Canela Party ha anunciado la tercera tanda de artistas que formarán parte del cartel de este año, siendo una interesante mezcla de nombres nacionales e internacionales. La próxima edición del festival se celebrará del 20 al 23 de agosto en Torremolinos. Las entradas ya están disponibles.
Blonde Redhead, DIIV, Lambrini Girls y MJ Lenderman & The Wind, que lanzaron recientemente el aclamado ‘Manning Fireworks’, completan las confirmaciones internacionales. Por otro lado, la variedad estilística continúa en la parte nacional con Biznaga, Casero, el diablo de shanghai y Somos La Herencia.
Todos estos se suman a un cartel que ya contaba con Depresión Sonora, Bum Motion Club, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, The Get Up Kids (rememorando el 25º Aniversario de ‘Something To Write Home About’), Grande Amore, Joyce Manor, Les Savy Fav, Maple, Mourn, Tropical Fuck Storm, Aiko el Grupo, Amenra, Axolotes Mexicanos, bar italia, Fat Dog, Maruja, Parquesvr y Tatxers.
Ava Max ha publicado recientemente la que parece que va a ser otra de las canciones que irían incluidas en su tercer álbum. Suponemos que ese será también el destino de ‘Spot a Fake’ (en la imagen, LOL) o ‘My Oh My’, aunque ya sabéis dónde terminó el supuesto «lead single» del último disco de The Weeknd.
En cualquier caso, de momento ‘Lost Your Faith’ no está levantando la nueva campaña de la autora de ‘Sweet But Psycho’ y ‘Kings & Queens’. ‘Lost Your Faith’ reincide en la fuerza ochentera de voces tan rotundas como las de Bonnie Tyler y Jennifer Rush, lo que aquí acentúan las guitarras eléctricas, tan AOR, o incluso los «hallelujahs» que parecen salidos como de otra época. Lo malo es que es una melodía demasiado acomodada en lo ya explorado y que recuerda a otras publicadas con anterioridad. Por ella misma.
Por eso, cuando la letra habla de una magia que se ha perdido («antes te tenía de rodillas y ahora ya nunca rezas»), suena metafórico o incluso premonitorio. «La carretera se está poniendo más oscura, y cada vez es más difícil creer en nosotros», asegura.
Y Ava Max tiene razones para sonar tan pesimista: que de todos sus singles recientes, el único que le esté funcionando sea ese esperpento en torno a ‘Forever Young’ de Alphaville, aprovechando un «trend» de TikTok, e ideado por -cómo no- David Guetta, es una injusticia.
Una vez más, a este tipo de proyectos colaborativos se les perdona toda falta de inspiración y originalidad, y esta pista producida por Guetta con unos tics ya 15 años viejos, sí está siendo apoyada por Spotify en playlists tan masivas como Gym Hits, Viral Hits, Party Hits, Cardio, just hits o Power Hour. Lo mismo sucedía el año pasado con la canción de Ava Max con Kygo que fusilaba a Shakira. De ellas en solitario… sigamos esperando algo que se parezca, como mínimo, a la segunda venida de Cristo.
Cariño continúan su gira por todo el país: este viernes 28 de febrero están en Razzmatazz, Barcelona; el sábado 1 de marzo en la Sala Oasis de Zaragoza; y el domingo 2 de marzo en La Riviera de Madrid.
Sin ser un single oficial de su nuevo álbum, ‘Y yo que pensaba’ ha terminado siendo la más escuchada de este álbum en plataformas y además apareció en nuestra lista de mejores canciones de 2024. Hoy la celebramos como Canción del Día y Cariño nos explican cómo se construyó: «‘Y yo que pensaba’ fue una maqueta que se hizo a las 3 de la mañana, con Paola y María cada una en su habitación y conectadas en internet, tal y como salió ‘Si quieres’ y muchas otras».
Continúan: «Después se revisó y grabó con los productores, incluso se intentó cambiar completamente toda la melodía, instrumental y estructura a otra cosa completamente diferente, pero no funcionaba igual y a María le seguía convenciendo la primera versión. Así que terminamos teniendo dos versiones, y a la segunda la terminamos llamando «Y yo que pensaban». Esa versión se la pasamos a Carolina [Durante] a ver si salía algo, pero al final la cosa se quedó ahí…»
El tema parece hablar de alguien a quien no hemos olvidado. Sin embargo, no habla de la vida de ninguna de las componentes de Cariño: «La letra en realidad es contando una historia de amor frustrada, pero no nuestra, sino de nuestro técnico de sonido y mejor amigo Diego Castro. Siempre bromeamos con que es la más lesbiana del grupo, y que tiene los sentimientos más profundos y puros de todas nosotras. Al final es una letra que habla de los intentos de alejarse de una persona porque las cosas no van guays, pero al final es muy sencillo volver ahí imantado».
Sin duda, la parte más divertida de la letra es ese momento en que parece que la palabra «porno» va a aparecer… pero no exactamente («lo demás triple X, fue POR… NO sé qué es lo que salió mal»). Cariño concuerdan: «Esa parte que mencionas es nuestra favorita de la canción!!!!! Nos hace mucha gracia. Recordamos bailarla mucho en el estudio cuando lo grabamos».
Respecto a por qué no fue un single de su último disco ‘TANTO POR HACER‘, lo cierto es que no les cuadraba en la trilogía de sencillos que idearon a modo de historia, esto es, la trama tras ‘Nada importa tanto’, ‘B2B’ y ‘Lo noto’: «‘Y yo que pensaba’ era el cuarto single, pero como solo sacamos 3 no salió (risas) En realidad, la elección de las canciones que presentamos antes del disco fue con el fin de intentar acompañar la historia que íbamos narrando con el álbum. No sé si lo conseguimos pero esa fue nuestra intención…»
«Dime que no, si puedes. Dime que no, dímelo ahora» es uno de esos estribillos que puede servir para terminar de lanzar una carrera, y podría ser el caso de María Yfeu. La joven sevillana asentada en Madrid llega a su segundo álbum sintiendo que es el primero, tras hallar un sonido propio, «cerca de ninguna escena en concreto». Si en su debut ‘Santo Amaro’, ‘Lust and Love’ y ‘Evil’, en inglés, le valían comparaciones con Amy Winehouse, esta vez las referencias son más bien indie-rock, más rugosas y ásperas, siempre enmarcadas en una estética muy definida.
‘Dime que no‘ es una canción crepuscular con un gran protagonismo de las guitarras eléctricas de Diego Portugal. Arrollan incluso cuando estamos hablando de una balada. ‘lo que pasó’ podría ser la continuación natural de esta grabación si algún día logra ser un hit. En el primer punteo de ‘suerte’, Sen Senra podría venir a la mente como referente, de no ser porque María Yfeu suele citar artistas de recorrido mayor como Mazzy Star, Feist o Fiona Apple, sin descuidar otros más actuales como Okay Kaya.
Escrito en solitario por ella misma, con la producción de Raúl Pérez en La Mina, ‘Haz lo tuyo’ habla de desamor, amistades perdidas y del paso del tiempo, muy a menudo implicando las contradicciones inherentes al ser humano o las ironías de la vida. Dice ‘lo que pasó’: «Nunca sabes qué es lo que te espera, pero cuando llega, es como si lo vieras». ‘DHETLN’, que es un acrónimo de lo que repite María Yfeu en esta canción, es decir «DÓNDE HAS ESTADO TODA LA NOCHE», obsesionada como una canción de Nirvana, parece atrapada en un bucle también: «todo lo que construimos, estático en un sitio del que nunca hemos salido y al que no podemos volver».
Y la canción estrella del álbum es tremendo mar de dudas: «No dejo de dudar, pero algún día, sé que voy a curarme de tu herida». «¿Quién quiere acabar y quién repetir lo de siempre?», se pregunta, indecisa.
A veces es una pena que las letras no sean tan inteligibles, y no es una cuestión de dicción, sino de mezcla, oculta incluso bajo la sutil instrumentación. Quizá se deba a que una de las inquietudes de María Yfeu era huir del entorno cantautor, lo cual por cierto ha conseguido. ‘lo que pasó’ es un tema más bien dream pop, ‘Cógelo fuerte’ contiene una caja de ritmos un tanto trip-hop, ‘C/Viejos’ despide el disco con piano, y luego está el título del tema ‘que te follen’. ¡Ahí sí que la entendemos! Más de todo esto último, por favor…
María Yfeu actúa el 15 de marzo en Madrid, el 22 de marzo en Barcelona y el 10 de abril en Sevilla. Detalles, aquí.
Una nueva Ley de Uso y Acceso de Datos pretende facilitar a las empresas tecnológicas del Reino Unido el acceso a miles de obras musicales para el entrenamiento de modelos de inteligencia artificial, sin el consentimiento de los autores.
En protesta por el proyecto de ley, un millar de artistas británicos como Kate Bush, Paul McCartney o Dua Lipa han participado en el lanzamiento de un disco silencioso para defender su propiedad intelectual de las empresas tecnológicas que buscan explotarla.
El disco se titula ‘Is This What We Want?‘, está disponible en plataformas como Spotify y se compone de 12 temas silenciosos que, a la manera de de 4’33» de John Cage, invitan a escuchar el silencio que emerge cuando los creadores dejan de hacer música.
Además, cada uno de los 12 temas de ‘Is this What We Want?’ se titula con una única palabra que, en conjunto, deletrean la consigna The/ British/ Government / Must/ Not/ Legalise/ Music/ Theft/ To/ Benefit/ AI / Companies.
Además de músicos como Ed Sheeran, Tori Amos, Damon Albarn, Jamiroquai o Annie Lennox, han participado en el disco figuras vinculadas a las artes escénicas como la actriz Julianne Moore, el compositor Andrew Lloyd Webber o el dramaturgo Tom Stoppard.
Otros artistas que no participan en el disco han firmado una carta dirigida a The Times para sumarse a la protesta. En la misiva, señalan que el proyecto de «ley representa una entrega sin condiciones y absoluta de los derechos e ingresos de los sectores creativos del Reino Unido a las grandes empresas tecnológicas”.
Madonna quiere que te prepares para su comeback: la autora de ‘Madame X‘ (2019) ha estrenado editorial en la revista CR Fashion Book y, además, ha borrado todas sus publicaciones de Instagram, la estrategia que suelen implementar los artistas cuando están a punto de comunicar un anuncio importante. Ahora mismo, el contenido de CR Fashion Book es la única publicación de Madonna en Instagram. ¿Pero qué es CR Fashion Book?
CR Fashion Book es el magazín de moda bianual de Carine Roitfeld, ex-editora jefa de Vogue Paris, y es conocido por sus editoriales vanguardistas. Su editorial con Madonna se inspira en la antigua revista de true crime Inside Detective, famosa en los años 30, 40 y 50. En la sesión de fotos, Madonna se pone en la piel de una asesina que ha cometido el «crimen perfecto», con un estilismo que recuerda al de Brigitte Bardot.
Sin embargo, las primeras imágenes de esta especie de corto llamado ‘Funeral Rites’ apuntan a que esta obra tiene mucho de autoficción. Madonna habla sobre la muerte y la afronta con unas imágenes impresionantes de fondo, justo después de sufrir el fallecimiento de dos hermanos y casi que el propio.
Madonna vuelve a hablar de la pérdida de su madre, que en tantos temas de su carrera ha aparecido, de su vínculo hacia su padre y de cómo la idea de la muerte le atrae también, «como forma de vida eterna». Como curiosidad, suena ‘Teardrop’, una canción de Massive Attack que casi canta ella, pero al final se ofreció -con mucho acierto- a Liz Fraser.
Chloe Moriondo es una cantante y compositora de Estados Unidos que se dio a conocer en 2014 a través de Youtube. Entonces, Moriondo contaba 11 años. Hoy, a los 22, la artista de Detroit encara la publicación de su cuarto álbum de estudio, ‘Oyster’, que se pone a la venta el 28 de marzo.
La evolución musical de Moriondo se traza en sus tres discos publicados, que pasan del ukulele de ‘Rabbit Hearted’ (2018) al pop-punk de ‘Blood Bunny’ (2022) y que, en ‘SUCKERPUNCH’ (2022), llegan al uso de bases abrasivas y electrónicas. No extraña que ‘Oyster’ pueda ser su disco más hyperpop.
Queda algo de esa influencia punk en ‘hate it’, el segundo single de ‘Oyster’, aunque este trallazo termina engullido por sintetizadores. En realidad, ‘Shoreline’ ha sido el primer single idóneo de ‘Oyster’ por la manera en que allana el terreno del sonido del álbum.
«Sabes que te querré hasta que muramos» es una frase 100% emo, pero la producción de ‘Shoreline’ -la Canción Del Día de hoy- brilla empleando los sintetizadores emocionales de Robyn y ionnalee. En ‘Shoreline’, Moriondo describe la «ruptura más grande mi vida». Desesperadamente, la joven de Michigan busca a esa persona en otros, pero sin éxito. «Puedes decir que siempre estás ahí, pero no te encuentro por ningún lado», canta.
‘Shoreline’ transmite su mensaje de angustia emocional a través de un crescendo espectacular, y su sonido es «translúcido» porque así es también toda la estética oceánica de ‘Oyster’. En el álbum, Moriondo se abre emocionalmente, pero aún se refugia dentro de su burbuja. El autotune aplicado a su voz transmite esa idea de distancia emocional, pero la emoción contenida dentro de ‘Shoreline’ es inmensa como el océano.
El cuarto y último adelanto del disco debut de Juanjo Bona, ‘Recardelino’, disponible el 7 de marzo, tiene una de las historias más ricas de todo el álbum.
El folclore aragonés empapa casi todo el disco y ‘Virgen de Magallón’ es una de las pruebas más evidentes. El tema recupera una leyenda del pueblo de Juanjo, que procede del siglo XIII y sobre la que incluso se han hecho podcasts.
La leyenda habla de dos familias ferozmente enfrentadas en torno a marzo del año 1283: los Frago y los Albir. Al parecer, Juan Albir, un labrador de Magallón, mató a Sancho del Frago durante una de estas disputas familiares. Para escapar de la revancha, se escondió de la familia Frago en la iglesia, lo que le fue útil dos veces, pero a la tercera se lo cargaron.
Al ocurrir el asesinato en la casa del Señor, la Virgen desapareció y apareció a 80 kilómetros de distancia, en Leciñena, en la comarca de los Monegros. La Virgen se la llevaron de nuevo a Magallón, pero volvió a aparecer en Leciñena. Y ella se habría pronunciado: «Hasta que el último miembro de la familia del Frago no desaparezca, jamás volveré a pisar Magallón». Así que a día de hoy, la Virgen de Magallón continúa en Leciñena.
Lo mejor es que Juanjo aborda este tema con alegría y cierto humor, elaborando un diálogo entre Virgen y pueblo:
-«Era un hombre malo, venga, vuelve a Magallón, Virgencica» (…)
-«Yo no vuelvo, llevo el susto metido en el alma. Si yo en vuestros líos no me meto, no os liéis a tiros en mi casa».
Bona ha escrito esta canción con Irenegarry y Juan Figols, más conocido como Fresquito. Marcel Bagès y David Soler, que saben muchísimo de folclore, la han producido como el resto del álbum. La melodía es alegre como una fiesta popular, con instrumentación orgánica del tipo guitarras y bandurrias (a cargo de Sergio Aso), y algunos detalles electrónicos que salpican a la voz de Juanjo, aquí muy próximo al registro de Víctor Algora. Además, se ha hecho un pequeño reportaje en el que personas de su pueblo recuerdan la leyenda de la Virgen de Magallón.
Viva Suecia están en su mejor momento. ‘El Amor De La Clase Que Sea’, lanzado en 2022, les catapultó definitivamente al éxito comercial y a encabezar los carteles de la mayoría de festivales en España. Aunque nunca llegó a alcanzar el número 1, el disco lleva ya 124 semanas en lista y ha sido certificado con un disco de platino (40.000 unidades vendidas o su equivalente en escuchas).
Desde entonces, han lanzado singles como ‘La Orilla’ o su versión particular de ‘Alegría de Vivir’, además de conseguir hitos como el de vender 9.000 entradas en cinco minutos para su gira 10º Aniversario, celebrada el pasado diciembre. Sin embargo, ninguna noticia de un nuevo proyecto. Hasta ahora.
‘Dolor y Gloria’ se trata del primer adelanto del nuevo disco de la banda murciana, del cual se conocen muy pocos detalles. Nos han contado que sale después de verano y que lo promocionarán con un único concierto en España en 2025, pero nada más. Hablamos con Rafa Val, Alberto Cantúa, Fernando Campillo y Jess Fabric sobre replicar el éxito de su último disco, las críticas de Rockdelux y su futuro.
Parece mentira que ya hayan pasado tres años desde vuestro último disco. ¿Qué pensáis al verlo con perspectiva?
Rafa: Sí, tres años que han pasado volando porque ha sido un disco que nos ha dado muchísimas alegrías y cuando uno disfruta…
Alberto: Y porque no hemos parado de hacer cosas.
¿Sois de dividir vuestra carrera en etapas?
R: No sé si tanto… En mi cabeza me imagino esta carrera como que un día salimos a tocar y no hemos parado.
Jess: Es inevitable dividirla en discos y en gira, pero no diferenciamos porque las transiciones son naturales entre un disco y otro y entre gira y gira. Es la etapa que vivimos desde que empezamos en 2013 hasta ahora.
A: Nuestra única etapa.
¿Por qué elegís ‘Dolor y Gloria’ como el primer single del nuevo disco?
R: Ha sido difícil porque estamos muy enamorados de nuestras nuevas canciones. Como no hay una canción que represente todo el disco, y al final acabarán saliendo todas, hemos elegido una de las 11 o 12 canciones que nos encantan del álbum. ‘Dolor y Gloria’ es especial por muchos motivos: es la primera canción que se compuso para este disco sin saber que iba a ser la primera, se ha grabado muchas veces en varios países y nos ha costado dar con la versión que a nosotros nos parecía la correcta. La verdad es que la respuesta de la gente ha sido increíble. Ha superado, pero por muchísimo, nuestras expectativas.
«No hay una canción que represente a todo el nuevo disco de Viva Suecia»
Suena muy animada, a estadio, Bruce Springsteen… pero luego la primera frase de la canción es todo lo contrario.
A: Ahí ya no es Bruce Springsteen (risas).
R: Sí, es la típica mezcla que tanto nos mola de música alegre y letra dolorosa. Todas las letras vienen de que nos pasa algo o de que le pasa algo al mundo y por ende nos pasa algo a nosotros. No te voy a decir en concreto de qué va porque si te explico mi versión estoy privando a cualquier persona que pueda servirle la canción para algo, aunque sea para decirnos que es una puta mierda. Es algo así como estar viviendo un momento de miedo y maravilloso a la vez, y de cómo gestionar todo eso.
¿Qué detalles del disco podéis adelantar? Nombre, fecha, colaboraciones…
R: Sale después de verano, pero no podemos decir mucho más.
A: Estamos preparando una fecha única en 2025 que va a ser aquí en Madrid. Entremedias, los festivales irán salpicados con algún single, pero el primer concierto y único de este nuevo disco será en Madrid y estamos ya currando.
«Teníamos muy claro que lo que ha pasado con el disco anterior no puede volver a repetirse»
‘El amor de la clase que sea’ fue un éxito arrollador. Imagino que hasta cierto punto es inevitable querer repetir ese éxito. ¿Habéis sentido esa presión?
J: Yo creo que no. Teníamos muy claro que lo que ha pasado con ese disco no puede volver a repetirse. Es imposible que vuelva a pasar. Tampoco hay que comparar los discos ni saber a dónde te llevan. Nosotros tenemos claro que hay canciones increíbles en el disco y, de hecho, tenemos la sensación de que hay aún más que en ‘El amor de la clase que sea’.
R: Por el momento hemos sacado una canción y va de puta madre, o sea, que muy bien.
Yo no quiero comparar los discos, pero imagino que el anterior os ha cambiado la vida.
R: Es inevitable que eches la vista atrás. Sobre todo, cuando tienes tan reciente un disco que ha significado tanto en nuestras carreras. Con respecto a la pregunta originaria que decías, también tenemos una manera de componer en la que nos vamos a una casita en medio del monte que alquilamos en Riópar, y desde que cruzamos la puerta de ese sitio estamos todo el rato pasándolo bien, haciendo canciones, disfrutando… Y yo creo que en ningún momento se nos pasa por la cabeza que tengamos la presión de hacer una cosa increíble.
A: Comiendo macarrones con atún…
Os mantenéis humildes.
R: Ya no se trata de humildad, sino de divertirnos entre nosotros. Creo que eso es algo bueno que sigue teniendo esta banda, que es que seguimos haciendo esto por diversión. La presión de verdad está cuando sales a tocar delante de 25.000 personas y tienes que dar la talla. Eso sí es presión.
¿Qué os mantiene con los pies en la tierra?
R: La gente que nos quiere, que también es nuestro equipo, nuestras familias… Son la gente que nos puede dar una hostia en el momento que nos flipemos.
Fernando: Y el ser gilipollas y tener sentido del humor.
J: Sí, volver a casa y ver que la gente que nos rodea te lo dice bien claro.
A: Que tu padre te pegue una colleja como en Los Serrano.
R: Ojalá llegar y tener a Antonio Resines en tu casa.
Muchos de vuestros fans os han estado apoyando mucho antes de conseguir este éxito más mainstream. Como fans, ¿a vosotros os ha molestado alguna vez el éxito comercial de alguna banda?
R: La frase de «se han vendido» la hemos dicho todos. No pasa nada.
Seguro que hay gente diciéndolo de vosotros.
R: Constantemente.
A: Mientras sigan viniendo a los conciertos, no pasa nada.
R: Cuando James Hetfield se cortó el pelo, dijeron que se había vendido. Lo hicieron con el ‘Load’ y el ‘Reload’, dos de mis discos favoritos de Metallica, y la gente dijo que se habían vendido. Siempre pongo el mismo ejemplo. Cuando Bowie hizo la trilogía berlinesa, dijeron: «Tío, ¿por qué haces krautrock? ¿Es que no quieres ganar pasta?». Luego, cuando salió ‘Let’s Dance’, le dijeron: «Tío, ¿por qué te has vendido? ¿Quieres más pasta?». Nunca va a estar nadie a gusto.
Luego hay algunas personas a las que directamente vuestro éxito, y el de otras bandas como Arde Bogotá o Mikel Izal, no les hace ninguna gracia.
R: Sí, Santiago Carrillo.
¿Qué tenéis en común todas estas bandas para que os pongan en el mismo saco?
R: ¿Éxito?
A: Piernas, brazos, no sé…
J: La gente tiene la necesidad de protestar y quejarse, de reivindicar algo, aunque no haya un motivo.
R: Nos ha tocado a nosotros.
J: El punto de mira fácil es el que despunta un poco más.
R: Dentro de dos años nos iremos a la mierda y le tocará a otros.
J: Claro, no pasa nada. Está bien que sea así.
«Todos hemos leído Rockdelux durante muchísimos años. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista»
¿Qué sentido le dais a que el director de una de las revistas musicales más leídas en España critique tan duramente a los grupos de pop rock más escuchados del país?
R: Es una cosa muy positiva para Arde Bogotá y para nosotros porque quiere decir que, de una entrevista completa a este señor, lo relevante es que hay dos bandas de Murcia y Cartagena que les está yendo bien.
A: Yo, sinceramente, no lo entiendo. Jamás diría algo así sobre su revista ni sobre sus trabajadores. Ni yo, ni ninguno de estos cuatro. Sobre nadie. De hecho, yo he comprado muchísimos años la revista y todos la hemos leído, pero yo no lo entiendo. Me da pena. Después de tantos años currando, que ese sea el titular que acaba siendo sobre tu trabajo… Hay cosas que no me gustan y hay gente que no me gusta, pero jamás lo haría. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista.
Con Arde Bogotá, ¿os veis parte de un mismo movimiento?
R: Sí, pero igual que nos consideramos del mismo movimiento que La Habitación Roja, Delaporte, Niños Mutantes o Second.
J: A muchos de estos artistas los vemos más que a nuestra propia familia.
R: Hemos dejado nuestro pequeño granito de arena en el pop rock español y ahí quedará el tiempo que tenga que quedar y luego la gente se olvidará o no. Lo que compartimos básicamente es que formamos parte de algo que muy pocas personas viven. Hay muy poca gente en este país que pueda compartir la experiencia de subirse al escenario y tocar delante de tant gente. Compartimos las virtudes y las desventajas que puede tener el oficio.
A: Y creo que hay una cosa en esta generación que es el respeto, la educación, y que rara vez ves una historia fea como esta. Cuando te encuentras en un festival cansado y te ves con una banda, le das un abrazo y no puedes hacer más que respetarlos. De eso se trata, macho.
Todavía hay menos gente que disfruta de este éxito haciendo rock, o pop rock.
R: La cosa es que las bandas siempre flaquean y en su momento más duro vuelven a pegar un impulso. Ahí tenemos a Repion, que nos flipan, Ginebras, Siloé, Sexy Zebras, yo que sé… Y ahí sigue la cosa, con lo complicado que es estar en una banda. Tiene muchas papeletas para que salga mal.
Lorde ha vuelto a cantar en la lengua nativa de su país en la canción ‘Kāhore He Manu E’, el segundo adelanto del próximo disco de Marlon Williams. ‘Te Whare Tīwekaweka’ será el primer proyecto de Williams íntegramente en maorí y estará disponible el 4 de abril.
El maorí es la lengua indígena de Nueva Zelanda y ha llegado a estar en serio peligro de extinción, aunque en la actualidad la UNESCO lo clasifica como «vulnerable». De hecho, en un intento de revivir el idioma, el gobierno de Nueva Zelanda se comprometió a conseguir que un millón de residentes lo hablasen de forma básica para 2040.
La autora de ‘Solar Power’ ya eligió en 2021 algunas canciones de este mismo disco para traducirlas al maorí y lanzarlas juntas en un EP. Ahora, ha declarado que cantar con Williams «es una de mis cosas favoritas que hacer en el mundo».
Este, por otro lado, ha alabado a Lorde diciendo que «en un sentido muy real», su voz «escribió la canción». También describe el tema, cuyo título podría traducirse como ‘No hay un pájaro’, como «una oda al colorido pero desalentador agujero de gusano que es la vida en la carretera».
Bad Bunny, inamovible, continúa en el primer puesto de la lista de Discos España. En segundo lugar, Quevedo, que asciende en la tabla desde la cuarta posición.
El podio lo cierra Sabrina Carpenter y su ‘Short n’ Sweet’, que también representa la mayor subida en lista de la semana gracias a su versión deluxe. Concretamente, la autora de ‘Please Please Please’ llega al tercer lugar desde el número 28.
La entrada más fuerte de la semana es para el disco colaborativo de Drake y PARTYNEXTDOOR, ‘$ome $exy $ongs 4 U’, que se estrena en el número 14 de la lista. El proyecto también ha entrado en el número 1 del Billboard 200, vendiendo en su primera semana el equivalente a 246.000 unidades. De esta forma, Drake empata con JAY-Z y Taylor Swift en la lista de los artistas solistas con más discos número 1 en la historia de Billboard.
En el resto de la tabla, Milo j entra con ‘166 retirada’ en el número 21, The Cure con ‘Songs Of A Live World: Troxy London MMXXIV’ (la versión en directo de ‘Songs Of A Lost World’) en el número 74, Manic Street Preachers con ‘Critical Thinking’ en el 76 y, por último, Yoly Saa con ‘Mar de Ardora’ en el puesto 96.
Franz Ferdinand publicaron a principios de 2025 su sexto álbum de estudio, ‘The Human Fear‘. Un disco que Alex Kapranos y los suyos han estado presentando en España durante este mes de febrero, con tres conciertos en A Coruña, Madrid y Barcelona.
La promoción de ‘The Human Fear’ ha continuado en Reino Unido, y Franz Ferdinand se han pasado esta semana por los estudios de Radio 2 de la BBC en Londres para grabar una versión de ‘Toxic’ de Britney Spears, acompañados de una orquesta. En manos de Franz Ferdinand, ‘Toxic’ suena aún más como una canción sacada de la banda sonora de James Bond.
La elección de Franz Ferdinand no es casual: en 2009 fue muy comentada su versión de ‘Womanizer’ igualmente grabada en unos estudios de BBC, aunque entonces eran los de Radio 1. Volviendo a versionar a Spears, Franz Ferdinand están dialogando con su propia historia.
Aunque no hacía falta, Alex Kapranos ha justificado su elección de canción, explicando que «me gusta una buena canción, es así de simple, me da igual si la canción tiene 60 años o si salió hace seis días». Además, Kaprano ha elogiado a Chappell Roan, de la cual aprecia su música y actitud.
‘Toxic’ acaba de ser sampleada en un single de Coco Jones, ‘Taste‘, aunque en el Spotify de Spears acaba de bajar al segundo puesto de sus canciones más populares: se ha impuesto ‘Gimme More’.
Karla Sofía Gascón asistirá a la gala de los Oscar en el Dolby Theatre de Hollywood el 2 de marzo, confirma Variety. El portal estadounidense informa que Netflix «cubrirá» la asistencia de Gascón a la ceremonia. Gascón está nominada en la categoría de Mejor actriz.
Antes de esto, la protagonista de ‘Emilia Pérez’ reaparecerá en los medios personándose, esta semana, en la ceremonia de los premios César, que se celebra el viernes 28 de febrero.
Se desconocen más detalles sobre la asistencia de Gascón a los Oscar, como si caminará por la alfombra roja, concederá entrevistas o se sentará junto a Selena Gomez, Zoe Saldaña y el director Jacques Audiard en la ceremonia.
La polémica por sus tuits ofensivos, en plena campaña de ‘Emilia Pérez’, ha mantenido a Karla Sofía Gazón fuera del ojo público. La actriz se ha ausentado de varias galas, incluida la de los Goya, donde ‘Emilia Pérez’ se llevó el premio a Mejor película europea.
En otra noticia relacionada con los Oscar, ha sido confirmada la actuación musical de LISA, Doja Cat y RAYE, aunque la Academia ha confirmado que las tres no cantarán su single conjunto, ‘Born Again’. Este año, en los Oscar, no actuará ninguno de los artistas nominados en la categoría de Mejor canción.
Promusicae ha publicado las cifras de ingresos de la música grabada en España en 2024. Este informe sigue al primero publicado hace unas semanas. La principal conclusión del informe anual de Promusicae es que el consumo digital se mantiene y las suscripciones aumentan, pero la venta física disminuye.
En España, la música grabada reportó unos ingresos totales de 568,8 millones de euros en 2024, subiendo un 9,42% respecto a 2023. De esta cifra, 454,5 millones corresponden al mercado digital, que ya representa más del 89% de los ingresos por música consumida en el país.
Tanto las plataformas de audio como las de vídeo vieron crecer su consumo en 2024 en España, el audio un 14,09% y el vídeo un 7,45%. En concreto, 20 millones de españoles utilizaron plataformas de streaming de audio. La buena noticia es que las suscripciones premium aumentaron; la mala, que los 7 millones de usuarios siguen siendo insuficientes para asegurar un consumo digital «responsable» en España, como el de otros países donde las suscripciones son mayoría.
Mientras el consumo digital crece, la venta física sigue cayendo: en 2024, los ingresos por formatos físicos cayeron un 13,25%, alcanzando un total de 53,8 millones de euros. La venta de vinilos representó un 62,8% de las ventas totales de música grabada en España, un 8% menos que en 2023. En concreto, se vendieron 1,67 millones de unidades, frente a los 1,81 millones de 2023. La venta de CD’s también descendió en España un 25,4% generando 19,6 millones de euros, frente a los 26,3 millones facturados en 2023.
En cuanto al resto de los ingresos del sector, en 2024 aumentaron los obtenidos por derechos de propiedad intelectual, que llegaron a los 56,3 millones de euros. Sin embargo, los ingresos por sincronizaciones de música para producciones audiovisuales y publicidad disminuyeron.
La gira de salas y teatros de Antònia Font ha llegado a su fin. Y, a falta de una última fecha en el Mallorca Live Festival, el grupo volverá a hibernar. Por eso, por no saber cuándo los volveremos a ver, por tocar en un sitio tan especial para ellos como es el Liceu, el ambiente en el auditorio era de feliz expectación. Todos conocíamos el guion, pero queremos volverlo a vivir.
La escenografía de parabólicas se mantiene; los audiovisuales sí que hubo más y mejores respecto a su anterior visita en el Palau de la Música. Lo que también se mantiene es el reparto de tareas: Pau Debon acaparando todísima la atención, con sus alardes de voz (una vez más: ¡qué bien canta!), haciendo suya toda la sala, no solo el escenario, con su entusiasmo contagioso. Mientras, sus cuatro compañeros se quedaban ahí en el escenario impertérritos (¡qué bien tocan!). El repertorio tampoco cambió mucho, aunque hubo hermosas incorporaciones.
Que el público está entregadísimo se ve desde el primer minuto: las iniciales ‘Cançó de llum’ y ‘Un minut estroboscòpica’ ya se llevan toneladas de palmas. El inicio no da tregua, van cayendo hits como ‘Darrera una revista’, ‘Armando rampas’, ‘Robot’, ‘Dins aquest iglú’, todas conducidas por el carisma de Debon. Pero, tal como nos explicó recientemente, el concierto está pensado como un viaje. Y hay una parte más reconcentrada y melancólica, donde recuperan pequeñas gemas del ‘Vostè és aquí’: ‘Per què vaig venir’ suena especialmente apoteósica.
Aun así, también hay momentos para el delirio, como el tour de force ‘Astronauta rimador’, con Pau Debon paseándose por el patio de butacas, o la emocionante interpretación, a pelo y sin micro (la acústica del Liceu ayuda) de ’Cartes de Ramiro’. Pero todo este momento más reflexivo estalla por los aires cuando se arrancan con ‘Tots es motors’, en que todo el público hace el ritmo a base de palmas mientras Pau vuelve a dejarse querer entre butacas. ‘Venc amb tu’ marca una pequeña pausa, en que el público no para de hacer “lololo” a ritmo de ‘Wah Yeah’.
Para la vuelta, abren una favorita mía que no suelen tocar, ‘Es far de ses salines’, con unos punteos preciosos de Joan Miquel Oliver. Y cuando Debon canta lo de “Per falta de lluna, Venus se reflexa a la mar”, ay, algo se me rompe por dentro. Todo el tercio final es puro gozo, apoteosis y comunión colectiva. Pau dedica ‘Bambú’ a los hijos de todos los del grupo, y se rompe y no puede cantar la segunda estrofa. ‘Batiscafo Katiuscas’ es tan emocionante como siempre. Para ‘Clint Eastwood’ Pau se sube al tercer piso y todos lo miramos, claro, a él, mientras el resto de la banda se queda ahí un poco olvidada. En ‘Vitamina sol’ la platea se convierte en una improvisada sala de baile, donde todos nos dedicamos a intentar bailar valses mientras Pau nos dirige. El despiporre es máximo para ‘Wah Yeah’: alegría desatada, más lololos, mientras la banda hace otra pausa.
En el último bis Pau nos da “la chapa” (según sus palabras) para agradecer a todo el personal que les ha acompañado en la gira. Remata con ‘Islas Baleares’, vuelve a bajarse a platea y a darse un baño de masas en ‘Calgary 88’, y ya no la abandona porque, claro, toda ‘Viure sense tu’, el fin de fiesta perfecto de Antònia Font. Se despiden con todo el personal subido al escenario. No los queremos dejar marchar. Lógico. A saber cuándo los volvemos a ver…
Jane Fonda ha dejado este domingo uno de los momentos más comentados de la gala de los SAG Awards, donde ha recogido el premio a toda una trayectoria. Fonda, desde siempre comprometida con la defensa de los derechos humanos, ha reivindicado el uso de la palabra «woke», que la derecha y ultraderecha no se cansan de instrumentalizar para ridiculizar e intentar callar a aquellos comprometidos con las causas sociales y medioambientales. Lo expresa mejor Jane Fonda: “No os equivoquéis. La empatía ni es frágil, ni es woke. Que, por cierto, woke significa simplemente que te preocupas por el resto de gente”. Alguien tenía que decirlo.
Las redes sociales se encargan diariamente de que circule aquella entrevista de Maya Angelou en blanco y negro en que la autora aparecía hablando del miedo a la palabra «woke». Sin embargo, la palabra viene de atrás, procede de la jerga afroamericana y había aparecido en canciones de Lead Belly durante los años 30. En el siglo XXI la han popularizado, entre otros, Erykah Badu.
El «antiwokismo» es un fenómeno que existe, que tiene nombre y que se caracteriza por «exagerar los peligros que para la libertad tiene una determinada cancelación y minusvalora la falta de libertad estructural para las minorías que el wokismo quiere denunciar», describe el periodista Daniel Innerarity en El País en su artículo ‘Contra el antiwokismo’. En una retorcida vuelta de tuerca, el antiwokismo busca que «no se cancele a quien ha gozado inveteradamente de la potestad de cancelar». Cancelar en la vida real, se entiende, que es donde las opresiones causan consecuencias reales para las personas.
Las palabras de Fonda, por tanto, resultan muy pertinentes, además de valientes, y recuerdan la importancia que tendrá tomar partido durante la segunda era Trump en que el «antiwokismo» estará a la orden del día. Sobre todo porque no tantas celebridades con plataformas públicas se están pronunciando, estos días, sobre nada en absoluto. Ni están obligadas, pero el silencio es ensordecedor.
Apenas se ha visto a Madonna criticar las nuevas medidas de Trump, enmarcándolas literalmente en el «fascismo» y, aunque su visión en ocasiones pueda pecar de naíf, hay que aplaudir que al menos se pronuncie. Selena Gomez ha ido tan lejos de grabarse llorando por los inmigrantes deportados: también ha sido ridiculizada, pero al menos ha dicho algo. Hunter Schafer ha denunciado la política antitrans de Trump porque acaba de sufrir sus efectos de primera mano. A Caroline Polachek se la ha visto asistiendo a una manifestación por Ucrania. En España, Inés Hernand no se cansa de promocionar manifestaciones, como la que este domingo ha defendido la educación pública.
Y, aun así, sabe a poco. Faltan voces, en Estados Unidos pero, por supuesto, también en España. Demonios, si hasta Karla Sofía Gascón, estando completamente equivocada en todo, habla, y cuando el mundo parece dispuesto a pasar página de sus destructivos tuits, porque todos cometemos errores y decimos tonterías, como bien -y con mucha razón- ha expresado C. Tangana, ¿por qué no habla el resto? En los cuatro largos años de Trump y Elon Musk que quedan, y con la derecha ya asentada en Alemania, no se pueden escuchar solo grillos. Se agradecería que hablasen también los que más tienen que perder: no solo Jane Fonda, otra vez.
Alleh y Yorghaki siguen liderando la lista de singles española con ‘capaz (merengueton)‘, ya una de las canciones más escuchadas a nivel global. Alleh y Yorghaki tienen otros dos singles en lista: ‘El ingeniero’ en el 13 y ‘Una noche’ en el 17.
Aunque, como en las últimas semanas, Bad Bunny ocupa la práctica totalidad del top 10 de singles con temas de su último disco: ahora ‘Baile inolvidable’ sube al 2 y ‘NUEVAYOL‘ baja al 3.
La noticia de la semana en la lista de singles española realmente la deja Kendrick Lamar, que consolida el éxito de ‘Not Like Us‘ en España: el tema sube del 28 al 20 y da a Lamar el primer hit top 20 de su carrera en nuestro país. Además, ‘luther’ con SZA entra en el puesto 75. Kendrick Lamar y SZA traen su gira conjunta a Barcelona el próximo 30 de julio.
‘Más que tú’, el dueto de Ozuna y Kapo, marca en realidad la primera entrada de la semana en lista, que se produce ya en la parte baja de la tabla, en el puesto 72. ‘Más que tú’ es la propuesta veraniega de Ozuna y Kapo.
Solo caben dos entradas más en lista. En primer lugar, Luar La L y Anuel AA colocan ‘Baddie’ en el 81. En segundo, Lola Indigo alista ‘Verde’ en el 87, tras su pletórica presentación en los Goya.
Dani Martín ha sido el último invitado en el programa de Jordi Évole, sincerándose como nunca antes en su carrera sobre multitud de temas. Entre estos, su relación con Amaia Montero. El exvocalista de El Canto Del Loco también ha hablado sobre el fallecimiento de su hermana, el lado malo de la fama y sobre estar en el mejor momento de su vida.
«Amaia es más rockera y más punky que mucos punkys y muchos rockeros que he conocido», ha contado Martín sobre la excantante de La Oreja de Van Gogh. Después de revelar lo unidas que están sus familias, que asegura que tienen «un vínculo muy bonito y de mucho afecto», ha revelado que mantiene el contacto con ella: «La quiero mucho a Amaia», ha afirmado.
En este momento, Évole no pierde el tiempo y le pregunta si llegaron a estar juntos alguna vez. Tras años de rumores, Dani Martín responde que «sí», aunque no lo califica como una relación formal: «Tuvimos un encuentro», asegura. Es entonces cuando salió el tema del tratamiento de Montero en los medios, con el cantante asegurando que el público ama a Amaia: «A todos nos alegró cuando la vimos salir con Karol G y cantar ‘Rosas’.
El momentazo significó el comeback de Montero a los escenarios, delante de 60.000 personas. Dos años antes, las alarmas habían saltado entre sus fans por la publicación de una fotografía en blanco y negro en la que la cantante no parecía encontrarse en su mejor momento: «Si se la hubiera guardado para la portada de su disco… Para mí es lo más creíble», declaró Martín en la entrevista.
«En un momento jodido de su vida, que lo tienes tú, lo tengo yo y lo tenemos todos. Se hizo una foto y la puso en redes, como diciendo: ‘Así estoy, con esta mierda del éxito'», continuó el cantante. También aprovechó para reflexionar sobre los peligros del éxito: «Es una droga muy peligrosa, porque gusta mucho que te aplaudan», concluyó.
Roberta Flack, intérprete de una de las versiones más famosas de ‘Killing Me Softly With His Song’ y autora de grandes discos como ‘First Take’ (1969) o ‘Killing Me Softly’ (1973), ha muerto en la mañana de este lunes 24 de febrero a los 88 años, ha confirmado Variety. Se desconoce por ahora la causa de la muerte de Flack, si bien la artista padecía esclerosis lateral amiotrófica y desde hacía tiempo no le era posible cantar.
Flack será recordada por su versión de ‘Killing Me Softly With His Song’, una canción que siempre será asociada a ella aunque no la compusiera de su puño y letra. Era una composición de Charles Fox y Norman Gimbel que grabó primero Lori Lieberman en 1971, sin éxito.
Entre 1973 y 1974, la versión de Flack de ‘Killing Me Softly With His Song’ alcanzó el número 1 de singles en Estados Unidos y ganó dos Grammys, entre ellos el de Grabación del año. En 1996, la versión de los Fugees volvió a popularizar la canción, llevándola al número 1 de una veintena de países: la historia de Ms. Lauryn Hill pasaría a ser indisociable de la de Flack.
Flack había ganado, previamente, otros dos Grammys por sus éxitos ‘Where is the Love’ con Donne Hathaway y ‘The First Time Ever I Saw Your Face’, ambos en 1973. En 1972, ‘The First Time Ever I Saw Your Face’ fue utilizada para despertar a los astronautas a bordo del Apolo 17, durante la última misión tripulada a la Luna. En 2020 fue versionada por James Blake.
Flack, que había estudiado piano desde los nueve años, obtuvo en su obra musical un sonido sofisticado y adulto que hibridaba influencias de soul, jazz y y folk. Sus discos fueron muy queridos por la crítica y han podido aparecer en las listas de lo mejor de todos los tiempos, especialmente su debut de 1969, ‘First Take’. En su último álbum, Flack versionaba a los Beatles.
El único inconveniente de la última gira de Tate McRae era su repertorio necesitado de hits. Del resto -carisma, presencia escénica, voz- iba sobrada. ‘So Close to What’, ya el tercer álbum de esta artista de Calgary que acaba de cumplir 21 años, se acerca a solucionar este problema conteniendo más singles oficiales y potenciales proporcionalmente que sus dos discos anteriores.
Es difícil elegir entre los tambores de ‘It’s Ok I’m Ok’ o el estribillo susurrado de ‘Sports Car‘, pero ambos claramente mejoran la propuesta de ‘Greedy‘. ‘Sports Car’ se inspira en ‘Whisper Song’ (2005) de los Ying Yang Twins, pero lo mejor es que suena totalmente a ‘Buttons’ de las Pussycat Dolls y es casi igual de buena.
Si ‘So Close to What’ «acerca» a la canadiense Tate McRae a algo, además de a ser una estrella aún mayor de lo que ya es, es a hacer el mejor disco posible. ‘So Close to What’ es su mejor álbum, lo cual no era muy difícil. Aunque mantiene los vicios de sus trabajos anteriores (melodías genéricas, exceso de reverb y dicción cuestionable), el repertorio se solidifica.
Esta mejora evidentemente pasa por elevar los bpm y ofrecer menos baladas, las cuales abundaban en el álbum anterior, ‘Think Later‘ (2023), de manera que McRae pueda enfocar sus giras en el baile. El maravilloso Jersey Club de ‘Revolving Door’ se ha presentado con un videoclip coreografiado de principio a fin, el UK garage de ‘2 Hands‘ también, y podrían ser singles en el futuro el Miami bass de ‘bloodonmyhands’ con Flo Milli o la dosmilera ‘Dear God’.
Las canciones de ‘So Close to What’ son peores cuanto menos rítmicas: hay más reverb que canción en ‘Greenlight’ y ‘Nostalgia’ y ‘Means I Care’ diluye por completo un sample de ‘XM24’ de Lenky -un tema dancehall de 2002- que suena desaprovechado. The Kid LAROI, pareja de Tate McRae, participa en el trip-hop pasado por agua de ‘I Know Love’. McRae convence cuando más Pussycat Doll parece en ‘Miss Possessive’, no cuando se las da de Lana Del Rey en ‘Purple Lace Bra’.
La visión de McRae es interesante cuando aborda abiertamente temas como los celos (‘Miss Possessive’), el deseo desesperado (‘Two Hands’) o la sexualización a la que se enfrenta como mujer en la industria musical: en ‘Purple Lace Bra’ canta que se ve obligada a desnudarse para que alguien la escuche. Aunque se echa en falta más chulería como la de ‘It’s Ok I’m Ok’ y su humillante «you can have him anyway».
Aunque McRae desea que se la reconozca como compositora, y no solo como bailarina, en canciones como ‘Like I Do’ o ‘No I’m Not in Love’ no logra diferenciarse de la masa con que ya trabajan sus colaboradores habituales. Ryan Tedder, Amy Allen y Julia Michaels, tres pan sin sal de la industria estadounidense, han escrito canciones para medio mundo, muy similares a las que Tate McRae propone en este disco, aunque ella sea la compositora principal. Ha aprendido de ellos, y se nota.
En los mejores casos, claro, Tate McRae se diferencia de sus colegas de profesión y del resto de aspirantes a pop star porque no tantos han reivindicado el legado de las Pussycat Dolls y Nelly Furtado, ni lo han hecho tan bien como ella. Por eso, las mejores pistas de ‘So Close to What’ son las que ahondan en esas influencias, las que añaden bangers nuevos a la próxima gira de Tate McRae.
Alba Morena cambia de aires en su nuevo single. En un probable guiño a la banda del mismo nombre, el nuevo sonido que presenta la salouense está centrado en torno a unas densas guitarras eléctricas, dejando el teclado de lado. Hasta es portada de la playlist Novedades Rock en Spotify. ‘Nirvana’ es la Canción del Día.
La producción, en la que han colaborado Simón Petrikov y Pablo Cuerno, es refrescante desde el primer minuto, siendo algo que no habíamos escuchado de Morena hasta ahora. La melodía, una de las más pegadizas que ha compartido, se rompe completamente en el estribillo para dejar paso a una amalgama glitch que recuerda a lo último de Alizzz. Las cuerdas en el puente, que no falten.
La letra está centrada en el desamor y el olvido, por lo que sí está más en la línea del resto de su material. Podría ser la hermana emo de ‘Nadie’. La primera es en la boca: «Quiero llorar», canta Morena. El videoclip inspirado en las pelis snuff acompaña perfectamente frases como «Tengo cinco amigos y los cinco viven en mi cabeza» o «Soy como un fantasma que no asusta desde que tú no estás».
Katy Perry ha anunciado que el Lifetimes Tour pasará por España en noviembre. Las fechas son el domingo 9 de noviembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el martes 11 de noviembre en el Movistar Arena de Madrid.
Las entradas para los conciertos de Barcelona y Madrid se pondrán a la venta el martes 4 de marzo a las 10 horas a través de los puntos de venta habituales.
El precio será de 48, 55, 65, 80 y 110 euros para las entradas de grada, 80 euros para las entradas de pista y 140 euros para las de pista Eternity GA (gastos de distribución no incluidos). Se podrá adquirir un máximo de 6 entradas por compra. Para estos conciertos también habrá disponibles packs VIP.
El Lifetimes Tour de Katy Perry arranca el próximo 25 de abril en Ciudad de México, y su primera parada en Europa se producirá en octubre en Belfast.
Perry presenta, en esta gira, su séptimo álbum de estudio, ‘143‘, del que se extraen los sencillos ‘Woman’s World‘, ‘Lifetimes‘ y ‘I’m His He’s Mine‘ con Doechii. El disco se reeditó en diciembre con la inclusión de cuatro temas nuevos.
Amaia venía sugiriendo que su concierto en Madrid sería especial. Era la mayor fiesta que montaría hasta la fecha. Además, ha contado en las entrevistas que ha notado un antes y un después en su carrera desde que cuenta con un director artístico en casa, su pareja Daniel2000.
No le vamos a dar a nadie más que a Amaia los méritos de ser Amaia, con esa espontaneidad, esa naturalidad y sobre todo esa voz, pero el de anoche fue un concierto más mimado que nunca en lo musical, con una decena de músicos, una coreógrafa, un coro de voces a su vez coreografiado, una escenógrafa y una responsable de los estilismos, amén de Víctor Martínez a la dirección musical. La artista movilizó a más de una veintena de personas al escenario para presentar su álbum más electrónico. Tal fue el nivel de detalle, incluso en su minimalismo, para un show dividido en 4 actos, más al final un grupo de bises.
El motivo de la fiesta era presentar ‘Si abro los ojos no es real‘, y Amaia está tan convencida de este tercer disco que sonó en su integridad. ‘Visión’, con ella al piano emergiendo de uno de los tres cubos tipo portales que presidían el escenario, fue la primera en sonar, como en el disco. Y ‘Tocotó’, la segunda en la secuencia, la siguiente. En ella ya Amaia demostró que sus tímidos pasos de baile están cada vez menos improvisados. Sus conocidos «sprints», cada vez más medidos.
Hubo ya mucho amor del público hacia las nuevas canciones que han salido hace apenas unas semanas. ‘Nanai’ dejaba ver que había algo raro y misterioso en estas nuevas producciones. La gente coreó ‘C’es la vie’ y muy especialmente ‘M.A.P.S.’, que huele a TikTok con su representación de las iniciales de la canción, como si llevaran meses fuera. Se guardó un silencio sepulcral cuando Amaia tocó el arpa en ‘Ya está’, y se vivieron momentos tan mágicos como la presentación de ‘Auxiliar’, sobre el amor de madre, y ‘Fantasma’, sobre una visita del más allá.
De hecho la muerte tuvo un protagonismo inusual para un concierto de pop de estas características. Tan natural como siempre, Amaia recordó que ‘Despedida’ habla sobre el deceso de su abuela, que falleció en paz, y propuso de manera arriesgada frente a miles de jóvenes: «Ojalá morir así porque la muerte es algo precioso y hay que celebrarla como se merece». En un momento decidió danzar precisamente por todo esto, y taconeó por la muerte sobre una plataforma llevada al escenario ad hoc, para recordar que en el norte también saben.
Pero el público sigue por supuesto muy apegado a las canciones antiguas y Amaia ha sabido rescatar para esta gran fiesta lo mejor de cada gira. Se ha caído la versión de ‘Fiebre’, pero ‘El relámpago’ al piano con un «relámpago» emergiendo al final del tema, continúa siendo un gran «highlight». ‘Quiero que vengas’ y ‘Quedará en nuestra mente’ siguen siendo un gran karaoke colectivo, con Romero en un estilo de pop-rock clásico que parece el preferido por la gente, aunque a ella le guste experimentar con diferentes géneros. El público se emociona escuchando a Amaia cantar sobre un parque de Pamplona, ‘Yamaguchi’, hermanada con una ciudad de Japón. Ahora ‘Bienvenidos al show’ cierra el concierto, en lugar de abrirlo, tras la gran ‘Tengo un pensamiento’, su penúltimo viral labrado en ‘La Revuelta’. Como en el programa de Broncano, decidió empezarla a capela.
Y el delirio se desató cuando apareció Aitana para cantar su parte de ‘La canción que no quiero cantarte’, la del estribillo «¿Quieres ser mi amigo? ¡Cómeme el higo!». El sonido estaba siendo excelente hasta que la gente se puso a gritar en este tema y a Aitana se la oyó, pero se la oyó lo que viene siendo poco. «Hacía mucho que no nos veíamos», dijo una entre el bullicio. «Enhorabuena, tía, por llenar el WiZink Center, qué bien te va», propuso Aitana mientras los responsables del Movistar Arena y los patrocinadores del mismo se daban cabezazos contra una pared. «Pues anda que a ti, guapa…», respondió la otra tras haber terminado su tema con una breve referencia a ‘Ave María’ de Bisbal.
Ainhoa Laucirica
Amaia rellenó el show con más versiones -sus 3 discos son muy cortos y ella no suele hacer demasiadas colaboraciones-, hasta completar casi 2 horas de concierto. ‘Santos que yo te pinte’ ya casi, casi es tan suya como de Los Planetas, tras aparecer en su segundo largo, y también se replica su baile de percusión imaginaria de la gira anterior. Y ahora se suman coplas como ‘Me pongo colorada’ de Papá Levante -con un control espectacular de los silencios y los estallidos- y un ‘Zorongo gitano’ que de nuevo enmudece al respetable.
No es fácil llenar un pabellón de más de 15.000 personas, solo para después callarlo. Y menos cuando no haces la música de moda, no entras en la lista de Los 40 Principales y Spotify no te quiere meter en Éxitos España. Los referentes de Amaia además vienen de mundos que no tienen nada que ver entre sí: Marisol, Los Planetas, La Oreja de Van Gogh, Ralphie Choo, C. Tangana, La Bien Querida… Ha sido tan sólo su increíble personalidad lo que ha ido dando forma a su proyecto hasta modelar un personaje único y lleno de encanto. Con un precioso vestido rosa, y un maquillaje también entre rosa y verde, Romero lucía como la princesa de un cuento de hadas, pero una princesa 2.0 que solo se depilará o se pondrá un vestido los días que le salga del higo. 9.
Gwen McCrae, cantante de música disco, funk y soul que logró un éxito top 9 en Estados Unidos con ‘Rockin’ Chair’, de 1975, y que se anotó otros éxitos en las listas de pop y R&B de Estados Unidos y Reino Unido durante los 70 y 80 con ‘Keep the Fire Burning’, ‘90% Of Me is You’, ‘All This Love that I’m Givin’ o ‘Funky Sensation’, ha fallecido este 21 de febrero a los 81 años después de una larga enfermedad.
McCrae era conocida como la «Reina del Rare Groove» porque sus discos, olvidados por el público y convertidos en «rarezas» para coleccionistas, han sido muy buscados por record diggers y sampleados, por ejemplo, por Cassius, que basaron su éxito de 1999 ‘Feeling for You‘ en ‘All This Love That I’m Givin’, o Disclosure, que samplearon ‘Funky Sensation’ en 2018.
Asociada inicialmente a la discográfica TK Records, McCrae grabó después para otros ellos tanto en Estados Unidos como en Reino Unido y era reconocida por hacer música de baile cálida y profunda y con letras emotivas. Nacida en Pensacola, Florida, McCrae fue la persona que lanzó, en 1972, la primera versión de ‘Always on My Mind’, antes de que la popularizara Elvis Presley y la grabaran después también Willie Nelson y Pet Shop Boys.
McCrae además estuvo casada con George McCrae, intérprete del éxito de 1974 ‘Rock Your Baby’, la mismísima canción que inspiró la composición de ‘Dancing Queen’ de ABBA. Gwen y George se casaron a la semana de conocerse y formaron un dúo durante los 60, y a ambos se les atribuye la invención del «Miami Sound», un sonido que mezclaba disco, funk y soul de manera amable y cálida, como mostraban ‘Rockin’ Chair’ y ‘Rock Your Baby’.
McCrae, que también era muy querida en la escena northern soul de Reino Unido, lanzó su último single, ‘Now I Found Love’, en 2010 y en 2012 se retiró de los escenarios después de sufrir un derrame cerebral.
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