Inicio Blog Página 1038

Nick Carter de Backstreet Boys niega las acusaciones de violación de Melissa Schuman

10

Nick Carter de Backstreet Boys ha sido acusado de violación por Melissa Schuman, también cantante y ex integrante de la banda Dream (autora de éxitos como ‘He Loves U Not’ y ‘This is Me’). En su escrito, Schuman asegura que Carter la violó en 2002, cuando ella tenía 18 años y él 22, y que no ha revelado lo sucedido hasta ahora porque en su momento, su manager Nils Larsen le comunicó que sería inútil, ya que Carter tenía el “abogado más poderoso del país”.

Schuman, que en ese momento era virgen, relata que Carter les invitó a ella y a su compañera de piso a su apartamento de Santa Monica y que, tras unas bebidas, Carter invitó a Schuman a su despacho para mostrarle la “música nueva en la que estaba trabajando”. Tras unos besos, Schuman describe que Carter la llevó al cuarto de baño, le desabrochó el pantalón y empezó a practicarle sexo oral sin su consentimiento, a lo que ella se resistió. Schuman explica que Carter no hizo caso y le obligó a practicarle sexo oral a él, a lo que ella se negó, tras lo cual Carter colocó la mano de ella en su pene. Schuman relata que entonces accedió con tal de que la situación terminara cuanto antes. Entonces, cuenta que Carter la llevó a su habitación, la tiró en la cama y se colocó encima de ella para violarla.

La acusación de Schuman se suma a las decenas y decenas de acusaciones por abusos sexuales que han trascendido en las últimas semanas tras el escándalo Harvey Weinstein y el movimiento viral #metoo.

Horas después de hacerse público el escrito de Schuman, Nick Carter ha negado las acusaciones mediante un comunicado: «Estoy en shock y entristecido por las acusaciones de la señora Schuman. Melissa nunca me dijo mientras estuvimos juntos ni en ningún momento que lo que tuviéramos no fuera consensuado. Llegamos a grabar una canción y a actuar juntos, siempre tuve mucho respeto por ella y la apoyé en todo tanto en lo personal como en lo profesional. Esta es la primera vez que oigo estas acusaciones, cerca de dos décadas después. Va en contra de mi naturaleza y de todo en lo que creo causar intencionadamente ningún daño a nadie».

Vetusta Morla (y Fito) dejan a Taylor Swift sin número 1 en España

9

Como era de prever, pues España nunca ha sido uno de sus mercados clave, lo cual suponemos que implicará que jamás vaya a visitarnos de gira, Taylor Swift se vuelve a quedar sin número 1 en nuestro país. Parecía misión imposible para ‘reputation’ lograr la cima al coincidir su lanzamiento con el del nuevo disco de Vetusta Morla, uno de los grupos más exitosos del país, y así ha sido, con otro disco interponiéndose entre ambos, ‘Fitografía’ de Fito y Fitipaldis, el cual incluye 53 canciones y casi 4 horas de música. Repasamos las novedades de la semana en ventas en España.

Vetusta Morla logran su 2º top 1 en ventas y el 1º en streaming

Mismo sitio, distinto lugar’ es el segundo disco de Vetusta Morla que logra ser número 1 en España después de que ‘Un día en el mundo’ (puesto 19 en su momento) fuera un gigantesco sleeper y ‘Mapas’ quedara en el puesto 3. El tercero, ‘La deriva’, fue ya número 1. Además de ser número 1 en ventas, lo nuevo de la banda de Pucho lo es también en la tabla de streaming. No es que sea una sorpresa: todas las canciones del disco tienen ya cientos de miles de escuchas en Spotify y además ‘Te lo digo a ti’ reentra al top 90 en singles, alcanzando un nuevo máximo, y ‘Deséame suerte’ entra al puesto 72. Por otra parte, ‘Un día en el mundo’ sigue en el top 27 de «streaming álbumes» y el directo ‘15151’ en el top 40.

Taylor Swift logra su mejor resultado en España

Pese a que ‘reputation’ queda en España por detrás de Vetusta y Fito, el top 3 conseguido es el mejor logrado por Taylor en nuestro país, pues tanto ‘Red’ como ‘1989’ fueron número 4. En general, mientras ‘reputation’ ha arrasado Estados Unidos, Reino Unido o Canadá, tiene dificultades para repetir méritos en la Europa Continental: Alemania (#2), Italia (#3), Dinamarca (#3) y muy especialmente Francia (#16).

El público recuerda a The Corrs, Evanescence, Seal

Varios artistas procedentes de los 90 o los primeros 2000 llegan a la lista española. Se trata de The Corrs con ‘Jupiter Calling’ (#13, un resultado mejor que el de la propia Irlanda), Evanescence con ‘Synthesis’ (#20) y Seal con ‘Standards’ (#48).

Los tres han rondado el top 20 en Reino Unido, destacando el número 8 logrado por Evanescence en Estados Unidos.

Lagartija Nick se apuntan un tanto

Lagartija Nick se han colado en el puesto 29 con su nuevo disco ‘Crimen, sabotaje y creación’, cuya reseña publicaremos mañana. Que hayamos podido localizar en bases de datos y libros de la SGAE, es el mejor registro de toda la historia para la banda de Antonio Arias en la lista de ventas española.

Carlos Vives no saca partido de ‘La Bicicleta’

La entrada de ‘Vives’ de Carlos Vives no es muy buena si tenemos en cuenta que incluye ‘La Bicicleta’ con Shakira y un dúo con Sebastián Yatra. El disco es puesto 57 en ventas, si bien hay que destacar que es número 48 en “streaming álbumes”, una de las pocas novedades en esa lista.

La lista se llena de recopilatorios y reediciones

Con motivo de la proximidad de la Navidad, la lista de ventas se llena de recopilatorios y reediciones: ‘Fitografía’ de Fito y Fitipaldis se cuela en el #2, ‘Grandes éxitos y pequeños desastres’ de Dani Martín llega al #6, el remaster de ‘Master of Puppets’ de Metallica al #26, ‘Diamonds’ de Elton John al #50 y ‘Automatic for the People’ de R.E.M. llega por los pelos al #93.

Otras entradas son Jose Maria Ruiz de La Voz Kids con ‘Caminando juntos’ (puesto 8), ‘Ecos del rocío’ con ‘Una nueva vida’ (#12), La Fuga con ‘Humo y cristales + Mientras brille la luz’ (#15) y Cecilia & Sol en ‘Dolce duello’ (#59).

También ha salido un disco de Aretha Franklin con orquesta filarmónica que se ha colado en el #44, y con el que os dejamos.

‘rockstar’, la canción más escuchada del mundo desde hace 2 meses, estrena videoclip sangriento

10

‘rockstar’ de Post Malone salió hace 67 días, de los cuales lleva 65 en el número 1 del global de Spotify. Un éxito monstruoso que le ha llevado por supuesto al número 1 de Estados Unidos y Reino Unido, entre otros logros que han hecho sumar al artista 418 millones de reproducciones en Spotify con este tema en tan solo estos dos meses. Todo ello sin videoclip oficial.

Hasta hoy. Al fin se estrena el vídeo de la canción, una lucha de espadas algo tarantinesca que deja una buena charca de sangre alrededor del artista principal y su acompañante 21 Savage. El clip es obra del británico Emil Nava, quien antes ha trabajado para Ed Sheeran (‘Thinking Out Loud’ y ‘Sing’, entre muchos otros), Calvin Harris (‘This Is What You Came For’, ‘How Deep Is Your Love’ y el bobo pero entretenido ‘Feels’, entre muchísimos otros), o AlunaGeorge (‘I’m In Control’), por poner solo algunos ejemplos. Su extensísima videografía, que incluye colaboraciones con Jennifer Lopez, Julia Michaels o Nick Jonas puede consultarse en su web.

Parece confirmarse que el nuevo disco de Post Malone llega al mercado el 1 de diciembre tras haberse ido retrasando reiteradas veces desde el pasado verano. En principio se esperaba que ‘stoney’ y ‘Beerbongs and Bentleys’ fueran largos mucho más consecutivos.

Stormzy se disculpa por sus tuits homófobos: «No reflejan quien soy hoy»

4

Stormzy, autor del excelente ‘Gang Signs and Prayers‘, que fue uno de los favoritos en el reciente Mercury Prize, se ha disculpado por una serie de tuits homófobos, en concreto 19, que escribió en esta red social entre 2011 y 2014. Así lo recogía el medio Pink News, donde se dieron cuenta ayer de que había usado las palabras «maricón», «marica» y «gay» (en concreto «faggot», «fag» y «gay» en inglés) de manera despreciativa reiteradas veces.

El que es uno de los mayores exponentes del grime británico ha querido pedir perdón de nuevo a través de Twitter, como recoge NME: «Pronuncié cosas ofensivas y repugnantes en Twitter hace años en una época en la que era joven y me enorgullecía mi ignorancia. Fueron sentencias muy dañinas y discriminatorias que he corregido a medida que he crecido y me he convertido en un hombre».

Continúa: «Los comentarios que hice son inaceptables y repugnantes, punto y final. Son comentarios de los que me arrepiento y pido perdón a todos aquellos a los que he ofendido, lo siento, son cosas que he dejado en el pasado. El lenguaje homofóbico que usé era, para mi vergüenza, parte de mi vocabulario cuando era joven y la ignorancia me hacía sentir a gusto, y no entendía lo que conlleva el odio. No es una excusa, asumo la responsabilidad de mis errores y espero que entendáis que mi yo más joven no refleja quien soy hoy (…) De nuevo, lo siento, a la comunidad LGTB+ y a mis fans y amigos, mis más sinceras disculpas».

Delorean / Mikel Laboa

0

Si ‘Mikel Laboa’ es un paréntesis, “un giro momentáneo en el sonido de Delorean, que en esta ocasión aparcan el indie con matices electrónicos y de baile al que nos tienen acostumbrados para adentrarse en un terreno mucho más personal e introspectivo”, como ellos mismos declaran, quizá no haga falta extenderse mucho en los antecedentes del grupo vasco de indie-pop electrónico. Avanzadilla internacional de un conjunto cada vez más nutrido de propuestas locales exportables, Delorean echan esta vez la vista atrás para rendirle homenaje al cantautor donostiarra Mikel Laboa, fallecido en 2008; sin abandonar el lenguaje binario de la electrónica, pero sumergiéndose en la tradición lírica, musical e instrumental vasca.

Laboa fue el máximo exponente de la Nueva Canción Vasca desde mediados de siglo pasado y su primer disco de larga duración, ‘Bat-Hiru’, publicado en 1974, fue considerado como el mejor de la historia de Euskadi por los lectores de El Diario Vasco y apareció entre lo mejor del siglo XX para Rockdelux. Su compromiso con la cultura de su pueblo, traducido en una obra fuertemente personal, mezcla de tradición, poesía y experimentación, ha sido un referente para varias generaciones de artistas de su comunidad, por lo que el homenaje de Delorean no es, ni mucho menos, el primero que se le hace. Sí es, quizá, el que mejor rescata ese espíritu aventurero y vanguardista del legendario autor, fundiéndose con asombrosa facilidad los sintetizadores y la instrumentación clásica de Delorean (menos efusiva y más introspectiva que de costumbre) con un legado orgánico y vocal extraído de las sesiones de grabación del propio Laboa.

Además de la voz, tanto la guitarra como la txalaparta, el famoso instrumento tradicional de percusión vasco –presentes en ‘Bentara noa’ y en ‘Orreaga (Lekeitio 6)’–, sirven de puente etnográfico entre el pasado y el presente, lanzándose hacia el futuro mediante un revestimiento electrónico que, por lo general, y cuando la hay, deja que la voz marque el camino. Así sucede, al menos hasta la mitad, en ‘Kantuz’: una alabanza al poder mismo de la canción, desnuda de instrumentación en su versión original, y envuelta aquí en un discreto beat sobre un fondo ligeramente new age. Ocurre de manera desigual en dos de las piezas denominadas como «Lekeitioak», un formato de canción experimental de Laboa donde intercala gritos onomatopéyicos. Así como en ‘Dialektikaren laudorioa (Lekeitio 3)’ la voz y la instrumentación electrónica parecen convivir codo con codo en cierta barrena rítmica, en ‘Orreaga (Lekeitio 6)’ –tema que conmemora el 1200º aniversario de la batalla de Roncesvalles, en la que los vascos le frenaron los pies a Carlomagno– los protagonistas indiscutibles son la voz, la txalaparta y la guitarra originales.

Pero, sobre todo, es la fórmula infalible y tremendamente atractiva de ‘Bentara noa’. La pieza central, la que fuera segundo single de presentación del álbum, es la versión más redonda y memorable de cuantas hay en el disco. Sobre una elegante y sobria base de beats, cercana a Moderat, Delorean sacan brillo a la preciosa guitarra original de Laboa y a su melódico canto, reconstruyendo y actualizando un pedazo de historia cultural vasca de incalculable valor.

Los cortes más Delorean de ‘Mikel Laboa’, aunque muy lejos del colorido habitual de su obra convencional, son ‘Komunikazio-Inkomunikazioa (Lekeitio 5)’, un rompecabezas de sintetizadores con algún fragmento vocal intercalado, y la breve aunque suculenta ‘Denbora galduaren bila (Doneztebe)’. No es que sean licencias ni desahogos electrónicos libres por el esfuerzo de adaptación a un lenguaje distinto, sino más bien interpretaciones del universo estético de Laboa en clave un tanto clubber en la última mitad de la primera de las mencionadas y, sobre todo, en la segunda. El ejercicio de homenaje, por tanto, va desde las covers más pretendidamente fieles a las originales, realzando la materia prima, hasta esta suerte de interpretaciones, que parecen puntos de encuentro entre los espíritus de experimentación y vanguardismo de Delorean y de Mikel Laboa. Un tipo de espíritu frente al cual ninguna frontera, ya sea real o ficticia, política o de estilo musical, podrá hacer nunca nada.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Kantuz’, ‘Bentara noa’ y ‘Orreaga (Lekeitio 6)’, sobre todo cuando suena la instrumentación original de Laboa.
Te gustará si te gustan: Delorean y Mikel Laboa por separado, la canción tradicional y las propuestas de electrónica con acento étnico tipo Bonobo.
Escúchalo: Spotify.

Camila Cabello termina su disco: ¿el principio de algo grande para el pop latino?

37

Camila Cabello ha anunciado en Twitter que su primer disco en solitario está “terminado”. Pero un momento… ¿no estaba este disco listo cuando Cabello publicó el que parecía su sencillo principal, ‘Crying in the Club’, el pasado mes de mayo? ¿No se titulaba el álbum ‘The Hurting. The Healing. The Loving.’ y empezaba con una balada llamada ‘I Have Questions’ que se avanzó en el videoclip de la mencionada ‘Crying in the Club’? ¿Qué ha pasado?

No es un misterio: ha pasado ‘Havana’. La canción, en la que Cabello se entrega a la música de su país de origen, Cuba, es una de las canciones más escuchadas en el mundo en estos momentos: es número uno en Reino Unido, número dos en Estados Unidos (por detrás de ‘rockstar’ de Post Malone) y número dos en la lista de éxitos globales de Spotify, de nuevo por detrás de ‘rockstar’. El tema, que también es número 8 en España, donde no hace más que subir, acumula 350.800.444 streamings solo en esta plataforma y no hace falta decir que será uno de los mayores éxitos de 2017.

El “boom” latino aupado por ‘Despacito’ parece haber trastocado los planes de Cabello, animándola a cambiar la dirección de un álbum que en mayo tenía título y portada. Por el sonido de ‘Crying in the Club’, el álbum ya apuntaba a un sonido latino, aunque no tan claramente como en ‘Havana’. Está claro que Cabello y su sello van a aprovechar el revuelo latino (que ya es más que una moda) al máximo, probablemente sin abandonar el hip-hop de ‘OMG’, que también ha producido buenos resultados.

La reciente actuación de Cabello en los EMA refleja que, a sus 20 años, y ya totalmente desligada de Fifth Harmony, va camino de convertirse en un nuevo icono global de la música latina. Solo hace falta verla en directo para darse cuenta de que se merienda el escenario y de que el futuro no podría sonreírle más. ¿Puede Cabello ocupar el mismo lugar que Jennifer López y Shakira en la industria del pop latino? Nos vemos en unos años, pero yo apuesto a que tiene todas las papeletas para hacerlo.

Por qué Amaia es la mejor concursante de Operación Triunfo

18

Pocas veces hay tanta unanimidad en cuanto al concursante favorito de Operación Triunfo, pero Amaia Romero se ha llevado el gato al agua prácticamente compitiendo consigo misma. Solo Alfred y Aitana parecen rivalizar con ella en cuanto a popularidad y desde luego ninguno de los dos ha sido capaz de causar el furor que ha causado Amaia, que incluso ha inspirado un perfil de Twitter llamado “Reina de Espanya” [sic]. Cierto es que, en comparación con las dos primeras ediciones del concurso, y a lo sumo con la cuarta, esta nueva edición de OT carece de un casting igual de carismático: no, entre Amaia y Cepeda, o entre Marina y Alfred, o entre Aitana y Ana Guerra, o entre Amaia y Raoul, no es tan difícil escoger favorito. Pero Amaia ha cautivado a la audiencia por algo más que por eliminación. Amaia no es solo la mejor concursante de Operación Triunfo porque los demás sean peores: tiene futuro de verdad.

La joven de 18 años, originaria de Pamplona, es en algunos sentidos la “nueva Virginia Maestro”. Su voz es delicada y su gusto musical profundiza más allá del mainstream actual, yéndose a los Beatles y a David Bowie (e incluso, de manera más sorprendente e inesperada, a grupos alternativos como Neutral Milk Hotel o El Mató A Un Policía Motorizado) donde Maestro se iba a Radiohead y Cardigans. En la gala cero, Amaia se presentó con una versión de ‘Starman’ de Bowie que, lejos de hacérsele grande, adaptó a su estilo sin restarle la emoción original. Amaia, que ha sido favorita del público dos veces consecutivas, es mucho más que carisma y naturalidad, por mucho que al público le fascine su personalidad a veces un tanto bizarra.

El éxito de Amaia demuestra que el público no es tonto y que no se deja impresionar por los talentos dramáticos de concursos como La Voz, donde las voces grandes y acrobáticas carecen de “cara”… y no solo literalmente. Amaia emociona sin estridencias, gracias a un registro vocal dulce que no posee gran fuerza pero sí rango y expresividad suficientes para resultar versátil en diversos géneros, como ha demostrado en sus estupendas versiones de ‘Starman’, la reciente ‘Con las ganas’ o la viral ‘City of Stars’, tres canciones muy diferentes que Amaia ha sabido apropiarse, casi haciéndonos olvidar las originales. La voz de Amaia es clásica, atemporal y su bonito vibrato remite a Cecilia, cuando no a Connie Stevens: no hace falta decir que escucharla cantar ‘Un ramito de violetas’ o ‘Blame it on My Youth’ sería otra maravilla para OT.

Y más allá del repertorio que Amaia está obligada a interpretar en las galas, como Maestro, la navarra también toca instrumentos y aunque no es compositora -que se sepa-, las canciones que versiona en la Academia, al piano o a la guitarra, apuntan hacia un futuro comercial en la dirección de “singer songwriters” como Zahara, L.A., Anni B Sweet, Vega, Virginia Maestro o por supuesto de ese El Kanka al que Amaia ha versionado en un par de ocasiones, una de ellas popularmente al piano (‘Lo mal que estoy y lo poco que quejo’). A un futuro, en definitiva, más allá de Operación Triunfo y de la tele en general. A nadie puede olvidársele que Amaia ya concursó en ‘El número uno’ en 2012, siendo rechazada por la misma Mónica Naranjo que hoy la juzga desde el panel de OT, y no por lo que hiciera mal, sino precisamente porque lo hizo demasiado bien. Naranjo ya entendió en su momento que a Amaia los concursos televisivos se le quedaban pequeños.

Gane Amaia OT o no, en cuanto salga de la Academia y se proponga sacar un disco es muy probable que se tomen decisiones erróneas en cuanto al manejo de su carrera. Por suerte no está Risto Mejide por el medio para producirle un disco mediocre que solo le guste a él. Pero ojalá Amaia disponga de la libertad creativa que necesite y, sobre todo, en caso de que los necesite, de buenos compositores que sepan sacar lo mejor de ella ofreciéndole buenas melodías y buenas letras. A estas alturas del programa, está claro que Amaia es la mejor concursante de Operación Triunfo, y su objetivo ahora mismo es superarse a sí misma.

Fallece David Cassidy de ‘The Partridge Family’, ídolo adolescente de los 70

0

El actor y cantante David Cassidy, uno de los mayores ídolos adolescentes de los 70 en Estados Unidos gracias a su papel en la comedia televisiva ‘The Partridge Family’ (en España conocida como ‘Mamá y sus increíbles hijos’), ha muerto este martes en un hospital de Florida. Tenía 67 años. Su familia ha anunciado la muerte en un comunicado, indicando que Cassidy ha fallecido “rodeado de aquellos a quien amaba, con alegría en su corazón y liberado del dolor que por tanto tiempo le ha angustiado”.

Cassidy sufría una enfermedad vinculada con la demencia, que él mismo reveló padecer en 2016, indicando que tanto su madre como su abuelo la sufrieron. Cassidy necesitaba con urgencia un transplante de hígado y el pasado 18 de noviembre fue ingresado en el hospital debido a un fallo múltiple de sus órganos vitales.

El cantante fue un enorme fenómeno cultural en los 70, causando verdaderos alborotos en los conciertos, algunos de ellos violentos e incluso trágicos. En 1972 llegó a lamentar en NME haber sido explotado por la industria, contando que una vez llegó a ver su rostro en una caja de cereales de manera extra-oficial. Contó: “No podía escapar mi cara ni para desayunar”.

Nacido en 1950, Cassidy también triunfó como cantante en solitario gracias a discos como ‘Cherish’, su debut, o ‘Dreams are Nuthin’ More than Wishes’, su único álbum número uno. George Michael colaboró con él en su séptimo disco, ‘Romance’. Su último disco es un directo publicado en 2008.

Hit de ayer: ‘Uptown’ de Billy Rancher & The Unreal Gods (1982)

1

De vez en cuando la casualidad hace que te encuentres con música oscura, rarezas que en ocasiones ni llegaron a ser publicadas. Ahora que la edición de discos y canciones nunca editadas es todo un negocio (oscuros LPs de folk cuya publicación se canceló, prensajes privados que se revelan como joyas perdidas) y que Youtube está lleno de atractivo material proveniente de ese inédito universo alternativo, sorprenderse es cada vez más difícil. Y sin embargo no hace mucho me topé con este personaje, Billy Rancher, que durante años ha permanecido fuera del radar mayoritario más allá de un grupo de fans que se resisten a que -treinta años después- su figura caiga en el olvido. Su discografía con los Unreal Gods se limita a un par de autoediciones, una de 1981 (un excelente single navideño) y otra de 1997, a título póstumo. Pero Billy Rancher estuvo rozando el éxito a principios de los 80 hasta que una inoportuna enfermedad lo frustró todo.

Originarios de Portland, los Dioses Irreales de Rancher se labraron entre 1981 y 1983 una gran reputación en la escena del Pacífico Noroeste, de su ciudad natal a Seattle, tocando regularmente una mezcla de estilos característica de la época: rock and roll, pop new wave, ska. Se comenta que una joven Courtney Love era una asistente habitual en sus conciertos. Grabaron material con Louis X Erlanger de Mink deVille, y también en The Power Station durante una gira por la Costa Este, demos que estuvieron moviendo entre las discográficas mientras su repertorio se volvía más sólido. Para 1983 era la banda de Portland con más seguidores y posibilidades de dar el salto, un momento que culminaron triunfalmente con su fichaje para el sello Arista por parte del legendario Clive Davis (artífice de los debuts de artistas como Janis Joplin o Santana en los 60 y Springsteen, Patti Smith o Billy Joel en los 70).

Entre las mejores canciones que iban a aparecer en ese debut por todo lo alto estaba esta ‘Uptown’, un verdadero “clásico que nunca lo fue” de pop de la nueva ola, cuyo excitante riff de guitarra con trémolo y pegadiza melodía prueban el talento potencial de Rancher:

Una entrañable cápsula del tiempo, tanto la canción (incluso en rudimentaria su mezcla mono) como el vídeo y su irresistible aroma semi amateur. No todas las canciones que se han conservado del grupo son tan brillantes, pero esta ‘Uptown’ resplandece con un increíble potencial.

Todo parecía soplar en su favor, y sin embargo, su entrada en la compañía fue el comienzo del fin: mientras el grupo luchaba contra intentos de la misma por homogeneizar su abanico de estilos y cambiarles el nombre, a Rancher se le diagnosticó cáncer, lo que hizo que tuvieran que parar por completo mientras recibía tratamiento. El artista venía sufriendo la enfermedad desde comienzos de la década y por desgracia fue una recaída que encadenó con sucesivos relapsos que le fueron dejando cada vez más limitado físicamente. La banda acabó por deshacerse a finales de 1984, con un disco grabado que no llegó a salir nunca. Rancher murió el 2 de diciembre de 1986 a los 29 años de edad.

Algo sorprendente de la historia de Billy Rancher es lo increíblemente documentada que está. Además de un detalladísimo artículo en Wikipedia que para sí querrían muchas bandas consagradas, en Youtube hay todo un tesoro de vídeos que incluye entrevistas, clips, actuaciones en televisiones locales, y muchos conciertos, grabados con varias cámaras y preservados y subidos por un amigo de la banda, David Jester. Hasta existe una deliciosa versión en directo de la propia ‘Uptown’ con el ritmo más acelerado y un precioso arreglo de sintetizador ausente en la original. Es un buen ejemplo de la energía y brillantez en directo de los Unreal Gods, y del talento del propio Rancher, que sin duda desprendía un atractivo personal y artístico que le puso al borde del éxito.

‘Uptown’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Sky Ferreira sacará nueva música «muy pronto» y explica la causa de su retraso

10

La última vez que supimos de Sky Ferreira fue cuando apareció en la tercera temporada de ‘Twin Peaks’. En aquellos momentos más o menos se compartía una versión suya de ‘Easy’ que no ha funcionado mal dentro de su modestia y falta de pretensiones. Hoy la cantante anuncia nueva música para muy pronto y explica que no ha podido volver antes por enfermedad, en concreto una enfermedad que no le fue diagnosticada en principio de manera correcta.

Así lo ha dicho en una serie de tuits en los que explica: «la única razón por la que no puedo sacar nueva música es porque estoy enferma y lo he estado durante bastante tiempo. Tengo que recuperarme por completo para poder salir de gira y de hecho promocionarla. He estado mal diagnosticada durante mucho tiempo y solo ahora estoy empezando a recuperarme. De todas formas voy a sacar nueva música muy pronto y he estado trabajando en ella todo el rato».

Sky Ferreira no saca disco desde su debut largo ‘Night Time, My Time‘, editado en 2013, un disco bastante rockero que no casaba tanto con el formidable medio tiempo R&B ‘Everything Is Embarrassing‘. Esa variedad pone sobre la mesa el debate sobre hacia dónde irán sus nuevos pasos en el segundo álbum, que se esperaba para verano de 2016.

P!nk defiende a Christina Aguilera y comparte su teoría sobre por qué se trata de enfrentar a las mujeres

48

El domingo se celebraron los AMAs y la cara de algunos famosos viendo actuar a Christina Aguilera, en concreto realizando un homenaje a Whitney Houston, se viralizaba. Entre ellos estaba P!nk, quien parecía estar flipando con las virguerías vocales de la cantante de ‘Bionic’ y no necesariamente para muy bien. Harta de especulaciones, P!nk ha acudido a Twitter para recalcar que le encantó la actuación de Christina.

Estas han sido sus palabras: “me entristece profundamente encontrarme al despertar una nueva pelea creada entre yo y otra mujer increíble, Christina, que hizo una actuación increíble que apoyo por completo”. De manera más interesante continúa: “Todos vosotros seguís enfrentando a las mujeres porque os da miedo el poder que podemos tener juntas”. Y concluye en otro tuit dos minutos más tarde: “prefiero recordar anoche como una celebración de las mujeres, de Diana, de Whitney, del amor y la vida y la alegría y las cosas buenas”.

Recientemente P!nk contó que Christina Aguilera hizo ademán de pegarle en una fiesta en los tiempos en que peleaban por el protagonismo de ‘Lady Marmalade’, si bien lo hacía en un tono de broma, y hablando de cómo el paso de los años las había unido.

La Canción del Día: ‘End Game’ es el gran grower de ‘reputation’ de Taylor Swift

17

10 días después de la salida de ‘reputation’ de Taylor Swift, uno de los discos más esperados del año, una canción que no me esperaba ha escalado a lo grande en mi lista de favoritas. ‘End Game’, aparentemente tercer single del álbum, dejaba la primera impresión de ser una canción plana, larga y aburrida, conservadora y muy poco sorprendente para lo que se esperaba de tres tótems como la propia cantante; Ed Sheeran, de momento la estrella más vendedora de 2017; y Future, que ya cuenta con unos cuantos números 1 en álbumes en Estados Unidos con y sin Drake. Digamos que después de los dos primeros singles, sonaba blanda, amable y medio boba.

Sin embargo, algo hace clic más o menos desde la 10ª escucha y desde entonces la canción se instala en tu cerebro para no salir nunca jamás: creo que no he sido capaz de escuchar otra cosa en todo el fin de semana. La clave parece su particular estructura y su gran número de ganchos escondidos, que van saliendo a la luz poco a poco, como ese pre-estribillo tan tristón. El tema comienza directamente con el estribillo, añadiendo un post-estribillo ultra contagioso salpicado de unos zigzagueantes «ooohs» y «aaaahs», conteniendo además la repetición del nombre del disco en la forma de «big reputation». Plantea ahí, como también hace ‘Delicate’, la dificultad de la búsqueda del amor en medio de la «reputación que te precede».

Con eso juega Future en la primera estrofa y Ed Sheeran en la segunda, la primera siendo una exhibición de lujos y cochazos al estilo de Future, la segunda como muestra de la complicidad entre Sheeran y Swift, recordando las sinergias y el buen rollo entre ambos, pues Sheeran debutaba con un tema llamado ‘The A-Team’ («I wanna be your A-Team») y además se reencontraba con su actual novia en una fiesta del 4 de Julio organizada por Taylor. «Quiero que te quedes conmigo» parece el mensaje último de esta composición en lo que más que una orgía a lo ‘Homemade Dynamite’ de Lorde -no sé si alguien querría presenciar un trío entre ellos- o un medio tiempo porno a lo ‘What’s My Name’ de Rihanna y Drake -con la que comparte algo más que un sonoro «you just my type»-, parece un divertimento entre amigos.

Y vaya si divierte. Justo cuando creías que Swift se iba a quedar sin estrofa en su propia canción, acude con su lista de mil y una tomas vocales grabadas y tratadas de manera independiente, para recalcar con humor y maldad, en sintonía con el espíritu del disco, que «entierra las hachas de guerra», pero ojo, «conserva mapas del lugar donde las esconde» por si acaso. Vuelve el estribillo pero ya no la parte de «big reputations, aaaaah / And you heard about me, oooooh», que en realidad solo se ha repetido una vez dejándote con ganas de más porque es la mejor. Pues nada, hay que volverla a poner…

Instrucciones para escuchar ‘A Day With the Homies’, el nuevo EP de Panda Bear

0

Panda Bear ha anunciado un nuevo EP llamado ‘A Day With the Homies’, que saldrá a la venta el 12 de enero en vinilo, siguiendo con su tradición y la de su grupo de publicar nueva música en enero, pues en este mes nos llegaron nada menos que ‘Merriweather Post Pavilion‘ y ‘Panda Bear Meets the Grim Reaper‘. Alguien no teme a que se olviden de él en las listas con lo mejor del año de 2018.

A la espera de si un nuevo disco de Panda Bear está en camino después de esto, lo que el artista ha compartido en Instagram es un larguísimo texto en el que, sin «querer contribuir a homogeneizar la experiencia» de escuchar música, no puede dejar de compartir algunos detalles de lo que él mismo ya abrevia llamando «Homies». Panda Bear indica que estas canciones no funcionan igual «con cascos» que «en el aire» y asegura que aunque «las canciones no son líricamente lineales o narrativas» y cree que «funcionan de manera satisfactoria por su cuenta», «se enriquecen las unas a las otras con los mensajes combinados» de todas ellas. Termina diciendo que espera que estas canciones funcionen como sus favoritas, como «compañeras o lugares reconfortantes».

No sabemos si, por tanto, habrá single de presentación en breve o habrá que esperar a oírlas todas juntas, pero al menos sí se ha compartido el tracklist y la portada de ‘A Day With the Homies’:

01 Flight
02 Part of the Math
03 Shepard Tone
04 Nod to the Folks
05 Sunset

It's been my perception that these things tend to homogenize experience so I hope you’ll forgive me if I don’t outline, in any specific way, the many choices involved in its creation. I appreciate your role as filter or translator, and by withholding my own blueprints for the album, I mean to encourage and cultivate your part in its trip. There are, however, a couple of things I think might easily go unnoticed without mention, and the existence of these things, I'd wager, are important to the music's success. The songs aren’t lyrically linear or narrative as such, though I did scatter pieces of longer-chewed themes across the tracks. I find they still work satisfactorily alone, but strengthen each other’s messages when combined. It's not often anymore I find something specific to my life that feels worthwhile setting to song for others to consume. It’s a tough sell convincing myself that my own troubles warrant as much attention as those we all share. The strokes of the messages themselves are broad enough, then, that I think anybody can find a familiar face, if they care to look. I hoped to make something without frills or much embellishment, principally because I’ve found more fluff tends to equal less power. Since the juiciest action is entirely focused in the deeper zones of the frequency spectrum (at least from where I’ve sat), power was key. The lion’s share of the noise is centered, or nearly, so both speakers get a taste. This is another nod towards power, but it also means HOMIES doesn’t work in the same way through headphones as it does out in the air. My greatest hope with this stuff is for it to live like my favorite songs do, which is to say like comforts or companions. Thank you very much for listening and I hope "A Day With the Homies" can mean something to you. My best to you and yours. Noah A Day With The Homies 12" EP is out January 12th and will be a vinyl-only release (link in bio)

Una publicación compartida de Animal Collective (@anmlcollective) el

Morrissey / Low In High School

11

Morrissey publica su segundo disco en tres años, algo que parecía bastante improbable circa 2012, cuando solía decir en las entrevistas que barajaba retirarse, que ninguna discográfica quería ficharle y cancelaba conciertos incluso tras desvanecerse en el escenario, sin que el público supiera por aquellos entonces que había tenido cáncer. Estos dos últimos álbumes, ‘World Peace Is None of Your Business‘ -pese a que ha desaparecido del mercado por problemas con su sello- y ahora ‘Low In High School’ ya son más de lo que dio a sus fans entre 1997 y 2004, cuando no publicó absolutamente ningún disco, pero ninguno de los dos le está sirviendo para renovar seguidores como sí lograra el espléndido ‘Morrissey, You Are the Quarry‘ (2004), su mayor éxito comercial, y debería haber conseguido el infravalorado ‘Years of Refusal‘ (2009). Especialmente después del éxito de su libro ‘Autobiografía’, Morrissey parece más concentrado en los textos, la parte de la que él puede encargarse en solitario, que en dar con un co-autor capaz de inspirarle un llenapistas como fue ‘First of the Gang to Die’ o una canción tan presta para el «sing along» pese al desamor como ‘I’m Throwing My Arms Around Paris’ o una declaración tan desesperada como ‘Let Me Kiss You’ que terminar cantando con Nancy Sinatra.

En ‘Low In High School’ no hay nada así. Estamos ante el disco más político de Morrissey, lo cual es mucho decir para el autor de ‘Meat Is Murder’, y además este llega al mercado con algunas voces vinculando algunas de sus opiniones a la extrema derecha, lo cual es bastante paradójico si observamos que en la portada del álbum se pide la cabeza de la monarquía al modo de ‘The Queen Is Dead’. Las canciones de los Smiths ya tuvieron que lidiar con acusaciones de ensalzar la xenofobia o la pedofilia, y no hay nada en este disco que llegue tan lejos. No parece que se le «haya ido la olla» o que «chochee», como afirman algunos comentarios leídos en la red que son puro «ageism». ¿Alguien recuerda ‘Qué he hecho yo para merecer esto’? Más bien parece que la sociedad ha evolucionado hacia lo políticamente correcto, y Morrissey, para bien o para mal, sigue siendo Morrissey.

En ‘Low In High School’ encontramos, pues, mensajes contra la monarquía, canciones sobre el Brexit («Jackie»), mensajes contra las oligarquías económicas y políticas (‘I Wish You Lonely‘), parodias de la inutilidad del ejército (‘I Bury the Living’), cargas contra la policía que parecen genéricas y en última instancia son un canto contra los gobernantes de Venezuela (‘Who Will Protect Us From the Police’), reivindicaciones de quien se siente apátrida (‘Home Is a Question Mark’), algún alegato feminista (‘The Girl from Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel’) y posiblemente un corte anti-Trump (‘All the Young People Must Fall In Love’). Unas veces estarás de acuerdo con su opinión y otras no, pero lo seguro es que el disco no es mejor o peor por que comulguemos con las opiniones de Morrissey, sino por lo complejo o rico que pueda ser su discurso. Y muchas veces sus palabras son demasiado simplistas, sobre todo porque el artista, en la misma ‘Autobiografía’ ridiculizando a Geoff Travis, en su web oficiosa True-to-You o en sus mismas letras, ha sido capaz de hacernos llorar de risa con sus ocurrencias.

Algo que no sucede en ocasiones con las letras de este disco. Durante los últimos años Morrissey ha escrito varias canciones sobre ciudades, llevándonos a París, a Estambul o a Roma en diferentes etapas de su vida, y ahora su serie de viajes nos lleva a Israel. No puede llegar su decisión en un momento más controvertido, cuando hay una guerra entre músicos decidiendo si se debe (Radiohead, Nick Cave) o no se debe (Roger Waters, Brian Eno) tocar en este país. Morrissey, que recibió las llaves de la ciudad de Tel Aviv en 2012, incluye aquí hasta tres pistas con Israel como telón de fondo. ‘The Girl from Tel Aviv Who Wouldn’t Kneel’, una especie de chachachá que termina en plan tango, empieza como el retrato de una mujer que no se «arrodilla ante ningún marido, rey, tirano o dictador», pero su mensaje feminista –probablemente inspirado por Etty Hillesum, quien murió en un campo de concentración de Auschwitz– se termina diluyendo entre críticas a la «tortura legalizada» (posible referencia a Guantánamo, pues luego aparece «América» en la letra y no para muy bien) y la conclusión repetida ad nauseam de que el problema de todo es que «la tierra supura petróleo». Y ‘When You Open Your Legs’ es totalmente intangible, con el oyente preguntándose por qué a Morrissey le echan reiteradamente de un club de Tel Aviv a las 4 de la mañana, o qué tiene que ver eso con el nombre de la canción. Como dice el single del álbum, su propia oda a procrastinar quizá cargada de ironía o no, parece que cuando tenía que terminarla, ese día decidió «pasar el día en la cama».

Más compleja es la propia ‘Israel’, que cierra el álbum, en la que Morrissey no se limita a elogiar esta tierra que adora, que también lo hace, sino que separa a la gente de la política («no puedo responder por lo que hacen los ejércitos / no sois vosotros»). Ese lúgubre piano que domina la canción es como mínimo ambiguo, que es en realidad la gran baza de ‘Jackie’s Only Happy When She’s On Stage‘, la canción más conseguida de toda esta retahíla de canciones políticas por ser la que más lecturas permite.

Morrissey se ha pronunciado, de manera controvertida, a favor del Brexit, cuando la mayoría de músicos ingleses ha enarbolado un mea culpa en plan «qué hemos hecho». Pero en esta canción es difícil intuir una opinión pro-Brexit al menos de manera rotunda. Opine lo que opine Morrissey, el artista aquí sí usa su imaginación para ofrecer un retrato de la política bufonesco, teatral y muy divertido. «Jackie» no es otra que la «Union Jack» y los «you» parecen una referencia a la EU, es decir, la «Unión Europea». Morrissey viene a decir que «Jackie» solo es feliz cuando está en el escenario, cuando es la protagonista, pero que una vez se cierra el telón, no tiene ni idea de qué hacer sin nadie que le escriba el guión ni audiencia propia. Morrissey será pro-Brexit, pero quizá involuntariamente le ha quedado toda una metáfora de lo perdida que puede ir la «Union Jackie» sin la UE: sus gritos para el «exit», para el «Brexit», no parecen llevar precisamente a la liberación ni a la felicidad. Al contrario, la canción sónicamente es un tren a punto de descarrilar. Por si fuera poco, y por si alguien lo dudaba, el tema funciona sin dobles lecturas, cuestionando el devenir de la vida de los actores y su ego, cuando ya no tienen público. ¿Alguien da más para esta canción supuestamente pro-Brexit? Sí, hay quien también la entiende como una crítica a la discriminación por edad, contra la que el artista tantas veces se ha pronunciado.

Esta canción de tintes apocalípticos es también una de las más conseguidas musicalmente, mientras ‘Spent the Day In Bed‘ aporta variedad con sus juguetones teclados; y ‘I Wish You Lonely’ resulta una de las más pegadizas pese a no tener estribillo claro gracias a sus «never coming back, never coming backs» y «never giving in, never giving ins». Hay canciones a piano al modo de las canciones políticas a piano que ya hacían los Communards en 1986, y también hay algo de obviedad en abrir un disco con un himno medio brit-pop medio jamesbondiano y en cerrarlo con el típico número intimista. Hay buenas y malas decisiones en ‘Low In High School’ (su título termina siendo revelador), pero el trabajo de Joe Chiccarelli a la producción continúa siendo elogiable en una producción variadísima capaz de destacar cada instrumento por separado, y sobre Morrissey… puede que no viva su mejor momento creativo, pero cuando se pone, continúa siendo no ya único, que eso nadie se lo quitará jamás, sino también brillante.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘I Wish You Lonely’, ‘Jackie’s Only Happy When She’s On Stage’, ‘Spent the Day In Bed’, ‘Israel’.
Te gustará si: no acudes a un disco para reafirmar tus opiniones políticas
Escúchalo: Spotify

Thurston Moore / Rock N Roll Conciousness

6

Thurston Moore continúa con su carrera en solitario, una vez terminados parece que de manera definitiva Sonic Youth. Si ‘Demolished Thoughts‘ (2011) producido por el Beck más folkie antes de que este ganara el Grammy a Álbum del Año con uno de sus largos de folk, ‘Morning Phase‘, mostraba a un Moore distinto, ‘The Best Day‘ (2014) y este ‘Rock N Roll Conciousness’ sí se han acercado más al sonido de su banda más conocida, como manda aquí la presencia del batería de la banda Steve Shelley, y el cierto continuismo que añaden las guitarras de James Sedwards (Nøught, Chrome Hoof) y el bajo y coros de Deb Googe de My Bloody Valentine.

Produce Paul Epworth, quien es sobre todo conocido por haber producido a artistas mainstream como Adele o Florence + The Machine, aunque no para acercar su sonido a lo accesible, pues es dudoso que Moore vuelva a grabar algo tan accesible como algunos pasajes de ‘Demolished Thoughts’, sino porque a Moore le gustaba su modo de mimar los instrumentos y su capacidad para sacar «el mayor partido a cómo suena una banda», en especial la batería, pues Epworth además de productor es a su vez baterista.

Lo que sí supone una novedad es la temática del disco, el amor místico, como nos contaba durante una entrevista promocional Thurston hace unos meses. «Es sobre el amor místico y sobre cómo poner ese amor frente a toda la propaganda política que hay, a la devaluación de la mujer en América, a la violencia en la cultura de las bandas, como oposición». Es algo que se refleja perfectamente en cortes como ‘Aphrodite’, la letra de ‘Exalted’ o la de ‘Turn On’: «vengo para creer en tu luz / la dulce receptora de tu mente / Hago todo el camino / para escuchar tu llegada y ver cómo salvas mi día / veo alta y clara la señal / vamos, llévanos de aquí».

Las letras del disco vienen firmadas por Radio Radieux, la que se presentaba en nota de prensa como una «poeta transgénero», lo cual se contradecía con lo que Moore contaba en las entrevistas, en las que aseguraba que su nueva novia, aquella por la que abandonó a Kim Gordon, le había ayudado a escribir este álbum. Ambas han resultado ser la misma persona: su pareja Eva prefiere guardar el anonimato todo lo que sea posible y por eso ha ideado la ambigua figura de Radio Dieux para hablar de la vida, el amor y la lujuria de una manera menos privada y más «grande».

El resultado es un disco que encantará a quienes añoren a Sonic Youth, a través de los múltiples recovecos y múltiples caminos y formas que adopta a lo largo de sus 10 minutos el tema ‘Turn On’; lo vibrante y enérgico de ‘Cusp’, una de sus composiciones más acertadas, merced a la trepidante batería ideada por Shelley; o a los 11 minutos de ‘Exalted’, un tema que deja momentos preciosistas sobre todo en su inicio pero también tremebundos cuasi post-rock hacia la mitad. Lo lánguido de ‘Smoke of Dreams’ o lo siniestro de algunos de esos pasajes de ‘Exalted’ confunden un poco sobre el objeto del disco de resaltar el amor (¿trasciende el mensaje de que el amor ha de dar miedo?), tanto como ese título que asemeja «conciencia de rock’n’roll» a algo «espiritual» y no a «política»… precisamente después de dejar fuera un tema como fue el single ‘Cease Fire’ por su contenido político. Pero aunque el conjunto no sea el mejor cerrado de su carrera, no se puede decir que cada parte no funcione de manera independiente.

Thurston Moore actúa hoy 21 de noviembre en Barcelona (La [2] de Apolo) y mañana 22 de noviembre en Madrid (Copérnico).

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Cusp’, ‘Exalted’, ‘Turn On’
Te gustará si te gustan: ¡Sonic Youth!, como él mismo reconoce
Escúchalo: Spotify

‘Superluna’, el nuevo doble disco en directo de Amaral, se distribuirá «sólo» en kioscos de prensa

3

El pasado 28 de octubre Amaral celebraron el fin de gira que ha sucedido de sus últimos discos, ‘Nocturnal’ y ‘Nocturnal Solar Sessions’, en el Palacio de los Deportes WiZink Center de Madrid –y que nosotros reseñamos con ocasión de su paso por Sevilla–. Un show que ya anunciaron sería registrado para después ser publicado como un álbum en vivo. Tras deslizar días atrás su nombre, los zaragozanos han confirmado que ‘Superluna – Directo desde el Planeta Tierra’ se publica el día 3 de diciembre.

Sí, sí, el 3 de diciembre, no el viernes 1, como suele ocurrir con los lanzamientos discográficos desde hace ya algún tiempo. ¿Y por qué? Pues por su singular método de distribución: los quioscos de prensa. El doble CD y libro (de momento parece que no habrá edición en vinilo) se venderá junto con el diario El País sólo (esto querrá decir que no llegará a tiendas de discos sin zona de prensa, ¿no?) los domingos del mes de diciembre. El precio no se ha indicado, por el momento. ¿Se convertirá, entrados ya en 2018, en una rareza? Según Efe Eme, el precio será de 12,95€ –más el precio del periódico– y el libro incluirá fotos de la gira y un texto del periodista Fernando Navarro repasando la historia del grupo.

Aunque Amaral hayan terminado su gira española de manera oficial y ya piensen en grabar su nuevo disco, el próximo 30 de noviembre estarán en Guadalajara, México, para actuar en la Feria Internacional del Libro que allí se celebra y que este año está dedicada a la ciudad de Madrid. Por eso, junto con Vetusta Morla, Juan Perro, Xoel López, Natalia Lafourcade o DePedro, Amaral realizarán una actuación muy especial junto al grupo León Benavente. Un encuentro algo inesperado que hace poco han mostrado también en algún evento en nuestro país. Más abajo podéis ver un vídeo reciente de ambos grupos tocando juntos ‘Estado Provisional’, y la cosa pinta estupenda. ¿Habrá más de esto en el futuro, quizá en estudio?

Marilyn Manson y System of a Down, criticados por celebrar la obra de Charles Manson

13

Como contamos ayer, uno de los asesinos más famosos de las últimas décadas, Charles Manson, fallecía el pasado domingo en un hospital de California, donde ingresó desde la cárcel en la que cumplía condena. Tenía 83 años y, como recordábamos, además de un criminal fue músico y estuvo muy ligado a Dennis Wilson, miembro de Beach Boys fallecido en 1983. Por eso fue también visto como un icono de la historia negra de Estados Unidos, inspirando canciones (y el nombre, en este primer caso) de Marilyn Manson o System of a Down.

Precisamente Daron Malakian, guitarrista del grupo de metal, recibió numerosas críticas por un tuit en el que decía estar “muy triste” por la muerte de Manson, destacando la influencia que tuvieron en él como artista su música y sus entrevistas y definiéndole como “un genio” que podía “articular sus pensamientos de manera muy inteligente”. Más tarde aclaró que admiraba su faceta artística, nada más: “Si Manson fuera sólo un idiota que mató gente, no me inspiraría en modo alguno. No respaldo asesinatos ni asesinos de ningún tipo”.

Otro que también homenajeó a Manson fue Marilyn Manson. Junto a una foto del instigador del asesinato de Sharon Tate que parodiaba la revista Life, el autor de ‘Heaven Upside Down’ recordaba una versión que hizo hace tiempo de ‘Sick City’, una composición de Charles. Una de las críticas más llamativas hacia Marilyn le ha llegado de otro rockero, Paul Stanley de Kiss: “Patético cuando alguien cuya carrera nunca ha despegado de verdad está tan desesperado como para intentar conectarse a la noticia de la muerte de una escoria asesina”, ha dicho en un tuit.

El probable hit de Anitta y J Balvin, ‘Downtown’, es toda una oda al cunnilingus

23

El sexo forma parte de la música popular tanto como de la vida diaria, es un hecho. Algunas de las últimas incorporaciones al pop más tórrido son ‘Mayores’ de Becky G –cuya línea “que no me quepa en la boca” fue censurada en nuestra televisión estatal hace muy poco– o ‘Taste’ de Rhye, que con gran sutileza parecía cantar al sexo oral. De una forma mucho menos velada que esa canción, el que podría ser el nuevo hit de J Balvin, en esta ocasión con la cada vez más popular fuera de su país, Brasil, Anitta, canta directamente a lo que venimos llamando vulgarmente bajarse al pilón.

Porque no, ’Downtown’ no hace referencia precisamente a la parte sur de una ciudad, no. “A mí me gusta cuando baja downtown, le pido que se quede allí enviciao / me dice “baby, sueno interesao, si quieres ven y quédate otro round”” canta la brasileña en el estribillo, que luego repite el colombiano cambiando la persona. El resto de la letra tampoco ofrece duda alguna de qué está hablando la letra de este tema de lenta cadencia afro-caribeña: “Le pedí que me ayude con una misión, que me llene entera de satisfacción”, “ya lo tengo asfixiao, me aguanta, se adapta, me dice “no quiero que termines””… Ojalá se convierta, como parece, en un hit en España, sobre todo porque estamos deseandito que les inviten a cantarla en OT 2107. Porfavorporfavorporfavor…

J Balvin es ya una estrella global, pero recientemente ha dado la campanada con ‘Mi gente’, su colaboración con Beyoncé que alcanzó el top 3 de Billboard. Por su parte Anitta, que ya es una estrella del pop en su país, está dando pasos para alcanzar ese estatus de forma internacional: en los últimos meses la hemos visto colaborando en temas de Iggy Azalea, Major Lazer, Poo Bear o Alesso, cuyo ‘Is That For Me’ sigue ascendiendo en listas. Aunque con el fantástico single ‘Paradinha’ ha demostrado que no necesita la colaboración de nadie para conseguir un éxito internacional.

Os dejamos con el vídeo oficial de la canción que no es exactamente sexual pese a que la brasileña aparece constantemente en lencería fina. Tiene incluso argumento: J Balvin y Anitta son una pareja… de tramposos en un casino.

Las claves visuales de los vídeos de Camila Cabello, Taylor Swift, C. Tangana, The War On Drugs y Ojete Calor

5

Elegimos cinco vídeos de entre la avalancha de estrenos de estas últimas semanas. En esta ocasión, analizamos las claves visuales y cinematográficas en los nuevos clips de Camila Cabello, Taylor Swift, C. Tangana, The War On Drugs y Ojete Calor.

Havana (Camila Cabello)

Si el éxito en Estados Unidos de Camila Cabello (de orígenes cubanos y mejicanos) ya supone todo un desafío para la América de Trump, su nuevo vídeo le mete, discretamente y con una sonrisa de desprecio, la uña en el ojo. El pasado mes de septiembre el gobierno estadounidense anunció que se cargaba el DACA, el programa aprobado por Obama que protegía de la deportación a 800.000 inmigrantes que habían llegado al país siendo niños. A estos jóvenes sin papeles se les conoce como “dreamers”, y a ellos está dedicado ‘Havana’. De hecho, el vídeo dirigido por Dave Meyers se podría ver como la fantasía de una “dreamer”, la visión soñada de una “estadounidense ilegal” sobre la tierra de sus padres. ‘Havana’ manosea con gracia los tópicos y estereotipos de la cultura cubana y de las telenovelas mejicanas (unir infidelidad y pedida de mano en una misma secuencia es todo un logro cómico), para hacer algo así como una relectura pop del clásico de Woody Allen ‘La rosa púrpura del Cairo’ (1985). Una pirueta narrativa y estilística donde una “soñadora” sueña con ser la protagonista de un romance en una Habana soñada.

Ready For It? (Taylor Swift)

Cada vez más centrado en sus proyectos televisivos y cinematográficos (‘Bodied’ ha sido una de las sensaciones del último festival de Toronto), Joseph Kahn parece como si hubiera dirigido su último y algo insípido videoclip entre pausa y pausa del rodaje de su película. Como en el reciente ‘Look What You Made Me Do’, el director vuelve a desdoblar a Taylor Swift, pero esta vez en forma de cyborg o replicante doppelgänger. La metáfora y los referentes son (demasiado) obvios: la cantante se adentra por unos siniestros pasillos -¿mentales?- que parecen sacados directamente de ‘Blade Runner’, hasta llegar a una gran sala donde se encuentra a Scarlett Jo…, no, a si misma convertida en una mezcla de Tormenta, el personaje de X-Men, y la mayor Motoko, la heroína de ‘Ghost in the Shell’. Swift se enfrenta a su Némesis, su lado oscuro, su Mrs Hyde, en un tormentoso duelo para ver quién es la primera que sube por las escaleras mecánicas.

Tiempo (C. Tangana)

Un cigarro encendido y una navaja tipo mariposa volando por el aire. A partir de estos dos objetos y su significado se articula el nuevo vídeo de Manson y Canada para C. Tangana. Las dos líneas narrativas están claras. En la primera, el cantante nos canta/cuenta la historia desde el presente, interpelando al espectador desde lo que parece el interior de una discoteca vacía, de una sala que fue bakala. En la segunda, vemos el pasado, un flashback que ilustra una típica escena poligonera de hace unos años con bakalas bailando y fumando nevados al lado del coche tuneado. Justo en la mitad del vídeo, las líneas temporales se cruzan. El cantante aparece en el entorno callejero y los bakalas bailando y “grameando” en la discoteca. Cuando se consuma la tragedia y el tiempo se acaba -la cuenta atrás que Pucho tiene a su espalda-, el montaje “se relaja” como un bajón de cocaína y termina con un plano sostenido de medio minuto donde “el hombre del año” mira a su pasado desde su lujoso ático.

Nothing To Find (The War On Drugs)

“El amor es como una planta, hay que regarla todos los días para que no se marchite”. Este aforismo de manual de autoayuda adquiere un inesperado e irónico eco en este vídeo de The War On Drugs. Sophia Lillis, la Beverly Marsh del nuevo ‘It’, protagoniza esta road movie junto a una especie de hombre-planta que parece un cruce entre Bigfoot, la Cosa del Pantano y Jordy Verrill, el personaje creado e interpretado por Stephen King en ‘Creepshow’ (1982). El vídeo dirigido por Ben Fee, que ha trabajado para bandas como The Lumineers o Band of Horses, se sirve de los tópicos de la película de carretera –la parada en la gasolinera, en el bar de carretera, el momento canción- para ofrecer una emotiva historia de amistad con un final de poderoso lirismo. El director utiliza con habilidad la luz solar para sincronizar el declinar del día con el del hombre-planta, y el amanecer con el poético despertar de su compañera.

Opino de que (Ojete Calor)

“Hay una banda que secuestra” y te roba un riñón, lo sabe todo el mundo. Como que las vacunas provocan autismo o que el desayuno es la comida más importante del día. El nuevo vídeo de Ojete Calor a cargo de Other Lands (autores también de ‘Madrid-Bilbao-Bollo’) ilustra uno de esos grandes mitos contemporáneos. El clip avanza desde la noticia al suceso real por medio de un virtuoso y muy casero plano-secuencia. Este choque estilístico entre la sofisticación técnica y el costumbrismo kitsch (el vídeo está rodado en un camping de Cuenca cuya piscina está coronada por una fuente con la cascada del nacimiento del río Cuervo y encima un tormo de la Ciudad Encantada) sirve como doble metáfora de la letra de la canción. Por un lado, la retórica de los opinadores como salvapantallas para camuflar un discurso vacío. Por otro, el plano-secuencia como figura de estilo con mayúsculas aplicada a una broma “minúscula”. Y es que todo el mundo puede “opinar de que”… y también poner escenas poscréditos. No solo Marvel.

El nuevo álbum de Post Malone podría ser la campanada musical del final de año

4

Ya casi se ha convertido en tradición: un artista más o menos popular que publica un nuevo álbum en los últimos días del año sin previo aviso –o casi– y hace la puñeta a los medios especializados que a esas alturas ya tienen listas sus listas, valga la redundancia, de resumen anual. Este 2017 el que podría dar la sorpresa (bueno, ya no lo es) es Post Malone, que precisamente es uno de los triunfadores de los últimos meses en EEUU gracias a ‘rock star’, tema que ocupa el número 1 de Billboard desde hace 5 semanas.

Según Billboard, durante una entrevista ofrecida en un podcast, el rapero-cantante ha asegurado que ‘Beerbongs and Bentleys’ –que así se llama la obra– está casi terminado y que podría ver la luz de inmediato. De hecho, se moja y asegura que se publica en la medianoche del día 1 de diciembre. Será el segundo álbum de estudio de Austin Post tras ‘Stoney’, el notable debut que hemos podido verle presentar hace unos meses en Barcelona y que incluía ‘Deja vu’, colaboración con Justin Bieber. Tras ‘rock star’, el neoyorquino ha presentado otro de los temas que suponemos estarán en este nuevo disco, la amable ‘Candy Paint’.

Post Malone ha sido uno de los artistas que más ha lamentado el reciente fallecimiento de Lil Peep, con el que además de generación y amistad compartía una manera similar de entender la música.

Zahara se emociona al ver a Amaia y Aitana de OT 2017 interpretar su ‘Con las ganas’

2

Como bien sabían los seguidores del talent-show de RTVE Operación Triunfo 2017, esta semana Amaia y Aitana –dos de las concursantes favoritas hasta el momento– interpretaron la que es la canción más popular de Zahara. Se trataba de ‘Con las ganas’, un tema incluido en su debut oficial ‘La fabulosa historia de…’ (2009) y que es su composición más escuchada en Spotify (más de 8 millones de reproducciones), mientras que su vídeo oficial acumula en Youtube más de 32 millones de visitas. Curiosamente, ayer la canción cumplía 12 años, según dijo su autora en Twitter. Las dos participantes de OT 2017 hicieron una interpretación con nuevos arreglos y más sobria de lo que hacía esperar el escenario repleto de bailarines, aunque lograron buenas cuotas de emoción, sobre todo en su parte final.

Zahara era obviamente consciente de la situación y horas antes de la gala subió un mensaje a Instagram recordando lo que suponía para ella esta canción y que de repente fuera interpretada por otros en el prime-time televisivo estatal:

«(…) La canción me ha dado muchos dolores de cabeza. No he querido cantarla siembre, me ha dolido demasiado a veces, he estado demasiado lejos de ella como para empatizar… pero me ha dado cosas maravillosas también.
Cada día llega a más gente, se ha hecho mayor en los brazos y voces de otros. Ya no es mía.
Esta noche en ese programa de televisión tan popular mis dos favoritas van a cantarla. Qué emoción.
Qué lejos viaja ya.
Qué bonito verla llegar a tantos lugares».

Además, Zahara envió un mensaje de vídeo a las dos concursantes, que fue emitido antes de su actuación, dando las gracias por que su canción fuera escogida y deseando suerte a las cantantes que la interpretarían –por el momento no lo encontramos ni en Youtube ni en la web de OT 2017–. Tras la actuación, Zahara se mostró emocionada tanto por la actuación como por las reacciones que recibía. Pese a su buen papel, el favorito del público en la gala fue Alfred, que ya brillara la pasada semana con su dueto junto a Amaia. El barcelonés interpretó ‘Amar pelos dois’, la canción con la que Salvador Sobral ganó Eurovisión y que sirvió de homenaje del programa al luso, que como sabréis está viviendo un delicado momento de salud.

Compuse “Con las ganas” hace 12 años. Cuando la terminé sentí que había hecho algo distinto, especial y sabía que esta canción sería importante. No de qué manera, pero cada vez que la cantaba pasaba algo mágico. Decidí inmortalizar cómo me sentía al cantarla y nos juntamos @eibolab, Alfonso Alonso y yo para grabarla. Lo hicimos en una toma. Quedó para siempre este vídeo en blanco y negro. La canción me ha dado muchos dolores de cabeza. No he querido cantarla siembre, me ha dolido demasiado a veces, he estado demasiado lejos de ella como para empatizar… pero me ha dado cosas maravillosas también. Cada día llega a más gente, se ha hecho mayor en los brazos y voces de otros. Ya no es mía. Esta noche en ese programa de televisión tan popular mis dos favoritas van a cantarla. Qué emoción. Qué lejos viaja ya. Qué bonito verla llegar a tantos lugares.

Una publicación compartida de • 🦖 • (@zaharapop) el

Las mejores canciones del momento: noviembre de 2017

1

Como cada mes, renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del momento, que cuenta casi con 1700 suscritos.

Pale Waves / There’s a Honey: Pale Waves, para algunos las nuevas Haim, han sido uno de los grupos en pasar recientemente por nuestra sección de bandas noveles «Revelación o Timo«.
Fever Ray / To the Moon and Back: Primer single del disco que la cantante de The Knife ha lanzado casi por sorpresa, ‘Plunge‘.
Ganges / Classic Lover Covers: Preciosa canción del grupo revelación de Madrid Ganges, que tuvimos el honor de estrenar.
Mujeres / Un sentimiento importante: Arrebatador medio tiempo pensando para gozar en vivo extraído del nuevo disco de los catalanes Mujeres.
Sierra / A ninguna parte: Una de las canciones más pegajosas del nuevo disco de Hugo Sierra es precisamente la que le da nombre.
Mansionair / Astronaut – Something About Your Love: Otros de los protagonistas de Revelación o Timo han sido Mansionair, con este tema que podrían haber producido perfectamente Daft Punk.
Rita Ora / Anywhere: Nuevo hitazo, divertidísimo, de Rita Ora, irresistiblemente pegadizo y situado ya en el top 2 de las islas británicas.
Gata Cattana, Bejo / Mi burra: Una de las canciones del disco desgraciadamente póstumo de la rapera Gata Cattana, en el que se hace acompañar de Bejo.
N.E.R.D., Rihanna / Lemon: Producción 100% Neptunes para esta burbujeante canción en la que el proyecto de Pharrell ha podido contar con Rihanna.
Dark Rooms / I Get Overwhelmed: Canción principal de la banda sonora de ‘A Ghost Story‘ e imposible de disociar de la película y su crisis existencialista.

North State / I Know You: Single de debut de los catalanes North State, influidos por la electrónica británica actual.
Sigrid / Strangers: Uno de los tiros electro más decididos del momento nos lo presenta Sigrid, que se ha adelantado a Halsey sacando como single un tema llamado ‘Strangers’.
Taylor Swift / … Ready for It?: Segundo sencillo oficial de ‘reputation‘, un disco mucho mejor de lo que prometía su primer single.
Poppy / Software Upgrade: El loco proyecto de Poppy ya cuenta con disco de debut, ‘Bubblebath‘, de lo más disfrutable sobre todo en esta pista que roza lo bakala.
David Guetta, Charli XCX, Afrojack: Básico pero infalible trallazo EDM en el que Charli XCX dignifica los sonidos más bastos de David Guetta.
Camila Cabello / Havana: Más fino hila Camila Cabello en este corte latino que ha terminado de redondear con un vídeo tipo telenovela.
Maria Rodés / Fui a buscar el sol: Estupendo primer single del próximo disco de Maria Rodés, inspirado en el trabajo como astrónomo de su tío bisabuelo.
Rosalía / Aunque es de noche: Nueva adaptación del cancionero de Enrique Morente a cargo de Rosalía y el resultado es para cortar el hipo. No podemos dejar de recomendar también la entrevista que realizamos a la artista recientemente.
Marlon Williams / Nobody Gets What They Want Anymore: Muchas pistas de esta playlist han aparecido en nuestra nueva sección «La canción del día», como es el caso de este maravilloso dueto entre Marlon Williams y Aldous Harding, avance de un disco que sale en febrero.
Kumisolo / Pop Girl: La playlist «Bonjour, les copains» de mi compañera Angèle Leciel siempre trae recomendaciones desconocidas e interesantes, como lo es la de la japonesa Kumisolo.

Lia Pamina / Cards on the Table: Precioso tema de Lia Pamina con un toque lounge, extraído de un single que salía en septiembre y convertido en hit tras aparecer en la playlist de Spotify adecuada.
UTO / The Beast: Divertido tema con aullidos de los franceses UTO, que han debutado este año con un EP.
James Holden & The Animal Spirits / Each Moment Like the First: Coincidiendo con la pasada edición de MIRA, James Holden presentó un nuevo álbum que también ha pasado por Discos Recomendados.
Franz Ferdinand / Always Ascending: Sorprendente y mutante single de regreso de Franz Ferdinand, avanzando el disco que sacarán ya el año que viene.
Julien Baker / Turn Out the Lights: Emocionante canción de Julien Baker, extraída de su último álbum, que ha pasado por nuestra sección de Discos Recomendados.
Ezra Furman / Love You So Bad: Los románticos han de celebrar esta maravilla del próximo álbum de Ezra Furman, que todo el mundo debería regalar por el Día de San Valentín.
U2 / Get Out of Your Own Way: El segundo single de ‘Songs of Experience’, a la venta el próximo mes, mejora al primero al menos en cuanto a calidad.
Paracusia / You: Entre las revelaciones de nuestro país también hay que destacar a Paracusia, de momento aparentemente influidos por el sonido ‘Drive’.
RAYE, Mr Eazi / Decline: Bailable canción a cargo de la londinense RAYE, una de las promesas promocionadas por el BBC Sound Of, aquí inspirándose en Ashanti.
Superchunk / What a Time To Be Alive: Estupendo tema de presentación del próximo largo de Superchunk, que saldrá el año que viene.

Tove Lo / Blue Lips

51

Haciéndose un dedo. Así terminaba Tove Lo ‘Fairy Dust‘, el cortometraje que, junto con ‘Fire Fade’, ponía imágenes a los temas de ‘Lady Wood‘, y así nos presentaba también uno de los cortes de esta continuación: ‘Bitches’ sonaba en esos últimos minutos, con los fans lamentando que Tove no hubiese incluido un temazo así en el disco. Solucionado. Como nos reveló en una entrevista, se había guardado varias canciones para una segunda parte que por fin ha llegado. Aquí, de nuevo, la sexualidad está presente sin ningún tabú -por algo empiezo así la reseña- y es que, para la sueca, la música y el sexo están “muy conectados, lo cual es genial. Siempre me ha gustado esa forma de expresión, cuando es genuina y no porque alguien te dice que lo hagas”, aclara en referencia a la hipersexualización a la que se obliga a muchas cantantes.

El sexo, el amor, el dolor (las tres partes en que se dividía su debut), las drogas, la diversión, los errores, la amistad y la juventud inundan el tercer y cuarto capítulos con que se finaliza la historia iniciada con los dos primeros allá por ‘Lady Wood’: ‘LIGHT BEAMS’ y ‘PITCH BLACK’ -curiosamente, el primero describe más su vida actual, mientras el segundo es cronológicamente anterior. En una primera escucha parece que el segundo capítulo palidece frente a un primero que grita “bop” en cada canción, pero, al darle alguna más, se descubre que el segundo capítulo ofrece cosas muy distintas. Su potencial está en growers donde “la chica más triste de Suecia” no sube las pulsaciones de su corazón; está ocupada mostrándonoslo abierto en canal.

“It’s all fun and games ‘til it’s real” canta en ‘hey you got drugs?’, que cierra el disco. Coescrito con la conocida por su trabajo en ‘Blue Neighbourhood’ Alex Hope, el corte finalmente no es una ida de olla hedonista como pensábamos por su título, sino lo más cercano a una balada que ha hecho jamás (y bastante decente, por cierto). No, no ha resultado ser un tema para darlo todo en la discoteca, y no son drogas literales las que anhela en esa petición del título: en el paso al segundo capítulo, ‘PITCH BLACK’, nos la imaginamos volviendo a casa, a su cama, sola y rodeada de silencio (y de oscuridad, por supuesto). No en vano, aquí se encuentra una de sus canciones más personales -y mira que hablamos de Tove Lo-, ‘9th of october’: ya ha dicho que le costará mucho cantar en directo este tema sobre el día que cortó con la persona que inspiró casi todo ‘Lady Wood’. Habrá quienes la acusen de intensa, pero ella no sabe ser de otra forma cuando está sufriendo por amor -ya le gustaría ser como esa gente que pasa de un corazón a otro, dice en la más flojilla ‘bad days’.

‘Lady Wood’ tenía cohesión no solo en su concepto sino también en lo musical, algo de lo que su “segunda fase” se desmarca: la autora de ‘Moments’ comenta que quería experimentar y, además de meter aquí su primera balada y de recuperar algún que otro sonido más ‘Queen of the Clouds’, explora nuevos territorios, como pudimos adivinar con su lead-single. De la primera parte hablaremos luego, pero la segunda tiene toques de trap en la discreta ‘romantics’, un rollo Daft Punk en ‘struggle’ (grandioso ese “fuck some sense into me”) y coqueteos con el dancehall en ‘cycles’, que podría ser la prima (muy) oscura del “I’m dying to see how this one ends” de ‘Blank Space’. ‘cycles’ es, sí, la descripción de un círculo vicioso que ni el Eterno Retorno de Nietzsche, el círculo en el que está metida la sueca en cuanto a sus relaciones… pero también podría servir como una respuesta a quienes critican que se repita en sus temáticas: “I’m in a cycle, yeah I admit it (…) my life’s a cycle, don’t mean we ain’t true”. Incluso, con un punto de rebeldía ante los escandalizados: “elijo restregárselo en la cara a la gente aún más, la portada obviamente es una reacción a otras reacciones. Para mí es muy artístico, más que una foto de mi culo.”

El sonido del álbum, como hemos dicho, varía con respecto a los anteriores y, además de los coqueteos ya mencionados, en general se respira una atmósfera más disco -ya nos lo advierte nada más empezar en ‘LIGHT BEAMS’: de “Queen of the Clouds” a “Motherfucking Queen of the Discoteque”. Si en el otro capítulo nos la imaginábamos volviendo a casa, aquí podemos verla repitiéndose esa frase mientras se mira al espejo antes de salir… e inmediatamente nos llegan tres temazos. Primero la ya conocida ‘disco tits’ (ya hay -censurada- versión en directo, por cierto), producida por The Struts al igual que la que viene a continuación, la pegajosa ‘shedontknowbutsheknows’, y luego la especialmente sexual (“lips, lick ‘em / pupils grow wide (…) “I sit on your face / I see you smiling, covered in me”) ‘shivering gold’. ¿Quién puede escuchar esta última sin acabar con el gancho “shiver, shiver, bittersweet that glitter” en la cabeza? No anda lejos en lo sexual la única que ya conocíamos, ‘Bitches’, que bien podría entrar en una de esas “playlists para follar”, y en la que el estribillo (“bitches, I don’t trust them / but they give me what I want for the night”) podría ser una referencia irónica a los “pretty boys” de ‘True Disaster’. Ali Payami está detrás de los toques cuasi-grunge de este corte, pero el sueco-iraní, que ya trabajó en ‘Keep it simple’, es responsable además de la también minimalista ‘dont ask dont tell’ y de la que es una de las mejores canciones que la sueca nos ha entregado en su carrera: ‘stranger’.

‘stranger’ tiene esa mezcla de euforia y miseria, ese “bailar llorando” que tuvieron grandes temas pop como ‘Dancing on my own’ y ‘Chandelier’, tiene el toque escapista de joyas como ‘There’s a Light That Never Goes Out‘ y tiene -sin esto no sería lo que es- la honestidad en la letra y la voz de una Tove que podría romper a llorar en cualquier momento durante estos cuatro minutos. Justo antes del glorioso instrumental final, grita “eres mi última esperanza, no me importa lo que hagas / dejo mi corazón abierto, voy a dejarlo para ti / puedes entrar en él / quiero un corazón que se sienta usado (¿quiero que me duela, quiero sentirme usada?) / sacia mi corazón / simplemente sácialo”. Casi nada. Nuestro compañero Raúl Guillén ya alababa en su debut la honestidad de sus letras, y cómo ella era un ejemplo de que esto podía alcanzarse en el pop y no solo en el rock. Su brutal sinceridad es clave, y es que ella misma dice que sus canciones son como su diario: “no es tanto un “¡me abrazo y acepto a mí misma!”, va más bien de admitir que mi vida no es siempre lo mejor para mí o para las personas involucradas en ella”.

Comenta la responsable de ‘Habits’ que con “blue lips” quería darle un sinónimo femenino al “blue balls” (el “dolor de huevos” al acumular mucha tensión sexual sin llegar a descargarla). El sinónimo “lips” se refiere, pues, a cómo una mujer puede quedarse con el calentón, pero, más aún, a la privación de la sexualidad femenina, que es por lo que un disco de alto voltaje como éste sigue impresionando tanto. Y es que, quienes encajan a las mujeres dentro de su binomio “monja o puta”, sin duda encajarán a alguien como Tove en el segundo grupo -y hay mucha gente que aún lo hace, lo cual implica que cantantes como ella, que se atreven a hablar tan abiertamente sobre sexo, son muy necesarias. Pero lo que hace tan especial a ‘Blue Lips’ no es su aspecto sociopolítico, ya que no es tanto el qué, sino el cómo: “en un sentido más profundo, la expresión “blue lips” va de intentar alcanzar la satisfacción, no solo la sexual, sino la vital”, aclaraba ella recientemente, y esa (in)satisfacción a todos los niveles está muy bien contada en este tercer álbum, que confirma a Tove Lo como una de las autoras pop más interesantes de la actualidad. Y es que este lince (“Lo” en sueco) de la composición consigue afinar su estilo más que nunca en este trabajo, lo que, unido a una cuidada producción, lo convierte en el mejor que ha editado. Esperaremos el siguiente mientras sigue buscándose a sí misma, y mientras abandera un lema que, si muchos lo han hecho, ¿por qué no ella?: sexo, drogas y pop & roll.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘stranger’, ‘bitches’, ‘shivering gold’, ‘cycles’, ‘disco tits’, ‘hey you got drugs?’
Te gustará si te gusta: Banks, Icona Pop, Robyn, Iggy Pop, Lorde, la Madonna de ‘Erotica’, Chromeo, Flume, Sia, Hot Chip, Lykke Li
Escúchalo: Spotify

1993 mujeres de la industria musical sueca dan su testimonio contra el sexismo y los abusos

3

Robyn, Zara Larsson, Nina Persson, First Aid Kit y Carola están entre las mujeres de la industria musical sueca que han firmado una carta contra el sexismo y los abusos en este sector. Como informa DN, se ha avanzado mucho en los últimos años y hay que celebrar que cada vez más mujeres ganan premios u ocupen puestos directivos en el sector, pero aún queda mucho camino por recorrer en cuanto a igualdad. El artículo incluye el testimonio de artistas, músicas, compositoras, estudiantes, empleadas y becarias que han sufrido acoso sexual o discriminación sexista.

Las historias incluyen a un grupo de cuatro chicas de 16 o 17 años que se encontró con que en el programa de un festival se las describía como «no solo son guapas sino que además saben tocar». «So hold your dick, guys» terminaba aquella nota, mientras otros casos incluyen el acoso sexual más descarnado del director de una compañía discográfica a una becaria de 17 años frente a toda la oficina y algunas testigos narran casos de violación. «Cuando un músico competente te viola, pierdes a un montón de amigos. «Lo que hizo está mal, pero es una parte de la industria musical y no queremos perderle. Esperemos que lo entiendas y lo respetes». Esto es un ejemplo de lo que los amigos dicen cuando les he dicho lo que ha pasado», dice una de las mujeres.

Otra recuerda que, trabajando en un estudio musical de Londres, al intentar volver a Suecia para buscar un empleo similar, se encontró con que se rieron de ella por teléfono y le preguntaron si chupaba pollas. «Si te gusta chupar pollas, tenemos un trabajo para ti», indicó un productor.