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Bad Gyal, en Arenal Sound, pide apoyo a Palestina

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Muy poco después de que Rosalía haya tenido que salir a dar explicaciones por su silencio ante el genocidio de Gaza, después de haber sido señalada por el diseñador Miguel Adrover, Bad Gyal ha aprovechado su aparición en el festival Arenal Sound para pedir a su público que «no mire hacia otro lado».

La intervención de Bad Gyal es especialmente simbólica, ya que Arenal Sound -en concreto su promotora, The Music Republic- es uno de los festivales que forman parte de Superstruct Entertainment, promotora propiedad del fondo de inversión israelí KKR.

Bad Gyal empieza su intervención aclarando que ella ha decidido seguir adelante con su actuación en Arenal Sound porque «no he querido fallar a mi público». A continuación, califica de «inhumano lo que está ocurriendo en Palestina» e insta a la audiencia a informarse. «Me parece necesario que seamos conscientes de que, mientras estamos pasándolo bien aquí, hay gente en Palestina que lleva muchos años pasándolo muy mal», señala la catalana, que concluye reconociendo «a todas las personas que están luchando para que esto acabe lo antes posible».

Las palabras de Bad Gyal han provocado reacciones dispares, como era de esperar. Aunque algunos celebran su posicionamiento, otros señalan la aparente contradicción de que este tenga lugar en un festival vinculado a KKR. Otros se preguntan si Bad Gyal se habría pronunciado realmente de no haber sido por la situación de Rosalía, ya que no lo había hecho previamente.

@piquerrel251 Bad Gyal muestra su apoyo a Palestina en el Arenal Sound 2025 🇵🇸❤️ #badgyal #arenalsound #palestina #freepalestine @Bad Gyal ♬ original sound – piquerrel25

El no disco de Hayley Williams es confesional… y algo plano

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Hayley Williams ha explicado que el motivo por el que ha lanzado 17 singles sueltos en lugar de un álbum es porque no se «propuso escribir un disco» y simplemente «necesitaba componer» y acabó «escribiendo todas estas canciones». Curiosamente, asegura que no percibe una «perspectiva» que una todas las pistas y reconoce no saber «exactamente cuál es la experiencia del disco». Eso no le impedirá lanzar estas 17 canciones en formato físico, en un único álbum, pero pide a sus fans que le envíen sus playlists personales y le ayuden a secuenciarlas.

Que este disco -provisionalmente titulado ‘EGO’- carece de perspectiva puede entenderse desde diferentes ángulos. A lo largo de esta casi veintena de cortes, Williams explora temas como la salud mental, la fe, las relaciones románticas o de amistad, la fama o su relación con la industria musical, y lo hace con una franqueza que desarma cuando, en ‘Glum’, canta sobre «tener 37 años y no tener ni idea de nada».

La perspectiva de Williams, en esta colección de canciones, es la de una persona adulta que llega a esa edad algo desilusionada, pero no completamente desesperanzada. Williams retrata su sentencia a autosabotearse emocionalmente en ‘Whim’, critica la hipocresía de Estados Unidos en ‘True Believer’, un país donde los «cristianos posan con armas más grandes que sus hijos», ataca a los «hombres» de la industria a los que «hizo ricos» en ‘Ice On My OJ’, dedica una canción de amor a los antidepresivos en ‘Mirtazapine’, o contempla ciertas relaciones masculinas en ‘Disappearing Man’ o ‘Brotherly Hate’, esta última, muy probablemente inspirada en los hermanos de Paramore, Josh y Zac Farro.

«Seré la mayor estrella en este país racista» es una de las sonoras frases incluidas en ‘Ego Death at the Bacholerette’, mientras ‘Kill Me’ atraviesa temas como la maternidad y el trauma generacional («yo soy donde acaba el linaje») y ‘Hard’ expone su coraza emocional: «Pégame, porque no me ablando, estoy demasiado dura, y mis costillas con barras de metal, que protegen mi corazón».


¿Será que el «disco» carece de visión artística? En absoluto. Williams entrega una colección de canciones unificadas por las guitarras alternativas, el pop-rock y el grunge de los noventa, donde caben homenajes al shoegaze (‘Mirtazapine’), al dream-pop (‘Blood Bros’) o ciertos dejes country (‘Whim’) o tropicales (‘Love Me Different’). Eso sí, las melodías son siempre calmas y sosegadas, y es cierto que no está muy claro qué podría ser un single y qué no, aunque ‘Glum’ es un digno candidato, ha sido el focus track y además es el tema del «disco» que sus fans más están oyendo.

La cohesión de esta colección de canciones, sin embargo, no impide que las composiciones, escuchadas juntas, construyan un repertorio lineal y demasiado uniforme, en el que ninguna canción sobresale. Las guitarras rugirán más (‘Ice On My OJ’) o menos (‘Whim’), las baladas emocionarán más (‘I Won’t Quit On You’) o menos (‘Dream Girl in Shibuya’), las producciones serán más (‘Disappearing Man’) o menos experimentales (‘Kill Me’), pero todas las pistas se suceden de forma correcta, sin sobresaltos y de forma ligeramente monótona. Quizá cuando Williams habla de perspectiva, se refiere a una meta, a un lugar. Quizá estas 17 canciones buscaban una meta o destino, pero realmente no lo han encontrado.

Esto no significa que ciertas pistas de este álbum supuestamente titulado ‘EGO’ no destaquen a su manera: la melodía de ‘Love Me Different’ es alegre y pizpireta, ‘Zissou’ cita una canción de Seu Jorge -al que acabamos de ver en Cruïlla– y ‘Discovery Channel’ habla de sexualidad y conexión sampleando de forma original ‘The Bad Touch’ de Bloodhound Gang. Aunque, al final, queda la habilidad de Williams para escribir buenas canciones de pop-rock confesionales que reflejan su sentir de forma cruda y sincera, y desde su única perspectiva.


El sueño surrealista de Guitarricadelafuente y Troye Sivan

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Continúa el idilio artístico de Guitarricadelafuente y Troye Sivan. Después de la colaboración de Álvaro Lafuente en ‘In My Room’ de Sivan, incluida en su álbum ‘Something to Give Each Other‘ (2023) y que ambos interpretaron juntos en la edición de 2024 de Primavera Sound, Sivan devuelve el favor al valenciano interviniendo en un remix de ‘Pipe Dream’, cuarto single de ‘Spanish Leather‘, el segundo álbum de «Guitarrica».

‘Midsummer Pipe Dream’ no altera radicalmente la producción original de la canción, sino que simplemente añade la voz de Sivan, que interpreta el refrán, el tercer verso y hace coros en el estribillo. Mientras, en ‘Midsummer Pipe Dream’, Guitarricadelafuente se entrega a la «voluptuosidad», Sivan aporta una dimensión más emocional que física, cantando sobre una persona que le llama y le hace «sonrojar», y a la que no se puede quitar de la cabeza. Troye redondea así la historia de un amor sensual que parece un sueño o una «fantasía imposible».

Sivan no aparece en el videoclip de ‘Midsummer Pipe Dream’, rodado en la Costa Brava catalana. El foco recae por completo en la figura de «Guitarrica», incluyendo encuadres en contrapicado que rozan lo voyeurístico. Álvaro, que, en algunas escenas, luce una sudadera con el número 69, subrayando el componente erótico del vídeo, se tumba al sol, pedalea su bicicleta y, sobre todo, encarna al «efebo con rizos solares» que F.T. Marinetti describe en ‘España veloz y toro futurista‘, el libro que Lafuente hojea en varias escenas del vídeo.

El clip, dirigido por Really Sorry, es pretendidamente «sencillo y veraniego», pero está cargado de imágenes poéticas, llenas de simbolismo. Entre las imágenes destacadas, los caracoles viscosos que se deslizan por el pecho de Álvaro, las orugas devorando su sandía, o las palomas blancas que emergen en la secuencia final, cuando la cámara adopta visión nocturna. En la última escena, Álvaro empuña una espada en la playa que remite a Narsil, la legendaria hoja de ‘El señor de los anillos’. Todos estos elementos construyen un vídeo lleno de surrealismo naturalista que eleva la historia de la canción, en sí misma un «sueño».

Kim Petras trae los 2010s de vuelta en la bruta ‘Freak It’

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¿Echabas de menos el sonido de Kesha en la época de ‘Warrior‘? ¿El de Nicki Minaj en ‘Starships’ o ‘Pound the Alarm’? ¿Un poquito el de Skrillex, también? ¿En otras palabras, la estruendosa vibra de ese pop-EDM que dominó la radiofórmula de los 2010s? Kim Petras trae dos tazas.

‘Freak It’ recrea el estilo del pop de la época, pero lo ofrece evolucionado gracias a la expansiva producción que Petras ha ideado junto a sus productores de confianza Margo XS, Frost Children y Nightfeeling. Es la Canción Del Día para hoy lunes.

‘Freak It’ es una de esas producciones que aturullan, y ese parece ser el objetivo de los sintetizadores electro presentes en la grabación y que engullen la canción como un monstruo hambriento. Unos sintes feroces que recuerdan al electroclash de Miss Kittin, pero también al dance-pop de Kesha y Pitbull (juntos y por separado), al brostep de Skrillex y al hyperpop de SOPHIE o Charli xcx.

El piano aporreado de ‘Freak It’ es otro matiz destacable de la canción, pero Petras equilibra la propuesta gracias a su habilidad melódica y entrega un pre-estribillo demoledor como los que sabe escribir. «Touch that, bring it all back / Lil’ Eurotrash and it’s all for me / You got it all and I want a piece», canta con una mezcla de euforia y desesperación.

‘Freak It’ es una invitación a soltarse sin inhibiciones. Esa es la esencia de la expresión que da título a la canción: Petras quiere que lo des todo -con taconazos, en tanga, ya sea en su concierto o a solas en tu casa-, que la fiesta se escuche «desde el ático de lujo hasta el sótano». ‘Freak It’ no es apta para vecinos.

Tame Impala, Depresión sonora, Sigrid, CMAT… en nuestro top 40

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rusowsky mantiene el top 1 de JNSP con ‘malibu’ de manera muy holgada: ha conseguido el 59% de los votos en la final de las Stories de Instagram. Tame Impala queda en 2º lugar, resultando la entrada más fuerte y reuniendo un 34% de votos. Depresión sonora y Model/Actriz han quedado por debajo del 10%.

Otras entradas destacadas son las de Sigrid y Tyler the Creator, ambos en el top 10. CMAT y Sudan Archives completan el conjunto de novedades.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 malibU rusowsky Vota
2 2 1 End of Summer Tame Impala Vota
3 3 1 Me va la vida en esto Depresión sonora Vota
4 4 1 Cinderella Model/Actriz Vota
5 5 5 2 I CARE Turnstile Vota
6 6 1 Jellyfish Sigrid Vota
7 13 9 3 Fuck My Eyes Ethel Cain Vota
8 8 6 4 davina mccall Wet Leg Vota
9 9 1 Ring Ring Ring Tyler the Creator Vota
10 4 1 5 Imaginado es todo Hidrogenesse Vota
11 11 1 6 Hammer Lorde Vota
12 2 2 3 JUMP BLACKPINK Vota
13 7 7 7 chica de cristal Judeline Vota
14 9 9 2 BOY CRAZY. Kesha, JADE Vota
15 3 2 3 Shook Sugababes Vota
16 12 3 6 Plastic Box JADE Vota
17 17 17 2 Flood Little Simz Vota
18 19 1 9 Fame Is a Gun Addison Rae Vota
19 19 1 EURO-COUNTRY CMAT Vota
20 30 14 3 DAISIES Justin Bieber Vota
21 16 16 2 Vanity Isabella Lovestory Vota
22 22 11 6 S.M.O. Amaarae Vota
23 15 2 26 M.A.P.S. Amaia Vota
24 10 4 4 Midnight Sun Zara Larsson Vota
25 28 1 9 Man of the Year Lorde Vota
26 32 3 5 Take me back HAIM Vota
27 34 17 4 9 2 5 Nourished by Time Vota
28 24 2 16 CUNTISSIMO MARINA Vota
29 33 1 14 What Was That Lorde Vota
30 21 8 5 Mr Electric Blue Benson Boone Vota
31 35 1 12 Pipe dream Guitarricadelafuente Vota
32 20 2 8 Manchild Sabrina Carpenter Vota
33 29 11 9 Transmutted Matter Stereolab Vota
34 23 3 17 End of the World Miley Cyrus Vota
35 39 2 11 Baile inolvidable Bad Bunny Vota
36 36 1 My Type Sudan Archives Vota
37 31 7 9 CDMX Zahara, Ximena Sariñana Vota
38 38 5 14 Headphones On Addison Rae Vota
39 27 15 8 Eternamente joven Sen Senra Vota
40 40 3 8 Type Dangerous Mariah Carey Vota
Candidatos Canción Artista
Girlie-Pop! Amaarae Vota
Monster Truck Barry B Vota
June Guitar Alex G Vota
Sugar Sweet Mariah Carey, Shenseea, Kehlani Vota
Love on the Big Screen Animal Collective Vota
d€aler Lola Young Vota
Heavy Going… Jamie Woon Vota
Dream Night Jamie xx Vota
What Did I Miss? Drake Vota
place of my own Purity Ring Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

  • rusowsky / malibU (5%, 26 Votos)
  • Amaia / M.A.P.S. (5%, 22 Votos)
  • Tame Impala / End of Summer (4%, 21 Votos)
  • MARINA / CUNTISSIMO (4%, 20 Votos)
  • Lorde / What Was That (4%, 19 Votos)
  • Judeline / chica de cristal (4%, 18 Votos)
  • Guitarricadelafuente / Pipe dream (4%, 18 Votos)
  • Addison Rae / Fame Is a Gun (4%, 17 Votos)
  • Bad Bunny / Baile inolvidable (3%, 15 Votos)
  • Lorde / Hammer (3%, 15 Votos)
  • Miley Cyrus / End of the World (3%, 15 Votos)
  • Lorde / Man of the Year (3%, 14 Votos)
  • Hidrogenesse / Imaginado es todo (3%, 13 Votos)
  • Depresión Sonora / Me va la vida en esto (2%, 12 Votos)
  • Wet Leg / davina mccall (2%, 12 Votos)
  • Addison Rae / Headphones On (2%, 12 Votos)
  • JADE / Plastic Box (2%, 12 Votos)
  • Ethel Cain / Fuck Me Eyes (2%, 11 Votos)
  • Turnstile / I CARE (2%, 11 Votos)
  • Sabrina Carpenter / Manchild (2%, 11 Votos)
  • Stereolab / Transmutted Matter (2%, 11 Votos)
  • Model/Actriz / Cinderella (2%, 11 Votos)
  • BLACKPINK / JUMP (2%, 9 Votos)
  • Amaarae / S.M.O. (2%, 9 Votos)
  • Saint Etienne / Glad (2%, 9 Votos)
  • Zahara, Ximena Sariñana / >3CDMX (2%, 9 Votos)
  • Sen Senra / Eternamente joven (2%, 8 Votos)
  • Kesha, Jade / BOY CRAZY. (2%, 8 Votos)
  • Sugababes / Shook (2%, 8 Votos)
  • Tyler the Creator / Ring Ring Ring (2%, 8 Votos)
  • HAIM / Take me back (1%, 7 Votos)
  • Mariah Carey / Type Dangerous (1%, 7 Votos)
  • Zara Larsson / Midnight Sun (1%, 6 Votos)
  • Little Simz / Flood (1%, 6 Votos)
  • Nourished by Time / 9 2 5 (1%, 6 Votos)
  • Benson Boone / Mr Electric Blue (1%, 6 Votos)
  • Justin Bieber / DAISIES (1%, 6 Votos)
  • Isabella Lovestory / Vanity (1%, 5 Votos)
  • CMAT / EURO-COUNTRY (1%, 5 Votos)
  • Sudan Archives / DEAD (1%, 5 Votos)
  • Sigrid / Jellyfish (1%, 5 Votos)
  • Sudan Archives / MY TYPE (1%, 3 Votos)
  • Cut Copy / When This Is Over (1%, 3 Votos)
  • J Balvin, Lenny Tavárez, Justin Quiles / Zun Zun (0%, 2 Votos)
  • The Last Dinner Party / This Is the Killer Speaking (0%, 2 Votos)
  • Georgia / Wanna Play (0%, 1 Votos)
  • Indigo De Souza / Heartthrob (0%, 1 Votos)
  • El Gavira, Ruïnosa y las Strippers / Las nazis rubias (0%, 1 Votos)
  • The Knocks, Dragonette / Love Me Alive (0%, 0 Votos)
  • Fermi, Maria Rodés / Fugint de tu (0%, 0 Votos)

Votos totales: 63

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Reneé Rapp / Bite Me

Reneé Rapp se ha ganado la fama de ser la «peor pesadilla de todo publicista» por sus atrevidas declaraciones en entrevistas. En una particularmente polémica, reconoció ser «edadista» hacia ciertas mujeres millennials que opinan sin saber. Rapp, que ha interpretado a Regina George en la adaptación teatral de ‘Mean Girls‘, desde luego parece la actriz idónea para el papel, y sus intervenciones en medios ilustran a una figura directa, atrevida y sin interés por adherirse a lo políticamente correcto.

En otras palabras, Rapp tiene una enorme personalidad que debería transmitirse en sus canciones, y en ‘Bite Me’, su segundo álbum, esta misión se cumple solo en parte.

‘Bite Me’ es el típico segundo disco de exploración, en el que la cohesión no es el objetivo. El repertorio alterna variados temas pop y baladas que reflejan un talento versátil y adaptable a todo estilo musical, aunque el material todavía es mediano y no se equipara al carisma de la artista.

Un carisma que brilla en el single principal, ‘Leave Me Alone‘, una especie de riot grrrl disney-ficado que debería haber guiado el sonido del disco. Sus guitarras rugen con fiereza, Reneé hace uso de un vocal fry fulminante y la letra llena de dardos es divertida. Quizá es demasiado pronto para encasillar a Rapp en este sonido, así que ‘Bite Me’ se rinde pronto a los medios tiempos y a las baladas, en medianías como la pianística ‘Sometimes’ o la retro ‘Why Is She Still Here?’.

Algunos números lentos muestran la gran voz de Rapp, como ‘That’s So Funny’, pero su acento de «Valley Girl» o de chica pija americana, que recuerda mucho al de la primera Kesha, es el mejor y luce en las composiciones guitarreras. ‘Kiss It Kiss It’ es un gran homenaje a ‘Stupid Girl’ de Garbage y debería ser un éxito. El crescendo pop-rock de ‘Mad’ ha servido un digno segundo single. Y ‘Shy’ se marca un estribillazo que podría haber escrito Avril Lavigne en alguno de sus dos primeros discos.

Las guitarras de ‘Good Girl’ son ya de otro tipo y apuntan al pop-rock con sintetizadores de los ochenta. Sin embargo, esta y otras pistas no acaban de sobreponerse a sus influencias. Con nombres como Omar Fedi, Ali Tamposi, Carter Lang o Caroline Ailin involucrados en ‘Bite Me’ es inevitable que las canciones del largo recuerden a las de otros artistas, pero el número disco de ‘At Least I’m Hot’ podría parecerse menos a ‘American Boy’ de Estelle. Aunque sea porque Rapp tenía 8 años cuando esa canción salió al mercado.

Después, entre composiciones correctas como ‘I Can’t Have You Around Me Anymore’, que parece una balada de Olivia Rodrigo, o la pop-punk ‘You’d Like That Wouldn’t You’, que cierra, la vulnerabilidad de Rapp es capaz de convertir piezas como la acústica ‘I Think I Like You Better When You’re Gone’ en favoritas inesperadas. Incluso en los títulos, se percibe esa actitud desafiante que la define. Ojalá esa chispa se colara más seguido en las canciones.

Chappell Roan, top 1 global con ‘The Subway’, dice que su 2º disco «aún no existe»

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Chappell Roan ha logrado el mayor debut de toda su carrera con ‘The Subway’, que ha abierto en Spotify directamente en el número 1 global con 8,35 millones de reproducciones. En comparación, ‘The Giver‘ abrió con 6,27 millones y ‘Good Luck, Babe!’ con 1,2 millones. En su segundo día, ‘The Subway’ baja al puesto 3 con 5 millones de streams diarios.

Este dato convierte ‘The Subway’ en el segundo mayor debut de 2025 en Spotify, solo por detrás de ‘Evil Jordan’ de Playboi Carti, que se estrenó con 9,51 millones de plays. El debut de ‘The Subway’ supera por poco margen el de ‘Daisies‘ de Justin Bieber (8,34 millones).

En Estados Unidos el número 1 directo en el Billboard Hot 100 parece asegurado para Chappell Roan, ya que ‘The Subway’ se mantiene en la cima de canciones más escuchadas en el país dos días después, con escuchas que superan holgadamente las de ‘Golden’. El actual número 1 en el país es ‘Ordinary‘ de Alex Warren, que en Spotify baja al 7.

Roan celebrará el lanzamiento de ‘The Subway’ con una breve gira que recorrerá Nueva York, Misuri y California. Llamada ‘Visions of Damsels and Other Dangerous Things’, la gira incluye cuatro noches consecutivas en el Forest Hills Stadium en Queens, Nueva York; dos en el Museum and Memorial Park en Kansas City, Misuri; y dos en Brookside at the Rose Bowl en Pasadena, California.

Mientras, el segundo disco de Chappell Roan sigue en proceso de composición. En una entrevista con Vogue, Roan ha bajado a tierra a esos fans que esperan un nuevo disco en seguida. Y ha sido muy clara: “El segundo proyecto aún no existe. No hay álbum. No hay una colección de canciones». Roan añade que tardó cinco años en escribir su primer disco y puede que tarde el mismo lapso de tiempo en escribir el siguiente: «No soy ese tipo de escritora que puede producir rápido. No creo que haga buena música cuando me obligo a hacer algo. A veces veo comentarios del estilo «Ella está en todas partes menos en ese maldito estudio». Incluso si estuviera en el estudio 12 horas al día, todos los días, eso no significa que tendrías un álbum más rápido».

Muere un hombre al caer durante el concierto de Oasis en Wembley

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Un hombre ha fallecido al precipitarse al vacío durante el cuarto concierto de Oasis en el estadio de Wembley, según ha confirmado la policía metropolitana este domingo. Los hechos habrían ocurrido hacia el final del set de los hermanos Gallagher.

El comunicado de la policía aclara que el hombre tenía alrededor de 40 años y que fue declarado muerto en el lugar: «El estadio estaba abarrotado y creemos que es posible que mucha gente haya presenciado el incidente y que lo hayan recogido en vídeo, intencionadamente o no», continúa el comunicado.

Según los informes, el hombre habría caído desde las gradas superiores del estadio, que tiene un aforo de 90.000 personas. Por su parte, Oasis ha lamentado el fallecimiento del fanático y aseguran encontrarse «conmocionados y entristecidos» por la noticia. Se trataba del penúltimo concierto de la banda británica en Wembley antes de continuar la gira en Edimburgo.

10 joyas perdidas de Sonorama Ribera 2025

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En un cartel encabezado por nombres como Franz Ferdinand, Viva Suecia, Supergrass, Fermín Muguruza o Amaia, ¿dónde caben nombres igualmente potentes como los de Ash, La La Love You o Arizona Baby? En este artículo repasamos las 10 joyas perdidas de la programación de Sonorama Ribera, que celebra su próxima edición la semana que viene, del 6 al 10 de agosto de 2025. Los bonos y bonos VIP siguen a la venta para esta edición de la que ya pueden consultarse también todos los horarios.

Ash
Aunque puede que no sea un reclamo internacional tan evidente como Franz Ferdinand, Ash es otra de esas bandas de indie-rock que dejaron su huella en la historia. En su caso, fue a mediados de los 90 cuando su furioso sonido de guitarras explotó con la publicación de su gran éxito, el icónico ‘Girl from Mars’. Ash publica nuevo disco en octubre, ‘Ad Astra’, liderado por los singles ‘Jump in the Line’ y ‘Give Me Back My World’.

Rufus T. Firefly
Sonorama Ribera es uno de los pocos festivales que acogerán este año la presentación de ‘Todas las cosas buenas‘, el excelente nuevo disco de Rufus T. Firefly. El grupo de Aranjuez, liderado por Victor Cabezuelo, ha vuelto a dar un paso de gigante en su carrera con su disco más colorido y pop y con canciones tan sumamente pegadizas como ‘La Plaza’.

Gara Durán
Gara Durán es una de esas voces emergentes que, tarde o temprano, deberían encabezar festivales. Sus colaboraciones con Barry B (‘El lago de mi pena’) o Ralphie Choo (‘Malaquita’) son incontestables, pero sus canciones propias son aún mejores: ‘Kryptonita‘ es claramente una de las mejores canciones del año para el que esto escribe.

Arizona Baby
El querido trío vallisoletano de rock acústico y folk-rock celebra este año el 15º aniversario de su aclamado disco ‘Second to None‘ (2010). En activo desde 2003, Arizona Baby dio mucho de qué hablar en las revistas especializadas en 2009 con ese disco, pero ha seguido explorando sus influencias americanas en trabajos tan interesantes como ‘Sonora’ (2018) o el reciente ‘Salvation’ (2023).

Nudozurdo
Muy esperado ha sido el regreso de Nudozurdo, que en 2024 publicaron ‘Clarividencia‘, su primer disco en 6 años. Grupo clave en el revival post-punk español, el grupo liderado por Leopoldo Mateos continúa practicando una fusión de post-punk, rock alternativo, shoegaze y krautrock que, unida a sus poéticas y oscuras letras, sigue sonando única.

Nena Daconte
Tras aparecer en el concierto de estadios de Lola Indigo, Nena Daconte sigue presentando por festivales su nuevo trabajo editado de forma independiente, ‘La Escafandra’, que incluye temas tan identificativos de Mai Meneses como ‘Maldita inocencia’. Muchos años después de ‘Tenía tanto que darte’ y ‘En qué estrella estará’, la música de Nena Daconte no pierde su personalidad.

Maestro Espada
Los hermanos Alex y Víctor Hernández, Maestro Espada, siguen presentando por festivales su aclamado debut nominado al Premio Ruido, en el que exploran la música tradicional murciana desde un prisma vanguardista. Una propuesta única como único es el sonido de joyas como ‘La despedía’ o la querida ‘Estrellica’.

pablopablo
Uno de los nombres emergentes que han despuntado en los últimos tiempos, bien por por sus colaboraciones con C. Tangana, Guitarricadelafuente o Amaia, bien por su trabajo en solitario, Pablo Drexler presentará en Sonorama su segundo disco, ‘Canciones en Mi‘, que le reafirman entre los innovadores del pop en español.

Cala Vento
Cala Vento traerá a Sonorama Ribera el Brindis Tour, la gira con el que dúo barcelonés celebra su décimo aniversario. Ojo: la gira actual de Cala Vento incluye las que serán sus últimas fechas en un tiempo, ya que el grupo se tomará a continuación un descanso «para pensar qué va a ser lo próximo».

La La Love You
De ninguna manera es una «joya perdida» una banda que ha escrito el himno indie de una generación, ‘El fin del mundo‘. Pero lo mejor es que su lista de éxitos ha seguido creciendo con ‘El principio de algo’, ‘Himno (para los que están jodidos)’ o ‘Que nada nos pare’. Uno de los conciertos en cualquier festi más cargados de exactamente eso: himnos.

Alizzz, contra todo lo que está mal en la mordaz ‘Callaito’

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Alizzz tiene algo que decir. El artista catalán ha lanzado una de sus canciones más afiladas hasta la fecha, haciendo una evaluación social de los tiempos en los que vivimos y señalando a la vez a ese «emprendedor visionario», «señor privilegiado» o «feminista aliado» con un «MeToo esperando en el armario». ‘Callaito’ es la Canción del Día.

En la vena de ‘Ya no vales’, pero dirigiéndose de forma general a la hipocresía y doble moral de toda la sociedad, Cristian Quirante construye la canción a base de contradicciones. «Pobrecito ese perrito, mientras me como un chuletón» o «Odio a los catalanes, pero quiero que se queden y me hablen en cristiano» son algunas de las frases que te mantienen pegado a la canción.

El mensaje de la canción llega en el estribillo, en el que Alizzz pide por favor: «Deja de darnos la brasa, creo que estás mucho mejor callaíto». ‘Callaito’, además, ofrece otra producción vanguardista, tal y como nos tiene acostumbrados Quirante, en la que caben desde guitarras acústicas hasta glitch.

Hoy, en el Chiringuito Ananda de Castefa, Alizzz ofrece un concierto gratuito a las 17h en el que, por supuesto, cantará el que también es el primer adelanto de ‘BOICOT 2’. Esta se trataría de la segunda parte del EP lanzado en 2023.

Michael Kiwanuka cancela sus shows de 2025 por enfermedad

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Michael Kiwanuka ha cancelado todos los conciertos que tenía previstos este año. La razón, explicada a través de un comunicado en Instagram, sería una «enfermedad persistente». Esto afecta tanto a los festivales en los que estaba programado como a su gira como telonero de Mumford & Sons.

«Por recomendación médica, tristemente Michael no podrá actuar en el resto de conciertos programados durante el resto del verano, además de los shows en Norteamérica en octubre. Kiwanuka también ha sufrido complicaciones médicas en el pasado. En concreto, una laringitis viral por la que también se vio obligado a posponer su gira británica de 2020.

Su maravilloso concierto en Bilbao BBK Live fue uno de los últimos que ofreció antes de la cancelación del resto de conciertos. El artista británico se presentó junto a una banda de 11 personas y lo vivimos como toda una «experiencia espiritual», describiéndolo como un concierto «sólido como pocos» y con momentos de «verdadera dicha musical».

Elton John no se equivocaba con ‘d£aler’ de Lola Young

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Lola Young podría tener uno de los mejores discos de pop del año. Después de la sexy ‘One Thing’ y de la positiva ‘Not Like That Anymore’, la artista británica lanza otro banger que apunta a la perfección pop. Elton John apostó su casa a que ‘d£aler’ sería número 1. De momento, es la Canción del Día.

«He pasado todo el día intentando estar sobria», canta Young al principio de un tema que te agarra desde el principio. No pasa mucho hasta que llega el estribillo, con sus guitarras ahogadas y su pegadiza melodía, que tanto recuerda a Fleetwood Mac. Esto también se aplica a la temática de la canción, que trata sobre querer irse «lejos de aquí» y echar de menos a tu camello en el proceso.

Elton John no se equivocaba cuando adelantó en Apple Music 1 que el próximo single de Young sería «increíble»: «Me apuesto la casa a que es un single número 1. Es el mayor temazo que he escuchado en años», aseguró. En esa misma sesión, el reputado artista también se escuchó el disco completo, ‘I’m Only Fucking Myself’, disponible el próximo 19 de septiembre.

5 peliculones que hemos visto en el Atlàntida Film Festival

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Estos días se celebra en Mallorca la 15ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, organizado por Filmin y que cada año va creciendo y creciendo, trayéndonos los nuevos trabajos de grandes directores, y descubriéndonos otros que están dando sus primeros pasos. El AMFF reparte sus pases por distintas sedes de Palma: la Sala Rivoli, Misericòrdia o incluso proyecciones al aire libre en Ses Voltes, donde también se incluyen conciertos dentro de la programación.

De esto último os hablaremos en otro artículo, pero de momento os queremos recomendar algunos de los títulos que se han podido ver en esta edición, ya que, por primera vez, JENESAISPOP está cubriendo el festival desde la isla. Para los que tengáis Filmin, la plataforma ofrece además gran parte de su programación disponible online durante el transcurso del festival, así que os hemos incluido también una de esta categoría.

Materialistas (Celine Song)
‘Past Lives’ fue una de las mejores películas de 2023, y sorprendentemente era solo el debut de su directora, Celine Song. Las expectativas estaban por los aires respecto a su segundo trabajo, y más teniendo en cuenta el reparto de estrellas: Dakota Johnson, Chris Evans y Pedro Pascal son los protagonistas de una… ¿comedia romántica?. Desde luego no es lo que busca ser; de hecho, parece evitarlo a toda costa (con excepciones), y se centra más en la mercantilización del amor, las apps de citas, las red flags y el daño que nos ha ocasionado ese supuesto empoderamiento de “quiero a alguien que cumpla todos estos requisitos porque es lo que YO merezco”. ¿El resultado? Quizás no es excelente como ‘Past Lives’, pero sí es una gran película con la que podríamos reflexionar sobre las dinámicas que tenemos metidas a la hora de buscar pareja.

The Designer Is Dead (Gonzalo Hergueta)
Hemos oído hablar mucho de Miguel Adrover en los últimos días debido a lo ocurrido con Rosalía, pero cuando Filmin presentó su nuevo Filmin Original muchos no conocíamos al diseñador y, a la vez, nos parecía increíble no haber oído hablar de él y que no se hubiese hecho ya alguna película sobre él. Porque, desde luego, da para mucho. En 2001, Adrover parecía ser el futuro de la moda, la figura que Nueva York llevaba muchísimo tiempo esperando, alguien que en poco tiempo se cameló a gente como Anna Wintour. Y de ahí pasó al olvido con una facilidad pasmosa, 11-S mediante. ‘The designer is dead’ nos acerca a esta historia, contando con declaraciones del propio Adrover, a quien el equipo de Little Spain, con Gonzalo Hergueta a la cabeza, consiguió convencer pese a una negativa inicial.

La Ola (Sebastián Lelio)
‘El Prodigio’ fue un paso atrás en la filmografía de Sebastián Lelio. Por mucho que tuviese a Florence Pugh encabezando el proyecto, el bajón era claro respecto a ‘Una mujer fantástica’ y sobre todo la prodigiosa (esta sí) ‘Disobedience’. Tres años después, Lelio vuelve con ‘La Ola’ y, aunque no está al nivel de esas dos (sobre todo a nivel narrativo), sí que recupera el pulso: visualmente es una pasada, el apartado coreográfico (es un musical, nada al uso, pero musical) es excelente y el último tramo, aunque pueda ser extenuante, es también para aplaudir.

Incógnito (Carmen Emmi)
Quizás la mayor sorpresa vista hasta el momento en esta edición, puesto que se trata de un debut; es la primera película del británico Carmen Emmi. Como punto de partida, un policía encargado de ‘limpiar’ de cruising los baños de un centro comercial a finales de los noventa: la comisaría se ha asegurado de poner a un chaval mono para atraer a la trampa a quienes intenten ligar con él y que, cuando se bajen la cremallera, el escenario enfrente cambie a una placa y unas esposas. El policía, claro, tiene que fingir que le gustan los chicos… salvo que realmente no está fingiendo. Tom Blyth, a quien hasta ahora conocíamos por protagonizar la precuela de ‘Los juegos del hambre’, es el encargado de dar vida a Lucas (el policía en cuestión), y de reflejar con maestría las contradicciones e inseguridades que tiene dentro, y que se disparan cuando conoce a Andrew, el personaje interpretado por Russell Tovey (a quien conocerás por ‘Looking’ o ‘Years & Years’).

Los Vecinos (André Techiné)
Aunque sigue rodando, André Téchiné lleva tiempo en un perfil más bajo de cara a crítica y público; en los últimos años, solo ‘Cuando tienes 17 años’ despertó algo más de interés. Pero siempre es interesante acercarse a cada nueva propuesta de la persona que nos trajo ‘Los juncos salvajes’ o ‘Mi estación preferida’. Especialmente si la película la protagonizan Isabelle Huppert y Nahuel Pérez Biscayart. No sorprendemos a nadie si decimos que La Huppert vuelve a entregar una magnífica intepretación, aquí con un añadido de ternura que no estamos tan acostumbrados a ver en sus personajes y que se manifiesta en su relación con el personaje de Pérez Biscayart (que sigue confirmándose como uno de los mejores actores de su generación) y su familia. Nota: ‘Los Vecinos’ puede verse online durante el transcurso del festival. En Filmin, claro.

Adiós a Robert Wilson, visionario del teatro que trabajó con Lady Gaga, Tom Waits, Lou Reed…

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Robert Wilson, visionario del teatro experimental y la ópera de vanguardia, ha fallecido este 31 de julio en su casa de Nueva York, a los 83 años, después de enfrentar una “breve pero grave enfermedad”.

Wilson fue uno de los revolucionarios del teatro contemporáneo gracias a su enfoque visual, minimalista y no narrativo. Formado en arquitectura, sus montajes transgredían las nociones tradicionales del tiempo y el espacio y eran pura poesía visual.

Wilson se consagró en 1976 con el estreno de ‘Einstein on the Beach‘, obra fundacional de la ópera contemporánea. Basada en una de las composiciones musicales más conocidas de Philip Glass y en una coreografía de Lucinda Childs, es su pieza más influyente.

Wilson colaboró con multitud de artistas del mundo del pop, notablemente con Tom Waits, con quien compuso ‘The Black Rider’, basada en un texto de William S. Burroughs. También trabajó con Lady Gaga en la era ‘ARTPOP‘ (2013). Por ejemplo, diseñó la escenografía de la actuación de ‘Applause’ de Gaga en los MTV Video Music Awards. Además, captó a Gaga en una serie de retratos que fueron expuestos en el Louvre.

Autor de obras originales tan oníricas como ‘Deafman Glance’ (1970), Wilson montó también versiones tremendamente originales de clásicos de Shakespeare, Brecht y Beckett, y trabajó con otros artistas musicales como Lou Reed, Laurie Anderson o Anohni.

Sabrina Carpenter revela tracklist completo de ‘Man’s Best Friend’

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En escasas cuatro semanas tendremos entre manos ‘Man’s Best Friend’, el nuevo disco de Sabrina Carpenter, que sale el 29 de agosto. ‘Manchild‘, el primer single, resiste entre las 20 canciones más escuchadas a nivel global en Spotify, después de los huracanes de Justin Bieber y K-Pop Demon Hunters. Sin embargo, parece evidente que su desempeño no va a igualar el de ‘Espresso’, una de las canciones del verano de 2024. En un año que de momento no conoce canción del verano oficial, ‘Manchild’ tampoco va a ser una de ellas.

En Estados Unidos, ‘Manchild’ aguanta cerca del top 10 del Billboard Hot 100, en el puesto 13, pero le llevan la delantera temas más antiguos, de 2024, como ‘Love Me Not‘ de Ravyn Lenae, que sube al 6, o mucho más viejos todavía, como ‘Die with a Smile‘ de Bruno Mars y Lady Gaga, que resiste en el 10.

A espera de que se anuncie un segundo single -‘Please Please Please‘ se lanzó dos meses después de ‘Espresso’ y ‘Manchild’ ya cumple dos meses-, Carpenter ha revelado el tracklist completo de ‘Man’s Best Friend’, que se compone de 12 cortes. ‘Tears’ ha sido el último corte desvelado de un tracklist que se ha ido descubriendo canción a canción a lo largo de las últimas semanas. Entre los títulos más llamativos y sabrinescos, ‘Never Getting Laid’ o ‘When Did You Get Hot?’ son las pistas 7 y 8, respectivamente.

1. Manchild
2. Tears
3. My Man On Willpower
4. Sugar Talking
5. We Broke Up Again Last Night
6. Nobody’s Son
7. Never Getting Laid
8. When Did You Get Hot?
9. Go Go Juice
10. Don’t Worry I’ll Make You Worry
11. House Tour
12. Goodbye

Podcast Revelación o timo: Sabrina Carpenter y otras portadas polémicas de la historia

Emilia / perfectas

La argentina Emilia es una de las potencias comerciales del momento en el ámbito del pop urbano. Su estilo es particularmente (hiper)femenino y nostálgico, como demuestra el título y concepto de su anterior álbum, ‘mp3‘, cuya portada era la imagen de un CD envuelto en plástico. ‘La Original’ y ‘No Se Ve’ se contaban entre los mayores éxitos de aquel álbum, y sus títulos estaban estilizados como si fueran archivos mp3.

‘perfectas’, el nuevo EP de Emilia, es un breve trabajo conceptual escrito en torno a las presiones que enfrentan las mujeres en la industria musical. Casi cada una de sus pistas representa un estereotipo diferente y recibe su emoji correspondiente. Y su portada alude a la del icónico debut de Britney Spears, símbolo del escrutinio mediático más extremo.

La crítica de Emilia a las expectativas sociales se subraya en los interludios de ‘perfectas’, que parodian de manera muy poco imaginativa anuncios de productos dirigidos a mujeres. La propia Emilia se objetifica a sí misma, por ejemplo, en ‘Yo misma’ («dame like, segúime, compartíme, editáme, consumíme»), pero la sátira es tan obvia que la crítica detrás de ella no termina de ser contundente, ni interesante.

Luego el disco sí esconde una crítica al consumismo y a la cultura de la moda desarrollado de manera divertida en ‘pasarella’ con Six Sex, un gracioso runway house que samplea a Locomia, o a la adicción a las redes sociales en el Miami bass de ‘servidora’, que contiene efectos de sonido inspirados en Missy Elliott. ‘perfectas’ -la canción titular- resuelve las tensiones del disco reivindicando la aceptación del cuerpo propio, aunque la baladesca composición suena anacrónica, desde luego no a esta época.

blackout‘ con TINI y Nicki Nicole, la típica producción mutante del urban actual, que pasa del merengue al funk y de ahí al house, es la mejor canción del EP. Aunque la sátira de su letra es inexistente, su pegadizo estribillo «Y yo me le pegué, y ella se me pegó, uoh-uoh-uoh-uoh» ha llevado la canción merecidamente a anotarse un Disco de Platino en España. ‘blackout’ sigue fuerte en listas.

El funk brasileño de ‘bunda’ con Luisa Sonza es otro buen número de ‘perfectas’. Su sintética producción, que incorpora efectos de espadas, destaca en el repertorio, y se agradece que la canción se comprometa con su patrón rítmico y que no salte de uno a otro de manera forzada. Menos convincente es el UK garage de ‘beautiful’, que confunde el concepto del EP: no se sabe si su letra es irónica o divertidamente vanidosa. Quizá es ambas cosas.

RFTW: Renée Rapp, Alizzz, Debby Friday, Burial…

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Este 1 de agosto tampoco llega cargado de lanzamientos discográficos largos, pero sí que se editan nuevos discos de Renée Rapp, Emilia, Debby Friday o los renovadores del shoegaze Wisp. Además, Hayley Williams lanza 17 singles, pero aunque suenan como un disco, y parecen un disco, no los llama disco. También hay EP de Sofia Kourtesis, en la foto.

La jornada es potente en lanzamientos sueltos, ya que hay nuevos singles de Chappell Roan, Demi Lovato y Alizzz, que alude a los fondos de inversión en ‘Callaíto’. Se suman a los estrenos de la semana de The Antlers, Nourished By Time, Suede o Animal Collective.

En cuanto a estrenos internacionales destacan novedades de Rema, Parcels, Slayyyter, Yves Tumor con Nina, Rauw Alejandro o Burial, que edita single doble. También hay nueva música de George Riley, Frost Children o póstumamente de Aaliyah, en el mes de su deceso. Las surcoreanas TWICE vuelven por partida doble, en solitario y en colaboración con Saweetie. Otra colaboración destacada es de Mariah the Scientist y Kali Uchis.

La música nacional recibe novedades de Mushkaa, The New Raemon, Paula Koops, Raúl Querido, Bea Pelea o Aarón Piper y, ampliando a habla hispana, también de Silvana Estrada o Rauw Alejandro. Todas estas novedades están disponibles en la playlist «Ready for the Weekend».

El show de Aitana no está construido para ser exhibido en estadio

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Los titulares del primer Metropolitano agotado de Aitana, el segundo en la gira de estadios de Metamorfosis Season, eran todo alabanzas. GQ incluso describió el sonido del concierto como “en su punto”. A menos que mis asientos, centrados y en palco, estuviesen malditos y que todo el equipo técnico haya cambiado radicalmente de un día a otro, esto está lejos de la realidad. Después de un año y pico de preparación para el esperado debut de Aitana en estadios, esperábamos un poco más.

Si algo es verdad es que los fans de la catalana son de lo mejor del panorama. Muy pocos artistas pueden hacer un concierto que recorra todas sus eras y recibir los cánticos del público en cada una de las letras. Esto no es una comparación con Taylor Swift, sino el concepto básico de Metamorfosis Season: un viaje en orden cronológico por todas las etapas de la carrera de Aitana hasta salir de la crisálida y convertirse en mariposa con ‘CUARTO AZUL’, aunque estas van y vienen durante todo el show. Es su disco más personal. Más ella. A pesar de esto, Aitana parece apreciar cada escalón del camino. “Para crecer, hay que cambiar”, sería el lema del concierto.

Un simple “hola, Madrid” es suficiente para provocar gritos ensordecedores, mientras que la reacción del público a ‘6 DE FEBRERO’ y ‘SUPERESTRELLA’, que inauguran el set, realmente te hace preguntarte que ocurrirá durante las siguientes. De ahí nos vamos al principio de todo, con ‘Teléfono’, ‘Popcorn’ y ‘Lo Malo’ sucediéndose sin interrupción. ‘CUARTO AZUL’ no tiene el protagonismo que me esperaba de antemano, representando exactamente ¼ del set (9 de 36 canciones son del LP). ¿Por qué tan pocas siendo un disco tan importante para ella? ¿Por qué dejaría fuera del set la canción titular? La respuesta la recibiría al final del concierto, pero en el momento me extrañó.

La calidad del sonido fue, desde el comienzo, el lastre principal de un show medido al milímetro (tanto que la propia artista comunicó que no podía pararse mucho a hablar por tema de tiempos), pero no lo suficiente. No puedo saber cómo se escuchaba desde la pista o desde las gradas laterales, pero, a falta de una explicación más técnica, lo que me llegaba era un manchurrón de sonido. Era igual que estar en el baño de una discoteca. Los fallos técnicos llevan atormentando a Aitana durante unos días, tanto en La Velada como en su debut en el Estadi Olímpic Lluís Companys el pasado 19 de julio, y ayer no fue distinto. La artista sí que supo mantener el tipo durante los instantes más cantosos, como en el repentino y estridente sonido al final de ‘Mon Amour’ y el mashup de ‘Girlfriend’ de Avril Lavigne y ‘Tu Foto del DNI’, en el que solamente se oía a las coristas a pesar de que Aitana parecía estar cantando por encima. Para algunos seguramente sea lo de menos, pero el sonido es lo único que te puede hacer conectar con el artista en un concierto en el que se manejan distancias tan grandes. Y yo iba dispuesto a emocionarme si hacía falta.

Aitana cuenta que las canciones “de llorar” siempre son sus favoritas, pero es difícil llorar con algo que no puedes ni siquiera identificar. Ella sí estuvo a punto de hacerlo tras la acogida de ‘Con la miel en los labios’, mientras que ‘Vas A Quedarte’ sigue siendo claramente una de las favoritas del público. Cuando Aitana da rienda suelta a su naturalidad, que no es tan a menudo, se le entiende a medias: “Sentía que os había fallado cambiando tantas veces la fecha”, cuenta en un momento dado. “No sé si volveré a hacer un estadio, aunque ojalá que sí”, adelantó. Incluso después de meternos en la era de ‘alpha’, en la que el show claramente mejora, era evidente que este mismo concierto en un recinto similar al Movistar Arena habría sido mucho más efectivo.

La idea de traer una banda completa para la sección de ‘11 RAZONES’ es maravillosa, pero no se disfruta como se debería. El show empieza a recuperarse con ‘MÚSICA EN EL CIELO’, uno de los temas más emocionantes de la carrera de Aitana. Es la que enciende las pulseras por primera vez, a la vez que una pareja de coristas armoniza de forma celestial. La artista aparece entre el público y el escaso acompañamiento hace que su voz cobre por un momento el protagonismo que merece. La era ‘alpha’, que se identificaría con la crisálida, es presentada con una mezcla muy disfrutona de ‘Gimmie! Gimmie! Gimmie!’, ‘Voulez-Vous’ y ‘Dancing Queen’, con fragmentos de ‘Dararí’ o ‘Las Babys’ intercalándose mientras el equipo de baile es presentado uno a uno en la pantalla como si de una sitcom se tratase.

Esta parte del concierto sí se siente como un espectáculo, aunque no llegue a ser espectacular. Es el momento festivo del set y así lo reflejan tanto la programación de las pulseras, colorida y dinámica en sus mosaicos, como la energía del público. También es la parte en la que entran en juego algunos de los recursos más icónicos de Aitana, como los pasos de baile prohibidos de ‘miamor’. La pasarela de modelos con vogue incluido al son de ‘What Is Love’ también eleva el concierto considerablemente. ‘En El Coche’ y ‘AQYNE’ me meten en el concierto y el sorpresón de Amaral, que interpretan ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’ junto a la catalana, es la guinda perfecta. Junto a Ela Taubert, el dúo zaragozano completaba la lista de invitados del jueves.

Es obvio que, a nivel de venta de entradas, Aitana no tiene de qué preocuparse. Sin embargo, todo lo demás sí se le ha quedado grande. El show de Metamorfosis Season no está construido para ser exhibido en un estadio y no pasa nada. Lo único que hace esto es que todo parezca más pequeño, incluso el escenario, que nunca resulta lleno del todo. A nivel de efectismos y pirotecnias, Aitana se lo guarda todo para el final, para cuando la gente ya se está levantando del asiento. El resto del show se conforma con humo y algún que otro láser. El colofón llega con el anuncio del ‘Cuarto Azul World Tour’, que pasará por ciudades como París, Milán, Londres, Bogotá, Miami, Nueva York o Los Ángeles. Lo único que esperamos es que el regreso a los estadios se retrase un poco más.

Hayley Williams lanza 17 singles sin juntarlos en un disco

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Hayley Williams de Paramore se ha sacado de la manga un nuevo disco en solitario. Aunque ella no lo llama disco sino «colección de canciones». De hecho, las 17 pistas están disponibles en Spotify en la sección de singles, pero no aparecen reunidas bajo un único título.

La «colección de canciones» estaba disponible originalmente a través de su página web, donde pueden descargarse estas 17 canciones nuevas. Para acceder a ellas, hay que comprarse el tinte EGO de su marca propia de tintes de pelo, que recibe el nombre de Good Dye Young.

Lo que parecía un mero truco de promocionar su compañía relacionada con la peluquería, una forma como cualquier otra de hacer dinero, como saben por ejemplo Rihanna y Selena Gomez, parece que se ha convertido de alguna forma en un disco de verdad, llamado así: ‘EGO’.

La nota de prensa oficial sí habla de «obra» total, aunque de momento estos 17 singles están solo disponibles de forma individual. Ellos «despliegan el registro completo de Hayley Williams», que va del rock alternativo de los 90 en ‘Mirtazapine’, una «carta de amor a los antidepresivos», al indie-rock alien de ‘Glum’, y que en ‘Whim’ explora sus raíces en Nashville. En ‘Ice In My OJ’, Williams recupera la melodía que cantó en ‘Jumping Inside’ (2004) de los Mammoth City Messengers.

A espera de que estas 17 canciones aparezcan ordenadas y secuenciadas de forma oficial, aunque quizá no lo hagan en absoluto, sus seguidores comentan en plazas como Popjustice que «Hayley Williams ha sacado de la nada uno de sus mejores discos y uno de los discos del año». El álbum incluye canciones acústicas, elementos lo-fi y otros cortes más pop, mientras el single apunta a ser un tema que ya había sido estrenado en vivo, junto a Bleachers, llamado ‘Mirtazapine’. El focus track de hoy es ‘Glum’.

Justin Timberlake padece la enfermedad de Lyme

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En los últimos días han circulado por redes sociales varios vídeos que muestran a Justin Timberlake actuando con aparente desgana y falta de entusiasmo, realizando movimientos poco enérgicos y dejando que el público cante las canciones por él.

Timberlake ha decidido romper el silencio revelando que padece la enfermedad de Lyme y que, durante el Forget Tomorrow World Tour, también ha enfrentado otros problemas de salud. En particular, el diagnóstico de Lyme le ayudó a entender por qué, sobre el escenario, experimentaba sensaciones como una «intensa carga de dolor nervioso» o una «fatiga extrema». Como explica Timberlake, vivir con Lyme «puede ser implacablemente debilitante, tanto mental como físicamente».

Timberlake cuenta que estudió la posibilidad de cancelar la gira, pero que decidió seguir adelante con ella porque la «alegría» de actuar para sus fans se sobreponía al «estrés» que su cuerpo pudiera sentir sobre el escenario. Además, Timberlake explica que ha decidido contar su situación para que sus actuales problemas de salud no se «malinterpreten», aludiendo a los vídeos virales.

La enfermedad de Lyme es una infección causada por una bacteria que se transmite al ser humano a través de la picadura de ciertas garrapatas. Se calcula que hay entre 1 y 2 millones de personas afectadas cada año. En el mundo del pop la padecen artistas como Justin Bieber, Shania Twain o Avril Lavigne.

Chappell Roan, entre Cranberries y Billy Joel en ‘The Subway’

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Más de un año después de estrenarla en directo, durante su concierto en el Governments Ball de Nueva York, además vestida de Estatua de la Libertad, aunque después ha seguido tocándola en todos sus conciertos, por ejemplo en la última edición de Primavera Sound, Chappell Roan ha lanzado la versión de estudio de ‘The Subway‘. Tras varios intentos de dar con la producción adecuada, junto a su mano derecha Dan Nigro, finalmente la ha logrado.

‘The Subway’ sigue alejando la propuesta de Chappell de los sintetizadores que dominaban su exitoso debut de 2023 y su único single de 2024, ‘Good Luck Babe’. ‘The Giver’, el single que Roan publicó en marzo, se entregaba al country, y ‘The Subway’ directamente parece una balada de pop-rock alternativo de los 90. Chappell siempre ha cantado un poco como Dolores O’Riordan de Cranberries y Alanis Morissette, y ‘The Subway’ por fin parece una canción de ambas artistas. Después, la melodía «she’s got away» parece extraída de ‘It Must Have Been Love’ de Roxette, aunque es una referencia directa a ‘She’s Got A Way’ de Billy Joel.

‘The Subway’ utiliza la metáfora del metro para narrar el proceso de superación de una ruptura. En este caso, el metro de Nueva York -donde se ha rodado su videoclip- simboliza una relación que Chappell asocia a esta ciudad en concreto, y cuyo recuerdo le persigue cuando pasea por sus calles. Roan intenta superarlo, pero todavía no ha llegado a esa estación. Se da cuatro meses y, si no, canta, con humor, que se mudará a Canadá. «Cuento los días hasta que seas otra chica en el metro» es el lema de esta emotiva canción que se anota un gran crescendo gracias a la NOTA FINAL de Chappell. El tren marcha, por fin, hacia la felicidad.

¿Qué opinas de The Subway de Chappell Roan?

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Demi Lovato también es un poco ‘brat’ en ‘Fast’

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Como había prometido, Demi Lovato ha estrenado este viernes nuevo single, ‘Fast’. La canción representa el regreso al pop de la cantante estadounidense después del lanzamiento de ‘HOLY FVCK’ en 2022, con el que adoptaba un sonido más cercano al rock.

La artista ha estado poniendo los dientes largos a su público durante semanas, dando pistas sobre un regreso al dance pop con tintes de EDM. ‘Fast’ evidencia que Demi ha estudiado los pasos de Charli xcx y Troye Sivan para esta nueva etapa. De hecho, está producida por Zhone, productor de ‘Rush‘ y del remix de ‘Talk Talk‘.

‘Fast’ contiene elementos de latin house que recuerdan a ‘Rush’, y otros de club, house y EDM que certifican la influencia de ‘brat’ en el pop actual. El elemento distintivo, en ‘Fast’, por supuesto es la voz de Demi, que en ‘Fast’ despliega su fuerza, pero sin sobreponerse a la producción. Al menos, hasta el cambio de beat en la segunda parte de la canción.

¿Convence el salto de Demi a la música de club? Solo en parte. El estribillo «Quiero ir rápido / Quiero ir a tope / Quiero ir a cualquier sitio, a cualquier sitio que estés tú» está bien, pero no es una revelación, y la producción de Zhone recuerda demasiado a otras cosas. ‘Fast’ termina pareciendo una recreación superficial de un sonido más que una reinvención convincente.

‘Rush’ y ‘brat’ funcionaban porque respondían naturalmente a la personalidad de sus autores. ‘Fats’ intenta captar su magia, pero no hay alma detrás, solo una voz potente subiéndose a un sonido de moda.

¿Qué te parece 'Fast' de Demi Lovato?

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Kendrick Lamar y SZA en Barcelona: descompensados, pero no revueltos

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Cassidy Meyers

Ver a Kendrick Lamar en España es una rareza. Sobreviví por los pelos a su concierto en París hace tres años, pero mereció totalmente la pena. El rapero californiano, considerado por muchos el mejor de la historia y consolidado como el rey en lo que llevamos de siglo, nunca ha hecho una gira titular en nuestro país. Esta vez, tampoco viene solo. De hecho, lo de SZA es todavía más inusual, siendo esta la segunda vez que pisa España en toda su carrera (la primera fue el Primavera Sound del año pasado). Dos titanes de la industria estadounidense se han juntado para llevar a cabo la que ya es la gira conjunta más lucrativa de la historia, por encima de la de Jay-Z y Beyoncé en 2018, y el resultado está a la altura de las expectativas.

Después de un ecléctico set de calentamiento de DJ Mustard, que podía pasar del ‘I Don’t Fuck With You’ de Big Sean a un ‘Tití Me Preguntó’ o un ‘We Found Love’, llegó la primera aparición de Lamar. Este empezó a rapear ‘wacced out murals’ dentro de un Buick Grand National negro mientras las llamas, la pirotecnia y los flashes se sucedían aún con el sol brillando sobre Barcelona. Es innegable que el beef con Drake ha servido para llevar la carrera de Lamar al siguiente nivel. ¿Cuántos fans post ‘Not Like Us’ había en el Lluis Companys? Menos de los que pensabas, seguramente. Aunque el disco protagonista del set de Kendrick fue ‘GNX’, los clásicos siguieron siendo las canciones más celebradas. Esto, a pesar de que la mayoría de ellos fueron acortados por tema de tiempo. En esta primera parte ‘King Kunta’ y ‘ELEMENT’ se sucedieron con rapidez, pero se pudieron disfrutar. Más adelante, los arreglos góspel de ‘m.A.A.d. city’ sabotearon decenas de pogos.

Greg Noire / pgLang

El concierto funciona a través de secciones muy claras, sumamente equilibradas en un 50/50 y que ganan duración según avanza el evento. Ninguno de los dos artistas es protagonista, aunque claramente Kendrick es el que lleva la voz cantante, irónicamente. La primera aparición de SZA sí se siente como un corte en la energía del ambiente, viniendo de la furiosa ‘tv off’. De ahí pasamos a ’30 for 30’, la primera colaboración del set, y tres canciones de SZA tan preciosas como chocantemente relajantes: ‘Broken Clocks’, ‘Love Galore’ y ‘The Weeknd’. Durante el resto del show, esto está mucho mejor llevado y fluye a la perfección. En este punto no quedaba tan claro, pero ya había pistas sobre lo diferente que iban a ser ambos sets. La primera era la decoración del Grand National en el que sale montada SZA, lleno de hiedras y pequeñas plantas, como si el tiempo hubiese pasado por él de forma feroz. Al final de la velada, se sentía como haber visto dos conciertos totalmente diferentes en uno. Y hasta cierto punto, descompensados.

Si Kendrick es el fuego, SZA es el agua. Quizás, el dragón y la mariposa sería la metáfora más acertada, aunque parece que la cantante estadounidense se identificaría más con una mantis religiosa. No solo por todas las veces que este insecto apareció en los visuales, sino también por eso de cortarle la cabeza a su pareja. ‘Kill Bill’ es un poco eso, ¿no? En cualquier caso, la fantasía insectil que se montó SZA fue de lo más espectacular del concierto, superando por mucho el ‘walking simulator’ de Lamar. Ambos compartieron el escenario con un fantástico equipo de baile y tenían a su disposición un arsenal interminable de fuegos artificiales. Sin embargo, SZA sabe que sus canciones no tienen tanta pegada como las del rapero de Compton, por lo que tiene que elevar el show a otro nivel montándose en una hormiga gigante que a la vez imita una motocicleta durante ‘Kitchen’ o literalmente volando por los aires como si la transformación a mariposa se hubiese completado. El típico caso de desigualdad entre lo que se le exige a los hombres y a las mujeres.

Cassidy Meyers

Eso sí, el magnetismo y ‘star power’ de Kendrick Lamar es innegable. Él es el primero que divide la pantalla gigante para revelar que el escenario es todavía más grande de lo que pensábamos. La frase “Don’t tell lies about me and i won’t tell truths about you” anticipa la llegada de ‘euphoria’, la primera referencia al beef con Drake que hay en el show. Es un despliegue de medios absoluto. Ya es impresionante que la mayoría de la gente se sepa esta canción, con todo el estadio cantando al unísono las partes más memorables (“What is it? The braids?”), pero además el nivel de pirotecnia es totalmente impresionante. Hay un momento en el que Kendrick está en la punta del escenario y detrás de el siguen explotando cosas. Tu cerebro no sabe a qué prestar atención. Por otro lado, ‘Not Like Us’ se siente como el clímax absoluto del show.

No dejaré de repetirlo: ¿Cómo puede ser que una canción que llama directamente pedófilo al artista comercial más grande del siglo sea tan amada en todo el mundo? Es surrealista escuchar a un estadio de 48.000 personas corear la frase “¡Certified pedophile!”. Otros guiños a Drake incluyen la canción ‘Poetic Justice’, en la que obviamente cortan el verso del canadiense, y ‘Rich Baby Daddy’, que directamente es una canción suya y seguramente la que más sobra del set. SZA canta abiertamente la frase “shake that ass for Drake” y no sé que pensar sobre ello.

Cuando están juntos, es cuando la magia ocurre de verdad. Son dos inmensos artistas en el mejor momento de sus respectivas carreras y se nota. Durante la impresionante interpretación de ‘All The Stars’, en las que ambos son elevados hasta el cielo y rodeados de un mar de luces, casi me sentía aturdido por las superestrellas que tenía delante. Hay que recalcar que, exceptuando algunos momentos de verdadera intensidad en lo que a moshpits se refiere, es un show hecho para todos los públicos que, por definición, tiene algo para todo el mundo. El resultado total es la mezcla perfecta de lo que representan ambos artistas. La intensidad de Kendrick se recibe mucho mejor gracias a los momentos de calma de SZA y la perfección pop de esta resulta todavía más dulce al lado del belicismo innato de Lamar. ¿Descompensados? Sí. ¿Inmensos? También.

Cassidy Meyers

Nine Inch Nails cambian de batería y entregan un banger para ‘Tron’

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Semanas después de encabezar el Mad Cool de Madrid, Nine Inch Nails anuncia un cambio de batería. El intercambio se produce con otra conocida banda de rock, Foo Fighters: Ilan Rubin, actual batería de Nine Inch Nails, pasará a tocar con Foo Fighters, mientras que Josh Freese, quien fue despedido de Foo Fighters en mayo, se unirá a las giras de Nine Inch Nails. No es la primera vez Freese toca la batería en Nine Inch Nails: lo hizo primero desde 2005 a 2008.

Por otro lado, Nine Inch Nails ha presentado nueva música estos días, un tema llamado ‘As Alive As You Need Me To Be’ que lleva ya casi 2 millones y medio de streams en Spotify, una cifra bastante alta para tratarse de un single nuevo de la banda de Trent Reznor y Atticus Ross.

‘As Alive As You Need Me To Be’ es el primer single de la banda sonora de ‘Tron: Ares’, la tercera entrega de la saga ‘Tron’ (la primera se estrenó en 1982 con banda sonora de Wendy Carlos; la segunda, en 2010 con banda sonora de Daft Punk). ‘As Alive As You Need Me To Be’ es la primera canción oficial de Nine Inch Nails desde 2021, aunque Reznor y Ross no se cansan de trabajar juntos y, en los últimos años, han compuesto varias bandas sonoras al margen del grupo que los une, por ejemplo las de dos aclamadas películas de 2024, ‘Challengers’ y ‘Queer’.

‘As Alive As You Need Me To Be’ puede ser también el banger más evidente de Nine Inch Nails en mucho tiempo. No es que singles recientes como ‘God Break Down the Door’ estuvieran nada mal, pero en ‘As Alive As You Need Me To Be’ la fórmula sonora clásica de Nine Inch Nails funciona a las mil maravillas y suena revitalizada. Parte del mérito está en esa base de synth-pop industrial que golpea con fuerza, pero también en la intensidad emocional del estribillo, donde Reznor suplica con fiereza: “dame algo en lo que creer”. Una combinación explosiva.

Parece que Nine Inch Nails han encontrado inspiración en el concepto de ‘Tron’. En una entrevista, Reznor explica la creación de ‘As Alive As You Need Me to Be’: «Pasamos mucho tiempo reflexionando sobre los matices de lo que ocurre en la historia. El concepto de vida artificial impregnada de sentimientos, emociones y una sensación de cuestionar su propósito y su reemplazabilidad, su falta de alma, en cierto modo». Desde esta premisa, su música suena más viva que nunca.