La sexualidad de Billie Eilish se ha convertido en tema de conversación en redes sociales. Si bien hace unas semanas la cantante le decía a Variety que las mujeres le «atraen físicamente», este fin de semana la cantante ha vuelto a pronunciarse al respecto en el evento Variety Hitmakers 2023, confirmando su salida del amario. Pero tan solo unas horas después, la artista acudía a Instagram para criticar al medio por hacerle hablar sobre ello.
Eilish, durante la alfombra roja previa a la ceremonia y cuando se le preguntó al respecto, confesó que no esperaba que sus declaraciones de mediados de noviembre fueran una «salida del armario». «Pensé… ¿no era obvio?», responde. «Es emocionante para mí porque supongo que la gente no lo sabía, así que está guay que lo sepan. ¡Pero me pone nerviosa hablar de ello!», continúa entre risas.
Más tarde, la autora de ‘What Was I Made For?’ se pronunció en redes sociales y criticó duramente a Variety: «Gracias, Variety, por darme este premio y también por sacarme del armario en una alfombra roja a las once de la mañana en lugar de hablar conmigo sobre cualquier cosa realmente importante. Me gustan los hombres y las mujeres. Por favor, dejadme en paz, a quién le importa».
Según informa NME, Billie Eilish ha perdido seguidores en Instagram desde que hablara sobre su sexualidad hace unas semanas. La plataforma Social Blade indicaría que la artista ha perdido, desde la publicación de su entrevista con Variety el 13 de noviembre, hasta 100.000 seguidores.
Aunque Dua Lipa sí fue número 1 en JENESAISPOP con ‘Houdini’, el single principal de su próximo disco, lo cierto es que el rendimiento actual del tema parece indicar que no aspira a mucho más. En Estados Unidos, donde debutó en la posición 11, ya ha bajado hasta la 33. En Reino Unido, si bien la caída no ha sido tan grande, también ha descendido de la segunda posición a la décima. Y el huracán de villancicos que se avecina durante todo diciembre no favorece las previsiones.
Aun así, Dua Lipa se siente esperanzada. En una entrevista para Los Angeles Times, la artista confiesa que ha aprendido a ser paciente con respecto a la respuesta del público a su propia música. «Mis canciones suelen tener un crecimiento muy lento pero estable a lo largo del tiempo», le dice al medio sonriendo. «Siempre hay algo raro en ellas que hace que, cuanto más las escuches, la gente quiera escucharlas más. Crecen lentamente, pero se quedan. Y eso es lo único que quiero: creo que la longevidad es más importante que el éxito instantáneo».
«Me he dado cuenta de que las cosas que me gustan no son tan características de las canciones pop», comenta Dua Lipa en alusión a la estabiliad de sus anteriores hits. Esto la lleva a reflexionar sobre cómo ello guarda relación con su estilo musical: «Son canciones pop, sin duda, pero la forma en que son las melodías, o la forma en que me gusta que sean los arreglos, no es la habitual en una canción pop. La gente tarda un poco en entenderlo».
Se espera que la artista publique su tercer álbum de estudio en la primera mitad de 2024, donde se alejará de su antiguo sonido tal y como ha desvelado a Los Angeles Times. Servirá como continuación de ‘Future Nostalgia’, su anterior trabajo discográfico.
No considero ninguna de la música que me gusta «guilty pleasure», pero digamos que el disco de Stella Maris no es el que más cómodo me siento poniendo, pensando que pueden estar escuchando los vecinos. Y ahí está, miles de oyentes han sucumbido ya a los encantos del grupo ficticio de la serie ‘La Mesías’. Las «hermanas Cecilia, Aina, Júlia, Neus, Nora y Beth» entregan un álbum de 9 temas para nada inspirados en el viejo fenómeno viral Flos Mariae.
Bandas ficticias ha habido muchas a lo largo de la historia. Recientemente hemos asistido al caso de Daisy Jones & The Six, que han musicado las canciones que imaginamos en la novela de Taylor Jenkins Reid. El antecedente claro de Stella Maris, por su castidad, sería el de Los Happiness y aquel ‘Amo a Laura’ que se escuchaba en una campaña de MTV. «Amo a Laura, pero esperaré hasta el matrimonio», rezaba aquel estribillo que en realidad había compuesto Guille Milkyway.
Y en realidad son Hidrogenesse quienes figuran en los créditos de este disco que cuenta con el atractivo de la voz de Amaia Romero, una de las más identificativas que nos ha dado el pop en los últimos años. Últimamente más sexualizada sobre todo en los dúos junto a Alizzz -‘Sexo en la playa’ se llama el último, de hecho-, Amaia recupera aquí por razones obvias el registro más angelical con el que la conocimos. El que le valió tantas comparaciones con una niña prodigio, Marisol.
El timbre de Amaia permite que haya momentos en este disco que sean hermosos de veras, como las armonías de ‘¿Dónde estás?’, pero en general predomina lo inquietante, incluso dentro de esta misma grabación, marcada por unos sintetizadores de lo más tétrico. La letra busca a Jesucristo desesperadamente. La música, parece apartarlo de nuestro lado.
En general, en ‘La casa huele a gloria’ predomina lo estrafalario. Si Flos Mariae se dieron a conocer con unas canciones que rimaban «loncha de queso» con «sándwich preso», en ‘La alcantarilla’ encontramos una rima que consiste en «atentados horribles, mucha pena» con «siempre cogemos fiebre, qué gangrena». En sintonía, esa portada imposible, que hace sangrar ojos y es perfecta para la ocasión al mismo tiempo; o los vídeos promocionales tan caseros que han venido paseando por redes sociales.
Es esa «Alcantarilla» la típica producción synth-pop de Hidrogenesse, aquí muertos de risa ante la peregrina idea de que una «alcantarilla» pueda ir realmente «directa al cielo». También muy reconocible en las percusiones de distinto tipo de ‘Por ti existo’, el dúo formado por Carlos Ballesteros y Genís Segarra ha escrito alguna canción más tradicional y folclórica. Es el caso del vals «Toc toc» o de ‘Las flores de mi jardín’ que, entonada por Albert Pla, da más miedo aún que la misma Montserrat Baró saliendo de su cuarto sin haber tomado medicación.
Dice esta letra que «Papá puso la semilla y mamá fue la maceta», lo que nos lleva al carácter perverso de una obra que se presume naíf. Es esa su genialidad. El single ‘Stella Maris’ quiere hacernos huir de «los vientos de la tentación», pero hay algo realmente depravado en el acabado de este disco. Ya el título de ‘La casa huele a gloria’ suena escatológico y fetichista, pues las canciones y discos que se han titulado con olores tienden a lo sexual de una manera o de otra. «Líbido» era la palabra más sonora de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana, por no hablar de la cerdada que fue ‘The Smell of Our Own’ de Hidden Cameras. Definitivamente, una manera diferente de celebrar la Navidad: ‘La noche que nace el Niño Dios’ y ‘Flores de mi jardín’ son abiertamente villancicos.
Corre el mes de diciembre y es momento de echar la vista atrás sobre lo que nos ha deparado el año. Uno de los acontecimientos fue -como siempre- Eurovisión y en concreto la victoria de Loreen. La 7ª para Suecia.
Un vistazo a sus estadísticas deja una sorpresa: hace tiempo que podemos considerar que ’Tattoo’ es la canción más exitosa de Loreen, superando a la mismísima ‘Euphoria’. Si aquella primera victoria fue la demostración de que un tema de Eurovisión podía triunfar más allá del festival, resultando pionera al respecto en el siglo XXI (en el anterior habíamos asistido al fenómeno ABBA), la tendencia ahora está asentada.
’Tattoo’ cuenta en Spotify con 362 millones de streamings, frente a los 255 que sumarían las dos versiones de ‘Euphoria’. Habrá quien argumentará que en 2012 no tantos suscriptores tenían acceso a esta plataforma, por ejemplo, en América, pero lo cierto es que las cifras de ‘Tattoo’ son excelentes a diferentes niveles.
‘Tattoo’ ha sido disco de oro en Reino Unido, lo que implica 400.000 copias: el número 2 de este país mejoraba el dato de ‘Euphoria’ y no era precisamente flor de un día. También ha sido platino en Francia, multiplatino en Polonia, y un éxito en territorios dispares como Bélgica, Suiza, Dinamarca, Italia o Portugal. Además del número 1 en Suecia, destaca el logrado en Holanda, Israel, Islandia, Austria o Grecia. En las listas globales de Billboard ha sido top 15, top 7 excluyendo Estados Unidos, territorio al que solo ha llegado parcialmente. Resistía en los tops durante meses.
Si tienes la percepción de que ‘Tattoo’ ha tenido peor alcance que ‘Euphoria’ es probable que sea porque nos leas desde España. Nuestro país ha sido uno de los menos entusiasmados con ‘Tattoo’. Si ‘Euphoria’ fue top 2 en España y disco de platino (40.000 unidades), ‘Tattoo’ tenía que conformarse con el puesto 22 y un disco de oro (ahora mismo, 30.000 unidades).
Justo lo contrario de lo que ha pasado en lugares como por ejemplo Francia, donde ‘Tattoo’ ha calado muchísimo más que ‘Euphoria’. Si esta no pasó del puesto 26 en el país vecino y no obtenía ninguna certificación, ‘Tattoo’ ha sido hasta número 7 y es platino con más de 200.000 copias en Francia.
Eso sí, menos impacto ha tenido el último single de Loreen, ‘Is It Love’. Digamos que la artista no ha fidelizado al público al modo de Måneskin…
Hoy se da a conocer el listado de aspirantes al BBC Sound Of 2024. Se trata de un premio que otorga la BBC y que tiene gran relevancia porque significa que la emisora pública va a radiar a ese artista durante el año siguiente. En otras ocasiones han resultado ganadores Adele, Stormzy y Wet Leg. Es decir, gente que ha terminado siendo superventas.
En el listado 2024 aparece gente ya bastante consagrada como Peggy Gou o Kenya Grace, junto a otros artistas como las interesantes The Last Dinner Party, en quienes nos centramos hoy. El listado de nominados se completa con Aya Starr, Caity Baser, CMAT, Elmeine, Olivia Dean, Sekou y Tyla. El ganador se revelará el 5 de enero.
Hace solo unos días que nuestro columnista Jaime Cristóbal charlaba con el mismísimo Trevor Horn sobre lo prometedor de The Last Dinner Party. Se trata de un quinteto británico, de momento con solo un cuarteto de canciones compartidas en plataformas de streaming. Su tema estrella y que seleccionamos hoy como Canción del Día es ‘Nothing Matters’.
Es The Last Dinner Party un grupo de rock, aunque en ‘Nothing Matters’ convergen influencias melódicas tan dispares como ABBA y Queen. Es interesante cómo la composición y las voces suben al final… poco después de que suene un solo de guitarra que quizá no viste venir porque tal instrumento no está en su mejor momento de popularidad.
Cuenta el grupo que con este tema querían hacer una canción de amor propiamente dicha. «Quería capturar esa sensación de amor desenfrenado e indómito que también es un poco perverso», decía Abigail Morris en DORK, lo que se traslada a una letra que habla de motocicletas, ruiseñores y marineros viajando en coches descapotables. Aunque pocas cosas como ese estribillo «puedes abrazarme como él a ella, y te follaré, como si nada importara».
En cuanto a sus otras pistas, ‘On Your Side’ es la balada, mientras ‘Sinner’ y ‘My Lady of Mercy’ apuestan por cambios de ritmos y armonías vocales, haciendo de ABBA definitivamente una influencia palpable, solo que acentuando el carácter rock. No sabemos si ganarán el BBC Sound of 2024 o la cadena escogerá algo más pop, pero su fichaje por Universal y la producción de James Ford garantizan que el año que viene volveremos sobre The Last Dinner Party. El disco ‘Prelude to Ecstasy’ está previsto para el 2 de febrero.
Como si siguiéramos en 1996, Take That han vuelto a arrasar en su país, Reino Unido. Su nuevo álbum ‘This Life’ -el tercero que lanzan como trío- consigue uno de los números 1 más abultados del año. Y es que este disco ha vendido hasta 116.163 copias en una semana. Tan solo un álbum ha logrado vender más en 2023 en las islas británicas: ‘1989 (Taylor’s Version)‘ despachó 184.965 unidades en sus primeros 7 días.
El álbum de Take That ha vendido 108.000 CD’s, 5.000 vinilos y 300 cassettes. Además, ha producido 2.000 descargas en portales de venta tipo iTunes. Eso sí, su streaming es muy bajo: tan solo el equivalente a 1.400 copias. Las 116.000 copias son más que todo el top 18 de discos combinado. De cada 100 copias que se han vendido esta semana en UK, 18 han sido de este disco de Take That.
Esto supone el 9º número 1 del año de Take That a lo largo de 4 décadas. Empatan así con Coldplay a números 1 en álbumes, quedando solo por detrás de los Beatles (15 discos número 1), los Rolling (12) y Queen (10). Los anteriores fueron ‘Everything Changes’ (1993), ‘Nobody Else’ (1995), ‘Greatest Hits’ (1996), ‘Beautiful World’ (2006), ‘The Circus’ (2008), ‘Progress’ (2010), ‘III’ (2014) y ‘Odyssey’ (2018).
Eso sí, su propio récord de ventas queda lejos de batir y seguramente ya nunca se batirá. ‘Progress’, el disco en el que se reunían con Robbie Williams, llegó a vender 518.601 copias en su primera semana durante 2010. Es la tercera mejor cifra en una semana de todo el siglo XXI, tras ’25’ de Adele (800.307) y ‘Divide’ de Ed Sheeran (671.542).
Curiosamente, ningún single de Take That aparece en el top 100: sus fans son del formato físico y, como decimos, el streaming de todo el álbum es más bien bajito. Os recordamos que hace unas semanas teníamos la suerte de entrevistar a Take That. Nos decía Gary Barlow: «Nosotros estamos más sorprendidos que nadie de seguir aquí. Es una locura. La industria musical es muy dura. Tener éxito con un disco, una vez en tu vida, es una cosa, pero mantener una carrera durante 30 años no es nada fácil. Volvería a lo que he dicho antes: creo que lo importante es seguir haciendo música y esperar que la gente conecte con ella. Por alguna razón el público quiere que sigamos ahí para ellos, y nosotros vamos a seguir haciendo lo que hacemos lo mejor que podamos».
KISS ha realizado dos grandes revelaciones este sábado durante su concierto celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York. En primer lugar, KISS ha anunciado que este concierto ha sido el último de su carrera. «Este es nuestro show final» han sido sus palabras. Sin embargo, KISS ha añadido que el grupo no dejará de ofrecer conciertos, pues pasa a ser virtual. Sus integrantes -Paul Stanley, Gene Simmons, Tommy Thayer y Eric Singer- serán reemplazados por sus avatares digitales.
Los avatares ya existen y han sido creados por la misma compañía que ha llevado a la realidad los hologramas de ABBA, es decir, la empresa de George Lucas Industrial Light & Magic, en colaboración con el Pophouse Entertainment Group.
En un vídeo promocional, KISS anuncia que «una nueva era comienza». Y Paul Stanley ofrece unas palabras acerca de esta sorprendente reinvención de la banda autora de ‘I Was Made for Lovin’ You’. «Lo que hemos logrado ha sido asombroso, pero no es suficiente. La banda merece seguir existiendo porque es más grande que nosotros. Nos emociona dar el siguiente paso y ver a KISS inmortalizado».
Gene Simmons añade: «Podemos ser eternamente jóvenes e icónicos llevándonos a lugares que nunca habíamos soñado antes. La tecnología hará que Paul salte más alto de lo que ha hecho antes… El futuro es tan emocionante. Si piensas que te vas a deshacer de nosotros, me temo que eso no va a suceder».
El debut de SanIsidro aspira a capturar esa magia de lo atemporal. Lo consigue de dos maneras. Por un lado, en ‘Sambori’ las influencias son tradicionales pero globales. El mediterráneo, en un sentido amplio, pero también Centroamérica o el Sahel, caben dentro de su discurso. Por otro, el valenciano Isidro Rubio cree en el menos es más: no porque el disco sea rico en instrumentos es un escaparate. Las canciones no renuncian a su sencillez. Él dice que le gusta cuando el público le dice que sus canciones le recuerdan “a lo que escuchaba mi abuela o a los villancicos”.
Isidro Rubio se da a conocer tocando en bandas de punk y rock n’ roll como Wau y Los Arrrghs!!!, pero, en 2014, cuando se encuentra residiendo en Berlín, decide emprender un proyecto en solitario en el cual explorar cómodamente sus intereses musicales. En 2020 publica su primer epé, ‘a lo pesau, a lo bajo y a lo llano’ (Slovenly Records), en que las influencias ya van del folk ibérico al rebetiko griego.
Villancicos no hay en ‘Sambori’, pero no sería una sorpresa que el disco -publicado por La Castanya- incluyera al menos uno. Las percusiones de los cascabeles y las panderetas están muy presentes en el largo. ‘Los pies de Cristo’ es una canción escrita alrededor de una pandereta. Sin embargo, también suenan congas, ruanes, darbukas y otros instrumentos. En ‘Sambori’, SanIsidro se propone difuminar géneros y también fronteras, hasta que es prácticamente imposible situar una influencia en un punto concreto del mapa.
El título de ‘Sambori’ sabemos que es el nombre que recibe en Valencia el juego de la rayuela. Después, el disco coge el vuelo a mil lugares. ‘La qüestió atàvica’, la canción que sucede al «preludio», San Isidro la empieza a componer en clave de pregón valenciano. Lo que le sale es una “marcha mora rara” empapada de influencias del spaghetti western. Cuando canta que “no tiene remedio”, que su amor por la música del pasado no tiene fin, es imposible no creerle.
Lo sigue confirmando en las diferentes pistas. ’Puente de plata’ es un precioso bolero… que también tiene algo de son cubano y de rock anatoliano. En ‘Ai, valent!’, SanIsidro explora la escala de grises entre Lee Hazlewood y el tex-mex. Y puedes estar convencido de que ‘¡Siempre adelante!’ suena al rock de Mdou Moctar… hasta que Rubio cuenta que en realidad se inspira en la música de la folclórica tejana Lydia Mendoza y en el tango mexicano.
En ‘Sambori’, la voz de San Isidro suena extrañamente lejana, contenta de situarse detrás de la instrumentación. Rubio no la decora con mil efectos, pero sigue transmitiendo un aura casi fantasmal. Las canciones, aún inspiradas en la tradición, como esa ‘Solitària’ que bebe de la lírica perversa del country tradicional, no se desprenden de cierto sabor iconoclasta. Puede que aún haya algo de punk en SanIsidro, pero si él es un artista al que se podría encuadrar en la outsider music, es evidente que esa no es su intención.
SanIsidro estará actuando el 15 de diciembre en Siroco (Madrid), el 23 de diciembre en la Sala Vol (Barcelona) y el 27 de enero en 16 Toneladas (València).
Nuestro Disco de la Semana y -avanzamos- presente en nuestro Anuario con lo mejor de 2023, es ‘Pearlies’ de Emma Anderson. La líder de Lush nos ha dado una de las sorpresas del año, con un álbum que se sumerge en el shoegaze, en el kraut o en el dream pop. Te va a encantar si te gustaban -más que Lush-, Broadcast y Cat’s Eyes.
Los temas más populares han resultado ‘Bend the Round’ y ‘The Presence’. Especialmente asequible es el cierre con ‘Clusters’, pero hoy vamos a recomendar otro tema. Uno de esos temas que no puede ser single, pero que sirve para sumergirse de lleno en ‘Pearlies’. Se trata del NO instrumental ‘Xanthe’, que escogemos como Canción del Día para este domingo.
La historia del pop conoce muchos instrumentales o pseudoinstrumentales significativos. Está la ‘Intro’ de The xx, coreada en sus conciertos como si fuera ‘Yellow’ de Coldplay. R.E.M., en su etapa imperial, incluyeron tanto en ‘Out of Time’ (1991) como en ‘Automatic for the People’ (1992), temas sin letra tan relevantes como ‘Endgame’ y ‘New Orleans nº5’. También Radiohead o Arcade Fire han incluido instrumentales en sus álbumes, por no hablar de ‘Low’ de David Bowie, con aquella segunda mitad de álbum totalmente histórica.
‘Xanthe’ de Emma Anderson no es instrumental. En ella la escuchamos tararear sobre una línea de guitarra tocada por Richard Oakes. Su «lalala» va cambiando de melodía a lo largo de 2 minutos y medio, dejando en ese cierre de cara A una sensación totalmente melancólica. La canción llegó a tener letra pero Anderson la quitó porque le parecía que funcionaba mejor con los «la la las»: «menos es más».
En un «canción por canción» realizado para Brooklyn Vegan, Anderson explica que se inspiró en la banda sonora de Krzysztof Komeda para ‘La semilla del diablo’, la cual adora desde hace muchos años. «Al igual que en mi tema ‘Inter Light’, hay muchos acordes menores juntos, pero esta vez más en el estilo de Europa del Este o la música tradicional griega, de ahí viene el nombre de ‘Xanthe’ (…) Puede describirse como una nana o como banda sonora de una película de terror. Es gracioso que pueda funcionar de las dos maneras».
Entre visita y visita al juzgado, Donald Trump sigue con su campaña electoral para volver a la Casa Blanca el año que viene. Su primer mitin lo dio el pasado 25 de marzo en Waco, Texas. La fecha coincide con el 30 aniversario del asedio policial a la sede de los davidianos (una escisión de la Iglesia Adventista del Séptimo Día), que terminó con 4 agentes y 82 miembros de la secta muertos, entre ellos más de 20 niños. ¿Casualidad? Ni por asomo.
El líder de la secta, David Koresh, es considerado un mártir por la extrema derecha estadounidense; un símbolo de la libertad religiosa, del derecho a estar armado hasta los dientes y de la resistencia contra el gobierno “opresor”. Según estos, con QAnon y Alex Jones (famoso conspiracionista y proselitista de Trump) a la cabeza, los sucesos de Waco fueron una matanza orquestada en la sombra por el presidente Clinton y su esposa Hillary (esa señora maligna que trafica con niños en los sótanos de las pizzerías).
Tanto es así que, en 1995, el ex soldado Timothy McVeigh puso una bomba en un edificio gubernamental de Oklahoma en el que murieron 168 personas y hubo 680 heridos, el atentado más grave perpetrado en Estados Unidos hasta el 11-S. La principal motivación del terrorista fue vengar la “matanza” de Waco. La pregunta es: ¿cómo es posible que un fanático religioso, acusado de pederastia y violación, y que se creía un nuevo mesías, sea un héroe para millones de “buenos cristianos” y patriotas estadounidenses?
Stephan Talty, conocido por obras como ‘Garbo, el espía’ (Destino, 2013) o ‘La Mano Negra’ (Península, 2018), recorre en ‘Koresh. La verdadera historia de David Koresh y la tragedia de Waco’ el camino que va de la Texas de los años sesenta, el lugar donde creció -rodeado de armas, biblias y maltratadores alcohólicos- Vernon Howell (nombre real de David Koresh), hasta el Washington de 2021, cuando fue asaltado el Capitolio. Un esclarecedor viaje por un “suelo que han recorrido durante siglos hombres y mujeres que creen que la violencia purifica la tierra y la reemplaza por algo infinitamente más maravilloso”.
Basándose formalmente en el clásico ‘La canción del verdugo’ (Norman Mailer, 1979) y apoyándose en fuentes orales, en las transcripciones de las escuchas del FBI y en las informaciones de los medios de comunicación (el suceso fue televisado en directo, como se puede ver en la serie documental ‘Waco: El apocalipsis texano’, un estupendo complemento visual al libro), Talty ha construido un apasionante relato sobre el ascenso de Koresh como líder del culto davidiano (antes intentó ser una estrella del rock) y el dramático asalto a su sede, una actuación plagada de errores y desavenencias entre los distintos grupos operativos que desembocó en tragedia.
Biografía, crónica de sucesos, historia oral, ensayo sociológico sobre el auge de la derecha conspiranoica… El autor combina con gran habilidad todos estos géneros y temas para reconstruir la vida de una de las mentes criminales más perversas y fascinantes de la historia reciente de EEUU, el más joven de la diabólica trinidad de líderes sectarios formada por Charles Manson y Jim Jones. De hecho, el libro de Talty se puede ver como el ‘Helter Skelter’ de Koresh, un esqueje de la obra maestra del true crime (publicada también en la editorial Contra).
Estos días se ha anunciado que Spotify dejará de pagar royalties por las canciones con menos de 1.000 reproducciones anuales a principios de 2024. Con esta decisión, Spotify pretende evitar que una parte de los royalties se dirija a las reproducciones artificiales, o a las pistas de ruido blanco, y así evitar la pérdida de estas regalías y redistribuirlas entre los artistas.
En un comunicado, Spotify ha explicado que «aunque cada uno de estos problemas solo afecta a un pequeño porcentaje del total de reproducciones, abordarlos ahora significa que podemos generar aproximadamente mil millones adicionales en ingresos para artistas emergentes y profesionales durante los próximos cinco años».
En el otro extremo, Taylor Swift, la artista más escuchada de 2023 en Spotify, ingresará 100 millones de dólares gracias a sus elevados streamings en la plataforma. Se calcula que para finales de 2023, de hecho, habrá superado esa cifra, informa Billboard.
La plataforma estadounidense da datos exactos: Taylor ha generado 26 mil millones de reproducciones en Spotify en 2023, lo cual, en cifras, se traduce en unos 97 millones de dólares. Cuando pase diciembre, Swift habrá llegado a los 101 millones, los cuales aumentan a 130 millones sumando el dinero generado con los acuerdos publicitarios entre Swift y Spotify.
Como decimos, Swift ha sido la artista top 1 de 2023 en Spotify, seguida por Bad Bunny, The Weeknd, Drake y Peso Pluma. En España, Bad Bunny y Quevedo han sido los artistas más escuchados.
The Weeknd ha donado 2,5 millones de dólares en comida a Gaza a través de su fundación humanitaria, XO Humanitarian Fund. La donación equivale a 820 toneladas de paquetes de alimentos que se espera puedan alimentar durante dos semanas a más de 173.000 palestinos que están afrontando escasez de alimentos y hambruna debido al conflicto entre Israel y Hamás. El Programa Mundial de Alimentos de las Naciones Unidas (PMA) ha anunciado la noticia en las últimas horas.
Numerosos artistas han pedido un alto el fuego desde el estallido del conflicto el pasado 7 de octubre. En una carta dirigida a Joe Biden, músicos como Dua Lipa, Caroline Polachek o Michael Stipe han exigido el fin del conflicto. Kali Uchis, Lucy Dacus, Zack de la Rocha, Pulp o Brian Eno han firmado otra carta publicada en los últimos días.
Después de una tregua que ha durado unos días, Israel ha retomado su bombardeo a Gaza. Acorde con la información publicada en Time, se estima que alrededor de 1.400 israelís y 7.000 palestinos han muerto durante el enfrentamiento entre Israel y Hamás.
The South Hill Experiment es el dúo de Los Ángeles formado por los hermanos Baird y Gabriel Acheson. Por separado, tanto Baird como Gabe han desarrollado sus respectivas carreras en solitario, sumando cinco discos publicados entre los dos. En todos los casos, han terminado colaborando el uno con el otro, tanto en sus proyectos propios como en los ajenos. Por ejemplo, han dejado su impronta en dos discos de BROCKHAMPTON.
En su proyecto conjunto exploran las intersecciones entre el hip-hop, el folk y el rock psicodélico. Su debut ‘MOONSHOTS’ vio la luz el pasado mes de mayo. Y, este viernes, ha llegado al mercado su segundo trabajo, ‘SUNSTRIKES’, un disco grabado en plena ola de calor, que suena a eso mismo.
El disco se ha presentado con tres sencillos. ‘Parker Solar Probe’ ha cabalgado un sonido entre el psych-rock y los ritmos de la música disco. Más guitarrero ha sido el estilo de ‘Snake at the Altar’, próximo a Unknown Mortal Orchestra. La mezcla de guitarras y hip-hop ha guiado el último single, ‘O SOFIA’.
El «focus track» actual es ‘Alright, OK’. En este tema, The South Hill Experiment se entregan a su faceta folk, tanto que no pueden evitar sonar a grupos como Fleet Foxes o Vetiver. Es la Canción Del Día de hoy.
Sin renunciar a la psicodelia, ‘Alright, OK’ nos dice que «algunas cosas es mejor no saberlas». Irónicamente, esta frase, repetida sin parar en la canción, se queda completamente grabada en la memoria. En ‘Alright, OK’, The South Hill Experiment entregan una melodía tan infecciosa como la de cualquier hit de pop, solo que la envuelven en sonoridades más cercanas al folk pastoral, y también a los Beach Boys. Cuando cantan «no te preocupes, todo está bien», la propia música te hace flotar, ajena a los problemas.
Concha Velasco ha fallecido este sábado 2 de diciembre, pocos días después de cumplir 84 años, en el Hospital Puerta de Hierro de Majadahonda (Madrid). Sus hijos, Manuel y Paco Martínez, han comunicado la noticia: “Lamentamos informar de que nuestra madre, Concha Velasco, ha fallecido hoy sábado 2 a las 02:00 en el Hospital Puerta de Hierro de Majadahonda, habiendo recibido los Santos Sacramentos, a consecuencia de una complicación en su enfermedad”, cita el comunicado recogido por EFE.
La actriz y presentadora nativa de Valladolid, que se retiró de la vida pública en 2021, llevaba tiempo ingresada en una residencia de ancianos, afectada por un delicado estado de salud.
Una de las grandes figuras de la cultura española, Concha Velasco destacó en el mundo del cine, el teatro y la televisión. Especialmente recordados son sus papeles en ‘La chica de la Cruz Roja’ (1954) o ‘Teresa de Jesús’ (1984), aunque fue en el teatro donde verdaderamente brilló en su faceta de intérprete, en montajes como ‘Mamá, quiero ser artista’ (1986). En 2019, Concha Velasco protagonizó la escenificación de su propio funeral.
Aunque Velasco nunca desarrolló una carrera plena en la música, pues ella ni siquiera se consideraba cantante, su canción ‘La chica ye-yé’ se convirtió en uno de los grandes clásicos del pop español de los años 60. Completamente indisociable de su figura, ‘La chica ye-yé’ era una canción compuesta por Antonio Guijarro Campoy y Augusto Algueró que la joven Conchita Velasco interpretó por primera vez en una escena de la película ‘Historias de la televisión’ (1965), llevándola a la fama. El cantante argentino Luis Aguilé la grabó primero y, de hecho, iba a cantarla en la película originalmente, pero finalmente fue Velasco quien con ella marcó época.
En televisión, Velasco apareció notablemente en ‘Motivos personales’ o ‘Herederos’ y presentó diversos programas, siendo su incursión en ‘Cine de barrio‘ uno de las más recordadas. Alaska le cogió el testigo en 2020.
‘Élite’ nunca ha sido una serie que destacara por su profundidad. Pero nadie la pedía mientras la serie se moviese por esa mezcla de giros que enganchaban, pijos pijeando y traicionándose, frases lapidarias, tramas absurdas y, por qué no decirlo, a veces un tono casi de porno softcore. Por supuesto, iba a tener sus amantes y también sus detractores, pero también un tercer grupo que entendía su propuesta, le gustase o no, y le parecía honesta.
Los de ese tercer grupo empezamos a arquear la ceja con con el pinkwashing que hacía Netflix poniendo a los personajes gays de la serie como “ejemplo de orgullo”, sus tramas como “reivindicaciones LGBT” y a ‘Élite’ como “valiente y comprometida”. Supongo que nos sorprendió menos que al resto cuando, unas temporadas más tarde, se decidió que ‘Élite’ era el lugar adecuado para hablar de abusos sexuales, salud mental, racismo y hasta desahucios. Nos sorprendió menos, pero nos chirrió lo mismo, claro.
Y es que hace ya tiempo que la serie dejó de ser la bomba de entretenimiento que era, para quedarse a medias en algo que nadie le había pedido que fuera y que, desde luego, no sabe ser. Por no saber, no sabe ya ni tener villanos. Poner a una niñata con rasgos de sociopatía a preocuparse por la apropiación cultural tendría su gracia si fuese una forma de tirar dardos a la hipocresía con esos temas, algo que hace muy bien ‘The White Lotus‘, pero no es el caso. Es, más bien, una representación involuntaria de aquel meme surgido de ‘Community’ (“I can excuse X, but I draw the line at Y”). En ‘Élite’ (y en Netflix en general) puedes ser una persona horrible, pero, ante todo, tienes que estar muy deconstruida.
En esta séptima (y al parecer penúltima) temporada, les ha dado por la salud mental y el suicidio como temas con los que “concienciar”. Comillas enormes, claro, porque lo que se hace más bien es frivolizar con la depresión y el suicidio, e incluso jugar con la intriga de “¿quién se suicidará?”, volviendo al whodunnit que ya estaba trillado en su primera temporada (‘Cómo defender a un asesino’ gozaba de gran éxito entonces, y a su vez había simplificado el revival de ‘Damages’). Ética del asunto aparte, la cosa es que ni siquiera sabe mantener la intriga. Esto es, en parte, por unos personajes que se han ido reseteando cada dos temporadas aproximadamente, y que cada vez son menos interesantes.
Hay excepciones, porque, como en el caso de Maribel Verdú y de su hija Mirela Balic, parece que algunos actores sí recuerdan qué era ‘Élite’. Luego están los que podrían funcionar mejor, pero hacen lo que pueden con el cuadro que les toca defender: se me escapa cómo se puede desaprovechar a Carmen Arrufat con ese personaje, o no entregarse al petardeo que sentaría genial a los interpretados por Gleb Abrosimov, Fernando Líndez o ¡Anitta!
Es como si ‘Élite’ sintiese vergüenza de ser un guilty pleasure y quisiese “compensar” con esa seriedad impostada que te saca constantemente de la historia. Nunca ha aprovechado del todo su potencial, pero en las últimas temporadas dan ganas de decirle a la pantalla “déjalo, ya está muerto”. No es el mamarracheo divertido que podría ser, no es una buena ficción de denuncia social y, pese a las críticas que se le hacen al respecto, difícilmente es capaz de despertar excitación. Más bien, aburrimiento. Podrían haber aprendido de ‘True Blood’, pero quizás es demasiado tarde.
Esta semana el voto nacional se ha revolucionado, en favor de proyectos como Espineli, Marina Herlop o Júlia Colom. Si bien el voto tuitero se decantó por ‘Houdini’ de Dua Lipa una vez más, y en concreto con el 56% de los votos, es buena ocasión para que los que no conozcáis aún temas como ‘Rocky Balboa’, ‘La Alhambra’ o la maravillosa ‘Jo t’estim’ les deis una oportunidad. La playlist con el top 40 acaba de superar los 1.500 suscriptores. ¡Gracias!
Esta revolución nacional supone la eliminación de varios clásicos de la lista de Lana del Rey, Mitski, Sufjan o Troye Sivan. Si a alguien le sirve el dato, Drake ha recibido el 0% de los votos. Sí entran Sen Senra, Triángulo de Amor Bizarro, Tulsa, Björk con Rosalía, Brava, Dellafuente con Morad y Christina Rosenvinge, dando lugar a una de mis playlists favoritas desde que la playlist con lo más votado por vosotrxs existe.
Iñigo Quintero sigue su carrera después del viral de ‘Si no estás‘. El tema, editado por Acqustic, suma más de 300 millones de reproducciones en Spotify, ha sido número 1 global en esta plataforma y, en listas oficiales, ha alcanzado el número 1 de singles en España, Alemania y Francia, entre otros países.
Mientras ‘Si no estás’ sigue merodeando alrededor de las 10 canciones más exitosas en el mundo, Quintero publica nuevo single, el primer después del viral. Precisamente, ‘Lo que queda de mí’ reflexiona acerca de este inesperado éxito.
Acompañado, por supuesto, de su piano, Quintero canta que «todo esto me ha cambiado», que «todo va muy rápido» y que «no encuentro el momento de parar». Su voz ronca le sigue haciendo parecer el James Arthur español, pero, esta vez, ‘Lo que queda de mí’ se atreve a incorporar un cambio de ritmo en su segunda mitad que remite al folk-pop de Lumineers o Mumford & Sons.
‘Lo que queda de mí’ deja una noticia buena y otra mala. La buena es que Iñigo Quintero entrega, en ella, una melodía algo más inspirada que la de sus singles anteriores. La mala es que la producción se sobrecarga en el tramo final, añadiendo trucos y efectos innecesarios.
‘Lo que queda de mí’ llega justo el día antes del cumpleaños de Iñigo Quintero, este 2 de diciembre. Mientras, el cantante gallego sigue sin conceder entrevistas a ningún medio.
Lana Del Rey sigue publicando nueva música meses después del lanzamiento de su último disco, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocesn Blvd’, evidentemente, uno de los mejores discos de 2023, incluido en el Anuario 2023 de JENESAISPOP.
Después de lanzar el viral ‘Say Yes to Heaven’, de colaborar en varios temas del disco de su padre, y de aparecer en ‘Suburban House’ de Holly Macve y en ‘Alma Mater‘ de Bleachers, Lana Del Rey edita nuevo single, en este caso, un cover de ‘Take Me Home, Country Road’ de John Denver.
Acompañada de un piano, bajo la producción de Zach Dawes, Lana canta ‘Take Me Home, Country Road’ con gran sentimiento, antes de que se le una un coro. La canción es un homenaje a West Virginia, donde Lana ha actuado este otoño. La versión original de John Denver llegó al segundo puesto del Billboard Hot 100 en 1971, y es una de sus canciones insignia.
‘Take Me Home, Country Road’ no es la única canción que Lana ha versionado recientemente. Desde Graceland, Del Rey ha interpretado ‘Unchained Melody’, la famosísima composición de los Righteous Brothers, en el especial navideño dedicado a Elvis.
Amatria viene un tiempo hablando de la crisis que ha sufrido durante los últimos tiempos. Al encierro que todos queremos olvidar se unieron la angustia propia de la treintena y ciertas inseguridades personales. El nuevo disco del artista manchego, también dueño de Vanana Records, no es un retrato de ese dolor, pues otra de las cosas que sufrió en aquel lapso fue sequía creativa. Con lo que sí ha construido 12 nuevas composiciones es con las ganas de resurgir «de las cenizas».
‘Sol y sombra’, por ejemplo, parte de la zozobra: “cuando me miro en el espejo, me desarmo en el reflejo, de la imagen abatida del que lucha día a día por no quemarse dentro”. Pero se recompone con la ayuda de Paula Serrano, en representación de esa persona que nos vale de apoyo: «tú mi luz, yo tu sombra, y a volver a empezar», repite alegremente.
El single ‘Llámame loco’, de cierto aire flamenco gracias a un arreglo de Ariel Acevedo, cuenta: «Dicen que tengo la negra, que vida completa no puedo llevar». Ante lo que protesta: «Yo digo que no, a mí no me van a parar». ‘Llámame loco’ y el single previo ‘Techno manchego’ aka «Asiejque», un paseo por Ciudad Real con menciones al Parque de Gasset o a la Plaza del Pilar, son las dos grabaciones que buscan el carisma de su viejo hit ‘Chinches’.
Ambas cuentan con un título icónico, el primero muy Kiko Veneno, el segundo más Joe Crepúsculo, y con un componente verbenero muy marcado. ‘De las cenizas’ se revela como un nuevo disco ecléctico de Amatria, como ha sido siempre prácticamente desde sus inicios, y muy especialmente desde ‘Algarabía’ (2017).
Aquí encontramos de un lado ritmos latinos, y así ‘La nube’ y ‘Busco’ oscilan entre la rumbita, la cumbia, la salsa y el reggaeton, inspiradas por Héctor Lavoe y Willie Colón; y de otro, los techno-houseros. En ese grupo podemos hablar de la también un tanto electro ‘Donde me lleva’ y hasta de pistas que se pueden voguear, como ‘De las cenizas’, con efectos saturados y un tanto Nintendo, que salieron de una sesión con el co-productor Pau Paredes.
Las ideas convergen hasta el punto de que ‘La tierra del lince’ parece una de las canciones más tradicionales… hasta que emerge el rap de Boye, a quien conoció a través de Instagram, prueba de que Amatria esta vez se ha dejado ayudar por otros. El disco termina en plan íntimo, con una especie de copla dedicada a su último hijo (‘Nana para Jon’). «Amatria es un proyecto que parece poco personal, pero sí lo es», defendía estos días en Mondosonoro. Nos quedamos con las ganas de intuir a un artista más desgarrado y por tanto diferente, pero lo que sí nos da es un nuevo disco tan atrevido y libre que se abre con una versión tipo Giorgio Moroder de ‘Miserere’ de Gregorio Allegri: sus influencias abarcan del siglo XVII al siglo XXI.
Papa Topo vuelve después de su sublime cameo en ‘la Mesías‘. ‘Tormenta de verano’, su nuevo disco, verá la luz en 2024, confirma Elefant Records. El primer adelanto, ‘Dime mentiras’, es una de las novedades que puedes escuchar hoy en la playlist «Ready for the Weekend».
‘Dime mentiras’ es una de las producciones de Papa Topo que de manera más decidida se dejan influir por los sonidos de hoy. El pop melódico clásico que tanto ha marcado el camino de los de Adrià Arbona Oreno sigue ahí. Sin embargo, ahora unos arpegios muy PC Music irrumpen. Es como si Papa Topo hubiera asumido que también SOPHIE cabe dentro de su universo.
A partir de esta paleta de sonidos, Papa Topo entrega una canción nuevamente sentida y emocionante que reflexiona sobre la «soledad en el mundo contemporáneo». Y lo hace con total sinceridad, pero también con mucho humor (in)voluntario. Porque tan patético es su retrato de la soledad, en una vida sin amigos, «triste y aburrida» entregada «al vicio», como llamativas algunas de sus rimas.
Describiendo la tristeza de su día a día, Adrià se recuerda a sí mismo «llorando y tomando gazpacho, trotando encima de algún macho» o «en un motel a cuatro patas, oyendo el ruido de las ratas». Huyendo del sinsabor de la vida, Papa Topo se refugia en la «fantasía» de la música, la que también sus compañeros de banda Óscar Huerta Plaza, Julia Fandos Berenguer y Sonia Montoya Barberà, crean en torno a otra de sus grandes melodías.
Profundizando en ‘Dime mentiras’, Papa Topo explica: «La canción expresa el hastío y la tristeza de sentirse aislado entre la multitud y la necesidad de evasión, de mentirse a uno mismo, de fantasear con unos vínculos afectivos profundos. Es a lo que nos conduce el sistema capitalista, a la obsesión por acumular amantes, por acumular objetos, por acumular bienes. Y es que en la industria musical también se vive una fuerte presión por los números: inmersos en una vorágine inagotable de lanzamientos de singles y discos, los grupos viven ansiosos por generar publicaciones virales que supongan millones de streams. A veces parece más importante mantenerse en el candelero que reflexionar sobre la música que uno desea crear».
Uve Sad es otro de esos artistas que han cambiado el trap por las guitarras. De ‘Besos frente a una botella’, que supera los 2 millones de reproducciones solo en Spotify, o su mayor éxito, un remix de ‘Mi culpa’ que se aproxima a los 5 millones, el artista de Barcelona que se diera a conocer en 2018 con el primero de muchísimos singles, se ha dejado empapar por el emo, el sonido Green Day y Good Charlotte, y por la influencia del pop-punk en general. Incluso su propia imagen hace pensar en un YungBlud patrio, sobre todo, en el videoclip de ‘Maldita ansiedad’. Aunque no es el tema que nos ocupa hoy.
Aún el trap -y los visuales animados- ha definido este 2023 la propuesta de Victor Muñoz Olleta en ‘Geox’. El punto de inflexión parece la balada emo ‘Si tú te vas’, donde un alud de guitarras que ni Evanescence se impone. Aunque sube los bpm, ‘Hijo de la oscuridad’ aún hace honor a su nombre.
Y desde hoy es posible escuchar ‘Divas’, el nuevo single de Uve Sad. ‘Divas’ va a la yugular asumiendo un sonido enérgico muy propio de Blink-182 o El Canto del Loco, mientras la letra se debate entre el «name-dropping» pop y la desolación total.
«Ella se llama Stacy, su amiga tiene un Bentley, le hago el amor, dice que quiere tener babies», canta Uve Sad en este tema que sale por la vía de OneRPM, refiriéndose a una de las «divas» que atormentan su vida. A continuación, Victor nos informa de que a ella le gusta «Call Me Maybe», que viste «Dior o Fendi», y que su cuerpo «es skiny» (sic). Él, mientras, advierte de que su amor es «suicida» y de que lleva «un mes sin dormir». La ansiedad, de nuevo, acecha.
Pero Uve Sad sabe qué tiene que hacer: «Si no ves lo que soy, cierra y déjame solo, que así ya estaré mejor». Como cantaba Aitana War, pa fuera lo malo. Estas divas sí tenían razón.
El último mes de 2023 empieza con el lanzamiento del nuevo disco de Peter Gabriel, el primero en más de 20 años. Además, Mika y VVV [Trippin’ You] publican nuevo disco. DELLAFUENTE y Morad, por su parte, entregan epé conjunto, incluyendo su reciente éxito ‘Manos rotas’.
Hoy 1 de diciembre también salen discos de The South Hill Experiment, BRONQUIO con 41V1L, Tiga (producido por Hudson Mohawke) o We Owe. El segundo epé de BB trickz está disponible desde hace unos días.
En materia de singles, Beyoncé celebra el estreno de la película de la gira de ‘Renaissance’ con el lanzamiento de un tema nuevo, ‘MY HOUSE’. Belén Aguilera publica ‘Mr Hyde’. Por otro lado, hay nuevos singles de Empress Of, la revelación Kenya Grace, Delaporte, Lana Del Rey, Pignoise con La La Love You, Flo Milli, Jimena Amarillo… e Iñigo Quintero lanza su primer single tras el éxito de ‘Si no estás’.
Además, descubre en la playlist nuevas propuestas como las de Rorro, Declan McKenna, toorai, Chelsea Wolf, Fresquito y Mango, Kaytranada, Soto Asa, Sjowgren, Delgao con Mushkaa y KICKBOMBO, Tyla, Albany, Radiotrónica, Nena Daconte…
Una entrevista por Zoom no suele propiciar demasiados momentos emocionantes, pero no puedo contener un temblor de excitación cuando, segundos antes de empezar, Trevor Horn me pide que hable, y ajusta sus altavoces. Hacer una prueba de sonido para el legendario productor y músico no entraba entre mis planes de esta tarde, y precede a una conversación amenísima para la que Horn nos habló desde Londres con motivo de su nuevo disco de colaboraciones, ‘Echoes – Ancient And Modern’, que se publica hoy.
Hablar con Trevor Horn supone estar ante un pedazo esencial de historia de la música: además de líder de los Buggles (‘Video Killed The Radio Star’), se le considera uno de los arquitectos de eso tan reivindicado últimamente que es el sonido del pop de los 80 por su labor como productor de artistas como Frankie Goes To Hollywood, Grace Jones, ABC, t.A.T.u. o Seal.
Hola desde España, Trevor.
¿España? Hace tiempo que no voy.
¿Has estado tocando aquí antes?
Creo que toqué allí con Seal en verano alguna vez. Recuerdo estar de gira, y ver la playa. Creo que tocamos en algún sitio, no recuerdo si en España o en Portugal.
Felicidades por ‘Echoes’, que me ha gustado mucho y sorprendido por la selección de canciones, los vocalistas invitados y su sonido en general. ¿Cuál fue tu motivación principal para grabarlo?
La idea, inicialmente, era hacer una especie de álbum acústico, un álbum sencillo. Y empezó así, pero luego me aburrí un poco. Así que pensé que sería mejor considerar esas canciones como maquetas y encontrar una forma diferente de hacerlas. Elegí canciones cuyas letras me gustaban mucho o con las que podía identificarme.
Me gusta el hecho de que no seas demasiado respetuoso con las canciones digamos “icónicas”, y creo que esa es una de las grandes ideas del disco. No las consideras algo intocable, y cambian mucho. ¿Lo ves así? ¿Disfrutas rompiendo moldes?
Sí, yo creo que cuando tienes una buena canción siempre hay un par de maneras diferentes de hacerla, ¿sabes? Pero a veces fue más difícil que otras. Me costó encontrar una manera de cambiar la armonía en ‘Drive’. Esa fue una de las más difíciles, porque para alejarla de la original quería hacer una versión más triste. Me costó un poco resolverlo. También traté de invertir las cosas: si la cantaba una mujer originalmente, intentaba que la cantara un hombre. Aunque no en todos los casos.
Es una gran idea… Y por ejemplo en ‘Love is a Battlefield’ de Marc Almond funciona increíblemente.
Sí, Marc le da una nueva dimensión a esa canción. Le da una sensación de drama y resignación que la original no tiene. Porque, por supuesto, cuando salió la original todos eran jóvenes y felices (sonríe).
Es verdad, el arreglo tiene melancolía. ¿Fue idea tuya seleccionar esa canción para Marc, por ejemplo?
Sí, quería hacer la canción porque era una de mis favoritas de los 80, pero no sabía cómo hacerla. Y entonces a mi hijo [Aaron Horn] se le ocurrió un tema para uno de sus discos, y yo al oírlo empecé a cantar ‘Love is a Battlefield’ por encima. Tuve que cambiarla un poco, pero utilicé todas sus ideas de acordes y demás para esto. Originalmente yo la había hecho casi como un tema de rock acústico, pero sonaba como algo que oirías en un “unplugged”, y eso no me gustaba. Así que estaba buscando una manera diferente de hacerlo, así es como surgió.Y cuando la tuvimos, fue como, ¿a quién podemos conseguir para que la cante? Lo pensamos durante un tiempo, y pensé que Marc le daría ese tipo de tensión sexual y, ya sabes, resignación… te puedes imaginar oyéndole que él lo ha vivido.
Tengo que decirte que estaba muy nervioso por ‘Relax’ porque de adolescente fui muy fan de Frankie Goes To Hollywood, y me preguntaba ¿cómo van a hacer esto? Y encima con Toyah, que puede ser bastante extrema con la voz. Así que ese tempo ralentizado me encantó, es muy hipnótico. ¿Cómo se te ocurrió?
Bueno, pensé en ralentizarlo para hacerlo más relajado…
«Relajado» como en su propio título, ¡qué buena idea!
Sí, exacto. Y luego teníamos la imagen en la cabeza de que estabas en una especie de cabina con alguien y te sentías incómodo. Intentaba que te relajaras, pero con un tipo diferente de sexy, ya sabes.
Es una gran versión. Y los dos solos de Robert Fripp son increíbles.
El solo del medio es brillante, sí. Viene de algún planeta Dios sabe dónde exactamente, pero es muy efectivo.
¿Es algún tipo de efecto de guitarra inversa? ¿Probablemente uno de sus artilugios?
Sï, una cosa que trajo y que al tocar parecía estar tocando hacia adelante y hacia atrás al mismo tiempo,
Lo cual parece algo muy Fripp…
Oh sí. Y tiene una afinación muy extraña. No podía decir qué demonios estaba pasando, pero me encantaba.
La versión de ‘Swimming Pools (Drank)’ de Kendrick Lamar es probablemente el tema más impresionante. Supongo que ahora todo el mundo te pregunta si sueles escuchar a Lamar. ¿Te interesa la música actual?
Si tengo que escuchar rap, la verdad es que Kendrick Lamar es como el Dave Brubeck del rap moderno. Realmente tiene algo único musicalmente, y es un muy buen letrista. Después de hacer nuestra demo de esta canción, de tener la idea de cómo hacerla, me puse a revisar muchos discos de rap para ver si encontraba algo más con lo que pudiera hacer algo… pero no encontré nada. Todos trataban de lo mismo: «Yo soy esto, tú eres aquello, te voy a hacer esto… Soy el mejor en cualquier puta cosa que haga»… Todo iba de lo mismo. Así que ésta era una canción única. La forma en que la letra fue escrita, ¿sabes? A Cole Porter le habría gustado escribir esa letra.
Y Tori Amos hace un gran trabajo con la canción, también.
Realmente se volcó en ello. Trabajó muy duro. Me impresionó mucho.
«Por mi nieto he escuchado movidas coreanas a unos 155 BPMs. Es como un poco horroroso, pero a la vez fascinante»
Vale, volviendo a la pregunta, ¿escuchas música muy actual o no tanto?
Generalmente escucho lo que me obligan a escuchar… lo que le gusta a mi nieto bailar en los videojuegos. Así que me he visto obligado a escuchar movidas coreanas a unos 155 BPMs. Es como un poco horroroso, pero a la vez fascinante. Así que he escuchado un poco de eso. En cuanto a pop vocal femenino actual, no me atrae mucho. Si quiero oír a un grupo de armonía vocal, prefiero escuchar a The 5th Dimension, o a Sergio Mendes & Brazil ‘66.
Y en cuanto a la producción, cuando escuchas estos productos de ahora, ¿te chirrían? ¿O crees que están bien producidos y mezclados?
Pues mira: es innegable de que muchos discos modernos suenan muy bien. Aunque para que me gusten no depende necesariamente de su sonido. A veces se trata más de que el estilo me resulte familiar. Pero sí, hay muchos discos que he escuchado últimamente que suenan bien. Escuché a una banda llamada The Last Dinner Party, y son muy buenas. Eso me gusta.
¡Son buenísimas!
Y hay un par de grupos jóvenes que -si pudieran componer una canción decente…- grupos como Sports Team… son muy buenos y emocionantes en directo, aunque trasladarlo a un disco es más difícil.
En cuanto al título de tu disco («ecos»), parece evocar recuerdos, pero también eco literalmente, como la reverberación, que es uno de tus herramientas más características como productor.
Es en lo que estaba pensando, sí, los recuerdos. Trabajar en algunos de estos temas me dio la sensación de estar como jugando con el pasado. Así que creo que de ahí vino lo de “ecos”. Es curioso cómo, cuando has trabajado en una canción unas cuantas veces, la conoces muy bien. Como por ejemplo «Relax». Realmente tuve que tener cuidado de no complicarme, y la dejé muy básica: programé la caja de ritmos y la dejé así en lugar de volver atrás y enredar demasiado con ella, porque sabía que si empezaba a intentarlo saldría mal. Así que sí, de ahí salió lo de ‘Echoes’.
Y entonces ¿no hay también una referencia al sonido reverberado de Trevor Horn?
Sí… Es curioso, porque en mi cabeza son más o menos la misma cosa. La reverberación deja un breve rastro sonoro de algo pasado. Y como sonido es algo maravilloso, sí.
Soy un gran fan de ese efecto, y en tu música puede llegar a adquirir unas dimensiones increíblemente panorámicas. ¿Puedes hablarnos un poco más sobre la reverberación?
Cuando empecé mi carrera, la reverberación era una ”reverb plate”, una gran placa de metal que vibraba, y tenía un micrófono y un pequeño altavoz. Y era un lujo por aquel entonces. Recuerdo cuando el estudio de maquetas en el que trabajaba adquirió una. Era genial, aunque esas placas de reverberación se quedaban un poco cortas, tenían limitaciones. La mejor manera de sacar un buen sonido era usando un retardo de cinta (tape delay) combinado con ellas. Poniendo la reverberación un poco por detrás de la voz conseguías siempre un gran efecto. Y eso es lo que yo solía usar a menudo. Y luego, por supuesto, aparecieron las reverberaciones digitales, todavía tengo algunas de las primeras, y fueron una revelación, ¿sabes? Cosas como la batería en ‘Owner of a Lonely Heart’ [NdE: su número 1 para Yes en 1983]. Su sonido es en parte el sonido de una reverberación digital muy corta, que era una cosa llamada «no lineal», porque tenía una especie de rebote extraño. La manejaba el ingeniero Gary Langan, que era muy bueno con esas unidades de efecto. Ahora todo está en un ordenador. No sé si es mejor… Como cualquier otro efecto, lo tienes que usar con cuidado. La reverberación, sobre todo la grande, funciona muy bien si contrasta con algo muy seco y directo, ¿sabes? Sí, soy un gran fan. Si lo piensas bien, la reverberación es el efecto original, ¿no? Porque antiguamente, cuando construían catedrales, y ponían a un coro cantando dentro, con toda esa reverberación, sonaba fantástico.
Se podría incluso remontarse a las cuevas y todos esos lugares, supongo. ¿Es el efecto cavernícola definitivo?
Sí, en plan: “esta noche vamos a ir la cueva de un amigo, que va a cantar y su cueva suena genial. El eco de la mía es una mierda”.
Has mencionado los ordenadores. Leí en alguna parte que empezaste a trabajar con ordenadores como medio para grabar mientras trabajabas con Seal en los 90.
Sí.
¿Pero en que punto estás ahora? Porque algunos se pasaron de lleno al tema de los ordenadores, y otros han vuelto a lo analógico. ¿Cómo graba Trevor Horn en 2023?
Usamos Pro Tools. Llevo usando Pro Tools desde que se llamaba Sound Tools en su día. Tienes razón, parte del primer álbum de Seal, lo grabamos directamente en Studio Vision con la voz de Seal, el Midi y el audio al mismo tiempo. Eso fue en 1990, cuando nuestra grabadora principal era una Sony de 48 pistas. Ahora sólo uso Pro Tools. He probado algunas de esas ideas en las que primero se pasa a analógico y luego se vuelve a digital, y la verdad es que no me gusta. Es un poco absurdo. Tengo una excelente consola analógica, una copia de una vieja Neve, pero grabamos en digital, usando una gran colección de micrófonos. Al final todo se reduce a trabajar con gente con talento.
Esto me lleva a la siguiente pregunta. Supongo que todos los vocalistas fueron a tu estudio y grabaron contigo, ¿o te enviaron archivos?
Algunos de ellos enviaron sus voces, por ejemplo Tori. Ella hizo todas sus tomas, incluso las produjo antes de enviarlas, y yo las utilicé más o menos exactamente como ella las hizo. Creo que como mucho retocamos un verso. Eso fue todo. Hizo un gran trabajo. Su marido es ingeniero de sonido, así que creo que eso también ayudó. Iggy hizo su voz en Miami, en algún lugar de Florida, en un estudio. La hizo hace un par de años, y cuando la cantó (‘Personal Jesus’), era completamente acústica, sin guitarras eléctricas. Sonaba como una “jug band” de los años 20, esa era mi idea. Pero cuando la oyó, dijo que quería algo de guitarra punk, así que le puso algo de guitarra punk. Una chica muy maja llamada Phoebe, de The Lambrini Girls, tocó en ella.
«Pronto estaremos todos en el cementerio, así que mejor disfrutar mientras puedas»
Por cierto, en los créditos he visto a gente como Phil Palmer, Danny Cummings, Alan Clark. ¿Es Alan Clark, el pianista de Dire Straits, que tocó en ‘Private Dancer’ de Tina Turner, etc.?
Sí.
No sabía que estaba colaborando contigo. Es un pianista increíble.
Es muy bueno. Toco con él ahora, porque formo parte de Dire Straits Legacy, una especie de gira de antiguos músicos de Dire Straits. Toco el bajo.
¿Por qué tocas con ellos?
Lo disfruto. Mira, pronto estaremos todos en el cementerio, así que mejor disfrutar mientras puedas. Y todos son tan buenos músicos… no hay pistas de acompañamiento, es a la antigua, y me gusta. Es divertido. Y me gusta la música.
Te gustan Dire Straits.
Claro que sí.
¿Puedo preguntarte por Denmark Street en Londres? Leí que en tus inicios trabajaste en esa calle tan mítica en la historia de la música británica. Y ahora que la calle ha cambiado tanto, y la gente se queja de que su legado no se ha conservado como es debido, porque han derribado un par de edificios y todo eso, ¿cuál es tu opinión? ¿Y cuáles son tus recuerdos de cuando trabajabas allí?
Trabajé como músico de sesiones en Denmark Street, sí. En el momento en que llegué allí era el lugar al que iban los músicos para conseguir actuaciones en los cafés-bar. Sólo recuerdo hacer dos o tres sesiones en un estudio en un sótano, donde te daban 15 libras y grababas doce pistas de acompañamiento. Te daban doce partituras con los acordes, decían “un, dos tres” y empezaban, ya estabas haciendo la primera toma. Lo que sea que te dijeran, «esto es un uptempo», tú tratabas de seguirlo. El ambiente de la calle era un poco sórdido, aunque yo iba sobre todo a comprar instrumentos. Creo que están intentando mantenerlo, aunque no es fácil. Han construido una especie de centro turístico y han remodelado totalmente la zona.
Es inevitable, supongo. ¿Puedo preguntarte cómo te sientes cuando oyes ‘Video Killed the Radio Star’ en la radio, en un café, sonando desde un coche en la calle?
Cuando la oigo, me alegro (sonríe). Pienso: “ahí está», la recuerdo. Es una canción muy cool, y estoy muy orgulloso de ella. A la gente le gusta.
«Te diré cuál es la gran conexión entre The Pet Shop Boys y Belle and Sebastian: es muy simple, ambos son grupos muy inteligentes»
Lxs lectorxs de JENESAISPOP son devotxs amantes del pop, y les encantaría saber cómo es trabajar con artistas como Belle and Sebastian o Pet Shop Boys. Pero supongo que son experiencias muy diferentes, ¿no?
No, en realidad no lo fueron. Te diré cuál es la gran conexión entre Pet Shop Boys y Belle and Sebastian: es muy simple, ambos son grupos muy inteligentes. En ambos casos estás tratando con gente muy inteligente, amable y considerada. Quiero decir, trabajar con Neil y Chris es una alegría absoluta, porque puedes pasar el rato con ellos, y son muy divertidos, y son interesantes, ¿sabes? Neil se sentaba a leer el New York Review of Books, ese tipo de cosas, y comentaba lo que estaba pasando en el mundo. Y Chris hablaba de alguna conquista de la noche anterior… eran muy divertidos. Lo pasamos muy bien y me dejaban trabajar. Por ejemplo, Neil quería hacer algunas armonías, y yo sólo las pensaba, las escribía, y las cantaba, le hacía unas guías para escuchar. Y luego él iba y las grababa. Fue un placer trabajar con ellos. Y Belle and Sebastian eran igual, los siete. Cuando no tenían nada en particular que hacer se sentaban en el estudio a leer libros. El reto con Belle and Sebastian fue que cuando cantaban en grupo querían hacerlo todos alrededor de un solo micrófono. Y eso era difícil arreglar después, así que tuve que tenerlos grabando toma tras toma y editar mucho. Pero fue genial trabajar con ellos. Son gente con mucha determinación.
Mariah Carey volvía este fin de semana al número 1 global con ‘All I Want for Christmas Is You‘. Y lo conseguía antes que otros años, sin esperar ya ni a que llegara el mes de diciembre. Pero hoy no vamos a hablar solo de su villancico, sino de otros momentos clave de su carrera. Nuestro colega Kaperucito, que en algún momento llegó a colaborar en nuestra web, visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para hablar de toda la trayectoria de Mimi. Sobre todo nos centramos en los 6 discos que han marcado su carrera.
Comenzando por un álbum homónimo que en Estados Unidos alcanzó el estatus multiplatino (hasta 9 millones), por mucho que su éxito no llegara a España, hablamos de sus inicios, de su primera maqueta de 4 temas, de la búsqueda por parte de Sony de la nueva Whitney Houston, de su primer número 1 y de su primera gran balada, que casi queda fuera de aquel álbum. Reivindicamos su labor como compositora, pues no había ni una sola canción en ‘Mariah Carey’ que no hubiera escrito ella. Sin embargo, Kaperucito nos habla de las tensiones entre artista y sello por blanquear su sonido.
Tras ‘Emotions’ (1991), ‘Music Box’ (1993) supondría su lanzamiento internacional definitivo, aupado por la versión de ‘Without You’ y clásicos como ‘Hero’. Fue el 2º álbum más vendido en España en 1994. Tras él vendría un ‘Merry Christmas’ (1994) que ha terminado siendo fundamental por razones evidentes para comprender su carrera, tras el revival de su single principal en la era streaming y salir en ‘Love Actually’. Inmediatamente después, los que serán los mejores discos de Mariah.
Kaperucito entiende ‘Daydream’ (1995) como el ensayo de la cumbre que supondría ‘Butterfly’ (1997). En ambos hay paralelismos: una modernización de su sonido, un interés por los remixes hacia el hip hop antes de que se pusiera de moda, una incursión de David Morales que lleva interludios hacia el dance… Y por supuesto los hits. El primero contiene ‘Fantasy’, además de ‘One Sweet Day’ y ‘Always Be My Baby’. El segundo, ‘Honey’, para quien esto escribe su producción más interesante.
No esquivamos sus años de vacas flacas, el desastre ‘Glitter’ (ni su supuesta reivindicación posterior), el 11-S, el meltdown de la artista… Pero si hablamos de discos clave, se entiende ‘The Emanticipation of Mimi’ (2005) como su resurrección. Al éxito comercial de ‘We Belong Together’ hay que sumar producciones interesantes de Kanye West o The Neptunes.
En los últimos minutos del podcast, hablamos de cómo la crítica ha abrazado a Mariah Carey en los últimos tiempos, cuando en su momento estaba más denostada. Como mínimo, como influencia fundamental en gente de nueva generación como Ariana Grande. De hecho, la buena acogida de su último disco hasta la fecha, ‘Caution’ (2018), ha sido más por parte de la crítica que del público generalista, concentrado en el villancico de la artista como clásico absoluto, y en su faceta autoparódica, de abrazar su propio meme.
Cargando ...
