Hoy os traemos una de esas historias complicadas con final feliz que tanto gustan en el pop. Chappell Roan, una chica de Alcobendas una pequeña ciudad de Missouri, toca el piano desde los diez años, luego empieza a subir a Youtube versiones de otras canciones, empieza a escribir sus propios temas, y con 17 llama la atención de Atlantic Records tras lanzar el single ‘Die Young’, firmando con ellos y sacando el EP ‘School Nights’. Se muda a Los Ángeles, llega a telonear a Vance Joy o Declan McKenna… pero aquello no termina de despegar, desde luego no en lo que a las expectativas del sello se refiere, y Atlantic se la quita de en medio antes de que la fruta empiece a ponerse marrón. They only want you when you’re seventeen.
La pandemia pilló a Chappell trabajando en una cafetería, ya de vuelta en Missouri. Pero, quizás por esa cercanía de la muerte que tenemos todos en 2020, decide darle un último intento a su sueño de ser cantante: vuelve a Los Ángeles, y se saca dinero en una tienda de donuts porque, como repetía en el último single con Atlantic, ‘Pink Pony Club’, “I’m gonna keep on dancing”. Poco a poco, su fanbase va creciendo, a lo que también ayuda el boom de Olivia Rodrigo: Dan Nigro, con quien escribe ‘Pink Pony Club’, es quien luego produce ‘driver’s license’ (y ‘SOUR‘ en sí), así que Chappell acaba abriendo para ella en varios conciertos (ahora es, de hecho, su telonera oficial en Estados Unidos). Todo esto lleva a que por fin debute en el largo este otoño, a pesar de que, según cuenta, “estuve muy cerca de rendirme, volver a Missouri y trabajar de esteticién o de drag queen”. Menos mal que no lo hizo, porque ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’ (saludos a Bowie) es uno de esos debuts realmente prometedores que vemos muy de tarde en tarde.
Dan Nigro es, de hecho, principal productor de este disco, junto a gente como Jonah Shy (que ha trabajado para FLETCHER o Camila Cabello), Mike Wise (Allie X, Charli XCX) o Noah Conrad (Ashe, BTS). Y, ya que hablamos de Olivia Rodrigo, ‘Femininomenon’ (encargada de abrir el disco) es como si Olivia hiciese una de esas canciones sin vergüenza ninguna que tan bien le salían a Kesha en ‘Animal‘ y ‘Warrior‘ (¡ese estribillo!). Y no es ninguna excepción, porque la afición de Chappell por lo camp, que recuerda a la de Gaga, está presente en muchos momentos del disco. Por ejemplo, para ‘Red Wine Supernova’, otro temazo, quería una canción de dos tías ligando “pero con energía camp”, y lo ha conseguido. Pero es que no hay más que ver su portada, la mencionada declaración sobre ser drag queen, o las implicaciones de su propio personaje artístico, una versión drag de Kayleigh Rose Amstutz (su odiado nombre de nacimiento) que es “más divertida, pero agotadora, yo soy mucho más introvertida… me gusta estar sola en casa, fumarme un porro y jugar al Mario o a Fortnite”. Esta ambivalencia se palpaba mirando sus primeros pasos (mucho más baladistas) y también se refleja en el disco.
El enfoque teatral y uptempo está en bops como ‘Super Graphic Ultra Modern Girl’, que no puede ser más marica tanto en temática como en sonido; ‘Naked in Manhattan’, donde ansía su primera vez con una chica entre referencias a ‘Mulholland Drive’, Lana del Rey y Regina George; ‘HOT TO GO!’ y su personaje de animadora buenorra, el recuperado himno ‘Pink Pony Club’ o la vengativa ‘My Kink is Karma’ (cuyos efectos vocales nos hacen acordarnos de Allie X), donde suelta cositas como “verte sufrir me sirve de preliminares”. Pero también hay álter egos en las baladas, adoptando un punto naíf a lo Taylor en ‘Picture You’ (“I’m scared to say half of the things I do when I picture you”), ‘Coffee’ (sobre los riesgos cuando queda “para un cafelito” con alguien con quien hay tensión sexual) o ‘Casual’.
‘Casual’ es sin duda la joya de la corona de las baladas. En ella, Chappell habla de cómo se entera de que al parecer su novio realmente no es tal, porque lo que el chaval va diciendo es que no tiene “nada serio”. Empieza con un perfil inocente, llamándose “estúpida” a sí misma, para ser cada vez más pasivoagresiva (“it’s hard being casual when my favourite bra lives in your dresser / it’s hard being casual while I’m in the phone talking down your sister”) y cerrar con un “I hate that I let this drag on so long, you can go to hell”. Canciones más downtempo como ésta o la preciosa ‘Kaleidoscope’ (“if you ever find someone who could write a better song for you… well, I’d love to see them try”) no están reñidas con una colección de bangers que ya quisieran para sí muchas popstars que no están precisamente con su álbum debut. Quizás temas como ‘After Midnight’ o las dos finales, sin ser un “skip”, bajan un poco el listón, pero ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’ está a la altura de su título, y escuchándolo no puedes evitar sentir que estás viendo nacer a una princesa pop y, sí, a una estrella. Muy mal tendría que seguir haciendo las cosas para no serlo.
La historia del pop está llena de encuentros imposibles de creer, pero que ocurrieron, como cuando Beyoncé conoció a Selena Quintanilla unos años antes de que se formase Destiny’s Child, o cuando una adolescente Gwen Stefani se personó delante de Sting y le pidió un autógrafo.
Otra de esas historias es la protagonizada por Britney Spears y Taylor Swift. En 2003, Spears organizó un campamento de artes escénicas para niños y adolescentes desfavorecidos. Una jovencísima Taylor Swift, que entonces contaba unos 13 o 14 años, empezaba a hacer sus primeros pinitos en el escenario, y fue una de las invitadas especiales en el campamento.
Taylor se reunió con Spears en el campamento, que tuvo lugar en el verano de 2003 en una zona rural de Massachussets, y ambas se tomaron una foto juntas, hoy muy conocida por los seguidores de ambas cantantes. En ese momento, Spears todavía no había publicado ‘Me Against the Music‘, el primer single de ‘In the Zone’ (2003), y a Swift le quedaban tres años para lanzar su disco de debut.
Rememorando viejos tiempos, Spears ha colgado la conocida foto en la que posa junto a una adolescente Swift pero, además, ha desvelado un dato hasta ahora desconocido: Spears cuenta que conoció a Swift incluso antes de aquella foto, durante la gira de ‘Oops!…I Did it Again’ en el año 2000, cuando Taylor entró en su camerino para tocarle una canción.
«Durante la gira de «Oops» en el año 2000, alguien llamó a mi puerta y mi asistente me dijo que traía a una chica llamada Taylor que quería conocerme y cantar para mí», ha relatado Spears en un post de Instagram. «Taylor y mi asistente entraron y ella cantó una hermosa canción con su guitarra. Pensé que era increíble. Nos tomamos una foto juntas y ella pasó a convertirse en la mujer del pop más icónica de nuestra generación». Spears añade que le gusta que Swift «toque en estadios» y cuenta que prefiere «ver los videoclips de Taylor que cualquier película».
La foto a la que alude Spears es lógicamente diferente a la de 2003, por lo que existirían fotos de ellas juntas en al menos tres años diferentes. En 2008, Spears y Swift volvieron a encontrarse (y a posar juntas) durante la gala de los MTV Video Music Awards de ese año. En cuanto a Swift, ella ha homenajeado a Spears en alguna ocasión, por ejemplo, versionando ‘Lucky’ en directo.
El poder de Jung Kook es tal que ‘Standing Next to You’, su último single, se ha posicionado en el primer puesto de los más escuchados en el top 50 global de Spotify horas después de salir. Actualmente, ‘Standing Next to You’ saluda desde el número 3, adelantado por ‘greedy’ y ‘Si no estás’.
Jung Kook, que sigue triunfando con ‘Seven’ (puesto 8), acaba de publicar su disco ‘GOLDEN‘, y ‘Standing Next to You’ es uno de sus sencillos destacados.
La Canción Del Día es una producción de Andrew Watt (Foo Fighters, Elton John) y Cirkut (Ava Max, Kim Petras) arraigada en la música disco. El fondo instrumental de ‘Standing Next to You’ evoca la etapa ‘Off the Wall’ de Michael Jackson, sobre todo el single ‘Rock with You’, pero la producción es marcadamente electrónica. Los Bee Gees también han podido ser una referencia en el tipo de melodías y armonías empleadas en la canción.
El homenaje a Michael no es imaginado, pues Jung Kook hace el «catwalk» en el videoclip de ‘Standing Next to You’. En realidad, toda la coreografía, e incluso el vestuario, parece un homenaje al Rey del Pop. En el vídeo, una impresionante superproducción dirigida por Tanu Muino, Jung Kook imagina un mundo en el que no existe el amor, pero en el que él no puede evitar enamorarse.
«Ellos no pueden negar nuestro amor, no nos pueden dividir, sobreviviremos el pasado del tiempo» es uno de los mensajes que deja la letra de ‘Standing Next to You’. El «nosotros contra el mundo» de Jung Kook se crece con una explosión de trompetas en el final.
boygenius ha sido la última banda invitada a Saturday Night Live. El programa, que este otoño celebra su 49ª edición, ha contado con Timothée Chalamet en el papel de anfitrión.
La visita de boygenius al plató de Saturday Night Live ha sido la primera para Lucy Dacus y Julien Baker, pero no para Phoebe Bridgers, que ya actuó sola hace dos temporadas. Bridgers se llevó unos cuantos titulares después de romper su guitarra en directo.
En su doble actuación musical, boygenius ha presentado dos temas de su disco ‘the record‘, ‘not strong enough’ y ‘satanist’. El vestuario de boygenius ha imitado el que llevaron los Beatles durante su primera aparición en un programa estadounidense, en el Ed Sullivan Show, en 1964.
Aunque, para vestuario, el que han llevado boygenius después en un sketch, en el que junto a Chalamet se han disfrazado de Troye Sivan en el videoclip de ‘Got Me Started‘.
Durante la actual temporada, Saturday Night Live ha contado con actuaciones de Foo Fighters, Bad Bunny y Ice Spice. Después de la aparición de boygenius será el turno de cerrar temporada con Tate McRae, el próximo 18 de noviembre.
boygenius acaba de recibir varias nominaciones a los Grammy, entre ellas a Disco del año y Grabación del año.
RTVE ha presentado hoy, en el Teatro Alameda de Sevilla, los 16 artistas que participarán en el Benidorm Fest 2024 y que optarán a representar a España en el próximo Festival de Eurovisión, que se celebra en Malmö, Suecia el próximo mes de mayo.
Entre los 16 confirmados, destacan tres nombres: Miss Caffeina, María Pelae y Angy.
Otros confirmados han sido Sofía Coll, DELLACRUZ, Quique Niza, Roger Padrós, Nebulossa, MARLENA, Mantra, Dellacruz, Jorge González y Almácor. Las canciones que presentará cada artista se desvelarán en semanas venideras. Estos son los candidatos presentados en la web de RTVE, en orden alfabético:
Almácor
Angy Fernández
Sofía Coll
Dellacruz
Jorge González
Lérica
Mantra
María Peláe
Marlena
Miss Caffeina
Nebulossa
Quique Niza
Noan
Roger Padrós
St. Pedro
Yoly Saa
El anuncio de los 16 participantes del Benidorm Fest 2024 ha contado con la presencia de la ganadora de la edición anterior, Blanca Paloma, así como con Agoney, Alice Wonder, Alfred García, Gonzalo Hermida, Karmento, Megara, Sharonne, Tanxugueiras, Varry Brava y Vicco.
La última vez que asistí a MIRA Festival, uno de los mejores festivales de músicas avanzadas y artes digitales de Barcelona, el evento tenía lugar en el recinto de Fabra i Coats, en el barrio de Sant Andreu. Conocidos han sido los problemas que ha enfrentado este recinto para cobijar el festival en los últimos años, hasta el punto de que una de sus recientes ediciones estuvo a punto de ser cancelada. Desde 2022, MIRA Festival se celebra en la Fira de Montjuïc, el mismo espacio que acoge el Sónar de Día desde hace décadas.
Fabra i Coats tenía en su encanto. Era un recinto diferente, pequeño-pero-acogedor, idóneo para la propuesta artística que ofrece un festival como MIRA. Sin embargo, su reducido tamaño también presentaba desventajas, pues las instalaciones más populares generaban largas colas. Desde que MIRA se celebra en la Fira de Montjuïc todo son virtudes: el espacio es más grande, el horario más amplio y la oferta es igual de interesante. Solo el año pasado pasaron por el festival nombres como Orbital, Loraine James o la exquisita Kali Malone. Y lo mejor es que la masificación de Sónar (o de cualquier otro festival grande) no se produce en absoluto.
Así que es un placer llegar a la Fira y empezar a pasearse tranquilamente por las instalaciones artísticas, antes de acercarse al concierto que esté a mano en ese momento, sin que el aforo sea intratable en ningún caso. Las instalaciones, que reciben nombres como ‘INFINITE ACID MACHINE’ o ‘1v14C1111vE. F2R ARTIFACTS’, utilizan proyecciones, combinaciones de música y luces o pueden ser interactivas, y son, como es de esperar, un placer para los sentidos.
La misma sensación produce el set de James Holden. El productor británico pincha un tecno salvaje acompañado de varios músicos que tocan instrumentos en directo: su saxofonista directamente actúa sentado, cruzado de piernas. El sonido de este instrumento, y de las maracas por otro lado, combinado con la electrónica que emerge de las máquinas de James Holden, convierte el set en una especie de ritual chamánico insertado en un contexto industrial. El público, cada vez más concurrido, responde con entusiasmo.
En otra onda, la sesión de Johnny Jewel es fina como la seda. Su synthwave atmosférico inyecta una tremenda intriga en el ambiente. Llego al set cuando ya ha empezado y escucho a alguien decir que Jewel ha pinchado un tema de la banda sonora de ‘Twin Peaks’, algo que constato después observando las fotos oficiales. Después, las imágenes de ‘Drive’ de rigor decoran una actuación que va aumentando la tensión, hasta que llega la gloria con los primeros tictacs de la legendaria ‘Tick of the Clock’, que debería haber durado los 16 minutos de la versión original.
Xarlene
La amabilidad del recinto invita a seguir descubriendo las instalaciones a medida que avanza el festival. Tampoco se forman grandes colas para comprar bebida o comida. Con la energía cambiada en el ambiente empieza el set de Overmono, un bombardeo de breakbeats y ritmos garage que da al público exactamente lo que necesita en ese momento, sobre todo cuando suena ‘So U Know’ y la gente grita de emoción. Los ritmos sincopados y asalvajados de Overmono, combinados con sus pegadizas melodías, invitan a dejarse llevar y a entregarse al frenesí de la música…
…y me hacen olvidar que Tirzah está actuando en ese mismo momento. Puedo acercarme y apreciar el final de su set. Tirzah, que actúa sola bajo una luz tenue, transmite todo el misterio que su música ofrece. En directo, hay algo que invita a dejarse hipnotizar: serán su voz o sus sonidos desencajados y turbios, será que la sesión previa de Overmono nos ha dejado desarmados, listos para mecernos con Tirzah y su pop brumoso.
Pasada la medianoche, en otra dimensión diferente a Tirzah, el tecno duro de Sandwell District sume al MIRA Festival en la oscuridad y nos hace comprender que el festival ha entrado definitivamente en su siguiente fase. Hoy sábado, la fiesta continúa.
Sufjan Stevens se hace con su tercer número 1 en JENESAISPOP con ‘A Running Start’, la canción extraída de ‘Javelin‘ que recuerda el nacimiento del amor. Otros cortes del mismo disco son más pesimistas o truculentos en torno a temáticas parecidas. Anteriormente votasteis como número 1 ‘Too Much’ y ‘So You Are Tired’. Sufjan ha superado por poco a ‘Dang’ de Caroline Polachek en el reto final de X: 40% frente al 35% de los votos.
El Buen Hijo logra entrar por delante de los mismísimos Beatles en el top 10, mientras Ana Frango Elétrico aparece en el puesto 15. En la segunda miatad de la tabla encontramos de nuevas a Taylor Swift, OMD, Júlia Colom y Bombaby Bicycle Club.
Es una tradición de la historia del pop que las bandas de guitarras propongan una evolución en su sonido entregándose a los sintetizadores. Melenas es el enésimo caso. La banda de Pamplona debutó con un sonido de pop guitarrero fresco y espontáneo, en ‘Días raros’ los elementos electrónicos emergieron de manera sutil, aunque el fuzz de las guitarras todavía mandaba, y en ‘Ahora’ la evolución se completa.
La sorpresa es el tipo de electrónica que Melenas han decidido apropiarse. ‘Ahora’ es un disco completamente influido por el sonido de Stereolab y Broadcast, dos bandas que ellas mismas citan en las entrevistas, y también por Neu! y por el krautrock en general. El ritmo motorik da impulso a casi todas las canciones, que, ahora, se entregan a los sintetizadores e incorporan secuenciadores y cajas de ritmo, por primera vez en la carrera de Melenas.
A Oihana, Leire, María y Lauri, la evolución les funciona porque sus canciones no han perdido ninguna chispa. Ni siquiera cuando buscan la hipnosis total, como ‘Ahora’, en un disco donde los sintetizadores emprenden viajes que se pueden tildar de psicotrópicos, las nuevas composiciones de Melenas pierden el poder de captar tu atención. Solo cuando pecan de redundantes, como ‘Tú y yo’, el nuevo sonido de la banda se desinfla un poco.
Como en ‘Días raros’, el paso del tiempo sigue siendo una de las preocupaciones de Melenas, por ejemplo, en la canción destacada ‘K2’, que, agarrada a un implacable ritmo, mira al pasado y reflexiona sobre el tiempo compartido (o malgastado) con los demás; o en la gráficamente titulada ‘1986’, que habla de no poder obedecer las normas desde el mismo día de nacimiento.
La fórmula de Melenas es aún mejor cuando las chicas agregan un elemento de humor a las letras. Es un humor seco, “deadpan”, muy apto para las melodías y patrones repetitivos que usan esta vez. El estribillo “no no no me interesa, no no no vale la pena” de ‘Bang’, el primer single, es sonoro y pegadizo hasta rabiar, ‘Mal’ es una divertida reflexión sobre el trabajo (“paremos de trabajar, algo está yendo mal”) y ‘Promesas’ es un irónico retrato de la vida adulta, plaga de planes (promesas) que nunca se cumplen.
La entrega de Melenas a los sintetizadores en ‘Ahora’ puede ir tan lejos que en ‘Flor de la frontera’ suenan directamente a Suicide. Melenas nunca suenan tan turbadas como El Columpio Asesino, pues sus canciones conservan una magia anclada en el indie-pop, pero a ellos remite la búsqueda de nuevas texturas que emprenden el cuarteto pamplonense en este tercer disco.
El proyecto prometía: una serie de terror sobrenatural escrita por el reputado guionista del fantástico español Fernando Navarro (‘Venus’, ‘Verónica’, ‘Orígenes secretos’) y dirigida por Tomás Peña, miembro de Manson, el colectivo responsable de videoclips para Rosalía, C. Tangana, Katy Perry, Arca… bajo el paraguas de Canada. La serie, acompañada por una cartelería muy atractiva, con ecos del fantaterror español, fue presentada en el festival de Sitges. ¿Ha cumplido ‘Romancero’ (Prime Video) las expectativas?
Lo mejor de ‘Romancero’
1. Su ambición temática y estilística. García Lorca, vampirismo a lo ‘Déjame entrar’, cultos religiosos (con autobús propagandístico a lo HazteOir), comedia costumbrista, folclore andaluz, thriller policial fincheriano, realismo social, anime, canis en moto… No se puede decir que el tándem Peña-Navarro haya optado por seguir el camino más seguro. ‘Romancero’ es una gozosa heterodoxia articulada con elementos de serie B. Una ficción visualmente por encima de la media, que se puede ver como una salpicadura (o mordisco) de ‘Malaventura’ (Impedimenta), el libro de relatos donde Navarro mezclaba todo tipo de referentes, con el ‘Romancero gitano’ como principal fuente de reformulación.
2. Su inspirado reparto. Para ser la primera vez que Tomás Peña se enfrentaba a la dirección de actores, no le ha ido nada mal. El director demuestra tener muy buen oído para que los diálogos suenen naturales, sobre todo los más costumbristas, y muy buen ojo para rodearse de intérpretes –Belén Cuesta, Willy Toledo, Alba Flores, Ricardo Gómez– de probada solvencia dramática. El divertido «¡Menuda mierda de cuartelillo!» que suelta el guardia civil que encarna Toledo nada más empezar ya nos avisa del buen nivel general de las interpretaciones.
Lo peor de ‘Romancero’
1. Se queda muy corta. ‘Romancero’ se compone de seis episodios de media hora. Tres horas para combinar tantos personajes, elementos temáticos y códigos genéricos son claramente muy pocas. La serie quiere abarcar demasiado en muy poco tiempo. El resultado es un fuerte desequilibrio tonal. Pasar con tanta rapidez de dramas familiares a fenómenos sobrenaturales, de diálogos humorísticos a escenas de abuso policial, de una estética fantástica a una hiperrealista, provoca un cortocircuito narrativo que termina desactivando en parte el mecanismo dramático y estilístico de la serie.
2. Su (caprichosa) estructura narrativa. ¿Por qué ‘Romancero’ está contada como si se les hubieran traspapelado las páginas del guion? Es difícil encontrar una justificación dramática a esta decisión. Por un lado, resulta repetitivo. Nos cuentan las cosas dos veces: una de forma sugerida y otra explícita (ejemplo: la paliza al chico protagonista). Bastante adaptadas al público TDAH vienen las ficciones plataformeras como para encima añadir más subrayados. Por otro, da la sensación de artificiosidad, de que está hecho un poco por moda, por darle una complejidad a la trama que no tiene, para generar una tensión dramática de forma facilona.
La serie, como era de esperar, tiene un final abierto. La propuesta es atractiva, inusual en el panorama de las series españolas, y da para más. Una segunda temporada (aun no confirmada, Navarro está inmerso en la preparación de la película sobre Los Planetas de Isaki Lacuesta) podría ajustar desequilibrios y terminar de configurar ese universo propio, gótico-andaluz, que se apunta en esta primera temporada.
Pocas sorpresas entre los nominados a los Grammy respecto a lo que preveíamos esta mañana. Aparentemente, Taylor Swift y SZA parten como favoritas en las categorías principales. Ojo porque SZA ha logrado ser nominada en multitud de subcategorías de R&B y parece difícil que se vaya de ahí con las manos vacías.
Como se comentaba, Miley Cyrus está nominada en Grabación y Canción del Año, y además ha logrado ser nominada a Álbum del Año pese a la irregularidad de ‘Endless Summer Vacation‘. Quizá la gran alegría es que Lana del Rey vuelve a estar nominada en la categoría principal por segunda vez, esta vez con ‘Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd’; y la gran extrañeza, el reconocimiento a ‘The Age of Pleasure’ de Janelle Monáe, cuando había pasado desapercibido.
boygenius dan la campanada al ser nominadas en Grabación del Año y Disco del Año con ‘the record‘. Se disputarán las categorías alternativas con Lana del Rey, y también con otros nombres como Arctic Monkeys, Alvvays, Gorillaz, PJ Harvey o Paramore. Además, boygenius han sabido jugar muy bien sus cartas, y también están nominadas en rock, donde se las verán con Olivia Rodrigo, los Rolling Stones o -de nuevo- Arctic Monkeys.
En electrónica hallamos nombres como James Blake o The Chemical Brothers, tradicionalmente favoritos de los Grammy. Entre los nombres que han arañado alguna nominación en categorías menores, Troye Sivan.
Album of the Year
Boygenius – The Record
Janelle Monáe – The Age of Pleasure
Jon Batiste – World Music Radio
Lana Del Rey – Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd
Miley Cyrus – Endless Summer Vacation
Olivia Rodrigo – Guts
SZA – SOS
Taylor Swift – Midnights
Record of the Year
Billie Eilish – What Was I Made For?
Boygenius – Not Strong Enough
Jon Batiste – Worship
Miley Cyrus – Flowers
Olivia Rodrigo – Vampire
SZA – Kill Bill
Taylor Swift – Anti-Hero
Victoria Monét – On My Mama
Song of the Year
Billie Eilish – What Was I Made For?
Dua Lipa – Dance the Night
Jon Batiste – Butterfly
Lana Del Rey – A&W
Miley Cyrus – Flowers
Olivia Rodrigo – Vampire
SZA – Kill Bill
Taylor Swift – Anti-Hero
Best Song Written for for Visual Media
Billie Eilish – What Was I Made For?
Dua Lipa – Dance the Night
Nicki Minaj & Ice Spice Featuring Aqua – Barbie World
Rihanna – Lift Me Up
Ryan Gosling – I’m Just Ken
Best New Artist
Coco Jones
Gracie Abrams
Fred Again..
Ice Spice
Jelly Roll
Noah Kahan
Victoria Monét
The War and Treaty
Best Pop Vocal Album
Kelly Clarkson – Chemisty
Miley Cyrus – Endless Summer Vacation
Olivia Rodrigo – Guts
Ed Sheeran – – (Subtract)
Taylor Swift – Midnights
Best Alternative Music Album
Arctic Monkeys – The Car
Boygenius – The Record
Gorillaz – Cracker Island
Lana Del Rey – Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd
PJ Harvey – I Inside the Old Year Dying
Best Alternative Music Performance
Alvvays – Belinda Says
Arctic Monkeys – Body Paint
Boygenius – Cool About It
Lana Del Rey – A&W
Paramore – This Is Why
Best Rock Album
Foo Fighters – But Here We Are
Greta Van Fleet – Starcatcher
Metallica – 72 Seasons
Paramore – This Is Why
Queens of the Stone Age – In Times New Roman…
Best Rock Performance
Arctic Monkeys – Sculptures of Anything Goes
Black Pumas – More Than a Love Song
Boygenius – Not Strong Enough
Foo Fighters – Rescued
Metallica – Lux Æterna
Best Rock Song
Boygenius – Not Strong Enough
Foo Fighters – Rescued
Olivia Rodrigo – Ballad of a Homeschooled Girl
Queens of the Stone Age – Emotion Sickness
The Rolling Stones – Angry
Best Pop Duo/Group Performance
Labrinth Featuring Billie Eilish – Never Felt So Alone
Lana Del Rey Featuring Jon Batiste – Candy Necklace
Miley Cyrus Featuring Brandi Carlile – Thousand Miles
SZA Featuring Phoebe Bridgers – Ghost in the Machine
Taylor Swift Featuring Ice Spice – Karma
Best Pop Solo Performance
Billie Eilish – What Was I Made For?
Doja Cat – Paint the Town Red
Miley Cyrus – Flowers
Olivia Rodrigo – Vampire
Taylor Swift – Anti-Hero
Producer of the Year, Non-Classical
Daniel Nigro
Dernst “D’Mile” Emile II
Hit-Boy
Jack Antonoff
Metro Boomin
Best Pop Dance Recording
Bebe Rexha & David Guetta – One in a Million
Calvin Harris Featuring Ellie Goulding – Miracle
David Guetta, Anne-Marie & Coi Leray – Baby Don’t Hurt Me
Kylie Minogue – Padam Padam
Troye Sivan – Rush
Best Dance/Electronic Recording
Aphex Twin – Blackbox Life Recorder 21F
James Blake – Loading
Disclosure – Higher Than Ever BEfore
Romy & Fred again.. – Strong
Skrillex, Fred again.. & Flowdan – Rumble
Best Dance/Electronic Music Album
James Blake – Playing Robots Into Heaven
The Chemical Brothers – For That Beautiful Feeling
Fred again.. – Actual Life 3 (January 1 – September 9 2022)
Kx5 – Kx5
Skrillex – Quest for Fire
Best R&B Album
Babyface – Girls Night Out
Coco Jones – What I Didn’t Tell You
Emily King – Special Occasion
Summer Walker – Clear 2: Soft Life EP
Victoria Monét – Jaguar II
Best R&B Performance
Chris Brown – Summer Too Hot
Coco Jones – ICU
Robert Glasper Featuring Sir & Alex Isley – Back to Love
SZA – Kill Bill
Victoria Monét – How Does It Make You Feel
Best Traditional R&B Performance
Babyface ft. Coco Jones – Simple
Kenyon Dixon – Lucky
Victoria Monét ft. Earth, Wind & Fire and Hazel Monét – Hollywood
PJ Morton ft. Susan Carol – Good Morning
SZA – Love Language
Best R&B Song
Coco Jones – ICU
Halle – Angel
Robert Glasper ft. SiR & Alex Isley – Back to Love
SZA – Snooze
Victoria Monét – On My Mama
Best Progressive R&B Album
6lack – Since I Have a Lover
Diddy – The Love Album: Off the Grid
Terrace Martin and James Fauntleroy – Nova
Janelle Monáe – The Age of Pleasure
SZA – SOS
Best Rap Performance
Baby Keem ft. Kendrick Lamar – The Hillbillies
Black Thought – Love Letter
Coi Leray – Players
Drake & 21 Savage – Rich Flex
Killer Mike ft. André 3000, Future, and Eryn Allen Kane – Scientists & Engineers
Best Rap Song
Doja Cat – Attention
Nicki Minaj & Ice Spice ft. Aqua – Barbie World
Lil Uzi Vert – Just Wanna Rock
Drake & 21 Savage – Rich Flex
Killer Mike ft. André 3000, Future, and Eryn Allen Kane – Scientists & Engineers
Best Rap Album
Drake & 21 Savage – Her Loss
Killer Mike – Michael
Metro Boomin – Heroes & Villains
Nas – King’s Disease III
Travis Scott – Utopia
Best Música Urbana Album
Rauw Alejandro – Saturno
Karol G – Mañana Será Bonito
Tainy – Data
Best Latin Rock or Alternative Album
Cabra – Martínez
Diamante Eléctrico – Leche de Tigre
Juanes – Vida Cotidiana
Natalia Lafourcade – De Todas Las Flores
Fito Paez – EADDA9223
Best Music Video
The Beatles – I’m Only Sleeping
Tyler Childers – In Your Love
Billie Eilish – What Was I Made For
Kendrick Lamar – Count Me Out
Troye Sivan – Rush
Best Music Film
Moonage Daydream
How I’m Feeling Now
Live From Paris, The Big Steppers Tour
I Am Everything
Dear Mama
Best Remixed Recording
Depeche Mode – Wagging Tongue (Wet Leg Remix)
Gorillas ft. Tame Impala & Booty Brown – New Gold (Dom Dolla Remix)
Lane 8 – Reviver (Totally Enormous Extinct Dinosaurs Remix)
Mariah Carey – Workin’ Hard (Terry Hunter Remix)
Turnstile and Badbadnotgood ft. Blood Orange – Alien Love Call
‘Un amor’ de Sara Mesa es una de las mejores novelas de los últimos años. Esa protagonista que lo deja todo, no sabes muy bien por qué, se retira a un pueblo a lo loco, topa con el machismo más repugnante, y luego se reboza en él, traumatiza a través de una prosa ágil y cruda. Desde que se supo que Isabel Coixet iba a adaptar el libro, hubo reticencias. Muchos temían una adaptación relamida o indie. Demasiado romántica o todo lo contrario. No ha sido el caso.
‘Un amor’ es una obra que nos habla del machismo en la sociedad actual, desde sus formas más evidentes a la sutileza con que el mansplaining ha sobrevivido sin que casi nadie se diera cuenta hasta hace bien poquito. Coixet, en ese sentido, hace una buena adaptación. Fiel al espíritu original, y con alguna tímida licencia escénica, a destacar la salida del cuerpo de la protagonista en una de las principales escenas de sexo.
Una de las características del libro es que todos los personajes masculinos dan asco. Unos empiezan dándolo, otros terminan dándolo y uno lo da todo el rato. La dirección de actores es adecuada: Hovik Keuchkerian y Luis Bermejo están estupendos; también ese Hugo Silva tan cuestionable como vecino encantador.
En cuanto al gran reto, la protagonista Nat, Laia Costa era la actriz que aceptaba el marrón, y logra salir indemne. Por algo viene de ganar un Goya: volverá a la carrera del mismo. Hablaba esta historia de deseo femenino, de contradicciones y de empatía. Suele decir Sara Mesa que el personaje de Nat es el más odiado de la literatura reciente. La película contribuye al debate sobre si esa sensación es justa, subrayando -quizá demasiado- si opinaríamos lo mismo de esta persona si fuera un hombre.
Coixet no termina de sacar todo el partido a la parte intrigante y angustiosa de la novela -quizá porque el thriller no es su especialidad-, y en ese sentido había un cenit muy claro que en la película aparece desperdiciado. La buena noticia es que no decepciona con el final, pues será tan polémico y comentado como el del libro.
El desenlace original era ambiguo, ofreciendo al lector la posibilidad de ver el vaso de agua medio vacío o medio lleno. La directora juega con la fantasía y la realidad a través del detalle. Tras haber realizado un uso muy discreto de la banda sonora, sabe generar un clímax haciendo uso de algo que Sara Mesa no podía como novelista: una canción. Después… sabe dejarte con la misma sensación que el libro, incluso optando por una considerable licencia de guión. La sensación de «¿qué coño acaba de pasar aquí?».
Hoy 10 de noviembre se anuncian oficialmente las nominaciones a los Grammys 2024, que tendrán lugar el domingo 4 de febrero en Los Ángeles. En España, las nominaciones podrán seguirse en el canal oficial de Youtube de la Recording Academy a partir de las 16.30 horas.
El plazo de presentación de los Grammys 2024 ha ido del 1 de octubre de 2022 al 15 de septiembre de 2023. Entre los discos publicados a finales de 2022 que entran en plazo se encuentran los de Arctic Monkeys, Weyes Blood, Phoenix, The 1975, Joji o Natalia Lafourcade…
…aunque el más notable es, sin duda, ‘Midnights‘ de Taylor Swift, el gran candidato a hacerse con el premio a Álbum del año. Su principal rival es ‘SOS‘ de SZA, pero tampoco hay que subestimar la fuerza de Morgan Wallen en Estados Unidos. Entre los probables nominados hay que contar también a Olivia Rodrigo, Lana Del Rey y boygenius. ¿Tiene alguna posibilidad Ed Sheeran? ¿Y Amaarae? Y ‘Mañana será bonito’ de Karol G no ha generado los números de ‘Un verano sin ti‘ de Bad Bunny, pero al menos una nominación se puede llevar.
En la categoría de Canción del año es incuestionable que ‘Flowers’ de Miley Cyrus será la principal favorita. ¿Ha habido, acaso, otra canción del año? Bueno, sí: ‘Anti-Hero’ de Taylor Swift, pero ‘Flowers’ parece imbatible. Cabe esperar otras nominaciones para ‘Paint the Town Red’ de Doja Cat, ‘Seven’ de Jung Kook con Latto, ‘Dance the Night de Dua Lipa, ‘Kill Bill’ de SZA, ‘What Was I Made For?’ de Billie Eilish, ‘Fast Car’ de Luke Combs o ‘vampire’ de Olivia Rodrigo. A nivel local, parece segura en esta categoría la presencia de Lil Durk, Morgan Wallen o Zach Bryan, con Kacey Musgraves, o incluso Oliver Anthony con su hit venido de la nada.
¿Qué canciones aspiran a Grabación del año? Esta categoría, que premia la parte técnica de una grabación, y no la composición en sí, al margen además de los números, parece pan comido para SZA, Doja Cat, Gunna con su ‘fukumean’, The Weeknd y Metro Boomin, LiBianca con ‘People’, Billie Eilish y Olivia Rodrigo. La sorpresa la podría dar Victoria Monét, que este año ha publicado un exquisito disco de R&B que es carne de Grammys. En las categorías de género su presencia debería ser incuestionable.
En cuanto a la categoría de Artista revelación, una de las más interesantes por los nombres que suele descubrir, como el de la ganadora de este año, Samara Joy; parecen seguras las nominaciones de Ice Spice, Peso Pluma y PinkPantheress, pues suenan en todas las encuestas. No sería una sorpresa ver nombrados también a Gracie Abrams, RAYE (a pesar de que lleva 10 años de carrera a sus espaldas) o Sabrina Carpenter, además de por supuesto LiBianca.
Habrá en categorías de pop, rock o urban, nominaciones seguras a Lana Del Rey, Ed Sheeran, Bad Bunny, Queens of the Stone Age, Kali Uchis, Sam Smith, Tainy o Foo Fighters. Acabamos nuestras predicciones apuntando los posibles nominados en la categoría de Disco alternativo: Mike Dean (ganador de 7 Grammys) habrá apostado por el disco de Christine and the Queens que ha co-producido, y también tienen más o menos posibilidades Caroline Polachek, Kesha, The National, Arlo Parks o The 1975. Quizás menos esperable es ver nominados a Slowdive, Anohni o Weyes Blood. Pronto, respuestas.
Continúa la moda de interpolar hits de décadas pasadas de manera descarada. David Guetta es experto en la materia, pues con Bebe Rexha ha logrado recientemente uno de los mayores éxitos de toda su carrera fusilando el ‘Blue’ de Eiffel65. ‘Baby Don’t Hurt Me’ es otro de sus lanzamientos recientes.
Kim Petras también sabe del asunto, pues su single ‘Alone’ con Nicki Minaj reproducía la base de ‘Better Off Alone’ de Alice Deejay. En su defensa, lo hacía de manera menos obvia de lo esperado. Quizá, por eso, el single ha sido un fracaso en listas, a pesar de la potencia de su nombre invitado.
Es «lógico», en cualquier caso, que David Guetta y Kim Petras unan fuerzas en un single conjunto. Y ‘When We Were Young’ tampoco se corta en fusilar un hit popularmente conocido por todos, ‘The Logical Song’ de Supertramp. De los 90 vamos a los 70. El precedente es por supuesto la exitosa banda alemana Scooter, cuya versión de 2001 fue un éxito en Europa en la época.
La adaptación de David Guetta y Kim Petras no se aleja demasiado del happy hardcore de Scooter, pero, a la fórmula, añade esos pianos trance que tan de moda están ultimamente (lo sabe Ana Mena), sobre todo, desde que Calvin Harris y Ellie Goulding lo petaran con ‘Miracle‘ hace unos meses.
Con todo, sería sorprendente que ‘When We Were Young’ no se convierta en un éxito. Lo tiene todo para triunfar: dos nombres de moda, una «interpolation» más obvia imposible, el sonido pop del momento y una letra que apela a la nostalgia sin más misterio. El colorido videoclip ya está disponible.
Hoy 10 de noviembre salen nuevos discos de Mon Laferte, PinkPantheress, Cat Power (interpretando un directo de Bob Dylan), Beirut, Rocío Saiz, Pipiolas o Måneskin (la reedición de ‘RUSH’). Además, Cuco publica EP.
‘Houdini‘, el nuevo single de Dua Lipa, ya está disponible, pero su lanzamiento no coincide con ‘Oral’ de Björk y Rosalía, que ha sido pospuesto al 21 de noviembre (el día de cumpleaños de Björk). Su sello One Little Indian cita un «retraso imprevisto».
Entre los temas que sí están disponibles desde esta noche (o esta semana) hay que mencionar novedades de Gabriel Garzón-Montano, AURORA, David Guetta con Kim Petras, Peggy Gou con Lenny Kravitz, Julia Holter, aespa, Tierra Whack, Fabiana Palladani y Jai Paul o Iseo & Dodosound.
Estos días ha sido posible escuchar la nueva colaboración de Pipiolas y Ginebras, así como ‘Mon amour’ de Slimane, la canción que Francia presentará a Eurovisión. También han ido llegando nuevos lanzamientos de yaeji, Clark o Marika Hackman.
Escucha en la playlist también lo nuevo de The Kid LAROI, Delgao con Aleesha y D3llano, Gracie Adams, Armani White, Boza, Searows, Parquesvr, Trippie Red…
Dua Lipa ha estrenado ‘Houdini‘, su nuevo single. ‘Houdini’ es una co-producción de Kevin Parker, es decir, Tame Impala, y Danny L. Harle, conocido por su trabajo con Caroline Polachek, Charli XCX o por supuesto en solitario, adyacente al colectivo PC Music. Entre los co-autores de ‘Houdini’ se encuentra, además, Tobias Jesso Jr., colaborador de Adele.
‘Houdini’ es una robusta producción que hace notar la mano de Tame Impala especialmente en el tipo de percusiones utilizadas y, sobre todo, en su distorsionado final. Es sin ninguna reserva la Canción Del Día de hoy.
Sumándose a la breve pero noble lista de canciones tituladas con el apellido del famoso mago húngaro-estadounidense (Kate Bush, Foster the People), ‘Houdini’ suena como la evolución lógica de ‘Future Nostalgia‘. Los sintetizadores llevan ‘Houdini’ al «futuro», pero hay algo de «nostalgia» en el tipo de baterías empleadas que remiten a la música disco de tiempos pretéritos.
La huida de Dua Lipa está por supuesto relacionada con el amor: ella no tiempo que perder con nadie que no la trate como merece. «No estoy aquí por mucho tiempo, píllame si puedes, Houdini» es el reto que deja Dua Lipa en la letra, al que añade: «quizá tú puedas hacerme cambiar».
«La letra es descarada, pero hay un mensaje de fondo, el de conocerse a una misma profundamente, saber lo que una vale, y no sentir culpa por ello», ha explicado Dua en Apple Music. «A veces tienes que hacerte un Houdini e irte de una situación que no te está aportando nada». Mientras, ‘Houdini’ se va a quedar con nosotros un largo tiempo.
Dua Lipa ha confirmado -acaso hacía falta alguna aclaración- que ‘Houdini’ es el primer adelanto de su próximo álbum de estudio. No ha dado más detalles acerca de este nuevo trabajo, pero su uso de emojis de corazón pueden estar dando pistas de su título.
“Cada vez valoro más la paz, yo ya gané el día que la prioricé”, rapea orgulloso Abhir Hathiramani en ‘BOMBAY A LAS PALMAS’, a la vez que revela el tema principal de ‘BROWN BOY’: la paz interior. De hecho, ya lo introduce en el mantra que abre el LP, ‘SHANTI’, que podría traducirse como “paz” o “calma”. El rapero y cantante canario, de familia hindú, ha convertido en disco las dificultades vitales a las que se ha enfrentado desde su último proyecto, ‘Lazos Y Nudos’ (2021), entre las que se incluyen una crisis de identidad y la búsqueda de un sonido que no pretenda complacer a nadie. Solo a sí mismo, porque “una vida complaciendo es una vida infeliz” (‘ALYX’). Por ello, ‘BROWN BOY’ suena como algo salido de un plano mental renovado, y que vibra muy alto.
Dejando en un segundo plano la vena R&B que exhibió en su primer disco, Abhir se ha juntado con el productor logroñés Saint Lowe para hacer un disco con el mass appeal y el aspecto cinemático de los de Kanye West o Travis Scott, con todos los samples reconocibles que eso conlleva, y con el apartado experimental de artistas nacionales como Ralphie Choo. A la vez, el artista de 27 años se postula como otra de las grandes estrellas de la música canaria, junto a Quevedo y Cruz Cafuné, ambos presentes en la tracklist. El rap español por fin ha alcanzado al estadounidense en cuanto a producción y habilidad se refiere, y ‘BROWN BOY’ es un gran ejemplo de ello.
Después de la calma de la intro, Abhir flexea sobre su propia evolución personal en ‘BANGLADESH’, un banger de talla mundial en el que el canario muestra una de sus grandes cualidades, y que hoy en día tampoco es tan común. Lo que dice Abhir, y cómo lo dice, es muy interesante. Te hace querer escuchar. Presume de sus logros, posición, estilo, talento… como cualquier otro, pero lo hace con sus propios códigos (“Si eres chota no te salva ni un rebranding”) y gana mucho cuanto más real se pone (“Qué hubiera pasado, si el Abhir del pasado se quedara to’ estancado en el hachís y la fufa”). En la misma línea está ‘HOTTEST.YOUNG.MEN.in.BIZNESS’, tema en el que Abhir y Cruz Cafuné se convierten a efectos prácticos en The Hillbillies, AKA Kendrick Lamar y Baby Keem pasándoselo bien.
Hathi sigue derrochando carisma en ‘GO GETTER’, uno de los grandes singles del disco, que auguraba un tono experimental que por suerte se puede apreciar en más temas. Comenzando con el sample original de ‘Don’t Phunk With My Heart’, que por supuesto es de una canción india, Abhir no para de lanzar dardos sobre un beat tribal y minimalista (“Entrando pal’ antro, ¿por qué me hablas de NFTs? / Las estás espantando”). ‘BROWN BOY BOUNCE’, el jersey club que no puede faltar, y ‘TUTUTÚ’ son otras dos joyas que ejemplifican perfectamente el lema del álbum: “Hard music for calm souls”.
Canciones como ‘ABEL’ o ‘6 ANILLOS’ muestran a Abhir en su registro melódico y personal, pero el mindset es el mismo. Prueba de esto, el estribillo de ‘ABEL’: “Hijueputas que vengan con sus propias conclusiones, puede que vuelvan con sus propias contusiones”. También siguen existiendo los típicos temas que encontramos en cualquier disco de rap mainstream y que siempre suelen tener la misma fórmula de trap: ‘MANGO LASSI’, ‘YALLAH’, etc. Eso sí, a genéricas no llegan porque la producción se mantiene a un nivel excelente durante todo el LP. Dicho esto, ‘CA’ MANOLO’, con Quevedo, es un corte que podría entrar en esta categoría, pero en su lugar es una de las mejores colaboraciones que ha firmado el gigante canario.
‘BOMBAY A LAS PALMAS’ y ‘ALYX’, las dos últimas canciones, son las que debes escuchar si te quieres enterar de quién es Abhir Hathi. “Después de un tiempo me siento vivo otra vez, tuve crisis de identidad, pero la flipeé, le di la vuelta cual cajero y ahora estoy de diez” es el resumen del disco. También se acuerda de sus haters, pero a diferencia de otros momentos del álbum, no desea nada malo, porque él ya ha alcanzado su paz: “Así es como me río de la gente que solo puede ser racista detrás de fotos de anime / Dios les cuide, Dios les salve”. Coherente durante sus 46 minutos, ‘BROWN BOY’ lo sigue siendo en su final. En este disco, Abhir ha hecho lo que él, y solo él, ha querido, y la clave de esto nos la da en ‘ALYX’: “Al servicio de Dios, ya no me tomo tan en serio”.
Thirty Seconds to Mars es uno de los grupos confirmados en la próxima edición del festival gallego O Son do Camiño, que se celebra los días 30 y 31 de mayo, y 1 de junio, en el Monte do Gozo. Antes, Thirty Seconds estarán en el WiZink de Madrid, el 27 de mayo. La fecha gallega es el 1 de junio.
«Desde el Empire State Building hasta O Son do Camiño. Para anunciar su gira mundial, Jared Leto ha escalado este icónico edificio. Y qué mejor manera que concluir su exclusivo tour que en O Son Do Camiño, el único festival europeo que contará con 30 Seconds To Mars», comunica el festival.
La organización de Latin GRAMMYs anuncia una nueva tanda de artistas que participará en la ceremonia que se celebrará en Sevilla el próximo jueves 16 de noviembre. Entre los performers desvelados se encuentran Rosalía, Shakira y Maluma, así como Sebastián Yatra, Andrea Bocelli y DJ Premier.
Todos estos nombres se suman a los confirmados previamente, entre ellos Pablo Alborán, Bizarrap, Alejandro Sanz, Camilo, Manuel Carrasco, Iza, Juanes, Ozuna y María Becerra.
Además, presentarán en la gala Anitta, Pedro Capó, Jorge Drexler, Luis Figueroa, Fonseca, Tiago Iorc, Mon Laferte, Natalia Lafourcade, John Leguizamo, Nicki Nicole, Carlos Ponce, Carlos Vives y Yandel (ya estaban confirmados Paz Vega o Danna Paola).
Edgar Barrera es el artista más nominado en la 24ª edición de los Latin GRAMMYs, que tendrá lugar en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla. Parte con 13 nominaciones. Shakira, Karol G y Camilo empatan con 7 nombramientos. Después, Bizarrap parte con 6, Pablo Alborán con 5 y Juanes con 4.
Rosalía, ganadora de multitud de Latin GRAMMYs, entre ellos dos a Álbum del año por ‘El mal querer‘ (2018) y ‘Motomami‘ (2022), se enfrenta a una única nominación este año, en la categoría de Grabación del año, por ‘Despechá’.
Timbaland se ha disculpado después de decir que Justin Timberlake debería haber puesto un «bozal» a Britney Spears a raíz de que la cantante haya hablado sobre la relación sentimental que mantuvo con Timberlake en su libro de memorias, ‘The Woman in Me’.
En una conferencia celebrada el día 29 de octubre, Timbaland es preguntado por las memorias de Britney, y el productor contesta que Spears «se está volviendo loca», y señala que, a raíz de las palabras de Britney sobre Justin, «me daban ganas de llamar a Justin y decirle que le ponga un bozal a esa chica».
Además, Timbaland, productor de ‘Cry Me a River’ y de otros éxitos de Timberlake, sugiere que Britney ha publicado el libro «para hacerse viral», porque «vivimos en la época de las redes sociales y todo el mundo quiere ser viral, y lo entiendo, porque así es como se hace dinero, tienes que llamar la atención de la gente».
En el libro, Spears revela que quedó embarazada de Timberlake en el año 2000 y que abortó a petición del cantante «a pesar de que, si hubiera sido por mí, no lo habría hecho». También escribe que Timberlake le fue infiel en repetidas ocasiones durante su relación, que tuvo lugar entre 1999 y 2002.
Las palabras de Timbaland, señaladas por misoginia, han llevado al productor a disculparse durante un directo de Instagram. «Me disculpo a los fans de Britney, y también con ella. Hay que respetar a las mujeres» han sido sus palabras. Timbaland ha reconocido que se ha «equivocado» y ha pedido a los fans de Spears que «no le crucifiquen».
La conexión con Britney y Timbaland (aparte de Justin) se encuentra en Danja, productor de buena parte de ‘Blackout‘ (2007), lo cual incluye el single ‘Gimme More’, y mano derecha de Timbaland durante la época de ‘FutureSex/LoveSounds‘ (2006) de Justin Timberlake. En 2007, Timbo reveló que Britney se había negado a colaborar con él y con Justin, y que Britney les debía a los dos una «disculpa» por comportarse de manera «engreída» con ellos. Timbaland pretendía resucitar la carrera de Spears y esta le contestó «que te jodan, no necesito a nadie».
Se estima que ‘The Woman in Me’ ha vendido 2,4 millones de copias a nivel mundial. Un millón de esas copias se han despachado en Estados Unidos.
Emilia, la cantante argentina que se diera a conocer en su etapa de integrante de la banda uruguaya Rumbai, y que en solitario ha lanzado singles de escuchas millonarias como ‘cuatro veinte’ o ‘como si no importara’, sigue sumando éxitos. Su nuevo disco, de nostálgico concepto, ‘.mp3’ (atentos a la portada), está disponible desde hace unos días.
El disco incluye una colaboración -por alguna razón inédita- con Nathy Peluso, pero la noticia es que al menos dos de sus singles están siendo oficialmente un éxito en España. ‘La Original’, con Tini, ha subido al puesto 17 de Spotify, y ‘No se ve’ con LUDMILLA y Zecca aparece en el 39. En la lista de Promusicae, ‘No se ve’ se mantiene en el 39.
Merecería igual repercusión ‘La Original’, la Canción Del Día de hoy. En un disco que coquetea con diferentes estilos de pop comercial de los años 2000 (‘Facts’ suena a Justin Timberlake, ‘Jagger’ a Ciara, ‘Iconic’ a Ne-Yo, ‘GTA’ mira a los clubs, ‘Exclusive’ menciona a los Black Eyed Peas), ‘La Original’ apuesta por el house. No exactamente el que hacía «Madonna en los 90», pero casi.
El piano house más basicote y efectista es una influencia en ‘La Original’, un tema producido por Andrés Torres y Mauricio Rengifo, autores de ‘Los Ángeles’ y de otros temas de Aitana, y de ‘Despacito’. Aquí, Emilia, Tini y sus co-autores (entre ellos Duki) entregan un buen single que bailar en las discotecas.
En ‘La Original’, Emilia y Tini «apagan la TV» para «hacerlo profesional», sin que sea necesario explicar mucho más. Un «mua» cierra la grabación recordando a aquel single olvidado de Dua Lipa. «Siempre trato de mostrar todas las partes de mí misma, pero siento que con todas las críticas a las que a veces nos enfrentamos, nos escondemos y no queremos mostrar nuestra verdadera esencia», describe Emilia. «Esta canción habla sobre eso».
La portada del cuarto disco de Led Zeppelin, conocido popularmente con el título de ‘Led Zeppelin IV‘, y publicado en 1971, es una de las más icónicas de la historia, pero encerraba un misterio, pues la identidad del hombre que aparece en ella se desconocía.
Hasta ahora. 52 años después del lanzamiento de «Led Zeppelin IV», el investigador inglés Brian Edwards ha descubierto la fotografía original, tomada en la época victoriana a Lot Long, un pajarero de Wiltshire, por el fotógrafo Ernest Farmer.
El investigador de la Universidad de West England descubrió la instantánea, que reconoció al instante, rebuscando en un álbum de fotos que había encontrado en una casa de subastas, acorde con la información publicada por The New York Times.
El descubrimiento confirma que la imagen que aparece en la portada de «Led Zeppelin IV» no es una pintura, como se ha creído durante décadas, sino una fotografía. La instantánea original es en blanco y negro, pero la que lleva color aplicado -la que aparece en la portada- nunca se ha recobrado. Se dice que Robert Plant y Jimmy Page encontraron la fotografía inicialmente visitando un anticuario.
El hallazgo de la imagen de Lot Long ha arrojado más luz acerca de la identidad del hombre, que era viudo en el momento de la captura de la instantánea, y vivía en una cabaña situada en Shaftesbury Road. Long habría nacido en Mere en 1823 y fallecido en 1893.
Frank Ocean empieza a preparar su regreso… o eso parece. En los últimos días, Ocean se ha mostrado especialmente activo en redes sociales, a las cuales ha vuelto después de un largo periodo de silencio. En los stories de su perfil de Instagram, @blonded, Ocean ha estado publicando imágenes de él haciendo diversas actividades: en una foto ha aparecido cenando, en otra, entrenando en el gimnasio. Cualquiera diría que está intentando transmitir que está de vuelta, y esta vez en serio.
Como para confirmar las sospechas de sus seguidores, el siguiente movimiento de Ocean en redes ha sido la publicación del trozo de una canción nueva. Un minuto ha sido suficiente para levantar las alarmas de los fans, y eso que la canción o, al menos, el fragmento que Frank ha mostrado, no se aleja demasiado del sonido de ‘Blonde’. En el snippet, Frank canta acompañado de una melodía de teclado.
Este año, Frank Ocean ha regresado a los escenarios por primera vez después de seis años, en el festival Coachella, aunque dejando un sabor agridulce, pues el primer concierto confirmado ni se pudo retransmitir, ni se consideró una revelación a nivel artístico. El segundo de los conciertos anunciados debía ser cancelado debido a una lesión del artista.
Frank Ocean aún ha de publicar su tercer álbum de estudio, si es que existe. Desde ‘Blonde‘, un disco editado en el año 2016, Ocean ha lanzado varios singles sueltos, como ‘Chanel’ o ‘Biking’, pero su proyecto largo se está haciendo de rogar. Sus singles más recientes, ‘Cayendo’ y ‘Dear April’, datan de 2020. Al menos, no se puede decir que Ocean haya estado completamente callado en todo este tiempo.
Mujeres se encuentra en un momento especialmente dulce. ‘Desde flores y entrañas‘, su nuevo disco, puede ser el mejor de su carrera. Además, ha dado al trío de Barcelona su primera entrada en la lista de álbumes oficial de España, nada menos que en el puesto 18. El estupendo dato se debe, en gran parte, a la buena venta de la edición física. Y es que la edición de vinilo ha alcanzado el tercer puesto de los más vendidos en el país.
Cuando me reúno con Pol, Yago y Arnau en su local de ensayo, hace unas pocas semanas, ‘Desde flores y entrañas’ todavía ha de ver la luz. Los chicos, rodeados de instrumentos y cables, dan detalles de la creación del álbum y de su variedad de estilos, y explican los motivos por los que creen ha logrado mantener el proyecto en el tiempo, hasta llegar al lugar en que se encuentran hoy.
‘Desde flores y entrañas’, ¿de dónde viene el título?
Yago: Nosotros escribimos todos a la vez, hay un aire de collage en lo que hacemos, esa cosa de juntar conceptos contrarios o que se repiten, ‘Romance romántico’, ‘Sentimiento importante’… Para este disco hicimos una lista de cosas y, decidiendo las temáticas del disco, cuando sabíamos que iba a ser más introspectivo, de repente Arnau mencionó el título de ‘Potro de rabia y miel‘ de Camarón de la Isla.
Arnau: Empezamos a tirar por ahí, por la idea de las flores, de florecer, y lo combinamos con algo diferente que rompiera con ello. El disco es un arrojo de contar muchas cosas, se puede decir que el grupo se ha «vaciado» y que las canciones le han salido de las “entrañas”. Estas 17 canciones es todo lo que tenemos y son para vosotros.
¿Hasta qué punto fue un punto de inflexión vuestro single con Cariño? Es vuestra canción más escuchada. ¿Dijisteis, tenemos que ir por aquí, este es el camino?
Pol: Aunque empezamos siendo una banda de garaje, nunca hemos querido hacer canciones de género, siempre hemos intentado hacer una canción de pop y mirado mucho las melodías. Con Cariño la cosa rara fue la introducción del sintetizador, las voces femeninas, la estructura… Más que a la melodía, ‘Al final abrazos’ lo que hizo fue abrirnos al público de Cariño. Mujeres parece que es una banda de pogos, sudor y latas de cerveza, pero en realidad es una banda muy melódica.
Yoga: En este disco nos hemos atrevido a un montón de cosas, no solo por ‘Al final abrazos’, también pienso en ‘Algo memorable’, el tema final de ‘Siento muerte’.
El sonido del organillo de ‘Al final abrazos’ está presente en varias canciones del nuevo disco, como ‘Horizontal en llamas’ o ‘Si piensas en mí’.
Pol: Es un teclado (se levanta y toca el sintetizador).
Yoga: Somos fans del lo-fi, de los instrumentos que en principio no son estándar o que no suenan perfectamente afinados. Pensamos en comprar un teclado de los años 60, pero queríamos algo cacharrero, y en el disco hay canciones grabadas con un 4-pistas de cassette. Hay cosas que no cuidamos mucho y el teclado es un ejemplo.
(Pol toca la melodía de ‘Al final abrazos’): Este sintetizador lo encontró Yago por ahí.
Suena a Casiotone, como de juguete, pero hay canciones de Prince que tienen este sonido también.
Pol: Es una cosa de plástico, del cole, Yago lo trajo y me acordé de que mi hermano mayor tocaba este instrumento en el colegio. Es un Bontempi.
Yago: Compramos un segundo teclado por miedo a que se rompiera.
¿Qué temas del nuevo disco habéis grabado con un 4-pistas?
Yago: ‘Temporal sentimental’ y ‘Una pasión concreta’.
La mayoría de temas los habéis grabado en estudio. ¿Cómo le habéis dado unidad a todo?
Yago: Nuestra intención no era sacar un disco tan largo. Cuando estuvimos grabando el disco, queríamos planificar bien el repertorio, aprovechando que íbamos bien de tiempo. Algunas canciones las pensamos para que fueran caras b, para que salieran planchadas con los singles, y en algunos casos no teníamos ni intención de acabarlas. Eso de la unidad ha sido al azar, porque la idea no era que fuera todo un conjunto. Pero han terminado dando variedad al disco. Hay gente que graba con distintos productores. Se podría ser mucho más radical.
¿El disco se diferencia de los anteriores por ser más variado?
Yago: Sin duda.
Arnau: Aunque sea tópico, cada vez tenemos las ideas más claras, tocamos mejor y podemos llegar más allá, que en un grupo de nuestro estilo tampoco es tanto. En este disco, yo por lo menos, tanto en coros como en batería, he conseguido tocar y sonar exactamente como había buscado hacerlo en discos previos pero, por falta de talento o de tiempo, no había podido. Además, hemos tenido más tiempo para ensayar.
Yago: Hemos tenido más tiempo de currar los detalles y de pensar las canciones una por una.
Pol: El disco, en principio, eran 12 temas, y esos eran los que más habíamos preparado, y por otro lado habíamos planeado las caras b, pero al meterlas dentro del disco lo han hecho más variado.
Yago: Fue el sello que nos decía, lo meteríamos todo, lo meteríamos todo. Nos pareció de locos, nosotros los discos los solemos visualizar cortos, pero, en esta ocasión, se ha dado así.
Arnau: Mandamos todas y nos contestaron que les gustaban todas. Desde el sello nos decían que, al ser el sexto disco, era una buena manera de presentarnos de nuevo.
Pol: Es un regreso de la banda por todo lo alto, haciendo algo diferente.
Yago: Hay grupos que nos han dicho “pero si teníais para dos discos”.
Arnau: Creo que ha quedado mejor así que si lo hubiéramos partido en dos discos o en epés. El disco se pasa rápido, aunque sean 17 canciones.
Yago: Nunca nos hemos atascado con un disco, no he tenido la sensación de que tuviéramos que retener los temas.
¿Qué parte del disco estaba ya hecho cuando salió ‘Rock y amistad’?
Pol: Partes, estribillos, puentes, pero canciones enteras no había.
‘Cuando lágrimas arden’ tiene un punto hawaiano, pero cuando parece que va a empezar, se acaba. ¿Era una de las caras b?
Pol: Lo has percibido como un tema, pero realmente eran dos, y decidimos unirlos.
Yago: Aunque la idea de las caras b nos gusta, nos gusta sobre todo acumular un repertorio. Nos gusta escribir canciones que pueden ser “intermisiones”, que no terminan de ser canciones propiamente dichas, pero que nos flipan. Tony Molina lo hace mucho.
¿Os divierte especialmente esta fórmula de canción de empezar con armonías y después desahogaros en guitarras?
Pol: De hecho, cuando antes has hablado de ‘Al final abrazos’, que empieza un poco así, minimal, y luego revienta, eso lo empezamos realmente a hacer haciendo una versión de Grauzone, eso nos marcó el camino. Pero creo que tampoco lo hemos replicado tanto.
Yago: Ese rollo de sonar a los 60 y luego combinar eso con música más cañera nos encanta, pero nunca nos hemos parado a pensar en cómo empiezan o terminan las canciones. Ha sido más de ensayar. ‘Romance romántico’ fue determinante.
«Mujeres parece que es una banda de pogos, sudor y latas de cerveza, pero en realidad es una banda muy melódica»
‘Horizontal en llamas’ es excepcional en vuestra carrera, no tiene baterías.
Pol: Por eso ha sido el primer single, porque es muy diferente a todo lo que hacemos.
En el disco habláis de amores y desamores, también de fracasos personales, pero me da la sensación de que siempre mantenéis cierta ambigüedad, como que las letras nunca son del todo concretas.
Yago: Nos gusta la ambigüedad, nos gusta hacer frases directas pero que el fondo brille por su complejidad, o por su misterio, dejar las cosas abiertas. No querer responder siempre a todas las preguntas. Es cierto que en los discos abarcamos muchos temas, pero todos ya estaban en ‘Siento muerte’ o en otros discos.
¿De qué letra estáis más orgullosos o tenéis más ganas de cantar en directo?
Pol: Me gustan mucho las letras sencillas, las de ‘Horizontal en llamas’ o ‘Diciendo que me quieres’. O las que tienen un estribillo que es una frase que en directo la pueda cantar la gente con el puño al aire, como ‘Si piensas en mí’.
Arnau: Me viene a la cabeza una frase, “a veces hay que rendirse a la emoción y a los sentidos”, que entra al final de la canción, cuando cambia todo de ritmo, la voz parece de Juanita y los Feos y cambia a un rollo más de punk español. La frase me parece muy chula.
Yago: Me gusta mucho el texto de ‘Cuando lágrimas arden’, porque habla de la pérdida, y creo que ha quedado redonda.
«Con cada disco nos ha ido mejor, poco a poco. Sobre todo hemos seguido tocando, nos hemos mantenido con las guitarras, no hemos hecho reggaetón porque es la tendencia»
Da la sensación de que estáis emocionados por probar cosas nuevas.
Pol: Dentro de unos límites, somos una banda de rock.
Hay un tema en el álbum, ‘Diciendo que me quieres’, que es Phil Spector total.
Arnau: No me dejaron poner castañuelas, porque está muy escuchado.
Yago: Era ya demasiado.
Arnau: Era un poco caricatura.
Yago: Al final Mujeres es un grupo clásico, que experimenta, pero las canciones aún te llevan a lugares familiares.
Pol: Haces los singles y los 9 temas que te sobran, pueden ser más experimentales.
Yago: El objetivo de un álbum hoy en día no es que se escuche entero, creo, pero hay gente que le mola.
¿Cómo surge la idea de El Club de los Sentimientos, vuestro club de fans?
Pol: Queríamos hacer algo que acompañara el lanzamiento de los singles, y tener una línea directa con el público que es la newsletter. Esto viene de que somos un grupo que desde las redes y los conciertos tenemos contacto con nuestro público. Les contamos cosas del grupo, les hacemos regalos… Es un espacio abierto. En los shows habrá un diálogo con el público, y el material lo pillaremos de lo que ellos nos han enviado.
Vuestra carrera realmente ha sido de fondo. ¿Reflexionáis sobre esto? ¿Qué ha conectado con el público para que os mantengáis tantos años?
Yago: Hablamos mucho sobre ello, el disco también. Yo creo que hay varias razones: el grupo tiene un momento de cambio, a partir del tercer disco, en el paso de cuarteto a trío, y en el paso del inglés al español. Ya llevamos seis años de carrera en este camino y el grupo ha crecido desde ahí. Yo La Tengo, en los primeros 10 años, no se comieron un torrao, y fue con el cambio de bajista, con ‘Painful’, con Matador, que lo petan.
Pol: Nosotros no hemos tenido un gran momento de petarlo, pero con cada disco nos ha ido mejor, poco a poco. Sobre todo hemos seguido tocando, nos hemos mantenido con las guitarras, no hemos hecho reggaetón porque es la tendencia.
Arnau: La clave es que no hemos parado de tocar nunca. Se hace dura la conciliación familiar, ha habido fallecimientos de personas durante toda la época del grupo, y siempre hemos tenido el grupo como una cosa central en nuestras vidas. Todos hemos hecho esfuerzos para que todo siga. Siempre hemos tenido nuestros trabajos aparte del grupo, y eso nos ha hecho ponerle un esfuerzo extra. Ahora estamos más tranquilos.
Yoga: En 16 años recuerdo muy pocos conciertos que hayamos dicho que no a hacerlos.
Pol: Normalmente los grupos sacan disco, tocan y silencio. Nosotros siempre hemos estado en la carretera. Algún periodo de pausa hemos tenido, pero no hemos seguido las pautas de la industria.
De momento no tendrá su propia sección diaria en los periódicos de Estados Unidos, pero poco le falta: Taylor Swift ya cuenta con su primer periodista a tiempo completo. Después de varias semanas en las que la cadena de periódicos Gannett, una de las más grandes de EEUU, ofrecía el empleo de periodista swiftie, hoy esa búsqueda ha concluido.
El afortunado es Bryan West, que, a partir de ahora, trabajará en la redacción de USA Today para escribir única y exclusivamente sobre Taylor Swift. Cualquier otra noticia que no tenga que ver con la estadounidense no formará parte de su tarea. Y él ve esto completamente normal. En declaraciones para Variety, ha declarado que «este puesto no es diferente del de un periodista deportivo enfocado en su equipo local». «Soy fan de Taylor y la he seguido durante toda su carrera, pero también tengo experiencia periodística».
Michael Anastasi, vicepresidente de noticias locales de la cadena, ha hablado sobre cómo fue el proceso de selección: «Estábamos muy satisfechos con la calidad de los candidatos. Había de todo: desde reporteros veteranos, incluido al menos un reportero muy consolidado de la Casa Blanca, hasta swifties que tienen blogs y son personas influyentes. Y, por supuesto, había varios aficionados que simplemente seguían sus sueños y esperaban que les tocara la lotería. Pero al final nos quedamos con alguien que creo que tiene el equilibrio perfecto entre ser un periodista veterano con un gran talento informativo y alguien que lo entiende todo sobre el mundo de Taylor y el universo en el que está entrando».
Anastasi también ha aclarado que West estará en cualquier lado que involucre a Taylor Swift, ya sea interactuando con el fandom, en las alfombras rojas, en las paradas de su gira o en galas de premios. De hecho, estará en los Country Music Awards en Nashville como parte de su primera semana de trabajo. Pero lo cierto es que Swift no está nominada ni se prevé que asista. No ha querido confesar a Variety si su misión consistirá en preguntar a las estrellas asistentes cuál es su canción favorita del vault de ‘1989 (Taylor’s Version)’.
West ha querido aclarar que será crítico con Taylor Swift cuando sea necesario. ¿Cuál dice que es la prueba? Sabe mencionar sus canciones menos favoritas de la artista: ‘Stay Stay Stay’, ‘False God’ e ‘It’s Nice To Have A Friend’. También ha confesado sus favoritas: ‘All Too Well (10 Minute Version)’, ‘Long Live’, ‘I Did Something Bad’, ‘Death By A Thousand Cuts’ y ‘Wildest Dreams’.
En respuesta a las críticas que pueden surgir por quienes crean que es un insulto crear este tipo de trabajo mientras los puestos tradicionales se recortan a diestro y siniestro en la industria periodística, Michael Anastasi ha declarado que «esto forma parte de una estrategia de transformación muy deliberada para convertirnos en la empresa que necesitamos para crecer, prosperar y estar en condiciones de servir a todas nuestras comunidades locales de todo el país en el futuro».
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