Kanye West se retira de la carrera por la presidencia de Estados Unidos antes incluso del pistoletazo de salida. Según ha podido conocer en exclusiva Rolling Stone, el rapero no será un candidato en las elecciones que se celebrarán el próximo año.
Si bien Kanye West ya se presentó a las elecciones de 2020, parece que su sueño por ser presidente ha terminado. El abogado personal del artista, Bruce Marks, que también forma parte del asesoramiento de campaña, ha confesado a Rolling Stone que «no es un candidato a las elecciones de 2024». La decisión de se refleja en el comité político de Ye, Kanye 2020, cuyos gastos recientes son coherentes con su cierre. Tiene menos de 25.000 dólares en efectivo.
Pese a que el rapero había amenazado con presentarse en 2024 tras su derrota en las pasadas elecciones, todo indica que finalmente no volverá a intentarlo. Aunque siempre podría dar marcha atrás, una fuente cercana al comité Kanye 2020 ha revelado que «no hay ninguna estructura de campaña ni nada en ese sentido en marcha», considerando la probabilidad de una candidatura «más que remota».
Entre las últimas polémicas del cantante se encuentra su declaración de amor hacia Hitler, que fue precedida por una avalancha de comentarios antisemitas. Este podría ser uno de los desencadenantes de que Kanye West haya paralizado cualquier campaña para otra candidatura.
Es un error meter a todos los jóvenes en el mismo saco. Ni a todos les encanta TikTok -para esta web han escrito y escriben algunos que lo odian-, ni todos escuchan urban. El dúo Adiós Amores, formado por Iman Amar y Ana Valladares, en esto desde que tenían aproximadamente 25 años, han hecho «marca» con referentes tan inesperados como Jeanette, France Gall y Françoise Hardy. Amar admite que no tiene reproductor de vinilos, pero el sonido de su banda es como si se hubiese criado escuchando LP’s de Smash, Los Brincos, Los Chichos y Cat’s Eyes. Quitando a estos últimos, estamos hablando de lo que habrían escuchado no sus padres, sino sus abuelos.
Adiós Amores fueron uno de esos grupos que se hizo con un público durante la pandemia. Sus propios 7″ se agotaban y alcanzaban precios estratosféricos en Discogs, recopilándose luego en lo que llamaron casi que «Grandes Éxitos». ‘Sus Mejores Canciones‘ apareció en varias listas de los Mejores Discos de 2022. ‘El Camino’ es el que, ahora, consideran su debut. Publicado por Ground Control en colaboración con Sonido Muchacho, es fiel a todos los principios estéticos del dúo andaluz. Por un lado, se ha perdido algo de factor sorpresa; por otro, el grupo gana cuerpo y entidad.
Eso incluye un punto siniestro que ya relució en alguno de sus primeros singles, como ‘Doce navajas’, aquí muy presente en la tétrica ‘Humo negro’, en la que se combinan levitaciones con desasosiego: «es mi soledad el humo negro que me impide ver lo que yo tengo, y es que aunque quisiera, yo no puedo». ‘Ese lugar’ y ‘La sirena’ representarían también esos momentos de bajona.
Después, el álbum presenta otros temas más alegres. Recibe el nombre de ‘El camino’ porque pretende reflejar precisamente el tránsito de unas emociones a otras. ‘Cumbia de la serpiente’, sobre una serpiente que no se adapta a la gran ciudad, funcionará mejor en sus directos que en su versión de estudio, pero ‘Canción de despedida’ sí es todo un subidón como colofón final, con su momento de crecida a lo La Casa Azul. La pista empieza como una de sus grabaciones meditativas y espirituales, y termina por todo lo alto, dejando atrás el dolor de la ruptura. «Me has reventado el corazón partido en dos, pero yo puedo con cuidado recogerlo, y sé que al pasar el tiempo, ya me empezaré a sentir mucho mejor».
Por encima de su temática bucólica, con especial querencia por la fauna sobre la flora (inicio de ‘Ave rapaz’ y del disco), destaca la variedad rítmica y estilística. Son sintetizados los arreglos de cuerda -aunque no se nota-, pero refulgen los espectaculares arreglos de viento, grabados con músicos reales -es muy evidente en la mezcla- junto al productor Raúl Pérez. Trompetas y saxos te transportan a las plazas de los pueblos y a una infancia lejana, tanto como los estilos del álbum, tan variados como el rock (la guitarra de ‘Caras nuevas’), la rumba (‘La culpa’) o el Western (la excelente ‘El camino’).
Es difícil encontrar un cineasta tan veterano como Martin Scorsese que siga ofreciendo obras con las mismas ambiciones artísticas -o mayores- en la última etapa de su carrera que cuando era más joven. En los últimos 10 años, su cine ha recorrido una gran cantidad de géneros: desde la comedia excesiva de ‘El lobo de Wall Street’ al drama épico en el Japón feudal que es ‘Silencio’, pasando por ese regreso a los thrillers sobre mafiosos con los que se consagró llamado ‘El irlandés‘. Entre temáticas tan dispares, hay un elemento que une a todas estas obras: la voluntad de hacer de ellas un espectáculo, de crear una experiencia cinematográfica a lo grande.
Esta cualidad también la comparte su nuevo trabajo, ‘Los asesinos de la luna’, un drama de 3 horas y media que rescata un episodio no demasiado conocido de la historia estadounidense basándose en una investigación del FBI (y en una novela de David Grann). La película se sitúa en Oklahoma en los años 20 cuando se descubre petróleo bajo la tierra donde habitan los Osage, una comunidad de nativos americanos. A raíz de ese hallazgo, comienzan a sucederse una serie de misteriosos asesinatos contra ellos.
Scorsese pone el foco en la relación que se establece entre Mollie Kyle (Lily Gladstone), una mujer Osage, y Ernst Bukhart (Leonardo DiCaprio), un hombre blanco. Este último está a las órdenes de William Hale (Robert De Niro), su maquiavélico tío, que ha trazado un plan para acabar con la riqueza de los Osage y beneficiarse él de sus prósperas tierras.
En ‘Los asesinos de la luna’, el cineasta establece un estimulante balance entre las formas narrativas clásicas con las que se acerca a la historia y el discurso contemporáneo anticolonialista que subyace a lo largo de todo el metraje. Lejos de dar discursos, el guion de Scorsese junto a Eric Roth es pura elegancia: un despliegue de agilidad narrativa que no es frecuente encontrar en el cine comercial contemporáneo. Su extensa duración está perfectamente justificada en sus enormes ambiciones temáticas, donde denuncia el capitalismo salvaje que lleva a la aniquilación de una población indígena o el racismo intolerable histórico de su país.
También propone un interesante juego con sus fascinantes personajes y las complejas dinámicas que se crean en sus relaciones. A sus intérpretes predilectos -un colosal DiCaprio y un gran De Niro- se incorpora por primera vez en su universo Lily Gladstone (aquella presencia deslumbrante que descubrimos en ‘Certain Women’ de Kelly Reichardt), en el que es el papel más importante de su carrera. La actriz ofrece una interpretación tan potente como delicada en la que no necesita de grandes gestos para ofrecer un mundo de expresividad.
‘Los asesinos de la luna’ funciona tanto como manifiesto sociopolítico como pura evasión. Su mastodóntica producción nunca le impide tener claro su foco (recordar la historia para que no caiga en el olvido, honrar a los Osage cuyas vidas fueron arrebatadas por la injusticia de clase) pero tampoco elaborar una narración épica y atemporal que se mira en el gran cine americano.
No resulta casual que Scorsese, un cineasta que siempre ha estado preocupado en retratar, de una forma u otra, la violencia de Estados Unidos, haya querido llevar a la pantalla una historia como esta: una película de época que habla tanto del pasado imborrable como del propio presente. Aquí no encontraremos ese frenetismo habitual en el montaje ni movimientos de cámara alocados, sino un acertado clasicismo formal. Es una película que no atiende a las dinámicas contemporáneas del cine comercial, que no busca el impacto ni sobre-estimular al espectador con piruetas narrativas. Precisamente por eso su calado es tan profundo.
Sasha Velour, la drag queen aclamada por la crítica y ganadora de la novena temporada de RuPaul’s Drag Race en 2017, llevará ‘The Big Reveal Live Show!’, su nuevo espectáculo de 90 minutos a Estados Unidos, Reino Unido y Europa, incluyendo dos fechas en nuestros país: el 7 de abril en la sala Paral.Lel 62 de Barcelona y el 8 de abril en el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid.
Las entradas estarán a la venta el viernes 27 de octubre a las 10 horas en los puntos de venta habitules. Habrá preventa el jueves 26 de octubre a las 10 horas.
«Considerada como una de las artistas drag más importantes de nuestros tiempos, Sasha Velour traerá a España su estilo único con un show que, entre otras muchas sorpresas, incluirá nuevos ‘lip sync’, visuales poderosos y un nuevo invitado en cada ciudad», cuenta el comunicado oficial. «El público se reirá, llorará y será testigo de una artista en la cima de su carrera profesional».
Velour, conocida por su show ‘Smoke & Mirrors’, también ha publicado música, como el single ‘Pirate Jenny’ y el EP ‘One Dollar Drags’.
Virginia Diaz ha anunciado su marcha de ‘Cachitos‘, el programa musical de TVE que presenta desde hace más de una década, y que, en los últimos tiempos, vive un gran momento de popularidad. Ángel Carmona presentará ‘Cachitos’ a partir de 2024. El locutor ha sido noticia recientemente por dejar Radio 3 después de 15 años.
En un comunicado, Diaz cuenta que ha sido un «lujo» haber formado parte de ‘Cachitos’, pero subraya la dureza de los rodajes, y confiesa que «hace tiempo que me rondaba por la cabeza que ya iba siendo hora de parar, porque hay cosas que dejan de hacerte feliz». Sus palabras son parecidas a las que han expresado El Columpio Asesino sobre disolución.
«Después de casi once años de mucho aprendizaje y muchas risas, mi aventura con Cachitos llega a su fin», cuenta Diaz en su comunicado. «Y, aunque suene manido, me siento muy orgullosa de haber sido parte de uno de los mejores programas de televisión. Esto es así. Solo tengo palabras de agradecimiento por haber tenido la oportunidad de presentarlo. Ha sido un verdadero lujo porque hemos hecho ficción con recursos de tele (¡y los de La2!) y el equipo de dirección, realización, guion, montaje, edición y demás siempre ha conseguido unos resultados espectaculares. Mucho talento».
Diaz continúa: «Pero no os voy a engañar, los rodajes han sido muy duros. Muchas horas de grabación, la mayoría fuera de casa, estrés porque se acababa la jornada de rodaje y no habíamos terminado y, además, se me iba el tren de vuelta y muchas veces, mucho, mucho, mucho frío, sobre todo, cuando grabábamos en exteriores. Cansancio físico y, en mi caso, también mental porque tiraba de memoria todo el rato para intentar no saltarme ni una sola coma de los textos tan geniales que salen de las mentes privilegiadas de lxs guionistas del programa y había que repetir el plano una y otra vez. La tele es así».
«Lo cierto es que hace tiempo que me rondaba por la cabeza que ya iba siendo hora de parar porque hay cosas que dejan de hacerte feliz y empiezan a pesar demasiado y, si no hay nada más que lo compense, lo mejor, para una misma, es decir que no», concluye la periodista. «Era un “secreto a voces” pero me pidieron que no me despidiera por aquí hasta días antes de presentar novedades, por eso lo hago hoy».
Lana Del Rey ha demostrado ser una de las mejores y más influyentes compositoras de su generación. Sin embargo, aún hay quien pone en tela de juicio su camino al éxito. La idea de que Lana no es una estrella realmente hecha a sí misma, supuestamente porque proviene de una familia rica, como si el talento se pudiera comprar de esa manera, ha perseguido a la artista desde los albores de su carrera.
Parece que alguien ha vuelto a sacar a relucir este argumento publicando un comentario en la cuenta de Instagram de Lana Del Rey, que por supuesto Lana ha visto. Y la autora de ‘Ultraviolence‘ ha decidido contestar para desmentir que se haya criado en una familia bien.
En un mensaje captado por la cuenta de X The Cult of Del Rey, y recogido por Stereogum, Lana asegura que su familia «en absoluto tenía dinero», y señala que esa es «una historia que a los medios les encantaba contar sobre mí, en la época en que a los medios se les permitía escribir mentiras sobre otras personas». Elizabeth Grant cuenta que «yo me crié en un pueblo de montaña, en una casa pequeña, y nos costaba lo mismo llegar a fin de mes que al resto de personas en un pueblo de 900 habitantes», y sentencia que «no existe otra verdad» que esa. Y añade: «Si esa historia fuera cierta, lo reconocería, como hago con mis otros asuntos. Pero no voy a fingir que sabía lo que era tener dinero, porque no lo supe hasta que cumplí 26 años. Hay personas famosas que se han criado en la riqueza, pero yo soy una de ellas».
La edad que cita Lana en el mensaje no es casual, pues ella tenía exactamente 26 años cuando ‘Born to Die‘, su primer disco, vio la luz en 2012. Hoy, ‘Born to Die’ es uno de los mayores clásicos de pop del siglo XXI: el disco ha cumplido 500 semanas (10 años) dentro del Billboard, y todos y cada uno de sus temas están certificados con un Disco de Oro o Platino.
En un vídeo publicado en Instagram, y borrado después, Lana ha vuelto a aclarar el malentendido sobre sus orígenes familiares. Grant cuenta que se crió en uno de los pueblos «más rurales» de Estados Unidos (refiriéndose a Lake Placid) y que estudió en un internado afluente (no lo menciona por nombre, pero es Kent School, uno de los colegios más caros del país) gracias a una ayuda económica y a que su tío trabajaba en la administración. Del Rey asegura que sus compañeros de colegio venían de familias con dinero, pero que ella no, y que se enfrentaba a constantes burlas por sus orígenes. Lana explica que sus compañeros le marginaban y que le llamaban cosas como «white trash». Además, señala que, aunque su padre empezó a comprar dominios web en un momento de su vida, no se lucró con ellos hasta tiempo después.
Después, Lana vuelve a explicar cómo consiguió actuar en Saturday Night Live antes de haber publicado un disco, algo inusual en la época. «Cuando actué en SNL vivía en un hostal, pude tocar ahí porque había firmado un acuerdo editorial en Alemania, Austria y Suiza».
Keeping this up for five minutes because I do not wanna keep talking about it. But it is what it is
Curiosamente, la propia biografía oficial de Lana disponible en Spotify parece contradecir sus palabras, pues cuenta literalmente que ella viene «de padres ricos». Su padre, Rob Grant, se ha dedicado al mundo de las finanzas, ejerciendo de broker, y también ha sido redactor publicitario y desarrollador web. En el vídeo, Lana cuenta que su padre también ha trabajado en el mundo de la carpintería. Este año, Grant ha publicado su álbum debut, ‘Lost at Sea’, inspirado en su afición al mar. Lana colabora en la pista titular y en ‘Hollywood Bowl’.
Por su parte, la madre de Lizzy Grant, Patricia Hill-Grant, también ha trabajado en el mundo de los negocios, ejerciendo de contadora ejecutiva. En el vídeo, Lana explica que Patricia se dedicaba a la educación especial. Con su progenitora, Lana mantiene una relación distante. «No he visto a mi madre en mucho, mucho tiempo», canta Lana en ‘A&W’.
Este verano, Lana, que siempre ha recordado que vivió su juventud en un parque de caravanas, y que dio sus primeros pasos en la músico tocando en bares y antros, ha querido volver a probar la sensación de vivir una vida humilde, y se ha colgado un delantal para trabajar de camarera en un «waffle house».
En otras noticias relacionas con Lana Del Rey, la artista está a punto de publicar nueva música. ‘Suburban House’, su single con Holly Macve, sale «en unos días».
Neil Young, recientemente reivindicado por Sufjan Stevens en su disco ‘Javelin‘, sigue regalando novedades a sus seguidores. ‘Chrome Dreams’, su disco «perdido» grabado entre 1974 y 1976, vio la luz el pasado mes de agosto, y ahora se anuncia otro.
Pero no os hagáis ilusiones: ‘Before and After’ será simplemente un disco de versiones acústicas. Young ha armado el repertorio escogiendo canciones de toda su carrera. Y se ha dado el capricho de reunirlas todas en una única pista de 48 minutos.
‘Before and After’ sale el 8 de diciembre, y ya puede escucharse la primera mitad a través de Youtube. Jeff Tweedy de Wilco es uno de los músicos acreditados, en este disco producido por Young junto a Lou Adler, en el que Young ha tocado la mayoría de instrumentos.
En un comunicado, Young cuenta que ‘Before and After’ reúne las «canciones de su vida», regrabadas, creando «un montaje musical sin comienzo ni final». «El sentimiento está capturado, no en fragmentos, sino en una pieza completa», narra.
01 I’m The Ocean
02 Homefires
03 Burned
04 On The Way Home
05 If You Got Love
06 A Dream That Can Last
07 Birds
08 My Heart
09 When I Hold You In My Arms
10 Mother Earth
11 Mr. Soul
12 Comes A Time
13 Don’t Forget Love
Shinova es uno de los grupos de pop-rock en España que en los últimos años han logrado dar un salto comercial importante. ‘La buena suerte‘, su último disco, entraba en 2021 en el puesto 2 de la lista de álbumes española. Solo El Madrileño les impedía llegar a la primera posición, aunque ‘La buena suerte’ sí lograba debutar en el puesto 1 de la lista de vinilos.
En un momento en que Viva Suecia obtiene su primer Disco de Oro y Arde Bogotá es claramente una de las revelaciones del año, solo el tiempo dirá cuál es el techo de Shinova. De momento, el grupo de Vizcaya vuelve con nuevo single, el primer adelanto de su nuevo disco.
No se conoce fecha de lanzamiento de ‘El Presente’ por el momento, pero el primer single ‘Alas’ ya está disponible. La nota de prensa menciona que ‘Alas’ llega con un sonido «vanguardista e internacional». La vanguardia de ‘Alas’ es elusiva, pero el tema sí busca claramente un sonido «internacional» remitiendo al pop-rock británico, y también al propio trabajo de Shinova.
«Con un claro mensaje optimista y enérgico, ‘Alas’ se presenta como un auténtico mantra destinado a conquistar cada escenario en el que sus melodías resuenen», sigue la nota, que informa de que el primer single de ‘El Presente’ «deja claro el concepto sónico y temático del disco», al ser un tema «potente, melódico y con un estribillo redondo y directo».
Shinova acaba de presentar ‘Alas’ en un evento especial celebrado en el WiZink Center de Madrid el pasado 18 de octubre. En el showcase se estrenó ‘Alas’ y también su videoclip, con el que os dejamos.
Billboard se ha entretenido estos días armando una lista con las 500 mejores canciones de pop de todos los tiempos, acorde con su criterio. Con pop quieren decir «popular» y, sobre todo, que hayan aparecido en el Billboard Hot 100, pues en la lista tienen cabida todo tipo de géneros musicales, como es evidente solo observando los 10 primeros puestos.
El ránking está coronado por ‘I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)’ de Whitney Houston, seguida en el número 2 por ‘Dancing Queen’ de ABBA y en el 3 por ‘My Girl’ de los Temptations. Completan el top 5 ‘I Want It That Way’ de Backstreet Boys y ‘Since U Been Gone’ de Kelly Clarkson, en este orden. Por el top 10 un hit reciente como ‘Call Me Maybe de Carly Rae Jepsen aparece en el puesto 8 en medio de monster classics de Madonna (‘Like a Prayer’ en el 6) o Michael Jackson (‘Billie Jean’ en el 9).
Dentro del top 100 no falta clásicos como ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey (97), ‘Mr. Brightside’ de los Killers (90) o ‘Say My Name’ de Destiny’s Child (85), ni macrohits que recientemente han marcado época como ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee (84) o ‘Blinding Lights’ de The Weeknd (79). A estas alturas de las listas los hits ya son tan sumamente reconocibles como ‘Rehab’ de Amy Winehouse (73) o ‘Wonderwall’ de Oasis (48). Entre los más recientes, ‘Drivers License’ de Olivia Rodrigo, de 2021, se cuela en el 72.
La lista se abre, en el puesto 500, con la ‘Macarena’ de Los Del Río y efectivamente abarca clásicos pretéritos (‘Say a Little Prayer’ de Dionne Warwick aparece en el 430) con otros muy recientes, como ‘Mi gente’ de J Balvin (459). También tiene al atrevimiento de incluir ‘Summertime Sadness’ de Lana Del Rey, pero el remix de Cedric Gervais, en el 418. Después pueden codearse ‘Hey Jude’ de los Beatles (288) con ‘Boom Clap’ de Charli XCX (226). Al contrario que Rolling Stone, Billboard no odia a Céline Dion, que figura en el 279 con ‘My Heart Will Go On’. Así queda el top 20:
1.- Whitney Houston — I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)
2.- ABBA — Dancing Queen
3.- The Temptations — My Girl
4.- Backstreet Boys — I Want It That Way
5.- Kelly Clarkson — Since U Been Gone
6.- Madonna — Like A Prayer
7.- Michael Jackson — Billie Jean
8.- Carly Rae Japsen — Call Me Maybe
9.- 2Pac feat. Dr. Dre — California Love
10.- The Beatles — I Want to Hold Your Hand
11.- Prince and the Revolution — Kiss
12.- Britney Spears — …Baby One More Time
13.-. Nicki Minaj — Super Bass
14.- OutKast — Hey Ya!
15.- Mariah Carey — Fantasy
16.- Earth, Wind & Fire — September
17.- Fleetwood Mac — Dreams
18.- Beyoncé feat. Jay-Z — Crazy in Love
19.- The Ronettes — Be My Baby
20.- TLC — No Scrubs
Charli XCX ha lanzado su anunciado single con Sam Smith, ‘In the City’. El tema une por primera vez a los dos superestrellas del pop británico en una canción conjunta, y lo hace al servicio de un beat totalmente discotequero y noventero que incorpora retazos de EDM, tecno y piano house… ¿y ecos al ‘We Found Love’ de Rihanna y Calvin Harris?
‘In the City’ celebra la fiesta y la amistad. En palabras de Charli, ‘In the City’ versa sobre «encontrar a la gente que amas y conectar con ella a través de noches salvajes y de fiesta en lugares mágicos». El tema, también, habla sobre «sentirse aceptado, sobre lo maravillo que es sentirte bienvenida en los espacios queer, y sobre las personas increíbles que conoces en esos espacios».
‘In the City’ es una co-producción de Charli XCX, A.G. Cook, ILYA, Omer Fedi y George Daniel, batería y productor de The 1975. Previamente al lanzamiento de ‘In the City’, Charli había publicado un vídeo en TikTok defendiendo a Smith de los «comentarios llenos de odio» que Smith había estado recibiendo en redes, después de que Smith publicara un vídeo en el que aparecía bailando la canción.
‘In the City’ es el primer single de Charli desde que la artista lanzara ‘Speed Drive‘, su tema para la banda sonora de ‘Barbie’, a finales del pasad mes de junio. Este verano, ‘Speed Drive’ ha dado un inesperado éxito a Charli en listas: ‘Speed Drive’ no solo ha llegado al puesto 9 de Reino Unido, sino que también ha logrado colarse en el difícil Billboard Hot 100, en el puesto 73.
‘Crash‘, el último álbum de estudio de Charli, fue uno de los mejores de 2022. Tampoco tuvo desperdicio su gira, una «exhibición de hits» en la que ‘In the City’ tendría cabida.
Hoy 20 de octubre salen nuevos discos de Rolling Stones, Sampha (entrevista con él aquí), Blink-182, Bombay Bicycle Club, Forest Swords, City Girls, Recycled J, Pip Blom, The Chainsmokers o Cher (su disco navideño). Con un día de antelación ha llegado el nuevo trabajo de Adiós Amores.
En otro día generoso en lanzamientos sueltos, hoy lanzan nuevo single Kali Uchis, Shinova, Anitta, Vicco con Abraham Mateo, La Paloma (foto), Lola Indigo con Pepe : Vizio, Paloma Mami, Holly Macve con Lana Del Rey o Julieta Venegas.
Antes, a lo largo de la semana, ha habido ocasión de degustar lo nuevo de Caroline Polachek, Charli XCX con Sam Smith, IDLES con LCD Soundsystem, Mon Laferte, Floating Points, Danny Brown, Mannequin Pussy o el dueto de Rocío Saiz y Chica Sobresalto cuyo videoclip hemos estrenado en estas páginas.
El día de novedades deja también temas recién salidos del horno de Helado Negro, Sen Senra, Nacho Vegas, Vetusta Morla con Valeria Castro, beabadoobee con Laufey, Gara Durán (co-producido por Ralphie Choo), Kevin Abstract o Pantera Blue.
Entre las curiosidades, La Bien Querida versiona ‘Porque te vas’ de Jeanette, Dolly Parton y Miley Cyrus cantan juntas ‘Wrecking Ball’ y Malú y Ana Mena se unen en su anunciada versión de ‘Diles’. Además, will.I.am. sigue a su bola, con J Balvin.
En el contexto de sobresaturación musical de hoy, ¿cuánta atención te sobra para prestar a un disco de doo-wop en el año 2023? Probablemente el mismo que ha asegurado el éxito a los proyectos de Amy Winehouse, Duffy, Eli ‘Paperboy’ Reed, Sharon Jones o Leon Bridges en el pasado: cuando las canciones valen la pena, lo demás viene solo.
A Stephen Sanchez el éxito le ha pillado por sorpresa: ‘Until I Found You’, su balada de 2021, inspirada en los años 50, se ha convertido en uno de los mayores éxitos de los últimos años, en un viral inagotable que se ha pasado dos años enteros entre los hits más escuchados en todo el mundo. Lejos de quemarse, la canción ha funcionado casi igual de bien con Em Beihold en el remix publicado después.
Ante este escenario, Sanchez ha tenido carta blanca para hacer el disco que ha querido. ‘Angel Face’ es su homenaje al pop retro de los años 50 y 60, y las canciones toman exactamente los caminos que esperas. El doo-wop marca el sonido por ejemplo del baladón ‘Be More’, que a David Lynch le habría encantado meter en la banda sonora de ‘Twin Peaks’, sobre todo por el falseto del final; pero también el rock n’ roll primigenio es una referencia en ‘Shake’, que parece de Chuck Berry, mientras la torch song truculenta de Roy Orbison influye muy claramente ‘Death of the Troubadour’.
Pero Sanchez no ha querido quedarse en el pastiche, en el mero homenaje, y le ha dado a ‘Angel Face’ una pátina vagamente conceptual. En el disco, Sanchez interpreta al Trovador Sanchez, un cantante de los años 50 que se enamora de Evangeline, la novia del jefe de una banda criminal. La romántica historia termina más o menos como esperas, pero para siempre nos queda precisamente ‘Evangeline’, una balada suplicante y maravillosa como muchas de la época favorita de Sanchez, que puede ser la mejor que el joven ha escrito.
Sanchez, un talento que no solo sabe escribir buenas canciones de pop retro, sino que también sabe cantarlas muy bien, brinda en ‘Angel Face’ muchas de las virtudes que ya estaban presentes en ‘Until I Found You’. El disco se abre con una balada preciosa, ‘Something About Her’, después se anima con el rock inocente de ‘Only Girl’ y termina de la manera más intimista posible, con una cancioncilla llamada ‘Send My Heart with a Kiss’ a la que se ha dejado el sonido del siseo de una cinta, como si fuera de ese Elvis Presley que grababa una canción (‘My Happiness’) por primera vez.
El gran talento de Sanchez, que ha llamado la atención de Elton John, ofrece otro buen momento en ‘I Need You Most of All’, una tierna balada que recuerda a los Mavericks, pero se va perdiendo en el pastiche cuando la fortaleza de las canciones afloja, como en el blues-rock de ‘High’ o en el country de ‘Caught in a Blue’. No obstante, el disco se compromete con su estética y la sabe llevar hacia diferentes lugares sin desmoronarse. ‘Angel Face’ se desmarca de todo y cumple.
Los MTV Europe Music Awards, también conocidos como EMAs, han sido cancelados debido a la «volatilidad de los acontecimientos mundiales». Así lo ha hecho saber Paramount Global a través de un comunicado emitido esta misma tarde.
La nueva edición de los EMAs se iba a celebrar el 5 de noviembre en el Paris Nord Villepinte de Francia. Sin embargo, el conflicto entre Israel y Gaza, que está implicando a los países de todo el mundo, ha sido motivo suficiente para cancelar su celebración. Francia había elevado hace unos días la alerta por atentado tras el asesinato de un profesor a manos de un islamista al norte del país.
Sabrina Carpenter, Ozuna, David Guetta o Jung Kook eran algunos de los artistas confirmados para actuar durante la gala. Además, Taylor Swift, Miley Cyrus y SZA se encontraban entre las artistas más nominadas de la noche. Con la duda de si habrá o no un anuncio de ganadores, MTV ya ha confirmado que la ceremonia no se reprogramará y que los EMAs esperarán hasta noviembre de 2024.
«Dada la volatilidad de los acontecimientos mundiales, hemos decidido no seguir adelante con los MTV EMAs 2023 por precaución hacia los miles de empleados, miembros del equipo, artistas, fans y socios que viajan desde todos los rincones del mundo para dar vida al espectáculo. Mientras vemos cómo ocurren los devastadores acontecimientos en Israel y Gaza, no parece que sea el momento de una celebración mundial. Con miles de vidas ya perdidas, es momento de luto. Esperamos volver a acoger los MTV EMA en noviembre de 2024».
Rosalía es portada del número de noviembre de Vogue Spain, y la entrevista es en realidad una conversación con Penélope Cruz. Rosalía y Penélope coincidieron en el rodaje de ‘Dolor y gloria‘ de Pedro Almodóvar y, en esta ocasión, han compartido una charla vía Zoom con Vogue donde -aparte de quererse mucho- hablan de sus respectivas carreras o de la fama.
A raíz de que ambas hablan de sus inicios en la industria, Penélope pregunta a Rosalía por su participación en el concurso de talentos ‘Tu sí que vales’ de Telecinco, en 2008. Entonces, aún quedan unos años para que Rosalía se dé a conocer con ‘Los Ángeles‘, su debut de 2017 y un «sleeper» en las listas de éxito españolas, y con ‘Antes de morirme’, su dueto con C. Tangana.
Rosalía valora positivamente la experiencia de haber participado en ‘Tú sí que vales’: «A los 13 años yo ya sabía que quería cantar y estar en el escenario. Tenía esa inquietud, pero no sabía muy bien cómo abrir el melón porque en mi casa nadie se dedicaba a nada que tenga que ver con la industria. Entonces vi que había un casting en Barcelona y me salté el colegio ese día para ir con una amiga. Y conseguí entrar en el programa». Delante de Noemí Galera y de Ángel Llàcer, Rosalía cantó ‘Como en un mar eterno’ de Hanna y ‘Leave (Get Out)’ de JoJo. El resultado no fue el esperado y Rosalía no pasó a las semifinales. La valoración de los jueces no fue demasiado positiva. La cantante recuerda: «Fue una experiencia y aprendí mucho, porque me di cuenta de que te tienes que preparar un montón, así que fue una lección de humildad».
Echando la vista atrás, Vil Tobella explica que el significado que ser artista tenía para ella en ese momento no es el mismo que ahora. «Lo que significa para uno ser artista con el tiempo cambia. Por aquel entonces para mí estaba muy relacionado con el escenario, pero a partir de los 16 o 17 años, empecé a querer elegir qué escribir y qué cantar. Luego, a medida que crecía, también quise decidir cómo iba a sonar la producción y cómo iban a ser los visuales».
En otro punto de la entrevista, Penélope pregunta a Rosalía por sus planes musicales actuales. La cantante alude a su colaboración con Björk, que en el momento de la entrevista no está anunciada, y asegura que está escribiendo una segunda canción «para mantenerme siempre en contacto con mi parte de compositora, pero no con la pretensión de darle forma ya al proyecto».
Taylor Swift ha arrasado este verano gracias a ‘The Eras Tour’, su mastodóntica gira mundial, cuya película está siendo otro enorme éxito en taquilla, pero también ha estado muy presente gracias a su single ‘Cruel Summer‘.
Publicado originalmente en 2019, dentro del disco ‘Lover‘, el tema se ha viralizado este verano, se ha enviado después a radios, y su éxito se ha consolidado en listas oficiales: en el Billboard Hot 100 ha llegado hasta el puesto 3, un dato excelente e inusual para un tema publicado hace cuatro años. En Spotify, se mantiene entre los 10 temas más escuchados en el mundo.
El huracán Drake ha supuesto que ‘Cruel Summer’ baje esta semana del 3 al 9 en el Billboard, pero Taylor no va a dejar pasar la oportunidad de que el tema le brinde su 10º número 1 en el país. Con este dato, Taylor empataría a Janet Jackson y a Stevie Wonder.
Según las predicciones, ‘Cruel Summer’ alcanzará el número 1 del Billboard la semana que viene, y Taylor se las ha ideado para asegurarse dicha posición. Hoy, Swift ha publicado un EP, ‘The Cruelest Summer’, que reúne tres versiones de la canción: el directo de ‘The Eras Tour’, un remix de LP Giobbi, y el original. Además, ha rebajado el precio de las tres pistas a 0,69$. ¿Funcionará la estrategia?
Desde 2019, Swift ha publicado tres álbumes de estudio completamente nuevos, ‘Folklore‘ (2020), ‘Evermore‘ (2021) y ‘Midnights‘ (2022), y tres discos regrabados, los «Taylor’s Version» de ‘Fearless‘ (2021), ‘Red‘ (2021) y ‘Speak Now‘ (2023). El enorme éxito de ‘Cruel Summer’, seguramente, no ajeno a que este verano haya sido uno de los más calurosos de los que se tiene registro, ya era insólito, por lo que su posible llegada al número 1 de Estados Unidos lo sería más todavía. Se sumaría a los 9 siguientes:
1.- We Are Never Ever Getting Back Together, 2012
2.- Shake it Off, 2014
3.- Blank Space, 2014
4.- Bad Blood, 2015
5.- Look What You Made Me Do, 2017
6.- Cardigan, 2020
7.- Willow, 2020
8.- All Too Well (10 Minute Version), 2021
9.- Anti-Hero, 2023
Ice Spice ha expresado su aprecio por la labor de los críticos musicales y ha dicho que prefiere leer críticas musicales profesionales y elaboradas en lugar de prestar atención a los comentarios negativos que los «haters» dejan en redes.
En una entrevista para Complex, Ice Spice ha explicado por qué valora positivamente el trabajo de la crítica musical: «Los críticos musicales realmente estudian música y se la toman en serio. Prefiero escuchar su opinión, porque al menos se toman la molestia de escribir párrafos explicando su postura, y puedes entender a la persona, no como al «hater» que deja un comentario en una página privada. Al menos, detrás de las críticas musicales, hay un nombre y una cara».
Las palabras de Ice Spice se desmarcan de la tónica general de artistas que han hablado negativamente de los críticos musicales. Entre ellos se encuentran Lizzo, que declaró que «la gente que escribe críticas pero no sabe tocar música debería estar en el paro», o Ariana Grande, que insinuó que los críticos musicales son personas frustradas que necesitan encontrar su verdadera pasión.
Este mismo año, Ed Sheeran ha declarado que en la época del streaming, en su opinión, «no tiene sentido» leer reseñas de discos. «¿Por qué necesitas una crítica? Escucha el disco, ¡está a tu alcance! Forma tu propia opinión», ha dicho. «Yo nunca leería una crítica y diría «ya no voy a escuchar eso»».
Si todo el mundo pensara como Ed Sheeran, por cierto, uno de los artistas mainstream que peores críticas recibe, probablemente la crítica musical dejaría de existir. Por fortuna, no es el caso.
El próximo 10 de noviembre se publica un nuevo disco de Rocío Saiz. Se llamará ‘Autoboicot y descanso’ y uno de los adelantos, disponible desde este viernes, es ‘Guapa y lista’. Se trata de un dúo junto a Chica Sobresalto para el que JENESAISPOP estrena el videoclip. Es nuestra Canción del Día para este jueves.
El tema de indie pop se inspira en el doo woop y la canción ligera de los 60, aunque sobre todo es una canción de pop sintético con la marca de Rocío Sáiz. Objetivo Birmania podrían ser una referencia La letra versa sobre «reconstruirse a una misma después de una ruptura».
Es por eso que aparecen varias referencias a las mayores canciones de despecho de la historia, solo que «reformulándolas hacia un planteamiento del empoderamiento del yo». De «Se nos rompió el amor de tanto usarlo» a «Se nos rompió el amor y apenas lo usamos».
Otras canciones referenciadas en la letra son ‘Juntos’ de Paloma San Basilio, ‘Mujer contra mujer’ de Mecano, ‘Indicios de arrepentimiento’ de Carlos Berlanga o ‘La fiesta terminó’ de Paloma San Basilio (otra vez).
El vídeo ha sido dirigido por Fran Granada (realizador de trabajos para Samantha Hudson, Jedet, Ricky Merino) en el que ambas cantantes se enfrentan a situaciones cotidianas tras una ruptura, en clave de superación y positivismo. Por un momento, copa de vino en mano, les puede la euforia, pero al final… hay separación.
Otros adelantos ya conocidos de ‘Autoboicot y descanso’ son ‘Déjate llevar’, ‘El hartazgo del mundo’ y el corte titular.
Carlos Vives actuó en Madrid la semana pasada como parte de los eventos por la Hispanidad. El show contó con artistas invitados como Ana Mena, Prince Royce, Rozalén, Niña Pastori, Diego Torres o Juanes. Esta semana han salido a la luz las condiciones del contrato realizado por la Comunidad de Madrid, gobernada por Ayuso, y la oposición ha puesto el grito en el cielo. Son 847.000 euros, según desgrana El Plural.
El PSOE cree que el contrato está «absolutamente inflado», cree que la Comunidad ha sido «estafada», y sobre el detalle de gastos de producción y dietas afirman que los precios expuestos en el contrato de 45 páginas están totalmente «fuera del mercado». Coincide Más Madrid, según el portavoz Javier Padilla, que critica que se haya invertido en este show «el equivalente al comedor escolar de 700 niños durante un año entero».
Indica Padilla: «No recibió casi un millón de euros solo por dar un concierto, sino por mostrar sus afectos hacia la presidenta de la Comunidad; no es casualidad que aparezca en un gran medio de tirada nacional una entrevista donde Vives se deshace en elogios hacia la presidenta y poco después nos enteremos de que ésta le ha pagado el equivalente al comedor escolar de 700 niños durante un año entero (…) Utiliza los recursos públicos como si fueran su propio patrimonio (…) Es inaceptable».
El portavoz de Más Madrid se refiere a una entrevista con El Mundo en la que Carlos Vives dice que Ayuso es «preciosa» y «hermosa», e incluye la palabra «Ayuso» y «amor» en la misma frase: «Me parece una mujer y una líder increíble. Es supernatural. Escucho muy poco hablar de nuestra comunidad hispanoamericana y de nuestra herencia con tanto amor».
Dada la polémica presupuestaria, el Partido Popular defiende que al concierto acudieron 100.000 personas y que Carlos Vives es el cantante «número 1 en Latinoamérica». En la actualidad, Carlos Vives no aparece en el top 500 de artistas más escuchados en Spotify, a diferencia de Bad Bunny (puesto 4 a nivel mundial), Shakira (puesto 15), J Balvin (puesto 36) u Ozuna (puesto 55).
Por otro lado, Carlos Vives también ha recibido otros 100.000 euros del Ayuntamiento de Madrid (también Partido Popular), por realizar un anuncio de Bicimad, suponemos que inspirado en su hit ‘La Bicicleta’. El anuncio que ha costado 100.000 euros no parece haber tenido impacto o haber sido subido siquiera a Youtube o TikTok, pero sí se ha posteado 3 veces en Twitter: una vez ha acumulado 38 likes, en otra ocasión 27, y en otra únicamente 9. En Instagram tiene 404 likes.
¿Sabes lo de mejor de #bicimad? Que cada bici es tuya.
El artículo «¿El fin del indie?», originalmente publicado en nuestro Anuario 2022, es lo más visto de la web esta semana. Recuperado con motivo del podcast con El Columpio Asesino, ha interesado particularmente a nuestros lectores, algunos de los cuales apuntan que el indie, más que un estilo, era un canal de distribución.
En ese caso, Viva Suecia no serían indies desde su fichaje por Universal, pero hay que apuntar que el grupo está en su mejor momento de popularidad tras haber comenzado, en otros tiempos, publicando sus álbumes en Subterfuge y estrenando sus vídeos en JENESAISPOP. Fue el caso de ‘Adónde ir‘, ‘Bien por ti‘ o ‘Permiso o perdón‘. La banda murciana se acaba de hacer con su primer disco de oro, fiel a un estilo que algunos podrían seguir considerando «indie» dada su influencia del noise, el rock noventeros y el pop británico de aquella década.
‘El amor de la clase que sea‘ es, por tanto, disco de oro, dada la distribución de 20.000 copias en España. Según las tablas de Promusicae, había vendido 18.027 unidades la semana pasada, cuando cumplía 52 semanas -un año- en listas. Desde Universal nos recuerdan que las unidades que les faltaban se han vendido en tiendas que no computan para Promusicae.
Aunque es curioso, bastante inesperado, averiguar que el fuerte de Viva Suecia no es la venta física, sino el streaming. De los 18.000 puntos que lleva ‘El amor de la clase que sea’, más de 11.000 vienen del streaming, y tan sólo unas 7.000 de la venta física. Prueba de que su música ha conectado con gente joven que a duras penas sabrá quiénes son Los Planetas, no digamos ya Le Mans. El cuarto álbum de Viva Suecia ha vendido, eso sí, más vinilos que CD’s. Hasta 3.875 copias han sido computadas por Promusicae, por lo que probablemente sean más de 4.000 sumando tiendas que no aportan datos a Promusicae.
Por otro lado, Viva Suecia han colgado el cartel de «todo vendido» con varios meses de antelación, tanto en el WiZink Center de Madrid, despachando más de 15.000 entradas, como en el Sant Jordi Club de Barcelona, donde caben casi 5.000. Las citas no son hasta el 2 de marzo, y el 9 de febrero, respectivamente, pero ya no hay más tickets a disposición del público. El tour de 54 fechas ha vendido 40.000 tickets en todo el país, la mitad entre Madrid y Barcelona.
Os dejamos con el gran hit del álbum, ‘Bien por ti’.
Renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional, Sesión de Control, con algunos de los temas que están saliendo estos días. Hoy mismo Nacho Vegas publica ‘Crimen y condena’, una canción de autoficción escrita en 2022 que aún se considera hija de su último proyecto, ‘Mundos inmóviles derrumbándose’. Por su parte, nos llega también el último adelanto de ‘pasadas de moda’, el segundo de los cuatro discos que prepara PUTOCHINOMARICÓN. Es un homenaje al electroclash, en concreto a ‘Art Bitch’ de CSS.
Hay varias colaboraciones interesantes, como la de Pau Corega con Ganges, anclada en el drum&bass; la de Jimena Amarillo con Irenegarry, con ese divertido contraste entre soledad y lesbianismo; o la “balada” de Medalla con Valdivia. Además, Valeria Castro canta con Vetusta Morla el tema para la banda sonora de ‘El amor de Andrea’, la nueva película de Manuel Martín Cuenca (‘Caníbal’).
Entre las novedades electrónicas, ‘DYE’ del prestigioso dúo b1n0, o la locura de la novel Ela Rea, el proyecto de Raquel Tort, con ecos de gente como Crystal Castles. Completamos la playlist con temas de proyectos consagrados como Sen Senra, y más desconocidos como Cristina Len (con la producción de Bronquio), el post-urban de 9ckles, el pop-rock de FLAMA FLAMA FLAMA (en Spotify se definen como post-rock venido a menos) o el primer tema, indescriptible, de Roberta Gangui.
Nacho Vegas / Crimen y condena
PUTOCHINOMARICÓN / arthoe
Jimena Amarillo, Irenegarry / Hablarte bien
Pau Corea, Ganges / l3jos
b1n0 / DYE
Ela Rea / No hay futuro
Sen Senra / No se preocupa
Medalla, Valdivia / DUELO
Vetusta Morla, Valeria Castro / El amor de Andrea
Cristina Len / SE MATA
9ckles / azul casi transparente
FLAMA FLAMA FLAMA / El final
Roberta Gangui / 969
Peter Gabriel publicará su nuevo disco ‘I/O’ el próximo 1 de diciembre. El álbum, el primero de estudio en 21 años, pues son los que han pasado desde ‘Up’ (2002), incluirá todos los singles que ha ido dando a conocer durante todo este 2023. Han sido muchos, pues venía uno con cada luna llena.
En este trabajo han colaborado Brian Eno, Richard Russell, el guitarrista David Rhodes, el bajista Tony Levin, el batería Manu Katché y el pianista Tom Cawley, entre otros. El álbum es doble porque por un lado incluye las mezclas «Bright-Side» de Mark «Spike» Stent y luego las «Dark-Side» de Tchad Blake. De hecho, también hay edición triple con una mezcla Dolby Atoms, realizada por Hans-Martin Buff.
Peter Gabriel define las mezclas de la siguiente manera, presumiendo de contar con algunos de los mejores mezcladores del mundo. «Tchad es como un escultor construyendo un viaje con sonido y drama, a Spike le gusta el sonido y ensamblar estas imágenes, es más como un pintor».
Las diferencias han podido ir apreciándose durante los últimos meses, cuando se han ido revelando las distintas mezclas de temas como ‘Panopticom’, ‘The Court’, etcétera. Se han revelado, en orden, las 2 mezclas de hasta 10 temas del álbum. Por supuesto, hay quien las ha compilado en Spotify y con una de esas playlists os dejamos.
I/O:
01 Panopticom (Bright-Side Mix)
02 The Court (Bright-Side Mix)
03 Playing for Time (Bright-Side Mix)
04 I/O (Bright-Side Mix)
05 Four Kinds of Horses (Bright-Side Mix)
06 Road to Joy (Bright-Side Mix)
07 So Much (Bright-Side Mix)
08 Olive Tree (Bright-Side Mix)
09 Love Can Heal (Bright-Side Mix)
10 This Is Home (Bright-Side Mix)
11 And Still (Bright-Side Mix)
12 Live and Let Live (Bright-Side Mix)
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01 Panopticom (Dark-Side Mix)
02 The Court (Dark-Side Mix)
03 Playing for Time (Dark-Side Mix)
04 I/O (Dark-Side Mix)
05 Four Kinds of Horses (Dark-Side Mix)
06 Road to Joy (Dark-Side Mix)
07 So Much (Dark-Side Mix)
08 Olive Tree (Dark-Side Mix)
09 Love Can Heal (Dark-Side Mix)
10 This Is Home (Dark-Side Mix)
11 And Still (Dark-Side Mix)
12 Live and Let Live (Dark-Side Mix)
Sampha ganó el Mercury Prize en 2017 con ‘Process‘, su debut. Después, seis largos años han pasado hasta la noticia de la llegada de ‘Lahai’, su segundo trabajo, a la venta este viernes 20 de octubre. En todo este tiempo, Sampha no ha estado en absoluto desaparecido, pues ha colaborado en los últimos discos de Kendrick Lamar, Alicia Keys o Stormzy, pero no es nada habitual que un ganador del Mercury -o un artista en general- tarde tanto en publicar nuevo disco.
El cantante británico, conocido por su melosa voz y por su enriquecedora mezcla de soul, pop y electrónica, ha sido padre y, además, ha adquirido una visión espiritual de la vida y la existencia. Estos temas atraviesan ‘Lahai’ y también aparecen en nuestra conversación con el músico, que reflexiona sobre su propia popularidad y sobre la demora de su nuevo disco, muy esperado mientras prestaba su voz a una serie de grandes superestrellas.
¿Qué sientes al publicar este disco después de tantos años?
Ha pasado mucho tiempo, me he olvidado un poco de la sensación de promocionar un disco (ríe). Estoy un poco oxidado.
¿Lo echabas de menos?
En algunas cosas sí, en otras no, pero está bien.
¿Te parece más fácil escribir canciones que hablar de ellas?
Definitivamente. Aunque me gusta hablar de ciertas cosas porque me ayuda a entender mi propia perspectiva.
¿Qué quieres transmitir con este disco? ¿Qué historia quieres contar al mundo?
No he pensado tanto en el mundo al hacer el disco. Los temas del disco me han venido de la improvisación, realmente, a veces intentando poner palabras encima de la instrumentación. Es una historia personal, de búsqueda, y creo que la gente puede conectar emocionalmente con él.
Tu disco anterior estuvo marcado por la pérdida, no sé si esta vez querías dejar este tema un poco atrás. Al final este disco va sobre el amor…
No es que quisiera dejar el tema atrás, al final el duelo es un proceso que dura toda la vida, que cambia y muta, y la pérdida es parte de la vida. Pero creo que madurar significa aprender a reaccionar a la pérdida de manera diferente, o más sana, verla, quizá, como una parte de la existencia que también puede ser bella. Tener una visión más cósmica de estos diferentes aspectos de la vida, ver más allá de mi propia perspectiva, puede ser algo trascendental.
«Creo que madurar significa aprender a reaccionar a la pérdida de manera diferente, o más sana»
¿Tu paternidad ha inspirado el disco?
Precisamente la paternidad ha hecho que salgan a flote esos sentimientos de duelo. Nunca he tenido directamente ningún contacto metafísico o presencia delante de mis ojos, pero puedo sentir a mis padres en el ambiente, incluso dentro de mí mismo. Siento que yo soy yo mismo, pero la tecnología del cuerpo es muy antigua. A veces trato de mirar atrás, apreciar nuestra historia desde un punto de vista antropológico.
¿La historia de Jonathan L. Seagull atraviesa el disco? Este es el título de una de las canciones.
Ha sido una cosa más excepcional. Es como un recuerdo abstracto, la letra es una improvisación, la música es impresionista. El título lo improvisé, pero no leo ese libro desde que tengo siete años. Me lo leía mi hermano antes de irme a dormir, y estaba pensando en que ahora soy yo quien hace eso con mi hijo. Aprender que como padre también aprendes de tu hijo: la nutrición es mutua.
Eres muy conocido por colaborar con diferentes artistas. ¿Este disco celebra la comunidad?
Me encanta colaborar. La energía comunal me motiva a hacer música porque me invita a conectar con gente. Ha habido una intención en el disco de colaborar, pero también ha venido de una necesidad natural. Sin embargo, cuando necesito hacer trabajos de producción ejecutiva o edición, prefiero estar solo.
‘Process’ salió hace ya 6 años. ¿En qué periodo de tiempo empiezas a escribir este nuevo disco?
Diría que empecé a escribirlo hace dos años y medio.
¿La gente se pensaba que estabas retirado?
Sí, mucha gente se sorprende de que siga haciendo música.
Pero aún has seguido apareciendo en discos superventas, de Kendrick Lamar o Stormzy. ¿Estas colaboraciones han mantenido tu interés por mantenerte en el foco público, o las has hecho más bien por diversión?
La mayoría de veces que colaboro con artistas lo hago porque respeto a estos artistas. No voy a rechazar colaborar con Kendrick Lamar. Digamos que ser artista solista tiene sus cosas, hay cosas que disfruto, otras que no…
¿Nunca te sentiste presionado a sacar un disco rápidamente después de ganar el Mercury?
Quizás, un poco, pero en ese momento mi vida quizá no iba por ese camino… No quería asumir nada de mi carrera musical. Quizá he tenido que ajustar mis expectativas, pensar si realmente quiero ser un artista más popular, tener una casa más grande…
“Quizá pude haber sido más popular, estar más presente en la cultura… Es arriesgado desaparecer y no publicar nueva música, pero la música no se puede forzar»
¿Hubo un momento que quisiste eso, y después no?
La música no se puede forzar. Quizá pude haber sido más popular, estar más presente en la cultura… Es arriesgado desaparecer y no publicar nueva música. De repente vuelvo y no sé cuánta gente se acuerda de mí. Habrá toda una generación de oyentes que no saben quién soy. No quiero confiar demasiado y dar ciertas cosas por hechas. El mundo sigue rodando, está bien adaptarse a una nueva situación.
¿Has notado que la gente te ha esperado?
Sí, me gusta saber que hay gente ahí afuera escuchando. Es importante como músico tener el ego en regla porque puede crecer muy rápido, sobre todo en la época actual donde los números importan tanto.
Volviendo al disco: 14 cortes, la instrumentación es muy rica. He leído que eres detallista. ¿Hasta el punto de ser perfeccionista?
Algunas veces sí, otra no. Me gusta fluir, no ser tan perfeccionista. Me gustan los sonidos metronómicos, no salirme del patrón, pero también soy muy experimental, mucha música que escribo nace de la prueba y error, me gusta construir una casa entera y después derribarla, que solo quede un ladrillo y reconstruir la casa a partir de ese ladrillo. En el proceso creativo puedo ser muy particular con mis cosas, rígido incluso, pero también puedo fluir. Aunque siempre soy persistente con mi objetivo.
¿Cuál es el simbolismo de la portada? Me parece preciosa…
Uno de los símbolos es el reflejo, la idea de reorientarte a ti mismo, ganar una perspectiva diferente. Por otro lado, en la imagen miro desde arriba un espejo, y la mujer está estirada en el espejo y a través de su reflejo se puede ver que está sonriendo. Esto es una referencia al realismo mágico negro, desde mi punto de vista. Hay un elemento de naturaleza. Quería hacer una portada atemporal, como de los años 70, pero que reflejara la variedad de mis influencias.
FKA Twigs se tomará un descanso de la música tras la filtración de 85 canciones inéditas. Pese a que los temas, en versión demo, se habían ya filtrado hace días, la artista finalmente optó por abordar la situación en Instagram, mostrando su evidente descontento.
«No habrá nueva música durante un tiempo. Adiós <3", escribía la cantante en la red social al compartir una imagen con los títulos de algunos temas filtrados. FKA Twigs ha explicado que se ha debido a un hackeo. Sin embargo, ha ironizado con respecto a la rápida difusión de las demos: "Bien hecho".
Como consecuencia, la artista británica ha recalcado que no publicará nada próximamente. Esto significa que la continuación de ‘CAPRISONGS’, su anterior disco publicado en 2022, tardará todavía más en ver la luz, pues su proceso de creación habría quedado paralizado temporalmente.
Según los rumores, FKA Twigs estaba a punto de anunciar su próximo álbum. De hecho, ya cantó algunos de sus temas en el desfile de la Semana de la Moda de París. La artista colaboró para la marca Valentino e hizo una actuación titulada ‘Unearth Her’, interpretando canciones que había creado junto al productor electrónico Koreless.
El disco de Cardi B era uno de los discos más esperados de 2020. Tras el lanzamiento de ‘WAP’ junto a Megan Thee Stallion en agosto de ese mismo año, las expectativas por el segundo trabajo discográfico de la rapera estaban por las nubes. La cantante, sin embargo, pedía paciencia. Y hoy, tres años después de aquello, sigue sin haber novedades al respecto.
En realidad, el lanzamiento de su próximo álbum parecía inminente en aquel entonces porque Cardi B publicó hasta dos canciones del mismo. Al éxito en el que se convirtió ‘WAP’ le continuó ‘Up’ en febrero de 2021. De hecho, la artista decidió no presentar ‘WAP’ a los Grammy para hacerlo al año siguiente como parte de la campaña del nuevo disco, que nunca llegaría a ser anunciado.
Hasta ahora, poca más información se ha tenido sobre el próximo trabajo de la rapera, salvo sus apariciones en algunas entrevistas donde afirmaba que llegaría «muy pronto». Sin embargo, Cardi B ha aparecido esta noche en redes para publicar algunos tuits contundentes sobre el disco y borrarlos a los pocos minutos.
Entre los mensajes más extraños que ha dejado la cantante son «NO HAY ÁLBUM» y «NO QUIERO HACER MÚSICA». Su reacción ha sido provocada por algunos comentarios negativos acerca de la nueva música que Cardi B había compartido en Instagram. El adelanto mostrado por la artista no ha tenido un buen recibimiento por algunos de sus seguidores y Cardi B no tardó en manifestar su enfado en la red social.
La rapera se encuentra actualmente promocionando su último single, ‘Bongos’. Lo publicó el 22 de septiembre de la mano, de nuevo, de Megan Thee Stallion, aunque su éxito está siendo bastante discreto. Si ese lanzamiento podía haber sido una señal de que el álbum estaba más cerca que nunca, sus recientes tuits eliminados parecen indicar lo contrario.
“I Don’t Want To Do Music”, “There’s No Album”, “I just wanna put a b*let in my head”
¿Sabes lo de mejor de 
Que cada bici es tuya. 
(@lSoldKenCrack)