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Empress Of / Us

Por
Raúl Guillén
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Desde que publicara ‘Me’ en 2015, han debido de pasarle muchas cosas buenas a Lorely Rodriguez, la mujer tras el proyecto Empress Of. Porque, tras mostrar en aquel debut un perfil lúgubre que le servía referentes como Zola Jesus o The Knife –la Björk de ‘Debut’ y la Austra más luminosa sí siguen funcionando como pistas–, lo que refleja el sonido de su nuevo álbum es un positivismo contagioso y una música luminosa, que sólo puede ser consecuencia de un estado de ánimo placentero –¿felicidad, quizá?– que la impulsa a pensar en plural hasta en su título, ‘Us’. Y sí, la mayor parte de las letras de estas nuevas canciones gira en torno a una armónica –que no perfecta– relación de pareja, con imágenes sencillas y cotidianas pero potentes: “Hay algo en tu cuerpo que me hace sentir segura / Te quiero encima de mí como un pisapapeles” –‘Just The Same’–, “No sé qué otra cosa hacer / que sentarme a tu lado” –canta a dúo con Dev Hynes en ‘Everything To Me’ o “No dejes que el miedo venza tus planes / Quiero enseñarte a amar / El odio puede ser una droga vacía” –‘I’ve Got Love’– son claras muestras de un espíritu pleno y eso se traslada también a su música.

No sorprende lo más mínimo que Rodriguez se aproxime a un pop cada vez menos alternativo y que, tras sus apariciones en discos de Blood Orange y Dirty Projectors, el mismo día del lanzamiento de este ‘Us’ apareciera en sendos discos de Khalid y MØ. Porque estamos ante un disco que equilibra fantásticamente una elaboración instrumental compleja y sorprendente con melodías bastante inmediatas, resultando una obra de esas que se escuchan (y se bailan) con gusto y, al terminar, piden volver a pulsar play. Lejos de aquel aura retraída que desprendía gran parte de su álbum debut, ‘Us’ es una explosión de color emocional y ganchos lo suficientemente complejos como para que crezcan tras varias escuchas. De manera no especialmente original pero sí bastante hábil, Lorely recurre a trucos del pop, el soul y el R&B mainstream contemporáneo, y los retuerce para que adopten formas bonitas y efectivas.

Quizá una de las claves de ese fulgor, y que también explicaría el trasfondo colectivo del título, sea que Lorely haya abierto la puerta de Empress Of a otros artistas que aporten una visión más rica y diversa. Así, encontramos nombre como los de Pional, DJDS, Cole MGN o Georgia, que se mezclan y aportan matices sin que en ningún caso el carácter del proyecto se diluya: la especial voz de la artista de Los Ángeles afincada en Nueva York, bonita pero alejada de virguerías y tirabuzones gratuitos, afianza una riqueza que en ningún momento resulta incoherente. Y el resultado es que, tras dianas ya conocidas como la emocionante ‘Trust Me Baby’ y ‘When I’m With Him’ –dos números en los que Lorely emplea el inglés y el español por igual, de manera encantadora y característica–, canciones como ‘I Don’t Even Smoke Weed’, ‘Just The Same’, ‘Everything To Me’, ‘All For Nothing’ o ‘I’ve Got Love’ rayan una altura similar. Nada indica que Empress Of vaya a transformarse en la próxima estrella del pop alternativo al nivel de una Solange, una Lorde o una Tove Lo, pero de lo que no cabe duda es de que este ‘Us’ es un auténtico oasis en el que refugiarse en un otoño/invierno que se antoja necesitado de trabajos así.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘When I’m With You’, ‘I Don’t Even Smoke Weed’, ‘Trust In Me’, ‘Everything To Me’, ‘Just The Same’
Te gustará si te gustan: Lorde, Solange, Blood Orange
Escúchalo: Spotify.

Deerhunter avanzan con el clavecín de ‘Death in Midsummer’ su disco sobre la “desaparición de la cultura y la humanidad”

Por
Jordi Bardají
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Deerhunter, el grupo de indie rock de Atlanta, Georgia autor de discos personalísimos y fundamentales de la pasada década y la presente como ‘Microcastle’ y ‘Halcyon Digest’, ha anunciado al fin nuevo disco, cuatro años después del anterior, ‘Fading Frontier’. El nuevo álbum de Deerhunter, en el que Bradford Cox y compañía han trabajado junto a la cantautora galesa Cat Le Bon, como ya se sabía, se llama ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’ y sale el 18 de enero.

El disco abordará cuestiones relacionadas con la “desaparición de la cultura, la humanidad, la naturaleza, la lógica y la emoción” y será según la nota de prensa un álbum “de ciencia ficción sobre el presente”. En la nota viene además una explicación dedicada a cada una de las pistas del disco, 12 en total, entre ellas una “elegía a la ecología” y una ‘Futurism’ que plantea la idea de que la “nostalgia es tóxica”.

‘Death in Midsummer’, el primer avance de ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’, presenta un estilo rústico similar a ‘Snakeskin’, esta vez dominado por la presencia de un clavecín. El vídeo retrata al grupo en el desierto de Texas, donde vemos por ejemplo a Bradford Cox balanceándose en un columpio.

Este es el tracklist de ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared?’ junto a sus consiguientes explicaciones:

1. Death In Midsummer (4:22)
Caption of photograph found in book: “Revolution In The Streets of St. Petersburg, July 1917.” The photo shows figures of people running away from piles of bodies.

2. No One’s Sleeping (4:26)
On 16 June, 2016 Labor Party MP Helen Joanne Cox died after being shot and stabbed multiple times in Birstall by Thomas Mair, a mentally ill man with ties to a Neo-Nazi organization. He shouted “Britain first” as he carried out the attack.

3. Greenpoint Gothic (2:02)
An architectural interlude for synthesizer and drums.

4. Element (3:00)
Elegy for Ecology (a landscape done in toxic watercolors)

5. What Happens To People (4:16)
Eulogy for “Emotions”

SIDE TWO:

6. Détournement (3:26)
A postcard from the slipstream

7. Futurism (2:52)
Nostalgia is toxic.

8. Tarnung (3:08)
A walk through Europe in the rain

9. Plains (2:13)
James Dean spent the Summer of 1955 in Marfa, Texas filming ‘Giant,’ before his death on September 30th.

10. Nocturne (6:25)
Live stream from the afterlife.

MOST!, el nuevo festival de Vigo, se estrena con Mando Diao, Viva Suecia, Peter Hook, Sidecars…

Por
Jordi Bardají
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Llega a Vigo un nuevo festival de música con intención de ofrecer “la mejor emergencia independiente y bailable, la que sabe fusionar la esencia de la mejor guitarra actual con la electrónica indie de baile”. MOST! celebrará su primera edición el próximo 15 de diciembre en el pabellón IFEVI de Vigo, a partir de las 18.00, con un cartel que ya puede consultarse al completo.

MOST! presenta una programación dedicada a conciertos y otra a sesiones de DJ, compuesta por nombres notables en ambos casos. Ofrecerá directos en el nuevo festival gallego Mando Diao, Viva Suecia (foto, recientemente nominados a un EMA), Sidecars, Cycle y Los Tiki Phantoms, mientras tras la cabina estarán Richard Colburn (Belle and Sebastian), Peter Hook (New Order/Joy Division), Edwin Congreave (Foals), quien sustituye al DJ set de Kaisher Chiefs “por cuestiones que afectan a la banda inglesa respecto a los plazos de finalización de su nuevo disco”; Graeme Park & Marshall Jefferson (The Haçienda/Manchester), quien sustituye a DJ Mike Pickering “por razones ajenas a la organización”, y The Black Ladder.
Las entradas para MOST! están disponibles a un precio de 35 euros hasta el 9 de noviembre en la web del festival y en diversos canales de compra.

CARTEL COMPLETO (en orden alfabético)
Belle and Sebastian (Richard Colburn_DJSET)
Cycle
Foals DJSET (Edwin Congreave_DJSET)
Los Tiki Phantoms
Mando Diao
Peter Hook_ DJSET
Sidecars
Viva Suecia
The Black Adder
FAC51 THE HACIENDA CLOSING SET
Graeme Park & Marshall Jefferson

Massive Attack celebran 21 años de ‘Mezzanine’

Por
Raúl Guillén
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El actualmente dúo de Bristol –sólo Robert Del Naja y Grant Marshall permanecen en la formación– Massive Attack acaban de anunciar que se disponen a celebrar los 20 años –serán 21 en este caso, como aclara el «XXI» de su cartel– de la publicación de ‘Mezzanine’, uno de sus discos más oscuros y celebrados, con una gira mundial. En su web ya se detallan algunas de las fechas de la rama europea de un tour que tendrá lugar en los primeros meses de 2019 y, lamentablemente, no hay ninguna que tenga lugar en España. Actualización: esta gira sí pasará por Madrid y Barcelona.

En un comunicado publicado en sus redes sociales, se afirma que Elizabeth Fraser, la voz de Cocteau Twins que canta en el tema más popular de aquel álbum, ‘Teardrop‘, acompañará al grupo en esta gira en la que, dicen, «re-imaginarán ‘Mezzanine’ 21 años después de su publicación, usando material antiguo reconstruido a partir de los samples e influencias originales». En palabras de Robert Del Naja, esta gira será «una obra única, nuestro propio viaje mental de pesadilla nostálgica personalizada».

‘Mezzanine’ ha sido también objeto de una reedición especial en diversos formatos físicos diseñados por Hingstion Studio… en colaboración con el propio Robert Del Naja, del que sigue pendiente la sospecha de ser, secretamente, el artista ya-no-tan-callejero Banksy.

La canción del día: ‘Let’s Dance’ es el precioso canto que Spiritualized dedican a la madurez

Por
Raúl Guillén
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Tras publicar el muy esperado ‘And Nothing Hurt’, revelándose ya como uno de los álbumes de 2018, esta semana llega a nuestro país Jason Pierce al frente de Spiritualized para presentar este fantástico disco: será el 2 de noviembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona y el 3 de noviembre en La Riviera, Madrid (aún hay tickets disponibles en ambos casos). Por eso es una ocasión inmejorable pare rememorar uno de los muchos momentos emocionantes de su octavo disco tras la escisión de los seminales Spacemen 3.

Aunque hay canciones vibrantes y ruidosas de gospel-rock bien estruendoso, a la altura de su leyenda, nos volvemos a detener en uno de los más reposados, faceta que esta vez capitaliza el sonido de ‘And Nothing Hurt’. Quizá la canción más emotiva, tanto en el plano musical y lírico como metamusical, es ‘Let’s Dance’ que no, no es un homenaje explícito a David Bowie… aunque sí hay una preciosa referencia a otro mito de la música.

Fiel al espíritu preciosista y autogestionado del disco, en este corte Pierce parte del esqueleto de la canción con cuatro acordes esbozados con una armónica y un compás marcado por un shaker, sobre los que comienza a cantar con dulzura. Y, sobre ellos, va insertando delicadamente distintos instrumentos –piano, guitarra, bajo, pandereta, coros…– hasta construir una monumental torch-song que explota (o implota, más bien) con arreglos circenses propios del Ray Davies más juguetón o el Brian Wilson más maximalista.

En ‘Let’s Dance’, además, Pierce deja atrás el malditismo y los fantasmas del pasado, mirando al futuro con decisión, disfrutando de la madurez que vive y le aguarda, quizá empujado por el fallecimiento de su madre el pasado año. Con cierto aire cómico y autoparódico –algo muy presente en todo ‘And Nothing Hurt’–, Pierce se refiere a sí mismo como “un viejo rockero” que, ante un final inevitable (estremece la probable referencia a la demencia o el Alzheimer cuando canta “Señor, apiádate de todos nuestros pensamientos de hoy”) escoge no seguir huyendo de su vida con giras y conciertos, sino “quedarse y bailar” una canción.

¿Y qué canción podría ser esa? Pues un clasicazo eterno como ‘September Gurls’ de Big Star, aludida directamente en el emocionante hasta la lagrimita segundo verso de la canción: “Ya estoy cansado de cantar para vosotros / hay mejores cosas que un viejo rockero puede hacer / Se hace tarde, están retirando las butacas / (Pero) si suenan Big Star en la radio nos dejarán quedarnos / Oh, Chica de Septiembre / Dirige mi mundo y baila”. Para más inri, aquella canción del grupo de Memphis incluía la frase “When she makes love to me”, que siempre se interpretó como una referencia a ‘Don’t Worry Baby’ de The Beach Boys –referencia ineludible en los arreglos de ‘And Nothing Hurt’– al dibujar a una mujer con un rol sexual dominante, mandando en el baile como la pareja de Jason Pierce en ‘Let’s Dance’. ¿Podría ser más precioso todo?

Caetano Veloso, CSS, Pabllo Vittar… reaccionan a la victoria de Jair Bolsonaro en Brasil

Por
Raúl Guillén
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En la madrugada del domingo al lunes 29 de octubre tenía lugar en Brasil la segunda vuelta de las elecciones presidenciales en las que Jair Bolsonaro, del Partido Social Liberal, se imponía a Fernando Haddad, del Partido de los Trabajadores, que había permanecido 10 años en el poder con los mandatos de Lula Da Silva, primero (actualmente en prisión), y Dilma Rousseff, después, ambos envueltos en escándalos de corrupción que derivaron en el gobierno provisional de Michel Temer.

Pese a que nadie preveía hace meses una posible victoria de Bolsonaro, finalmente obtenía un 55% del respaldo del electorado, abriendo una etapa en el país sudamericano con un gobernante que ha enarbolado un discurso de extrema derecha, abiertamente racista, machista y homófobo, y nostálgico de la dictadura militar en Brasil del 64 al 85. Numerosos artistas, que se habían declarado contrarios a él e incluso habían hecho campaña por el PT, se han mostrado desolados por su victoria.

Entre ellos el eminente Caetano Veloso, caracterizado por su activismo político y que un día antes de las elecciones publicaba una columna en The New York Times asegurando que “si Bolsonaro gana las elecciones, los brasileños pueden esperar una oleada de terror y odio” –él mismo ha reproducido su columna traducida al español, ya con la noticia confirmada–.

También se ha pronunciado en Instagram el grupo CSS (o Cansei de Ser Sexy), que junto a una imagen en negro decían “mucha gente le ha apodado [a Bolsonaro] el “Trump brasileño”. No lo es. Es mucho peor”, antes de recapitular algunos datos de declaraciones y opiniones del nuevo mandatario. Otra que ha reaccionado a este resultado electoral es Pabllo Vittar, popular cantante transgénero drag que, tras ser amenazado por los partidarios del PSL, aseguró que se iría de su país. Quizá desmintiendo ese extremo, ha subido una imagen de un arcoiris con el mensaje “yo resisto”.

Por supuesto, también se han sucedido reacciones a la victoria de Bolsonaro en el plano internacional: Halsey y Lauren Jauregui (ex-Fifth Harmony) han mandado su apoyo a los colectivos LGTBI+ de Brasil. Horas antes de las elecciones, Cher aseguraba airadamente que «Bolsonaro es un cerdo que debería permanecer en prisión el resto de su vida»; un mensaje retuiteado por Alex Anwandter, chileno pero de orígenes brasileños que más tarde publicaba un poema en portugués de Darcy Riberiro que culmina con la frase «Sólo hay dos opciones en esta vida: resignarse o indignarse». En España, Niño de Elche se ha desmarcado de la mera crítica al nuevo presidente brasileño, afeando a la izquierda la nula autocrítica por la “mala gestión”.

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Today Brazil elected a hard right wing president with extreme fringe views. Many people are tempted to dub him the “Brazilian Trump”. He’s not. He is much worse. Here are few reasons why: He’s homophobic. He said he “Prefers that his son dies in an accident than show up with some dude with a mustache.” He also said gay children must get beaten to “straighten up”. He’s racist. He’s said: "black people do nothing. They're not even good at procreating" He also said his children would never date a black person because “they were not raised to be promiscuous”. He said that women shouldn’t earn as much as men because we can get pregnant and are not as productive. He also told a congresswoman she was too ugly and not “even worthy of being raped” His hero is Colonel Brilhante Ustra, who during the Brazilian dictatorship in the 60’s and 70’s would torture women by shoving rats inside their vaginas. He would also electrocute women using makeshift wires that he would insert in women’s genitalia. He vowed to “neuter federal environmental agencies, give the green light to destructive hydroelectric dams, freeze the demarcation of new indigenous reserves and open up existing ones to mining” He wants more people to have guns, and advocates for gun laws similar to the ones in the United States. We know how that one works out… He advocates for more power and less oversight to the police force (our police force already kills more people than anywhere else in the world). we are hopeful that the 45% that rejected the elected president’s rhetoric will resist and prevail in the long run. This is a backlash to the great progress made in Brazil throughout the past 34 years. We have a very steep road ahead to climb, and I think that part of the condemnation to the arbitrary and authoritarian measures this president might put in place, must come from the international community. That’s why we write this and it’s why we must resist. ✊🏼❤️🇧🇷

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La guerra entre Nicki Minaj y Cardi B podría haber acabado… después de decirse de todo

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Raúl Guillén
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Las últimas horas han sido convulsas en el beef entre Nicki Minaj y Cardi B, que alcanzó su punto culminante con el zapatazo de la segunda a la primera en un acto social la mar de elegante. Ambas se han dicho de todo en programas de radio y redes sociales: empezó Nicki, aludiendo de nuevo a aquel incidente en su programa de radio en Beats 1 en unas declaraciones que recoge Pitchfork, entre otros medios. Minaj asegura que aquella noche su amiga Rah Ali –que participó con Cardi en el reality ‘Love and Hip Hop’– le dio entre 9 y 10 puñetazos en la cabeza a la intérprete de ‘Bodak Yellow’, y tras hablar de un vídeo en el que se veía, dijo que pagaría 100.000 $ a quien le diera una copia del vídeo.

También reincidió en sus acusaciones hacia Cardi de haber intentado que determinados productores y artistas no trabajaran con Nicki por celos después del lío con ‘Motorsport‘, y de haber boicoteado la participación de 21 Savage en el remix de ‘Krippy Kush’ de Rvssian –en el que sí estaba Minaj–, y de paso negó haber estado implicada en la filtración del teléfono personal de la artista de origen dominicano, como aseguró la hermana de esta última. Cardi B, cómo no, decidió dar respuesta a todas estas cuestiones tan trascendentales en una serie de vídeos de Instagram. Airadamente, denunció la incoherencia de Minaj al decir que tenía el vídeo y luego decir que pagaría por él; y negó haber tratado de influir en nadie para que no trabajaran con ella, porque asegura no tener tanta relación con aquellos como para pedirles algo así. “¿Quieres ser la víctima (…) o quieres ser la gangster? (…) ¿Señorita “Chun Li, la luchadora” –en referencia a su single ‘Chun Li’–? ¡Vete a tomar por culo!”, dice en el primer vídeo.

En su último vídeo, después de que Minaj dijera estar harta de este circo, Cardi dice estar igualmente hastiada de ello y de “toda la mierda de internet”, e invita a la autora de ‘Queen’ a, si está tan harta de todo, hablar con ella directamente. Tras un par de tuits de Nicki añadiendo más gasolina al fuego tildándola de «fraude», respondía a ese vídeo asegurando que pagaría un detector de mentiras de ambas en directo en su programa de radio o… que podrían hablar en privado en una habitación, escuchar un “beat” y ¡filmarse escribiendo juntas una canción! Pero, más allá, decía en tono pacificador que prefería quedarse con lo positivo, puesto que ambas estaban “bendecidas”, y que este enfrentamiento fuera entretenido y divertido para la gente, había que seguir adelante y dejarlo correr. Algo con lo que, por fin, se mostró de acuerdo Cardi. A todo esto, la Minaj no perdió el viaje y se pasó la noche etiquetando ‘Dip’, su recién estrenado vídeo con Tyga. Cosas de la mercadotecnia 2.0.

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LET ME FUCKIN KNOW

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Rosalía estrena ‘Di mi nombre’, el capítulo 8 de ‘El mal querer’

Por
Sebas E. Alonso
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A falta de muy pocos días de que al fin llegue al mercado ‘El mal querer‘, el esperado-es-poco nuevo disco de Rosalía, la cantante comparte un tercer single que sucede a los exitosos ‘Malamente’ y ‘Pienso en tu mirá’, ambos top 5 y single de platino en España. Según ha confirmado ella misma en Twitter, el tercer sencillo es el tema ‘Di mi nombre (Cap.8: Extasis)’, pues como todas las canciones del álbum, representan un capítulo en el desarrollo del mismo. El tema se estrenará en World Record, el programa del popular locutor británico Zane Lowe en Beats 1.

En base al tuit, en el que ha compartido la portada de ese capítulo –creada, como el resto del artwork, por el artista Filip Cusic–, ‘Di mi nombre’ «es una canción hecha en base a las melodías tradicionales de tangos de la Repompa de Málaga y un video inspirado por La Maja de Goya». Según ha revelado el compañero de la revista Shangay Agustín G. Cascales, el vídeo ha sido dirigido por Henry Scholfield (Dua Lipa, AlunaGeorge, Stromae, aquí podéis empaparos de su trabajo), en Los Ángeles.

Os recordamos que ‘El mal querer’ sale a la venta este viernes de 2 de noviembre después de que Rosalía lo presente en Madrid este 31 de octubre a través de un concierto gratuito en un lugar por determinar. Os recordamos el tracklist del disco:

Cap 1: Augurio – Malamente (con Antón Álvarez)
Cap 2: Boda – Que no salga la luna (con Las Negris, Nani Cortes, Los Mellos, Pablo Díaz Reiza y Juan Mateo)
Cap 3: Celos – Pienso en tu mirá (con Milagros y Los Mellis)
Cap 4: Disputa – De aquí no sales
Cap 5: Lamento – Reniego (con Jesús Bola)
Cap 6: Clausura – Preso (con Rossy de Palma)
Cap 7: Liturgia – Bagdad(con el Cor de L’Orfeó Catalá y Joan Albert Amargós)
Cap 8: Éxtasis – Di mi nombre (con Las Negris, Los Mellis, Pablo Díaz Reiza y Laura Boschetti)
Cap 9: Concepción – Nana
Cap 10: Cordura – Maldición
Cap 11: Poder – A ningún hombre

Actualización: ‘Di mi nombre’ ya está disponible:

Lady Gaga recupera público al fin con ‘Shallow’: su éxito en 5 claves

Por
Sebas E. Alonso
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‘Shallow’ vuelve a ser la canción favorita de nuestros lectores por segunda semana consecutiva, y si bien Lady Gaga siempre ha sido una de las cantantes favoritas de nuestros usuarios, mucho más excepcional es comprobar que el tema es el número 1 actual en las listas británicas y que además tiene grandes opciones de repetir en esta posición el próximo viernes. Si nos hubieran dicho en 2011, cuando se estrenó el vídeo cadavérico de ‘Born this Way’, que Lady Gaga sería top 1 en Halloween de 2018, seguramente nos habríamos imaginado una cosa completamente distinta. En este artículo repasamos algunas de las claves y precedentes de este tanto para Stefani Germanotta, que por primera vez recupera público y seguidores, desde que empezó a perderlo con ‘Born this Way’: ‘Joanne’ (2016) vendió menos que ‘ARTPOP’ (2013), que vendió menos que ‘Born this Way’ (2011), que vendió menos que ‘The Fame’ (2008). En 2018, la tendencia al fin ha cambiado para la cantante y la banda sonora de ‘Ha nacido una estrella’ fácilmente sobrepasará los 2 millones de copias vendidas a nivel mundial, quizá más si hay Oscar(s).

Primeros precedentes: la Lady Gaga clásica se asoma

Lady Gaga siempre se ha vendido como una buena vocalista y como pianista, incluso en su época más electropop. No hay más que recordar aquella balada tan Queen llamada ‘Speechless’ que incluyó en ‘The Fame Monster’. Pero no fue hasta esta década cuando la Gaga «clásica» empezó a despuntar más: primero apareció en ‘Duets II’ de Tony Bennett (2011), abriendo el disco con su versión de ‘The Lady Is a Tramp’; en 2014 llegaron a lanzar un álbum conjunto que vendió más de un millón de copias, ‘Cheek to Cheek‘; y desde entonces fue habitual ver a la cantante compaginar proyectos más sintéticos y artificiosos como ‘ARTPOP’ con una faceta más orientada al público generalista. El ejemplo más visible fue su interpretación de un homenaje a ‘Sonrisas y lágrimas’ en los Oscar que se celebraron en febrero de 2015.

‘Million Reasons’ se consolida tras la Super Bowl

‘Joanne’ no logró el éxito esperado dada la falta de impacto comercial del primer single ‘Perfect Illusion’, y tampoco salvaron el disco en principio las múltiples presentaciones televisivas del segundo sencillo ‘Million Reasons’. Pero una actuación cambió las tornas: la Super Bowl. Tras ella, al fin, tras semanas de posiciones mediocres en las listas, el tema escaló hasta el puesto 4 de la lista oficial estadounidense y, pese a que Europa lo recibió con cierta tibieza, sí se ha consolidado como su mayor éxito de la era streaming… al menos hasta la llegada de ‘Shallow’, que la terminará rebasando. Con 262 millones de reproducciones en Spotify, está claramente por encima incluso de ‘Bad Romance’ o ‘Telephone’, que por supuesto por su poder visual, sí ganan la batalla en Youtube.

El documental de Netflix: ‘Joanne’ (la canción) despunta

Pocos meses después se estrenaba en Netflix ‘Five Foot Two‘, un documental que mostraba a la Gaga más vulnerable e inestable, y volvía a subrayar su potencial como cantante clásica, en un estilo más folk. Si una canción salía reforzada del documental era claramente la que daba título a su disco ‘Joanne’, dedicada a una tía que murió en los 70 antes de que ella naciera. De nuevo, no se tradujo en ventas ultra millonarias, pero se continuaba labrando una imagen distinta para la artista conocida por ‘Poker Face’ o las performances de ‘Paparazzi’ y ‘Applause’. La versión «piano» de ‘Joanne’ lanzada con motivo de los Grammys no era mejor que la original, pero se reincidía en la idea de mostrar otra Gaga.

‘Ha nacido una estrella’ no se dirige a los «little monsters»

La buena aceptación de ‘The Cure’ en las playlists de Spotify o incluso el Globo de Oro que Lady Gaga arrebató a la mismísima Kirsten Dunst de ‘Fargo’ mostraron que cuando Lady Gaga no solo se dirige a sus fans (como ha hecho en sencillos como ‘Judas’, ‘Applause’ o ‘Perfect Illusion’) sino al público generalista, puede obtener buenos resultados. Y eso es lo que ha pasado con ‘Ha nacido una estrella’. En Forbes llamó mucho la atención la audiencia que fue a ver el estreno de la película: el 66% eran mujeres, el 68% tenía más de 35 años y el 42%, de hecho, más de 50 años. Digamos que este no es el perfil de «little monster» medio que todos imaginamos. Esto es: Lady Gaga estaba llegando a donde no había llegado antes: en Reino Uido ‘Shallow’ es carne de Radio 2 (la cadena de la BBC para público adulto) en lugar de carne de Radio 1 (adolescentes). Por otro lado, que estuviera llegando a un público mayor no significa que la gente joven le haya dado la espalda: poco a poco la canción ha ido subiendo en las plataformas de streaming hasta codearse en las listas con los temas urban de moda. Ahora mismo en el global de Spotify está rodeada de Kodak Black y XXXTentacion.

El éxito de las bandas sonoras en 2018

Por último, no podemos pasar por alto el fenómeno de las bandas sonoras. O mejor, su éxito incluso en años de crisis: la gente deja de comprar los discos de sus artistas favoritos, pero no de comprar la música de las películas que le han gustado. El álbum más vendido de 2018 es la banda sonora de ‘The Greatest Showman’, por encima de los 4,5 millones de copias; también han funcionado muy bien la de ‘Black Panther’ (1,5 millones) o ‘Mamma Mia’ (casi un millón de copias); mientras que el año pasado hasta 6 bandas sonoras se situaron entre los 40 discos más vendidos de 2017.

Estreno: Halley se inspira en el R&B americano y en «Pizza Bomber» en ‘TLC’

Por
Sebas E. Alonso
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Halley, cuyo verdadero nombre es Miguel Peña, ha ido subiendo durante los últimos 3 años a su canal de Youtube diversos temas como ‘Beyond Truth’ o ‘Without You’, a medio camino entre el R&B renovado del primer The Weeknd y los últimos ritmos de la música urbana. Tras «aparecer y desaparecer» de la red como el cometa al que alude su sobrenombre, parece que ahora se pone más serio para anunciar el lanzamiento de un disco llamado ‘Halleywood’.

El primer adelanto es una canción llamada ‘TLC’ que ha aparecido hoy en las plataformas de streaming con la co-producción de Sr. Chen y cuyo vídeo ha sido dirigido por Manson, colectivo que conocerás muy bien gracias a ‘De plata’ de Rosalía, ‘Mala mujer’ de C. Tangana o ‘Candela’ de Bad Gyal. Si la canción es un medio tiempo brumoso (su letra pide: «llévame a tu habitación más oscura / cierra todas las puertas, todo lo que quiero eres tú»), el vídeo va todavía más allá y en él de hecho la canción no llega a acabar (en Spotify dura 3 minutos) por un final que, advertimos, puede herir tu sensibilidad.

La composición narra una historia «basada en guiños a los 90 y en especial a la girlband TLC», como ya habrás deducido a estas alturas: la letra pide que «pongas algo de TLC» y e incluye también las frases «turning drops to waterfalls» y «she wants no scrubs» en clara referencia a los mayores éxitos del famoso trío. Por su parte, el vídeo se inspira en otra historia muy distinta. En concreto la del caso «Pizza Bomber», un incidente sucedido en 2003 en Estados Unidos, que ha vuelto a ser actualidad a través del documental ‘Evil Genius’ en Netflix. Podéis encontrar su historia en Wikipedia. Presentación oscura, pues, en la que el «nacido para morir» o los «dónde se supone que he de ir» de la letra sirven para unir producción musical y visual.

The Lemonheads volverán tras 10 años, esta vez sin versión de Christina Aguilera

Por
Sebas E. Alonso
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The Lemonheads, uno de los grupos más carismáticos de los 90 gracias a discos como ‘It’s a Shame About Ray’ o ‘Come On Feel the Lemonheads’, no editan nada desde que en 2009 sacaran un disco de versiones llamado ‘Varshons’. Allí había temas tanto de Leonard Cohen como de Christina Aguilera. Y ahora han decidido volver con la segunda parte de aquel álbum, que sacarán a la venta el 8 de febrero de 2019.

El grupo de Evan Dando ha versionado ahora temas de Nick Cave, Lucinda Williams, The Jayhawks o The Eagles, si bien el primer single que puede escucharse desde hoy a través de Soundcloud es una versión de Yo La Tengo. Se trata de su olvidado tema ‘Can’t Forget’, una paradisíaca y surfera balada de 2 minutos cuyo espíritu melancólico han respetado por completo. La original estaba incluida en el álbum de Yo La Tengo de 1990, que de manera cuasi visionaria, se llamaba ‘Fakebook’.

Este será el tracklist de ‘Varshons 2’:
01 Can’t Forget (Yo La Tengo)
02 Settled Down Like Rain (The Jayhawks)
03 Old Man Blank (The Bevis Frond)
04 Things (Paul Westerberg)
05 Speed of the Sound of Loneliness (John Prine)
06 Abandoned (Lucinda Williams)
07 Now and Then (Natural Child)
08 Magnet (NRBQ)
09 Round Here (Florida Georgia Line)
10 TAQN (The Eyes)
11 Unfamiliar (The GiveGoods)
12 Straight to You (Nick Cave & The Bad Seeds)
13 Take It Easy (The Eagles)

La canción del día: ‘British Mind’ muestra que lo mejor de Hinds aún está por llegar

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Raúl Guillén
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Hinds han publicado este año su segundo largo, ‘I Don’t Run’, confirmando todas las expectativas a nivel comercial y consolidándolas como el grupo español más popular del momento en el mundo anglosajón –hasta la irrupción del terremoto Rosalía, claro–. A nivel artístico, podríamos decir que, pese a que sí es evidente una notable mejora del acabado técnico, ese segundo disco haya quedado quizá algo por debajo de su debut ‘Leave Me Alone’. Pero sorry, haters, no hay razón alguna para pensar que puedan estar en algo parecido a un declive.

Más bien al contrario, la pasada semana la banda madrileña lanzaba un nuevo single inédito que podría funcionar incluso mejor que singles como ‘New For You’ o ‘The Club’. Se trata de ‘British Mind’, un single que se enmarca a la perfección en su estilo: dejando atrás el barullo garajero, se trata de una producción pulcra de pop rock post-Strokes –deliciosos los punteos de guitarra y su solo– en la que de nuevo Ana Perrote y Carlotta Cosials se reparten las voces, esta vez con una melodía preciosa y efectiva, especialmente en el vibrante estribillo remachado con esos “Don’t You Look Away / We Will Stand The Pain”.

En su letra, además, Cosials y Perrote aluden claramente a las frecuentes críticas hacia ellas y las emplean para crecerse (“La gente dice que “fallo” es mi segundo nombre / pero este desastre es lo que se convierte en éxito”), y mostrar orgullo por lo que hacen (“Yo no soy la chica a la que le escriben una canción / Soy yo la que ahora cuenta la historia”) y lo que están consiguiendo (“Tú y yo vamos a estar bien / Dicen que sólo nos estamos divirtiendo / Podré soportar el dolor”).

Presentada con un divertidillo vídeo prácticamente DIY –dirige la propia Cosials, tirando de su experiencia como actriz, suponemos–, se trata de una gran canción que muestra que, lejos de haber tocado techo con su propuesta, lo mejor de Hinds aún puede estar por llegar. Tras haber estado girando profusamente por Estados Unidos o Japón –como podía comprobarse en las camisetas de merchandising que llevaron a ‘La Resistencia’–, en estos momentos “Las Hinds” actúan por toda Europa antes de rematar la «faena 2018» en casa: el 15 de diciembre celebrarán el 18º aniversario de Razzmatazz actuando en la sala barcelonesa.

Clean Bandit urden el “crossover” más curioso de 2018 juntando a Marina y Luis Fonsi en ‘Baby’

Por
Jordi Bardají
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A finales del mes de septiembre, Clean Bandit revelaban el tracklist definitivo de su nuevo disco, ‘What is Love?’, que sale el 30 de noviembre auspiciado por el exitazo de ‘Rockabye’ junto a Anne-Marie y ‘Solo’ junto a Demi Lovato. La secuencia estaba de hecho plagada de superestrellas, y uno de sus temas inéditos, ‘Baby’, unía de manera sorprendente a Marina and the Diamonds (ahora Marina) con Luis Fonsi.

Finalmente se ha anunciado que ‘Baby’ será el sexto sencillo de ‘What is Love?’ (sí, vamos por el sexto sencillo y todavía no ha salido el disco) y que podrá escucharse este mismo viernes 2 de noviembre. Puede otorgar otro hit a Luis Fonsi, que encadena varios desde el monstruoso éxito de ‘Despacito’ en 2017, y sobre todo a Marina, quien pese a ser una de las artistas pop alternativas más queridas de la actualidad, no logra un verdadero hit en su propio país desde los tiempos de ‘Primadonna’. Por cierto, Clean Bandit y Marina ya habían colaborado en ‘Disconnect’, que como veis no formará parte del disco. Solo Clean Bandit podían hacer realidad una colaboración tan disparatada, y a la vez tan atractiva, como la de Marina y Luis Fonsi…

What is Love?:

Symphony (feat. Zara Larsson)
Baby (feat. Marina & Luis Fonsi)
Solo (feat. Demi Lovato)
Rockabye (feat. Sean Paul & Anne-Marie)
Mama (feat. Ellie Goulding)
Should’ve Known Better (feat. Anne-Marie)
Out at Night (feat. KYLE & Big Boi)
Last Goodbye (feat. Tove Styrke & Stefflon Don)
We Were Just Kids (feat. Craig David & Kirsten Joy)
Nowhere (feat. Rita Ora & KYLE)
I Miss You (feat. Julia Michaels)
In Us I Believe (feat. ALMA)

Deluxe Edition:

24 Hours (feat. Yasmin Green)
Playboy Style (feat. Charli XCX & Bhad Bhabie)
Beautiful (feat. DaVido & Love Ssega)
Tears (feat. Louisa Johnson)

El Palacio de Linares y La Estrella de David, únicas entradas al top 40 de JNSP, dominado por ‘Shallow’

Por
Sebas E. Alonso
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Lady Gaga y Bradley Cooper se mantienen en el top 1 de lo más votado de JENESAISPOP al tiempo que han situado esta misma canción, ‘Shallow’, en la cima de la tabla oficial británica de singles. Esta semana ninguna novedad logra llegar al top 20 de novedades, pero sí entran en la parte baja de nuestra lista El Palacio de Linares y La Estrella de David. Además, es momento de despedirnos de la canción Mitski y el tema de Cat Power con Lana del Rey, ambos llegando a las 10 semanas de permanencia y en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Shallow Lady Gaga, Bradley Cooper Vota
2 2 2 2 1999 Charli XCX ft Troye Sivan Vota
3 4 3 2 breathin Ariana Grande Vota
4 6 1 13 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
5 5 2 15 God Is a Woman Ariana Grande Vota
6 7 1 21 Malamente Rosalía Vota
7 3 1 6 Mariners Apartment Complex Lana del Rey Vota
8 13 2 25 Hunger Florence + the Machine Vota
9 8 1 12 Missing U Robyn Vota
10 9 9 8 Electricity Dua Lipa, Silk City Vota
11 11 5 12 Ya no quiero ná Lola Indigo Vota
12 18 2 29 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
13 10 6 4 Hoy la bestia cena en casa Zahara Vota
14 23 10 6 GTFO Mariah Carey Vota
15 16 5 4 Drunk In L.A. Beach House Vota
16 25 16 3 Taki Taki DJ Snake, Selena Gomez, Ozuna, Cardi B Vota
17 12 6 5 Nunca nadie pudo volar La Casa Azul Vota
18 14 3 18 Fast Slow Disco St Vincent Vota
19 21 12 7 Promises Calvin Harris, Sam Smith Vota
20 32 3 8 Made for Now Janet Jackson, Daddy Yankee Vota
21 17 7 10 Woman Cat Power, Lana del Rey Vota
22 19 8 9 Espejo Javiera Mena Vota
23 24 19 6 Contigo Mala Rodríguez, Stylo G Vota
24 27 7 5 Doesn’t Matter Christine and the Queens Vota
25 31 11 8 Feels Like Summer Childish Gambino Vota
26 26 4 7 Suspirium Thom Yorke Vota
27 – 27 1 Ciervo y erizo El Palacio de Linares Vota
28 35 28 3 Llorando en la limo Cariño Vota
29 36 29 2 Cuando me miras C. Tangana Vota
30 – 30 1 Cariño La Estrella de David Vota
31 22 21 6 Olelorelei Soleá Morente Vota
32 39 31 6 Odio el siglo XXI (bueno, y el XX también) Alexanderplatz Vota
33 15 15 4 Quizá Joe Crepúsculo Vota
34 33 33 2 Telenovela Papa Topo, La Prohibida Vota
35 30 12 4 Life Is Golden Suede Vota
36 37 27 8 Maravilloso Sidonie Vota
37 29 10 10 Two Slow Dancers Mitski Vota
38 40 10 8 Shot Gun Shack Neneh Cherry Vota
39 20 20 3 Jacuzzi Rollercoaster Róisín Murphy Vota
40 38 27 5 Disarray Low Vota
Candidatos Canción Artista
– This Time Around Jessica Pratt Vota
– Booty C. Tangana, Becky G Vota
– La Constitución Terrier Vota
– Sunshine Rock Bob Mould Vota
– Procuro olvidarte Amaral, Najwa Vota
– Go and Get Her Lois Vota
– Ni un beso Dellaporte Vota
– British Mind Hinds Vota
– Sparrows Honolulu Vota
– Cowboy Dellafuente, Lowlight, Cazuu Vota
– Freelance Toro y Moi Vota
– Loyal Paloma Faith Vota
– Withorwithout Parcels Vota
– El futuro Cosmen Adelaida Vota
– Blow that Smoke Major Lazer, Tove Lo Vota
– Slow Down Normandi x Calvin Harris Vota
– Merrie Land The Good The Bad and The Queen Vota
– Gallipoli Beirut Vota
– A Santiago voy Novedades Carminha, Esteban & Manuel Vota
– Ruin My Life Zara Larsson Vota
– Money Cardi B Vota

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Young Greatness muere tras un disparo a los 34 años

Por
Jordi Bardají
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El rapero de Nueva Orleans Young Greatness, conocido por su éxito de 2015 ‘Moolah’, que alcanzó el top 85 de Billboard Hot 100 y suma actualmente más de 84 millones de escuchas entre varias plataformas de streaming, ha fallecido víctima de un disparo, informa Pitchfork citando varias fuentes locales. El disparo se ha producido a eso de la 1.30 de la madrugada, en el exterior de un local de Waffle House, un conocido restaurante de comida rápida estadounidense. Theodore Jones, nombre real de Young Greatness, tenía 34 años.

Young Greatness publicó varias “mixtapes” y discos desde su debut en 2012, entre ellos ‘Dollar for Hate’ (2015), ‘I Tried to Tell ‘Em’ (2015) y ‘Bloody Summer’, publicado en 2017. Precisamente en 2017 el rapero fichó por Cash Money, la que fuera casa de futuros raperos de enorme éxito como Lil Wayne, Drake y Nicki Minaj, y su mayor éxito ‘Moolah’, salió un par de años atrás a través de Quality Control, el sello de Atlanta que actualmente hospeda a Migos y a Lil Yachty. De hecho, Young Greatness colaboró con Quavo en su tema de 2015 ‘Yea’, además de con Akon, Lil Duke y Magnolia Chop en otros lanzamientos, y Lil Wayne llegó a aparecer en un remix de ‘Moolah’ junto a Yo Gotti. En 2018 publicó su último single, ‘Paper’.

“Cachitos” captará fantasmas en La 2, que dará paso a los directos de Manolo García, Jungle y Brisa Fenoy en ‘La hora musa’

Por
Jordi Bardají
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Este martes 30 de octubre llegan a La 2 los nuevos episodios de ‘Cachitos de hierro y cromo’ y ‘La hora musa’, los dos programas musicales que emite semanalmente, y uno detrás de otro, la cadena pública, por cierto, con bastante éxito en las redes sociales, como hemos comprobado en sus varias ediciones, especialmente en la tercera, con Vetusta Morla como invitados estrella.

En la víspera del día de Todos los santos (o de Halloween, depende de a quién preguntes), “Cachitos”, el espacio presentado por Virginia Díaz, ofrecerá un paseo por el cementerio musical de RTVE, recordando grandes canciones de artistas que fallecieron demasiado pronto, dejando un legado admirable pero también demasiados años vacíos de su música. “Algunos [murieron] muy jóvenes, otros en plena madurez, unos se dejaron la vida en la carretera y otros cayeron bajo los efectos de las múltiples adicciones que sufrían”, explica la nota de prensa, “pero todos estos artistas “podían haber regalado algo más de su buen trabajo”. Nino Bravo será -sorpresa- uno de los protagonistas del reportaje, que arranca a las 22.00.

Casi una hora después, a partir de las 22.50, ‘La hora musa’ volverá a traer música en directo a La 2, con Maika Makovski al mando. En este caso actuarán Manolo García, que presentará su nuevo disco, ‘Geometría del rayo’, y hablará con Makovski sobre su carrera en solitario y también ante grupos como El último de la fila; el grupo británico Jungle, que interpretarán temas de su nuevo disco, ‘For Ever‘, el primero en cuatro años, y Brisa Fenoy, que actuará en la azotea presentando dos de sus singles. Además, ‘La hora musa’ emitirá su reportaje de la semana, dedicado a La Banda Trapero del Río y a su “punk de barrio”.

Robyn / Honey

Por
Jordi Bardají
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¿Ya han pasado ocho años? No me he dado cuenta… Para cualquier fan de Robyn -y me incluyo-, la espera ha sido eterna, pero no puede decirse que la cantante haya estado quieta en todo este tiempo: ha aparecido en al menos 14 temas en los 8 años que separan ‘Body Talk’ de ‘Honey’ (esto es, según Spotify, cerca de 1 hora y media de música), muchos de los cuales pertenecen a dos epés propios, uno junto a Röyksopp publicado en 2014, y otro junto a La Bagatelle Magique (su proyecto con Markus Jägerstedt y el fallecido Christian Falk) publicado en 2015; dos trabajos que no ofrecían migajas precisamente, sino canciones bastante buenas, algunas de ellas espectaculares, como las titulares ‘Do It Again’ y ‘Love is Free.’ Ocupada también haciendo colaboraciones con gente como Todd Rundgren, Kindness o por supuesto Metronomy, Robyn ha seguido activa (nadie lo puede negar) desde los tiempos de ‘Call Your Girlfriend’, pero no ha sido hasta hace poco cuando finalmente ha terminado ‘Honey’, en el que lleva trabajando mano a mano con sus colaboradores desde 2015.

El camino hacia ‘Honey’ ha sido arduo. Robyn entró en una depresión tras la muerte de su amigo y productor Christian Falk, en 2014, y la sueca explica en las entrevistas que tras este periodo de duelo dejó de ser la Robyn que era antes. “Me convertí en otra persona”, ha llegado a declarar. “Cosas que antes creía que eran ciertas, ya no me lo parecen”. Este cambio se refleja en un ‘Honey’ que, como buena parte de ‘Body Talk’, y también de ‘Do It Again’ y ‘Love is Free’, pertenece a la pista de baile, pues Robyn pertenece a ella. Pero esta vez el baile es menos explosivo, menos inmediato, más elegante y sutil, en definitiva, más maduro. Todos estos adjetivos se aplican al single principal de ‘Honey’, ‘Missing U’, dedicado a Christian Falk y que, con su ritmo de synth-pop bailable y sus resplandecientes arpeggios disco a lo Giorgio Moroder, es lo más parecido a un nuevo ‘Dancing On My Own’ en el repertorio de la sueca. Y se siguen aplicando a otros temas bailables de ‘Honey’ como la clásica ‘Because It’s in the Music’, un retrato más comedido que eufórico de la música disco de los 70 (Robyn escuchó maquetas de Michael Jackson como inspiración para el álbum, y a él, más que a Prince, suena esta canción), o la ultra noventera y seductora ‘Between the Lines’, que trasladándonos directamente a un yate en Ibiza, se encuentra sin embargo más cerca de la delicatessen de Róisín Murphy que de los hitazos de Crystal Waters.

En ‘Honey’, queda claro que Robyn ha cambiado y con ella su aproximación a la canción pop. Por manido que suene decirlo, ‘Honey’ es la suma de sus partes, y a esta apreciación contribuye enormemente su cuidada secuencia, que además de seguir el orden en el que las canciones fueron escritas, presenta un claro desarrollo conceptual en el que el duelo (‘Missing U’) da paso a varios estados de euforia y serenidad (‘Honey’) y termina en algo parecido a la esperanza (‘Ever Again’). En algunos casos, esta suma es literal, como en el combo de ‘Baby Forgive Me’ y ‘Send to Robin Immediately’, las dos canciones más intrigantes y misteriosas del disco (ojo al decadente coro robótico que acompaña a Robyn en la primera), que no solo suenan unidas por la producción sino que parecen alimentarse la una a la otra por sonido y sobre todo temática. Del cauteloso y juguetón “perdóname, sé justo, dame otra oportunidad” pasamos a unas exigencias emotivas, exaltadas (“si tienes amor que dar, dalo hoy, no hay tiempo que perder”) que elevan el ánimo (ese “right aWAY!” en “Send to Robin” que impulsa el ritmo) y nos llevan directamente al sensual pulso deep house de ‘Honey’, inspirado, como ha reconocido la propia artista, en el ‘XTC’ de DJ Koze, aunque con un punto mucho más erótico.

Porque sí, es mucha y muy diversa la música que ha inspirado ‘Honey’: Robyn ha elaborado una playlist de Spotify dedicada a ella. De hecho, una de las mayores virtudes del álbum es la cantidad de influencias y sonidos diferentes que amalgama aún partiendo de un estilo muy concreto como es su pop electrónico, ejem, almibarado y meloso (‘Send to Robin Immediately’ directamente samplea un clásico del house). La producción de Joseph Mount, Adam Bainbridge (Kindness) y Klas Åhlund, además de meticulosa y exquisita, es minimalista, lo que no significa que sea pobre. Al contrario, la sueca extrae recursos infinitos de una misma fuente, como sugieren la base juguetona y angular de ‘Human Being’ con Zhala, una canción que, hablándonos de la humanidad desde un mundo dominado por la inteligencia artificial, remite a The Knife, o la boba samba espacial de ‘Beach 2k20’, que comparte elementos en común con aquel hit proto-vaporwave que es ‘Tropical Island’ de Software. Y si esta canción suena a las primeras horas del alba, cuando la fiesta está a punto de acabar, el optimista ritmo new wave de ‘Ever Again’ anuncia la llegada de un nuevo mañana (“no voy a tener el corazón roto nunca más”, declara Robyn), dejando la noche atrás y renovando el aire como lo hacía, en un estilo parecido, ‘The Morning Fog’ de Kate Bush.

Llegados a este punto, queda claro que en ‘Honey’ no hay hits tipo ‘Dancing on My Own’, pero también que el disco no los necesita para nada: ‘Missing U’ viene a suplir la demanda (y con resultados muy satisfactorios), pero lo que nos viene a contar Robyn de todas formas es otra cosa. La cantante se ha hecho famosa por perfeccionar lo que yo suelo llamar inocentemente la hiperbalada (canciones bailables que te hacen llorar, como ‘With Every Heartbeat’, ‘Call Your Girlfriend’ o la propia “Dancing”), pero si Robyn ya no es la persona que cantó esas canciones, no sería justo esperarlas de ella como si el tiempo no hubiera pasado. Nadie es la misma persona hoy que hace ocho largos años. Y en cualquier caso, Robyn siempre ha sido más que un tipo de canción, desde su primer disco al último. Y ‘Honey’ demuestra que puede seguir siendo muchas más cosas.

Ama Lou y Cupido se coronan en el Primavera Club 2018

Por
Mireia Pería
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El Primavera Club ya hace muchas ediciones que se convirtió en una plataforma para conocer un montón de propuestas nuevas e interesantes. Independientemente de si algún artista se va a convertir o no en “el próximo gran qué”, siempre es gozoso el descubrimiento, en forma de píldoras de no más de cuarenta y cinco minutos. He aquí un resumen de lo mejor que vivimos en Barcelona este fin de semana, en su edición 2018.

Alaskalaska fue el primer gran concierto que vimos el viernes. Cultivan un dream pop a lo Cocteau Twins, pero aderezado por un saxofón omnipresente, lo que les da textura de Morphine en el lado luminoso. Su cantante, Lucinda John-Duarte, remedaba a una joven Dolores O’riordan. Cautivaron. Porque suenan ochenteros, no esconden sus referencias y, a la vez, tienen mucha personalidad. A tener muy en cuenta. Foto: Christian Bertrand

Una propuesta radicalmente diferente fue la de la Orquesta Akokán. O como transportarte hasta La Habana 1950 en el Apolo. Una orquesta enorme, que sonaba como un tiro, de ejecución precisa y exquisita, con un cantante todo de blanco. Mambo, son, gran música de baile pre-salsera… una pura invitación al desenfreno bailongo. Una música tan antigua teóricamente, fue completamente refrescante. Un placer ver a tantos indies bailando. Gustosísimo. Claro, después de la tremenda descarga, la solemnidad al piano de Hilary Woods resultó demasiado… solemne. Y el pop electrónico de dormitorio de Tirzah, que también invitaba a la introspección, supo a poco. Al menos los Louder than Death deKing Khan quitaron un poco el mono de acción. Temas de 2 minutos, furia hardcore y punk con algún deje de Pixies, comandados por las pintas ridículas de Khan, que no tuvo vergüenza en lucir una oronda tripa, porque todo es cuestión de actitud. Pogo (flojito), canciones sobre “leather boys” y toneladas de diversión. 

La estrella de la jornada fue Boy Pablo. Él y su banda (quinteto convencional) parecían haberse escapado del instituto. Fiesta y jovialidad con su pop fresco y sin pretensiones. Regaron la actuación con risas, monerías como malcantar ‘Sweet Home Alabama’. Y viendo la cantidad de gente que se iba acumulando en las primeras filas (es el que arrastró al público más joven) entiendo que al público le encantaba. Pero no pude evitar aburrirme con su pop soleado e inofensivo… hasta el temazo ‘Losing You’. Porque es el tramo final valida por qué Pablo es una gran promesa pop. ‘tkm’ y para acabar ‘Dance baby!’. Mucho jolgorio y hasta Pablo y su lugarteniente de los teclados acabaron sin camiseta para  tocar el reprise final. Foto: Christian Bertrand

El sábado empecé con una de las actuaciones que más me interesaban, la de la francesa Halo Maud. El suyo es un dream pop pero expansivo, con gran fuerza y crescendos, mientras mantenía algo lo fi su voz. Maud lució una expresividad reconcentrada. En directo, ella y su banda sonaron como unos Arcade Fire en miniatura. Cerró con un arrebato prog, en que hace gala de su dominio a la guitarra y un remate que acabó degenerando casi en funk a la Prince. Menos excitantes fueron Crumb, un poco Nena un poco Beach House, un poco… recordaron a demasiadas cosas. Mucho mejor Hop Along, que evocaron al pop alternativo de los 90, del shoegaze al college rock, con el protagonismo de la voz levemente rota de Frances Quinlan. Cantó desde el lateral, huyendo del protagonismo y, a la vez, luciendo un carisma muy especial.

Esteban y Manuel o cómo la cumbia se topa con el teclado de la cabra y la Fiesta Mayor, voz de locutor de tómbola incluida. Como la Akokán el viernes, también lograron que hubiera indies bailando sabrosones. Se desató el alboroto en ‘La paya papaya’, nos mandaron hacer un círculo “como de heavy metal, porque la cumbia se parece mucho al heavy metal”, dijeron. Incluso hubo pogo cumbiero con crowdsurfing al final. Nos dejaron bien arriba. El de slowthai fue un show muy físico. “Get the fuck out my face”, vociferaba Tyron Frampton. Hip hop oscuro y agresivo. Torsos desnudos y tatuados, dj con pasamontañas, semi penumbra en la sala… Al segundo tema ya se tiraron al público y se generó un megapogo realmente peligroso. Frampton se subió a la barra y a las guías de luces. La juventud baila. Pero de verdad. El concierto más desenfrenado, con permiso de Esteban y Manuel.

El domingo la jornada es de absoluto dominio femenino y la que reunió las actuaciones más esperadas. Sasha Spielberg, AKA Buzzy Lee, tiene una voz muy bonita, a lo Kate Bush. Sentada en su teclado, acompañada por un guitarrista, desgranó su pop atmosférico intimista pero dramático, intenso. Lo que contrastaba con la simpatía desbordante de la que hizo gala entre canción y canción. Nada más empezar nos soltó “mucha mierda”. Recordó sus días en San Sebastián de adolescente, estudiando español y cómo lo ha olvidado “todo”. Cantó ‘Por qué te vas’ y nos confesó que no sabemos cuánto hace que sueña con cantarla. Contagiosa. Foto: Sergio Albert

Stella Donelly se defendió sola con su guitarra y, a ratos, recordó al girl pop de principios de los 60. “No voy a volver a presentar nunca una canción. ¡Es aburrido!” nos soltó. Pero las presentó todas igual. Fue divertida, intimista y calma, con algún requiebro animado. Temas sobre rupturas, chicos y tinder, pero también versionó el ‘Across the Universe’. Por su parte, Ama Lou es jovencísima, pero desplegó una seguridad que asustaba. Sobre bases y teclados, urban, pop y r’n’b, ataviada con una sobria camisa a cuadros y tejanos pero emanando maneras de diva. Lució vozarrrón, actitud y versatilidad, porque también se sienta y desgrana temas a la guitarra. Demostró que es una reina del R&B en ciernes. Foto: Sergio Albert

Cupido traen una banda convencional (los Solo Astra). Bajo, guitarra, teclados, batería… y la voz de Pimp Flaco pasada por el Autotune. Pero fue cualquier cosa menos convencional. Practican una mezcla de trap-urban con canción italiana a lo Ricci e Poveri. Ultrapop, hortera, ochentero, adictivo. Si esto no es una fórmula infalible, que baje Dios y lo vea. Hubo una explosión con ‘Me Da Igual’, salió Kinder Malo para cantar ‘Laberinto de amor’… Y su single ‘No sabes mentir’ fue recibido con alborozo. Un absoluto desparrame. Fan instantánea. Foto: Sergio Albert

Snail Mail, la actuación más esperada, iba con banda, y se mostró algo más poderosa que en disco. Menuda, nervuda, con su grunge noventero lo fi, encandiló a las primeras filas. Pero yo pero no acabé de conectar con ella, en directo sonó demasiado… convencional. Lo peor fue que, al final, cuando más sentida se puso, una cháchara insoportable se apoderó de la sala.

Hayley Kiyoko, nuevo icono LGTBI+, anuncia sus primeros conciertos en Madrid y Barcelona

Por
Raúl Guillén
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2018 ha supuesto el despegue definitivo como artista de Hayley Kiyoko, una chica que comenzó como integrante del grupo musical The Stunners (donde coincidió con Tinashe) y labrándose una carrera como actriz de la factoría Disney y que hoy se ha convertido en todo un icono para los movimientos pro-LGTBI+, concretamente para las lesbianas, habida cuenta de unas letras y vídeos que enfocan con total naturalidad su propia sexualidad. Además, ha participado activamente en campañas de concienciación sobre el outing y ha sido muy crítica con otras artistas –como Rita Ora y amigas en ‘Girls’– cuando han dado un discurso equívoco hacia el lesbianismo.

Con ‘Expectations‘ como uno de los debuts del año en el mundo del pop, Kiyoko acaba de anunciar que su próxima gira europea tendrá dos paradas en nuestro país: el 2 de marzo de 2019 estará en la Sala Razzmatazz de Barcelona, y el 3 de marzo en la Sala Vistalegre —Palacio Vistalegre– de Madrid. Las entradas estarán a la venta el próximo lunes, 5 de noviembre, a las 10:00 horas en horas en livenation.es, ticketmaster.es, entre otras plataformas. Además, Hayley Kiyoko pone a disposición de sus fans en su propia página web una preventa que comenzará mañana, martes 30 de octubre, a las 10:00 horas.

Tras dar un considerable pelotazo con el clip de ‘Curious‘, otras canciones de ‘Expectations’, como ‘Sleepover’ o ‘Feelings’, han alcanzado una popularidad notable. Sin embargo, la gran tapada de ese álbum debut ha sido ‘What I Need’, canción y vídeo en los que comparte su protagonismo –y de paso, carantoñas– con la cantante de R&B Kehlani. Ya es, por mucho, la canción más escuchada del disco, y la segunda de la artista tras el célebre himno lésbico ‘Girls Like Girls‘.

La confirmación de The Cure en NOS Alive 2019 les abre la puerta de algún festival español, pero ¿cuál?

Por
Raúl Guillén
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Esta mañana The Cure han sido confirmados como el primer gran cabeza de cartel del festival portugués NOS Alive 2019. Este certamen se celebra en Algés –localidad próxima a Lisboa– entre los días 11 y 13 de julio del próximo año. Concretamente, el grupo de Robert Smith actuará allí el jueves día 11. No hace falta ser muy avispado para entender que eso abre la puerta a que el mítico grupo británico esté a punto de ser confirmado por algún otro festival celebrado en España. Pero ¿cuáles serían los mejores colocados?

Aunque no se podría descartar que, como ocurriera con Arctic Monkeys este año, The Cure hagan doblete y estén en dos grandes eventos como Primavera Sound y Mad Cool, en este caso el festival madrileño parece el mejor situado para llevarse al gato (“lovecat”, en este caso) al agua. Básicamente, porque se celebra exactamente en las mismas fechas que NOS Alive 2019, por lo que logísticamente está a tiro de piedra. No se puede descartar, en todo caso, que pudieran actuar también en Bilbao BBK Live, que coincide en fecha con ambos eventos. Y, además, el vizcaíno fue el último festival nacional en el que pudimos ver a The Cure en 2012 –en aquel año, sí hicieron doblete con el Primavera, ojo–. Más tarde, en 2016, volvieron a actuar en Barcelona, Bilbao y Madrid, pero esta vez como único cabeza de cartel de su propia gira en recintos cerrados.

Tampoco hay que olvidar que Doctor Music Festival 2019, que renace en el Pirineo leridano tras años de ausencia, se postula como el tercer candidato en liza, al celebrarse también entre el 12 y el 14 de julio de 2019. Más lejana parece la posibilidad de que puedan ser Vida Festival o Cruïlla, que se celebran el finde anterior al NOS Alive, y FIB, que lo hace una semana después, los que logren captar a los autores de ‘Disintegration’, básicamente porque su caché quizá se les vaya de las manos ante la fuerte competencia. The Cure han celebrado este año sus 40 años de carrera con un macroconcierto en Hyde Park de Londres el pasado 11 de julio. En él, ante 65.000 personas, repasaron toda su discografía acompañados de artistas amigos y admiradores como Goldfrapp, Slowdive, Interpol, Ride y The Twilight Sad. Sin noticias de nueva música desde hace ya una década, Robert Smith ofrecía recientemente una entrevista a Time Out en la que desmitificaba la teatralidad de su estética gótica.

Bon Jovi vuelven a Madrid tras su concierto «benéfico» de 2013

Por
Raúl Guillén
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Bon Jovi publicaban este año ‘This House Is Not For Sale’, su disco de estudio número 13 que no puede decirse que haya estado a la altura de las expectativas comerciales. No así su gira de presentación –sus tours suelen ser de los más rentables–, que no había alcanzado aún Europa. Hoy se han anunciado las primeras fechas de ese tour que llegará en la primavera de 2019 y se confirmaba que el grupo de Nueva Jersey regresará a España tras años de ausencia. De hecho, regresarán a Madrid, última ciudad en la que actuaron en 2013, en un concierto en el que aplicaron una política de precios especial –en aquella ocasión las entradas iban de los 18 €, las más económicas, a 39 €, las más caras–, habida cuenta de la delicada situación económica que atravesaba el país por entonces, a instancias de Jon Bon Jovi.

Live Nation, promotor del evento, confirma que el concierto se celebrará en el Wanda Metropolitano de la capital –en 2013 actuaron también en el estadio del Atlético de Madrid, por entonces el Vicente Calderón– el día 7 de julio. La pre-venta de entradas comenzará a las 10h del 8 de noviembre en la web de Live Nation, y la venta general se iniciará al día siguiente, el viernes 9 de noviembre en la misma web y en Ticketmaster. Los precios de las entradas aún no se han dado a conocer, aunque teniendo en cuenta que la situación económica del país ha… y ya tal.

Recordemos que, precisamente desde 2013 –ya no actuó en aquel concierto del Calderón–, Richie Sambora dejó de ser el guitarra solista de Bon Jovi, al parecer debido a una paulatina pérdida de protagonismo en la banda. Desde entonces fue sustituido por Phil X, músico canadiense que había trabajado con Rob Zombie, Alice Cooper, Avril Lavigne o Kelly Clarkson. Aunque Sambora sí se reunió con el grupo cuando a finales del año pasado fueron inducidos al Rock and Roll Hall of Fame.

Honolulu: los próximos héroes del dream pop viven a la vuelta de la esquina

Por
Raúl Guillén
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Aunque su origen está en el pop shoegazer de finales de los 80 y en proyectos como Cocteau Twins o Galaxie 500, hoy cuando hablamos de dream pop es ineludible que el nombre de Beach House salga a relucir. Y a Honolulu, a los que conocimos por su participación en la última edición del certamen de bandas noveles de Apolo, Bala Perduda, les va a costar también que se hable de ellos sin que el proyecto de Victoria Legrand y Alex Scally salga a colación. Quizá porque son un dúo mixto (en el caso de Léa y Quentin Mével son, además, hermanos) y quizá también porque son, como Legrand, franceses. Y también, a qué negar, porque sus canciones remiten a los autores de ‘Bloom’, no nos engañemos.

Sin embargo el proyecto de estos dos jóvenes residentes en Barcelona y procedentes de la capital de Normandía, Rouen, bebe de otras fuentes: algunos de sus héroes son proyectos tan a priori lejanos como The Growlers y Brian Eno, o Robert Wyatt. Por esa vía, de hecho –la de Soft Machine– llega otro de los nombres que pueden definir su universo y que, además, también son hermanos: The Fiery Furnaces.

El caso es que toda esa retahíla de referentes no es nada sin canciones que llevarnos a la boca oreja, y ‘Sparrows’ no podría ser una mejor carta de presentación: en ella Honolulu muestran una contundencia y una limpieza que, en realidad, prescinde del factor dreamy de la etiqueta acuñada al principio de este texto. Pero sí hacen gala del magnetismo y la fuerza necesaria para que se conviertan en los próximos héroes del género –y no limitándose únicamente a un -ámbito local o nacional, sino también internacional–, mostrándolo además con un vídeo (dirigido por Pablo Nieto, producido por Zissou) lo bastante icónico como para que no sea olvidado fácilmente. Su próximo álbum debut, a editar próximamente por Foehn Records, probará si realmente están capacitados para ello.

Petróleo: provocación y post-punk en el proyecto musical de Ignatius Farray y Tigres Leones

Por
Raúl Guillén
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Esta semana se ha presentado el primer single oficial de Petróleo, un proyecto musical que desde hace un tiempo está permitiendo al singular y polémico cómico Ignatius Farray –la última de sus controversias, el bloqueo en Twitter del escritor Arturo Pérez Reverte después de que aquel le llamara “payaso” sin ironía– dar rienda suelta a su faceta musical, esa que venía demostrando con sus gags en el programa de radio ‘La vida moderna’.

Y lo hace con la connivencia de uno de los grupos del rock underground nacional más en forma y relevantes de los últimos años gracias a discos como ‘El año de la victoria‘, Tigres Leones. Especialmente de Luismi Pérez, que ha compuesto las canciones para este proyecto –que partió como una sección regular para el programa ‘La Resistencia‘ de #0– que se miran en el espejo de proyectos del post-punk más corrosivo y provocador, el de “Pere Ubu, PIL, o Derribos Arias”, referentes citados en la nota de prensa de Sonido Muchacho, que lanza ‘Miedo a la música’, primer single del proyecto.

Con una versión de Los Saicos (‘Come On’) como cara B y portada de nuestra colaboradora Olaya Axolote, el sello madrileño lanzará el 24 de noviembre un single con esta canción que los propios Ignatius y Luismi presentaron meses atrás en el programa de David Broncano con una de sus sonoras –en varios sentidos– performances. Aunque de momento no se confirma, esta podría ser la antesala a un trabajo con más canciones de Petróleo, ya que acumulan un buen puñado de temas originales como ‘Así no’, ‘Il mondo’, ‘Universo en carne y hueso’ –con guiño a ‘Voulez-vous Coucher Avec Moi Ce Soi’ de LaBelle incluido–, ‘Hagas lo que hagas’ o ‘Acéptame por lo que soy’. ¿Logrará ser tomado en serio un proyecto como Petróleo? ¿Acaso es eso lo que los implicados pretenden? «Cuando nos preguntamos si no sería poco serio, no sabíamos que la respuesta vendría en forma de misil», dice la nota de prensa con mucho tino.

5 grandes momentos que te perdiste si no fuiste a la última jornada de BIME 2018

Por
Sebas E. Alonso
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BIME ha cerrado sus puertas con un total de 20.100 asistencias, 11.900 de las cuales se produjeron este sábado para ver conciertos como los de MGMT o Gusgus. El festival «indoor» de Bilbao organizado por Last Tour (Bilbao BBK Live, Azkena) cuenta con un espacio electrónico aparte denominado Gaua en el que a última hora de la noche actuaba Nina Kraviz, pero ante todo en esta sexta edición se ha vuelto a anotar el tanto de la exquisitez, con un cartel de gusto refinado que compite en exigencia con otras citas como Primavera Sound o incluso Sónar en su vertiente más electrónica. Entre las cuestiones organizativas más comentadas para mal o para bien, las largas colas para dejar los paraguas en el ropero (obligatorio, no se podía acceder con ellos) y los 2 euros y medio que costaba cada vaso de plástico: luego te devolvían el dinero, sí, pero la consecuencia fue que no se vio ni un solo vaso tirado por el suelo, pues valía su peso en oro. En cuanto a las actuaciones, estas fueron las más destacadas del sábado (crónicas del viernes, aquí). Fotos: Oscar L Tejeda y Tom Hagen.

Sun Kil Moon tocan su tema de Kurt Vile, con quien coincidían

Kurt Vile, con su sonido tan amasado, estudiado y reconocible, y Sun Kil Moon competían por ser la alegría de la huerta a eso de la hora de la cena. Escogí el segundo porque era sentado. Mark Kozelek se presentó en formato trío con un delicadísimo piano tocado en plan jazzy y un guitarrista, mientras él se movía por el escenario como un crooner raro, un tanto Morrissey queriendo desmelenarse a lo Nick Cave pero conteniéndose. Dejó muchas anécdotas, como el momento animalitos de ‘666 Post’ o las críticas a las redes sociales y a la religión de ‘Blood Test’, con llamada amenazante a la caja de ritmos. ‘1983 MTV Era Music Is the Soundtrack of Outcasts Being Bullied By Jocks’ la presentó como una composición dedicada a la ciudad de Filadelfia, incluido Kurt Vile, con el que, como decía, estaba coincidiendo, y que forma parte de la letra. Es otro “spoken word” esta vez muy cercano a Leonard Cohen en el que se cita a Dire Straits, Madonna, Rage Against the Machine o la peli de Tom Hanks. Canciones de unos 12 o 15 minutos y kilométricas letras, que alguna vez Kozelek lee con mucha elegancia en un atril, y cuya embestida gran parte del público resistió. Aunque solo fuera por el humor con el que bromeó sobre qué hacer cuando le quedaban 6 minutos (la mitad de lo normal para él) o cuando aseguró que ‘Benji’ había sido su debut. «Voy a terminar con una canción de ‘Benji’. ¡Bieeeeen! Todo el mundo sabe que es mi primer disco…»

ionnalee colapsa el Escenario Antzerkia

Canceladas las actuaciones primero de Fever Ray y luego de M.I.A., el BIME quedaba un poco huérfano de artistas femeninas, pues la sustitución de última hora para ambas en última instancia terminó siendo Four Tet. El público, no obstante, parecía tener ganas de electrónica nórdica, y el show de ionnalee, la artista anteriormente conocida como iamamiwhoami, fue uno de los más concurridos del escenario Antzerkia pese a coincidir con los agradables medios tiempos rockeros de Stephen Malkmus, que suele cerrar con algún guiño a Pavement. En principio a duras penas se podía acceder. ionnalee recuerda mucho a Kate Bush (esa voz aguda) y a Goldfrapp (el mono blanco ajustado con cola furry), pero termina brillando con luz propia por la escasez de shows parecidos en cualquier festival y por las currada e impoluta escenografía: hasta su DJ a las bases iba de blanco. Mención especial merece su obsesión por los ventiladores, pues prácticamente no actúa si no tiene uno delante, y para su capa con luces: la gente enloqueció con esta tontería. La artista recogió un objeto tirado por un “fan” que casi se la lleva por delante, tras lo cual ni se inmutó: “No me quiero ir, así que me quedo”, dijo cual Cristina Cifuentes antes de interpretar un par de temas más. Aunque es verdad que la gente se fue yendo a MGMT poco a poco, a ella se la veía encantada y prometió volver “tan pronto como le fuera posible”.

MGMT sobre una bicicleta estática

La reconciliación es casi absoluta con MGMT gracias a su último disco, a cómo han aceptado incorporar sus hits a su repertorio (al fin conscientes de que han hecho historia) y a su ambicioso set lleno de plantas, motivos de Halloween, más músicos de los que esperabas, visuales psicotrópicos y llenos de humor. Hablando de humor, no se puede pasar por alto que ‘She Works Out too Much’ sonó mientras su cantante Andrew VanWyngarden le daba a una bicicleta estática sobre el escenario, representando la canción. La gente lo había dado todo con ‘Time to Pretend’ y lo daría luego con ‘Me and Michael’ y sobre todo ‘Kids’ seguidas (esta última con el cantante echado en el suelo). La gran pega, la prueba de sonido a todo volumen de Gusgus al lado, un par de temas más rollete hacia la mitad y la enorme cantidad de gente fumando en este espacio cerrado. Se abrió la veda del tabaco en este concierto y ya no se volvió a cerrar: el BEC se convirtió entonces en un recinto solo apto para fumadores.

Gusgus, emocionados

Percibía a Gusgus algo parados en comparación a su concierto en Paraíso Festival, y vi a Biggi Veira mucho más relajado que en aquella ocasión salvo alguna coreografía ocasional como la que hizo tipo pilas Duracell justo antes de la maravillosa ‘Lifetime’. Pero hubo de ser percepción mía. Realmente su sonido fue espectacular, de los mejores oídos en BIME, y al final con ‘Deep Inside’ se metieron al público en el bolsillo, con el cantante subido en la mesa de su compañero de grupo y este arrebatándole el micro para expresar cuán agradecido estaba por el especialísimo show de esta noche. La verdad es que no hay manera de que les salga algo mal.

S-I-N-G-U-L-A-R-I-T-Y

Jon Hopkins comenzó titubeante en unos instantes que por lo que luego vimos a Four Tet parecía una pequeñísima prueba de sonido. Lo cierto es que el verdadero principio fue avasallador con las canciones que abren ‘Singularity’, uno de los discos del año, si no el álbum del año. Proyecciones en azul, del manga al mundo mágico y cósmico en general, para unos temazos que despuntaban mismamente respecto a lo que sonó en su “live” después, mostrando que esta puede ser una gran cumbre en su carrera. Luego hubo de todo, momentos más acertados y menos, entre estos, dos bailarinas cargadas de luces algo horteras, pero lo logrado en los instantes de comunión fue, sí, “singular”. Un gran show tras lo cual la sesión de techno de Four Tet sonó algo descafeinada y predecible.

La tarde del sábado había arrancado con Rolling Blackouts Coastal Fever, que se han hecho un hueco esta temporada practicando un pop de guitarras en desuso. La banda presentó un sonido cristalino, ofreciendo un show muy entretenido, sobre todo en su primera mitad, en el que no faltó su hit ‘Talking Straight’ ni otros temas que introdujeron de su nuevo disco, como ‘Exclusive Grave’ o ‘Mainland’. A destacar los bailes que se pegó el bajista en el centro del escenario, un tirillas a una gorra pegado que no dejó de darlo todo, a lo suyo, durante la casi hora de set. Por su parte, Unknown Mortal Orchestra alternaron momentos rockeros, como esa escapada del guitarrista y cantante fugado pegándose una carrera entre el público nada más salir, con otros más psicodélicos e incluso soul y disco (la canción final tuvo un bajo un poquito ‘Heart of Glass’). Ruban Nielson mostró sus maneras tirándose al suelo ofreciendo una imagen de grupo menos seria o aburrida de lo que pueda parecer. Lo mejor, el momento jazz de uno de sus miembros al saxo. Parecíamos estar de repente en la primera temporada de ‘Twin Peaks’.

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