Rihanna, Sia, Grimes o Arcade Fire claman contra el veto de Trump a refugiados musulmanes

29 enero, 2017

El próximo 17 de marzo llegará a las tiendas y plataformas de streaming una unión musical a priori impredecible, entre el músico experimental canadiense Gonzales y el británico Jarvis Cocker, vocalista y compositor en la icónica banda británica Pulp. El disco lleva por título ‘Room 29’ y, para que nos hagamos una idea de lo que nos podemos encontrar en él, baste decir que será publicado por el popular sello de música clásica Deutsche Gramophon.

El álbum, grabado en París, ciudad en la que Cocker reside desde hace años, ha contado con la participación de reputados instrumentistas de música clásica como la flautista Nathalie Hauptman, el fitzcornista Hasko Kroeger y la cantante Maud Techa. El disco se vertebra sobre textos del historiador fílmico David Thompson, relatos sobre Jean Harlow o Howard Hughes. Además de un pequeño teaser y el tracklist completo, ya pueden escucharse dos de los temas del disco, ‘Tearjerker’, que comienza con Jarvis cantando unas líneas demoledoras (“you are such a jerk, you are a tearjerker, you don’t need a grilfriend, you need a social worker”), y el interludio instrumental ‘The Tearjerker Return’.

01 Room 29
02 Marmont Overture
03 Tearjerker
04 Interlude 1 – Hotel Stationery
05 Clara
06 Bombshell
07 Belle Boy
08 Howard Hughes Under the Microscope
09 Salomé
10 Interlude 2 – 5 Hours a Day
11 Daddy, You’re Not Watching Me
12 The Other Side
13 The Tearjerker Returns
14 A Trick of the Light
15 Room 29 (Reprise)
16 Ice Cream As Main Course

Austra / Future Politics

Por

Mireia Pería

29 enero, 2017

“‘Future Politics’ es una colección de himnos de baile que busca desarrollar el concepto de que el Apocalipsis no es una fatalidad, sino un producto del ser humano y de sus propias decisiones”. Así presenta la nota de prensa ‘Future Politics’, el último disco de Austra. Un disco íntegramente escrito, interpretado y producido por mujeres, tal como señala su Tumblr. Una obra ambiciosa de techno-pop de izquierdas, feminista, queer, antisupremacista, libertaria, sensual y, a la vez, extrañamente extrasensorial. “No aceptes nada de lo que te han dicho que es la manera apropiada de vivir. No tenemos por qué tener familia, hijos, trabajos sin sentido. No tenemos por qué definirnos a nosotros mismos, nuestra sexualidad, nuestro género”, insisten. Y esto es lo que tratan de plasmar: una fábula retrofuturista con una atmósfera propia de distopía cyber-punk. ‘Future Politics’ plantea quimeras en un mundo donde la política convencional es caduca, pegada a los obsoletos axiomas nacionalistas y patriarcales del pasado. Un pasado no superado y un futuro que no llega.

Musicalmente, Katie Stelmanis y su contramaestre Maya Postepski, continúan cultivando su particular synth-pop industrial, sofisticado y oscuro, con la voz lírica de Katie como gran baza e insignia. Pero ‘Future Politics’ está un peldaño por debajo de ‘Olimpia’ y en él se echa algo de menos la exuberancia de ‘Habitat’. Su escucha genera cierta contradicción: es irregular y da la sensación de ser mejor en intenciones que en resultados. Pero, a la vez, tiene el brillo de esas obras que se sienten más pensadas desde las vísceras que desde el cerebro. El inicio despista: ‘We Were Alive’ es un medio tiempo engañoso por las orquestaciones y la dulzura que desprende para, a continuación, romper con la potente ‘Future Politics’, efectivo y machacón número dance de ritmo industrial y desmelene final, que enmarca una proclama anticapitalista (“The system won’t help you when your money runs out”). ‘Utopia’, el primer single, tiene en comparación el ilusorio aspecto sereno que le otorga su atmósfera de ambient y el piano dream-pop. Pero también resulta asfixiante por el uso de la voz doblada de Katie y los equilibrios calma/furia, que ilustran una fábula sobre un mundo superpoblado por individualidades aisladas.

Pero donde la fórmula de Austra se sublima y alcanza su máxima expresión es en la fabulosa ‘I Love You More Than You Love Yourself’, que funciona como un envés perverso de ‘I’ll Be Your Mirror’ . Un monumento tenso, que te arrastra hasta reventar en la salvación que ofrecen sus ¡dos! estribillos. Mezclando el sosiego con el ritmo trance, Austra construyen el himno del disco y, quizás, la mejor canción que han hecho jamás. Su fulgor es tan intenso que hace palidecer todo a su alrededor, empezando con las dos pequeñas maravillas de techno-pop ochentero que son ‘Freepower’ y ‘Gaia’ (que recuerda levemente a Vangelis). Es este desequilibrio lo que le resta brillantez a este disco, al alternar las joyas con piezas esforzadas, pero menos conseguidas y demasiado reiterativas (‘I’m a Monster’, ‘Angel in Your Eye’, ‘Beyond a Mortal‘), donde el abuso de los esquemas se vuelve en contra de ellas. Y el cierre con la marcial pero fría ‘43’ deja cierto regusto agridulce. Porque, por un lado, Austra han conseguido ya definir completamente su sonido; porque es un disco que mueve al optimismo a pesar de todo; porque han intentado construir su gran obra… pero, por otro lado, no lo han logrado del todo. No todavía. Pero, pese a su irregularidad, no puedes dejar de reproducirlo una y otra vez. En estos tiempos de consumo compulsivo y rápidos olvidos esta sea, probablemente, la gran victoria del grupo.

Austra girarán el próximo mes de abril con nuevo disco. Las ciudades que acogerán el tour en nuestro país son A Coruña (el 5 de abril, Museo de Arte Contemporáneo), Madrid (el 6 de abril, Teatro Barceló), Valencia (el 7 de abril, La Rambleta) y Barcelona (el 8 de abril, Apolo). Las entradas están disponibles en Ticketea.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘We Were Alive’, ‘Future Politics’, ‘Utopia’, ‘I Love Your more than You Love Yourself’
Te gustará si te gusta: Zola Jesus, Grimes, The Radio Dept.
Escúchalo: Spotify

Pros y contras de ‘Múltiple’, el esquizofrénico regreso de Shyamalan

Por

Joric

29 enero, 2017

Después de las interesantes pero fallidas ‘La joven del agua’ y ‘El incidente’, y de las desastrosas ‘Airbender, el último guerrero’ y ‘After Earth’, parecía que la carrera de M. Night Shyamalan iba por el mismo camino que la de otro director de referencia en el género fantástico en permanente estado de crisis creativa: Tim Burton.

Sin embargo, a diferencia del director de ‘El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares’, cuyas películas siguen teniendo éxito comercial (a base de explotar una y otra vez la misma fórmula, eso sí), el descalabro de los últimos títulos de Shyamalan fue también financiero. Gracias a ello, los grandes estudios empezaron a silbar y mirar para otro lado cuando le veían acercase. Esto lo aprovechó la Blumhouse, productora especializada en cine de terror, para ficharle. El resultado de esta colaboración fue ‘La visita’, un muy eficaz ejemplo de terror found footage, insólitamente divertido y juguetón.

En su última película, Shyamalan sigue con la Blumhouse, pero parece regresar a los territorios narrativos y estilísticos de sus comienzos. ¿Cuáles son los pros y los contras de ‘Múltiple’?

Lo mejor de ‘Múltiple’

1. La elegancia de Shyamalan. El director de origen hindú continúa demostrando su enorme talento y finura para la puesta en escena. La secuencia del secuestro es un buen ejemplo de ello. La escena es un prodigio de planificación visual, una lección de cómo manejar los recursos formales –los movimientos de cámara, el fuera de campo, el uso del sonido, las miradas de los actores- para generar inquietud, suspense y esa extraña poética que caracteriza los mejores trabajos del director.

2. La “bruja”. Es cierto que James McAvoy sale bastante airoso de un papel que parece creado para que el actor multiplique por veintitrés su repertorio de gestos y muecas. Su interpretación está más ajustada de lo que cabría esperar. Sin embargo, es la magnética Anya Taylor-Joy quien se lleva todas las miradas. La joven protagonista de ‘La bruja’ compone un personaje lleno de matices y profundidad psicológica. No es de extrañar que el guionista Sergio G. Sánchez (‘El orfanato’, ‘Lo imposible’) la haya fichado para protagonizar ‘Marrowbone’, su debut en la dirección.

3. El epílogo. No voy a desvelar nada, pero los fans (entre los que me incluyo) de una de las obras maestras de Shyamalan saldrán del cine mareados y con la mano en el pecho por la emoción ante lo que acaban de ver (y, parece, por lo que verán en el futuro).

Lo peor de ‘Múltiple’

La historia. La premisa argumental es magnífica. El final también. Pero su desarrollo no. Hasta llegar al eléctrico desenlace, que la emparenta con la obra maestra antes citada, ‘Múltiple’ se pierde por tantos pasillos como los del poco original escenario subterráneo donde se desarrolla la acción (que, además, como metáfora de la mente enferma del protagonista no puede estar más visto).
El problema de ‘Múltiple’ es su esquizofrenia narrativa. Por un lado, es un survivor bastante descafeinado. Por otro, una rutinaria home invasion. Por otro más, un discursivo thriller psicológico (por culpa sobre todo del cargante personaje de la psicóloga). Y aún por otro más, un melodrama de forzada carga emotiva. Sí, el Shyamalan estilista ha vuelto. Pero al guionista seguimos esperándole. 6’9.

‘Beware The Slenderman’: de la fantasía a la esquizofrenia

Por

Lolo Rodríguez

29 enero, 2017

El pasado 31 de mayo de 2014 una trágica noticia sacudía los medios de comunicación de medio mundo. Dos amigas de doce años de edad arrastraban a una tercera a un bosque, para después asestarle diecinueve puñaladas. El crimen no era trivial, sino que había sido premeditado y diseñado específicamente con la intención de impresionar a Slender Man, un personaje ficticio de Internet, del que ambas jóvenes querían convertirse en discípulas.

Afortunadamente, la víctima fue capaz de llegar a la cuneta de una carretera, donde fue encontrada por un ciclista que avisó a los servicios sanitarios, que consiguieron salvarle la vida después de trasladarle a un hospital. ¿A qué parece el argumento de una truculenta película capaz de ponerte los pelos de punta un viernes 13 cualquiera?

Pues para nada, porque en este caso la realidad supera a la ficción con creces. Esta es, precisamente, la historia de Morgan Geyser y Anissa Weier, que están a la espera de ser juzgadas por un tribunal de Wisconsin por este intento de asesinato. Y ahora HBO analiza los detalles de este tremebundo ataque en ‘Beware the Slenderman’, un documental que busca las claves de un suceso que ha alcanzado ya un gran poder mediático en los Estados Unidos.

La cinta está dirigida por Irene Taylor Brodsky, también responsable del nominado a un Oscar ‘The Final Inch’. Lo bueno del documental es que huye del morbo fácil y de las lágrimas, para convencernos de que esta es una historia de la que podría haber sido protagonista cualquiera. Olvídate de reconstrucciones del crimen o de dudosos testimonios de todo tipo de expertos: el reportaje va más allá y se vertebra fundamentalmente a través de los testimonios de los padres y de fragmentos de los interrogatorios de las dos adolescentes, que erizarán los pelos de los brazos de más de uno.

¿Qué llevó a Morgan y a Anissa a cometer tan tremebundo crimen basándose en un simple cuento de miedo de Internet? Como en todas las historias, aquí hay mucho más de lo que parece a priori. Así, el relato concluye cuajado de señales que apuntan, sobre todo, hacia el bullying y la enfermedad mental como dos de los principales conductores de este intento de homicidio.

Un documental bastante completo y esclarecedor, si bien cabe aquí una pequeña crítica. En su carrera por no buscar causas ni culpables, ‘Beware the Slenderman’ termina pasando de puntillas por los que son dos puntos clave del caso: el primero, el bullying, que condena a muchos jóvenes a una adolescencia solitaria y dolorosa, haciéndoles capaces de tomar decisiones imprevisibles. El segundo, cómo la estigmatización de la enfermedad mental y el tabú que se ha creado en torno a ella pueden evitar que muchos afectados busquen ayuda. Algunas voces insisten sobre un tercer tema, la necesidad del control parental sobre lo que los más pequeños consumen en Internet pero, seamos francos: ¿a quién con doce años no le encantaban las historias de miedo?

Adiós a Emmanuelle Riva, protagonista de ‘Amor’ de Haneke e ‘Hiroshima, Mon Amour’

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28 enero, 2017

Casi simultáneamente, esta mañana nos hemos enterados de dos desapariciones dramáticas para el mundo del cine. Además del británico John Hurt, nos ha dejado la actriz francesa Emmanuelle Riva a los 89 años, víctima de un cáncer sobre el que mantenía gran discreción y que no la ha impedido seguir trabajando hasta sus últimos días. De manera curiosa, pese a haber trabajado en la interpretación initerrumpidamente desde el año 1958, las dos creaciones por las que Riva será eternamente recordada tuvieron lugar en el inicio y el crepúsculo de su carrera.

En 1959 protagonizó ‘Hiroshima, Mon Amour’, célebre film dirigido por Alain Resnais, con guión de Marguerite Duras. Este papel protagonista le valió la nominación al BAFTA a la mejor actriz extranjera y, sobre todo, le dio un lugar en la historia del cine. Su carrera continuó, sobre todo en Francia, en títulos no demasiado populares más allá de sus fronteras (cabe destacar su papel en ‘Azul’, de Krzysztof Kieślowski).

Pero en 2012 le llegó el segundo gran papel de su vida: fue Anne Laurent, la protagonista femenina en ‘Amor’ de Michael Haneke, el sobresaliente film sobre una pareja de ancianos que se enfrenta a la vejez y la enfermedad. Con este papel, Riva logró, esta vez sí, el BAFTA, el César y una enorme cantidad de premios a los que no se sumó el Oscar, aunque sí fue nominada. Fue, en cualquier caso, una especie de recompensa en vida a toda una carrera dedicada al séptimo arte.

“Rihanna” y “Drake” arrasan con ‘Work’ en ‘Tu cara me suena’

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28 enero, 2017

El exitoso programa de imitaciones a cargo de famosos ‘Tu cara me suena’ emitió ayer la gala número 13 de su quinta edición. En esta temporada hemos visto ya curiosidades como un “enfrentamiento” entre Adele y Sia, imitadas por Lorena Gómez y Beatriz Luengo respectivamente, o una Fleur East que encantó a la misma Fleur East.

Anoche la ganadora, como cuando imitó a Sia, volvió a ser la actriz y cantante, ex-UPA, Beatriz Luengo. En esta ocasión lo hizo imitando a Rihanna, interpretando su hit ‘Work’ (la segunda mejor canción de 2016 para nuestra redacción). Su show se fijó en aquel que ofreció la «Churrera de Barbados» en la gala de los BRITS 2016, y en la que apareció el canadiense Drake para hacer su parte del dueto. En el caso de Luengo, quien le dio réplica fue, curiosamente, su propio marido, Yotuel (integrante del conjunto de música urban cubano Orishas).

La actuación de ambos, quizá más por morbo y puesta en escena que otra cosa (en esta ocasión, Luengo cantó lo que viene siendo poquito), logró alzarse con la victoria al obtener el favor del jurado integrado por Lolita, Chenoa y Ángel Llácer. Frente a ellos, algunas actuaciones destacables fueron las de Rosa López interpretando ‘Pump Up The Jam’ de Technotronic o Esther Arroyo haciendo ‘Killing Me Softly’, en la versión de The Fugees (tremenda su pinta como Lauryn Hill, que en la web de Antena 3 califican como “nigga”, de forma muy desafortunada).

Esta misma semana Antena 3 confirmaba la próxima producción de la versión de anónimos de este programa, titulada ‘Tu cara no me suena todavía’ (tela con el nombrecito) y que contará, de nuevo, con la cantante Mónica Naranjo como jurado.

La gala de los Grammy 2017 podrá verse en directo y en abierto en España

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28 enero, 2017

Según reporta Vertele, el canal de TDT de reciente nacimiento DKiss (parte del grupo que posee las emisoras de radio Kiss FM y Hit FM) emitirá en directo y de forma íntegrala gala de los Grammy 2017, los premios de la música entregados por la industria norteamericana que mayor repercusión mundial tienen. Se trata de la primera vez que un canal televisivo de nuestro país lo hace. Será en la madrugada del día 12 al 13 de febrero.

La gala, que será presentada por James Corden, contará con actuaciones ya confirmadas de Adele, que intentará redimirse tras su accidentada intervención del pasado año, Beyoncé, una de las grandes favoritas, y un nombre anunciado a última hora, Bruno Mars. Además, también estarán John Legend, Metallica, Carrie Underwood o Keith Urban, entre otros.

Las ya citadas Adele y Beyoncé competirán por los premios más importantes de la noche: disco del año, canción del año y grabación del año. En esas categorías habrán de medirse a Justin Bieber, Drake, Rihanna o Sturgill Simpson, cuya nominación a álbum del año él mismo ponía en duda, ya que creia lógico que su lugar debía ser para Frank Ocean (que reusó presentarse). Otros grandes aspirantes en los premios son Kanye West (será su primer event de estas características tras sus problemas de salud), Chance The Rapper o Twenty One Pilots.

A estas nominaciones, también hay que sumar otras varias que podríamos calificar de absurdas, como la de Kelly Clarkson, que ni ella misma se creía. En un par de semanas saldremos de dudas y, además, podremos hacerlo en directo.

Raphael / Infinitos Bailes

Por

28 enero, 2017

Que Raphael salga de la espiral de reediciones, recopilatorios, discos en directo, autohomenajes sinfónicos y duetos para editar un álbum de estudio es una buena noticia. Que se rodee de autores tan conocidos del panorama español como Iván Ferreiro, Bunbury, Vega, Virginia Maestro, Dani Martín o Mikel Izal convierte la escucha de este ‘Infinitos Bailes’ en obligatoria. Sobre todo porque la variedad de esos nombres garantiza que este no es el disco de pop-rock random que nadie pidió ni tampoco el disco indie que, por mucho que el cantante ahora actúe en Sonorama, tampoco nadie soñaba con tener entre sus manos.

Así, superadas las barreras más absurdas, uno imaginaba a los diferentes autores entregando lo mejor de sí mismos para tratar de convertirse en Manuel Alejandro durante 5 minutos, intentando al menos acercarse muy ligeramente a la grandeza de canciones como ‘Qué sabe nadie’, ‘Hablemos del amor’, ‘Digan lo que digan’… Pero no. Muy pocos de estos artistas se han molestado en escribir para Raphael un tema realmente significativo, digno de asentarse en su repertorio durante los conciertos de los próximos años, quedándose todo más bien en una anécdota que, dos meses después de su edición, casi todo el mundo parece haber olvidado.

Abre sin merecerlo el single principal, ‘Aunque a veces duela’, escrito por Dani Martín, unas 10 veces menos intenso y clásico de lo que autor, intérprete y sello creyeron en algún momento. Mikel Izal muestra cierta versatilidad en el orquestado tema que da título al disco, tan pronto planetero como de repente majestuoso, e Iván Ferreiro aporta algo de ritmo y épica en la entretenida ‘Carrusel’, pero es Vanesa Martín la primera que parece haber entendido de verdad a Raphael en ‘Cada septiembre’, que empieza con un piano bastante Carpenters para después desarrollar un medio tiempo con los guiños justos a ‘Yo soy aquel’ y un buen estribillo.

Raphael se ve muy cómodo entre ritmos próximos al bolero, el tango, la ranchera (‘La Carta’ de María Rozalén, ‘Negro’ de Paco Cifuentes), y temas tan histriónicos como ‘Igual’ de Diego Cantero, pero a menudo es víctima de la cursilería del autor, como es el caso de ‘Por ser tú’, escrita por Manuel Carrasco y no por un chiquillo de 10 años como parece; y ‘Semilla o flor’ de Pablo López, cuyo título aparentemente plantado 100% en serio lo dice todo.

El álbum remonta al final, no con ‘En pie’ de Virginia Maestro como me encantaría decir, sino con la mencionada y misteriosa ‘Negro’ y sobre todo una ‘Última ovación’ coescrita por Vega que no oculta la influencia descarada de la guitarra doliente de ‘Lazarus’ de David Bowie para contar lo mismo: que Raphael se nos puede ir en cualquier momento, aunque aquí el mensaje sea mucho más positivo. También ‘Del principio hasta el fin’ y sobre todo la tranquila ‘Una vida’ de Jorge Marazu tienen una intención retrospectiva, dejando más que nada un gran sabor de ocasión perdida. Se debía a este gran intérprete una serie de clásicos y o bien él y su equipo ha escogido mal o los artistas solo han buscado entretenerse, pero aquí ni una canción es la mitad de buena que ‘Muero de amor’ de La Bien Querida, que, por cierto, ¿por qué no ha sido invitada?

Calificación: 5,2/10 
Lo mejor: ‘Cada septiembre’, ‘Una vida’, ‘Infinitos bailes’, ‘La última ovación’, ‘Negro’
 Te gustará si: por casualidad eres fan de todos los implicados por igual
Escúchalo: Spotify

Conoce el rrriot-pop-punk adolescente de The Regrettes

Por

28 enero, 2017

Cuando una multinacional nos habla de un grupo de rock adolescente normalmente topamos con cosas como The Vamps y reafirma la postura del que no conserva la fe en la industria. Sin embargo, el caso de The Regrettes es una deliciosa excepción. Con la joven de 16 años Lydia Night a la cabeza, este cuarteto de tres chicas y un chico de Los Ángeles rompe, sin hacer nada extraordinariamente novedoso en lo musical, con la imagen de un teenager-tipo que podamos tener en 2017: de pequeña fue muy fan de Elvis, su primer concierto fue uno de The Donnas, y sí, escucha a Kendrick Lamar, pero también a Amy Winehouse, a Hinds (juramos que lo dice en su bio) y a L7, y sus colaboraciones soñadas serían con Kimya Dawson o Kate Nash.

Algún A&R bastante avispado captó al grupo para Warner y a mediados del pasado año comenzaron a lanzar sus primeros singles, canciones de base doo-wop que acaban explotando con furiosas guitarras. Temas como ’A Living Human Girl’, ‘Hot’ o la totalmente irresistible ‘Seashore’, además de vibrantes números divertidos y bailables, son reflexiones autobiográficas de Lydia que expresan su inconformismo y su lucha activa contra estereotipos sexistas, clasistas y racistas, con sencillez y claridad.

Hace unos días se lanzaba ‘Feel Your Feelings Fool!’, su álbum de debut que no se deja fuera ninguno de sus singles previos y persiste en su rrriot-pop-punk que bebe tanto de Buddy Holly como de Hole, una suerte de Vivian Girls que se dejan de amateurismo y lo-fi. O la vibración de las suecas Those Dancing Days con un toque retro. Veremos cuán lejos llegan, pero la propuesta promete.

‘Una serie de catastróficas desdichas’: televisión en estado puro

Por

Lolo Rodríguez

28 enero, 2017

A Series Of Unfortunate Events. Joe Lederer/Netflix

Es indudable que una adaptación de una adaptación tiene muchas papeletas para salir mal. Ya corría el año 2004 cuando Brad Silberling adaptaba, con ayuda de Jim Carrey en uno de los papeles protagonistas, ‘Una serie de catastróficas desdichas’. La famosa saga escrita por Daniel Handler bajo el seudónimo de Lemony Snicket cuenta la historia de tres huérfanos desesperados por librarse de un malvado conde empeñado en hacerse con la jugosa herencia que han recibido tras la muerte de sus padres.

Ha habido que esperar, no obstante, hasta 2016 para que Netflix se haya decidido a llevarla a la pequeña pantalla… y sorprendentemente es uno de esos estrenos que ha hecho con disimulo, como si esta nueva versión no mereciese la suficiente atención. Pues nada más lejos de la realidad, porque la versión cuenta con numerosos aciertos.

El primero y el más evidente es la elección de Neil Patrick Harris para el papel del Conde Olaf. No se puede estar más sublime: desde la caracterización hasta la personalización del malvado «aristócrata» es absolutamente perfecta. Y sin embargo, la interpretación incluso palidece cuando aparece Joan Cusack: pareciera que el papel de Justice Strauss hubiera sido escrito para ella.

Pero que nadie se lleve a engaño, porque ya lo anuncia Patrick Warburton al principio de cada capítulo: esta no es una historia agradable. Puede que a veces dudes, o te parezca que las cosas van a salir bien, pero no. Y pese a ello, estamos ante el que es quizá uno de los grandes momentos que vamos a ver este año en televisión. Esta es una de las series que deberían tener cabida en las listas de lo mejor del año, aunque probablemente no encontrarán un sitio porque «parece que es para niños». Queridos, las películas de Wes Anderson también tienen ese aspecto pueril y las aplaudís con las orejas.

Ahora solo queda preguntarse porqué el estreno de Navidad de Netflix fue ‘The OA’ y no este, que pegaba bastante más.

Fallece el memorable actor John Hurt (‘Alien: el octavo pasajero’, ‘El Hombre Elefante’, ‘Harry Potter’)

Por

28 enero, 2017

Hace pocas horas sabemos que el cáncer de páncreas contra el que luchaba desde 2015 ha terminado con la vida del actor John Hurt, a los 77 años. Intérprete alejado del tópico estilo de vida glamouroso de los actores hollywoodienses, educado en la prestigiosa RADA británica, Hurt siempre defendió un estilo profesional y personal más modesto y entregado estrictamente a la interpretación, tomando los grandes clásicos teatrales de su país como referente.

Eso, sin embargo, no implicó que no fuera un rostro conocido ni un actor codiciado por productores y directores: se le cuentan alrededor de 200 papeles en cine y televisión, y en filmes para nada desconocidos a lo largo de sus 60 años de carrera, que le llevó a ser distinguido como “Sir” por la Reina Isabel de Inglaterra.

Impulsado en los primeros 70 por sus papeles en ‘El estrangulador de Rillington Street’, que le valió su primera nominación a los BAFTA, y su Calígula en la popular serie histórica de la BBC ‘Yo, Claudio’, a finales de esa década sobresalió en ‘Alien: el octavo pasajero’ (1979) (era el Oficial Kane, el primero en el que vimos emerger un pequeño alienígena de sus entrañas, una escena histórica) y, sobre todo, ‘El expreso de medianoche’ (1978), donde interpretaba a un heroinómano preso en carceles turcas, papel con el que obtuvo su primer BAFTA y un Globo de Oro (el Oscar se lo arrebató Christopher Walken, por ‘El cazador’ de Michel Cimino).

Un año después le llegaría uno de los grandes papeles de su vida: ‘El hombre elefante’, de David Lynch, aquel personaje de aspecto exterior horrible y deforme (cada día de rodaje tenía que someterse a unas 10 horas de maquillaje y desmaquillaje) que escondía a una persona extremadamente sensible. Nuevamente fue nominado a Oscar, Globo de Oro y BAFTA, esta vez como protagonista, ganando solo el último, esta vez.

Otros papeles memorables de su incontable filmografía que alternó superproducciones con filmes de presupuesto modesto fueron el Winston Smith en la adaptación de ‘1984’ a cargo de Michael Radford, el papel de Mr. Ollivander en la saga de películas de ‘Harry Potter’, o el Profesor Harold Oxley en ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’ (2008), además de ‘Hellboy’, ‘Rob Roy’, ‘V de Vendetta’, ‘El topo‘, ‘Melancolía’… También hizo incursiones en el cine español, como en ‘Los crímenes de Oxford’, de Álex de la Iglesia.

Tampoco podemos olvidar que una de sus virtudes interpretativas por las que más destacó fue su profunda y singular voz. Esta le llevó a ser tanto actor de doblaje en filmes de animación (‘Taron y el caldero mágico’, ‘Valiant’) y narrador, voz en off, en filmes como ‘Dogville’ de Lars Von Trier o ‘El Perfume’. Su versatilidad y entrega al personaje fueron otras de sus grandes dotes, que le han hecho uno de los actores más memorables de la historia del cine.

El pop tropical no ha muerto: 5 posibles hits de 2017

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27 enero, 2017

En 2016, el pop internacional se ha rendido al tropical house, una fusión de deep house y sonidos caribeños como el dancehall que se ha filtrado a la radiofórmula a través de dos nombres pilares, Justin Bieber y Major Lazer. El primero lograba un par de éxitos con este sonido entre 2015 y 2016, ‘What Do You Mean?’ y ‘Sorry’ (producidas por Mason Levy y Skrillex y Bloodpop, respectivamente), mientras el segundo lo hacía con ‘Lean On’ junto a DJ Snake y MØ. Ambos temas bebían del éxito previo de productores de tropical house como Kygo o Lost Frequencies (¿y de la influencia de ‘In Colour’ de Jamie xx?) y su sonido es perceptible también en otros hits del año pasado como ‘Cheap Thrills’ de Sia, ‘This is What You Came For’ de Calvin Harris con Rihanna, ‘We Don’t Talk Anymore’ de Charlie Puth con Selena Gomez, ‘Let Me Love You’ de DJ Snake con Justin Bieber, ‘Capsize’ de FRENSHIP con Emily Warren o ‘Cold Water’ de Major Lazer, también con Bieber y MØ.

Aunque en España el Caribe es tendencia tanto en la actualidad como hace una década gracias al reggaetón (no hay más que ver qué canción es nuevo número uno en nuestro país), en Estados Unidos y Reino Unido no es este estilo puramente el que ha conquistado las radios a pesar del éxito de canciones más bien dancehall como ‘Work’ de Rihanna o ‘One Dance’ de Drake, sino su fusión con el deep house, que ha producido un sonido relajado, envolvente, cálido y evocador, nada caprichoso de subidones a la EDM sino más bien… ¿paradisiaco?

Entre los últimos éxitos del pop que han bebido de este sonido encontramos ‘The Greatest’ de Sia, ‘Chantaje’ de Shakira con Maluma, ‘Shape of You’ de Ed Sheeran y ‘Don’t Wanna Know’ de Maroon 5 con Kendrick Lamar, en tanto que iconos del pop pre-streaming absolutos como Gwen Stefani (‘Send Me a Picture’), Britney Spears (‘Just Luv Me’) o Jojo (‘Honest’) tampoco han podido resistirse a sus posibilidades comerciales. Sin duda, el tropical house no solo no se resiste a morir últimamente sino que parece seguirá dando guerra en 2017. Estos son cinco canciones del estilo que podrían dar la campanada este año:

La de James Blunt

El cantante británico no ha vuelto a superar el exitazo de ‘You’re Beautiful’ con ninguno de sus lanzamientos posteriores, pero sigue de actualidad y no hace tanto de su último hit, ‘Bonfire Heart’, editado en 2013. Precisamente, Ed Sheeran es co-autor de ‘Love Me Better’, el nuevo single de Blunt, que presenta una base tropical a la moda, guitarras ahogadas en reverb y otros trucos propios del género.

If you thought 2016 was bad – I'm releasing an album in 2017.

— James Blunt (@JamesBlunt) 13 de diciembre de 2016

La de Little Mix

El cuarteto británico triunfa actualmente con ‘Touch’, un tema de base dancehall, pero su disco contiene un tema mucho más similar a los éxitos de Bieber, Sia y compañía que todavía no ha sido single, ‘No More Sad Songs’, que presenta nuevamente guitarras y percusiones tropicales y un sonido suave y relajado tipo ‘Cheap Thrills’ pero al servicio de una composición dramática, en el estilo del grupo. También tiene voces distorsionadas.

La de Major Lazer

‘Run Up’ con Nicki Minaj y PARTYNEXTDOOR es abiertamente dancehall, pero contiene estéticas sonoras propias del tropical house, como un sonido suave, calmado y diáfano y voces distorsionadas (otra vez). No suena a hit a primera escucha como ‘Lean On’ pero sí a hit de Drake tipo ‘One Dance’ y Nicki Minaj suele convertir en oro todo lo que toca, así que pinta que nos la vamos a comer con patatas en 2017.

La de The xx

Jamie xx parece esencial en la influencia del tropical house en el pop durante 2016, pero ‘In Colour’ no es una referencia tan obvia del fenómeno como Kygo o Justin Bieber. Sin embargo, ‘Lips’, incluida en el nuevo álbum de The xx, ‘I See You’, remite claramente a ‘Let Me Love You’, que remite a su vez a ‘Good Time’, que ya sonaba a ‘Reunion’ y ‘Sunset’ de The xx… ¿¿Ha inventado The xx el tropical house??

La de Sean Paul

Cuando Sean Paul parecía ya producto del pasado, cuando nadie pensaba que lograría hits tamaño ‘Temperature’ o ‘Get Busy’, va Sia y lo recupera en ‘Cheap Thrills’, dando lugar al mayor éxito comercial de su carrera. ‘No Lie’, el nuevo single del jamaicano junto a Dua Lipa, no parece que vaya a igualar su éxito, pero está funcionando bien y podría sorprender este año.

Fallece el batería de The Allman Brothers Band tras dispararse delante de su mujer

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27 enero, 2017

Butch Trucks, batería de la extinta banda de country y folk-rock The Allman Brothers Band, popular durante los 70 gracias a canciones como ‘Ramblin’ Man’ o ‘Midnight Rider’, se ha suicidado en su casa de West Palm Beach, Florida. El periódico Miami Herald detalla que el suicidio se produjo en realidad la noche del pasado martes, 24 de enero, cuando Truck se disparó en la cabeza, trágicamente delante de su mujer. Tenía 69 años.

Los hermanos Duane y Gregg Allman formaron The Allman Brothers Band en 1969 junto a Dickey Betts, Berry Oakley y el también batería Jai Johanny Johanson (conocido como Jaimoe). Duane murió en 1971 tras un accidente de moto, meses después de la publicación de ‘At Filmore East’, ampliamente considerada la obra maestra del grupo a pesar de ser un directo. Oakley fallecería al año siguiente, de nuevo a causa de un accidente de moto, tras la publicación de ‘Eat a Peach’. En 1973, ya con dos integrantes nuevos, The Allman Brothers Band publicó ‘Brothers and Sisters’, el disco que produjo su single más exitoso, ‘Ramblin’ Man’, top 2 en Estados Unidos.

En 2012, The Allman Brothers Band, muy influyente durante los 70 en el sonido del rock sureño estadounidense que más tarde desarrollarían grupos como Lynyrd Skynyrd o ZZ Top, recibió un Grammy honorífico por su trayectoria.

Coriolà / La tremolor

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27 enero, 2017

Carles Chacón de Coriolà asegura que el grupo de Premià de Mar ha escrito su segundo trabajo, ‘La tremolor’ («el temblor»), pensando en hacer el disco que le gustaría escuchar a él en lugar de en el que le gustaría oír a su público (como tiene que ser), lo cual se percibe claramente en el drástico cambio de sonido que ‘La tremolor’ supone respecto a ‘El debut’. El nuevo largo del quinteto catalán, grabado en los Estudis Casafont de Vall D’Ora, en Solsonés, bajo el experto mando de Carles Delgado, sigue siendo carne de directo, pero donde ‘El debut’ presentaba querencias folclóricas similares a Manel o Fred i Son, ‘La tremolor’ es un disco de pop-rock de cabo a rabo, de tonos oscuros (‘Sentinelles’), contundente en ritmos y guitarrazos «duros» (‘La tremolor’) y que hace buen uso del sintetizador como herramienta atmosférica, llegando incluso a ofrecer temas de cierto poso post-rock, como es el caso de la bonita balada ‘La nacional’.

Todos estos elementos nuevos de Coriolà están presentes en el tema que titula su nuevo disco, que proporciona a su vez su concepto de álbum «sutilmente reivindicativo, como de grito de rabia», aunque la agresividad de ‘La tremolor’ (canción) no tiene demasiada continuidad en un disco sobre todo cómodo en la canción rock americana clásica, como en ‘El ball dels vius’, francamente insípida, o ‘Tots alimentem una bèstia’, tan AOR y no en el buen sentido. De hecho, las mejores canciones del disco alternan su estética más o menos tenebrosa, cercana al post-punk, con estribillos bastante pop como ‘Els cinc secrets’, ‘Això és casa nostra’ o, sobre todo, ‘Carrers buits’, mientras composiciones más convencionales como la mencionada ‘El ball dels vius’ o baladas sombrías tipo ‘Atticus’ pasan más desapercibidas.

Una gran parte de las letras de ‘La tremolor’ recurre a la nostalgia, como esa ‘Carrers buits’ que describe «calles vacías que antes hervían» o ‘La nacional’, que retrata a una pareja en el pasado cruzando «la nacional, cuando nadie nos veía, cogidos de la mano, mirando hacia adelante». Otros pasajes son menos evocadores, algo obtusos incluso («era un cuerpo incandescente / bajo neones intermitentes»), sobre todo en ‘El ball dels vius’, donde Chacón canta sobre guiarse «por la belleza de las lanzas de los zulús, por los espíritus de los grandes palacios de Katmandú, por la caricia que siempre dejo para mañana» (?) así como «por la oscuridad que es falsa, que es solo para cantar, lo que me invento para poder deciros la verdad».

No es que cantar disparates vaya a impedir a Coriolà vender discos o sonar en la radio y tampoco es que las letras del grupo sean particularmente absurdas, simplemente no parece que haya demasiada profundidad en la naturaleza pseudo-poética de algunas de ellas (el tema principal evoca «la negrez directa en la retina cuando rebota en un espejo»), mientras otras sí capturan una belleza incuestionable, como ‘Carrers buits’ y ‘La nacional’. El misterio que plantea ‘La tremolor’ en realidad es qué dirección adoptará Coriolà a partir de ahora cuando parece que ya no es otro grupo folk-pop catalán más, pues el público de ‘El debut’ no tiene por qué apreciar este sonido y lo mismo sucede a la inversa. Claro queda ‘La tremolor’, sencillamente un buen disco de rock.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘La tremolor’, ‘Carrers buits’, ‘La nacional’
Te gustará si te gusta: el pop-rock clásico
Escúchalo: Spotify

Drag City, sello de Joanna Newsom, se rinde a Bandcamp (pero sin opción a streaming completo)

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27 enero, 2017

El catálogo de Drag City, el sello de Joanna Newsom y Ty Segall, dos de los cantautores estadounidenses más populares del momento (el segundo publica disco hoy), no está en Spotify ni en Apple Music ni en cualquier otra plataforma de streaming gratuito o de suscripción, lo que significa que, para escuchar sus discos, hay que comprarlos directamente, a la vieja usanza. Parte del catálogo de Drag City sí está disponible en la radio Pandora, que no obstante solo puede usarse en Estados Unidos, Australia y Nueva Zelanda, y en Youtube, aunque desautorizadamente, pues son los usuarios y usuarias de la plataforma quienes suben material con derechos de autor a la misma la mayor parte del tiempo, lo que suscitaba una mini guerra legal el verano pasado de artistas contra Youtube encarada por iconos como David Byrne, Taylor Swift o Trent Reznor de Nine Inch Nails.

Por supuesto, en una época en que todo el mundo utiliza el streaming para escuchar música, no todos ven con buenos ojos que, para escuchar un disco de Joanna Newsom, haya que pagar obligatoriamente lo que vale en una tienda (a pesar de las ventajas de calidad que esta opción ofrece), pero esta es la política de Drag City y no parece que vaya a cambiar en un futuro cercano… o no del todo.

Desde hoy, el catálogo entero de Drag City está disponible en Bandcamp, una plataforma que ofrece streaming y compra a la vez (también de merchandising), que conecta a artistas y usuarios directamente y es más justa con los primeros (supuestamente). En la página enlazada pueden encontrarse los discos de Joanna Newsom y Ty Segall, así como de Scout Niblett, entre muchos otros. Pero ojo, Drag City da opción a streaming a una única canción por disco, no al disco completo, como era de esperar.

Os recordamos ‘Cosmia’ de ‘Ys’, el aclamado segundo disco de Joanna Newsom:

<a href="http://joannanewsom.bandcamp.com/album/ys">Ys by Joanna Newsom</a>

Donald Trump llama «asquerosa» a Madonna por su discurso en la Marcha de la Mujer

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27 enero, 2017

Hoy, 27 de enero, Washington acoge su histórica marcha antiaborto March for Life, que se celebra en la capital estadounidense desde que Estados Unidos aprobara esta práctica en 1973. Con motivo de este evento, el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, que acaba de recuperar una ley que impide a organizaciones abortistas extranjeras financiarse con dinero estadounidense, ha concedido una entrevista a la televisión estatal donde ha sido preguntado por varios temas, entre ellos, Madonna y su polémico discurso en la «marcha de las mujeres» del pasado 21 de enero, donde la cantante aseguró haber «pensado seriamente en volar la Casa Blanca por los aires» después de que Trump asumiera la presidencia del país.

Como todo el mundo sabe que Madonna maquina volar la Casa Blanca de un momento a otro de los próximos cuatro años, la amenaza de un atentado de la cantante en Estados Unidos ha creado resquemor entre varios sectores de la población estadounidense, como al republicano, que ya ha pedido que la investigue el FBI, o a la cantante Cyndi Lauper, que ha criticado las palabras de Madonna y ha abogado por la «humanidad y la claridad» en lugar de por el «enfado» que ha expresado la autora de ‘Like a Virgin’.

La respuesta de Trump a esta polémica se esperaba con interés y no ha decepcionado: el magnate ha llamado «asquerosa» a la cantante en esta entrevista y ha dicho que se «ha perjudicado a sí misma y a su causa» feminista con sus declaraciones. «Lo que dijo fue totalmente vergonzoso para nuestro país», ha asegurado el presidente. No hace falta que iluminemos la ironía que supone que Trump califique de «vergonzosas» según qué declaraciones, pero la historia no deja de tener guasa, sobre todo porque a Trump Madonna no le podría importar más un pimiento, como sugiere su apático rostro en el vídeo.

TRUMP on MADONNA: What She Said Was Disgusting – I Think She Hurt Herself Very Badly #MarchForLife pic.twitter.com/VZKUDFgsVU

— 🇺🇸Cris 🇺🇸 (@ThePatriot143) January 27, 2017

El nuevo disco de Calvin Harris dará a Frank Ocean su primer hit dance (si este no lo evita)

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27 enero, 2017

Por si había alguna duda, el nuevo disco de Calvin Harris sale este año. El músico escocés no lo ha confirmado directamente en Twitter sino indirectamente, pero lo ha confirmado. Preguntado por un seguidor por si va a sacar canciones nuevas en 2017, Harris ha respondido que «10». Como ‘My Way’, ‘Hype’ con Dizzee Rascal y ‘This is What You Came For’ con Rihanna salieron el año pasado y han funcionado comercialmente (sobre todo el segundo, uno de los mayores de 2016, de hecho) se deduce que el disco contendrá 13 canciones, pero este no es el mayor misterio que envuelve el sucesor de ‘Motion’ ahora mismo.

El nuevo trabajo de Harris contará con varias colaboraciones, entre ellas, las de Ellie Goulding (que ya interpretó su éxito ‘Outside’) y la prometedora Jessie Reyez, a quien puedes escuchar en el adelanto de su tema, ‘Hard to Love’, compartido por el mismo Harris en Periscope. Por supuesto, ‘This is What You Came For’ con Rihanna entrará, pues fue uno de los mayores éxitos de 2016, hasta el punto que cuesta creer que no pertenezca todavía a ningún disco. El rompepistas ‘Hype’ parece también un hecho.

La colaboración confirmada en el disco de Harris más sorprendente, y la que plantea su mayor misterio, es la de Frank Ocean. Un adelanto de su colaboración puede oírse en Twitter y sí, será dance. El autor de ‘channel ORANGE’ se ha hecho un nombre como innovador R&B y podría conseguir su primer gran hit global… ¿gracias a Calvin Harris? Esto nos suena: Lana Del Rey logró lo mismo con una remezcla de ‘Summertime Sadness’ de Cedric Gervais y AlunaGeorge con la relectura dance de ‘You Know You Like It’ de DJ Snake.

Luego están las posibles colaboraciones: Hollywood Life especula con que Jennifer Lopez podría aparecer en el disco después de que Harris le ofreciera esta posibilidad en una fiesta, argumentando que podría llevarse a cabo sin problemas, pues ambos «están siempre en Las Vegas» actuando con sus respectivas residencias.

10 https://t.co/3STj62W2nX

— Calvin Harris (@CalvinHarris) January 23, 2017

NEW Frank Ocean x @CalvinHarris pic.twitter.com/YmpO6NqqHi

— Frank Ocean Daily (@TeamFrankDaily) January 26, 2017

James Blunt apuesta fuerte con un tema de Ed Sheeran que suena a Justin Bieber

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27 enero, 2017

James Blunt había anunciado esta semana la publicación de ‘The Afterlove’, un nuevo álbum, y desde hoy podemos escuchar ya ‘Love Me Better’, su primer single. Se trata de una fuerte apuesta del ex-soldado británico metido a cantante, pues reúne al compositor de moda en el pop rock mundial, Ed Sheeran, y al sonido de moda, el que impuso Justin Bieber en 2015 con su disco ‘Purpose’ y singles como ‘Sorry’ y ‘What Do You Mean’ (¿casualmente?, Sheeran compuso también el otro gran hit de aquel disco, ‘Love Yourself’). Curiosamente, su nuevo disco y el del cantautor pelirrojo competirán en las listas de éxitos, puesto que Blunt lo lanza el 24 de marzo. Pero son tan amigos que hasta se dice que harán una gira juntos.

El caso es que este ‘Love Me Better’, con esa combinación tan meliflua y descarada, tiene muchas papeletas de ir a convertirse en un nuevo éxito del autor de ‘You’re Beautiful‘. En ‘The Afterlove’, además de con Sheeran, ha colaborado con Ryan Tedder de OneRepublic (Adele), Amy Wadge (Ed Sheeran), Stephan Moccio (The Weeknd), MoZella (Miley Cyrus) y Johnny McDaid (Biffy Clyro).

Pese a lo que pudiera parecer, Blunt no ha terminado siendo una one-hit wonder, como demostró con ‘Moon Landing’, su álbum de 2013 que consiguió un disco de platino gracias a singles como ‘Bonfire Heart’. Además Blunt cuenta con una baza extra, que descubrimos hace un par de años: nos cae bien, ya que es sue cuenta de Twitter es una de las más divertidas del artisteo. Fiel a esto, esta semana anunciaba su nuevo disco en la red social de una manera asombrosa: saliendo de una bañera desnudo y mostrando el cacharro «de 12 pulgadas» que tenía entre las piernas.

Check out my 12 inch… pic.twitter.com/AdrBHRI5X5

— James Blunt (@JamesBlunt) January 23, 2017

Ready for the Weekend: Los Planetas, Goldfrapp, Jamiroquai, Nelly Furtado…

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27 enero, 2017

Animadísima semana de lanzamientos, esta última del mes de enero. Hay algunos nuevos álbumes interesantes, sí, pero sin duda está marcada por los singles de regreso de figuras tan importantes en el panorama internacional como Goldfrapp y Jamiroquai, y en el nacional Los Planetas y Los Punsetes. A ellos se han sumado anuncios de próximos largos y EP’s de Father John Misty, Real Estate, ANOHNI, Ray Davies, The New Pornographers, Polock, Mew, Thundercat, Pond, Ama, James Blunt, Natalia Lafourcade, Joaquín Sabina o Joe Goddard.

Tenemos, además, nuevos temas de discos ya anunciados que se acercan cada vez más, como es el caso de Nelly Furtado, Major Lazer, Maga, Elbow, Vega, Clap Your Hands Say Yeah, Joe La Reina o Las Odio (no te pierdas su himno acusador del machismo en el indie español). También encontramos nuevas canciones de Dua Lipa (cantando para el productor Martin Garrix), las promesas Zara Larsson, Rag’n’Bone Man y Frances o el conocido productor Ricky Reed, que se lanza como autor e ínterprete.

Como decía al principio, hay muchos y variados discos largos que llegan esta semana a plataformas de streaming y tiendas. Empezando por los nuevos discos de los rockeros norteamericanos Japandroids y Cloud Nothings, siguiendo por los ahora endiosados raperos Migos (¿los nuevos Beatles?) y la interesante artista de R&B contemporáneo Kehlani, y terminando por el segundo largo de la interesante ex-Pipette Rose Elinor Dougall, el siempre sorprendente y divertido Anntona, el francés nómada Talisco o el neoyorquino del que Drake y Lenny Kravitz se han declarado fans, Gabriel Garzón-Montano. También hoy ve la luz el EP que ha unido a dos figuras del out-pop como Ariel Pink y Weyes Blood.

Delafé hace un vídeo para su tema de «odio a los hipsters»

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27 enero, 2017

Delafé estrena vídeo para ‘Días y días’, uno de los temas incluidos en ‘La fuerza irresistible‘, en concreto el que sí puede decirse que es de Delafé y Las Flores Azules porque cuenta con la voz de Helena Miguel, también muy identificativo por incluir la frase «me cago en los hipsters y en su puta madre, los odio y me odio por ello».

Según la nota de prensa, «tras la nominación al Grammy por el videoclip del primer single del disco, ‘Lo más bonito del mundo’, Delafé han apostado ahora por un vídeo de animación, obra del artista visual David Fidalgo Omil, hecha a rotulador y para la que se han utilizado más de 2.000 dibujos». David es un artista visual especializado en animación tradicional y cortos. Aquí usa «la técnica rotoscopia, que consiste en realizar los dibujos a partir de vídeos».

Sobre el tema, se indica: «La canción ‘Días y días’ es una de las que mejor representa el mensaje de ‘La fuerza irresistible’; la luz desde la oscuridad. Como dice el propio Óscar D’Aniello, «lo más destacable de esta canción es que comienza dos veces», algo que David Fidalgo ha sabido plasmar a la perfección». Puedes recordar nuestra entrevista con Delafé sobre este disco, aquí.

Delafé continúa con su gira. Las entradas para Algeciras, Alcalá y Terrasa están disponibles en Ticketea.

Ojete Calor dj’s, Factory Floor, Bearoid y Paulo Olarte, este sábado en RazzClubs

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27 enero, 2017

Este sábado será uno de esos días en que no se puede faltar a la cita con RazzClubs por el gran número de eventos interesantes que se reunirán en sus distintas salas. Mientras el gran reclamo de la sala grande será el DJ set de Carlos Areces y Aníbal Gómez, conocidos por su proyecto Ojete Calor y Muchachada Nuí (Aníbal Gómez también ha presentado recientemente trabajo en solitario como Ruido Paraíso), en otras salas podrán verse distintos «lives».

Será el caso de The Loft, por donde pasarán Factory Floor, que después de encandilar a los seguidores de DFA con su debut homónimo, el año pasado publicaban un disco más centrado en el acid. Se llamaba ’25/25′. A su vez, este mismo sábado 28 y con la misma entrada podrás ver el directo de uno de los artistas revelación que más hemos seguido en la escena mediterránea durante el último par de años. Bearoid se presentará junto a su banda, interpretando hits salpicados de electro y música negra como ‘Out of My Mind’ y ‘Enemy’, con el que ya se acerca a los 100.000 streamings en Spotify.

Por último, la fiesta de Galaktica Records contará con el DJ set de su fundador y alma matter Maurice Aymard, pero también con un directo de Paulo Olarte. Puedes hacerte con una única entrada para todos estos eventos, aquí.

Vulk: «Hay una buena montada en Bilbao»

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27 enero, 2017

Una de las grandes recomendaciones Jägermusic de cara a este 2017 son los bilbaínos Vulk, que pueden dar el salto este año a juzgar por la docena larga de fechas que tienen programada para este invierno y por ese debut que preparan de cara a esta primavera y que ya hemos tenido la suerte de escuchar en una versión primigenia. Hoy estrenamos el vídeo de su single ‘Zaldia Burning’ y hablamos con ellos sobre el excitante 2017 que les espera.

Detectamos una serie de influencias en la música de Vulk que podría ir de Joy Division a Stooges, pasando por Wire e incluso David Bowie en algunos momentos vocales. Ellos, en cambio, prefieren reivindicar la escena local de Bilbao cuando les preguntamos por estos artistas, con alguna excepción. «De las que tú nombras, puede ser que Wire, por su versatilidad. Fuera de esas lo que más nos influencia son cosas de nuestro entorno. Bandas como Serpiente, Luma, II, Lukiek, Faux, Motorastola, Sacco, Smoke Idols, Tooth o Tercer sol y personas/artistas locales como Ana Arsuaga, Ander Sagastiberri, Kristina Losa, Mikel Ruiz Pejenaute, Adrian Vision o Raisa Álava. Hay una buena montada en Bilbao. Por otro lado, como dato relacionado directamente con la pregunta podemos decir que nuestro cantante está enamorado de Bowie».

Vulk, no obstante tampoco han querido evitar el sonido de nadie en particular para huir de las manidas comparaciones de la prensa. «No nos hemos preocupado por ese tipo de cosas, nos interesa que las cosas salgan como son y buscar el mejor rendimiento para cada tema». Además, nos invitan a presenciar su directo cuando les preguntamos qué es lo más personal del grupo. «Ven a vernos en directo y juzga. Como mucho te podemos decir que somos muy inquietos y eso nos lleva hacer las cosas de la manera más directa posible, sin renunciar a los rodeos cuando son necesarios».

Las letras, además, son importantes para la banda. «Precisamente en las letras es donde más rodeos puedes encontrar ya que todo es un poco abstracto y disperso, pero como dato interesante nos gustaría mencionar que Wu Tang Clan tiene un disco con temática de ajedrez, ojo. Los contenidos de las letras son bastante ambiguos, la objetividad no cabe en su lectura. Para nosotros tienen una relación muy fuerte con la música que las acompaña, pero más allá de eso, son aguas enturbiadas en las que cada uno ha de aventurarse bajo su propia responsabilidad».

Respecto al vídeo que hoy presentamos, muestra a Vulk tocando, en la calle, en el estudio de ensayo, descamisados, bien rodeados de humo… ¿dónde se lo han pasado mejor? «Nos gusta tocar descamisados y con máquinas de humo en sitios pequeños y acogedores», sentencian. Os dejamos con las fechas de la amplia gira de la banda, algunas de ellas acompañados de Cala Vento, que acaban de publicar el recomendado ‘Fruto panorama‘.

27 Enero: Bilbao- Kafe Antzokia (con Señores, entradas, aquí)
3 Febrero: Madrid- Wurlitzer
4 Febrero: Valencia- La Resi
10 Febrero: Pamplona- Nebula
11 Febrero: Zaragoza- La Lata de Bombillas
8 Marzo: Oviedo-La Lata de Zinc
9 Marzo: Ortigueira
10 Marzo: A Coruña
11 Marzo: Vigo
12 Marzo: Sarria
25 Marzo: Santander- Campamento Base (w Cala Vento)
26 Marzo: Vitoria- Ahots Gora (w Cala Vento)
31 Marzo: Donostia-Dabadaba (w Cala Vento)
1 Abril: Pamplona-Cavas (w Cala Vento)
6 Abril: Barcelona- Begood (w Cala Vento)
8 Abril: Huesca- El 21

Zara Larsson se acerca a Rihanna con Ty Dolla $ign en ‘So Good’

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