Cuatro añazos ha tardado Anna Calvi en volver, pero la británica ha anunciado finalmente que su nuevo álbum, ‘Hunter’, se publica el 31 de agosto. Calvi explica que con él busca subvertir los roles de género: “No quiero tener que escoger entre el hombre y la mujer en mí. Yo lucho contra sentirme una marginada e intentar encontrar un lugar que parezca un hogar. Creo que el género es un espectro. Creo que si se nos permitiera existir en un punto intermedio, y no se nos empujara a los extremos de la masculinidad y la feminidad asumida, seríamos más libres. Quiero explorar cómo ser algo al margen de lo que se me asignó ser. Quiero explorar una sexualidad subversiva, lo cual va más allá de lo que se espera de una mujer en nuestra sociedad patriarcal heteronormativa”.
Calvi añade: “Quiero ir a la caza de algo. Quiero experiencias, quiero autonomía, quiero libertad sexual, quiero intimidad, quiero sentirme fuerte, quiero sentirme protegida y quiero encontrar algo hermoso en todo el desastre”.
Así, no es una sorpresa descubrir que el primer avance de este álbum presenta el interesante título de ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’. Es un tema que se mueve entre la elegancia suprema de la voz de Calvi y un sonido épico, sucio y oscuro, que Calvi remata con una serie de gritos desesperados y guitarrazos hacia el final francamente brutal.
La autora de ‘One Breath’ ha anunciado además tres fechas en nuestro país en presentación de este nuevo trabajo. El 13 de octubre actúa en La Rambleta de Valencia, el 14 de octubre en Razmatazz de Barcelona y el 16 de octubre en Changó de Madrid.
‘Escuadrón suicida‘, la exitosa película -no para la crítica, desde luego- de 2016 basada en los supervillanos de DC Comics, tenía muchas cosas cuestionables, entre ellas la “risible” (y no solo por breve) aparición en ella de Jared Leto -conocido actor y líder del grupo de rock 30 Seconds to Mars- como intérprete de El Joker.
Variety informa ahora que Warner Bros. buscará “expandir el universo” de El Joker más allá de ‘Escuadrón suicida’ y dedicará una película entera a este personaje, que de nuevo estará interpretado por Leto. Nada más se sabe de la película por el momento -todavía no se conocen ni guionista ni argumento- y no está claro si la cinta se empezará a rodar antes o después de la secuela de ‘Escuadrón suicida’, cuya producción arrancará “en algún momento de 2019”. Como informa el medio norteamericano, Warner Bros. ya había confirmado que otro personaje de ‘Escuadrón suicida’, Harley Quinn, interpretado por Margot Robbie, tendría su propia película.
Este año, Leto ha publicado un nuevo álbum junto a Thirty Seconds to Mars titulado ‘AMERICA’, que incluye el single ‘Walk on Water’ y colaboraciones con Halsey y A$AP Rocky.
La principal recriminación que podemos hacer a Mazzy Star en este ‘Still EP’ que acaban de editar es obvia: tan solo incluye 4 canciones, la primera la conocimos hace meses y se comenta que ya la tocaron en el año 2000, la segunda la dieron a conocer en vivo hace más tiempo todavía, casi 20 años, la tercera es tan escueta que parece un interludio y la cuarta es una revisión del tema que cerraba su álbum de 1993, aquella ‘So Tonight That I Might See’ que además daba título a dicho largo.
Y sin embargo, no podemos odiar ni un poquito a David Roback ni a Hope Sandoval. En primer lugar, porque se prodigan lo suficientemente poco como para que cada paso nos sepa a gloria. Estuvieron 17 años sin editar disco, entre 1996 y 2013, y además desde entonces, el más que digno ‘Seasons of Your Day‘, no han publicado nada más. Por supuesto que podríamos argüir que por eso mismo merecíamos mucho más que esto, pero la buena noticia es que todo lo que han hecho Mazzy Star en este ‘Still EP’ es mucho más que correcto, y además, mucho más variado de lo que parece, recordándonos las cosas tan diferentes que puede implicar su aparentemente lánguido estilo musical.
Mazzy Star han pasado hace rato a la historia como una de las bandas fundamentales del dream pop. Influencia para gente tan dispar como Beach House, Lana del Rey (a quien Hope Sandoval dice desconocer) o en España Russian Red, su música en 2018 mantiene el misterio que ha tenido toda su discografía. La línea de piano de ‘Quiet, The Winter Harbor’ no puede ser más melancólica, mientras la letra de la canción contempla a un ser querido que parece buscar su propia identidad en nuestro propio perjuicio, ofreciendo un punto de lo más poético. «Eres como el malo de alguna vieja película», canta Sandoval como siempre con voz exquisita, mientras el estribillo suplica: «sálvame, porque aún me estoy ahogando / y dispones de un puerto, cercano a la orilla».
La «slide guitar» aparece en esta trémula canción, y la siguiente ‘That Way Again’, como propia de los últimos Sundays, viene para recordar que el dream pop de Mazzy Star siempre tuvo más de americana y folk que el de otros compañeros de género de este lado del Atlántico, como Cocteau Twins. En esta canción para olvidar a alguien que de nuevo se nos escapa de las manos y nos hace mal («no voy a volver a pensar en él de igual forma nunca más»), los californianos recuerdan su país de origen como sucedía en el que fue su mayor hit, ‘Fade Into You’.
La que podíamos considerar la cara B del EP incluye el mencionado tema de 2 minutos, el corte titular ‘Still’, cercano a las sonoridades de la Patti Smith más experimental o a la Velvet Underground y Nico, relatando un amor de nuevo misterioso del que desconocemos el nombre, y finalmente la revisión de ‘So Tonight That I Might See’, casi 8 minutos ahogados en psicodelia o algún momento de la experimentación británica de principios de los 90. Con todo en su sitio correcto y lugar, ‘Still’ no es tanto una buena presentación de Mazzy Star para quien no los conozca, como una buena manera de reivindicarse a sí mismos y recordar cuánto han influido cuando ya han pasado 5 años desde su último larga duración. Hay tanto sonido propio aquí que «recuerda» a cosas tan actuales…
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Quiet, The Winter Harbor’, ‘That Way Again’ Te gustará si te gustan: The Sundays, The Velvet Underground, Lana del Rey Escúchalo:Spotify
Wild Nothing publicó en 2016 su primer disco en cuatro años, un ‘Life of Pause‘ que era, para bien y para mal, otro buen disco de Wild Nothing, tras los excelentes y notables resultados vistos en sus dos anteriores obras, ‘Gemini‘ y ‘Nocturnes‘, respectivamente. Esto es, más canciones de guitar pop bonitas, pero sin mucho más energía.
Esta vez, Jack Tatum no va a dejar pasar tanto tiempo para publicar un nuevo disco y ha anunciado que su cuarto trabajo, ‘Indigo’, sale el 31 de agosto a través de Captured Tracks. Asegura Tatum que “la idea de lo atemporal cambiará con los años” y que si ‘Indigo’ no será un álbum “atemporal”, por lo menos sí existirá “fuera del tiempo”. Interesantes palabras de un artista cuyo trabajo siempre ha sido bastante fácil situar en un tiempo muy concreto, los ochenta del C-86, el indie pop y el shoegaze. ¿No son las canciones, no tanto el estilo, lo que hacen que una obra musical sea atemporal?
El primer avance de ‘Indigo’ ya puede escucharse. Es ‘Letting Go’, un tema de ritmo animado, guitarras luminosas y mucho reverb (¡y castañuelas en el puente!) perfecto para escuchar en los amaneces de verano. Es también un tema muy pop gracias a su estribillo “letting go, I wanna be happy, you know, I wanna be more than close” que tampoco podría ser más cálido y reconfortante. La letra nos habla de recuerdos borrosos y un amor que parece algo distante, lo cual se refleja en la calidad brumosa de la canción.
Shawn Mendes ha publicado el pasado 25 de mayo exitosísimo tercer álbum, y por supuesto no ha dejado pasar la oportunidad de promocionarlo en el famoso Carpool Karaoke de James Corden, cantando los singles ‘In My Blood’ y ‘Lost in Japan’ y también algunos éxitos viejos, en uno de los vídeos más vistos en Youtube España ahora mismo, el 15º.
En su Carpool, Mendes comenta que se acaba de mudar solo (tiene 19 años) y que odia cocinar y limpiar la casa, pero reconoce que su madre sigue haciéndole la colada. Por alguna razón, esta charla deriva en una conversación sobre los gayumbos de Justin Bieber que no estamos muy seguros de haber entendido.
Más tarde, Mendes habla de su pasión por Harry Potter (la cifra en un 9,5/10), y el programa se pega un tanto de humor cuando, durante esta charla, Mendes empieza a aparecer en cada plano nuevo más disfrazado del joven mago, al tiempo que asegura que nunca superará su amor por Harry Potter porque es “lo que me hace seguir adelante” y que incluso conoció a Emma Watson una vez, siendo la primera ocasión que sintió nervios por conocer a una persona famosa. No os desvelamos el final de esta divertida interacción, pero implica a otro personaje de la película.
Por supuesto, Corden no puede dejar de preguntar a Mendes al final sobre su característica más canadiense (Mendes es oriundo de Toronto) y el cantante, que no, no es capaz de cabrearse al volante como Corden, asegura que practicó hockey sobre hielo durante años, tras lo cual ambos visitan una pista de hockey de hielo. Allí, Mendes presume su buen hacer sobre la pista y Corden hace un poco el ridículo, casi tanto como cuando pisó aquel parque infantil con P!nk.
Selena Gomez canta la canción principal de la segunda temporada de ‘Por trece razones’, serie de Netflix de la que es productora ejecutiva, una ‘Back to You’ que comparte “tracklist” en la banda sonora con otros temas de Years & Years, Billie Eilish ft. Khalid, Gus Dapperton, Tears for Fears, HAERTS, Siouxsie and the Banshees o New Order.
‘Back to You’ es ya un nuevo top 40 en el repertorio de Gomez, y su vídeo se acaba de estrenar. Como los anteriores vídeos de Gomez para ‘Bad Liar’ y ‘Fetish’, el que nos ocupa presenta una estética que mezcla retro y un elemento turbio, este último reforzado por el hecho que en el vídeo hay subtítulos en lugar de voz -como si fuera una película muda- y que Gomez interpreta en él a una persona un pelín impulsiva y que da un poco de mal rollo, capaz además de robar un coche y quemarlo para evitar ir a la cárcel (?).
La historia empieza con Gomez, quien, aburrida en una fiesta, propone a un chico robar un coche y viajar a “Italia, Francia, Canadá, Rusia, Michigan” (no, no lo tiene muy claro). Al final se quedan donde están, Gomez descubre un aviso de “busca y captura” contra ella y propone a su pareja incendiar el automóvil, a lo que él se opone antes de descubrir que Gomez ya lo ha hecho de todas formas. El vídeo termina con ambos de vuelta en la fiesta y su final sugiere que la historia comienza de nuevo en un bucle infinito.
Los británicos Suede anunciaban hace unas semanas la próxima publicación de ‘The Blue Hour’, un nuevo álbum que dará continuidad a esta vida 3.0 del grupo comandado por Brett Anderson, que primero superó la marcha de su guitarrista, Bernard Butler, y que, tras ascender a lo más alto con ‘Coming Up’, decayó con el cambio de siglo. Once años después del flojo ‘A New Morning’, reaparecían con cierta dignidad en ‘Bloodsports’ (2013) y se enmendaban aún más en ‘Night Thoughts’ (2016), al que dan continuidad 2 años después (se prevé para el 21 de septiembre) en esta nueva obra.
Hace unas horas Suede han presentado el primer fragmento sonoro de esta etapa (fue estrenado anoche en la BBC por el popular locutor Steve Lamacq) que, dicen, revelará su lado más oscuro, que pese a ser concebido desde el punto de vista del mundo de un niño, “es incómodo en muchos sentidos”. Un ejemplo claro es esa portada, con el cadáver de un pequeño ave sobre la nieve. Esta nueva canción, que viene a dar las claves de esa teórica oscuridad se titula ‘The Invisibles’ y ha sido producida con un vídeo sencillo pero emotivo, en el sentido en el que lo era el clip de ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor.
Y es que se trata de un plano constante del torso y rostro de una persona de sexualidad indefinida –parece una chica, pero su pelo corto y su vestimenta indican que podría ser un chico; recordemos que, en sus inicios, el grupo apostaba por la androginia como imagen– que canta la canción subida en un columpio. Mientras entona la canción, este sujeto no puede evitar que las lágrimas salgan de sus ojos. Y no nos extraña, porque todo en la canción es muy emocionante, con arreglos de cuerda muy medidos y una melancolía que invade todo el tema, con una instrumentación sutil –la contención es una constante en la canción– y una construcción clásica, en el que el precoro es casi tan poderoso como el estribillo. La ha producido, como el resto del álbum, el veterano Alan Moulder.
Su letra, como la canción, también nos lleva a la era ‘Dog Man Star’, a la fragilidad de quien se siente inadaptado, incomprendido (“And we are the invinsibles / Plain and lonely / It’s funny how it’s always out of reach”). Sólo que, esta vez, Brett no lo expresa en primera persona sino como observador (“I tried to make you want me / I left my home at seventeen / But everywhere I looked I saw / Another me”), verbalizando esos sentimientos (¿de su hijo adolescente?), arropándole, consolándole.
Este fin de semana la Ciudad Universitaria de Madrid acogerá la primera edición de Paraíso Festival, un evento dedicado a la electrónica contemporánea y al pop más arriesgado. En su cartel figura el nombre de Roísín Murphy como la gran baza del festival, máxime cuando acaba de presentar nueva música. Pero en su cartel, al margen de habituales de nuestras páginas como la ex Moloko, Apparat, Hot Chip (ambos en sus facetas como DJs) y GusGus, hay otros nombres que bien vale la pena destacar y que conforman una gran selección de música avanzada para una propuesta refrescante en el panorama festivalero. No, no esperes encontrar los nombres de siempre en el cartel de Paraíso Festival.
Además, también hemos elaborado una playlist con 24 canciones de artistas participantes –de Acid Pauli a Kiasmos, pasando por Awwz, El Búho, Guy Gerber o Henry Saiz– que resumen lo que puede dar de sí este nuevo evento musical. La encontraréis al final del artículo.
Larry Heard aka Mr. Fingers
Con casi 60 años, el productor y DJ de Chicago es uno de los más veteranos del festival, pero más importante es que se trata del autor de clásicos del house, tanto en su versión más cruda –‘Can You Feel It’, ‘Washing Machine’– como la más refinada, de corte minimal-jazz –‘Dreaming of Better Days’–. Viene a presentar ‘Cerebral Hemispheres’, recién publicado bajo su alias Mr. Fingers tras años sin publicar material alguno.
Floating Points
‘Elaenia’ del británico Sam Shepherd, más conocido como Floating Points en todo cartel de festival de electrónica que se precie, fue uno de los discos del 2015. Aunque no fuera un álbum bailable, no podemos olvidar que el artista sí cuenta con cortes disgregados en Eps y singles –‘Nuits Sonores’, ‘Ratio’– que sí lo son. Con Shepherd, que no tiene miramientos al unificar neo-soul con sonidos industriales o jazz con techno, la manga ancha está asegurada.
Danny L Harle
Mucha curiosidad por conocer el set de uno de los gurús de PC Music, además de productor de Charli XCX o Superfruit y remezclador para Years & Years o Tinashe, que cuenta en sus propias composiciones con vocalistas como Clairo o Carly Rae Jepsen. Las voces digitalizadas hasta la extenuación, marca de la casa constante, y su gusto por las melodías perfectas tienen asegurado un espacio durante su set.
Ibeyi
Después de arrasar en Primavera Sound, estas gemelas franco-cubanas presentan en Madrid su soberbio disco del pasado año, ‘Ash’. Ritmos afrocubanos con sintetizadores, voces poderosas en ocasiones retocadas con autotune, samples y mensajes político-sociales vestidos de una gran puesta en escena que a buen seguro captarán la atención tanto de los más aventajados como de los más despistados. ¿Volverán a invitar a Mala Rodríguez?
Yaeji
Esta neoyorquina de origen coreano es una artista multidisciplinar capaz de destacar en prácticamente todo lo que hace, ya sea como diseñadora de moda o como DJ –sus sesiones son extremadamente divertidas–. Y, como apostábamos a inicios de este año, también tiene un gran futuro como intérprete de sus propias producciones, que condensan pop, R&B y house, con tanta inmediatez como sencillez. Al menos aparentemente, la típica actuación que todo el mundo te echará en cara si te la perdiste.
tune-yards
Los norteamericanos Merrill Garbus y Nate Brenner han sorprendido este año con el viraje al sonido de los 80 de ‘I Can Feel You Creep Into My Private Life’, pero cabe esperar que en directo no dejarán de lado ni su vertiente más jazz, la de ‘Whokill’, ni ese ramalazo electro-punk con remates tribales de sus inicios. Motivos más que suficientes para aguardar una puesta en directo repleta de consignas en sus letras y percusiones a cascoporro.
Kelly Lee Owens
Kelly Lee Owens podría ser lo más parecido a Björk en cuanto a atmósferas, voces espectrales y tecnopop ligeramente accesible con cabida para la experimentación. Los que busquen música de baile no la encontrarán –o no exactamente–, pero aquellos que deseen la abstracción como momento de respiro del festival podrían encontrarla en la actuación de la artista británica.
Petit Biscuit
El francés Mehdi Benjelloun –probablemente el más joven de esta primera edición de Paraíso, con apenas 18 años– trae bajo el brazo el estupendo ejercicio digital y analógico de su reciente ‘Presence’. Voces elegantes y contundentes sobre bases que van del techno al hip-hop.
Delaporte
Buenas expectativas para el dúo afincado en Madrid formado por Sandra Delaporte, cantante y compositora, y Sandro Salvi, músico y productor italiano. Su aparición en el programa ‘Fama A Bailar’, que ha convertido en un éxito su tema ‘Un jardín’, no debería despistar de la realidad: su gran disco de pop urbano ‘Uno’, con inclinaciones anglosajonas y latinoamericanas, es motivo más que suficiente para ver cómo se las gastan en directo.
Damian Lazarus & The Ancient Moons
A Damian lo conocemos principalmente por sus sesiones de DJ, pero también por la alianza con The Ancient Moons desde 2015. La intención del combo es aunar disciplinas distintas, como reflejaron en ‘Message From the Other Side’ –producido por James Ford (Simian Mobile Disco, Arctic Monkeys)–. Un disco en el que instrumentistas de Egipto, Pakistán y Nigeria aportaban un toque de exotismo africano a sus temas house. Una idea que también trasladan al escenario, convocando para la ocasión a un nutrido colectivo de músicos.
David Bisbal cumple hoy 5 de junio 39 años, pero es trending topic actualmente en Twitter por su reciente interacción, en esta misma red social, con Aitana Ocaña, ex concursante de Operación Triunfo 2017 e intérprete de ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra. Aitana le ha felicitado el cumpleaños a Bisbal, después este le ha invitado a su concierto en Barcelona el 16 de junio, y muchos fans concuerdan en que esto ha sido idea -muy poco disimulada- de la discográfica que comparten, Universal.
Aitana ha escrito: “Eres muy grande David😊 Que vaya todo genial como veo que te esta yendo. Muchos besitos💛”, y algunos usuarios opinan que esta felicitación a Bisbal por parte de Aitana ha venido “sin venir a cuento”, ya que la catalana nunca se ha mostrado fan de Bisbal en la Academia (hay que recordar, sin embargo, que ambos se conocieron cuando Bisbal realizó una visita a los concursantes durante la edición del programa).
Cuando Bisbal ha agradecido a Aitana su felicitación y posteriormente le ha invitado a que actúe con él en Barcelona, algunos usuarios han advertido la supuesta “trampa” en todo esto, que la felicitación habría sido pactada por Universal para incitar a Bisbal a ofrecer su invitación y, a través de una interacción falsamente espontánea, “anunciar” la visita de Aitana al concierto de Bisbal.
@davidbisbal MUCHÍSIMAS FELICIDADES. Eres muy grande David😊 Que vaya todo genial como veo que te esta yendo. Muchos besitos💛
Muchas gracias @Aitana_ot2017 por tu mensaje de felicitación! Tú sí que eres una máquina. Te está yendo genial! Mucha suerte con todos los conciertos que tienes por delante. https://t.co/6e4hJeKl24
AYYYYY 😭 mil gracias David de verdad, que ilusión tu respuesta. Que te vaya súper genial la gira (que estoy segura de ello) 🤟🏼💛 @davidbisbalhttps://t.co/LKUhLtE0X6
Ah y me lo dices así tan normal. DAVID, QUE ESTO ES MUY FUERTE. Sea cuando sea es un super sí dios mío 🌟 !!!!!!!!!!!! Ayyyyyyy 😭🤓 https://t.co/9qjbGykpZe
Como se puede apreciar, muchos usuarios en Twitter no compran la supuesta “espontaneidad” de esta interacción y opinan que Bisbal y Aitana no se van a ganar la vida como actores. Un usuario escribe que el mencionado intercambio representa un “mal uso” de las redes sociales y una usuaria plantea: “¿Cuántas veces habrá ido al bar a jugar a cartas, en vez de a clase, el que lleva el [márketing] en Universal?”
Universal: Aitana tienes que felicitar a Bisbal en twitter, después te responderá y dices que te hace ilusión para que te pueda invitar al concierto, vale? Aitana: pic.twitter.com/aoNnnolYUf
Aitana fan de Bisbal desde pequeñita. Me acuerdo cuando fue a la academia que Alfred, Ana y Miriam en la comida cantaron canciones de el y Amaia y Aitana no se sabian ninguna. 😂😂😂
Por favor, yo me veo con la manera en que Universal les hace anunciar las cosas 😂😂 Miriam, nos compones algo para Vis a Vis? Y ya está hecha. Bisbal, muchas felicidades! Gracias,te vienes a cantar conmigo en mi concierto? 😂😂😂😂
Aitana felicitando a Bisbal sin venir a cuento y con un Tweet bastante raro, y casualmente Bisbal respondiendo que vaya al concierto de Barcelona. ¿Cuántas veces habrá ido al bar a jugar a cartas, en vez de a clase, el que lleva el marking en Universal?
Hoy, Grimes al fin avanza nueva música a través de Twitter. La canadiense ha grabado con el móvil trozos de dos maquetas nuevas que, como puede verse en los vídeos colgados, pertenecen a una carpeta de su ordenador llamada “13 canciones decentes”. La primera es una “canción de amor cursi que a mí no me gusta pero a todo el mundo sí”, grabada con su “nuevo melotrón” y posiblemente titulada “Adore U”. La segunda es una “interpretación cyberpunk de la película [india] ‘Bajirao Matsano’ desde la perspectiva de Mastanis” cuyas tomas vocales parece haber grabado Grimes a las 4 de la mañana, como indica su título.
¿Y qué otros títulos pueden apreciarse en la carpeta de “13 canciones decentes”? A simple vista, Grimes parece haber compuesto temas llamados ‘Blaze Forever’, ‘Favourite Psycho’, ‘Darq Souls’ (sic), ‘Drugs’, ‘Black Swan Blues’, ‘Last Call’ o ‘Chryptid’, los cuales no podrían ser más Grimes, por otro lado…
well i said i’d post some snippets of new music earlier so this prob sounds terrible thru my phone recording but it’s the cheesy love song i was talking about that i don’t like but everyone else likes, made the instrumental w my new mellotron! pic.twitter.com/KDZLIY8OcF
so this one is like my ethereal chav jam that’s like … a cyberpunk interpretation of the bajirao mastani movie (plz watch this incredible film if u haven’t) from mastanis perspective, dunno if it makes sense without the low end. these r just demos bein recorded thru my phone so pic.twitter.com/mdyXQyScj5
Dos personas han sido detenidas en relación a la denuncia por una supuesta agresión sexual hacia una joven de 17 años en la sala Razzmatazz en la madrugada del pasado viernes. Aunque las informaciones son confusas, pues forman parte de una investigación judicial, según La Vanguardia, se trata de “dos miembros del grupo de hip hop Smooky Margielaa”, que, en realidad, es un solista, por lo que suponemos que se trata de dos miembros de su equipo, no el propio rapero. De hecho, según El Español, los dos detenidos son mayores de edad, lo que excluiría a Smooky Margielaa, que es menor.
Ambas personas habían sido identificadas horas antes a raíz de la investigación policial, que les situaba en el backstage de la sala barcelonesa tras la actuación de Margielaa en ella. Aunque no habían sido detenidos inicialmente, se les había retirado el pasaporte como medida de precaución. La policía les detuvo cuando estaban en el aeropuerto de El Prat tratando de abandonar el país, y ahora se les acusa de obstrucción a la justicia. Inicialmente los detenidos, dice de nuevo La Vanguardia, se acogieron al habeas corpus (detención ilegal), aunque más tarde, ya en presencia de su abogado y el fiscal, retiraron esa demanda. Estos dos sujetos pasan hoy a disposición judicial.
Aunque algunos medios como ABC están apuntando directamente a Smooky Margielaa (y a sus “groseras letras”), no está del todo claro que él mismo sea uno de los supuestos agresores, como decíamos. Por otro lado, según el citado artículo de El Español, los mismos Mossos d’Esquadra optaron en principio por no practicar ninguna detención cuando vieron las grabaciones de las cámaras de seguridad de la discoteca, por las incoherencias entre las imágenes visionadas y el relato de la joven.
En la web norteamericana HotNewHipHop recogen esta noticia y han contactado con el artista sobre la cuestión. Magielaa asegura que es una acusación falsa, que “ni siquiera estaba allí” y “que no tiene nada que ver con él”. JENESAISPOP ha contactado con Razzmatazz sobre el asunto, y nos indican que, aunque están colaborando con la investigación policial, toda la información que tienen ahora mismo les llega a través de la prensa.
Smooky Margielaa es un rapero criado en el Bronx que ha obtenido mayor relevancia al unirse a la crew A$AP Mob, invitado por el propio A$AP Rocky después de que este le viera en un show. Smooky aparece, por ejemplo, en ‘Cozy Tapes Vol. 2: Too Cozy’, que el grupo de rap publicó el pasado año, aunque sus mayores éxitos, ‘Stay “100”’ y ‘Not Right’. El chico, que ahora tiene 16 años, es hijo de un famoso músico maliense afincado en EE UU, Abdoulaye Diabaté.
Ante el desorbitado precio que, dicen, están alcanzando los abonos de 3 días para el festival Mad Cool –que se agotaron a principios de años, a 6 meses de su celebración–, la organización ha decidido sacar una nueva partida de 1.000 abonos extra, «con la intención de frenar las ventas fraudulentas siempre basándonos en el aforo legal del recinto como no podía ser de otra manera». Los primeros 500 abonos se pondrán a la venta mañana miércoles 6 de junio a partir de las 10:00 de la mañana. Por otra parte, los 500 restantes saldrán a la venta la semana próxima. Tendrán un precio de 190€ + gastos (envío de pulsera incluido) y se podrán adquirir exclusivamente a través de su página web.
Así, Mad Cool no permitirá el acceso al recinto con entradas adquiridas fuera de los canales oficiales de venta: «Mad Cool no atenderá incidencias por reclamaciones de entradas que no hayan sido adquiridas por el asistente en las plataformas de ticketing oficiales. En caso de cualquier incidencia con este tipo de entradas adquiridas fuera de los canales oficiales, Mad Cool Festival indicará a los poseedores de dichas entradas que su reclamación deberá ser atendida por dicho canal de venta».
Mad Cool 2018 confirmó aún el pasado año a artistas como Depeche Mode, Pearl Jam, Queens Of The Stone Age, Massive Attack o Nine Inch Nails, a los que luego se han sumado –ya con los abonos agotados– Arctic Monkeys, Jack White, Dua Lipa, Post Malone o Underworld, entre otros muchos. En las últimas horas el festival ha presentado sus horarios que, con semejante cartel, se presentan casi diabólicos.
💥💥 ¡Atención! Debido al aumento en la reventa de entradas, Mad Cool ha decidido poner a la venta una remesa limitada de abonos 💥💥 Due to the increase in the resale of tickets for #MadCool2018 we decided to sell a few extra 3 day tickets 👉👉 https://t.co/C7bXmFR69H 💥 pic.twitter.com/GsjYmUG2Kn
— Mad Cool Festival (@madcoolfestival) June 5, 2018
Pocos, muy poquitos artistas de los 80, han sabido reciclarse y llegar a nuestros días frescos (más o menos) como una lechuga. Y menos aún lo han logrado sabiendo reírse de sí mismos, como Rick Astley, que se tomó bastante bien todo aquello del Rickrolling. Pero no sólo ha logrado caer bien por ello a nuevas generaciones que difícilmente sabrían de él o actuar con Foo Fighters, sino que además ha vuelto a vender discos. ’50’, su álbum de 2016, vendió más de 300.000 copias y llegó a ser número 1 en Reino Unido, desbancando al jovenzuelo Tom Odell y pasándose por el forrete todo el ageism.
Pues bien, Rick vuelve. Su nuevo disco, ‘Beautiful Life’, se publica el día 20 de julio y, como ya hiciera en ’50’, no ha recurrido a ningún productor o músico externo: todo, absolutamente todo, lo ha hecho e interpretado él solo. Una heroicidad, casi, en días de “writing camps”. Claro que aprendió de los mejores, puesto que Stock, Aitken y Waterman fueron los autores de sus hits ‘Never Gonna Give You Up’ y ‘Together Forever’. Estas doce nuevas canciones se presentan con el corte que da nombre al disco y que, pese a esos coros que intentan hacer yodel, muestra una clara querencia por el funk de Nigel Rodgers. Aunque, también, mantiene ciertas aspiraciones contemporáneas, con esa paradita pre-estribillo y algunos truquitos rítmicos tan Daft Punk.
Además, el británico realizará una gira de presentación para este disco que recaerá en nuestro país: el día 10 de octubre estará en la sala Barts de Barcelona y, dos días después, en el Palacio de Congresos de Madrid, aunque las entradas aún no están a la venta. Si no erramos, la última vez que le vimos por estos lares fue con aquella celebración freak que se llamó YouFest.
Como muchos aficionados al cine (de terror o no) sabréis, uno de los estrenos de la temporada es el del remake de ‘Suspiria’, icónica cinta del director Dario Argento estrenada en 1977. Si bien los remakes suelen ser tristes remedos para hacer caja ante nuevas audiencias con ideas ya amortizadas, la elección como director de Luca Guadagnino –uno de los cineastas de moda tras el éxito de su cinta ‘Call Me By Your Name’– y un casting bien interesante –la protagonizan Dakota Johnson, Tilda Swinton y Chloë Grace Moretz– invitaban a no desanimarse ante los resultados.
Además, también es llamativo que su banda sonora haya sido creada por Thom Yorke, el cantante y compositor de Radiohead, que debuta en unas lides en las que sí hemos visto con más frecuencia a sus compañeros de grupo Johnny Greenwood (‘The Master’, ‘El hilo invisible’) y Phil Selway (‘La huella del pasado’). Hoy, en su recién estrenado trailer, al fin podemos escuchar qué ha ideado Yorke para esta película que, en su versión original, ya contaba con un carismático trabajo de Goblin, un grupo de rock progresivo italiano con el que Argento solía trabajar.
La música que oímos en este clip de algo más de un minuto, no suena ni a rock ni a la deriva electrónica de Yorke en solitario, sino que alterna dramáticos arreglos orquestales con un ambient de sintetizadores retro. ¿Tendrá algo que ver con lo que presentará el músico británico en el próximo festival Sónar 2018? Más allá de lo musical, este críptico vídeo presenta escenas de verdadero impacto, que invitan a pensar que, quizá, esta nueva ‘Suspiria’ merezca la pena. Producida por Amazon, se estrena el día 2 de noviembre.
No se puede decir que no importe lo mentecato que puede llegar a ser Kanye West con algunas de sus declaraciones y “performances”. Cuestionar el esclavismo como “una opción personal” o secundar a un tipo como Donald Trump que ejerce políticas contra las minorías raciales de su país no es una frivolidad que se perdone con un gran disco. No esta vez. Incluso sus grandes valedores críticos, Pitchfork, le han dado la espalda en esta ocasión y ‘ye’ no sólo no es Best New Music –sólo el influyente ‘808 and Heartbreak’ no lo había sido hasta ahora–, sino que es, directamente, el disco peor valorado de West por parte de la web del grupo Condé Nast. Por no decir que la crítica Meaghan Garvey se permite el lujo de llamarle “gilipollas”.
Pero, ¿hay para tanto? La verdad, es inevitable pensar que sus posicionamientos político-sociales han pesado mucho esta vez, quizá detectando la impopularidad del artista, porque los logros musicales de buena parte de ‘ye’ no quedan tan lejísimos de ‘The Life of Pablo’ –aunque algo más de ‘Yeezus’–. Curiosamente, en contra del artista endiosado, mesiánico y arrogante de aquellos discos, West se muestra aquí frágil, dubitativo y humilde –por ejemplo, ha rehecho buena parte del disco para incluir referencias a esas polémicas recientes antes citadas para enmendarlas, al menos en parte–, manifestando públicamente sus problemas mentales e incluso sus tendencias suicidas (ambas cosas en ‘I Thought About Killing You’ y en el tontorrón mensaje de su portada). Kanye no es más “gilipollas” en ‘ye’ que lo que fue en sus obras pretéritas, ni mucho menos.
Cierto es que sus puntos de vista no son tan dignos de admirar como otras capacidades artísticas: pudiendo distinguirse con un discurso machista, ‘All Mine’ enfoca la infidelidad con pésimo gusto, con barras tan poco afortunadas como “me encantan tus tetas porque son la prueba de que puedo centrarme en dos cosas a la vez”; de manera similar, las teóricamente sanas intenciones de ‘Violent Crimes’ dedicadas a denunciar lo difícil que es ser mujer desde su punto de vista como padre, se tuercen cuando dice que preferiría que sus hijas North y Chicago se parecieran vistiendo a él (con ropa ancha) que a su madre (sin ropa), o que deberían aprender defensa personal contra los tíos. ¿No sería mucho más eficaz que un tipo tan influyente como él le dijera a esos “tíos” que le van a escuchar que el abuso no es una opción, que la violación no es una opción que contemplar incluso aunque no sean padres de niñas?
Pero, en todo caso, ‘ye’ es mucho más que esos aspectos como obra de arte. Así observada, estamos ante otro fantástico trabajo de un artista único, superdotado. Incluso aunque a todas luces este disco haya sido retocado in extremis y adolezca de profundidad en lo sonoro, con altas dosis de improvisación (las voces y las bases están mal mezcladas, saturadas hasta lo molesto al oído) y la baja fidelidad haya sido una opción estética obligada, es un gran disco. Quizá lo mejor sea, de manera bastante clara, su final, enlazando con la voz de la joven 070 Shake la gran ‘Ghost Town’, un nuevo ejercicio de soul clásico retorcido de manera coral –la pléyade de invitados en todo el álbum es, de nuevo, digno de estudio minucioso–, y la citada ‘Violent Crimes’, un emocionante medio tiempo guiado por el piano y un órgano hasta ese mensaje de Nicki Minaj que “inspira” una rima sobre sí misma. Pero no hay que menospreciar otros logros de un disco cuyo peor fallo es el de malograr buenas ideas.
El ejemplo más claro de esto último es ese delirio inicial, ‘I Think About Killing You’: un discurso aparentemente errático pero con sentido, en el que Ye enfoca el suicidio desde su enorme ego (“Hoy he pensado seriamente en matarte / (…) Pienso en matarme a mí mismo, y me amo a mí mismo más de lo que te amo a tí, así que…”, jugando una y otra vez a modular su tono de voz con la ayuda de su colaborador habitual Francis and The Lights, hasta que justo en su ecuador, introduce un bajo y comienza a rapear como sólo él sabe. Todo muy bien, hasta que en su minuto final decide rematar con una outro trapera y rimas algo pobres (incluso tararea alguna de ellas, incompletas). De misma manera, el fantástico coro que cantan Charlie Wilson y Kid Cudi en ‘No Mistake’, reminiscente de sus primeros años, termina en el retrete con una deriva oscura en su segundo minuto de duración. Asumimos tu bipolaridad, Kanye, pero no es necesario que la conviertas en música.
Parece mucho descalabro para un disco de 7 cortes y 23 minutos, cierto. Pero es que la lección de grandeza que, aparte de sus dos últimos cortes, imparte en ‘Yikes’ (un tema muy ‘Yeezus’ en el que da pistas de que ha tenido que huir de un exceso de opiáceos que podrían haberle costado la vida: “creo que Prince y Mike [Michael Jackson] trataban de avisarme”, canta con crudeza sobre la muerte de sus dos ídolos), la tan audaz como breve base de ‘All Mine’ (con tremendo gancho de Valee) y ‘Wouldn’t Leave’ (otro precioso ejercicio post-soul con Partynextdoor y Jeremih poniendo el punto melódico y él rapeando como un ángel sobre cómo Kim Kardashian le ama incluso a pesar de sus cagadas que ponen en riesgo su economía) son mucho, muchísimo. Este Kanye delirante, trabajador infatigable y entregado al arte a pesar de dejar las cosas a medio rematar, amante de la imperfección, está a la altura de su leyenda, para bien y para mal.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Ghost World’, ‘Violent Crimes’, ‘Yikes’, ‘Wouldn’t Leave’ Te gustará si te gustan: Chance The Rapper, Tyler, The Creator, Francis and The Lights.
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El pasado año los barceloneses Medalla destacaban con ‘Emblema y poder’, un álbum en el que se apostaban en un inédito punto medio entre Triángulo de Amor Bizarro y Queens Of The Stone Age. En su propuesta es muy importante la estética, que ellos conjugan con elementos de parafernalia medieval y heroica –basta recordar títulos como ‘Montaña cruces’, ‘Fortaleza’ o ‘Caballero triste’–, que parecían sólo aptos para grupos herederos de la edad dorada del heavy metal, como Ñu o Medina Azahara.
Ellos, con gran sentido del humor, han sabido darles un toque de vigencia y contemporaneidad. El mejor ejemplo es el vídeo oficial de ‘Navaja certera’, el gran trallazo de ‘Emblema y poder’ –que, como ellos dicen, invita a ser coreado puño en alto–, que hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP. El clip, realizado por Lidia Arruego (habitual colaboradora de la banda) y Eric Sueiro (guitarrista y cantante de los propios Medalla), mezcla ese gusto por la estética medieval y ocultista “con un imaginario a caballo entre lo quinqui y lo barroco, bañado por un filtro de cine de serie B”.
A través de diferentes bodegones se ilustra la historia de venganza que narra la canción: una pelea típica de callejón con cadenas, cuchillos y botellas rotas, que ilustra “la violencia inherente al ser humano desde su nacimiento”. Arruego y Sueiro muestran que bastan una buena visión fotográfica, sentido del humor, ingenio y algo de taxidermia para suplir un presupuesto ajustado y, al mismo tiempo, poner los pelos de punta y despertar una sonrisa.
Antes de volver al estudio para grabar su segundo álbum, que esperan se publique en 2019, Medalla continuarán presentando ‘Emblema y poder’ por todo el país en las próximas semanas: el 7 de junio estarán en la Sala Balboa de Sabadell) –en la fiesta-presentación del Festival Embassa’t 2018–; el 9 de junio en el Festival Palencia Sonora; el 30 de junio en Vida Festival; el 27 de julio en Pontevedra –sala pendiente de confirmar– y el 28 de julio en Basticore Festival (Oleiros).
‘Killing Eve’, producida por BBC America, fue estrenada en HBO España en plena promoción de las dos series estrella de la cadena: la segundas temporadas de ‘Westworld’ y ‘The Handmaid’s Tale’. Fue algo así como un ligero aperitivo que ha resultado mucho más sabroso que los dos platos fuertes. Su creadora, Phoebe Waller-Bridge, ya demostró su talento en la divertidísima ‘Fleabag’ (disponible en Amazon). En ‘Killing Eve’, adaptación de las novelas de la serie ‘Villanelle’ de Luke Jennings (¿para cuando la traducción?), vuelve a poner de manifiesto sus dos principales cualidades como guionista: el sentido del humor, aquí más negro que el futuro del portero del Liverpool, y la enorme agilidad narrativa que imprime a sus tramas.
La historia que cuenta ‘Killing Eve’ es la misma de siempre, la de cientos de thrillers con asesinos perturbados: detective persigue a psicópata, y psicópata persigue a detective. La diferencia estriba en cómo está contado este juego del ratón y el gato. Lo primero que llama la atención es su dúo protagonista. Detectives ha habido muchas en las ficciones policíacas, con la Clarise de ‘El silencio de los corderos’ como gran referente. Pero asesinas sádicas y chifladas, pocas. Y que coincidan las dos, aún menos. El duelo –interpretativo y dramático- entre la gris y entregada agente del MI6 Eve Polastri (una estupenda Sandra Oh), y la glamourosa (atención al repertorio de vestidos) y sádica asesina a sueldo Villanelle (una magnética Jodie Comer), es uno de los puntos fuertes de la serie. La tensión sexual, intelectual y emocional que se establece entre ambas traspasa la pantalla como un cuchillo de sushi.
Lo segundo que sobresale de ‘Killing Eve’ es su estilo audiovisual. Las canciones de Julia Michaels, Cat’s Eyes, Cigarettes After Sex, el español Pshycotic Beats o Unloved (las más numerosas), ofrecen contrapuntos irónicos e inyectan densidad dramática a unas imágenes llenas de inventiva estilística y fuerza metafórica. En los asesinatos es donde se concentran las mayores dosis de creatividad en la puesta en escena. Cada capítulo ofrece uno o varios crímenes, con secuencias muy llamativas en las que se combina de manera muy armoniosa lo bello con lo siniestro, la elegancia formal con el contenido macabro.
Pero, sin duda, el aspecto que más destaca de la serie es su mezcla de tonos. Un mismo capítulo puede ser emotivo, trepidante, sangriento y cómico. Su discurso frívolo e intenso. Su narración ligera y espesa. No es fácil equilibrar tantos vaivenes dramáticos en tan poco tiempo (cada capítulo dura unos cuarenta minutos). Y Waller-Bridge lo consigue. Lo que más se resiente de esta ambición es su intriga, una trama de espionaje internacional algo desabrida. Sin embargo, lo compensa con una fabulosa caracterización de personajes (incluido los secundarios), unos giros de guión muy bien administrados y un extraordinario sentido del humor presente desde la primera a la última secuencia. Como era de esperar, la segunda temporada ya está en marcha. 8’5.
¿Cómo podía ser el vídeo de una canción llamada ‘Alien’ en la que aparecen frases como “soy un alien, no importa cuánto me esfuerzo, no consigo encajar, siempre voy por mi cuenta, y estoy triste y sola, lo único que quiero es que alguien juegue conmigo?” En el turbio mundo de Die Antwoord, por supuesto, uno protagonizado por un adorable (y un poco malrollero) alienígena.
Ninja, la mitad masculina de Die Antwoord, dirige este oscuro videoclip en el que Yolandi Visser interpreta al alien que vaga solo por el mundo, y cuyo aspecto puede llegar a dar tanto miedo como esos vídeos de Marilyn Manson y Aphex Twin que se emitían en la MTV en los 90. En el clip, la chica intenta entablar conversación con las personas presentes en un bar, pero no se le permite el acceso por ser alien, así que se retira a una especie de almacén abandonado y mugroso. Allí, en el momento más espectacular del vídeo, la alien desarrolla una pupa a través de su cabello con la que envuelve todo su cuerpo y renace en forma de ser humano, una chica adoelescente interpretada por Sixteen Jones, quien no es otra que la hija de Ninja y Yolandi.
‘Alien’ era una de las mejores canciones de ‘Mount Ninji and da Nice Time Kid‘, el último álbum de Die Antwoord, publicado en 2016.
Nick Cave & the Bad Seeds acaban de realizar un gran recital en el festival Primavera Sound de Barcelona, y este domingo 3 de junio han llevado su espectáculo al All Points East de Londres, donde han dado una sorpresa a su público. Para la interpretación de la macabra balada ‘Where the Wild Roses Grow’, Cave y banda han subido al escenario a su artista invitada, Kylie Minogue, con quien Cave no actuaba desde 2013, y quien ha cantado rosa en mano.
No ha sido este dueto tan frecuente en los años previos a aquella actuación en la sala Koko de Londres, que fue la primera que Minogue y Cave realizaban en 15 años (aunque hay que recordar que Cave sí accedió a re-grabar su parte de la canción para ‘The Abbey Road Sessions‘ de Kylie). La de Londres, por tanto, ha sido una ocasión rara de ver a los dos artistas cantando juntos su precioso clásico.
‘Where the Wild Roses Grow’ se incluyó en el celebrado ‘Murder Ballads’ de Nick Cave & the Bad Seeds y sigue siendo el mayor éxito comercial del grupo hasta el momento. Es también una de las mejores canciones de Kylie, al menos para la redacción de este site.
Este fin de semana, los concursantes de Operación Triunfo 2017 han actuado en Málaga, y el que tendría que haber sido un concierto cualquiera ha sido noticia después de que Amaia Romero, ganadora de la edición, resbalara y cayera de culo por las escaleras durante la canción de apertura. En los vídeos del momento se puede apreciar a Juan Antonio y Alfred (pareja de Amaia) yendo en su ayuda, si bien Amaia termina levantándose por cuenta propia sin problema, riéndose de lo sucedido.
La gira de OT2017 mantendrá a los concursantes ocupados hasta principios de julio, si bien algunos de ellos empiezan ya en encarrilar sus carreras en solitario. De hecho, Amaia acaba de realizar su primer concierto en solitario en Primavera Sound, interpretando un celebrado repertorio de versiones; y tanto Mireya como Cepeda publican sus primeros discos, ‘Tu reflejo’ y ‘Principios’, respectivamente, a finales del mes de junio (la primera el 21, el segundo el 26). Por su parte, Nerea forma parte de ‘La llamada’ de Los Javis, Alfred prepara su álbum, Miriam canta la canción principal de ‘Vis a vis’ y ‘Lo malo’ de Aitana War sigue triunfando a lo grande en nuestro país.
Una vez más, @Amaia_ot2017 es un meme sin quererlo ni beberlo. Esta vez en el concierto de Málaga JAJAJAJAJAJAJAJ (la foto no es mía) pic.twitter.com/fyLxM4V6iZ
Al fin, Shakira ha iniciado este domingo 3 de junio su nueva gira ‘El Dorado’ en Hamburgo, después de postergarla por varios meses debido a una hemorragia vocal, según la versión oficial, aunque a nadie se le escapa que el retraso del tour ha coincidido plenamente con los problemas de Shakira con Hacienda después de que esta le acusara de fraude fiscal. Shakira pagó 20 millones de euros a la Agencia Tributaria en febrero, pertenecientes al ejercicio de 2011, pero Hacienda investiga ahora sus fraudes en 2012, 2013 y 2014, que sumarían un total de 10 millones de euros. foto: Xavi Menos
La gira de ‘El Dorado’, que llega a España a finales de junio y principios de julio (las entradas están disponibles en Ticketmaster), por lo que se puede ver en los vídeos, no cuenta con grandes alardes técnicos, ya que en el escenario se pueden apreciar únicamente a Shakira y a su banda de directo. No hay bailarines que acompañen a la bailarina Shakira ni parece que haya tampoco una puesta en escena espectacular, más allá de los esperables vídeos de fondo, entre los que se encuentra uno sobre educación infantil que se proyecta justo antes de ‘Toneladas’ y ‘Hips Don’t Lie’. Claro que nosotros no hemos estado ahí y no podemos corroborar esto a ciencia cierta.
Naturalmente, el setlist de ‘El Dorado’ está plagado de hitazos. Porque al margen de alguna ausencia imperdonable (¿dónde están los ladrones ‘Trap’ y ‘Ojos así’? ¿Y la gran ‘Addicted to You’? ‘¿Ciega, sordomuda’?), pocos peros se le puede poner a un concierto pop en el que suenan tantas canciones que se sabe todo el mundo como ‘Whenever, Wherever’, ‘Chantaje’, ‘La bicicleta’, ‘Me enamoré’, ‘La tortura’, ‘Loca’ y ‘Hips Don’t Lie’. Bueno, sí, uno.
Conchita Wurst ha actuado este fin de semana en Life Ball 2018, la gala anual celebrada en Viena que busca recaudar fondos para luchar contra el sida, y que es el “mayor evento filantrópico de Europa” según Efe. Wurst ha interpretado una versión de la canción principal de ‘Sonrisas y lágrimas’ e incluso ha debutado un sorprendente look rubio para parecerse a María von Trapp, el personaje interpretado por Julie Andrews en la película, como ha contado en una entrevista en la alfombra roja.
La ganadora de Eurovisión 2014 publica nuevo álbum junto a la Orquesta Sinfónica de Viena, ‘From Vienna with Love’, el 19 de octubre, en el que se incluirá la versionada canción compuesta en 1959 por Richard Rodgers con letra de Oscar Hammerstein II. El primer álbum de Wurst salió en 2015. Según un texto publicado en la web de Wurst, el álbum “contendrá baladas populares y apasionadas canciones de diva”.
El pasado mes de abril, Wurst revelaba que tiene VIH, si bien indetectable, después de que un ex novio suyo amenezara con contarlo. La cantante defendía: “no le daré a nadie el derecho de amedrentarme e influir en mi vida en el futuro”, y apuntaba: “Espero dar un paso más en contra de la estigmatización de las personas que se han infectado por el VIH, ya sea debido a su propio comportamiento o sin haber tenido culpa”.
El pasado viernes los madrileños Rufus T. Firefly publicaban ‘Loto’, un disco avanzado por el homenaje a ‘Stranger Things’ de ‘Demogorgon‘ y que nosotros entendíamos como un apéndice de su álbum publicado el pasado año, ‘Magnolia’. Pero la banda de Aranjuez comandada por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro aclara que, en realidad, se trata de la segunda parte de aquel disco y que conforman una única obra conceptual. Si nos atenemos al colorido de sus respectivas preciosas portadas, esta segunda parte ha de ser la luminosa, la brillante.
Y así lo refrenda al menos la canción que hoy etiquetamos como nuestra Canción del Día. Se trata de ‘Un breve e insignificante momento en la breve e insignificante historia de la humanidad’, una canción que persiste en ese retro-rock psicodélico a-la-Tame Impala de la primera parte de esta obra doble. Pero, como decíamos, junto a esa lisergia y ese trotón ritmo asincopado, también posee una particular vibración pop, luminosa y magnética, con un sintetizador haciendo un pre-coro que se incrusta sin remedio en la cabeza.
Pero, sobre todo, esta canción brilla rápidamente por su letra, que ha terminado por convertirse en la gran baza personal de Rufus T. Firefly. En ‘Un breve e insignificante momento en la breve e insignificante historia de la humanidad’, Víctor canta a esos contados momentos de felicidad cotidiana, instantes que suelen venir de aparentes pequeñeces (poner las cuerdas a una guitarra; una canción que nos gusta –en este caso “la última mierda de Cala Vento”–; pasear al perro –hasta su nombre, Fújur, guarda un explícito guiño literario–; un rayo de sol en la cara fumando hierba; recordar a alguien que ya no está a través de sus obras –Gata Cattana–…) y que suponen la frágil y efímera grandeza de la vida.
Antes de actuar en festivales como Mad Cool u O Son do Camiño, Rufus T. Firefly presentan ‘Loto’ esta semana en Valencia, en Festival de les Arts, más tarde en Festival de los Sentidos, en La Roda (Albacete) del 15 al 17 de junio, y también en Polifonik Sound 2018, en Barbastro (Huesca).
Mientras ultima su próxima “mixtape”, ‘Fantasea Two: The Second Wave’, que debería salir este mes, Azealia Banks añade un nuevo nombre a su lista de enemigos: RuPaul. Banks ha acusado a la conocida “drag queen” de plagio por el parecido de su tema ‘Call Me Mother’ con el single de ‘Slay-Z‘ ‘The Big Big Beat’.
Tras la acusación, el álbum de RuPaul que acoge esa canción, ‘American’, ha sido retirado de Spotify, y Azealia asegura ahora que, tras poner una demanda de plagio, RuPaul ha buscado “contactar” con ella. Escribe: “¿Pero dónde estaba esa energía cuando saqueabas mi trabajo y me usabas de inspiración para tu hortera programa de televisión? Estoy decepcionada con él sobre todo como persona negra. Se supone que me debería haber apoyado. Pero ha preferido sumarse el sentimiento popular de hombre gay blanco y sintió que yo era lo suficientemente desechable como para robarme y luego descartarme”.
El parecido entre ‘Call Me Mother’ y ‘The Big Big Beat’ es innegable, hasta el punto que parece la misma canción pero con distinta letra. El ritmo house y el “flow” del rap de RuPaul es idéntico al de Azealia Banks. Por cierto, para quien tenga dudas, el single de Banks salió en 2016 y el de RuPaul en 2017.
Lol I got rupauls ripoff of the big big beat .. “call me mother” removed. You will not step on my little black girl toes bitch. You will take your razor bumps and pumps to the nearest laser hair removal clinic and seethe. @RuPaul BYE UGLY! 💁🏽
Lol now that I’m filing claims RuPaul wants to reach out. But where was that energy when you were stealing my work and using me as inspiration for your campy ass television show? I’m disappointed in him first and foremost as a black person. He was supposed to have my back