Entre las novedades de la semana, destacaba el primer EP de Addison Rae. La influencer y actriz estadounidense, que ha viralizado sobre todo un tema llamado ‘Obsessed’ escrito por Benny Blanco, ha formado parte del proyecto de TikTok The Hype House.
‘AR’ es un EP de puro electropop, como muestran temas como el pegadizo ‘it could’ve been you’. Se cierra con el citado ‘Obsessed’, y podemos considerar sus nuevas cumbres el tema ‘I got it bad’, que ha sido destacado por Pitchfork; la colaboración con Charli XCX que se ha mandado a las playlists de los viernes, ‘2 die 4’; y ‘Nothing On (But the Radio)’, que seleccionamos como Canción del Día hoy.
‘Nothing On (But the Radio)’ era una maqueta de Lady Gaga que lleva años dando vueltas por la industria y un poco por las redes sociales también. Fue escrita en la era ‘Born This Way’, quizá descartada porque en verdad suena al primer disco de Germanotta y no al segundo, y tampoco fue incluida en ‘ARTPOP’. Por aquel entonces recibía el título de ‘Heard It On The Radio’.
Addison Rae nos lleva ahora a los tiempos de ‘Poker Face’ con toda la sensualidad que supone no tener “nada puesto excepto la radio”, lo cual es una referencia a Marilyn Monroe. Misteriosamente Lady Gaga ha sido excluida de los créditos, donde sí encontramos a Billy Steinberg, esa persona que escribió ‘Like a Virgin’, ‘True Colors’ y ‘Eternal Flame’, además de a la propia Addison Rae.
Madonna publicará el directo de la gira ‘Madame X’, ‘Madame X. Music from the theater experience’, en vinilo. El triple vinilo saldrá el próximo mes, en concreto el 22 de septiembre. La gira de teatros de la artista, que en Europa pasó sólo por Londres, Lisboa y París, se había publicado ya en formato digital. La versión vinilo incluirá dos temas que habían sido excluidos hasta ahora: ‘Crave’, que se interpretó en la gira remezclada, y la versión de ‘Sodade’, uno de los momentos más mágicos del tour más intimista de la artista.
Si bien Madonna maltrató la edición de vídeo de la que ha sido una de sus mejores giras, con una post-producción excesiva hasta lo insoportable, el audio del concierto muestra a la artista en plena forma, con «highlights» como ‘Crazy’, ‘Frozen’, ‘Extreme Occident’, esa fantasía llamada ‘Welcome to My Fado Club’ o la versión remozada de ‘Future’.
LP One
Side A
1. “Intro”
2. “God Control”
3. “Dark Ballet”
4. “Human Nature”
Side B
1. “Vogue”
2. “I Don’t Search I Find”
3. “American Life”
4. “Batuka”
LP Two
Side A
1. “Fado Pechincha” (featuring Gaspar Varela)
2. “Killers Who Are Partying”
3. “Crazy”
4. “Welcome To My Fado Club” (Medley)
5. “Medellin” (featuring Maluma)
Side B
1. “Extreme Occident”
2. “Breathwork” (Dance Interlude)
3. “Frozen”
4. “Come Alive”
LP Three
Side A
1. “Future” (featuring Quavo)
2. “Like A Prayer”
3. “I Rise”
Side B
Bonus Tracks
1. “Sodade” *
2. “Crave” (featuring Swae Lee) *
* Previously Unreleased
Muy buena pinta nos presenta ‘Water Made Us’, el tercer disco de Jamila Woods, previsto para el 13 de octubre. Si hace unas semanas nos entregaba el single ‘Tiny Garden’, anclado en el R&B sofisticado con la marca del siglo XXI, ahora se adentra en la pista de baile.
La cantante de Chicago, que despuntara especialmente en la parte más clásica de su disco de 2019 ‘LEGACY! LEGACY!‘, cambia en ‘Boomerang’, el nuevo tema. Sobre él, ella misma explica: «Es una canción sobre ese tipo de relación que sigue apareciendo de vez en cuando durante tu vida, esa atracción magnética que tienes con alguien, sobre la excitación y ansiedad que tienes mientras te preguntas: «¿será esa persona o no?»».
Desde el punto de vista técnico, detalla su fascinación por Nao: «Co-escribí esta canción con Nao, Grades y George Moore durante un dulce día de Londres el año pasado. Fue increíble trabajar con Nao y conocer a sus colaboradores de siempre, sentir la sinergia que tienen juntos».
En cuanto al vídeo, ha sido dirigido por Vincent Martell y Jordan Phelps con ese mismo espíritu: volver atrás una y otra vez. Para ello, presentan una historia «al revés» y Jamila se ha aprendido las letras así, en lo que definen como «un galimatías». Para el rodaje, se han ido al Magic Lounge de Chicago, conocido por sus habitaciones secretas y portales. Ha colaborado la artista de burlesque Po Chop en todo lo que tiene que ver con el movimiento y la coreografía.
‘Boomerang’ se beneficia tanto de su atractivo concepto como de su deliciosa atmósfera synth-pop, más burbujeante que la típica producción R&B, y sin acercarse a los territorios más obvios del último The Weeknd. La melodía, por su parte, encierra claramente la esperanza o la ilusión de que esa persona sí sea la definitiva, por lo que se la invita una y otra vez a bailar.
1.-Bugs
2.-Tiny Garden (ft. duendita)
3.-Practice (ft. Saba)
4.-let the cards fall
5.-Send A Dove
6.-Wreckage Room
7.-Thermostat (ft. Peter CottonTale)
8.-out of the doldrums
9.-Wolfsheep
10.-I Miss All My Exes
11.-Backburner
12.-libra intuition
13.-Boomerang
14.-Still
15.-the best thing
16.-Good News
17.-Headfirst
José Manuel Soto, uno de los más severos críticos del gobierno de coalición, no solo entre los artistas sino entre todos los españoles, ha vuelto a cargar contra él, en este caso contra el PSOE. El cantante ha acudido a Twitter para expresar lo siguiente: “Voy a aprovechar este momento de sosiego veraniego junto al mar para hacer uso de mi libertad de expresión y cagarme en Pedro Sánchez, en su puta madre y en los millones de hijos de la gran puta que están de acuerdo con que España esté en manos de sus peores enemigos. Que os jodan”.
Esta vez su acción ha tenido consecuencias de cara a su carrera y el Ayuntamiento de un pueblo de Jaén ha decidido cancelar su concierto del próximo 9 de septiembre. En concreto ha sucedido en Villacarrillo, como informa la CADENA SER.
Desde esta localidad, en que gobierna el PP con mayoría absoluta, han comunicado lo siguiente: «Queremos dejar claro que estas declaraciones son su responsabilidad personal y no representan la postura oficial del consistorio ni reflejan las opiniones de nuestro Gobierno local. Como institución fomentamos la convivencia pacífica y el respeto mutuo entre TODOS los ciudadanos, sin importar sus diferencias políticas, religiosas o de cualquier otra índole».
José Manuel Soto ha vuelto a acudir a Twitter para argumentar: «En España te puedes sonar los mocos con la bandera, quemar fotos del Rey, pitar al himno, apedrear a la @guardiacivil o montar homenajes a los asesinos de ETA, y no pasa nada, pero si te enfrentas con los traidores que quieren destruir nuestra patria eres un nazi cargado de odio».
Finalmente ha pedido disculpas: «Llamar “hijo de puta” a alguien es una expresión popular muy española que está en El Quijote y en todos los clásicos, no hay que ofenderse tanto. A mí me llaman a diario fascista, nazi y cosas peores y me lo tomo con deportividad. Dicho esto pido disculpas a los ofendidos, buenas noches».
En España te puedes sonar los mocos con la bandera, quemar fotos del Rey, pitar al himno, apedrear a la @guardiacivil o montar homenajes a los asesinos de ETA, y no pasa nada, pero si te enfrentas con los traidores q quieren destruir nuestra patria eres un nazi cargado de odio…
Llamar “hijo de puta” a alguien es una expresión popular muy española q está en El Quijote y en todos los clásicos, no hay q ofenderse tanto. A mi me llaman a diario fascista, nazi y cosas peores y me lo tomo con deportividad. Dicho esto pido disculpas a los ofendidos, bnoches…
‘Sundial’ nos deja una de las producciones más exquisitas que escucharemos este 2023… sólo que de mano de una de las raperas y poetas más incendiarias de los últimos tiempos. Desde Chicago, y a través de la mixtape ‘Telefone’ (2016) y el disco ‘Room 25’ (2019), Noname ha venido revelando unas influencias que comprehenden tanto a gente como Nina Simone y Missy Elliott como a las escritoras Toni Morrison y Patricia Highsmith.
En estos tiempos en que la música pop se está fijando en ritmos diferentes, es una delicia que una rapera de Chicago empiece el que puede ser el gran disco de su carrera con ritmos propios de Antonio Carlos Jobim. Sucede en la maravillosa ‘black mirror’, cuando ya se evidencia que la música de ‘Sundial’, en todo momento amable, cómoda y exquisita en su trato de estilos como el neo-soul, el R&B o el góspel, sin concesiones a la brutalidad de un Kanye o un Travis Scott, queda más cerca del sonido de sus admirados Erykah Badu o Common (que aparece en uno de los temas).
La percusión del álbum es más propia del jazz. Los vientos que asoman en segundo plano por ‘boomboom’, que podría haber dirigido Burt Bacharach, y la sutileza con que se han incorporado carcajadas en segundo plano pueden ser un ejemplo de la estrategia de Fatimah Nyeema Warner. Porque las bases de ‘Sundial’ actúan como Caballo de Troya, como trampolín (o, mejor dicho, tobogán) de unos versos que a menudo interrogan la propia negritud: en el maravilloso góspel de ‘hold me down’ hay una referencia nada amable a Barack Obama y su bombardeo de lo que la artista considera «su propia gente». Cualquiera diría que ella misma está lanzando granadas sobre tan delicada pieza, pero lo está haciendo así de claramente: «First Black president and he the one who bombed us, yeah».
Y aún una producción tan hermosa como la de ‘gospel?’ habla de supremacismo blanco, colonialismo y religión con bastante gracia:
«I’m ‘bout to get these white people caught up in they bed of lies
Webster dictionary cries, colonize native tongue
Missionary, Bible Belt, motherland overrun
My gun heavy, I’m about to unload
This is an ode to Haiti
Mozambique, Martinique, Trinidad, Grenada
Whеrever Black peoplе sleep
Pray for them, pray for me, pray for me, pray for me«.
Contribuyen a la facilidad con que las canciones de ‘Sundial’ pasan por la oreja no solo las enriquecidas producciones de Daoud, Slimwav, o emilR-Kay, por las que pueden asomar influencias latinas (‘boomboom’) o jazz (‘afro futurism’), sino también y, sobre todo, el amable verso recitado de Noname y su decisión de presentar un formato de canción corta (el disco dura media hora) y concisa que actúa en favor del mensaje. Las canciones de ‘Sundial’ son pequeñas cápsulas que, en su gentil y amable disolución, descubren un nutrida -y complicada- perspectiva sobre el mundo que vale la pena escuchar, por incómoda que a veces sea.
La radicalización política de Noname ha venido con sus contratiempos. El club de lectura que ha creado en los últimos años -donde recomienda textos de intelectuales afroamericanos o sobre antirracismo o anticapitalismo- es muy querido por sus seguidores, pero a menudo sus opiniones le han jugado en contra. Sus propios fans le han afeado que incluya un verso de Jay Electronica en su nuevo disco, ‘Sundial’, en el que Electronica hace referencia a su admiración por Louis Farrakhan, un conocido antisemita al que ha mencionado en otros temas.
La respuesta de Noname no ha sido la más lúcida que se podía esperar: en un mensaje cargado de desprecio a su propio fandom («vuestra decepción hacia mí no me puede importar menos, y lo digo con amor» es la frase con menos amor escuchada recientemente), Fatimah Warner ha declarado que “no voy a pedir disculpas por un verso que no he escrito” y ha dado a entender que ha dejado el verso en ‘balloons’ para incordiar a sus fans blancos. Esos que llenan mayormente sus conciertos para horror de la propia Noname.
Noname estuvo a punto de cancelar el lanzamiento de ‘Sundial’ por la polémica de Jay Electronica, pero finalmente el disco ha visto la luz. Hay que celebrar que esto haya sido así porque ‘Sundial’ es un disco cargado de mensajes interesantes y virtudes musicales, dentro de sus contradicciones.
Por un lado, Noname se proclama “hermana socialista” en ‘black mirror’, esa exquisita bossa nova que inauguraba el disco. Por otro, mantiene el verso antisemita de Jay Electronica en ‘balloons’ porque él es su rapero favorito, y punto. Además, ‘Sundial’ sitúa la figura de Noname a la altura de las voces de una generación o genios, tan erradamente humanos ellos como ella misma o como tú.
El mejor ejemplo de esto es ‘namesake’, el tema más importante del disco. En este refinado corte de funk, Noname critica la “propaganda militar” de la NFL citando por nombre a algunos de los artistas que han actuado en la Super Bowl, como Beyoncé o Rihanna, dos artistas que han sido muy críticas con la violencia racial en Estados Unidos. Noname detecta una hipocresía de la que ella misma tampoco ha sido capaz de escapar: en la siguiente línea denuncia el “blanqueamiento” de Coachella a la vez que recuerda que ella ha actuado en el festival “aunque dije que no lo haría”. Nadie es ajeno al sistema, tampoco sus más férreos críticos, y esa es una de las grandes bazas del disco.
Noname está especialmente acertada hablando de las presiones a las que se enfrenta como mujer en la sociedad y en la industria. En ‘potentially the interlude’, que no es ningún interludio, Noname hila una interesante reflexión sobre el “potencial” que muchos ven en ella, haciéndola sentir insuficiente. Se graba a fuego su enorme estribillo: «La gente te dice que te quiere, pero lo que realmente quiere es tu potencial / No la persona que tienen delante, sino la persona en la que te podrías convertir». Y en ‘beauty supply’ busca liberarse de las presiones estéticas, hablando de las pelucas de pelo liso que se ponen muchas mujeres afroamericanas para ser aceptadas en un sociedad mayoritariamente blanca. Son perspectivas interesantes, poco habituales y necesarias, que Noname comparte haciendo uso de un flow nítido más parecido al “spoken word” que al rap, y que hace que te quedes embobado escuchando.
El granadino Saiko sigue siendo uno de los cantantes más populares del momento. No solo ha llevado al top 1 en España un género tan improbable como el drum&bass (‘Supernova’ sigue en el top 20). No solo aparece en media decena de colaboraciones y remixes del top 100 español actual, a destacar el de ‘Polaris’, que ahora vuelve al top 5 en compañía de Feid, Quevedo y Mora. Sino que esta semana ha sumado dos nuevos hits.
En primer lugar, su nuevo single, ‘Antidepresivos’, es la entrada más fuerte de la semana directa al puesto 18. Pero es más llamativo lo que está pasando con un tema antiguo. ‘Cosas que no te dije’, en verdad editado en 2021, no ha dejado de crecer en los últimos tiempos aupado por TikTok y entra al puesto 71. Avanzamos que esta entrada de Saiko es mucho más interesante, pues ha continuado subiendo en los últimos días y ese número 71 no va a ser su máximo. Ahora mismo merodea el puesto 30 en Spotify España tras circular también por Twitter, a veces en forma de remix con Rauw Alejandro aparentemente creado por IA.
El resto de entradas de la semana en España son ‘Vente conmigo’ de Feid en el puesto 28, ‘Pa la vuelta’ de Eladio Carrión y Morad en el 53 y ’Ta OK (Remix)’ de Dennis, Mc Kevin O Chris, Maluma y Karol G en el 77.
Por otro lado, la subida más fuerte de la semana es ‘Holanda’ de Jhayco. Pasa del puesto 51 al puesto 16 y continuará subiendo, pues ahora mismo es top 3 en Spotify España.
Flux Gourmet (Peter Strickland)
Strickland no decepciona. Tras darse a conocer con la fascinante ‘Berberian Sound Studio’ (2012), con banda sonora de Broadcast; maravillar con la hipnótica ‘The Duke of Burgundy’ (2014), con música de Cat’s Eyes; y descolocar (para bien) con la sorprendente ‘In Fabric’ (2018), musicada por Cavern of Anti-Matter (el grupo de Tim Gane de Stereolab); presenta en Filmin (no se va a estrenar en cines, como tampoco lo hizo ‘In Fabric’) otra nueva muestra de su heterodoxo estilo y personalísimo universo.
En ‘Flux Gourmet’, con música de la propia banda del director, The Sonic Catering Band, Strickland abraza directamente la comedia. La película es la crónica de los problemas digestivos, de flatulencias, de un humilde periodista que trabaja documentando la labor de un colectivo artístico dedicado a experimentar sobre el concepto de “cocina sónica”. Humor negro y grotesco, sátira a lo Ruben Östlund en ‘The Square’ (2017), escatología, exploración de las dinámicas de poder, filosofía griega… Todo ello articulado a través de una estilizada puesta en escena y un sensacional diseño de sonido y vestuario. Lo dicho: Strickland no decepciona. 8.
Beautiful Beings (Guðmundur Arnar Guðmundsson)
El islandés Arnar Guðmundsson ya demostró en su aplaudido debut ‘Heartstone, corazones de piedra’ (2016) su enorme capacidad para dirigir actores jóvenes y para capturar los sentimientos y emociones asociados al universo adolescente. ‘Beautiful Beings’ se podría ver casi como su secuela (hasta el cartel se parece). De nuevo, cuenta una historia de iniciación y amistad entre varios chicos marcada por el difícil entorno familiar en el que vive cada uno. Un clima de violencia doméstica y desamparo extremos reflejado por el director –quien se ha basado en sus propias experiencias de joven en los 90- con gran fuerza dramática.
Rodada con cámara en mano, nerviosa y cercana, buscando la fisicidad de los personajes, ‘Beautiful Beings’ explora las relaciones entre un grupo de adolescentes poniendo el acento en la amistad que se crea entre ellos. Un sentimiento de fraternidad, de férrea hermandad, que les sirve como refugio, como lugar donde sentirse seguros y acompañados. Aunque el filme está narrado con un naturalismo crudo y brutal, Guðmundsson lo rompe de vez en cuando incorporando elementos oníricos que funcionan como la visualización de los temores de uno de los protagonistas. Una característica que la emparenta con otro notable “coming of age” visto en la Sección Oficial: ‘Falcon Lake’. 8,2.
Vera (Tizza Covi, Rainer Frimmel)
Vera Gemma es una especie de Belén Esteban a la italiana. Una estrella del salseo y la telerrealidad, de llamativa presencia y rostro deformado por el bisturí, famosa por ser hija del sex symbol e icono del spaghetti western Giuliano Gemma. “Pobrecita, con lo guapo que era su padre”, cuenta Vera que ha escuchado miles de veces en su vida. Crecer a la sombra de un progenitor bello, famoso y talentoso es uno de los temas que explora este interesantísimo híbrido entre ficción, autoficción y documental, realizado por el matrimonio de cineastas italo-austriaco Tizza Covi y Rainer Frimmel.
El otro tema, desarrollado en una trama de ficción, nos habla también de relaciones paternofiliales, pero esta vez marcadas por la pobreza, la desestructuración familiar y la pequeña delincuencia. El chófer de Vera atropella a un niño pequeño, hijo de una familia humilde, y la celebrity decide ocuparse de él. Estas dos líneas argumentales y formales se mezclan y confunden hasta dar forma al retrato de Vera. Un retrato en el que intuimos, más que descubrimos, a la persona que se esconde tras el personaje. ‘Vera’ es un ejemplo de que puede haber más verdad en la ficción que en la realidad impostada del famoseo. 7,9.
Disturbios (Cyril Schäublin)
Estrenada de tapadillo en cines a principios de año, ‘Disturbios’ es una de las grandes sorpresas de este año. La película del suizo Cyril Schäublin es una fascinante reflexión sobre la concepción capitalista del tiempo y el trabajo a través de la recreación del viaje de Kropotkin a un pueblo relojero de Suiza en 1877. El lugar donde, según sus memorias, decidió ser anarquista. El director, procedente de una familia de obreras relojeras, plasma la energía intelectual y emocional del movimiento anarcosindicalista como respuesta a los crecientes abusos de los patronos de las fábricas de relojes.
El director se aleja de los tópicos del anarquismo en el cine (aquí no hay barbudos lanzando bombas ni proclamas autoindulgentes) para ofrecer un fascinante ensayo histórico, formalmente muy estimulante (la mayoría son planos estáticos con los personajes situados en los márgenes del encuadre), acerca de las transformaciones sociales de finales del siglo XIX asociadas al impacto de la tecnología. 8,3.
Morir en Ibiza (M. Eustachon, L. Couture, A. Balekdjian)
La seminal ‘Pauline en la playa’ (1983) ha dado lugar a una fértil tradición de películas con romances playeros tan ligeros y evocadores como la brisa marina al atardecer. Hijos e hijas de Eric Rohmer como Guillaume Brac, Mia Hansen-Løve, Emmanuel Mouret, Hong Sang-soo, Jonás Trueba… A quienes hay que unir ahora a este trío de directores y su rohmeriana hasta la médula ‘Morir en Ibiza’.
Rodada con dos duros, con actores noveles y durante tres veranos –en la “romana” y pictórica Arlés, la normanda Étretat y sus famosos acantilados, y en la costa ibicenca-, ‘Morir en Ibiza’ es cine de guerrilla donde la improvisación, las buenas ideas narrativas y la seductora inmediatez de su dispositivo formal destacan por encima de la evidente falta de medios. La película es un romántico cuento de verano(s), refrescante como un chapuzón en el mar y melancólico como el último día de vacaciones. Una historia de amor y amistad salpicada por momentos musicales que otorgan al filme un encanto muy especial. Todo un descubrimiento. 7,9.
Pink Moon (Floor van der Meulen)
Eutanasia y relaciones paternofiliales. Esta combinación podría haber sido una bomba melodramática. Sin embargo, en manos de la debutante en la ficción Floor van der Meulen (ha realizado varios documentales), se convierte en una estupenda tragicomedia sobre la decisión de morir (de un padre de familia de 74 años y buena salud) y la aceptación de los deseos de los demás, por mucho que duelan (la hija, quien hará todo lo posible por evitarlo).
La directora holandesa pone sobre la mesa temas de gran calado emocional utilizando un tono ligero, como de comedia de treintañeras inmaduras. Este contraste funciona de maravilla, aportando un gran equilibrio entre lo cómico y lo trágico, entre el lado más funcional de la vida y el más trascendental. Decir que el título de la película hace referencia a la célebre canción de Nick Drake, perteneciente a su último álbum antes de suicidarse. 7,5.
Como os contaba Jordi Bardají hace unos días, el álbum habla sobre desamor, sobre experiencias sexuales y experimentos varios al respecto. Destacaba el segundo single ‘Sad to Breathe’, que termina de conquistar gracias a su reducción acústica. Es nuestra “Canción del Día” en esa versión que ya están tardando en compartir de manera oficial en Spotify, Amazon Music y compañía.
La letra no puede ser más sencilla en su planteamiento “es triste respirar el aire cuando no estás cerca”. Amber Bain repite lo mismo una y otra vez, como si quisiera llevar la canción a una banda sonora tan asequible como la de ‘Once’ o ‘Ha nacido una estrella’, aunque lo bueno de verdad es la melodía.
Si bien en la versión de estudio, por alguna razón, desde luego muy equivocada, se ha querido llevar el tema hasta los territorios de la pista de baile, ‘Sad to Breathe’ termina de revelarse como una canción digna del repertorio de Stevie Nicks o incluso ABBA, en una versión acústica que sí se ha subido a Youtube como vídeo oficial.
Es ahí donde funcionan los juegos vocales y los arreglos a la perfección. Como recordando que a menos que te embarques en una producción realmente compleja y llena de capas a lo -por decir alguien- Animal Collective o Daft Punk, menos suele ser siempre más.
Quevedo se mantiene en el número 1 en España con ‘Donde quiero estar’, certificado ya como triple platino. El podio se completa con ‘Mañana será bonito’ de Karol G y ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny, ya con 66 semanas de longevidad.
Mientras la subida más fuerte es la Taylor Version de ‘Speak Now’, que pasa del puesto 13 al puesto 5; la entrada más fuerte corresponde a Depeche Mode.
Depeche Mode han publicado este mes de agosto una caja llamada ‘Sounds of the Universe – The 12 Singles’. La nueva caja deluxe incluye siete discos de vinilo de 12″ que presentan la nueva serie de singles, junto a caras B, remezclas, versiones dub y otras grabaciones contemporáneas del 12º álbum de estudio de Depeche Mode, ‘Sounds Of The Universe’, publicado originalmente en 2009. Dicha caja aparece por el puesto 87 de la lista española oficial. Se debe, por supuesto, a su buen funcionamiento en vinilo, pues dicha caja es número 2 en España tan sólo por detrás del citado disco de Taylor Swift.
‘Memento Mori’, el último disco de Depeche Mode, fue número 1 de vinilos en España y aún resiste en el puesto 36 de la tabla de LP’s después de 20 semanas de permanencia.
La única otra entrada de la semana en Discos es ‘El Comienzo’ de Grupo Frontera, que ha llegado al puesto 97. El álbum incluye colaboraciones como la de Bad Bunny, entre otras.
Xavier Dolan no está pasando por su mejor momento. Ni en lo personal, temeroso por el aumento de la intolerancia y el deterioro medioambiental en el mundo; ni en lo profesional, muy tocado desde el fracaso de crítica y público de ‘Mi vida con John F. Donovan’ (2018), su debut en inglés con estrellas de Hollywood. Tanto es así que en el pasado festival de Sundance anunció que se retiraba del cine (tiene 34 años). Dirigirá una serie para HBO que tenía apalabrada y se dedicará a actuar y dirigir publicidad (en 2021 rodó un anuncio de relojes con Julia Roberts).
Lo irónico de esta retirada es que Dolan la ha anunciado tras rodar la que quizás sea su mejor obra en una década. ‘La noche que Logan despertó’ (Filmin) tiene la energía creativa de sus mejores películas. Aquella desbordante y deslumbrante inventiva, con uso de la música excepcional, que le aupó con solo 19 años como la gran promesa del cine de autor francófono, en el niño mimado de Cannes: ‘Yo maté a mi madre’ (2009), ‘Los amores imaginarios’ (2010), ‘Laurence Anyways’ (2012), ‘Tom à la ferme’ (2013), ‘Mommy’ (2014)…
Como ya hizo en ‘Tom à la ferme’, Dolan vuelve a adaptar un texto de su paisano quebequés Michel Marc Bouchard (algunas de sus obras se han editado recientemente en España en el volumen ‘Teatro reunido’, en la editorial Punto de Vista). A lo largo de cinco episodios, ‘La noche que Logan despertó’ cuenta la historia de una familia marcada por un hecho traumático ocurrido en 1991 y que no se explicará hasta el final. La serie se articula narrativa (con dos líneas temporales) y dramáticamente (las consecuencias psicológicas y familiares) a través de ese misterio.
El problema (el único que tiene la serie) es que la solución de ese enigma se ve venir demasiado pronto. Cualquiera que conozca un poco la filmografía y las inquietudes sociales de Dolan sabe por dónde van a ir los tiros. Obviamente, esto le resta potencia dramática a la historia. El impacto de la sorpresa final, narrada en forma de traca melodramática, se diluye tanto como la credibilidad de su afirmación de retirarse como cineasta (no porque el director no sea sincero, ojo, sino porque ¿alguien cree que lo va a cumplir?).
Sin embargo, todo el trayecto que lleva hacia ese final es fabuloso. Dolan relata un tremendo dramón familiar en forma de thriller de misterio con apuntes de cine de terror. Una historia de rencores, insatisfacciones y problemas psicológicos narrada con una enorme fuerza expresiva (ayudada por la música de Hans Zimmer) y un despliegue de soluciones de puesta en escena, llenas de imaginación y potencia metafórica, que no se veían en su cine desde la famosa secuencia de ‘Mommy’ donde el protagonista ensancha el formato de la pantalla al ritmo de Wonderwall. Junto a ‘Cowboy de Copenhague’, la serie más estimulante de lo que va de 2023.
El tema que ha quedado en el puesto 2 es ‘Dance the Night’ de Dua Lipa, un corte que salió mucho antes, por tanto está más gastado, y tiene muchas más dificultades para moverse hacia arriba en las listas. Pero dado el éxito sin precedentes que está suponiendo ‘Barbie‘ lo está consiguiendo. Como curiosidad, los equipos de ambas artistas han trabajado para conseguir ese número 1. Al final, los cassettes rosas de Billie Eilish han sido decisivos.
‘What Was I Made For?’ logra ascender al número 1 de singles en Reino Unido al haber vendido lo equivalente a 45.488 copias. La mayoría, casi 37.000, han sido puntos de streaming, pero sumando 1.100 descargas y sobre todo la venta de 7.787 cassettes rosas, se ha sobrepasado a Dua. Para conseguir el ansiado top 1, las cintas de Billie Eilish se vendían a 0,99 libras incluyendo gastos de envío, es decir, incurriendo en pérdidas.
Por su parte, ‘Dance the Night’ ha quedado en el puesto 2 con 40.831 copias. Dua Lipa también cuenta con la venta 2.250 CD singles, que en este caso, no han sido suficientes para subir a la cima:
01 45,488 Billie Eilish – What Was I Made For? [7,787 cassettes, 1,099 downloads, 36,602 streaming]
02 40,831 Dua Lipa – Dance the Night [2,250 CDs]
Es, tan sólo, el 2º número en singles de Billie Eilish en Reino Unido. El primero también fue una banda sonora, ‘No Time to Die’, de la última de James Bond. Otros temas de la banda sonora de ‘Barbie’ en las listas británicas son ‘Barbie World’ de Nicki Minaj & Ice Spice con Aqua en el número 7; ‘Speed Drive’ de Charli XCX, ya a la baja en el top 14 tras haber pasado por el top 10; o ‘I’m Just Ken’ de Ryan Gosling en el top 20 (!!!!).
Entre las novedades que nos ha dejado este viernes, recopiladas en la playlist «Ready for the Weekend», hay un tema en catalán de Tanxugueiras. ¿En catalán del grupo defensor del gallego por excelencia? Efectivamente, para alegría del diario La Razón, que el verano pasado recopiló algunos tuits negativos sobre que el grupo sacara una estelada durante un concierto.
En cualquier caso, este tema NO se publica hoy para celebrar la llegada de estas dos lenguas cooficiales en España -junto al euskera- al Congreso de los Diputados, de mano de la nueva presidenta, la socialista Francina Armengol. Estas cosas no pueden improvisarse tanto.
En realidad esta grabación que se presenta hoy se grabó ya hace unos meses, y ha estado circulando por las redes desde finales de 2022. ‘Més fort’ es una versión de ‘Stronger’ de Kelly Clarkson, en la que según su sello «se aventuran a cambiar por un día al catalán». El tema está incluido en el recopilatorio de La Marató de 2022 de TV3 Y Catalunya Ràdio, en el que las artistas participaron. La colaboración con TV3 se hizo las pasadas Navidades como una iniciativa benéfica enfocada en la sensibilización y la divulgación sobre la salud cardiovascular.
Seguramente ‘Mès fort’ se publique justo hoy siguiendo los plazos de publicación de una versión, que suelen complicarse varios meses debido a los derechos de autor, pero hemos consultado al equipo de prensa de Tanxugueiras para corroborarlo.
El último single de Tanxugueiras, con la producción del dúo de electrónica Lowlight, salió en mayo con ciertos toques de reggaeton sin abandonar su esencia folclórica. Se llamaba ‘Aire’. Lo siguiente será una colaboración con Ruth Lorenzo y saldrá el 6 de septiembre. Su gira continúa con las siguientes fechas próximamente:
24/08: Sant Antoni de Portmany • Ibiza
01/09: Valladolid • Valladolid
14/09: Emmusikadas • Iruña (Pamplona)
16/12: Fin de Xira
DJ Shadow, el gran genio detrás de aquel clásico de la electrónica de 1996 llamado ‘Endtroducing’, tiene nuevo disco.
La obra que sucede a ‘Our Pathetic Age’ (2019) se llama ‘Action Adventure’, saldrá el 27 de octubre y viene presentada por un single llamado ‘Ozone Scraper’. Con baterías orgánicas y sintetizadores de corte cósmico, DJ Shadow nos invita a un viaje por el desierto que se materializa en un vídeo de cierto presupuesto. Se ha rodado en Uzbekistán, uno de los países al norte de Afganistán, y termina con animación.
DJ Shadow ha explicado que la mayoría de estas canciones son instrumentales porque no quería escribir condicionado por tener que depender de vocalistas: “Quería escribir música que consintiera diferentes energías”. Este será el tracklist de ‘Action Adventure’:
01 Ozone Scraper
02 All My
03 Time and Space
04 Craig, Ingels, & Wrightson
05 Witches vs. Warlocks
06 A Narrow Escape
07 You Played Me
08 Free for All
09 The Prophecy
10 Friend or Foe
11 Fleeting Youth (An Audible Life)
12 Reflecting Pool
13 Forever Changed
14 She’s Evolving
Érase una vez un montón de grupos de rock que lograron ponerse de moda, paradójicamente, justo con el cambio de siglo. Casi todos se llamaban «Los lo que fuera»: The Strokes, The White Stripes, The Vines… y entre ellos, los suecos The Hives. Muy hypeado tras la buena acogida de ‘Veni Vidi Vicious’ en el año 2000, ‘Tyrannosaurus Hives’ les dio en 2004 un número 1 en su país, y un top 10 en UK.
Después, la llama se fue apagando. Salieron 2 discos más en 2007 y 2012, pero al último, ‘Lex Hives’, ha sucedido un silencio de 11 años. Un silencio que, eso sí, fue únicamente discográfico. Setlist.fm nos prueba que entre 2012 y 2023 jamás han dejado de actuar, como mínimo en festivales, con la única excepción de 2020. Solo la pandemia pudo interrumpir esa apisonadora incontestable que siempre fueron en directo canciones como ‘Hate to Say I Told You So’, por mucho que alguien pensara en España que podían ser sustituidos en un festival, víctimas de una huelga de pilotos, por Danza Invisible.
Su gran disco de regreso tiene cierta coartada conceptual: The Hives están justificando su ausencia de los estudios de grabación porque el supuesto autor de toda su música hasta ahora, Randy Fitzsimmons, ha muerto, y de ahí el vídeo gótico de presentación del álbum, ‘Bogus Operandi’. Y de ahí que muchas de las letras hablen de asesinatos (la propia ‘Bogus Operandi’ repite «¡vas a morir, te lo dije, te lo dije!»), de bombas y tumbas (‘Trapdoor Solution’), y de ahí títulos como ‘Rigor Mortis Radio’.
Aunque lo más ilustrativo es que varias canciones suenan como auténticos tiros. ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ contiene más disparos que un Western. A ‘Trapdoor Solution’, que dura 1 minuto, le han metido bpm’s en busca del pogo, ‘The Bomb’ lo dice todo con su nombre y su estribillo de conjugación «He a bomb, me a bomb, we a bomb, she a bomb… We’re blowing up tonight». Otras veces han jugado a ser los Ramones, como en ‘Rigor Mortis Radio’, la divertida ‘Smoke & Mirrors’, incluso con una inspiración en Phil Spector que ni The Raveonettes (‘Crash Into the Weekend’). Canciones que a veces han contrapuesto con algún tema más centrado en los vientos (‘Stick Up’) o incluso con algún punto electrónico, como ‘What Did I Ever Do To You?’.
Más que nada para variar, porque aquí la estrategia era recuperar los fans que empezaron a perder en 2004 y que quizá ahora anden huérfanos de adrenalina rock: ‘Two Kinds of Trouble’ es un single que según el propio cantante Howlin’ Pelle Almqvist quería evocar a ‘Tyrannosaurus Hives’. Redondeado con la mano sabia y popera de Patrik Berger en la producción (Robyn, Charli XCX), ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ podía haber salido, lo mismo que no salido. Tu vida seguiría igual. Pero difícilmente podría cumplir mejor su cometido: se abre contratación para festis de 2024.
Antes de eso, The Hives actúan en Barcelona, Madrid y Santiago este octubre.
Tinashe está estos días ofreciendo los primeros avances de su próximo disco, que recibe el título de ‘BB/ANG3L’. El rumor es que saldrá por partes. ‘Talk to Me Nice‘, el primer single, se puede escuchar desde hace unas semanas, y hoy es momento de degustar el segundo.
En ‘Talk to Me Nice’, Tinashe exploraba su lado atmosférico. Y, en ‘Needs’, opta por la diversión. No es una producción con tantos matices como la de ‘Bouncin‘, pero la sencillez de su base de trap-pop cede todo el protagonismo a una melodía realmente pegadiza, cantada con toda la naturalidad y aura «cool» que caracteriza a la californiana.
‘Needs’ habla por supuesto de «necesidades» sexuales y afectivas. Bueno, más bien, solo sexuales. El gancho «Hands on my knees / They ain’t never seen moves like these» sirve de entrada perfecta a una historia de puro flirteo que, además, no está exenta de humor: Tinashe canta que está «abierta las 24 horas» y que está en periodo de «bonanza» sacando «melocotones y bananas».
La letra de ‘Needs’ daba pie a que el vídeo tuviera lugar en un supermercado, como es el caso. Tinashe y su grupo de bailarines hacen que ir al súper sea la experiencia más divertida del mundo, bailando por los pasillos y haciendo carreras de carros.
Antes de que te des cuenta, Tinashe está desparramada en la sección de mariscos, cubierta de embutido, perreando en la caja registradora o corriendo con una cesta de aluminio en la cabeza. Un vídeo coreografiado de principio a fin que vale la pena ver.
Gary Young, batería original de Pavement, ha fallecido a los 70 años, ha confirmado su mujer, Geri Bernstein. Young tocó la batería en los primeros epés de Pavement, ‘Slay Tracks’ (1989), ‘Demolition Plot J-7’ (1990) y ‘Perfect Sound Forever’ (1991), y después en el debut largo de la banda, el aclamado ‘Slanted and Enchanted‘ (1992), uno de los discos clave del indie-rock de los años 90. Young volvió a tocar la batería en el epé ‘Watery, Domestic’ (1992) antes de ser reemplazado por Steve West.
«Sin Gary, muchas personas no habrían reparado en nosotros», han expresado Pavement en un comunicado. «Él era un espectáculo en el mejor sentido posible. Era magnético. Era mágico. Era peligroso. Podríamos pensar en él como un tío, un hermano mayor que ninguno de nosotros tuvo».
Cuando Stephen Malkmus y Scott Kannenberg formaron Pavement a finales de los 80, grabaron sus primeros discos en el estudio que Gary Young había montado en su garaje. Young aportaba la batería a las grabaciones y de manera natural pasó a convertirse en integrante del grupo.
Pavement aseguran que Gary puso al grupo en el mapa. «Grabó todos nuestros discos desde ‘Slay Tracks’ hasta ‘Watery’. Lo hacía en su garaje, en un estudio que se montó llamado Louder than You Think. Stephen y Spiral (Kannenberg) le conocíamos de la escena punk-rock de Stockton y conseguimos su teléfono de las páginas maravillas. (Gary) hizo que nuestras primeras canciones fueran lo que son, capturando todo su caos juvenil».
«Para nosotros y todos los que lo conocieron, él era una bola de fuego. Su entusiasmo por tocar música en vivo era incansable e inquebrantable», continúa la banda. «Fue el mejor narrador de historias que hemos conocido y conocía muy bien al ser humano. Las cosas que vivió antes de que lo conociéramos nos dejaron impresionados. A Gary le encantaba la tensión. Quería emocionar a la gente y ponerla nerviosa. Logró ambas cosas».
Hoy 18 de agosto salen nuevos discos de Jon Batiste (con colaboraciones de Lana Del Rey, NewJeans o la barcelonesa Rita Payés), Hozier, DeYarmond Edison (la superbanda de Justin Vernon, Joe Westerlund, y Phil y Brad Cook), Genesis Owusu, Margaret Glaspy, Osees, Cautious Clay o Renée Rapp, que te gustará si te gusta el pop electrónico. Ciara publica epé.
Abre la playlist el nuevo single de Charlie Puth, que inaugura nueva era. El mismo propósito cumplen los nuevos singles de Sufjan Stevens o Wild Nothing que ya habías podido escuchar previamente en la playlist. En portada comentamos el gracioso nuevo single de Usher.
Siguen avanzando sus próximos trabajos Jamila Woods, Hannah Diamond, The Drums, Tinashe, Del Water Gap, Slayyyter, Madison Beer, Icona Pop, Thirty Seconds to Mars, Snoh Alegra…
En estos días de verano, que cantaban Amaral, es posible escuchar también nueva música de The National, Musgö, Addison Rae con Charli XCX, aespa, Superchunk, Doechii, Liz Forte, Sextile, Parkineos, Cold War Kids, Tigre y Diamante o d4vd.
Entre las curiosidades, hoy el día de novedades nos sorprende con el lanzamiento de un single de Guns ‘n Roses, el primero en 20 años. Además, CHVRCHES publican un tema inédito de su debut, por su 10º aniversario.
El podcast de JENESAISPOP, REVELACIÓN o TIMO, está de vacaciones, pero compartimos el segundo de los especiales de verano, tras el dedicado a los Smiths. Y hay relación, pues Morrissey ha sido una de las grandes obsesiones de Astrud.
Creado en Barcelona a mediados de los 90 por Manolo Martínez y Genís Segarra, el dúo despuntó en el underground español de la época tras su primer EP en Acuarela y el posterior fichaje en Chewaka/Virgin. Sus melodías únicas, inteligentes letras llenas de aristas y su producción primero electropop y después más clásica, conquistaron a miles de seguidores. Un grupo de gente quizá pequeño para las expectativas de Virgin, pero increíblemente fiel, que dura hasta hoy, años después de la separación de Astrud. O de lo que entendemos por la misma.
En este episodio del podcast debatimos sobre si el grupo era indie o no indie, LGTB+ o no LGTB, raro o no raro, comercial o experimental, o sobre si han separado o no. Hablamos de sus cuatro discos de estudio, y también de alguna curiosidad como el recopilatorio ‘Algo cambió’ o aquella banda sonora loca que hicieron y que incluyó un tema llamado ‘Yo he comido caca’.
Mientras Genís Segarra ha declinado participar en el podcast, Manolo Martínez sí nos ha mandado gentilmente algunas declaraciones. ¿Cómo recuerda aquellos años? “Pienso mucho en mi época de Astrud. La de tocar más, que fuera lo más importante de mi vida… Esa época se me presenta a menudo con orgullosísimo: siempre había querido tener un grupo. Y que mi grupo estuviera bien (…) que le resonara a la gente con sus cosas, que la gente quisiera oír, hacernos caso, preguntarnos por aquella letra, aquel sample de dónde venía… pues es muy chulo. Tengo nostalgia por todo lo que haya pasado hace más de 3 semanas, y de mi grupo mucho más. Nostalgia y orgullo. No me pasa que no quiero pensar en ello. Todo bien, mi grupo fenomenal. Y lo que viene después, Hidrogenesse, súper guay. Haber estado cerca de Genís, haber visto cómo hacía las cosas, es una suerte muy grande”.
También recuerda curiosidades de las letras más tóxicas y críticas, tan avanzadas a su tiempo: “Sí éramos conscientes de lo que estábamos haciendo. ‘He vuelto’ tiene los mismos acordes que ‘Caridad’ en el mismo orden, porque hablan del mismo personaje. Quizá cambié algo por licencia creativa, pero quería dar a entender que eran el mismo personaje. Si hubiera sido tipo 60’s, habría puesto los acordes al revés o les habría dado la vuelta, pero están en el mismo orden. Y sí, ‘Caridad’, ‘Atención’, Minusvalía’… hablan de ese tipo de personajes (tóxicos) y éramos conscientes».
¿Cree Manolo que la gente era consciente de ello? «No sé si la gente se daba cuenta o no. Pero como oyente me pasa lo mismo. Es irresistible la tentación de pensar que el cantante canta sobre sí mismo: cuando oyes a La Bien Querida o Caroline Polachek, piensas qué cosas tan fuertes les han pasado a estas personas. Y como yo debería saber, por haber escrito alguna letra, no están contando su vida, como diría Morrissey, cantando su vida. La gente se lo tomaba como que éramos nosotros. Cuando ves que el cantante está cantando su vida, y quieres que te caiga bien, intentas retorcer las letras, cosas desagradables, para que te caigan medio bien».
En la última parte del podcast, preguntamos si la puerta para que vuelvan Astrud está abierta y Martínez responde que sí, si alguno de los dos da con un grupo de canciones adecuadas. “Quizá pase el año que viene, quizá no pase nunca”, indica recordando que siempre llevaron su separación con discreción, sin anunciarla, por si acaso.
El segundo disco de Astrud, ‘Gran Fuerza’, aparece en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XX’ autoeditado por JENESAISPOP, entre otras razones, dada la mordacidad de sus letras sobre parejas tóxicas, mucho antes de que se hablara tanto de la toxicidad en las relaciones de pareja. Solo esta semana podéis conseguirlo con un 20% de descuento utilizando el código descuento TODONOSPARECEUNAMIERDA. También válido para este pack con el Anuario 2022.
* La grabación de este podcast se produjo hace un par de meses, el 29 de mayo, por lo que un par de comentarios anacrónicos aparecen al final del mismo. Tampoco nos da tiempo a comentar la muerte de Astrud Gilberto, pues esta se produjo una semana después, el 5 de junio.
Britney Spears y Sam Asghari se han separado después de 14 meses de matrimonio y se encuentran en proceso de divorcio, confirman varios medios como People. De acuerdo con varias fuentes ha sido Asghari la persona que ha solicitado divorcio a Spears citando «diferencias irreconciliables». Asghari fecha su separación de Spears el día 28 de julio.
Según varias fuentes, Asghari está pidiendo manutención conyugal y el pago de los honorarios de abogados. Además, el modelo y actor buscaría impugnar el acuerdo prenupcial. Según PageSix, este acuerdo prenupcial se cerró «herméticamente» a favor de Britney.
Spears y Asghari se conocieron durante el rodaje del videoclip de ‘Slumber Party’, el segundo single de ‘Glory’ (2016), y contrajeron matrimonio en junio de 2022, una vez Britney fue liberada de su tutela de 13 años, en una mediática boda celebrada dentro de la mansión de Spears que contó entre sus invitados a Madonna, Selena Gomez y Drew Barrymore. Durante el enlace se vivió un momento de tensión cuando Jason Alexander, el primer marido de Spears, con el que la intérprete de ‘Toxic’ estuvo casada durante 55 horas en enero de 2004, intentó irrumpir en la mansión cargado con una navaja. Alexander fue inmediatamente arrestado.
Después, en septiembre de 2004, Spears contrajo matrimonio con el bailarín Kevin Federline, padre de sus dos hijos, Sean Preston, de 17 años, y Jayden James, de 16 años. Spears y Federline se divorciaron en 2007.
Spears, que publicará su primer libro autobiográfico, ‘The Woman in Me‘, en octubre, ha roto su silencio sobre el divorcio después de unos días:
«Como todo el mundo sabe, Hesam y yo ya no estamos juntos. 6 años es mucho tiempo para estar con alguien así que estoy un poco un shock, pero no estoy para explicar cómo me siento porque no es asunto vuestro. Pero no podía más con la tristeza, la verdad. De alguna manera telepática, he estado recibiendo muchos mensajes que me han deshecho el corazón, por parte de amigos, así que gracias. Me he hecho la fuerte demasiado tiempo y mi Instagram parece el lugar perfecto pero eso está muy lejos de la realidad y creo que todos lo sabemos. Me encantaría mostrar mis emociones y lágrimas y cómo me siento pero por alguna razón, siempre he tenido que esconder mis debilidades. ¡Si no fuera el soldado fuerte de mi padre, me enviarían a lugares para que los médicos me curaran! ¡Pero ahí es cuando más necesitaba a la familia! Se supone que debes ser amado incondicionalmente… ¡no bajo condiciones! Estaré tan fuerte como pueda y lo haré lo mejor que pueda. Y realmente estoy bastante bien. Tened un buen día y no olvidéis sonreír».
Usher ha publicado un nuevo tema llamado ‘Boyfriend’. Lo primero que escuchamos en él son unas voces apitufadas tratadas hasta el ridículo, como en señal de burla. Y eso es porque este tema alegre y animado de R&B es precisamente una burla a un ex “Novio”, en concreto al de la actriz Keke Palmer, protagonista de portada y videoclip. Con ella Usher coincidió en el reparto de ‘Hustlers’.
El estribillo repite sin cesar algo parecido a “dicen que tu novio está preguntando por mí / pues debe saber que soy muy fácil de encontrar / que busque allá donde estés tú”. Después, pasa a hablar de las fotos que se han hecho juntos en su casa, etcétera.
El novio al que se refiere esta canción en clave de humor es Darius Jackson, con el que Keke Palmer acaba de romper según informa la revista People. La actriz, conocida sobre todo por esa gran película llamada ‘NOP’, ha decidido pasar página.
La letra parece, por tanto, una parodia de Darius Jackson, lo que adquiere todo el sentido porque hace unos meses Jackson criticó en las redes sociales a Keke Palmer por el vestido que llevó a un concierto de Usher, y con el que se le vio bailando. Exactamente dijo que era inadecuado para una persona «que es madre». Tras recibir el backlash esperable para un comentario del tipo, borró el tuit.
Usher continúa de esta manera al menos simpática, con una carrera que ha encontrado gravísimas dificultades para emular los 10 millones de copias que vendió en 2004 ‘Confessions’, solo dentro de Estados Unidos.
Este mismo mes había lanzado un tema llamado ‘Good Good’, un adormilado estándar de R&B que, pese a las colaboraciones de Summer Walker y 21 Savage, no había pasado del puesto 68 en Estados Unidos. Su último disco, ‘Hard II Love’, data de 2016. En 2018, sacó un split con Zaytoven. ¿Puede este ‘Boyfriend’, además medio bailable, servirle para reencauzar lo de su discografía de estudio?
‘Rush’ de Troye Sivan es, por mucho, la canción favorita de los lectores de JENESAISPOP ahora mismo, a juzgar por vuestras votaciones semanales a través de la web y de Twitter. Pero eso puede cambiar si veis la entrevista que el artista ha concedido al detector de mentiras de Vanity Fair.
En la entrevista, muy divertida en verdad, se ve a Troye Sivan especialmente nervioso cuando le preguntan con qué novio de un amigo se enrollaría o por otros artistas. No parece importarle reconocer que no es el hijo favorito de sus padres, hablar de comida basura o mal gusto en cuanto a diseño de interiores (apunta a Drake). Pero la cara le cambia cuando le preguntan por su colaboradora favorita. Y resulta que esta no es Ariana Grande.
Troye Sivan sale más o menos airoso de ahí, no tanto cuando le preguntan por el nivel de artistas que han hecho cine y música, como él. No quiere ni mirar la foto de otra mocatriz como él con quien van a compararle (¿quizá teme encontrar una foto de The Weeknd por su colaboración en ‘The Idol’?). Al final, respira aliviado al encontrar a Lady Gaga. Troye responde que Gaga actúa mejor que él… pero la ha liado cuando le han preguntado por Cher.
«Nunca realmente he visto…» empieza indicando, antes de corregir: «¿Salía en ‘Mamma Mia’? Creo que nunca he visto una película de Cher». Tras el terror generado en el gaydome cuando parecía que iba a decir desconocer quién era Cher, en el que podía ser un nuevo «I don’t know her» de manual, la cosa no ha mejorado mucho cuando la gente ha empezado a hacer cábalas de que Troye no ha visto ‘Hechizo de luna’, ‘Las Brujas de Eastwick’, ‘Máscara’… ni ‘Burlesque‘.
«¿Qué tipo de fan de Christina Aguilera no ha visto ‘Burlesque’?», se preguntaba un usuario en Twitter, mientras los memes de Cher dando bofetadas a dos manos tardaban cero segundos en aparecer por el foro de Popjustice.
Troye Sivan, que ahí donde le veis se acerca ya a la treintena, pues tiene 28 años (no 19), trata de arreglar el asunto indicando que ha visto como «2 películas en toda su vida».
Troye Sivan reacts to the Vanity Fair lying detector test asking if he thinks he’s a better actor than a certain musician who has tried acting:
Omar Montes es el último artista invitado a Tiny Desk, la icónica serie de conciertos íntimos de la emisora de radio estadounidense NPR, por la que ya vimos actuar a un artista español, C. Tangana, con el que Omar ha colaborado. Los programas de Tiny Desk se graban dentro de las oficinas de NPR, ubicadas en Washington D.C.
Otro artista español que grabó su episodio de Tiny Desk es Diego el Cigala. Por supuesto, por el concierto de El Madrileño pasaron sus colaboradores Kiko Veneno, La Húngara, Antonio Carmona o Alizzz, entre otros.
Acompañado por su banda, los «Angelitos», Omar canta ‘Patio de la cárcel’, ‘Metío en un lío’, ‘La llama del amor’ y ‘Conmigo’. De acuerdo con NPR, el autor de ‘Quejíos de un meleante‘ «baila en los bordes de la tradición y la modernidad, entre el flamenco y el hip-hop», y «rememora su infancia como niño de herencia romaní que creció en las calles de Madrid».
Omar entra en la oficina «hablando por videollamada con su abuela, una de las personas más importantes de su vida», relata NPR. Después, el cantante «exuda tradición y alma y, en su actuación, pone en el centro a su barrio, a su gente y a su familia, y brinda un pedacito de España al resto del mundo».
Aunque por Tiny Desk han pasado superestrellas del tamaño de Taylor Swift, Harry Styles, Coldplay o Adele, hay que recordar que en sus orígenes Tiny Desk era -y sigue siendo- un programa dedicado a apoyar y dar a conocer talentos populares o emergentes procedentes de diferentes partes del mundo. Stromae, Bomba Estéreo, Aurora, Fatoumata Diawara o Mon Laferte han actuado en el programa, así como otros artistas menos conocidos como Talk and the Bangas, Moonchild o Dessa.
Durante los años 80 y 90, los videoclubs de barrio se llenaron de películas, la mayoría de procedencia italiana, que imitaban los éxitos del cine de Hollywood, sobre todo los del género de acción y ciencia ficción. Disparatadas exploitation o mockbuster como ‘Star Crash’, ‘Robowar’, la falsa secuela ‘Terminator 2 (Shocking Dark)’… Luego estaban otras, la mayoría series B americanas, que hacían lo mismo pero rebozándolas de una falsa apariencia de calidad: misma estética pero con actores de segunda y guiones chuscos. Un buen ejemplo sería ‘Resurrección’, con Christopher Lambert haciendo del Brad Pitt de ‘Seven’.
Pues bien, el nuevo videoclip de Taylor Swift es lo más parecido a esas fotocopias con tinta de mala calidad. ‘I Can See You’ es como una versión de mercadillo de las películas de robos y los thriller de acción a lo ‘Misión imposible’: misma estética, un intérprete en horas bajas (el ex novio ex sex symbol juvenil y casi ex actor Taylor Lautner) acompañando a una estrella juvenil, Joey King, de futuro incierto, y un argumento menos imaginativo que ‘Megalodón 2’.
Escrita y dirigida, como es habitual, por la propia cantante, ‘I Can See You’ narra una rutinaria historia de asalto a una “inexpugnable” cámara acorazada articulada a través de varias escenas de acción más vistas que una foto de pies en la playa (hasta Aqua tenía un vídeo parecido, ‘Around The World’, realizado con mucha gracia).
Una operación de rescate mil veces vista, solo aderezada por los habituales cebos para cazadores de easter eggs y guiños nostálgicos y reivindicativos para muy fans: Joey King y Presley Cash habían participado en el clip ‘Mean’ cuando eran niños, Lautner fue pareja de la cantante cuando lo petaba en ‘Crepúsculo’ (viendo donde han llegado Bella y Cullen es para deprimirse) y Taylor escapando con un cuadro con la imagen de la portada de ‘Speak Now’ al final del vídeo.
Talking Heads se reunirán por primera vez en 20 años. La razón es el estreno de la versión restaurada de ‘Stop Making Sense’, el icónico concierto documental de Talking Heads, por su 40 aniversario.
Los cuatro miembros de Talking Heads, estos son, el cantante David Byrne, la bajista Tina Weymouth, el batería Chris Frantz y el guitarrista Jerry Harrison, comentarán el re-estreno de ‘Stop Making Sense’ en una charla que tendrá lugar en el Toronto International Film Fest, el próximo 11 de septiembre, después de la proyección de la película restaurada.
La última vez que Talking Heads se reunieron en una presentación en vivo fue en el año 2002, durante su inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll. En el evento, Talking Heads ofrecieron su primera actuación en directo desde 1984 tocando cuatro canciones. Antes de su reunión en el Salón de la Fama, en 1999, Talking Heads se volvieron a juntar por el 15º aniversario de la película.
Dirigido por Jonathan Damme, grabado durante tres noches en el Hollywood’s Pantages Theater de Los Ángeles en diciembre de 1983, durante la gira de promoción de ‘Speaking in Tongues’, y estrenado en abril de 1984, ‘Stop Making Sense’ es ampliamente considerado uno de los mejores documentales musicales de la historia del rock. En España está disponible en la plataforma Mubi.
Después de hacer historia con su debut homónimo de 1977 y con singles como ‘Psycho Killer’ o ‘Once in a Lifetime’, Talking Heads se separaron en 1991. Publicaron un disco final, ‘Naked’ (1988), antes de disolverse alegando diferencias artísticas.
