Con tan sólo 56 años, el que fuera cantante de Smash Mouth, ha fallecido en su casa de Idaho. En los últimos tiempos Steve Harwell había sufrido diversos problemas de salud, algunos relacionados con su alcoholismo. En 2013 le diagnosticaron problemas de corazón y neurológicos y en cierta ocasión llegó a desfallecer durante un directo. En 2021 se retiró de las actuaciones.
Su representante había dicho estos días que el artista «estaba en cuidados paliativos por insuficiencia hepática crónica en etapa final».
Smash Mouth tuvieron un enorme éxito comercial en los años 90, destacando el hit en que se convirtió ‘All Star’, perteneciente a su disco de 1999, ‘Astro Lounge’. El tema se acerca a los 1.000 millones de streamings en Spotify tras haber arrasado en su momento. Aquel segundo álbum fue triple platino en Estados Unidos y platino en Reino Unido, empapando también las emisoras españolas de aquel año. El grupo continuó publicando álbumes hasta 2012, cuando salía ‘Magic’.
Mora llega al número 1 de la lista de discos española con ‘Estrella’, desplazando el último de Karol G hasta el puesto 3.
Pero quizá es aún más noticia el modo en que el artista portorriqueño ha copado la lista de singles. El álbum tiene 15 canciones y las 15 han entrado en el top 100, destacando el dúo con Saiko. Como curiosidad, el penúltimo tema del disco ha entrado justo en el puesto 100. Así ha quedado la cosa respecto a los 15 temas que incluye ‘Estrella’.
7.-Reina (con Saiko)
22.-Dónde se aprende a querer?
32.-Pasajero
40.-Media Luna
46.-Fantasías
47.-Pólvora (con Yandel)
54.-El Chacal
56.-Laguna (con Arcángel)
64.-Lokita
71.-Pide (con Rainao)
75.-Diamonds (con Del V)
77.-Córcega
83.-Un deseo (con Rainao)
97.-Ayer y hoy
100.-Marea
Pasando a comentar otras entradas, Maluma llega al puesto 7 con ‘Don Juan’, mientras DELLAFUENTE consigue situar en el puesto 25 ‘Incursión’, su disco de remezclas también firmado como SALOMON SESSIONS.
Sôber llegan al puesto 15 con la edición 20 aniversario de ‘Paradysso’, que además es número 1 de la lista de vinilos. Alice Cooper llega al puesto 43 con ‘Road’. El vigésimo álbum del artista ha sido top 8 en Reino Unido y número 2 en Alemania.
Burning Man, un festival que se celebra en California desde los años 80, ha sido sacudido este fin de semana por fuertes tormentas, como ha pasado también en nuestro país. Un hombre ha muerto y una parte importante de los 70.000 asistentes ha quedado atrapada en el recinto, que se construye en mitad del desierto de Black Rock en Nevada.
Como informan agencias y recogen medios como El País, la policía ha anunciado la apertura de una investigación por la muerte de este hombre, sin dar más detalles de su causa.
Las autoridades locales solicitaban a los asistentes permanecer en el lugar del evento hasta que el terreno se volviera lo suficientemente sólido y seguro para permitir desplazamientos. Aunque el festival terminaba hoy lunes aprovechando que es festivo en Estados Unidos, los asistentes podrían quedarse hasta el martes o miércoles en caso de que vuelva a llover. Algunos de ellos han logrado volver a sus casas tras caminar durante 8 kilómetros hasta la única carretera que ha quedado practicable. Eso es lo que ha hecho Diplo, que pinchaba allí, como ha contado él mismo en las redes sociales.
just walked 5 miles in the mud out of burning man with chris rock and a fan picked us up pic.twitter.com/0uxSXLHgY6
Celebs and other “important” people manage to break through the official cordon surrounding Burning Man while the laptop class cadre of marketing specialists, graphic designers and editors that serves them is left behind in the mud. A nice microcosm of US disaster management. pic.twitter.com/KptOnafNr6
Lo nuevo de Will Oldham retoma las cosas donde las dejó en 2020 con ‘I Made a Place’ si miramos estrictamente a su obra en solitario, aunque recientes colaboraciones con Bill Callahan o Matt Sweeney han mantenido a esta leyenda del alt-country ocupado mientras tanto. Lo de “leyenda” no es una hipérbole: se acaban de cumplir 30 años del debut de Palace Brothers, y Oldham no da señales de aminorar su incansable ritmo artístico ni esa admirable consistencia creativa que ha mantenido hasta la actualidad.
Su nuevo álbum es prueba fehaciente: una docena de nuevas canciones excelentes, unidas por el nexo común de la sobriedad. Atrás quedan los arreglos con banda completa de ‘I Made a Place’, y tampoco encontrarás aquí las excentricidades experimentales de -por ejemplo- su versión del ‘I Wish You Were Gay’ de Billy Eilish junto a Bill Callahan. Oldham vuelve con un planteamiento de folk austero, intermitentemente acompañado por algunos músicos invitados de su ciudad (Louisville, Kentucky).
EL primer dato relevante es el hecho de que la grabación original de ‘Keeping Secrets Will Destroy You’ incluía batería y bajo en varios temas, que fueron posteriormente omitidos en la mezcla final. Un “menos es más” nada nuevo en el artista, que ha usado ese enfoque no percusivo, casi de música de los Apalaches, con anterioridad.
Pero esa búsqueda de frugalidad tiene también un impacto en la recepción del oyente: su sencillez te acerca la voz de belleza agrietada de Oldham mucho más a los oídos, y te coloca las canciones mucho más cerca del corazón. Algo que es especialmente perceptible en maravillas de espartana simplicidad como ‘Kentucky Is Water’ o ‘Rise And Rule’, que se sostienen perfectamente con simple guitarra española y voz durante cuatro o hasta seis minutos de los que no sobra ni un segundo.
Son canciones que aportan delicadeza acústica folkie de enorme belleza, pero el álbum también ofrece melodías más cercanas al pop acústico, eso en lo que su autor ha sido siempre especialista. Por ejemplo ‘Behold! Be Held!’ ofrece una de las melodías más inspiradas de Will en décadas, con maravilloso acompañamiento de órgano y saxofón, y una letra que es capaz de aunar versos de amor a la música (a crearla, a consumirse en ella), de amor una persona (“me debes una explicación por no ser mía”) y una tercera estrofa sobre la muerte y la reencarnación. Todo puede caber en una canción de Bonnie “Prince” Billy.
Entre esas canciones está también la excelente ‘Willow, Pine and Oak’, con otra melodía deliciosa, y una letra en la que clasifica a la gente en tres tipos de árbol: los sauces te secan el pozo y “el tiempo pasado con ellos lo lamentas”. Los pinos “emiten un maravilloso olor” pero “su corteza es pegajosa, abrazarlos es complicado” y “son solitarios, lo cual no es para mí”. Es en el roble, pues, “donde reside mi amor”.
Todo esto se complementa con otro puñado de canciones más claramente country, de esas que en lo formal son claramente ese estilo, pero que las letras de Oldham alejan de cualquier parecido con lo esperable del género. ‘Like It Or Not’ abre el disco en esa onda, estableciendo además lo que será su sonido dominante: canciones grabadas de forma casual, doméstica, con algunos instrumentos de acompañamiento (mandolina, violín) que aparecen tímidamente, en segundo plano, hacia la mitad de la canción, si es que llegan a hacerlo. Sus versos parecen expresar verdades sobre la vida que Oldham quiere transmitirnos, “Todo el mundo sonríe cuando ve algo hecho con justicia / Todos lloramos cuando sentimos que nadie confía en nosotros / Todo el mundo muere al final, así que no hay nada que ocultar” para después dar uno de sus típicos quiebros: “Canto a la destrucción / Hoy me siento feliz / Y recuerda la regla de oro: / El fin del mundo no se va a marchar de aquí”.
Entre esas canciones está también la más uptempo ‘Blood Of The Wine’, (sobre la que estoy tentado de escribir que suena a un Oldham más viejo y sabio, olvidando que en 1993 su voz ya sonaba así) o ‘Trees of Hell’, que insiste en la temática arbórea pero con otro punto de vista: el “drone” del violín fiddle la sitúa inmediatamente en un tono gótico-sureño exquisito y fantasmal, como si fuera una “murder ballad” escocesa que nunca existió en la que no es una persona sino los árboles quienes destripan al protagonista.
El texto promocional del disco habla de la importancia de la “unión”, de la “comunidad”: “las canciones de este álbum están hechas por gente unida, para gente unida”. Donde más claro se plasma este concepto es en su canción probablemente más literal, ‘Sing Them Down Together’, una bellísima balada country con un sutil y bello acompañamiento de piano eléctrico que contiene consejos como: “Cuidado a quién alabas y a quién culpas / O elegirás el nombre equivocado / Dejando mudos a nuestros verdaderos héroes / Complaciendo a los que más contaminan / La ruina llega cuando estamos divididos / Y ahora hemos dejado que ese conocimiento se nos escape / Ven con nosotros, cambiaremos tu melodía. Sí, cantaremos juntos”.
En esos momentos más literales las letras se asemejan por momentos a las admoniciones de un gurú, o a frases motivacionales de Instagram… pero le permitiremos a Oldham un lapsus de franqueza en un disco que en realidad es un festín para el disfrute de sus letras. Cuando está en su medio natural (expresión artística con parapeto poético algo surreal) el artista puede pasar como un fascinante rayo de reflexión filosófica a trivialidad cotidiana, de imagen cruel a humor negro, o incluso a frase romántica reminiscente del mejor John Prine.
El precioso cierre de ‘Good Morning, Popocatépetl!’, con ese órgano del músico góspel Kendall Carter, es perfecto, y no hace sino confirmar que este ‘Keeping Secrets Will Destroy You’ viene cargado de numerosos tesoros para descubrir y disfrutar. Parafraseando un verso de ‘Like It Ir Not’, “prepárate para una erupción extática en el volcán de tu corazón”.
El de Sofia Kourtesis se ha convertido en uno de los nombres fundamentales de la escena electrónica internacional. La peruana residente en Berlín nos conquistaba en años pasados con temas hipnóticos como ‘La Perla’ o ‘By Your Side‘ y se está luciendo con los 4 adelantos que conocemos de su disco ‘Madres’, que sale el día 27 de octubre.
Ya fue «Canción del Día» la maravillosa ‘Si te portas bonito‘, desde ya uno de los mejores temas de 2023, y hoy lo es otro de los adelantos, ‘Vajkoczy’.
La canción está dedicada a Peter Vajkoczy, el prestigioso neurocirujano al que está dirigido todo el disco ‘Madres’. Según la nota de prensa de PIAS España, «tras haber operado con éxito a la madre de Kourtesis, alargando su vida más allá de lo que nadie creía posible, a Vajkoczy no sólo se le atribuye haber salvado la vida de la madre de Kourtesis, sino también la suya propia, devolviéndole la esperanza y la alegría».
Es por eso que estamos ante una melodía brillante, alegre y contagiosa, con el sentimiento que solo tienen las producciones electrónicas de grandes genios tan meticulosos como Caribou o Four Tet. Existe un «radio edit» de menos de 3 minutos de la grabación, ideal «ansiosos», pero es en sus 4 minutos de delicada intro, vientos sintetizados, llamada a la vida y volantazos en el viaje, que se aprecian sus detalles en toda su magnitud.
Meses después de anunciar una gira en solitario, que la traerá a nuestro país este otoño, tanto a Madrid como a Barcelona, Lauren Mayberry al fin nos deja oír algo de su música al margen de CHVRCHES. Su primer tema se llama ‘Are You Awake?’ y es una balada a piano. La ha escrito junto a Tobias Jesso Jr, conocido tanto por su buena carrera en solitario como por sus créditos para Adele; y Matthew Koma, quien también la produce.
Ella misma explica que habla de la soledad: «‘Are You Awake?’ es una canción que empezó en un día lluvioso del pasado diciembre con Tobias Jesso Jr. Estaba pensando mucho en la soledad y en la nostalgia, y en cuanto Tobias empezó a tocar los acordes, la letra y la melodía me surgieron de inmediato. Terminé la canción con mi amigo Matthew Koma, que comprendió a la perfección lo que quería transmitir».
Sobre su carrera al margen de su banda, aclara: «Durante mucho tiempo, no podía imaginarme haciendo nada fuera de CHVRCHES, pero necesitaba componer algunas cosas y debía de hacerlo desde un punto de vista puramente mío. Nunca pensé que fuera a escribir una balada al piano o un álbum en solitario, así que la vida está llena de sorpresas. Estoy muy ilusionada con este capítulo y no veo la hora de que la gente escuche más temas».
Lauren Mayberry abre su corazón en esta carta dirigida a alguien a quien pide una respuesta en el estribillo: “Dame una señal, una frase como de Hollywood”. En las estrofas cuenta las amistades que tienen “hijos” y “anillos de boda”, en contraposición a la “tristeza” que abrasa su “piel”.
Al margen de que esta es una canción diferente en la carrera de la líder de CHVRCHES, sorprende especialmente el final de la grabación. La producción se pone nerviosa, aparece un componente electrónico… ¿quizá avanzando la pista siguiente de un álbum que podemos presumir más variado de lo que está sugeriendo ‘Are You Awake?’.
Zahara se despide temporalmente de los escenarios de nuestro país con un último concierto, hasta nuevo aviso. La artista visitará México de gira, pero este será su último show en España en mucho tiempo. El formato que ha elegido en este caso será el de la RAVE.
La RAVE de Zahara surgió durante la gira de ‘PUTA‘. Es un formato más electrónico y catártico, en el que aparecen versiones más bailables de sus temas más conocidos, y también samples de algunas de sus canciones favoritas de otros artistas. Lo explica ella misma así: «“La rave es para mí algo vivo, que va mutando, se nutre de la música que voy haciendo, pero también de la que estoy escuchando y sintiendo, con la que conecto en cada momento. Un lugar donde desatar la furia y canalizarla a través del baile”.
Este último concierto en formato RAVE será el 16 de noviembre en Las Ventas Live de Madrid. Las entradas estarán a la venta el martes 5 de septiembre a las 11h en www.livenation.es y en Ticketmaster.es. Cuestan 25 euros más gastos.
La apertura de la Rave estará a cargo del DJ set de Fuentes-Guerra y, después del concierto de Zahara, el Live de Perarnau IV cerrará el show.
Cala Mijas cerró este sábado su segunda edición, rozando el lleno y con una asistencia que la organización cifra en más de 110.000 personas durante estos días, superando a su edición de debut. Por supuesto, ya están confirmadas las fechas de la tercera edición, cuyas entradas pudieron comprarse este finde a un precio reducido los presentes en el recinto.
La jornada final tuvo un adelanto a mediodía en el escenario gratuito de La Playa, con Safety Trance como invitado estrella en un trepidante DJ set donde no faltaron su megahit con Arca ‘El alma que te trajo‘, otros temazos propios como ‘Ratata’ y remixes y experimentos con temazos ajenos. Pero lo fuerte vendría en los conciertos de la noche, especialmente con uno de ellos. Me autocorrijo con eso de que Arcade Fire tenían el mejor directo de la actualidad, y qué alegría equivocarse si trae consigo una experiencia como la que nos brindó Florence Welch anoche. Ya había visto a Florence & The Machine en directo hace unos años en la gira de ‘How Big, How Blue, How Beautiful’, y me pareció excelente, pero vivir un concierto de esta persona desde la pista en vez de las gradas, y especialmente desde las primeras filas, te da una perspectiva completamente distinta – y, aunque suene sobado y/o ñoño, mágica.
La inglesa cerraba con su concierto en Málaga la gira del estupendo ‘Dance Fever’, a la postre uno de los mejores discos del año pasado, y un considerable subidón de calidad tras el más flojillo ‘High as Hope’.
Desde que, con casi veinte minutos de retraso, Florence sale al escenario descalza y con los movimientos casi espasmódicos de ‘Heaven is here’, hasta que se va envuelta en coronas de flores lanzadas por los fans y después de pedir “sacrificios humanos” en ‘Rabbit Heart’ (consistentes en gente subida a caballito, no en adrenocromo, tranquilos), el aura sobrenatural que hay alrededor de Welch no deja de estar presente, y ella lo sabe. Pero, lejos de traducirlo en algo infantil tipo “soy una inocente hada del bosque”, Florence habla en sus canciones de pecados, adicciones, ansiedad, desórdenes alimenticios, autodestrucción en busca de afecto, e incluso suicidio. “And the crashes are heaven for a sinner like me (…) it’s the only way I can escape, it seems a heavy choice to make” canta en ‘Never Let Me Go’, que ha recuperado para los directos después de dejar de cantarla por ser demasiado triste (“y para ser un tema mío, eso es mucho”).
Y, pese a hablar de todo esto, lo que transmite es fuerza para salir adelante, energía en general. “Energía” (por no llamarlo “magia”) es una de las palabras clave durante esas dos horas, tanto por la energía física de la propia cantante, que no para de saltar y bailar mientras hace unos lucimientos vocales que ni Mónica Naranjo, como por la que parece flotar sobre el escenario y sus alrededores. Decía mi compañero Jordi en su crónica del BBK que “las canciones de Florence se sustentan en una pasión por la vida, dan ganas de vivir”, y no podría estar más de acuerdo. Su concierto se acaba convirtiendo en una celebración de la vida y de agarrarse a ella y continuar, una celebración del lebenstrieb frente al todestrieb, de la pulsión de vida frente a la pulsión de muerte, ambas muy potentes en ‘Morning Elvis’, cuya interpretación en acústico es uno de los momentazos del concierto.
La propia Florence ha comentado que la canción habla de su pulsión de muerte y de no cuidarse, y decidió cantarla después de recordar cómo “algo muy desagradable me ocurrió hace poco, algún día hablaré de ello pero aún no estoy preparada, lo que os puedo decir es que me han salvado la vida… esta canción tiene algo que ver”. En el tema que cierra ‘Dance Fever’, Florence relata cómo había bebido tanto la noche anterior que al día siguiente estaba arrastrándose por la habitación y perdió un avión para visitar Graceland, diciendo que Elvis “habría entendido lo ocurrido”. Habla de ponerse como meta, al menos, sobrevivir un día más, y de cómo llegar al escenario consigue salvarla una y otra vez.
Es curioso porque parece haber un intercambio en el que ella recibe eso por parte de sus seguidores, y sus seguidores reciben esa misma energía por parte de ella: la catarsis vivida por ellos cuando canta ‘Dream Girl Evil’ acariciando la cara de una fan mientras le mira a los ojos, o cuando les hace cierta mini-sesión terapéutica a mitad de ‘Dog Days Are Over’, es algo precioso de ver. Florence sabe bien cómo llevar el papel de Mesías que tanto miedo daba a Lorde en ‘The Path’, y su excelente banda se mantiene cumpliendo siempre en un segundo plano; en este concierto no hacen falta lucimiento en solos, ni golpes de efecto, trucos de atrezo o cinemáticas para entretener, porque consigue ella sola que no puedas dejar de apartar los ojos durante dos horas. Durante esas dos horas, se puede decir aquello de que éste es el mundo de Florence Welch, los demás solo vivimos en él.
Sharon López
‘Preacher’s Daughter‘ es también uno de los mejores discos del pasado año, y tenía muchas ganas de ver si lo brillante de ese disco se traducía de igual manera en un directo. ¿El entusiasmo que se ha ido desarrollando -y que desde luego yo mismo he desarrollado- por Ethel Cain estaba justificado? La respuesta es clara para cualquiera que la viese ayer. La decisión de empezar con ‘A House in Nebraska’ era arriesgada (¿de verdad quieres asesinar sádicamente a tu público nada más empezar?), pero no quedaba otra que arrodillarte después de esa interpretación.
Una pena que estuviese programada justo antes de Florence (si querías un buen sitio, tenías que irte antes de que Ethel terminara) y, sobre todo, una pena los fallos de sonido: un problema de graves arruinó ‘Family Tree’, quizás la mejor canción del álbum, distorsionando todo y haciendo imposible escuchar la voz de la cantante con una letra tan impresionante como ésa. Aunque parece que hacia el final pudieron arreglarlo, guardamos la esperanza de que la siguiente vez que venga a España podamos disfrutar de la autora de ‘Hard Times’ como Dios manda, nunca mejor dicho.
Sharon López
En el mismo escenario, pero unas horas antes, veríamos a Judeline defender los pocos temas con los que cuenta por ahora. Fue un set muy corto y algo decepcionante (pero no el más corto de la noche ni el más decepcionante, como luego veremos), pero con momentos destacables como la subida de su padre para ayudarle con una tonada, el estreno de ‘LA TORTURA’ o la interpretación delicada de algunos de los temas con los que la conocemos, como ‘ZAHARA‘. Menos acertado estuvo el cierre, algo ahogada, con el que ya es su primer megahit, ‘CANIJO‘.
Sharon López
Lo contrario ocurrió con Duki: quienes íbamos con pocas expectativas nos tuvimos que dar un puntito en la boca. “Para quienes no me conozcan, hago trap, rap, reggaeton y a veces cosas raras” dijo en un momento dado del bolo, dando una lección de humildad a quienes están empezando a tener éxito y se creen Madonna: Duki cuenta en Spotify con una media de 24 millones de oyentes mensuales que no para de crecer, y es todo un icono para la generación Z. Solo había que echar un vistazo a las edades de la mayoría de los allí presentes. El artista de Almagro es considerado el Rey del Trap argentino, y viéndole en directo se puede compartir esa aseveración.
Abriendo con su combo-hit ‘ROCKSTAR’ y ‘ROCKSTAR 2.0’ y dejando el reggaeton sobre todo para el tramo final, Duki derrochó energía a la vez que agradecía su asistencia al público presente, y también a los padres que estaban allí acompañando a sus hijos (recordó que su padre le llevó a su primer concierto, del mítico rockero argentino Charly García).
Óscar L. Tejeda
Otro punto generacional, pero con unos años de diferencia, es el que tienen Belle & Sebastian. Los escoceses han publicado disco este año, ‘Late Developers’, pero en su acortado bolo (supongo que por el retraso de Florence) se ocuparon de hacer un pequeño -muy pequeño- recorrido por su carrera, los clásicos de ‘The Boy with the Arab Strap’ y poco más. No estuvo mal, pero fue un poco coitus interruptus, porque cuando pensabas que continuarían, quizás con una ‘If you’re feeling sinister’ con cuatro salsas así de repente… se acabó.
Se acabó porque tenía que empezar The Blaze. Los franceses fueron otro de los puntos álgidos de la jornada: su electrónica se presta a despertar en el público esa mezcla entre baile, épica, sensualidad y básicamente éxtasis (interprétese como se quiera). ‘Dreamer’ fue quizás el mejor ejemplo, con sus distintas capas, aunque los momentazos con ‘SHE’ o ‘TERRITORY’ no se quedaban atrás. Guillaume y Jonathan Alric se ocuparon de poner en pie al festival y mantenerles activos para poder aguantar hasta la llegada, a las 4 de la mañana, de quien se suponía que nos iba a desatar del todo… y no.
Ningún problema con que Arca hiciese un DJ Set si lo hubiera anunciado así, pero no era el caso y lo de este sábado fue un DJ set, no un concierto de Arca. Temazos tan distintos como ‘Luna llena’, ‘Machote’, ‘Desafío’, ‘Tiro’, ‘Bruja’ o ‘El alma que te trajo’ y, sin embargo, solo hacia el final abandonó la mesa de mezclas. Entonces llegó un poquito de performance con unos cristales, pintura y un columpio sexual, y un mini-concierto donde interpretó ‘Prada’, ‘Rakata’ y un fragmento de ‘El alma que te trajo’. Un final al que, eso sí, le vino que ni pintado el chaparrón que apareció de repente como si fuera un efecto sorpresa del bolo, empapando a unos asistentes a los que eso solo les dio más ganas de saltar.
Una de las sorpresas de las novedades de este viernes es el dúo de Lola Indigo con DELLAFUENTE. Ella, situada en la primera plana del mainstream nacional; él, abrazado a un personaje más esquivo, pero manteniendo miles de fieles en el underground.
La canción se llama ‘MALA SUERTE’, aúna elementos de drum&bass, pop y flamenco, y es un dúo un tanto pimpinelesco. El tema oficialmente relata el «reencuentro con un amor tormentoso del pasado». Solo que «ya es demasiado tarde recuperar el amor que no se supo cuidar». Mimi presume «está hookeao de mí, yo sé que eso no es amor» y asegura que aquel amor «le ha dejao un colocón». Pablo dice que «ni rojo, ni verde, lo nuestro era gris», que hubo «demasiá presión y reventó el tetrabrick».
En un momento define su relación o su estado como «alegre pero triste como un vis a vis», lo que refleja perfectamente el «mood» de la producción. Su amor ya no podrá volver y no va a ser por «mala suerte», pues tal cosa seguramente no exista («Mientras tú culpabas a la mala suerte, ni supiste cuidarme, ni supiste quererme»). Pero hay cierto positivismo y melancolía, no tanto reproche, en el tono y en la melodía: «Admiro tu nombre, la fuerza que tienes / Eso no quita que a mí no me convienes», dice él.
Para Lola Indigo, este agradable tema de letra larguísima y fondo tan chulo, supone a su vez cierto regreso a sus raíces granaínas, las cuales comparte con DELLAFUENTE. Aparte de esas palmas un tanto flamencas, el vídeo se ha rodado en el Albaicín de la ciudad de Granada, y se ha querido dar especial importancia a la figura de la mujer en dicho barrio.
Eso sí, la figura del hombre no está representada por DELLAFUENTE (que sí aparece en la camiseta de Lola Indigo en la portada del single), sino por el bailaor Yiyo, considerado la nueva estrella del baile flamenco actual. Colabora también la Asociación APRAA (Asociación Para la Recuperación del Asno Andaluz), que ayuda a preservar al asno andaluz en peligro de extinción.
‘MALA SUERTE’ era este sábado la entrada más fuerte en el top de Spotify España, llegando al puesto 21. Supondrá por tanto un regreso a la lista de singles oficial en España para DELLAFUENTE. En su segundo día, el tema ha bajado al puesto 36. Sabremos en qué lugar entra en el top 100 el próximo lunes.
Malú va a celebrar sus 25 años en la música con un disco. El primer avance del mismo es tremendo baladón a piano llamado ‘Ausente’. En la canción, Malú se mira en el espejo y se siente «rara», no puede «parar de llorar».
Como aquella Rocío Jurado que decía «hace tiempo que no siento nada al hacerlo contigo», ‘Ausente’ presenta a una mujer despechada: «No entiendo por qué me siento tan sola cuando estoy contigo». Y reclama: «Eres un extraño que pasea por mi casa, no te reconozco, no comprendo qué te pasa». El estribillo reivindica, entre referencias a la fama y a las habladurías: «Y yo te levanté y eso no lo sabe nadie / Fui yo quien aguanté / el eco de mi nombre en todas partes».
En ‘Ausente’ llaman la atención dos cosas: La rima de “precipicio” con “vicio” es muy Vainica Doble. Luego, la de “juicio” con “vicio”, también. Y en segundo lugar, que la canción se vuelve loca después de la frase «Pase lo que pase… ella va primero».
Queda abierto si «ella» es otra mujer o un oficio concreto, por ejemplo, «la política». El caso es que en ese momento una batería y una cascada de cuerdas van elevando la intensidad de la canción, mientras en el vídeo Malú pega un montón de golpes de melena en una playa desangelada.
La nota de prensa de Sony no menciona a Albert Rivera, ex de Malú y ex líder de Ciudadanos, ex partido político de centro. El texto se centra en celebrar los 25 años de Malú en la música, el tiempo que ha pasado desde el lanzamiento de ‘Aprendiz’, aquel tema que escribió Alejandro Sanz antes de que ella se postulara como autora.
Curiosamente, el autor de ‘Ausente’ en verdad es Pablo Alborán. Este ha manifestado en las entrevistas promocionales que captó exactamente lo que Malú quería decir: «Se la mandé y me reconoció que había escrito claramente lo que su corazón quería decir».
Con el mes de septiembre, vuelve el ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, que este mes incluye shows de jazz, rock’n roll, heavy metal, cantautor/a o indie. Entre los conciertos destacados, el show de Sandré con Tus Hijos el día 22 de septiembre en la Sala El Sol o el concierto principal del Aniversario del Wurlitzer, que tendrá lugar a finales de mes, en concreto el día 29.
Por este 17º aniversario, la céntrica sala de la capital, fundamental en el desarrollo del underground nacional, reunirá a varios artistas en una programación de lujo durante toda la semana. El día 29 actuarán Kid Gulliver, Protex, Rata Negra y Tiburona. Es decir, se podrá ver desde músicos en activo en los años 70 a proyectos revelación.
Kid Gulliver son una banda de powerpop de Boston, que ha publicado dos discos, ‘Kismet’ y ‘Kiss and Tell’. Por su parte los irlandeses Protex estuvieron en la primera hornada punk de Belfast, al haberse formado en 1978. El grupo estuvo en activo de 1978 a 1981, influido por la visita de The Clash a Irlanda del Norte en 1977, y en 2010 volvió a activarse para la edición del disco ‘Strange Obsessions’. Rata Negra, como sabéis, es el nuevo proyecto de miembros de gente como Juanita y los Feos y la URSS.
Y por último, Tiburona, que hace un par de temporadas publicaban el disco ‘Sola y feliz’, han estado de actualidad este año por la publicación de un single llamado ‘Cartel precioso’. En él se burlaban de la línea artística de los festivales españoles, a los que acusaban de «endogamia» «mafiosa». «Tu nuevo festival es un centro comercial» era su potente estribillo.
Wurlitzer ofrecerá más conciertos de aniversario del 27 al 30 de septiembre, como el de los australianos Datura 4, los argentinos Boom Boom Kid o, desde Estados Unidos, Warner E. Hodges. Más detalles e información sobre los abonos de varios días, en Instagram.
El verano ha servido a muchos cineastas para retratar un periodo de cambios en la vida de sus personajes. Es una estación que suele estar asociada a una menor carga laboral y, por ello, da lugar a que haya una mayor reflexión sobre las decisiones que tomamos y el camino que queremos seguir.
En ‘Notas sobre un verano’, el segundo largometraje de ficción de Diego Llorente, el director asturiano se adentra en la vida de Marta, una treintañera que trabaja como profesora de natación de niños y dando clases como profesora adjunta en una universidad de Madrid. Las cosas le van bien con su novio Leo, con quien se está planteando irse a vivir, pero antes de hacerlo, aprovecha sus vacaciones para pasar tiempo con su familia en Asturias.
Una vez allí, se reencuentra con un antiguo amante que le sacude su estabilidad sentimental de golpe, pues vuelve a surgir entre ellos una pasión difícil de frenar. Hecha un lío, Marta se ve atrapada entre dos hombres y dos posibilidades: seguir con Leo en Madrid o volverse a Gijón e intentar algo de nuevo con Pablo.
Llorente propone un estilo cercano al documental, con la cámara siguiendo a pocos centímetros a su protagonista y ofrece un retrato naturalista de un momento vital importante para ella. Mirando a Rohmer y a la engañosa ligereza de su cine, el director le imprime al guion su complejidad dramática principalmente a través de gestos, miradas y conversaciones improvisadas -apoyándose en unas interpretaciones convincentes-, pero se queda algo corto desarrollando el conflicto. La falta de originalidad tampoco ayuda a que la película se desmarque del tipo de cine en el que inevitablemente se encasilla. No obstante, sí hay ciertos aspectos formales que detectan la huella de un cineasta con sensibilidad para entender y plasmar el confuso espectro de las emociones humanas.
Entre noches de fiesta y sidra, sexo apasionado y paseos por la playa, Llorente captura con solvencia las dudas de una protagonista que es esencialmente una buena persona que se ve envuelta en un dilema moral que requiere de una madurez que quizá no está preparada para asumir. En lo que no logra acertar es que lo interesante de todas las cuestiones que plantea queda diluido en una historia demasiado manida que no consigue la implicación emocional buscada. Queda, eso sí, el sentimiento de haber pasado un rato agradable, de haber visto una película filmada con estilo y de manera bonita, pero no mucho más.
‘The Greater Wings’ de Julie Byrne está inevitablemente marcado por el dolor de la pérdida. Eric Littmann, su mejor amigo y pareja creativa, falleció de forma inesperada a los 31 años mientras ambos trabajaban en las canciones de este tercer trabajo. La tragedia de la muerte está impresa en cada una de las 10 pistas que lo conforman, pero Byrne también deja espacio para la celebración de la vida con nostálgica nitidez.
Acompañada de arpa y piano, además de su habitual guitarra y los sutiles sintetizadores que ya asomaban en ‘Not Even Happiness’, la neoyorkina ofrece un catálogo de canciones rebosantes de claridad y poesía. La producción que comenzó Littman la culmina Alex Somers, conocido por sus colaboraciones con Jónsi de Sígur Ros, (su pareja sentimental desde hace dos décadas) o Julianna Barwick.
Sus características aproximaciones atmosféricas elevan las composiciones folk de Byrne un peldaño por encima de sus anteriores obras, logrando algunos momentos de belleza hipnótica. En la canción que titula y abre el álbum, una resplandeciente balada que medita sobre el vacío que se siente durante el duelo, Byrne enuncia con enorme lucidez versos poderosos que desarman por su precisión y simpleza (“Me he bebido el aire para estar más cerca de ti”, “Nombrar mi dolor para dejarlo cantar”).
Son esos pequeños detalles (la inteligencia en la elección de cada palabra y la forma tan especial y sentida en la que Byrne las entona, por ejemplo) tan cargados de delicadeza y sensibilidad los que separan a ‘The Greater Wings’ de cualquier otro disco de cantautor folk. También la elegante introducción de sutiles arreglos y texturas new age, como en ‘Summer Glass’, ubicada en el corazón del disco, una preciosa rareza art pop que agrega elementos electrónicos a sus encantadoras melodías de cuerda. Su continuación, la instrumental ‘Summer’s End’, sustituye los sintetizadores por el arpa siguiendo esa misma senda psicodélica, en la línea de la última Weyes Blood.
La poesía de Byrne, presente tanto en las letras como en las sofisticadas producciones, concede momentos de gran impacto emocional. “¿Qué importa, la historia? Si tu ausencia permanece” reflexiona en la cinematográfica ‘Moonless’ sobre unos sinuosos acordes de piano. La guitarra melancólica de ‘Flare’ se fusiona con la reverberación del sintetizador tras pronunciar uno de los versos más bellos y profundos del álbum: “Un día seremos el amado polvo de otro futuro”.
‘Conversation Is a Flowstate’ es quizá el corte donde la voz de Byrne llega a su máxima expresividad, guiándonos a través del inquietante sonido de los drones con una emoción soterrada. ‘Hope’s Return’ adapta de forma solvente ‘Love’s Refrain’, su sencillo de 2020 en colaboración con Jefre Cantu-Ledesma, a las tonalidades del álbum. Mientras ‘Death Is The Diamond’ se erige como un gran cierre: una devastadora balada dedicada a su difunto gran amigo que conmueve por la emotiva progresión de acordes a piano y, de nuevo, por una letra que captura sentimientos complejos con aparente sencillez.
Byrne, poseedora de un estilo marcado y reconocible, esquiva caer en la reiteración gracias a una acertada secuencia que deriva en una narrativa emocionante. La honestidad desde la que están compuestas las canciones y la sugerente tranquilidad con la que están cantadas hacen de ‘The Greater Wings’ una experiencia reveladora y en última instancia, vitalista. Byrne entiende, tras un largo proceso, que el sentimiento de vacío tras la pérdida solo puede disminuir intentando volver a ver la belleza del mundo y celebrándola. Sentir la tierra bajo los pies, observar la luz ardiente de un nuevo amanecer.
En su quinto disco en solitario, ‘Time Ain’t Accidental’, Jess Williamson continúa la senda country que empezó con su proyecto en colaboración con Waxahatchee ‘I Walked With You A Ways’. En él, la cantautora texana reflexiona sobre una ruptura mediante composiciones que, en lugar de buscar la explosividad de las emociones a flor de piel, apuestan por una exploración más sosegada de ese vacío que deja el final de una relación.
En la deslumbrante ‘Hunter’, que hoy elegimos Canción Del Día, Williamson analiza el desalentador mundo de las aplicaciones de citas tras una decepción amorosa. Sobre una sutil melodía de piano, unos delicados acordes de guitarra y una reposada percusión, la cantante comienza describiendo cómo se siente al haberse quedado soltera: “Me han echado a los lobos y me han comido cruda”.
Pero lejos de ser fatalista, quiere volver a amar y no va a rendirse hasta encontrar a alguien compatible. Como afirma en el precioso estribillo, donde su voz suena límpida y sensual, ella es “una cazadora de lo real” (“a hunter for the real thing”). Tiene mucho amor por dar y tantas ganas de demostrarlo que ni siquiera el ghosting va a lograr que deje de intentarlo: “Está bien, te hubiera volado la mente pero supongo que te daré espacio”.
Jess Williamson parece más cómoda que nunca en este registro country / americana, y ‘Hunter’ es el ejemplo más claro para comprobarlo: una luminosa producción repleta de pasión y alma, que apuesta por buscar (y encuentra) la belleza y el optimismo en la adversidad.
Entre los anuncios de próximos álbumes que llegan estos días, el nuevo de The Kills. Es su regreso tras 7 años, los que han pasado desde ‘Ash & Ice‘. Su 6º disco se llamará ‘God Games’, y saldrá el 27 de octubre. El largo incluirá el doble single que ya habían dado a conocer hace unas semanas, ‘New York/LA Hex’, junto a un corte que ha salido estos días y que se llama ‘103’.
Según su distribuidora en España Music As Usual, «donde «LA Hex» centraba su mirada en las realidades emocionales e interpersonales de la vida moderna en Los Ángeles, «103» (como en Fahrenheit) destaca la brutal realidad de la desalentadora inhabitabilidad a través de la lente de una oscura y retorcida canción de amor».
La letra incluye frases como «quédate conmigo bajo la última palmera / y bebe un poco de agua de la sucia fuente destinada a ser / la suma de todo». El vídeo ha sido rodado en el estudio 3D del fotógrafo de rock y moda y pionero del metaverso Steven Sebring.
Si bien los singles nos hablan de Nueva York y Los Ángeles, y mundos sumergidos, la portada del álbum ‘God Games’ nos trae a España, en concreto a una plaza de toros. La nota de prensa del disco no aclara el porqué, aunque da otras pistas sobre el álbum: «‘God Games’ se centra en la llamada y respuesta entre la catarsis vocal de Mosshart y las transmisiones de guitarra de Hince. Ampliando los límites del sonido característico de la pareja, decidieron escribir desde nuevas perspectivas. Los resultados encuentran al dúo escribiendo principalmente en piano por primera vez, incorporando innovadoras texturas electrónicas y de latón, una producción cristalina y letras profundamente humanas, así como una colaboración con el Compton Kidz Club Choir en «LA Hex» y «My Girls My Girls.»
La escritura comenzó en 2019, el dúo fue a una vieja iglesia para grabar el álbum con el ganador de un Grammy, Paul Epworth (Adele, Paul McCartney), que fue su primer soundman en 2002.
01 New York
02 Going to Heaven
03 LA Hex
04 Love and Tenderness
05 103
06 My Girls My Girls
07 Wasterpiece
08 Kingdom Come
09 God Games
10 Blank
11 Bullet Sound
12 Better Days
Cala Mijas, organizado por los mismos responsables del BBK, puede considerarse su festival hermano pequeño: lógico, pues lleva solo dos ediciones frente al festival vasco, con unas cuantas más a sus espaldas. Pero, si siguen por este camino (la mejora en la que es solo su segunda edición es significativa), vaticinamos que pronto perderá la etiqueta de “pequeño” y se quedará simplemente con “hermano de”.
Hoy cierra su edición de 2023, y anoche llegó a su ecuador con The Strokes como principal reclamo y conciertos igual de interesantes e incluso, en algún caso, con mejor resultado. Entre ellos, Underworld, Delaporte, M83, Amyl and the Sniffers, Lori Meyers o Cariño.
Los más valientes (o los que empalmaron) pudieron acercarse al escenario de La Playa a mediodía a ver a gente como Rocío Saiz y Ben Yart. El pamplonés, al que conocimos como parte de Chill Mafia, sudó la gota gorda junto a su banda, pero solo por el calor y no porque le costase entretener al público. Estuvo presentando su primer largo, ‘Ceros’, editado por Oso Polita poco antes de verano, sin camiseta tanto él como su banda, algo lógico por las altas temperaturas y que sería absurdo mencionar si no fuese por cierta cosa también un poco absurda.
Porque, como la propia Rocío Saiz mencionó al terminar su bolo, para estar sin camiseta ella sí tuvo que estar tapándose los pezones. La madrileña ofreció ayer un DJ Set (sin poder resistirse a cantar por encima en canciones como ‘Será porque te amo’) en el cual quedó claro que, pese a haber estado de actualidad estos meses por lo ocurrido en el Orgullo de Murcia, quedarse en tetas es solo un aspecto más de su show, al contrario de lo que critican sus haters. Porque mucho antes de quitarse las pezoneras a ritmo de ‘Ay Mamá’, Saiz ya había puesto a toda la playa a hacer la coreo de ‘Saturday Night’ y a disfrutar bailando con ‘I Follow Rivers’, ‘Nochentera’, ‘Yo quiero bailar’ o incluso con la sintonía de ‘¿Qué apostamos?’.
Ya más tarde, y en el recinto del festival, pudimos ver a las Cariño. Hace unos meses las vimos en el Warm Up y contábamos que el resultado había sido un poco flojo, pero no fue el caso ayer. María, Paola y Alicia conectaron con la audiencia y se lo pasaron bomba defendiendo el arsenal de temazos que han cultivado a lo tonto. Atrás quedan esos momentos en que ‘Llorando en la limo’ era el momento más esperado: ‘Si quieres’, ‘no me convengo’, ‘Bisexual’, ‘Tamagochi’, ‘Llorando en la acera’, ‘Te brillan’, la reciente (y preciosa) ‘Aún me acuerdo de todo’ o mi favorita ‘Excusas’ tienen el poder de hacer botar al público (sí, hicieron referencia al meme de Bad Gyal “tol mundo botando, coño”).
Y aún más divertido fue el bolo de Delaporte horas después: Sandra es toda una show-woman y cada vez sabe mejor cómo meterse al público en el bolsillo, tanto si son fans como si son gente que hasta hace cinco minutos no sabía quiénes eran ella y Sergio. Qué más da, si lo van a saber en cuanto salgan de allí, gracias a momentazos como la invitación a besos en ‘Droga dura’, la competición de coros en ‘Ni un beso’ o el remix para no parar quieta en que despachan ‘Un jardín’, su cover de ‘Toro’ o varias canciones del excelente ‘Las Montañas’ como ‘Bang Bang’, con la que cerraron.
El plato fuerte de la jornada sin duda era The Strokes… pero digamos que el plato llegó frío. En su crónica del año pasado de Primavera Sound, mi compañero Sebas ya apuntó que los bolos de The Strokes eran un poco ruleta rusa, siendo en ese caso una reconciliación, y yo mismo en mi crónica del BBK 2019 hablé muy bien de su concierto. Pues bien, ayer fue de los que no.
Es cierto que no ayudaron los problemas de sonido durante las primeras canciones, y que lógicamente el concierto empezó a ganar cuando éstos se solucionaron, pero no es excusa para la desidia que demostraron… y hablamos en plural pero la responsabilidad fue sobre todo de Julian Casablancas. Si la jornada anterior hablamos maravillas de la labor de Win Butler como frontman, lo de Casablancas fue un ejemplo de cómo un frontman también puede arruinar un directo. En un estado digamos que dudoso, el neoyorquino tuvo algún que otro intento errático de comunicarse con el público (más “pensando en voz alta” que “comunicándose”). Por lo general estuvo en su mundo, y también en piloto automático mientras defendía temas de un disco que realmente no está nada mal, el reciente ‘The New Abnormal’, y recordaba megahits como ‘Last Nite’ o ‘Reptilia’. En fin, Pedro, tendrías que haber venido el jueves, o bien hoy para ver a Florence y Ethel Cain.
Por suerte, el nivel en el mismo escenario subió con Underworld. Puede que el 70% de los asistentes estuviese allí por ‘Born Slippy’ y por ‘Trainspotting’, pero, si era el caso, la espera hasta el final (porque no son tontos los señores) se les haría muy llevadera. Karl Hyde y Rick Smith convirtieron los alrededores del escenario en una rave que no tenía nada que envidiar a la que estaba teniendo lugar en el escenario La Caleta. El público estaba entregadísimo, pero es que también lo estaban ellos, especialmente Karl, bailando y haciendo el chorra mientras encadenaba temazos.
Sharon Lopez
Ese espíritu lo tuvo también sobre el mismo escenario, pero unas horas antes, Amy Taylor: Amyl and the Sniffers se marcaron uno de esos directos que consiguen un puñado de nuevos fans. Entrega colosal tanto de la banda, que sonó genial, como sobre todo de ella: no le hacen falta las comparaciones con Courtney Love (físicas y por el timbre) que le suelen perseguir, porque con el rollazo que tiene se basta y se sobra. La australiana y su grupo siguen presentando grandes canciones del reciente ‘Comfort to Me’ como ‘Hertz’.
En el Escenario Victoria vimos dos conciertos que, sin ser flojos, estuvieron un peldaño por debajo. Por un lado, M83, que presentaban el interesante ‘Fantasy’ en un concierto quizás demasiado tranquilico para las horas que eran: la épica que sigue habiendo en las canciones de este último trabajo no se reflejó como debiera sobre el escenario, quizás por una actitud demasiado introvertida. Y algo parecido ocurrió con Lori Meyers: pese a contar con un público a priori muy afín (fueron programados en la jornada perfecta al respecto, desde luego), que desde luego se vino arriba en highlights como ‘Mi realidad’, ‘a-Ha han vuelto’ o ‘Emborracharme’, a los granadinos les faltó la energía que les hemos visto en otras ocasiones. A destacar, eso sí, la invitación al escenario a Kora, con quien estrenaron hace unos meses la colaboración ‘No me merecía la pena’, y cuya presencia puso un punto un poco distinto en el bolo.
Desde que esta semana se anunció que el curso político de Pedro Sánchez arrancaba con un acto en Málaga este sábado a las 11.00 horas, un colega me escribió para decirme: «no descartemos que se asome al Cala Mijas». Et voilà.
El festival, que empezaba el jueves con cabezas de cartel como Arcade Fire y Siouxsie, ofrecía este viernes actuaciones de artistas como The Strokes o Lori Meyers. Y eso no se lo podía perder el presidente en funciones, que ya ha dado a conocer al mundo su buen gusto musical muchas veces, tanto realizando playlists, como concediendo entrevistas a La Pija y la Quinqui. O apropiándose de lo de PERRO SANXE el Día Mundial del Perro utilizando ‘Perra’ de Rigoberta Bandini.
Cuando Pedro Sánchez acudió al FIB recién llegado a la Presidencia del Gobierno en 2018, fue muy criticado su uso del Falcon, uno de los aviones presidenciales. En este caso, el Secretario General del PSOE ha decidido coger el toro por los cuernos, y postearse él mismo en Instagram.
En su mensaje, defiende la cultura, y posa junto a gente como Lori Meyers, miembros de Cariño o su esposa. «Ambientazo y buena música en @CalaMijasFest. Muy orgulloso de la potencia cultural de España. Somos un país con enorme talento musical y el primer destino turístico mundial de festivales de música. Con @lorimeyersband, @thestrokes, @cariniopop y todo el cartel. ¡Grandes!».
Los asistentes han observado que las fotos se han realizado en una zona VIP, mientras Diario Sur habla de un mayor despliegue de seguridad para acceder al recinto. Os recordamos que Cala Mijas se cierra hoy sábado con gente como Florence + the Machine, Ethel Cain, La Plazuela o Belle & Sebastian. JENESAISPOP es medio colaborador del evento.
Homeboy ha muerto a los 46 años. El DJ se hizo conocido en la década de los 2000 por sus sesiones en clubs y festivales de música indie durante aquellos años. Especialmente, fue residente del Low Club, uno de los lugares en que se concentraban los seguidores del pop británico y el underground patrio. También muchos recordamos con gran cariño sus sesiones en el madrileño Home de la calle Leganitos. El bar debía su nombre a la icónica balada orquestada de Depeche Mode, pero el nick de Homeboy venía de la canción de Adorable, un grupo de rock alternativo que tan sólo sacó 2 álbumes en la primera mitad de los 90.
La noticia de la muerte de Homeboy la conocíamos el pasado fin de semana a través del Instagram del productor y ex líder de Ellos Guille Mostaza, que le dedicaba unas palabras. Esta semana ha realizado un obituario más extenso la periodista Elena Cabrera para El Diario, contando con la colaboración del colega de Homeboy Rafael del Fresno. La causa de la muerte ha sido un cáncer de colon.
Enamorado de bandas como Oasis, The Jesus & Mary Chain o Luna, Homeboy también pasó por las cabinas de la sala El Sol, Independance, La Vía Lactea, Freeway, Moby Dick, Astoria y Ochoymedio, lo que le hizo muy conocido en la escena madrileña. Además, también pinchó en otros lugares como Fever (Bilbao), Razzmatazz (Barcelona), Stereo (Alicante), y festivales como Summercase, Benicàssim, FIZ o SOS 4.8.
La noticia del viernes por la tarde estaba claro que iba a ser que ‘Paint the Town Red’ de Doja Cat ascendía al número 1 de singles en Reino Unido… pero no. A pesar del buen funcionamiento del single de ‘Scarlet’, unas cintas y unos CD singles se han interpuesto en su camino. El tema de Doja Cat tiene que conformarse de nuevo con el puesto 2, como ya le sucedió a ‘Say So’.
Lo que ha ocurrido es que Olivia Rodrigo se ha puesto a sacar cintas y CD singles de ‘vampire‘ en su última oportunidad para ser número 1 en Reino Unido. El que fue el primer adelanto de ‘Guts’ fue número 2 en UK durante sus 4 primeras semanas, y últimamente había bajado algún peldaño. Esta semana Olivia Rodrigo ha puesto a la venta CD singles de 2 canciones y cassettes rojo sangre de una sola canción (‘vampire’, claro), con el único objetivo de ser top 1 en UK. Por si alguien tiene alguna duda de que esa era la razón, los ha vendido a 0,99 libras, gastos de envío incluidos. Y lo ha logrado.
‘vampire’ suma lo equivalente a 43.211 copias esta semana, hasta un total de 352.467 ya. De las 40.000 unidades de estos días, es verdad que la mayoría son puntos de streaming (29.000). Pero también lo es que la venta de 8.600 cassettes y 4.700 CD singles ha sido absolutamente decisiva para superar las 40.446 copias que ha sumado esta semana ‘Paint the Town Red’. Estos son los datos de la OCC:
01 43,211 Olivia Rodrigo – vampire [4,675 CDs, 8,606 cassettes, 909 downloads, 29,021 streaming]
02 40,446 Doja Cat – Paint the Town Red
Se trata del tercer single de Olivia Rodrigo que logra el top 1 en Reino Unido. Los anteriores fueron ‘Drivers License’ y ‘Good 4 U’. De momento, Doja Cat tendrá que esperar para el primero.
Confieso que desde que salió ‘Slowdive‘ no he vuelto a escuchar los primeros discos del grupo. Los álbumes homónimos deben serlo por algo. Es desde 2017, y no tanto por su trabajo en los 90, que la formación de Neil Halstead y Rachel Goswell suena universal, profesional, esquiva pero cercana, una de las mejores del mundo.
Firmes representantes del shoegaze en su tiempo, Slowdive consiguieron captar a una nueva generación de seguidores con ese -hasta ahora- último disco. Lo hemos visto con nuestros propios ojos y lo cuentan ellos mismos cuando hablan de esta nueva etapa, lo que quizá les ha llevado a dejar que una joven pareja protagonice el vídeo de su single de regreso, ‘kisses’.
El de ‘kisses’ -con sus jóvenes con acné, y sus lágrimas cayendo- podría haber sido un vídeo de los Smiths en los 80, o bien uno actual de Depresión sonora. En algunos planos, los chavales se transforman en personas adultas, como hablando de transversalidad, sin atender a edades ni modas.
El viaje en moto que narran las imágenes es casi el mismo que el de la letra, de voluntad escapista. «Quizá haya un coche, que nos lleve lejos de aquí, y nos libere de todos los fantasmas, y del dolor, a un lugar donde todo empiece de nuevo». Junto al recién salido ‘alife’, ‘kisses’ es la cara más pop de una banda que había sido conocida por sus nulas concesiones a la comercialidad. Ya sabéis cómo se las gasta Neil Halstead.
De hecho, la inspiración última de este ‘Everything Is Alive’ es sombría: la muerte de la madre de Rachel Goswell, y también la del padre del batería Simon Scott. La palabra «fantasma» aparece en 3 de las 5 canciones de las que el grupo está facilitando letras oficialmente. Las otras 3 figuran como instrumentales pese a que a veces podamos escuchar balbuceos, como en ‘chained to a cloud’.
Esa añoranza de los seres queridos empapa por ejemplo ‘shanty’: «El tiempo corre una vez más / Otro fantasma nace / Siento que el cambio llegará / Cuando entre la noche». Después, el grupo insiste en que no ha querido hacer un disco oscuro, sino uno con cierto punto de luminosidad.
Esto último lo hallamos en la calma de ‘Andalucia Plays’, un tema que nos habla expresamente de luz («El sol sale y te veo sonriendo»), y que es pura devoción, hacia alguien y hacia el inolvidable tema de John Cale dedicado a esta comunidad autónoma. «Eres mi ángel, con tu camisa favorita / tela francesa y lunares / ‘Andalucia’ sonando en el estéreo». Slowdive miman las guitarras como nunca y controlan las texturas bajo la producción de Halstead, la mezcla de Shawn Everett y la masterización de la ingeniera Heba Kadry, como solo el tiempo y la experiencia ha podido enseñarles a los tres.
La novedad entre distorsiones y recreaciones guitarreras a medio camino entre el post-rock, el slowcore y The Cure (‘skin in the game’), es el predominio de la instrumentación electrónica en un par de pistas. Sucede en los primeros instantes de ‘shanty’, y sobre todo en la estupenda ‘chained to a cloud’, con un arpegio de teclado que ya pide permiso para convertirse en uno de los momentos más hipnotizantes de la exitosa gira que están realizando. ¿Pero estábamos en un concierto de Slowdive o era de Moderat?
Sumando que en ‘alife’ Rachel suena como un ángel, o más bien como un personaje lorquiano repitiendo un mantra, a la belleza de la instrumental ‘prayer remembered’, que parece el vivo retrato de un calvario, la verdad es que tampoco es que necesitáramos ninguna evolución por parte de Slowdive, de todas formas. Ahí es cuando Slowdive se muestran capaces de capturar toda la tristeza de la vida en general, y de los últimos años, en particular.
Troye Sivan sostiene el número 1 de lo más votado en JNSP, con el 41% de los votos en el “Desempate de Twitter”. Las entradas más fuertes son las de Mon Laferte y Selena Gomez. También al top 20 llegan The Killers, y casi Alexanderplatz, mientras en la parte baja de la tabla aparecen OMD.
Esta semana destacan algunos movimientos curiosos, como el subidón de Addison Rae o la eliminación después de más de 6 meses en lista de ‘Ghosts Again’ de Depeche Mode.
Ayer dio su pistoletazo de salida en la costa malagueña la segunda edición de Cala Mijas, el festival que conocimos el año pasado organizado por Last Tour, los mismos detrás del BBK. Si el año pasado tenían a gigantes de la talla de Arctic Monkeys, Liam Gallagher, Kraftwerk, Röyksopp, Róisín Murphy o The Chemical Brothers, esta edición cuenta con gente como Arcade Fire, Florence & The Machine, The Strokes, Siouxsie, Underworld, Arca, Duki, Belle & Sebastian o M83.
Entre algunas de las novedades, la organización ha cambiado la distribución de los escenarios, ha dado más espacio a La Caleta (el nicho electrónico primo hermano del Basoa en BBK) y ha ampliado las zonas de restauración (a precios prohibitivos, pero ése es un melón festivalero en general). Como podéis imaginar por este titular, está claro quienes fueron los ganadores de la noche, pero antes de eso hubo muchísimos artistas interesantes en los que detenerse.
Los asistentes más tempraneros pudieron disfrutar de dos nombres andaluces que hace tiempo que ya cruzaron nuestras fronteras. Por un lado, Vera Fauna: despacito y con buena letra, la banda se ha ido ganando el respeto de los grandes de la escena, fichando por Ernie Records (sello también de las Shego, Julio de la Rosa o Niños Mutantes), e incluyendo en su reciente segundo disco, ‘Los años mejores’, una colaboración con Kiko Veneno. ‘Martes’ por supuesto no faltó en un setlist que se acordó también de temas de su estupendo álbum debut, ‘Dudas y flores’ y que, pese al inclemente sol, disfrutaron los valientes que ya se encontraban en el recinto.
Por otro, Juicy Bae. La artista sevillana afincada en Barcelona acaba de sacar EP, ‘Antes de Conocerte (Parte I: Premonición)’, solo unos meses después de su primer largo, ‘PTSD’, donde contó con colaboraciones de gente como Polimá Westcoast, Aleesha o Taichu (casi ná), y ambos trabajos tuvieron su lugar en un directo donde quedó clara su presencia escénica y la entrega de sus fans, pese a un horario que no pegaba nada con temazos como ‘Por ti’ o ‘Malas lenguas’.
Poco después llegaba el turno de contemplar un poquito de Historia de la música. El talento y el poderío de Siouxsie está fuera de toda duda, y estar acercándose a los 70 años no fue impedimento para que la inglesa lo diese todo repasando algunas de las mejores canciones de su trabajo en solitario ‘Mantaray’ como ‘Into a swan’ o ‘Here comes that day’, pero sobre todo los hits de Siouxsie and the Banshees. El gran momentazo, claro, fue con la magnífica ‘Spellbound’, pero la garra de la mítica rockera estuvo presente desde el inicio al final, cuando se despidió chapurreando un “adiós muchachos y muchachas, buenas noches y buena suerte”. Más tarde, Siouxsie volvería a “aparecer”: en el concierto de Arcade Fire, su líder Win Butler habló del honor de compartir cartel con ella, a quien dijo haber visto por primera vez en concierto a los 19 años.
Oscar L Tejeda
Y de una reina pasamos a quien durante 2017-2018 fue Reina de España: Amaia no se complicó con la canción elegida para iniciar el bolo teniendo ‘Bienvenidos al show’ en su último disco, y lo cierto es que funciona estupendamente con ese fin. Personalmente, su segundo disco me pareció bastante flojo, y no sé cómo juzgaría ahora su debut sin la magia / la psicosis colectiva que fue OT2017, pero desde luego la navarra puede presumir de tener unas cuantas canciones bastante apañadas, como la ya mencionada, ‘El Relámpago’ o ‘Yamaguchi’, y de su capacidad para hacer suyas versiones como ‘Fiebre’ y ‘Santos que yo te pinte’. El concierto, que según contó fue el antepenúltimo de la gira, me sirvió para tener esperanzas de cara a su tercer trabajo.
Sharon Lopez
En el mismo escenario pero varias horas más tarde veríamos a Pabllo Vittar. El brasileño dio uno de los shows más divertidos de la noche, un festival de pop petardo, córeos y mariconeo que espantaba a un sector de asistentes que pasaba por allí casi santiguándose, encandilaba a otro sector que le profesaba su devoción entre “yasss queen” varios, y despertaba la curiosidad de un tercer sector que se acercaba para echar un vistazo, y terminaba quedándose ante la fuerza y el reconocible timbre de Vittar. La intérprete de ‘Problema Seu’ presentaba su último disco, ‘Noitada’, en un show que daba cabida a hits colaborativos como ‘Flash Pose’ con Charli XCX o ‘Sua Cara’, el tema de Major Lazer con Anitta que luego tendría su versión hispana con Karol G.
Sharon Lopez
Muy distinto sería el bolo que se pudo ver también en el Escenario Victoria al final de la noche. Cuando muchos ya habían empezado a irse, los más aventureros tenían la oportunidad de disfrutar de Moderat, programados a las 3 de la mañana. Los alemanes dieron comienzo con ‘Ghostmother’, para sorpresa de algunos asistentes que tomaban cositas, como diría Olvido Hormigos, esperando una rave desde el primer minuto. Por suerte para ellos, enseguida vino ‘A New Error’ y, pese a algunos problemas de sonido (no esperábamos un beef de Moderat con VVV trippin you), el público -también los que solo llevaban dentro cerveza- se entregó al máximo en los distintos subidones de una canción que muchos tenemos asociada a ‘Laurence Anyways’ de Xavier Dolan como os contamos en su día, y en los distintos subidones del concierto en general.
También hubo quejas de sonido en el concierto inmediatamente anterior, el de Foals en el Escenario Sunrise. La banda inglesa sigue presentando su último disco, ‘Life Is Yours’, en una serie de conciertos cuya principal novedad es la vuelta al redil del bajista Walter Gervers, uno de los fundadores, que en principio había dejado el grupo en 2018. Philippakis y compañía comenzaron acompañando ‘Wake me up’, el lead-single de este disco, de una apuesta segura como ‘Mountain at my Gates’ y, a lo largo de un bolo en que la voz de su vocalista parecía de un concierto de metal de lo que se desgarraba, despacharían otros hits como ‘My Number’ o ‘Spanish Sahara’.
Y sí, dejamos lo mejor para el final. El titular es a nivel personal, por supuesto, pero para mí fue el mejor concierto del día, y probablemente el mejor concierto de este joven festival (habrá que ver si The Strokes o Florence lo superan en este finde). Aunque en el estudio hayan bajado el nivel con sus dos últimos discos (también es normal cuando tus otros cuatro discos son fácilmente cuatro masterpieces como ‘Funeral‘, ‘Neon Bible‘, ‘The Suburbs‘ y ‘Reflektor‘), en directo Arcade Fire no dejan de mejorar.
Ahora desgranaremos alguno de sus momentos clave, pero, para que os hagáis una idea, os comento dos anécdotas. Una es que iba con un amigo que no conocía una sola canción de los canadienses y que, después de varios gritos en mi oreja a lo largo del concierto diciendo “joder, son tremendos”, salió de allí siendo fan. Y la otra tiene que ver con mi modus operandi cuando voy a un concierto del que tengo que hacer crónica. Normalmente, voy apuntando en las notas del móvil datos, canciones, o aspectos que observo, para que no se me olvide tenerlos en cuenta. Aunque esté disfrutando del concierto, tengo el móvil a mano y voy escribiendo palabras clave. Pues bien, desde que empezó el concierto estaba tan absorto que no apunté nada hasta la tercera o cuarta canción. Y lo mejor es que ni siquiera me di cuenta de que no lo estaba haciendo.
En sus inicios, Arcade Fire recibían críticas por su margen de mejora en los directos, y lo cierto es que yo no tuve oportunidad de verlos por entonces, pero en las tres ocasiones que los he visto (la gira de ‘The Suburbs’, la gira de ‘Reflektor’ y ésta), cada una ha sido mejor que la anterior. Se tira mucho de la palabra “comunión” cuando se habla de conciertos en los que la banda tiene una conexión extraordinaria con el público y cuando hay bien de épica, pero, en un concierto de Win Butler, Régine Chassagne y compañía, esa palabra no solo no es exagerada sino que hasta se queda corta. Por supuesto el punto máximo es el cierre con ‘Wake Up’ (no por esperado es menos impresionante lo que ocurre ahí, además con un fallo del micrófono haciendo que el público se esforzase aún más en ayudar), pero ya antes hemos vivido momentos similares con ‘Creature Comfort’ (confirmándose como otro himno generacional y la gran canción de ‘Everything Now’, pese al temazo homónimo), ‘Tunnels’, ‘No cars go’, ‘Reflektor’, ‘Afterlife’, ‘Rebellion (Lies)’, ‘Sprawl II’, ‘Everything Now’, o ‘The Suburbs’ (“I’d love to waste it again… here in Spain, singing with my friends” añadió).
Incluso, con las del reciente ‘WE’: los canadienses abren con ‘Rabbit Hole’ y no temen agotar cartuchos, con explosiones de confeti y acercamiento al público ya desde su primera canción, o bailarines hinchables gigantes que surgen del suelo en ‘Lookout Kid’. La maestría de la banda, la química entre Win y Régine (“what do you feel like playing now? She can play any fucking instrument”, dijo él en un momento) y su entrega (no paraban de moverse; se podía freír un huevo en la frente de Butler), los juegos con las pantallas, las luces y los añadidos de atrezzo ya mencionados se fusionan con los sentimientos del público y el resultado es el que es. Salir de allí pensando que sí, que probablemente son la banda con mejor directo de la actualidad.
Según expertos en récords como la cuenta ChartData, más atentos a cifras diarias que los propios artistas, Beyoncé ha batido el récord de la gira femenina más exitosa de la historia. El ‘Renaissance Tour’ que ya vimos pasar por Barcelona hace unos cuantos meses, continúa su camino por el mundo, habiendo superado los 461 millones de dólares recaudados. La Wikipedia recoge que hay noches que incluso se han superado los 15 millones recaudados (!!).
Esto deja atrás los 410 millones de dólares que había recaudado el ‘Sticky & Sweet Tour’ de Madonna, correspondiente a su disco ‘Hard Candy’. Por lo tanto, a falta de que el tour termine, estamos hablando ya de la gira femenina que más dinero ha recaudado en la historia. Como curiosidad, Madonna es referenciada en el mismo show de B, pues suena el remix de ‘Break My Soul’ con ‘Vogue’.
Al parecer, siempre según este medio, desde hace unos meses se está presentando en la industria, a diversas plataformas de emisión y cadenas, la película con los vídeos de ‘RENAISSANCE’, pero según estas fuentes, podría haber cierta dificultad para colocarlo. La causa es que esta película es más «artsy» que en otras ocasiones, y «más rara» en general. La fuente de este medio pide que nadie espere nada como ‘Lion Is King’, porque no van por ahí los tiros.
La directora de este material sería Nadia Lee Cohen, que ha trabajado con Tyler the Creator, A$AP Rocky, Katy Perry y Kali Uchis. Este fin de semana, cuando Beyoncé actúa en Los Angeles y celebra su cumpleaños, se presentará el proyecto a nuevos ejecutivos, con la esperanza de que pueda ver la luz.
Presentando una portada un día y al siguiente, otra, da la impresión de que la campaña de lanzamiento del esperado ‘Scarlet’ de Doja Cat está siendo un poco improvisadilla. Pero Doja Cat sí ha cuidado la música y los vídeos.
Mientras ‘Paint the Town Red‘ escala las listas de todo el mundo, con su delicioso sample de Burt Bacharach, la artista presenta el tercer tema de esta era (antes llegó ‘Attention‘). ‘Demons’ es un truculento tema de hip hop que hace pensar en el rap con samples de principios de los años 2000. Nombres como Kanye West, Jay-Z o también Eminem vienen a la mente con esa caída de cuerdas, sobre la que Doja Cat rapea sobre limusinas, dejar el tabaco y beefs:
«If you throwin’ dick at me (Do it, nigga)
That shit should be big at least (Do it, nigga)»
El vídeo dirigido por Christian Breslauer, que cuenta con la participación de Christina Ricci, es un homenaje a las películas de terror. Muy obviamente se han saqueado sobre todo planos de ‘Poltergeist’, ‘El resplandor’, y juraría que ‘[REC]’. Parece que la campaña de ‘Scarlet’ no está tan mal, después de todo. ¡Si hasta todo esto casa con el ya conocido bicho de la portada!
Cargando ...
Y sí, dejamos lo mejor para el final. El titular es a nivel personal, por supuesto, pero para mí fue el mejor concierto del día, y probablemente el mejor concierto de este joven festival (habrá que ver si The Strokes o Florence lo superan en este finde). Aunque en el estudio hayan bajado el nivel con sus dos últimos discos (también es normal cuando tus otros cuatro discos son fácilmente cuatro masterpieces como ‘
