comenta Tennant en referencia a ‘The Tortured Poets Department’. “Taylor me fascina como fenómeno porque es tremendamente popular y me hace gracia todo este asunto, pero cuando escucho las canciones, y tanto (Chris Lowe) como yo tenemos la misma sensación, cuando piensas en el fenómeno te preguntas, ¿dónde están las canciones famosas? ¿Dónde está el ‘Billie Jean’ de Taylor Swift?”
Cuando Tennant habla de música “a la altura”, se refiere a la complejidad de las composiciones. No le parece que ‘Billie Jean’ sea equiparable con ninguna canción de Taylor Swift. The Guardian sugiere que ‘Shake it Off’ puede ser igual de popular que el clásico de Michael Jackson, pero Tennant no está de acuerdo con la comparación. “No es ‘Billie Jean’. Ella tiene muy buena voz, y la producción es bonita, pero la melodía está cantada melodía para arriba, melodía para abajo”, expresa el músico británico.
Hablando del fenómeno que rodea a la autora de ‘Fearless’, The Guardian apunta que una de las razones de la popularidad de Swift es que sus seguidores -los swifites- disfrutan “teniendo una experiencia colectiva”. Tennant responde que “le gusta” que la música de Swift “una a tanta gente”, pero que precisamente la música le parece el componente “decepcionante” de todo el fenómeno. “Ni siquiera las letras, sino la música”, añade.
El tema de las letras de Taylor Swift es precisamente el que inicia la conversación sobre Swift entre Neil Tennant y The Guardian. Petridis asegura que las letras del pop de hoy están particularmente enfocadas en “el yo”, y Tennant concuerda: “Para tener una carrera de éxito en el pop hoy en día, tienes que haber mantenido una serie de relaciones amorosas increíbles, y después romper de manera trágica”.
Pedro Almodóvar firma una nueva columna en ElDiario.es, en la que reflexiona sobre los últimos acontecimientos relacionados con Pedro Sánchez y su posible renuncia a la presidencia del Gobierno, anunciada este miércoles 24 de abril. Sánchez ha publicado su ‘Carta a la ciudadanía’ a raíz de la sospechosa denuncia de Manos Limpias, un pseudosindicato ultraderechista, contra su esposa, Begoña Gómez, por dos supuestos delitos: tráfico de influencias y corrupción en los negocios. La denuncia, aunque ha sido admitida a trámite, hace aguas, pues se basa en recortes de periódicos, y Manos Limpias ha reconocido que puede estar basada en informaciones falsas.
La debilidad de la denuncia de Manos Limpias contra Begoña Gómez no ha impedido a la derecha y ultraderecha españolas movilizarse contra Pedro Sánchez apelando al «sentimentalismo» de su carta -en la que Sánchez reconoce estar «profundamente enamorado» de su esposa y, por contra, no tener ningún apego a su cargo- o a una supuesta «dejadez» de sus funciones. El próximo lunes 29 de abril, Sánchez comunicará su decisión de continuar o no en el Gobierno.
Almodóvar se ha topado con la ‘Carta de la ciudadanía’ en pleno rodaje de su próxima película y ha querido escribir un texto en el que muestra su comprensión por la decisión de Sánchez de tomarse un periodo de reflexión para decidir sobre su futuro profesional. Almodóvar reconoce que se enfrentó a la carta de Sánchez cansado después de un largo día de trabajo, y que, al leerla, rompió a llorar.
«Parece que a Pedro Sánchez no se le reconoce su humanidad, está obligado por su cargo a ser sobrehumano», señala el cineasta. Almodóvar escribe que «no existe ser humano que resista lo que el más resistente de nuestros presidentes ha estado sufriendo los últimos años, en una escalada que supera todo lo imaginable», y describe la «nueva técnica para derribar al adversario político» que se está empleando contra Sánchez para debilitarle. Una técnica que consiste en «acosarle mediática y judicialmente hasta quebrarle». Sánchez ya invoca esta técnica en su carta apelando al concepto de «La máquina del fango» de Umberto Eco. No sería una técnica tan «nueva» aunque Almodóvar así lo afirme.
En el texto, Almodóvar se muestra preocupado por el estado actual de la democracia, la cual percibe «exigua» y «mermada», y aprovecha sus palabras finales para pedir a la izquierda que se movilice para apoyar a Sánchez. Aunque Almodóvar no se encontrará en España el lunes, sino en Nueva York, rodando, pide a la izquierda que «despierte de su pesadilla y estupor» y organice «algún acto de apoyo a nuestro presidente (para) demostrarle a la otra España que somos muchos, tantos como ellos».
Love of Lesbian se preparan para el lanzamiento de un nuevo disco. El grupo, que hace poco tiempo celebró toda su discografía en un WiZink Center a reventar de gente, ha estado trabajando en nueva música (como allí mismo adelantaron) y están preparados para publicarla. El primer adelanto es ‘Contradicción’.
Se trata de un dueto con Rigoberta Bandini que toma la forma de canción-viaje típica de Love of Lesbian. Después de una intro que dura un minuto y medio (!!!), donde Santi Balmes y Rigoberta cantan acompañados de un órgano, ‘Contradicción’ echa el vuelo hacia la épica pop-rock del último disco de Love of Lesbian.
Las ‘Contradicciones’ de Santi Balmes y Paula Ribó están reflejadas en el estribillo de la canción, donde Santi y Paula cantan que «a veces el que pierde gana algo mejor», pero «quien se inventó la frase no te conoció». Miedo al compromiso, una relación complicada con la terapia y la autoayuda, y un dardo al turismo masivo apelando a unas Ramblas infestadas de «guiris», se van sucediendo en otra composición compleja de Santi Balmes que no renuncia al humor («llévame a la mierda, y si vamos de la mano mejor»).
«Huir de la contradicción sigue siendo una utopía para nosotros. Por eso, y porque aceptamos nuestras incoherencias, esta canción y adelanto de nuestro nuevo disco», ha comunicado el grupo en redes sociales. «Rigoberta Bandini elige salvarse de la ‘Contradicción’ y nos acompaña en la primera avanzadilla sónica de nuestro nuevo disco», continúa.
Aunque todavía no hay fecha de publicación ni título de su próximo álbum de estudio, que será el décimo de su catálogo, todo apunta a que podría llegar este mismo 2024. «Pasan los discos y la emoción es la misma», afirma Love of Lesbian. Supondrá la continuación de su ‘V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada)’, de 2021.
El Sonorama Ribera 2024 ha presentado su cartel definitivo. El festival, que celebra su 27 edición, tendrá lugar los próximos 7, 8, 9, 10 y 11 de agosto en Aranda de Duero (Burgos). Apostando sobre todo por el artistas del panorama nacional, ya se conocen todos los nombres que veremos encima del escenario.
Si bien la organización anunció a artistas como La Bien Querida, Mikel Izal, Juancho Marqués, Rayden, Travis Birds, Álvaro de Luna o El Kanka en la primera tanda de confirmaicones, hoy el cartel final presenta a muchos más cantantes y grupos, entre los que se encuentran Sen Senra, Paula Cendejas, Miriam Rodríguez, Hombres G, Marina Reche, Pol Granch, Los Planetas, Varry Brava, Valeria Castro o La Casa Azul. En el ámbito internacional destacan los argentinos Miranda!.
Como ya informó la organización hace unos meses, este año, y a diferencia de otras ediciones, el miércoles 7 el festival transcurrirá durante todo el día, mientras que el domingo 11 la programación será exclusivamente matinal y gratuita. «Nos moríamos de ganas de mostrar todo lo que viviremos en la cita más esperada del año que además une por fin a la familia Sonorama Ribera con Vibra Mahou. ¡Esto va a ser espectacular!», ha compartido la organización.
La venta de entradas y bonos ya está disponible en la página web del festival, sonoramaribera.com, donde además se puede encontrar toda la información relativa a la 27 edición. Aún quedan los últimos abonos vip.
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