Azuleja es una cantante, coreógrafa y bailarina que mezcla influencias del pop, el hip-hop y el trap con samples de found sound y un punto cómico en letras e interpretación. No en vano, su álbum debut se apropia del término ‘C.R.I.N.G.E’ porque muchos son los momentos de este disco en que la madrileña Hajar Kaddouri Boudib se desinhibe a nivel emocional y musical.
Ahí está la pista titular, que parte de la épica sinfónica de ‘Viva la Vida’ para convertirse en una actuación de cheerleader venida de la nada. O ‘BIGFOOT’, que sobre una base de trap vierte todo tipo de sonidos y efectos. O ‘Cachonda’, que no es la típica balada a la guitarra. En absoluto.
‘C.R.I.N.G.E’ le da a la prom ballad ‘Caníbal’ o al drum n’ bass de ‘PIVONACCI’, pero en todos los casos exhibe una creatividad fuera de la norma, casi outsider. Azuleja colabora, de manera significativa, con el productor Roy Borland, y las 14 canciones de ‘C.R.I.N.G.E’ depositan todas las majaderías sonoras que se les pueden haber ocurrido, y más allá.
Roy Borland y Azuleja ya trabajaron juntos en ‘Mun’, un interesante single editado por Sony Music. Aunque su relación viene de atrás: ambos forman parte del estudio El Royale junto a Yero G y Teo Planell, quien ha dirigido el videoclip de ‘BIGFOOT’, la Canción Del Día de hoy.
‘BIGFOOT’ es una locura de susurros, trap beats, americanismos («come here and touch my body», «I’m getting really naughty», «you bitch»), voces manipuladas hasta lo irreconocible y efectos de flauta que llega a su punto álgido cuando Azuleja convierte la canción de repente en su propia clase de fitness. El videoclip, claro, es igual de imaginativo.
Azuleja presenta ‘C.R.I.N.G.E.’ próximamente en Madrid, como telonera de Mainline Magic Orchestra en la Sala Copérnico. Es el 14 de febrero.
Conoces a Marcelo Pantani por sus sesiones en lugares como Nitsa, Razzmatazz, Club Malasaña (Madrid), Paradiso (Ibiza) o Primavera Weekender. El DJ y productor ha publicado este fin de semana semana un tema llamado ‘Modern Cycling’, una producción más trance que va exactamente a 148bpm, aún emparentada con otras producciones suyas como ‘La Vita È Una Vacanza’, que era una especie de italodisco dark.
Haciendo honor a su nombre artístico y al título de este nuevo single, Marcelo Pantani ha decidido hablarnos de ciclismo en este nuevo capítulo de Meister of the Week, nuestra sección comisariada por Jägermusic. Y ojo, no quiere hablarnos de ciclismo a la antigua usanza, sino de una nueva visión que incluye moda y una estética más cuidada.
¿Por qué has escogido hablar de ciclismo en esta sección?
Porque me apasiona y me gustaba la idea de dar a conocer una visión diferente al concepto que creo mucha gente tiene, sustentado en la cultura popular y los iconos de hace igual ya 30 ó 40 años. Además, es algo que forma parte de mi identidad como artista; en mi proyecto hago muchas referencias a este mundo.
¿Desde cuándo viene exactamente tu afición? ¿Qué edad podías tener la primera vez que te interesaste y cómo fue aquello?
Viene por mi padre, quien siempre ha practicado ciclismo, y recuerdo ir con él ya de niño a sus carreras, ver ciclismo con él en la televisión… Yo había competido en BTT de niño, pero muy random, no sabía ni por qué lo hacía, era como inercia porque me llevaba mi padre. No me apasionaba entonces, pero tampoco me desagradaba. Luego lo dejé cuando me enamoré del skate, su mundo y su cultura… donde estuve metido mucho tiempo.
¿Cómo volviste después?
Fue en 2017, cuando adopté mi nombre artístico “Marcelo Pantani” en homenaje a Marco Pantani. Ni siquiera me estaba interesando el ciclismo, pero había en mí algo interior ya. En ese momento era solo una inspiración, una línea de la que tirar para el storytelling de mi personaje. Fue más tarde, en 2019, cuando de repente empecé a obsesionarme con ese deporte.
Defiendes una visión moderna del ciclismo, ¿en qué consiste?
Pues sí, justo fue eso lo que me atrajo. Como te he dicho, yo venía del patín, donde, además del deporte en sí, hay mucha vinculación a todo lo estético y cultural. La ropa, los códigos, la música, la relación con el diseño, con la fotografía… Y justamente en el mundo del ciclismo en los últimos 6-8 años ha habido un cambio muy heavy en esta dirección. Veníamos de un deporte que estéticamente era bastante “feo”; la ropa y los accesorios estaban diseñados bajo
unos criterios más puramente funcionales, aerodinámicos, vistosos… y era más, simplemente, “una actividad física”. El ciclismo moderno va muy, muy ligado a la estética, el diseño y los elementos culturales que lo rodean. Eso ha sido el motor de cambio hacia esta nueva visión moderna. Como te he dicho, me recuerda muchísimo al boom del skate de hace 20 años.
¿Qué es lo que no te gusta de la vieja escuela?
Vestirse como una bolsa de Lacasitos con 28 colores fosforitos diferentes que te provoca epilepsia.
Dices que el ciclismo moderno va muy ligado a la estética, al diseño y los elementos culturales que lo rodean. ¿Nos puedes dar ejemplos de cosas estéticas que te gusten, bien sean, páginas de Instagram, marcas, referentes, uso en videoclips o algo así?
Sí, claro, por ejemplo para el Giro de 2020 y el Tour 2022 el equipo Education First, que viste ropa Rapha, hizo una colaboración con Palace Skateboards para diseñar toda la equipación tanto de los ciclistas como del staff, sacando unos diseños que rompían absolutamente con lo habitual. Rapha es una de las marcas pioneras en darle este valor estético a la ropa de ciclismo, y juntarse con Palace, que es como una marca muy fetiche del mundo del patín, fue una bomba. La verdad, era bastante risa escuchar a los comentaristas clásicos de TVE, señores de 60 años, que no entendían nada…
Luego, hay diseñadores haciendo muy buen trabajo como César Villalba, colaborando con distintas marcas, o Gregory Thorne con MAAP. La gente de Rose Racing Circle o Tekkerz son ejemplos de equipos con una filosofía más forward thinking y apostando mucho por la estética. Pas Normal Studios, un buen ejemplo a nivel creación de comunidad con su International Cycling Club, del que emanan figuras como Elias Gozal, quien también es un DJ increíble, o Jimbo Safi, con su manera de interpretar la cultura del ciclismo, toda una inspiración. Elliot con su videoblog @vc.letsgetit es un ejemplo también a nivel creación de contenido audiovisual. Por nombrar solo algunas ideas, seguro me dejo mil cosas más que me molan.
¿Por qué es tan emocionante el ciclismo, tú crees?
Es jodidamente emocionante, yo he llorado viendo ciclismo. Esto es importante: la gente cree que la movida va de 150 tíos durante 200 km intentando llegar el primero, pero no tiene nada que ver con eso. Es un deporte muy estratégico; una carrera ciclista es como una partida de ajedrez. Se corre en equipos, donde cada equipo lleva un líder que es el que igual opta a ganar.
El resto está “trabajando” para ese líder, protegiéndolo del viento, cerrando ataques de equipos contrincantes… Depende del tipo de carrera; hay muchos intereses simultáneos aparte de ganar la carrera. Las estrategias de equipo, cómo se despliegan y cómo las situaciones de carrera obligan a cambiar estas estrategias es lo que lo hace emocionante de ver, pero es un deporte complejo en el que hay que saber leer lo que sucede.
No es tan entretenido de ver para el ojo poco entrenado como puede ser motociclismo, por ejemplo. Luego, aparte, es
tremendamente apasionante la épica de este deporte. Es uno de los deportes de ultraresistencia más heavy, se pone el cuerpo al límite y algunos logros, y las historias tras ellos, son emocionantes.
La primera vez que vi una sesión tuya con todas las bicis tipo clase de spinning, flipé en colores. Fue en Primavera Weekender. ¿Cómo surgió esa idea?
Sí, haha, fue brutal. En el Primavera Weekender hemos estado 3 años curando un escenario con mis amiguis de Mainline Magic Orchestra. Es un escenario donde siempre intentamos ofrecer shows fuera de lo común, un poco en la línea surrealista del festival (tiene lugar en un resort temático medieval). Entonces se me ocurrió que, como el rollo que pincho, así enérgico y rápido, puede encajar muy bien en una clase de spinning, tenía todo el sentido montar un DJ
set donde yo pinchara mientras daba una clase de spinning. Nunca lo había hecho, ninguna de las dos cosas (risas).
¿Es muy cara de desarrollar, mudar todas esas bicis estáticas? ¿Hay que alquilarlas y transportarlas, no?
Fue increíble: teníamos 20 bicis estáticas, la gente iba rotando y tal, pero hubo una serie de hooligans en el frontline que se hicieron los 80 minutos de sesión pedaleando. Hubo que alquilarlas a un gimnasio, que estaban flipando porque no entendían nada. Nos hicieron firmar una fianza de la hostia… pero bueno, gracias a Primavera Sound por patrocinar siempre todas nuestras ideas más bizarras.
No es la primera vez que Gracie Abrams actúa en Madrid. En octubre de 2023, The Good Riddance Tour descubrió la ternura y sencillez de la cantautora al público español. Ese concierto se dio en La Sala del Wizink Center (ahora Movistar Arena), a pesar de que Abrams ya había aparecido en The Eras Tour. La llegada de 2024 lo cambió todo para ella: nuevo disco, nuevo éxito, nuevo setlist para los conciertos de Taylor Swift y nueva gira en solitario.
Qué buen recuerdo le tuvo que quedar a la estadounidense de la capital española para elegirla como primera parada de la etapa europea. Y cómo la hemos echado de menos aquí para ser la única ciudad con doble fecha. El reducido aforo de La Sala es solo una fracción de las 17.000 personas ante las que ha tocado Abrams en Vistalegre durante estas dos jornadas. La inmensa mayoría, niñas y chicas jóvenes. Además, un sector específico. El público de Abrams recibe ‘we can’t be friends’ como una fiesta total, pero el remix de ‘Girl, so confusing’ no lo canta ni Dios.
La experiencia de The Secret of Us Tour puede ser similar a la de The Eras Tour, pero a mucha menor escala. Los brazaletes de la amistad aquí se cambian por los lazos en el pelo, que abundan entre las asistentes. Hay una canción sorpresa que cambia en cada concierto y, definitivamente, muchas veces la música se siente como el lado B del cancionero de Taylor Swift. Sin embargo, sigue siendo una experiencia disfrutable porque Abrams gana en los pequeños detalles, que a veces son los más importantes.
Para ser la primera gira de anfiteatros de la artista, el escenario, amplio y adornado con un ventanal falso, esconde muchos secretos: una iluminación siempre cambiante y sorprendente, destellos, centelleos… Todo evoca al brillo y al esplendor. Esto se notó especialmente durante ‘Normal Thing’, cuya coordinación lumínica y dramatismo (Abrams terminó arrodillada) recordaron a las «estrellas de cine» de las que habla la canción.
El gran momento de atrezo del espectáculo llega cuando aparece la cama de la estadounidense entre el público. «Bienvenidos a mi cuarto», exclama la artista tras desvelar una réplica exacta de su habitación de toda la vida, con su mesita y lámpara de noche. «Aquí he escrito todas mis canciones», cuenta. Se trata de un emotivo instante acústico a piano y guitarra en el que suenan ‘Feels Like’ (el sábado fue ‘Mean It’), ‘Cool’ y ‘I miss you, I’m sorry’. Es un momentazo, pero ahora solo puedo pensar en la persona que le pasó una cámara a Gracie para inmortalizarlo y se encontró con que tenía la memoria llena.
Gabriella Hughes
‘us’ y ‘Free Now’, con el público descontrolado, terminaron de remontar lo que había sido un show con bastante ritmo antes de que la sobredosis de baladas pudiese con él. En algún momento, alrededor de la mitad del concierto, se suceden tantas seguidas que roza el aburrimiento. Aun así, miro a mi alrededor y encuentro personas saltando. Igual es que el problema soy yo. A la preciosa ‘Friend’ y a ‘Gave You I Gave You I’, que iluminó todo el recinto, sí las salvaría.
Lo bien que se desenvuelve la cantante en el escenario, con una confianza total, ya sea con la guitarra, sin ella, al piano o tirada en el suelo, es admirable. Sobre todo, cómo se comunica con su público. Da la sensación de que les canta a ellas y ellos directamente. De tú a tú. Después de admitir que se siente «honrada por compartir el escenario» con Dora Jar, Gracie recuerda a sus fans que este se trata de un «lugar seguro para juntarse y sentirlo todo».
Abrams irradia naturalidad y cercanía. Se ríe mientras canta al leer un cartel en el público, regala una reverencia al guitarrista cuando es el momento del solo, habla con los asistentes constantemente y se deja ver como una persona normal que mantiene un álbum de recortes. Alguien quizás colecciona recortes con su cara. Ella, los dibujos y cartas de sus fans: «Las leo y lloro», confiesa. Quizás ese es el secreto mejor guardado de Gracie Abrams: hacer que te veas a ti en el escenario.
Kanye West ha vuelto a llamar la atención del mundo posteando una serie de mensajes ofensivos en su cuenta de X, algunos abiertamente antisemitas, como «soy un nazi, y ahora qué» o «amo a Hitler». Todos ellos escritos siempre en letra mayúscula, con intención provocativa.
En otros tuits, West -que ahora se hace llamar ye- ha afirmado que «todas las personas blancas son racistas» y ha acusado a las «personas judías» de utilizar a Kendrick Lamar. Además, ha señalado a Taylor Swift por supuestamente aparecer cantando ‘Not Like Us’ durante la Super Bowl. Para West, esta imagen es una afrenta a la «cultura negra» y, la canción, un peligro para la carrera de Drake, al que no nombra directamente.
Pero West también ha salido en defensa de una persona: Diddy. Ha pedido su libertad, mientras Sean Combs permanece encerrado en prisión, acusado de múltiples violaciones y abusos.
West, finalmente, ha desactivado su cuenta de X, no sin antes agradecer a Elon Musk haberle permitido «desahogarse» en esta red social. «Ha sido muy catártico usar el mundo como caja de resonancia. Fue como un viaje de ayahuasca», ha señalado el rapero. No está claro si West ha abandonado X de nuevo por motivación propia, o sugerido por el magnate sudafricano.
West ha sido noticia últimamente por varios motivos. En primer lugar, su aparición en la alfombra roja de los Grammy ha dado mucho de qué hablar. O, mejor dicho, la de su esposa, Bianca Censori, quien se presentó al evento prácticamente desnuda. En declaraciones posteriores, West afirmó ejercer «dominio» sobre su esposa a través del dinero, dando a entender que Censori acepta esta dinámica de poder.
En segundo lugar, West ha declarado en un podcast haber sido diagnosticado de autismo, señalando que su trastorno bipolar ha sido un diagnóstico erróneo.
Melody ha sido una de las protagonistas inesperadas de la última edición de los Goya al aterrorizar la alfombra roja cantando sin parar ‘Esa diva‘ a todo periodista que se cruzaba en su camino. Ahora, tiene un nuevo éxito que celebrar.
‘Esa diva’ valiente, poderosa, además entra por primera vez en la lista de Singles España, en el puesto 29. No es un dato excelente para una canción ganadora de Benidorm Fest, pues ‘Zorra’ ascendió al puesto 5 tras ganar el certamen por estas mismas fechas (aunque el tema ya había entrado en lista previamente). ‘Esa diva’ no está acaparando el debate social como logró el himno de Nebulossa, pero, al menos, en los Goya se ha anotado un momento meme. En Spotify España, ‘Esa diva’ se mantiene en el 66, es decir, ni sube disparado, ni se desploma. Parece que esta será la tendencia de la canción. Después de Eurovisión, quién sabe.
Bad Bunny sigue dominando la lista de singles de España, para sorpresa de nadie. ‘NUEVAYOL‘, en concreto, continúa pegada al número 1 por segunda semana consecutiva. Eso sí, ahora, Yorghaki y Alleh comen terreno a Benito con ‘Capaz (Merenguetón)’, que sube al 2 (el tema ya había sido número 1).
La subida más fuerte de la semana en la lista de singles española se la anota Benson Boone con ‘Beautiful Things’, que sube del 99 al 62 tras su presentación en los Grammy. El gran éxito de Benson Boone ya había sido top 14 en España.
En el 44 abre el single ‘Cruz’ de Trueno y Feid. Es un simpático funky medio rapeado medio cantado que ya supera los 11 millones de streamings en Spotify.
El resto de entradas son aún más tímidas. Entre las que más nos interesan, Lady Gaga coloca ‘Abracadabra‘ en el puesto 52. El dato es ligeramente mejor que el de ‘Disease’, que no pasó del 58. ‘Abracadabra’ ya es un hit global, y seguramente este no será su peak en España.
Tampoco hay grandes noticias para The Weeknd: aunque el canadiense coloca su disco, ‘Hurry Up Tomorrow‘, en el top 4 de álbumes, la cosa es diferente en cuanto a singles. ‘Cry for Me’ rasca un puesto 76 en España, siendo el único de The Weeknd presente en todo el top 100 español. Ningún single realmente está moviendo el disco a nivel global, lo cual tiene mérito, pues este sexto LP de Abel Tesfaye acaba de dar al artista la mejor «opening week» de su carrera.
Finalmente, Amaia: como comentamos en el repaso a la tabla de Discos España, ‘Si abro los ojos no es real‘ es top 3 en España, y dos de sus temas individuales se cuelan en la lista de singles: ‘M.A.P.S.‘ entra en el 64 y ‘Auxiliar’ en el 79. Además, ‘Tengo un pensamiento‘ se mantiene en el 60.
El top 10 de Discos España se renueva sustancialmente, aunque sin novedades en el número 1 de la lista, que sigue liderada por Bad Bunny. En el 2 entra directa Chiara Oliver -exconcursante de Operación Triunfo 2023- con su segundo EP, ‘La última página’. Esto significa que Chiara ha vendido más que Amaia y The Weeknd en España, al menos, de momento. Oliver sabe lo que es desplomarse de todo el top 100 de discos después de 4 semanas, así que está por ver cómo aguanta este nuevo lanzamiento.
Amaia coloca en el número 3 su tercer disco, ‘Si abro los ojos no es real‘, continuando el descenso secuencial de su discografía: su segundo disco, ‘Cuando no sé quién soy‘, entró en el 2, y su primer disco, ‘Pero no pasa nada‘, entró en el 1. Amaia coloca dos temas en la lista de singles, ‘M.A.P.S‘ (64) y ‘Auxiliar’ (79), y mantiene el single ‘Tengo un pensamiento‘ (60).
The Weeknd ha arrasado en Estados Unidos y Reino Unido con su nuevo disco, ‘Hurry Up Tomorrow‘, que se está promocionando como la despedida de The Weeknd, y está disponible en una variedad de formatos. En España, ‘Hurry Up Tomorrow’ abre en el puesto 4. El dato es ligeramente inferior a los obtenidos por ‘DAWN fm‘, que fue top 2, y ‘After Hours‘, que fue top 3, aunque mantiene la buena tendencia de estos últimos lanzamientos. Ni ‘Starboy‘ (39) ni ‘Beauty Behind the Madness‘ (23) lograron posiciones tan altas, en una época en que Promusicae todavía no había fusionado las listas de ventas físicas y streaming.
Otra novedad dentro del top 10 la protagoniza el rapero Gloosito con la entrada, en el puesto 5, de su disco ‘EUROSLiME ’. Gloosito, rapero y productor de Collado Villalba, Madrid, ya había colocado su disco ‘Global’ en el puesto 48, en 2022, y su proyecto ‘S.U.V.’ en el 28, en 2024. Con ‘EUROSLiME ’, Gloosito evidentemente logra su mejor posición histórica.
Y todavía no hemos acabado con el top 10: la última entrada la firma otra estrella del rap nacional, Recycled J, que coloca su ambicioso álbum doble, ‘San Jorge’, en el puesto 7. Jorge Escorial Moreno tampoco se aleja de su tendencia reciente, pues ‘Casanova‘ había sido top 6 en 2024.
Otras entradas en lista son ‘Hotel Morgan’ de Morgan en el 32, ‘The World of Hans Zimmer – Part II: A New Dimension’ en el 42 y ‘The Summer Portraits’ de Ludovico Einaudi en el 75.
Finalmente, hay que comentar dos entradas propiciadas por la última edición de los Grammy. Beyoncé, ganadora del Álbum del año, reaparece en lista con ‘Cowboy Carter‘, en el número 76 (el disco entró en el número 1 de «ventas» en su primera semana). Y Doechii, a punto de convertirse en la rapera de moda, aparece por primera vez en la lista de álbumes española con su mixtape, ‘Alligator Bites Never Heal‘, ganador del Grammy a Mejor álbum de rap. El disco abre en el 88.
Kendrick Lamar y SZA traerán su gira conjunta, el Grand National Tour, al Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona el miércoles 30 de julio. Será la única fecha de la gira en España, que, en su tramo europeo, visitará un total de 13 ciudades este verano.
Las entradas para el Grand National Tour en Barcelona se ponen a la venta el próximo 14 de febrero a las 9 horas en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, y se abrirán dos preventas los días 12 y 13 de febrero, también a las 9 horas.
Kendrick Lamar ha sido el gran protagonista del intermedio de la Super Bowl, celebrado este domingo. SZA, su compañera de sello y colaboradora musical, ha sido la única artista musical invitada al show. Juntos han cantado sus éxitos ‘Luther‘ y ‘All the Stars’.
En el Grand National Tour, Lamar presenta su último disco, ‘GRX‘, y SZA el suyo, una reedición de ‘SOS’ titulada ‘SOS Deluxe: LANA‘ que esta noche se ha ampliado con cuatro cortes adicionales. Kendrick colabora en el disco de ella, y ella en el de él.
Por otro lado, no es la primera vez que Lamar y SZA actúan en España. A Lamar se le pudo ver en 2023 en Primavera Sound Madrid o antes en el Cruïlla. A SZA, el año pasado, en el Primavera de Barcelona.
GRAND NATIONAL TOUR, EN EUROPA:
Jul 02 – Colonia, Alemania – RheinEnergieSTADION
Jul 04 – Frankfurt, Alemania – Deutsche Bank Park
Jul 08 – Glasgow, UK – Hampden Park
Jul 10 – Birmingham, UK – Villa Park
Jul 13 – Amsterdam, Países Bajos – Johan Cruijff ArenA
Jul 15 – París, Francia – La Défense Arena
Jul 19 – Cardiff, UK – Principality Stadium
Jul 22 – Londres, UK – Tottenham Hotspur Stadium
Jul 27 – Lisboa, Portugal – Estadio do Restelo Jul 30 – Barcelona, España – Estadi Olímpic Lluís Companys
Ago 02 – Roma, Italia – Stadio Olimpico
Ago 06 – Varsovia, Polonia – PGE Narodowy
Ago 09 – Estocolmo, Suecia – 3Arena
La Super Bowl de este domingo 9 de febrero se ha saldado con una actuación histórica de Kendrick Lamar durante el famoso «Halftime Show». Pero Lamar no ha sido el único protagonista de la velada celebrada en Nueva Orleans. También ha dado de qué hablar Taylor Swift, que asistió al evento para ver jugar a su pareja, Travis Kelce. Y fue abucheada.
La cuenta de fans TheSwiftSociety comparte el vídeo del momento en que las cámaras del recinto del Caesars Superdome graban a Swift sentada en las gradas y el público empieza a rugir en abucheos. La cara de Swift, que progresivamente va percatándose de la situación, es un poema. No le queda otra que sonreír incómodamente, hasta que el griterío termine. A su lado mantiene a sus amigas y colaboradoras Ice Spice, a la derecha, y las tres hermanas de HAIM, a la izquierda.
Donald Trump, que estaba en el evento, se ha atribuido el abucheo. En concreto, a sus fans, de los que dice que «MAGA no perdona». En su línea, avivando el odio. En redes sociales, el ahora presidente de Estados Unidos ya había expresado su «odio a Taylor Swift» después de que la autora de ‘The Tortured Poets Department‘ comunicara su apoyo a Kamala Harris. Por si fuera poco, la jornada acabó en derrota para Kelce, pues los Chiefs perdieron contra los Eagles.
Trump puede ser ese tema en que Swift y Kelce no concuerden. Swift es evidentemente anti-Trump, y Kelce… ha celebrado públicamente la visita de Trump a la Super Bowl. «Es un gran honor» fueron sus palabras, pronunciadas hace pocos días.
Swift vuelve a ser protagonista de la Super Bowl, un año después de su comentada visita al partido de 2024, cuando dejó unas imágenes de ella besando a Travis Kelce que circularon por redes y noticiarios de todo el globo. Entonces, Swift descansaba del Eras Tour: la gira más exitosa de la historia finalizaba el pasado mes de diciembre, después de un largo e intenso año.
La aclamación crítica, varias reediciones, un fantástico concierto especial, y su paso por diferentes festivales a lo largo y ancho del globo, convirtieron ‘Galore‘ de Oklou en uno de los discos de pop clave del último lustro. El que ha pasado desde 2020, exactamente. Fue en el año de la pandemia donde la francesa Marylou Mayniel se dio a conocer al gran público, anotándose luego colaboraciones con Dua Lipa (en un remix de ‘Fever’) y Caroline Polachek (en el rol de telonera).
‘Galore’ sentó las bases del sonido de Oklou (se pronuncia «Okay-Lou») hibridando producciones de ambient-pop minimalistas, flotantes, de ensueño, con un sentido de la melodía inspirado en sus estudios de música clásica. Había un aire impresionista en sus fraseos, y una clara influencia medieval en melodías y arreglos que después se reflejaba en arte y videoclips. La influencia contemporánea era excepcional: Oklou se arrepentía de usar un ritmo de trap en ‘unearth me’ y, en una entrevista con JENESAISPOP, prometía no usarlo nunca más.
De manera incomprensible y por caprichos de la industria, ‘Galore’ se considera un mixtape y no el álbum debut de Oklou, a pesar de su cuidado concepto y de su éxito.
‘Choke Enough’, el debut oficial de Oklou, llega cinco años después de ‘Galore’ con una propuesta similar pero diferente, como la otra cara de la moneda. En ‘Choke Enough’, Oklou ya no es la «diosa de la noche solitaria» que saludaba en ‘god’s chariots’, sino una persona madura que ha decidido bajar de las nubes y asentarse en la tierra. Marylou, que ahora mismo está embarazada, sale en portadas y vídeos de ‘Choke Enough’ acompañada de diferentes personas, y la realidad de la vida inspira sus nuevas composiciones, que se abren más que nunca a la luz. Eso sí, el sonido «fantasioso», «infantil» y como de otro mundo de su música prevalece.
‘Galore’ influyó a artistas de nueva hornada como Dora Jar, a la que le encantan las «nanas hyperpop» de Oklou. Nunca nadie ha descrito mejor el estilo de la autora de ‘The Rite of May‘ (2019) y, en ‘Choke Enough’, Oklou entrega un nuevo repertorio de canciones de cuna digitales, en su estilo tan personal e identificativo. Sus composiciones siguen siendo melódicamente ricas, tan inspiradas en la música clásica como denota la melodía ascendente de ‘ict’ («ice cream truck»). Y sus producciones conservan el líquido minimalismo de siempre, pero adoptando nuevas formas.
La banda sonora de videojuego parece una inspiración en varias pistas, como la inicial ‘Endless’, que suena como un zambullido en las profundidades del mar. La canción se abre a un «infinito» de posibilidades, marcando el camino al resto de canciones. Durante la travesía de ‘Choke Enough’, Oklou reduce a su mínima expresión estilos como el trance en la maravillosa pista titular, el eurodance en la original ‘Harvest Sky’, o el ritmo caribeño en la delicada y adictiva ‘Obvious’, en la que unos acentos de trompeta aportan el contrapunto terrenal, humano, a la extrema artificialidad de texturas y voces. La acción, aquí, no está en los beats, sino en los mil detalles a descubrir.
Contribuyen a la experiencia estética de ‘Choke Enough’ especialmente las esmeradas producciones diseñadas por Oklou junto a su mano derecha, Casey MQ, no tanto unas letras que hablan en abstracto sobre asuntos del mundo real. ‘Family and Friends‘ -que incorpora una flauta, conectando con el medievalismo del álbum anterior- parece una canción biográfica y universal, pero se inspira más bien en las «preguntas sin respuesta» de la vida. De manera oportuna, atraviesa las canciones de ‘Choke Enough’ una constante sensación de intriga y sigilo, muy evidente en la translúcida producción de ‘Thank You For Recording’ o de la mencionada ‘Choke Enough’, que, con su extraño título, reflexiona sobre «aquellas situaciones caóticas a las que nos prestamos para sentir algo».
Funcionaría mejor el concepto de ‘Choke Enough’ si las letras fueran más claras y directas. Por eso, el mensaje universal de ‘Take Me By the Hand‘ se transmite a la perfección a la vez que la canción -con sus influencias UK garage e hyperpop- logra ser una de las más inmediatas de la carrera de Oklou. El artista invitado, Bladee, aporta el otro punto de vista en una canción que habla de la necesidad de conectar físicamente cuando hablar ya no es una opción.
Dentro de un repertorio muy equilibrado que deja momentos brillantes (‘Obvious’) y otros más tenues (‘Plague Dogs’ se inspira en la película animada del mismo nombre), destaca por necesidad la pista final, ‘Blade Bird’, un especie de homenaje brit-pop, guitarra acústica mediante, que es, a la vez, una preciosa canción de amor. Pero, aún arrimada a la estética cyborg de rigor, ‘Blade Bird’ no puede sino recordar a otra gran canción muy similar del pasado reciente, ‘Delete Forever‘ de Grimes. Como la canadiense, Oklou brilla entregando un mundo paralelo en el que refugiarse. Un mundo a la vez familiar y tan futuro que es imposible imaginarlo. A menos que te llames Oklou.
Uno de los jóvenes talentos que veremos este año en Mad Cool, en este caso el mismo día que Olivia Rodrigo y St Vincent, es la chilena Akriila, nombre de guerra de Fernanda Sepúlveda. Se trata de una de las artistas emergentes de la música latinoamericana de los últimos años, que ya se ha paseado por Primavera Sound o Río Babel.
Entre sus referentes están Ana Tijoux, Clairo, Tokischa y Michael Jackson, aunque en su caso tira más hacia lo urbano. Si una de esas influencias se nota en su música, sería claramente la de Tokischa.
Su debut de 7 canciones ‘001’ en 2023 y sobre todo ‘epistolares’ en 2024 la pusieron en el mapa. Este último disco acumula streams millonarios a través de colaboraciones con FaceBrooklyn y Juicy BAE (‘epitafio’), pepinacos como ‘superficial’ o la acústica ‘carta a mi papá’. Otra faceta de Akriila.
También había en ‘epistolares’ una canción tronchante llamada ‘POPPER’, encabezada por su grito de guerra «Hot gays listen to AKRIILA», y cuya letra decía: «Y yo que traje popper y gatitas con joyitas, en mi cabeza suena POP, POP, POP».
Su nuevo single se llama ‘sexo virtual’ y es otra demostración de que los «hot gays listen to Akriila» a través de la frase «Y que bueno que salí maricón», lo cual es una referencia a Álex Andwandter, como aclara la misma letra, en concreto al tema ‘Ahora somos dos‘.
‘sexo virtual’ es en verdad una canción bastante reggaetonera, construida sobre el gancho «me hice las uñas por ti», destacando igualmente la frase «hasta me haría el culo por ti». Y eso no es incompatible con una melodía totalmente melancólica, un tanto ‘Antes de morirme’ en esos «Antes que me vaya yo a morir, enséñame una foto»; y muy contagiosa en sus «otra vez, otra vez, otra vez…»
Se trata además de una producción compartida con Dinamarca, productor nacido en Chile y criado en Suecia, a quien conoces de sus grabaciones junto a rusowsky, pero también probablemente por un CV en el que caben Shygirl, Ms Nina, Paloma Mami, Dellafuente, Ralphie Choo, Isabella Lovestory y Villano Antillano, entre otros.
Pero más gente ha actuado esta noche en la previa al partido, como ha sido el caso de Lady Gaga, quien ya ofreció una de las mejores Super Bowls de la historia. La artista está dominando las listas con ‘Abracadabra‘, que ya ha llegado al top 6 oficial en Reino Unido, y alcanzaba el top 2 en el Global de Spotify según datos del pasado viernes. Sin embargo, en esta ocasión ha recuperado una vieja balada.
En honor de las víctimas del atentado terrorista de Nueva Orleans, el cual dejó 14 víctimas en Año Nuevo, Lady Gaga ha recuperado su tema ‘Hold My Hand’, el que escribió para la banda sonora de ‘Top Gun’. Su actuación rodeada del pueblo, puede verse en el Youtube oficial de la NFL.
Ninguno de los singles recientes de The Weeknd ha conseguido ser número 1 en las listas. El que mejor le ha ido ha sido ‘Timeless’ con Playboi Carti, que ha sido top 4 en UK y top 3 en Estados Unidos, pero hay que recordar que ‘Sao Paulo’ con Anitta quedaba en el puesto 21 en UK y en el puesto 77 en Estados Unidos; por no hablar de que ‘Dancing in the Flames’ incluso se ha quedado fuera del álbum tras sus tibios resultados, cuando encajar por estilo, encajaba perfectamente.
Pues bien, esto no ha sido impedimento para que el álbum ‘Hurry Up, Tomorrow’ funcione como un tiro. Es el nuevo número 1 en el Billboard 200 de Estados Unidos con cifras espectaculares, las mejores desde el último de Taylor Swift. Ha vendido 490.500 copias en su primera semana, por lo que es ni más ni menos que el mejor debut histórico de The Weeknd. Supera las 444.000 copias que lograba ‘After Hours’ y triplica lo que movió ‘Dawn FM’ en su primera semana.
Este es el histórico de The Weeknd en Estados Unidos:
Trilogy — 86K (#4)
Kiss Land — 95K (#2)
Beauty Behind The Madness — 412K (#1)
Starboy — 348K (#1)
My Dear Melancholy, — 169K (#1)
After Hours — 444K (#1)
Dawn FM — 148K (#2)
Hurry Up Tomorrow — 490.5K (#1)
Como informa Billboard, es el 5º número 1 en la lista para The Weeknd. En este caso, ha sido importante la edición física de 11 canciones que se ha sacado en CD, vinilo y cinta, cuando la edición digital tiene el doble de temas. 183.000 unidades han sido descargas digitales pero se han vendido 99.000 cd’s, 77.000 vinilos y 1.000 cintas en Estados Unidos.
Además, ‘Hurry Up Tomorrow’ también es número 1 en Reino Unido, Australia, Noruega, Alemania, Nueva Zelanda, Irlanda, Holanda y Bélgica. En Italia ha quedado en el puesto 2. En Reino Unido sabemos que ‘Hurry Up, Tomorrow’ ha vendido 33,694 unidades: 7.400 cd’s, 6.600 vinilos, 2.500 descargas, 150 cintas y 17.000 puntos de streaming. La posición española se conocerá esta tarde: ¿habrá podido The Weeknd con Amaia y Bad Bunny en nuestro país?
En cuanto a nuevos singles, ‘Cry for Me’ ha logrado colarse en el top 8 en Reino Unido. En el Global de Spotify llegó a ser número 5 pero ya está a la baja en el puesto 24. Nuestra favorita ‘Open Hearts’ llegó al número 22 en el Global de Spotify y ahora aparece en el puesto 111, tras 9 días de vida.
Kendrick Lamar ha sido el nuevo protagonista de la Super Bowl, interpretando un popurrí de clásicos como ‘HUMBLE.’ o ‘DNA’ en versión reducida, junto a temas más recientes como ‘squabble up’. Su show puede interpretarse simplemente como una sucesión de «grandes éxitos», más bien austera, y así ha lucido ante decenas de millones de espectadores. Sin embargo, la importancia estaba en los detalles, y los dardos sobre Estados Unidos y Trump, equiparados a Drake, se han sucedido uno detrás de otro.
El rapero ha aparecido sobre el coche de la portada de ‘GNX’, su último disco, para interpretar la inédita ‘Bodies’. Cuando esta ha terminado, ha soltado una de las claves del set: la referencia a Gil-Scott Heron y su «La Revolución no será televisada». Ha dicho Lamar: «La revolución está a punto de ser televisada. Escogisteis el momento correcto pero al tipo equivocado», en lo que solo podía ser una referencia a Trump, aunque desde luego queda abierto a las interpretaciones.
En otro momento -justo antes de ‘Euphoria’- se ha podido leer en el graderío «WARNING WRONG WAY» en lo que parecía otra referencia a las recientes elecciones en Estados Unidos.
Por si fuera poco, ha presentado el show el actor Samuel L Jackson -conocido por su activismo– caracterizado como Tío Sam y cuestionando la actuación por ser «demasiado ruidosa, demasiado imprudente, demasiado ghetto». El Tío Sam en la cultura estadounidense es la viva personificación del país, de su bandera, y desde luego no era negro en su origen, situado en el siglo XIX. Era otro claro guiño político de una Super Bowl empapada de bandera nacional.
La actuación de Lamar ha estado casi siempre acompañada por una corte de un centenar de bailarines, vestidos con los colores de la bandera de Estados Unidos. De hecho, han llegado a formar dicha bandera en la primera mitad del show, durante ‘HUMBLE.’. Y no es casualidad que todos los bailarines fueran negros. Para más inri, una persona se coló en el escenario portando una bandera de Palestina y Sudán.
Para Kendrick, reírse de Drake es tan importante como el movimiento Black Lives Matter. Su diss track contra él, premiado en los Grammy, ‘Not Like Us‘, se ha hecho de rogar, con Kendrick bromeando que iba a darle a «América» lo que quería y dejando sonar unos acordes, pero finalmente interpretando otros temas antes. Su frase exacta ha sido “Quiero tocar vuestra canción favorita, pero ya sabéis que les encanta demandar”, en referencia a la denuncia que le ha puesto Drake a su propio sello y a Spotify por promocionar ‘Not Like Us’, «ilegalmente», según sus palabras.
Además, Kendrick también ha portado un collar con la mítica «a minor» de la letra (en posible referencia a que a Drake le gustan menores). “Say Drake, I hear you like ‘em young” está siendo el nuevo meme; aunque lo más fuerte ha ocurrido cuando ha sonado ‘Not Like Us’ y se ha podido ver en el escenario a la tenista Serena Williams, ex de Drake, bailando, dejando uno de los momentos de la noche.
La gran invitada ha sido SZA para una interpretación del hit actual ‘luther’ y ‘All the Stars’, esta última gran hit de la banda sonora de ‘Black Panther’, con todo lo que esta representaba en cuanto a la comunidad negra.
Finalmente, el set de Kendrick Lamar ha servido por supuesto para promocionar su último disco ‘GNX’. Además de ‘squabble up’ y de ‘luther’ con SZA, han sonado fragmentos de ‘Man at the Garden’ y ‘Peekaboo’, y se ha reservado un protagonismo especial para ‘tv off’, que ha cerrado con la participación de DJ Mustard. El vídeo de esta Super Bowl puede verse en el Youtube oficial de la NFL, aunque no se permite su inserción en páginas webs.
A man performing during the Kendrick Lamar halftime concert at #SuperBowl LIX unfurled a Palestinian flag and was chased off stage and finally tackled and removed by security. #SBLIX#Palestinepic.twitter.com/sU8jl1eyE3
En la 39ª edición de los Goya, el premio a Mejor Película ha sido, por primera vez en su historia, ex aequo: tanto el equipo de ‘El 47’ como el de ‘La Infiltrada’ se han llevado el gato al agua. A mi juicio, ‘El 47’ es una de las mejores películas españolas de este año y justa merecedora del galardón; ‘La Infiltrada’, no tanto. Pero no significa que lo último de Arantxa Echevarría, sobre la historia real de una policía infiltrada en ETA, esté exento de méritos.
Desde luego, ‘La Infiltrada’ ha sido un taquillazo como pocos: solo superada por la entrega de este año de ‘Padre no hay más que uno’, sus más de 8 millones de recaudación la convierten en la película española más taquillera de la historia dirigida por una mujer. Y además siendo un thriller, que en lo nacional no es siempre un género tan agradecido como sí puede serlo la comedia “blanca”.
Una de las razones de este éxito se encuentra en su directora: Echevarría es una curranta nata capaz de sacar adelante con solvencia encargos (‘La familia perfecta’, ‘Politicamente incorrectos’ ) y sus propias apuestas (‘Carmen y Lola’, ‘Chinas’). La conexión con el público siempre ha estado en mente, pero esta cinta es claramente la confirmación.
Porque ‘La infiltrada’ no se avergüenza en ningún momento de su intención comercial, y eso no afecta a su impecable factura técnica, ni a las interpretaciones de los siempre estupendos Carolina Yuste (probablemente una de las actrices más naturales de nuestro país) y Luis Tosar. Destaca especialmente el manejo por parte de Arantxa de una tensión que nunca llega a desaparecer, sobre todo desde la aparición de cierto personaje.
Por otro lado, se echa de menos una propuesta formal más arriesgada, algunos momentos de clímax quedan a medio gas, y, sobre todo, la construcción del entorno de ella deja la sensación de que podría haber sido mucho más interesante. Todo esto sin entrar en el aspecto maniqueo de la historia (cómo se retrata la cotidianeidad de unos y otros o, incluso, la violencia sexual en unos y en otros), que hubiese agradecido un acercamiento más punzante tratando el tema que trata.
En definitiva, aunque ‘La infiltrada’ deja la sensación de que podría haber sido mucho mejor, son innegables también sus virtudes. Y está claro que el público, que ha ido en masa a verla, las ha visto muy bien.
Hace unas semanas Eva Amaral fue al podcast que James Rhodes tiene en la Cadena SER y este tuvo a bien pincharle aquel momento en que la cantante enseñó las tetas en Sonorama 2023. En 30 segundos la artista se mordió los labios, tragó saliva, se llevó la mano a la boca, se rascó la nariz, y también un ojo. Al final resopló y le dio la risa. Mucho se habló de sus tetas, de su dedicatoria a otras cantantes, pero el momento funciona incluso solo con audio, sin imagen, porque lo más emocionante ocurrió cuando Amaral gritó «!Somos demasiadas!» y se escuchó responder con vítores a la parte femenina del respetable, en su plenitud.
Eva cuenta que jamás pensó que esa presentación en vivo de su tema ‘Revolución’ tuviera tal repercusión, lo cual no dice nada bueno de nosotros como sociedad, pero sí de su valentía. Para bien o para mal, ha sido una parte relevante de la historia de Amaral, y viene al caso porque la libertad es uno de los temas principales de ‘Dolce Vita’, el nuevo disco del dúo.
El single ‘Rompehielos’ gasta una estrofa en repetir un montón de penosos arquetipos machistas: «Te dirán que estás chalada, que no llegarás a nada, que pareces enfadada, y sonriendo estás más guapa». El álbum se abre con un tema llamado ‘Libre’, un obvio alegato en favor de la libertad hasta la muerte, con un requiebro interesante («ese lado oscuro del que tantas veces huyo es parte de mí»), una guitarra clásica y una percusión diferente.
Y el disco también recuerda a quienes no pudieron vivir con esa sensación de libertad, como el padre de la artista durante la dictadura de Franco (‘En el centro de un tornado’) o el cantautor Víctor Jara (‘Podría haber sido yo‘), asesinado tras el golpe que auparía a Pinochet en Chile, 1973.
«Dolce Vita», aparte de una referencia al clásico de Federico Fellini, representa un «universo perfecto» en el que olvidar lo brutal y lo cruel que nos puede resultar el mundo. Es una composición exultante y llena de vida, en sintonía con el mensaje positivo que nos dan piezas como ‘La suerte’ o la final ‘Pájaros’. «Hemos tenido suerte de vivir para contarlo», dice una. «Todo tiene un ciclo y ahora mismo estamos vivos», presume la otra.
La sencilla prosa de Amaral ha funcionado desde el principio por su habilidad para componer buenas melodías y arreglarlas cada vez mejor. Citan a The Jesus & Mary Chain en este disco, como en muchas entrevistas a Wilco, pero no se acercan tanto a estos, y jamás a los primeros. Simplemente dignifican el pop español clásico como otros no terminan de conseguir. Ahí hace mucho la bonita voz de Eva Amaral, también su buen gusto para producir guitarras y baterías, para aportar arreglos que sumen y no abrumen, y esta vez, para evitar los fallidos experimentos de ‘Salto al color‘.
‘Ahí estás’ es el single más destacable entre los 6 que han presentado ‘Dolce vita’, y ‘Los demonios del fuego’ sería directamente una de las mejores canciones de su carrera de no ser por la caída del estribillo: las estrofas tienen mucha más fuerza. De la misma manera que uno se pregunta si el álbum esconde un «sleeper» como los de antaño, hay que apuntar que ‘Eso que te vuela la cabeza’, ‘Tal y como soy’ -con ese pizpireto teclado- o ‘Hasta que la música se acabe’, con su divertida mención a Nirvana, podrían elevar el número de sencillos a 9.
Incluso las canciones que parecen más débiles tienen su enjundia. ‘La unidad del dolor’ es una extraña composición que parece rezumar sensualidad, versa sobre ciertos placeres de la vida, en contraposición a aquello que nos distrae, y quizá por ello adopta diferentes formas entre pianos ligeros y beats alocados. En el revival del pop español de los 2000 también hay clases y clases y Amaral son los que más y mejor siguen trabajando su sonido.
Desde la primera imagen, un travelling lateral que parece sacado de una película de Wes Anderson, el videoclip ‘M.A.P.S.’ (del álbum ‘Si abro los ojos no es real’, nuestro Disco de la Semana) deja claro cuál va a ser su eje temático: la dualidad entre opuestos. Esto es: una sala de espera de una clínica de psicoterapia adornada con una pintura que parece la expresión de la mente de un psicokiller.
Esta dialéctica articula todo el clip de la canción en que Amaia se dirige a su madre. Desde el punto de vista de la puesta en escena, se puede observar a través de recursos como la pantalla partida, la utilización de los espejos (todo un clásico en este tipo de alegorías), el contraste lumínico y de textura fotográfica entre la Amaia buena y la Amaia mala, el distinto dinamismo que se imprime a las escenas de una y otra por medio del montaje y el trabajo de cámara…
En cuanto al contenido, el vídeo recoge la tradicional iconografía, en su vertiente naif, de la doble maligna: vestimenta oscura, cejas y cuernos demoniacos y retórica antisocial un poco a lo “Ser malos! Buenas noches colegas”. Un diálogo visual entre el “bien” y el “mal”, entre la imagen exterior como construcción social y los demonios interiores como conflicto personal, que está en sintonía con el discurso de la canción y se puede trasladar a la propia música de Amaia: ráfagas de luz estroboscópica destellando en un dulce y apacible atardecer.
‘El 47’ se erige como la película más premiada de la 39ª gala de los Premios Goya, con 5 estatuillas. Entre estas, Mejor Película. Sin embargo, y por primera vez en la historia de los galardones, ha compartido el Goya más codiciado con otra película, ‘La infiltrada’. Se trataban de las cintas con más nominaciones: 14 para ‘El 47’ y 13 para ‘La infiltrada’.
Maribel Verdú y Leonor Watling han presentado un evento marcado por la reivindicación de causas sociales, como el acceso a una vivienda digna, y el rechazo del auge de la extrema derecha.
De esta manera, en su discurso de aceptación al Goya de Honor, Aitana Sánchez-Gijón rescató las paredes de Marisa Paredes: «No hay que tener miedo a la cultura, sino a la ignorancia, la indiferencia, la mentira, el fanatismo y la violencia». Por otro lado, la intervención de Salva Reina al recibir el Goya a Mejor Actor de Reparto se cuenta entre los momentos más emocionantes de la noche: «Ninguna persona es ilegal», ha exclamado.
‘El 47’ además se ha llevado los Goya a Mejor Actor de Reparto, Mejores Efectos Especiales, Mejor Dirección de Producción y Mejor Actriz de Reparto. Por otro lado, ‘La infiltrada’ cuenta con el Goya a Mejor Actriz Principal, para Carolina Yuste.
‘Segundo premio’, la no película de Los Planetas, ha ganado tres Goya, incluido el de Mejor Dirección para Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez. La cinta granadina, que jugaba en casa, se ha llevado las mismas estatuillas que ‘La habitación de al lado’, que optaba a 10 posibles premios.
‘Emilia Pérez’ ha sido nombrada Mejor Película Europea y, con mucha relación a las palabras del artista madrileño, Enrique Costa de Elástica Films ha dicho esto al recoger el premio en nombre del reparto: «Ante el odio y el escarnio, más cine y más cultura».
Palmarés de los Goya 2025
Goya de Honor: Richard Gere
Mejor Actor de Reparto: Salva Reina, por ‘El 47’
Mejor Diseño de Vestuario: Arantxa Ezquerro, por ‘La virgen roja’
Mejores Efectos Especiales: Laura Canals e Iván López Hernández, por ‘El 47’
Mejor Canción Original: ‘Los Almendros’, de La Tania, Antón Álvarez y Yerai Cortés, por ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’
Mejor Actriz Revelación: Laura Weissmahrpor ‘Salve María’
Mejor Actor Revelación: Pepe Lorente, por ‘La estrella azul’
Mejor Maquillaje y Peluquería: Karmele Soler, Sergio Pérez Berbel y Nacho Díaz, por ‘Marco’
Mejor Dirección de Fotografía: Edu Grau, ‘La habitación de al lado’
Mejor Dirección de Producción: Carlos Apolinario, por ‘El 47’
Mejor Sonido: Diana Sagrista, Eva Valiño, Alejandro Castillo y Antonin Dalmasso, por ‘Segundo premio’
Mejor Actriz de Reparto: Clara Segura, por ‘El 47’
Mejor Dirección de Arte: Javier Alvariño, por ‘La virgen roja’
Mejor Película de Animación: ‘Mariposas negras’
Mejor Corto de Animación: ‘Cafunè’
Mejor Corto Documental: ‘Semillas de Kivu’
Mejor Corto de Ficción: ‘La gran obra’
Mejor Dirección Novel: Javier Macipe, por ‘La estrella azul’
Mejor Música Original: Alberto Iglesias, por ‘La habitación de al lado’
Mejor Montaje: Javi Frutos, por ‘Segundo premio’
Mejor Documental: ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’
Mejor Película Iberoamericana: ‘Ainda estou aquí’
Mejor Película Europea: ‘Emilia Pérez’
Mejor Guion Adaptado: Pedro Almodóvar, por ‘La habitación de al lado’
Mejor Guion Original: Eduard Sola, por ‘Casa en flames’
Mejor Actor: Eduard Fernández, por ‘Marco’
Mejor Actriz: Carolina Yuste, por ‘La infiltrada’
Mejor Dirección: Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, por ‘Segundo premio’
Mejor Película: ‘El 47’ y ‘La infiltrada’
La 39ª gala de los Premios Goya, celebrada en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada, también ha tenido su buena dosis de números musicales. Rigoberta Bandini, Lola Indigo, DELLAFUENTE y Alejandro Sanz son algunos de sus protagonistas.
La noche ha empezado con un himno de Miguel Ríos, que ha protagonizado una entrada triunfal en la actuación. Varios de los intérpretes nominados, junto a Eva Amaral, se han encargado de introducir la canción ‘Bienvenidos’, como no podía ser de otra forma.
Alejandro Sanz ha salido rodeado de un coro de 18 personas para rendir homenaje a Triana con su versión de ‘Abre la puerta’. Poco después, Estrella, Soleá y Kiki Morente han interpretado ‘Anda Jaleo’ desde el Patio de los Arrayanes de la Alhambra antes del ‘Verde que te quiero verde’ de DELLAFUENTE y Lola Indigo. Uno de los mejores momentos musicales de la noche.
Rigoberta Bandini, ganadora del Goya 2024 a Mejor Canción, ha recibido la ovación total del público llevándose a su terreno ‘El amor’, una de las canciones clave de Massiel. Por supuesto, le ha dado su característico toque de synth pop al clásico tema.
Por últmo, Zahara y DORA han recordado a todos los compañeros y compañeras del mundo audiovisual que nos han dejado este último año. Lo han hecho con una preciosa versión a dos voces de ‘Si tú no estás’ de Rosana.
Exceptuando ‘Segundo premio’, que ha ido peor de lo esperado teniendo en cuenta su elección para los Oscar, presencia en los premios y excelente recepción crítica (con la excepción de Boyero), el resto de películas con más nominaciones en los Goya han tenido un buen resultado en taquilla. Algunas excelente: ‘La infiltrada’, ‘El 47’, ‘Casa en llamas’ y ‘La habitación de al lado’, por ese orden, están entre las 10 españolas más vistas. Aunque, en el caso de la de Almodóvar, situada en el décimo puesto, se esperaba muchísimo más.
Sin embargo, hay otras que no ha visto casi nadie. Gracias a categorías como Mejor Dirección Novel o Actriz y Actor Revelación, casi todos los años se cuelan películas (‘Upon Entry’, ‘La vida era eso’, ‘My Mexican Bretzel’…) que han tenido poca repercusión en taquilla pero que merecen mucho la pena.
La estrella azul (Javier Macipe)
Ha sido el caso más llamativo. De la misma manera que pocos esperaban que el gran taquillazo del cine español de 2024, ‘La infiltrada’, estuviera nominada a Mejor Película por encima de ‘La habitación de al lado’ o ‘La virgen roja’ (esto de nominar casi todo, incluyendo dirección e intérpretes, y no la película no lo acabo de entender), el recorrido de ‘La estrella azul’ por la temporada de premios ha sido sorprendente: pleno de nominaciones en Forqué, Feroz y Goya. Y no es que sorprenda por su calidad, sino por ser una ópera prima bastante heterodoxa que parecía destinada a “joya oculta” del cine español. Por suerte, el boca-oreja ha funcionado bastante bien y ha hecho una taquilla discreta, pero mucho mejor que el resto de títulos de esta lista.
El debut de Javier Macipe era, de entrada, una propuesta enormemente sugerente: un biopic sobre un rockero de los 80 que casi nadie recuerda: Mauricio Aznar, líder de Más Birras. Una premisa a contracorriente que se traduce también en su narrativa poco convencional. El director esquiva los clichés del género biográfico musical dejando que la imagen documental y el metalenguaje rasguen la ficción como Atahualpa Yupanqui rasgaba su guitarra. Es en esos momentos cuando mejor funciona ‘La estrella azul’, cuando la vida se cuela por las rendijas de su algo rígido entramado narrativo. El Goya a la Mejor Dirección Novel está cantado. 7.
Salve María (Mar Coll)
Otro caso digno de estudio. La mejor película en los Feroz de este año ha sido prácticamente ignorada en los Goya. Esto no pasaba desde la primera edición de los premios, en 2014, cuando el debut en solitario de un desconocido Rodrigo Sorogoyen, ‘Stockholm’, ganaba el premio gordo (no se puede negar que los votantes tienen buen ojo). La extraordinaria ‘Salve María’ solo ha sido nominada a Mejor Actriz Revelación (Laura Weissmahr, favorita en la categoría) y Mejor Guion Adaptado (está basada en el libro ‘Las madres no’, de Katixa Agirre).
Esta sí que no la ha visto casi nadie: 8.792 espectadores. Mar Coll (‘Tres días con la familia’, ‘Matar al padre’) cambia su habitual registro naturalista adaptando la novela de Agirre en forma de thriller psicológico. ‘Salve María’ es una película de terror maternal: la perturbadora crónica de una depresión posparto convertida en obsesión y paranoia filicida. “Las madres no escriben, las madres están escritas” dice la cita de Susan Suleiman que aparece en el filme. Y eso ha hecho la directora: “escribir” sobre el tabú de la maternidad no deseada, el puerperio como angustiosa pesadilla existencial. 8’5.
Por donde pasa el silencio (Sandra Romero)
Si alguien se pregunta por qué Sorogoyen eligió a la desconocida Sandra Romero para dirigir tres episodios de ‘Los años nuevos’ (del segundo al cuarto) solo tiene que ver ‘Por donde pasa el silencio’. Su asombrosa habilidad para rodar largas secuencias con los personajes interactuando entre ellos de forma que todo parezca natural, más real que ficción, se puede ver plenamente en este, su primer largometraje. Romero tuvo un buen aprendizaje: fue ayudante de dirección de Luis López Carrasco en la fabulosa ‘El año del descubrimiento’.
‘Por donde pasa el silencio’ es un intenso drama familiar, del subgénero “vuelta a casa” (a Écija, el pueblo natal de la directora, hija de agricultores), protagonizado por tres hermanos, dos chicos y una chica, interpretados por tres hermanos en la vida real, uno de ellos actor, Antonio Araque (‘Notas sobre un verano’) y los otros dos no, y que además son amigos de la infancia de Romero. Este cruce entre realidad y ficción, entre drama intimista, indagación autobiográfica y retrato antropológico (está ambientada durante la Semana Santa), logra transmitir perfectamente lo que pretende: verdad. Una directora (revelación) a seguir muy de cerca. 8.
Polvo serán (Carlos Marques-Marcet)
Una de las ausencias más inexplicables de esta edición de los Goya es la de la estupenda banda sonora que Maria Arnal ha compuesto para ‘Polvo serán’ (ganadora en los Gaudí). Su música es un elemento clave para el funcionamiento dramático y poético del arriesgadísimo musical de amor y eutanasia que ha realizado Carlos Marques-Marcet (‘10.000 KM’, ‘Los días que vendrán’), con Ángela Molina y el chileno Alfredo Castro (nominado a Mejor actor) como protagonistas.
‘Polvo serán’, ganadora del Premio Arrebato en los Feroz (una categoría en la que siempre conviene fijarse para encontrar voces singulares del cine español), es la propuesta más audaz de todas las nominadas (de las españolas, claro). Una suerte de reverso tragicómico y sin sermones de ‘La habitación de al lado’, con coreografías de La Veronal a lo Busby Berkeley y cautivadora dirección de arte a cargo de Laia Ateca (habitual colaboradora de Rosalía y Carlos Vermut), que resulta tan desconcertante e irregular como magnética y seductora. 7,3.
El Goya a Mejor Canción Original ha sido recogido por La Tania, Yerai Cortés y C. Tangana, por la película ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’. ‘Los Almendros’ competía contra Fernando Velázquez, Valeria Castro, María Arnal y Alondra Bentley e Isaki Lacuesta.
Aunque la Tania sería la artista principal de la canción, incluida en su álbum debut ‘AMORIOS. LA VERDAD DE MI COPLILLA’, Antón Álvarez y Yerai Cortés también han contribuido a su composición. Este último, por supuesto, también se encarga de tocar la guitarra.
‘Los Almendros’ habla de cerrar etapas, pero la de C. Tangana en el cine parece que va para largo. El debut en pantallas del madrileño también se ha llevado el Goya a Mejor Documental. De esta manera, ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’ hace un pleno, ganando las dos categorías en las que estaba nominada.
En su discurso, Álvarez ha aprovechado para explicar que la cinta trata «sobre la comprensión y el perdón»: «Cuanto mayor es el error, más necesitamos el perdón de los demás», ha concluido. Es difícil no acordarse con estas palabras de lo ocurrido con Karla Sofía Gascón y ‘Emilia Pérez’, que ha ganado el Goya a Mejor Película Europea.
Jorge Drexler, que se ha encargado de presentar el galardón a Mejor Canción junto a Eva Amaral, no ha podido contener su alegría al leer el nombre de su amigo en la tarjeta. La Tania ha mantenido breve su discurso, asegurando «por mi vida» que no se lo puede creer. Ha agradecido el premio a los coescritores de la canción, a su familia, al resto de nominados y a la vida.
Antón Álvarez (C. Tangana) recoge el #Goya2025 a Mejor Película Documental: "Es una película que va sobre la comprensión y el perdón. (…) Dejemos que la gente se equivoque, porque cuanto mayor es el error más necesitamos el perdón de los demás"https://t.co/0vh2MSe0oMpic.twitter.com/yWqWGamtKU
trashi se están haciendo un pequeño hueco uniendo dos sensibilidades que definen el pop nacional del último lustro: las guitarras pop-punk a lo Pignoise y el autotune obligatorio de las músicas urbanas. Ellos, además, añaden a sus canciones una dosis de romanticismo adolescente (de amor o desamor, dependiendo del tema) y de sorpresa: ‘mal mal’, una de las Mejores Canciones de 2021, era algo así como su versión de un hit de Two Door Cinema Club.
Su primer EP, que contenía uno de sus éxitos, ‘no me ves?’, se remonta a 2020; después llegaron dos minidiscos más, ‘LO QUE PASÓ ESE VERANO’ (2021), que incluía su canción más escuchada, ‘Mañaneo’, y ‘Quiero volver a casa’ (2023). Un lustro después de su debut en corto, y después de saltar por diferentes sellos, trashi publican su primer largo de la mano de Vanana Records.
En ‘ME ACUERDO DE TODO’, trashi asienta su sonido en un híbrido de guitarras punk-pop, shoegaze, dream-pop y noise, sin renunciar al autotune que tanto les define, a sus melodías tan pop, ni mucho menos a unos textos que no temen sonar pastelosos, incluso a riesgo de transitar demasiados lugares comunes. El fuerte de trashi no son sus letras, de momento.
El cuarteto de Murcia compuesto por Sergio Nicolás (voz y guitarra), Luz Abril (guitarra), Luis Morera (bajista) y María Lázaro (batería) acierta, de entrada, dejándose ayudar por el productor de Igualada InnerCut, que ya trabajó con ellos en ‘Mañaneo’ y sabe elevar su sonido y hacerlo cohesivo. Así, sus composiciones pueden entregarse a los 70 (‘Tú y yo nadie más’), al noise-pop (‘Me acuerdo de todo’) o a la balada pop (‘Fentanilo’), y no solo todo suena homogéneo, sino que también suena muy bien.
Hay un punto experimental en ‘Mala suerte’, en esa mezcla de indie-dream-pop y autotune alienígena, que trashi podrían explorar más en el futuro. El autotune en la voz de Sergio dota de personalidad a las canciones de trashi, pero el autotune no sería nada sin la voz natural de Sergio, que sabe imprimir en sus melodías todo el drama adolescente que sus letras requieren. Sin embargo, las letras funcionarían mejor si no recurrieran a tantos clichés y estuvieran más enfocadas.
«No voy a la fiesta porque tú no estás», «hacemos el combo perfecto», «he despertado de un coma profundo y ya no quiero verte», «me he quedado en una fiesta sin amigos», «ayer fue tu cumpleaños y no te llamé»… Demasiadas veces el disco de trashi se parece a ver un capítulo de Física o química en bucle. Curiosamente, su música podría funcionar en un remake de la serie, pues sus melodías son muy, muy, muy pop. Natalia Lacunza colaboró con ellos, pero Aitana se lo debe estar pensando. Sí se anotan una colabo con Zahara en el banger nosie-pop ‘Uno más‘, un tema totalmente definitorio de su sonido.
El problema es que las letras solo dan vueltas a lo mismo. «Me dices que vaya, y yo te sigo», «no quiero despertarme si no es contigo», «estoy obsesionado con la idea de que un día te despidas de mí»… La devoción romántica y la inseguridad adolescente por supuesto han de tener cabida en el pop, pero los textos de trashi abordan estos temas mediante clichés y generalidades. Solo una frase como «no soy pop star, soy un lastre» aporta una sorpresa inesperada.
Aun así, hay algo que emana de las canciones de trashi y es sinceridad. En su necesidad de beber alcohol para olvidar (‘Reventarme’), en la intensidad con que experimentan el amor (‘Tú y yo y nadie más’) y el desamor (‘Por la noche’) o en sus caídas en la apatía o la depresión (‘Desastre’), los murcianos dan voz (y drama) a esos sentimientos que marcan la juventud previamente a la llegada de la vida adulta y que no siempre sabemos identificar. Y, además, los revisten con buen gusto.
El 11 de septiembre de 1973 hubo un golpe de Estado en Chile contra el gobierno de Salvador Allende. El cantautor Víctor Jara, miembro del Partido Comunista, decidió ir a la Universidad Técnica del Estado. La Universidad fue bombardeada, los golpistas la asaltaron, y Jara fue detenido y transportado al Estadio de Chile, donde se estaba improvisando un campo de concentración.
Le torturaron y apalearon hasta dejarle la cara ensangrentada y romperle las costillas. Le privaron de comida y agua. Le insultaron y profesaron palabras de odio hacia su discurso político y sus letras. Al cuarto día, el autor de ‘El derecho de vivir en paz’ fue llevado a un sótano y acribillado. Recibió 44 balazos. Cuando apareció su cuerpo abandonado en las inmediaciones de un cementerio, su esposa Joan no se podía creer el estado de su cadáver. Parecía mentira que hubiera pasado tan sólo una semana desde la última vez que lo había visto. Hoy el Estadio en el que le torturaron y le fusilaron lleva su nombre.
La música de Víctor Jara ha sobrevivido como emblema de la canción protesta gracias a temas como ‘Manifiesto’ o su gran clásico, ‘Te recuerdo Amanda’, que retrataba las precarias condiciones laborales que afectan a una pareja. El mismo disco que contenía esta, ‘Pongo en tus manos abiertas…’ (1969), incluía también un tema llamado ‘A desalambrar’, que reivindicaba la propiedad de las tierras para los que la trabajan.
Víctor Jara ha recibido incontables homenajes en estos 51 años que han pasado desde su muerte. Las canciones que se han escrito para él se cuentan por decenas: Labordeta, Silvio Rodríguez, Ska-P, Ismael Serrano… Y no se circunscriben el castellano. También las hay de U2 (‘One Tree Hill’ le menciona), The Clash («Please remember Víctor Jara in the Santiago stadium» de ‘Washington Bullets’) o Calexico. Bruce Springsteen le ha versionado. En el vídeo de la imprescindible ‘This Is Not America‘ de Residente, el disparo del minuto 2.57 no es solo una referencia a ‘This Is America’ de Childish Gambino. La persona que lo recibe en un estadio deportivo, sosteniendo una guitarra, solo puede ser Víctor Jara.
Amaral han decidido sumarse a los homenajes en una de las composiciones más bonitas y redondas de ‘Dolce Vita’, ‘Podría haber sido yo’, nuestra Canción del Día hoy. En este medio tiempo de corte acústico aluden al Estadio Nacional en que fue fusilado, y hablan de «historias que no se han cerrado nunca» y que «vuelven cada vez que alguien te nombra».
Aunque no es un single de ‘Dolce Vita’, el Youtube Oficial de Amaral ya se les está llenando de mensajes de agradecimiento de chilenos que se han emocionado escuchando la canción. «¡Que emoción, Dios mío! Escuchar el nombre de Víctor Jara en una canción de Amaral!, dice un comentario. «No saben la canción que acaban de hacer», añade otro. Y así sucesivamente: «49 años desde que escuché «Te recuerdo Amanda» por primera vez. Gracias por esta canción tan especial para muchos que ahora ya somos «viejos»».
‘Podría haber sido yo’ parece una canción política en la que Amaral afirman: «ahora sé que el sistema no se cambia desde dentro». El grupo pide «que suene tu voz, Víctor Jara». Sin embargo, Juan Aguirre asegura que no estamos tanto ante una canción protesta como ante una reflexión sobre el azar: «Estamos utilizando la figura de un icono en castellano increíble, un cantante increíble, para decir que cualquiera que se exprese, cualquier individuo -tú que escribes, alguien que hace teatro, alguien que simplemente trabaja de cualquier otra cosa-, podría haber estado en ese lugar donde él estuvo junto a miles de personas».
FKA twigs protagoniza la subida más fuerte de la semana en el top 40 de JNSP. La autora de ‘Eusexua‘ lideraba ampliamente en la votación final de las Stories de Instagram hasta que en los últimos minutos los seguidores de Juanjo acudieron al rescate. En esa final, ‘Moncayo’ terminaba obteniendo 252 votos (46%), por 161 de ‘Childlike Things’ (30%). Lleva 7 semanas no consecutivas en la 1ª plaza. Esta semana entran en lista Ghouljaboy, The Weeknd -no tan arriba como habría cabido esperar-, Tate McRae, Oklou, Mø y finalmente Sparks.
Massiel ha relatado en Telecinco que ha sufrido un cáncer de pulmón que ha estado a punto de costarle la vida. La artista, que ganara Eurovisión en 1968 con ‘La la la’, y después destacara por otros éxitos como ‘Brindaremos por él’, ha asegurado que está «viva de milagro»·.
Massiel ha explicado que los médicos no podían llegar al tumor a través de la laringe, por lo que tuvieron que hacerlo a través de la espalda. Para extirparle el cáncer, tuvieron que «llevarse» un trozo del pulmón. «La quimio te deja hecha una mierda y ahí es cuando empieza el calvario», ha contado. El programa ‘De viernes’ se emite hoy, pero antes se ha avanzado una parte durante ‘Tardear’, el programa que antes presentaba Ana Rosa Quintana y ahora conducen Verónica Dulanto y Frank Blanco.
El País recuerda que Massiel ya tuvo problemas de salud hace unos años cuando se enfrentó a una enfermedad ocular degenerativa. “Otros se mueren de cáncer y yo me estoy quedando ciega. Es duro. No tiene cura”, decía en 2018.
¡Esta noche en De Viernes!
Claudia Bavel responderá a Iker Casillas, Massiel nos desvela cómo se encuentra tras su cáncer de pulmón y Esther Arroyo reaparece tras su ingreso hospitalario.
’. Gloosito, rapero y productor de Collado Villalba, Madrid, ya había colocado su disco ‘Global’ en el puesto 48, en 2022, y su proyecto ‘S.U.V.’ en el 28, en 2024. Con ‘EUROSLiME 
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Otro caso digno de estudio. La mejor película en los Feroz de este año ha sido prácticamente ignorada en los Goya. Esto no pasaba desde la primera edición de los premios, en 2014, cuando el debut en solitario de un desconocido 
Si alguien se pregunta por qué Sorogoyen eligió a la desconocida Sandra Romero para dirigir tres episodios de ‘
Una de las ausencias más inexplicables de esta edición de los Goya es la de la estupenda banda sonora que 
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