La primera película de ficción de RaMell Ross, tras su documental nominado al Oscar ‘Hale County This Morning, This Evening’, continúa explorando las heridas raciales de Estados Unidos. Adaptando la novela homónima ganadora del Pulitzer de ficción en 2020, narra la historia de amistad entre dos adolescentes en un reformatorio de Florida, históricamente conocido por sus métodos abusivos y denigrantes.
Desde el deslumbrante comienzo, donde la pantalla se inunda de una catarata de bellísimas imágenes (grandiosa la fotografía de Jomo Fray), Ross demuestra no solo ser un hábil narrador visual, sino también una sensibilidad y personalidad notables. El estilo poético y profundamente melancólico se acentúa con la atrevida propuesta formal que presenta el cineasta, quien compone toda la película desde la primera persona, contando la historia siempre en plano subjetivo.
La rigurosidad de la puesta en escena y el impresionante despliegue de ideas visuales son más que admirables, sobre todo considerando que se trata de su primera incursión en la ficción y tan solo su segunda película en total. Pese a -o en consecuencia de- ello, su enorme ambición artística se ve dañada por la barrera emocional que inintencionadamente acaba construyendo. A nivel narrativo, la cinta va perdiendo potencia conforme avanza, y la distancia entre el espectador y la historia se va haciendo progresivamente más grande, hasta el punto de que los temas tan impactantes que abarca terminan convirtiéndose en algo casi secundario.
Se agradece enormemente, eso sí, que Ross apueste por un cine de denuncia racial que no te grite a la cara, ni caiga en didactismos y obviedades. En su lugar, ‘Nickel Boys’ ofrece una visión absolutamente triste y enfadada pero exenta de esa literalidad tan molesta del cine comercial hollywoodiense. Por ello, su nominación al Oscar a mejor película sorprende -para bien-, por la radicalidad de la propuesta y su profunda vocación autoral, en donde se puede apreciar cierta influencia del Malick de ‘El árbol de la vida’.
Por supuesto, Ross aún está lejos del nivel de madurez de la obra magna de Malick, y su película nunca alcanza ese impacto filosófico-divino, pero sí deja la impresión de que estamos ante un cineasta valioso. Hay muchas cosas por pulir, pero nada que no parezca indicar que, con un equilibrio más sólido entre forma y contenido, Ross pueda convertirse en una figura clave para el cine independiente norteamericano. ‘Nickel Boys’ es una de esas películas que, aunque no entusiasmen, son toda una muestra de talento en bruto.
Ichiko Aoba es una de las superestrellas de ese género musical llamado ambient folk. Sus discos han encandilado al público por su minimalismo: su cristalina voz y el sonido de su guitarra acústica han sido suficientes para ennubilar a la audiencia. Y las portadas de discos como ‘Origami’ (2011) han exhibido un concepto minimalista radical que envidiaría hasta Kanye West.
A medida que la música de Aoba se ha popularizado, su investigación musical ha ganado enfoque. No han sido tan oníricos ni abstractos álbumes como ‘Windswept Adan’ (2020), que, escrito en torno al paisaje del archipiélago Ryukyu, proponía la banda sonora de una película imaginaria protagonizada por una niña que se muda a la fantástica isla de Adan. ‘Luminescent Creatures’ es la secuela de esa película, y ahora cuenta qué acontecería si la protagonista de ‘Windswept Adan’ «desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla», por culpa del cambio climático.
Es ‘Luminescent Creatures’ un álbum preocupado por el folclore y la protección de las culturas remotas. Inspirado en la isla Hateruma, al sur de Okinawa, la pista ‘24° 03′ 27.0″ N 123° 47′ 7.5″ E’ se titula con las coordenadas que localizan el faro de la isla, y la melodía recupera una canción tradicional del lugar.
Pero ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más surrealista u onírico. ‘Lucifèrne‘ es una fantasía inspirada en las bandas sonoras de Studio Ghibli, una danza submarina como sacada de ‘Fantasia’ (1940), y ‘Coloratura’ abre el álbum imaginando una «escena de apertura en la que un barco pirata es engullido por las aguas tormentosas» y que da pie al nacimiento de un nuevo mundo lleno de luz y paz.
Aunque la Ichiko Aoba clásica, la que solo tira de guitarra y voz, no se va a ninguna parte en ‘Luminescent Creatures’, y su voz sigue sonando a la más pura calma y serenidad en pistas como ‘Flag’, el álbum experimenta con texturas electrónicas en dos de las pistas que se zambullen en el océano, ‘Sonar’ y ‘Pirsomnia’, que se inspiran en la vivencia de Aoba nadando junto a ballenas.
Los interludios con sonidos de caja de música, como ‘Cochlea’, empujan el álbum hacia el sueño total, por lo que ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más animados sus arreglos: en ‘Tower’ el oyente danza junto a la fauna abisal que inspira el álbum, en paz y armonía: ‘Luminescent Creatures’ es un disco que imagina un mundo maravilloso al que el cambio climático no ha llegado. Björk lo llamó ‘Utopia‘, pero ella voló a los cielos y Aoba se sumerge en el mar.
Ichiko Aoba presenta ‘Luminescent Creatures’ el próximo 10 de marzo en Barcelona en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia.
Contó Judeline anoche durante su concierto en la sala Razzmatazz que estaba muy contenta de tocar en Barcelona porque, la primera vez que programaron un concierto de ella en la ciudad, el show se tuvo que cancelar por la baja venta de entradas. Hoy, Judeline es una artista que se emociona cantando ‘zarcillos de plata‘ porque el público la corea como si fuera un clásico, tanto que la cantante de Cádiz ha de separarse del micrófono para llorar como una magdalena, y seguir cantando una vez se ha recompuesto.
Es el efecto que produce ‘zarcillos de plata‘, muy diferente al de ‘Zahara’ o ‘2+1’, que invitan al perreo ensoñador. Judeline se mueve entre ambas facetas en el concierto de ‘Bodhiria‘ (2024) y, sobre todo, presenta una fórmula de show que le beneficia y que es sobradamente mejor que los anteriores.
La misión de Judeline ha sido trasladar su urban-pop delicatessen al directo, pero dado que ella no es bailarina, ni posee un vozarrón que llene el espacio, ni su presencia escénica es arrolladora, a menudo ha dependido demasiado de su carisma y de una puesta en escena bonita pero funcional. Por eso, al show de ‘Bodhiria’ le favorece su concepto narrativo, desarrollado en torno al concepto de ‘Bodhiria’ y del «lore» de Judeline y su relación sentimental con el famoso canijo.
El canijo, de hecho, es el personaje secundario del show de ‘Bodhiria’ y aparece en el escenario desde el principio hasta el final, descamisado, bailando, caminando de un lado a otro del escenario o haciendo muecas, mientras Judeline interactúa con él o no, dependiendo de la canción. Pero su recuerdo está siempre presente en las letras y, por tanto, también, el bailarín lo está encima del escenario, entregando su cuerpo (y el enorme tatuaje de su espalda) a la música. El tatuaje en tinta roja -o rojo sangre- del Canijo refleja los que la propia Lara lleva marcados en la piel, redondeando el concepto del show.
Christian Bertrand
El movimiento sobre las tablas favorece el impacto de unas canciones que suenan maravillosamente soñadoras y tímidas. A este movimiento contribuye la original puesta en escena, en la que destaca la presencia encima del escenario de una estructura piramidal construida con armaduras metálicas o de acero a las que los bailarines y bailarinas de Judeline de vez en cuando se agarran como si fueran koalas. En medio de esta estructura cuelga una especie de columpio/péndulo al que Lara Fernández se sube para cantar varias canciones durante el espectáculo.
El repertorio de Judeline también es mejor y el público está encantado de responder a la Niña del Sur con su calor. Especialmente el coro «Me rompiste el corazón» de ‘Mangata’ se presta a la euforia colectiva, pero su producción house suena de absoluto lujo. La calidad de pistas como ‘angelA’ o ‘INRI‘ hace que el neo-soul de ‘De una manera’ suene desubicado de repente dentro del repertorio de directo de Judeline. Y este aún requiere la inclusión de esa curiosa versión de ‘La tortura’ que en voz de Lara y, bajo producción de DRUMMIE y varios, ya no es ninguna ídem. Shakira debería estar tomando notas, pero sabemos que está a otras cosas.
Un pero que ponerle al show de Judeline es su decisión de deconstruir ‘Canijo‘, que, pese a ser narrativamente una de las canciones clave del concierto, en directo asume una forma de UK garage muy diferente a la original y que prescinde de los «beat drops» que hacen de la original una producción tan excitante. Bien por renovar una producción conocida por todos, pero ¿tenía que ser una de las más divertidas rítmicamente?
Judeline se mete al público en el bolsillo hablando (lo que puede) catalán y poniendo en valor la juventud que asiste a los conciertos: le da la impresión de que la mayoría de fans en las primeras filas son de «su quinta» y seguramente fuera así, pero allá donde no le alcanzaba la vista también había fans que superan (superamos) los 30 años, o padres que acudían al concierto con sus hijas. ‘Bodhiria’ demuestra que, en España, la calidad ya es mainstream y transversal.
De hecho, Judeline es tan joven que, durante el show, recuerda que ella soñaba con visitar Barcelona cuando era adolescente porque admiraba a Bad Gyal. Tan joven es Judeline que Bad Gyal es ya referencia para ella y otras estrellas. Judeline, con su sonido cuidadísimo, preciosa voz y ahora, estupendo show de pop, ya da pasos para ser ella la referencia.
‘Bailar y llorar’ debe de ser la primera canción de Vicco que sale al mercado sin que ‘Nochentera’ esté en la lista de ventas española oficial. Al menos desde Benidorm Fest. En el top 100 aguantó años y sumó 9 discos de platino. Nada que ver con la suerte que corrió su álbum ‘Noctalgia‘ pese a que era notable.
Ahora la artista catalana continúa su carrera, aún en Sony, con un tema de corte noventero. ‘Bailar y llorar’ -nuestra Canción del Día hoy- no se parece a ‘Estoy llorando por ti’, no tiene esa vocación trance, sino más bien la de un medio tiempo de aquella década. Con un piano que ya solo puede sonar a Robert Miles, y una melodía eficiente como ella sabe, puede y debe gustar a aquellos que se saben de memoria los penúltimos hits de Ana Mena y Aitana, quienes tampoco es que inventaran nada después de todo. Kickbombo coproduce junto a Vicco.
Sony nos cuenta que ‘Bailar y llorar’ explora «la dualidad entre el amor y el odio», «tanto en la letra como en la producción». El tema «describe el proceso de comprender que algunas relaciones no nos hacen bien y la dificultad de dejarlas atrás». El vídeo dirigido por Albert Marcos presenta a Vicco bailando bajo la lluvia, «simbolizando el proceso de soltar y sanar a través del movimiento y la música», «convirtiendo el dolor en energía». Quizá un montón de lugares comunes al que pocos peros se pueden plantear.
Alma, el ciclo que el año pasado acogió en Madrid actuaciones como las de Alison Goldfrapp y Róisín Murphy, vuelve este 2025. La organización ya había anunciado que podremos ver en el Parque Tierno Galván a gente como Camila Cabello, Wilco, The Corrs o Dorian en un programa conjunto con Miranda!; y anoche celebró una fiesta en el Café Comercial para dar los últimos nombres.
En el evento pinchó Carlos Jean, quien defendió la calidad del ciclo destacando que las entradas para Rüfüs de Sol se han agotado porque «ese tipo de electrónica tranquila está de moda» o el «alma», el «soul» (LOL) del proyecto Rag N Bone Man.
Las nuevas confirmaciones incluyen proyectos de la calidad de Residente, uno de los mayores referentes de toda la generación urban de la década pasada; el proyecto que queda de Buenavista Social Club, «Buena Vista All Stars»; y Carlos Núñez. Las entradas para estos nuevos shows salen el próximo lunes a las 11.00 horas. El resto ya está en marcha.
Así quedan las fechas:
19/06 – Residente
20/06 – Dorian + Miranda!
21/06 – Carlos Núñez
25/06 – Camila Cabello
26/06 – Proyecto en vivo de Alan Parsons
27/06 – Wilco
28/06 – EL SOL SE RUEDA
29/06 – Los Tigres del Norte
30/06 – Los Corrs
1/07 – El hombre de trapo y hueso
2/07 – Grupo Nicho + Buena Vista All Stars
Lizzo, que se tomó 2024 de año sabático, tan pronto como en el mes de febrero de este loco 2025 produce su primera novedad musical, anticipo de su nueva era.
‘Love in Real Life’ es una canción de corte rockero que en sus primeros acordes remite claramente a los Strokes, y en su estribillo cambia bastante de melodía para tornarse en un hit de los Ramones.
Lizzo había advertido que su nuevo álbum hablaría sobre la depresión y a eso apuntan frases como «hay demasiada mierda ahí fuera, me siento más segura en mi habitación» y finalmente «necesito salir de mi cama, necesito amor en la vida real».
En cuanto al final del tema en estrepitoso «fade out», no puedo quitarme de la cabeza este divertido comentario de Popjustice: «parece que al sello se le ha ido la conexión a internet cuando estaban subiendo el tema».
‘Love In Real Life’ se estrena a la par que el videoclip, en el que Lizzo se sumerge en una fiesta nocturna en la que, entre coreografía y coreografía, aparecen «contratiempos»…
Con ‘Thriller’ de Michael Jackson como referente clarísimo, ‘Love in Real Life’ resulta tan pegadiza como dependiente de sus múltiples referencias. En sus inicios parecerse a otros fue el principal problema de los discos de Lizzo y parece que puede seguirlo siendo cuando encara ya el 5º.
Hoy se publican los discos de LISA, Panda Bear, Lela Soto y Rozalén, además del nuevo EP de shygirl. De todos ellos compartimos un pedacito en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend. En portada, el portadón de ADÉLA.
Si el single de LISA tiene el lujo de contar con Future, otros temas que han aparecido en playlist internacionales son los nuevos de Benson Boone, Damiano David o Lizzo. Tate McRae sigue completando el que es nuestro Disco de la Semana con «bonus», y también habemus nueva colaboración de Kali Uchis (el baladón ‘Crashing’ con d4vd al modo ‘Die With a Smile’).
Más underground son las novedades de Grimes, Skunk Anansie, girl in red (que de hecho dura 1 minuto y 25 segundos) o BANKS.
En el plano nacional no podemos quejarnos tampoco: hay temas de Rigoberta Bandini, Vicco, Papa Topo, Iván Ferreiro, Babi, Paul Thin, Dinamarca con AKRIILA una vez más o Las Migas.
Halsey no pierde el tiempo. Unos meses después de la salida de ‘The Great Impersonator’, la estadounidense lanza hoy una de las canciones más salvajes de su carrera. ‘safeword’ es una oda directa al BDSM y también un banger de punk rock absoluto.
El tema, breve pero peleón, podría formar parte de la edición deluxe de ‘The Great Impersonator’, pero todavía no está claro.
Cuando le preguntaron por una palabra para describir su próximo single, Halsey respondió: «Obediencia». Y eso es justo lo que hemos recibido. «Clávame en el suelo, balancéame del cuello / Encerrada tras una puerta, ¿ya es la hora?», canta en las primeras líneas, que sientan el tono perfecto para el resto del tema.
La guinda de ‘safeword’ es un videoclip hecho a medida en el que Halsey no para de servir -azotes, sobre todo- tanto en cuero como en cueros y que también tiene su punto de perturbador. Especialmente en los últimos instantes, en los que aparece con una inquietante máscara. Si es que es ella, claro.
Garbage han hecho el anuncio oficial de su octavo álbum, titulado ‘Let All That We Imagine Be The Light’. El nuevo disco de la banda estadounidense estará disponible el próximo 30 de mayo. Según un comunicado de prensa, el primer single llegará «en las próximas semanas».
Shirley Manson describe ‘No Gods No Masters’, lanzado en 2021, como lo contrario de este próximo lanzamiento: «Nuestro último disco era extremadamente directo, nacido de la frustración y la ira». Sin embargo, ‘Let All That We Imagine Be The Light’ tiene una «energía diferente»: «Estaba decidida a encontrar un mundo más esperanzador e inspirador para sumergirme en él», revela la cantante.
En cuanto a la música, Manson también describe el disco como «indudablemente Garbage» y detalla algunos de los elementos que siempre han caracterizado al grupo y que estarán incluidos en el nuevo disco: «Grandes guitarras angulares, beats precisos y paisajes sonoros cinematográficos», concluye.
Tracklist:
1. ‘There’s No Future In Optimism’
2. ‘Chinese Fire Horse’
3. ‘Hold’
4. ‘Have We Met (The Void)’
5. ‘Sisyphus’
6. ‘Radical’
7. ‘Love To Give’
8. ‘Get Out My Face AKA Bad Kitty’
9. ‘R U Happy Now’
10. ‘The Day That I Met God’
Kevin Kaarl es todo un fenómeno en México con solo dos elementos básicos: su voz y su guitarra. El artista de 24 años lanzó su cuarto disco el pasado San Valentín, ‘ULTRA SODADE’, y sus reproducciones ya se cuentan en las decenas de millones. El próximo septiembre estará en Barcelona, Valencia, Málaga y Madrid.
La música de Kaarl se caracteriza por un protagonismo total de su guitarra acústica, muy folk, y su profunda voz, además de unas letras sobre rupturas y anhelos románticos capaces de emocionar a cualquiera. «Sé de mí y yo de ti / Como cuando solías siempre reír», canta el mexicano en ‘siento tanto aquí’. En este sentido, puede recordar a artistas como Ed Maverick.
‘no me culpes por sentir’ y ‘búscame otra vez’, dos de los singles de ‘ULTRA SODADE’, sirven perfectamente para adentrarse en el mundo de Kaarl. En la primera de estas, además, prueba a añadir sintetizadores a su particular estilo. Resulta que las texturas del dream pop funcionan a la perfección con su atmósfera tan personal.
Por otro lado, ‘Vámonos a Marte’ y ‘San Lucas’, dos clásicos de su discografía, ya superan los 400 millones de reproducciones en Spotify. Cada una.
El original de Meoqui (Chihuahua) aterrizará en Barcelona (Razzmatazz), Valencia (Sala Moon), Málaga (Paris 15) y Madrid (La Riviera) los próximos 11, 13, 15 y 17 de septiembre, respectivamente. Las entradas han salido hoy mismo a la venta, a un precio desde los 33 euros.
Jordana B., la divertida banda medio surfera, medio verbenera, medio punk pop, de María Solá, publica su segundo álbum en Subterfuge. Lo mejor de ‘¿Tú y cuántos más?‘ eran sus cotidianas historias de amor y sexo, léase, ‘Leandro Tudela’ con Marta Movidas… y lo mismo vuelve a pasar en este largo que, para más señas, se titula ‘Otra vez el mismo drama’.
En ‘Holter (profecía autocumplida)’, Solá se niega a ejercer de psicóloga para su ex. ‘Demasiada mujer’ reivindica a alguien que era «demasiado cursi para él, demasiado grande para el papel, demasiado difícil de entender». Y esa visión a veces implica un ligero contenido social: ‘Paris Hilton’, un tema sobre no estar haciendo lo que de verdad quieres hacer en la vida, carga contra «el paternalismo que soportar», «toda esa idiotez que es deporte nacional».
Puede que la producción más transversal sea la adaptación de ‘Common People’ de Pulp, que castellanizaron hace un par de años con el objetivo de hacerla un poco más LGTBIQ+. Como en el disco anterior, les siguen funcionando las parodias realizadas sobre la capital. La letra de ‘Gente corriente’ primero dice: «las pijas de Madrid son insoportables / la llevé a un bar de mala muerte». Y al final termina con cosas de pijos: ir a un restaurante con mesa reservada.
También hay humor en ‘Nini’, sobre decirle a tus padres que estás saliendo con «un nini de mierda»; historias tan potentes que dejan en muy segundo plano la coartada conceptual de ‘Otra vez el mismo drama’. Estamos ante un álbum vertebrado en torno a un programa de radio imaginario, el cual se asoma por la primera y la última canción y deja un spot publicitario a modo de «interludio».
Quizá es más interesante comentar que el disco se deja producir por cuatro manos: Ganges, Guille Mostaza, Carlos Hernández y el también miembro de la banda Mané López, lo que explica la variedad estilística. Ganges es la productora detrás de un tema que pasa de la electrónica a los instrumentos de viento de corte sintético (‘Chicos malos’) y es el propio Mané quien se anima con la aventurera ‘Rumba B’, que contiene palmas sobre un beat más propio del trap.
No encajan tanto las colaboraciones de Camellos y Sienna, en especial la de este último, que parece más bien ideada para el disco de él de todo el protagonismo que tiene. La verdadera noticia es que después de 6 adelantos les sigan quedando composiciones con el potencial de ‘Mar menor’: un tema retro en el que aparecen el poliamor y la regla, como en la vida misma.
Como parte del tour Girando por Salas «GPS», Jordana B actúan en Tenerife el 29 de marzo, en Santiago el 4 de abril, el 25 de abril en Cáceres, el 26 de abril en Badajoz, el 9 de mayo en Salamanca y el 10 de mayo en Segovia. Otras fechas del grupo, aquí.
Little Simz, una de nuestras artistas de cabecera gracias a álbumes como ‘Sometimes I Might Be Introvert‘, ganador del Mercury Prize 2022, acaba de anunciar su sexto trabajo, ‘Lotus’. Saldrá a la venta dentro de unos meses, en concreto el 9 de mayo, a través de AWAL Recordings. Su primer sencillo, ‘Flood’, es nuestra Canción del Día hoy.
Se trata de una colaboración con Obongjayar y Moonchild Sanelly, marcada por dos cosas: en la producción, la percusión; y en lo visual, la estética torera. Solo que esta nos llega sobre un fondo oscuro, no viene acompañada del color que le atribuye el mundo taurino en España. El vídeo es obra del cineasta Salomon Lighthelm.
Obongjayar se encarga de desplagar la intro que en verdad va a ser el estribillo («mientras camino por este malvado suelo, mantenme lejos del diablo»), y Little Simz de escupir los versos, que incluyen frases como «Puedes cambiar de forma tanto como desees, pero sabes que yo soy la pieza que falta en el puzzle».
Ambos mantienen la tensión de la canción viva hasta que en una tercera estrofa Little Simz despliega una especie de 6 mandamientos, que incluyen consejos por la supervivencia. Algunos de ellos son «cuidate a ti misma», «no te lo tomes a lo personal» y «no reacciones ante los clones».
Según la nota de prensa de XL en España, «Lotus encarna renovación y crecimiento, reflejando el arte de la artista en evolución y el viaje temático del álbum a través de las intrincadas fases de la vida».
REPION acaban de ser citadas por Viva Suecia como una de sus bandas favoritas en una entrevista con JENESAISPOP.
El grupo formado por Marina y Teresa Iñesta está precisamente de actualidad por varios motivos. Tras colgar el cartel de sold-out este mes de febrero en ciudades como Madrid y Valencia, continúan una gira que les está llevando estas semanas por Almería, Murcia, L’Hospitalet de Llobregat, Boiro, Oviedo, Zaragoza, Huesca o Bilbao. Todos los detalles, en su linktree.
Además, REPION ha remozado una de las canciones extraídas de su EP del año pasado, ‘Entre todas lo arreglamos’, en compañía de Rufus T. Firefly. Se trata de ‘Viernes’, que comenzaba de manera muy característica («Volver a casa sola no es divertido / No quiero hacer la cena / Porque tú ya no estás para hacerla conmigo»), y hablaba de la soledad de manera muy poética («Y aún me sabe la boca / a lo último que dije»). Claramente, Rufus T Firefly han extraído el fondo pop-rock de la grabación original para llevársela a su terreno, más sintético y onírico. Más ‘Drive’.
No será su última colaboración porque Repion tienen previsto publicar el 11 de abril tanto en digital como en vinilo los cuatro temas del EP del año pasado con artistas amigos. El próximo EP -que también se llamará ‘Entre todas lo arreglamos’- incluirá los 4 temas publicados en 2024 en la cara A y en la cara B revisitados con Shego, Tulsa, Cora Yako y por supuesto Rufus T Firefly.
A su vez, Rufus T. Firefly también han sorprendido a sus fans anunciando que este año sacarán álbum. En el teaser colgado en Instagram anuncian como fecha «abril de 2025». Se tratará de su primer largo desde ‘El largo mañana‘, que salía en una fecha tan lejana como 2021. Os dejamos con el teaser y con el modo en que han revisitado a REPION.
El actor Gene Hackman ha sido hallado muerto en su casa de Santa Fe, Nuevo México, en la tarde de este miércoles, hora local. Estaban junto a él, también sin vida, su esposa la pianista Betsy Arakawa, y el perro de ambos.
Como informa la prensa local, la policía desconoce qué les ha pasado y lo están investigando, pero han descartado que se trate de un crimen. Gene tenía 95 años en el momento de su muerte, y su esposa, 63.
Gene Hackman fue muy popular durante varias décadas del siglo pasado, especialmente desde que apareciera en ‘Bonnie & Clyde’ en 1967. Ganó dos premios Oscar por ‘The French Connection’ y ‘Sin perdón’ y apareció en cintas como ‘Supermán’ o ‘La conversación’ de Coppola. También en series como ‘FBI’ y ‘Los invasores’.
En 2003 decidió retirarse tras haber participado durante nuestro siglo en ‘Heist’ y ‘Los Tenenbaums’ de Wes Anderson. Es decir, en el momento de su muerte, llevaba más de 20 años retirado.
Sam Fender ha liado una muy gorda en Reino Unido, justo en la semana en que va a conquistar las listas con su nuevo álbum ‘People Watching’ con unas cifras espectaculares. Va a vender más de 100.000 copias en esta primera semana: disco de oro directo, una verdadera barbaridad en estos tiempos que corren. Ya tiene un lugar entre lo más vendido de todo 2025 y además Alexis Petridis de The Guardian le ha dado las 5 estrellas.
En estas, ha dado una entrevista a The Sunday Times que está dando la vuelta al mundo, por su opinión sobre el origen de la popularidad de líderes de ultraderecha como Andrew Tate. En su opinión, el problema es que se está hablando demasiado de «privilegios de hombre blanco» y se está hablando muy poco de «clases», lo que lleva a un sector de la población ya desamparado a sentirse más desamparado aún.
Ha dicho: «se nos da muy bien hablar de privilegios de hombre, blanco, hetero. Pero rara vez hablamos sobre clases». Y continúa: «Esa es la razón por la que los chicos jóvenes se están dejando seducir por demagogos y psicópatas como Andrew Tate. Les hacen avergonzarse todo el rato de ser quienes son y les hacen sentir que son un problema. Esa es la narrativa que reciben chicos blancos de ciudades perdidas. ¿La gente hace un sermón a un chaval de Durham que está jodido y le dice que es un privilegiado? Pues Tate le va a contar a ese chaval que él sí merece la pena. Es una narrativa atractiva».
Los medios anglosajones se están llenando de columnas de opinión sobre las palabras del artista número 1 ahora mismo en Reino Unido. Mientras algunas voces apuntan que ya era hora de que saliera este debate, mientras multimillonarios tipo Elon Musk están dominando ya descaradamente el mundo, Dazed ha escrito una columna con argumentos a favor y en contra, citando varios estudios sociológicos.
En Dazed subrayan que Sam Fender no tiene razón en una cosa: los discursos de ultraderecha misóginos no proceden ni calan especialmente más en la clase trabajadora. La misoginia es transversal, no es asociable a las clases bajas: por ejemplo, un estudio de una web aseguró que, cuando se habla cultura de la violación y acoso sexual, se hace 8 veces más asociado a escuelas privadas que a escuelas públicas. El texto de Serena Smith se pregunta también qué es la «clase trabajadora» en 2025, si tal término sigue atendiendo a la terminología marxista, o no.
Por otro lado, la columnista cree que Sam Fender tiene razón cuando dice que los «chavales blancos de ciudades perdidas» han sido ignorados por los políticos duante años, y su vulnerabilidad «está siendo usada por la ultraderecha y gente como Andrew Tate».
Si te preguntas a qué suena la música de Sam Fender, no tan popular por estos lares, la respuesta es simple: exactamente a Bruce Springsteen, el gran líder de la clase trabajadora estadounidense durante los años 80.
Las listas de Billboard de la semana han traído novedades relevantes tanto en Singles como en Discos. Por un lado, y tras su presentación en la Super Bowl, que sigue dando alegrías casi un mes después como pocas Super Bowls han dado, ‘luther’ asciende al número 1 del Billboard Hot 100.
El dúo entre Kendrick Lamar y SZA contenido en el último álbum de él, ‘GNX‘, sustituye en el número 1 a ‘Not Like Us’ del propio Kendrick. Este es el 6º número 1 de Lamar en el codiciado Billboard Hot 100, y el 3º para SZA.
Pero es que en la misma semana ha salido la mixtape de Drake y Party Next Door. Han logrado llevar ‘Gimme a Hug’ al puesto 6 y ‘Nokia’ al puesto 10 de la lista de singles, pero la noticia es que el álbum en sí mismo, ‘$ome $exy $ongs 4 U‘, alcanza la cima del Billboard 200.
Y esto supone un récord para Drake, que llega así a 14 discos número 1 en el Billboard 200, empatando a Taylor Swift y también a Jay-Z, como solistas más exitosos de la historia. Ya solo tienen por encima a The Beatles con 19, como puedes comprobar en Wikipedia.
Si te estás preguntando cuántas canciones de Drake han conseguido llegar al número 1 en singles, la respuesta es 13. Aún a Kendrick le costará mucho llegar hasta ahí, pero viendo la tendencia, no es imposible. Como culmen del crossover, 1 de los 3 números 1 de SZA en el Billboard Hot 100 ha sido con Drake: ‘Slime You Out‘ en 2023.
Os recordamos que Kendrick Lamar y SZA actúan el próximo 30 de julio en el Estadi Olímpic de Barcelona. Las entradas están a la venta.
La música de los neerlandeses Chef’Special -no todo van a ser bandas de UK y USA- parece pensada para el directo. Escuchas los singles principales de su quinto disco, ‘New Gold’, publicado el año pasado, y es que te imaginas perfectamente cómo suenan en vivo. Su propio equipo indica que «en sus actuaciones en directo, el público es tan vital para la experiencia como la propia banda».
En Ámsterdam han actuado en el mítico Ziggo Dome, arena de 16.000 personas por donde ha pasado gente como Fleetwood Mac o Beyoncé, pero el grupo también ha trabajado su base de fans en otros países europeos como Bélgica, Francia o España, donde actuarán el mes que viene. Presentan su último disco, sus grandes éxitos y también su nuevo single, ‘C’est la vie’, sobre los altibajos de la vida. Las entradas para su tour español están a la venta:
20 de marzo: Barcelona (Apolo 2)
22 de marzo: Valencia (Moon)
23 de marzo: Madrid (Villanos)
Hay algo que suena muy alegre en ‘New Gold’. ¿Estáis de acuerdo? ¿Es un disco feliz para los tiempos oscuros que vivimos?
Sí que intentamos hacer algo como respuesta al mundo que nos rodea. Un enfoque muy obvio habría sido hacer un álbum muy sombrío y escribir un montón de canciones hechas desde el enfado o el miedo. En cambio, tratamos principalmente de ser más introspectivos y encontrar sentido y alegría en las cosas que tenemos cerca en nuestras vidas. Incluso en tiempos oscuros hay muchas cosas que valen la pena.
¿Han sido estos últimos años especialmente felices y luminosos para vosotros como banda y como individuos?
Creo que todos hemos crecido como individuos. Al salir de la covid, cada uno nos hemos calmado un poco y estamos más en paz en lo personal. Creo que ese tipo de tranquilidad definitivamente hace que todo sea más luminoso y eso también se ha traducido en la banda en conjunto.
Hacéis rock, reggae, hip hop, incluso alguna vez sale alguna cosa country o dance. Es toda esta mezcla, el futuro de la música que imaginamos el pasado siglo?
(risas) Bueno, todos nacimos a finales del siglo pasado, así que de alguna manera, sí. También es que a todos nos gusta una amplia variedad de música y nunca nos hemos puesto ninguna frontera sobre lo que debería ser «el sonido de Chef’Special». A causa de eso, nuestra música va en todo tipo de direcciones, lo que nos gusta, porque hace que el proceso creativo siga siendo impredecible e interesante.
Vuestra música puede llevarme a The Police, a Bob Marley, a Imagine Dragons… ¿Cuál sería el artista que todos adoráis como banda? ¿Y qué artista os divide más?
No sé qué decir (risas). Creo que The Police y Bob Marley son influencias que segurísimo que a todos nos gustan en el grupo. Imagine Dragons me resultan un poco lejanos estilísticamente, pero sí que me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock. Y eso es algo muy difícil con toda la buena música que se está haciendo a día de hoy.
«Imagine Dragons me resultan lejanos en estilo, pero me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock»
‘C’est la vie’ suena más francesa. No por el título: es la melodía, tan 60’s, tan chanson, un poco Gainsbourg. ¿Es una influencia para vosotros? ¿Algún oldie de Francia que admiréis?
Sí, hay un montón de influencias francesas en esa canción. Cuando empezamos como banda, tocamos un montón en Francia y a Joshua, nuestro cantante, le encanta el francés y lo habla bastante bien. Así que siempre ha habido una conexión. La inspiración directa para la canción viene de un disco de Michel Sardou de los 80. Es un buen cruce entre el sonido de sintetizadores de los años 80 y la chanson más tradicional. Nos parecía guay hacer algo parecido al modo de Chef’Special.
Mi canción favorita del último disco es ‘Material Things’, por ese «vibe» electropop. No ha sido un single, pero he visto que sí que la tocáis. ¿Es una de las que mejor funcionan en vivo, aunque solo sea por los «la la las»?
(risas) ¡Gracias! Hemos hecho una outro más larga para el directo. Suena más dura y divertida, así que levanta al público, sí…
‘Miracles’ suena a canción de amor. Pero si pudierais pedir que ocurriera un milagro en la vida real, ¿cuál sería?
Que todo el mundo fuera más majo con los demás.
«Nunca quise ser una «rolling stone»», es una frase en ‘Castaway’. ¿Qué es lo mejor y lo peor de estar de gira o de ser artista?
Lo mejor es que es una gran aventura y un privilegio despertar cada día en una ciudad distinta y tocar música frente a una audiencia. Lo peor es estar lejos de tu familia y de tus amigos.
Cuando escucho canciones vuestras como ‘Fly Like Me’ y ‘One of a Kind’ me llevan directamente a lo que imagino que son vuestros conciertos. ¿Pensáis en los shows directamente cuando escribís canciones para un disco? ¿Son los conciertos la mejor forma de arte?
Sí, claro. Y es más que eso. Como que sabes que has escrito una buena canción de Chef’Special si puedes imaginarte a ti mismo tocándola en directo para la gente y te imaginas a la gente cantándola. Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único. Tienen lugar en un momento concreto y en un lugar concreto y nunca se podría repetir exactamente igual. Así que cada concierto es especial.
«Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único»
Sois de Holanda, pero sois capaces de hacer giras por toda Europa. ¿Algún consejo para grupos de rock que quieran tener éxito en el extranjero?
Tratar de superar tu horizonte musicalmente. En cada parte del mundo hay gente haciendo cosas increíbles. Cuanto más puedas apreciarlo y llevarlo al poder universal de la música, más probable será que la gente de todo el mundo descubra tu música. De todas formas, nosotros seguimos aprendiendo en ese sentido.
Cuando pensamos en música independiente, muchos pensarán inmediatamente en un grupo de música medio underground, en general compuesto sólo por hombres. Quizá no en una cantautora. pero Vega, el proyecto de la cordobesa Mercedes Mígel Carpio, está batiendo récords de vida al margen de los cánones de la industria. Ha repartido contra las multinacionales, ha repartido contra las plataformas de streaming, ha repartido contra los festivales… y ahora que sale de gira, no podíamos dejar de invitarla a nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO, en el que ella misma quema su último álbum ‘Ignis’ ante nuestros atónitos ojos.
Es este un álbum de sonido inspirado en lo que era el sonido indie de finales de los 2000 en España, comenzando el largo de hecho con una cita de Iván Ferreiro, referencia, colaborador puntual y amigo de Vega. La artista presentará el disco que contiene novedades tan notables como ‘Incondicional’, ‘De otro planeta’, ‘Leviatán’ o ‘Crisantemos’, junto a temas seleccionados de su repertorio anterior, en 7 ciudades españolas que podéis consultar en su web.
«No tengo claro que vaya a hacer muchos más conciertos» es ya el primer titular que nos deja esta entrevista de una hora y media, si bien Vega puntualiza que tampoco quiere anunciar una falsa gira de despedida que luego contenga segundas, terceras y cuartas partes. Simplemente está cansada de que, por ejemplo, los festivales no paguen -a los artistas de zona media- el caché suficiente para costear a los músicos y personal necesarios. Algo que se agrava, siempre según su relato, si el artista es mujer. Por eso este año no veréis a Vega en festivales, ni en los que obviamente no encaja, pero tampoco en los que sí te la imaginas. «No voy a tocar a bajo coste en ningún sitio», anuncia.
Vega llama la acción sobre estos hechos, y su propuesta como mujer es no tocar. «Para mí no ha mejorado nada. Para cambiarlo, hace falta un activismo, y no un activismo de palabra. Hace falta activismo de hecho. ¿Yo, como mujer, quiero que se pague mejor a las mujeres? Pues si no me pagas [lo que vale el show] no voy a ir, y ojalá todas hiciéramos lo mismo». Y corrige: «También soy plenamente consciente de que no todo el mundo puede hacer eso. Y juegan con eso. [En España] no faltan mujeres en la música. Lo que pasa es que no llegan. Ha llegado 1 de las 300 que lo intentan. Hay 300 a las que pagan una miseria, o un bocadillo. Yo leí el comunicado [de despedida] de Carmen Boza y se me rompió el corazón en cuatro. Ya está bien. Claro que se agota. No hay un activismo como colectivo».
Con que ella se puede permitir no tocar donde no le pagan lo que cuesta su show, se refiere a que ella puede vivir como música de sus derechos de autor, tras haber escrito para Bisbal, Raphael o Manu Carrasco, amén de toda su discografía en solitario. «Mercedes Mígel» vive de sus derechos de autor, mientras todo lo que gana como Vega, lo reinvierte. Por ejemplo en la edición física de ‘Ignis’, que le ha costado 75.000 euros porque se puede quemar, como demuestra ante nuestros atónitos ojos. Por lo vendido, como mucho, recuperará ese dinero. Si gana algo, reinvertirá en Vega, y así sucesivamente.
La artista también habla de su paso por Operación Triunfo y de los nuevos ídolos del formato; recuerda que el streaming no da de comer a los artistas por los inexistentes beneficios que implica para los autores; y habla de cuáles son sus canciones favoritas entre las compuestas para otros artistas. Además de entrar en detalle sobre destinatarias de sus últimas letras, y canciones que hablan sobre la libertad aunque no esté tan claro, Vega es crítica con el modo de acreditar canciones de hoy en día: «Sigo sin creerme una canción escrita por 14 personas, como mucho serán 2 personas. El resto son arreglistas».
A menudo la artista se muerde la lengua sobre lo que puede decir y lo que no, pues su hermana y ayudante en su sello La Madriguera, le ha pedido que en esta entrevista dé «2 titulares en lugar de 37»; pero siempre se le termina escapando alguno, como ese que asegura al final: «Amo a los haters que me ayudan a ser mejor».
El fandom de Justin Bieber está muy preocupado por él, con muchas personas teorizando sobre un posible regreso a las drogas. Sobreprotección o no, el representante del artista de 30 años se ha visto obligado a emitir un comunicado tranquilizando los ánimos y negando toda acusación. El siguiente movimiento de Bieber ha sido subir un vídeo directamente a su cuenta de Instagram rapeando sobre estar «colocado».
Sin camiseta y comiendo una bolsa de palomitas, Justin parece estar pasándoselo bien con su amigo Eddie Benjamin: «Colocado como una gaita», rapea. En cualquier otro contexto, sería simplemente un vídeo de Bieber haciendo un freestyle de risas. Sin embargo, las últimas semanas del cantante han recordado a los momentos más críticos de su carrera.
Todo empezó a principios de febrero, cuando se publicaron unas imágenes de Bieber con pintas de haber dormido muy poco. Las alarmas de los fans saltaron inmediatamente. Justin había tenido su primer hijo con Hailey Bieber unos meses antes, y eso es justo lo que fuentes cercanas a él alegaron: «Había pasado parte del día cuidando de su hijo, que también estaba teniendo problemas para dormir», recogió TMZ, además de asegurar que «había pasado toda la noche grabando».
Sea lo que fuere, y como tantas veces ha ocurrido en la carrera de Justin y otros artistas como Post Malone, para el público las drogas duras eran la base de todo. Lo cierto es que a lo largo del mes han ido apareciendo más vídeos de Bieber comportándose de forma extraña.
Uno de ellos recoge un encuentro con una fan en el que el artista exhibe una incómoda sonrisa, además de fruncir los labios constantemente. Otro, un enfrentamiento con un paparazzi que le da las gracias después de robarle algunas fotos de camino a su aparcamiento. La respuesta de Bieber: «¿Por qué me das las gracias? No me las des, es irrespetuoso». La situación es muy confusa.
Justin Bieber was getting snapped and then he snapped — unloading on a paparazzi for saying something the pop star felt was disrespectful. pic.twitter.com/DjMeRvmXS6
Es en este momento cuando el representante del autor de ‘Justice’ decide intervenir, declarando que la fijación del público en la salud de Bieber es «agotadora y lamentable»: «A pesar de la obvia verdad, la gente está comprometida a mantener vivas una narrativa negativa, salaz y dañina».
Este continuó asegurando que el último año de Justin ha sido «muy transformador para él»: «Ha terminado varias amistades cercanas y relaciones profesionales que ya no le servían», concluye. Esto último, seguramente en referencia a separar caminos con Scooter Braun, su mánager de toda la vida.
Mientras los fans de Justin Bieber siguen debatiéndose sobre si este se encuentra feliz o perdido en las sustancias, lo único con algo de certeza es que hay música nueva en camino. Sobre esto, solo tenemos las palabras de Mk.gee, que habría colaborado en el proyecto: «Todo lo que sale de su boca es música pop. Está buscando», declaró el pasado septiembre.
Canela Party ha anunciado la tercera tanda de artistas que formarán parte del cartel de este año, siendo una interesante mezcla de nombres nacionales e internacionales. La próxima edición del festival se celebrará del 20 al 23 de agosto en Torremolinos. Las entradas ya están disponibles.
Blonde Redhead, DIIV, Lambrini Girls y MJ Lenderman & The Wind, que lanzaron recientemente el aclamado ‘Manning Fireworks’, completan las confirmaciones internacionales. Por otro lado, la variedad estilística continúa en la parte nacional con Biznaga, Casero, el diablo de shanghai y Somos La Herencia.
Todos estos se suman a un cartel que ya contaba con Depresión Sonora, Bum Motion Club, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, The Get Up Kids (rememorando el 25º Aniversario de ‘Something To Write Home About’), Grande Amore, Joyce Manor, Les Savy Fav, Maple, Mourn, Tropical Fuck Storm, Aiko el Grupo, Amenra, Axolotes Mexicanos, bar italia, Fat Dog, Maruja, Parquesvr y Tatxers.
Ava Max ha publicado recientemente la que parece que va a ser otra de las canciones que irían incluidas en su tercer álbum. Suponemos que ese será también el destino de ‘Spot a Fake’ (en la imagen, LOL) o ‘My Oh My’, aunque ya sabéis dónde terminó el supuesto «lead single» del último disco de The Weeknd.
En cualquier caso, de momento ‘Lost Your Faith’ no está levantando la nueva campaña de la autora de ‘Sweet But Psycho’ y ‘Kings & Queens’. ‘Lost Your Faith’ reincide en la fuerza ochentera de voces tan rotundas como las de Bonnie Tyler y Jennifer Rush, lo que aquí acentúan las guitarras eléctricas, tan AOR, o incluso los «hallelujahs» que parecen salidos como de otra época. Lo malo es que es una melodía demasiado acomodada en lo ya explorado y que recuerda a otras publicadas con anterioridad. Por ella misma.
Por eso, cuando la letra habla de una magia que se ha perdido («antes te tenía de rodillas y ahora ya nunca rezas»), suena metafórico o incluso premonitorio. «La carretera se está poniendo más oscura, y cada vez es más difícil creer en nosotros», asegura.
Y Ava Max tiene razones para sonar tan pesimista: que de todos sus singles recientes, el único que le esté funcionando sea ese esperpento en torno a ‘Forever Young’ de Alphaville, aprovechando un «trend» de TikTok, e ideado por -cómo no- David Guetta, es una injusticia.
Una vez más, a este tipo de proyectos colaborativos se les perdona toda falta de inspiración y originalidad, y esta pista producida por Guetta con unos tics ya 15 años viejos, sí está siendo apoyada por Spotify en playlists tan masivas como Gym Hits, Viral Hits, Party Hits, Cardio, just hits o Power Hour. Lo mismo sucedía el año pasado con la canción de Ava Max con Kygo que fusilaba a Shakira. De ellas en solitario… sigamos esperando algo que se parezca, como mínimo, a la segunda venida de Cristo.
Cariño continúan su gira por todo el país: este viernes 28 de febrero están en Razzmatazz, Barcelona; el sábado 1 de marzo en la Sala Oasis de Zaragoza; y el domingo 2 de marzo en La Riviera de Madrid.
Sin ser un single oficial de su nuevo álbum, ‘Y yo que pensaba’ ha terminado siendo la más escuchada de este álbum en plataformas y además apareció en nuestra lista de mejores canciones de 2024. Hoy la celebramos como Canción del Día y Cariño nos explican cómo se construyó: «‘Y yo que pensaba’ fue una maqueta que se hizo a las 3 de la mañana, con Paola y María cada una en su habitación y conectadas en internet, tal y como salió ‘Si quieres’ y muchas otras».
Continúan: «Después se revisó y grabó con los productores, incluso se intentó cambiar completamente toda la melodía, instrumental y estructura a otra cosa completamente diferente, pero no funcionaba igual y a María le seguía convenciendo la primera versión. Así que terminamos teniendo dos versiones, y a la segunda la terminamos llamando «Y yo que pensaban». Esa versión se la pasamos a Carolina [Durante] a ver si salía algo, pero al final la cosa se quedó ahí…»
El tema parece hablar de alguien a quien no hemos olvidado. Sin embargo, no habla de la vida de ninguna de las componentes de Cariño: «La letra en realidad es contando una historia de amor frustrada, pero no nuestra, sino de nuestro técnico de sonido y mejor amigo Diego Castro. Siempre bromeamos con que es la más lesbiana del grupo, y que tiene los sentimientos más profundos y puros de todas nosotras. Al final es una letra que habla de los intentos de alejarse de una persona porque las cosas no van guays, pero al final es muy sencillo volver ahí imantado».
Sin duda, la parte más divertida de la letra es ese momento en que parece que la palabra «porno» va a aparecer… pero no exactamente («lo demás triple X, fue POR… NO sé qué es lo que salió mal»). Cariño concuerdan: «Esa parte que mencionas es nuestra favorita de la canción!!!!! Nos hace mucha gracia. Recordamos bailarla mucho en el estudio cuando lo grabamos».
Respecto a por qué no fue un single de su último disco ‘TANTO POR HACER‘, lo cierto es que no les cuadraba en la trilogía de sencillos que idearon a modo de historia, esto es, la trama tras ‘Nada importa tanto’, ‘B2B’ y ‘Lo noto’: «‘Y yo que pensaba’ era el cuarto single, pero como solo sacamos 3 no salió (risas) En realidad, la elección de las canciones que presentamos antes del disco fue con el fin de intentar acompañar la historia que íbamos narrando con el álbum. No sé si lo conseguimos pero esa fue nuestra intención…»
«Dime que no, si puedes. Dime que no, dímelo ahora» es uno de esos estribillos que puede servir para terminar de lanzar una carrera, y podría ser el caso de María Yfeu. La joven sevillana asentada en Madrid llega a su segundo álbum sintiendo que es el primero, tras hallar un sonido propio, «cerca de ninguna escena en concreto». Si en su debut ‘Santo Amaro’, ‘Lust and Love’ y ‘Evil’, en inglés, le valían comparaciones con Amy Winehouse, esta vez las referencias son más bien indie-rock, más rugosas y ásperas, siempre enmarcadas en una estética muy definida.
‘Dime que no‘ es una canción crepuscular con un gran protagonismo de las guitarras eléctricas de Diego Portugal. Arrollan incluso cuando estamos hablando de una balada. ‘lo que pasó’ podría ser la continuación natural de esta grabación si algún día logra ser un hit. En el primer punteo de ‘suerte’, Sen Senra podría venir a la mente como referente, de no ser porque María Yfeu suele citar artistas de recorrido mayor como Mazzy Star, Feist o Fiona Apple, sin descuidar otros más actuales como Okay Kaya.
Escrito en solitario por ella misma, con la producción de Raúl Pérez en La Mina, ‘Haz lo tuyo’ habla de desamor, amistades perdidas y del paso del tiempo, muy a menudo implicando las contradicciones inherentes al ser humano o las ironías de la vida. Dice ‘lo que pasó’: «Nunca sabes qué es lo que te espera, pero cuando llega, es como si lo vieras». ‘DHETLN’, que es un acrónimo de lo que repite María Yfeu en esta canción, es decir «DÓNDE HAS ESTADO TODA LA NOCHE», obsesionada como una canción de Nirvana, parece atrapada en un bucle también: «todo lo que construimos, estático en un sitio del que nunca hemos salido y al que no podemos volver».
Y la canción estrella del álbum es tremendo mar de dudas: «No dejo de dudar, pero algún día, sé que voy a curarme de tu herida». «¿Quién quiere acabar y quién repetir lo de siempre?», se pregunta, indecisa.
A veces es una pena que las letras no sean tan inteligibles, y no es una cuestión de dicción, sino de mezcla, oculta incluso bajo la sutil instrumentación. Quizá se deba a que una de las inquietudes de María Yfeu era huir del entorno cantautor, lo cual por cierto ha conseguido. ‘lo que pasó’ es un tema más bien dream pop, ‘Cógelo fuerte’ contiene una caja de ritmos un tanto trip-hop, ‘C/Viejos’ despide el disco con piano, y luego está el título del tema ‘que te follen’. ¡Ahí sí que la entendemos! Más de todo esto último, por favor…
María Yfeu actúa el 15 de marzo en Madrid, el 22 de marzo en Barcelona y el 10 de abril en Sevilla. Detalles, aquí.
Una nueva Ley de Uso y Acceso de Datos pretende facilitar a las empresas tecnológicas del Reino Unido el acceso a miles de obras musicales para el entrenamiento de modelos de inteligencia artificial, sin el consentimiento de los autores.
En protesta por el proyecto de ley, un millar de artistas británicos como Kate Bush, Paul McCartney o Dua Lipa han participado en el lanzamiento de un disco silencioso para defender su propiedad intelectual de las empresas tecnológicas que buscan explotarla.
El disco se titula ‘Is This What We Want?‘, está disponible en plataformas como Spotify y se compone de 12 temas silenciosos que, a la manera de de 4’33» de John Cage, invitan a escuchar el silencio que emerge cuando los creadores dejan de hacer música.
Además, cada uno de los 12 temas de ‘Is this What We Want?’ se titula con una única palabra que, en conjunto, deletrean la consigna The/ British/ Government / Must/ Not/ Legalise/ Music/ Theft/ To/ Benefit/ AI / Companies.
Además de músicos como Ed Sheeran, Tori Amos, Damon Albarn, Jamiroquai o Annie Lennox, han participado en el disco figuras vinculadas a las artes escénicas como la actriz Julianne Moore, el compositor Andrew Lloyd Webber o el dramaturgo Tom Stoppard.
Otros artistas que no participan en el disco han firmado una carta dirigida a The Times para sumarse a la protesta. En la misiva, señalan que el proyecto de «ley representa una entrega sin condiciones y absoluta de los derechos e ingresos de los sectores creativos del Reino Unido a las grandes empresas tecnológicas”.
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