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Liam Gallagher tocará ‘Definitely Maybe’ en una gira especial

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Liam Gallagher ha anunciado que tocará ‘Definitely Maybe‘, el primer disco de Oasis, en una gira especial que conmemorará el 30º aniversario del álbum y que tendrá lugar en junio de 2024 en Reino Unido e Irlanda.

La gira arrancará el 2 de junio en Sheffield y pasará por Londres, Manchester o Dublín antes de concluir con una fecha final en Manchester, que es la ciudad de la que proceden los hermanos Noel y Liam Gallagher, el 27 de ese mes. Todas las fechas oficiales las podéis ver bajo estas líneas.

Gallagher ha confirmado que en la gira de ‘Definitely Maybe’ tocará el álbum al completo, y que también recuperará «una selección de caras b». También se podrían rescatar canciones no publicadas dentro del disco pero que salieron en la época, como ‘Whatever’, ‘Fade Away’, ‘Listen Up’ o ‘Sad Song’.

En palabras oficiales, Gallagher ha dicho que ‘Definitely Maybe’ es el «álbum más importante de los 90, sin ninguna duda» y que, sin él, «no estaría aquí, ni tampoco vosotros».

JUNIO 2024:
02 – Sheffield, Utilita Arena
03 – Cardiff, Utilita Arena
06 – London, The O2
07 – London, The O2
10 – London, The O2
15 – Manchester, Co-op Live
16 – Manchester, Co-op Live
19 – Glasgow, OVO Hydro
20 – Glasgow, OVO Hydro
23 – Dublin, 3Arena
24 – Dublin, 3Arena
27 – Manchester, Co-op Live

Lenny Kravitz baila en el hotel en el vídeo NSFW de ‘TK421’

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Lenny Kravitz se encuentra entre los artistas que estos días ofrecen novedades discográficas. Su nuevo álbum, ‘Blue Electric Light’, el número 12, se publica el 15 de marzo de 2024, un lustro después de ‘Raise Vibration’, editado en 2018.

La nota oficial informa de que, en ‘Blue Electric Light’, Kravitz seguirá explorando la mezcla de «deep-soul y rock ‘n roll» que tanto ha dominado su carrera. Sin embargo, el potente primer single, ‘TK421’, va por otro camino.

Hablando de superar los miedos para «bailar hacia lo divino», ‘TK421’ se apoya en un bailable beat de funk y su mezcla de guitarras y sintetizadores recuerda a Prince, tanto al de los momentos más enérgicos de ‘Purple Rain’ como al de sus últimos lanzamientos.

‘TK421’ se promociona con un videoclip en el que Kravitz baila y se tira por el suelo de un hotel, en lo que parece una vuelta sexualizada al vídeo de ‘Again’ (2000). Varios planos de su cuerpo desnudo convierten este vídeo en un producto NSFW o no apto para ver en el trabajo.

Así queda el tracklist de ‘Blue Electric Light’:
1.It’s Just Another Fine Day (In This Universe of Love)
2.TK421 (Album Version)
3.Honey
4.Paralyzed
5.Human
6.Let It Ride
7.Stuck in the Middle
8.Bundle of Joy
9.Love Is My Religion
10.Heaven
11.Spirit In My Heart
12.Blue Electric Light

PinkPantheress es «capaz de amar» en su canción más guitarrera

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PinkPantheress ha sido durante los últimos años una de las revelaciones del pop internacional. Su mixtape de 2021, ‘To Hell With It‘, amparada en unas brevísimas producciones de drum&bass y UK Garage, estuvo entre los mejores discos de 2021.

Ahora ha anunciado el que va a considerarse su disco de debut, a pesar de que ya no la consideremos una debutante. ‘Heaven Knows’ saldrá el día 10 de noviembre, esto es, en menos de un mes, e incluirá dos canciones que ya conocíamos, ‘Boy’s a Liar, Pt 2‘ junto a Ice Spice; el hit actual ‘Mosquito’; y una nueva canción que se ha publicado este viernes y que responde al nombre de ‘Capable of Love’.

‘Capable of Love’, la Canción Del Día de hoy, es la grabación de mayor duración publicada por Vicky Beverly Walker, pues se acerca a los cuatro minutos de duración. En este espacio, a PinkPantheress le da tiempo de entregar una enriquecedora mezcla de ritmos de UK garage y sonoridades típicas del pop-rock y el grunge, pues el sonido de guitarras distorsionadas tiene especial protagonismo dentro de la grabación. En la letra, PinkPantheress habla de un enamoramiento que le tiene «una semana sin dormir».

Se ha publicado también un videoclip que puedes ver bajo estas líneas, dirigido por Aidan Zamiri en blanco y negro. En el mismo vemos a PinkPantheress arrastrando una maleta por el campo, y deshaciéndose de objetos y lastres a través de un hoyo. Al final del vídeo, tendrá que tomar una elección sobre su destino, y el título del álbum queda justificado.

Entre las colaboraciones de ‘Heaven Knows’, habrá nombres de viejos conocidos como Greg Kurstin, Mura Masa y Danny L Harle, así como Count Baldor, Phil y Cash Cobain. El disco tratará sobre «el dolor por una pérdida, pero sobre estar en paz contigo misma en tu soledad. Un viaje del infierno al purgatorio, pero en el que estás bien estando ahí». A través de Apple Music, sabemos que el disco tendrá 13 pistas y que los 3 singles ocuparán los siguientes lugares (el resto de pistas no se conoce aún):

3.-Mosquito
12.-Capable of Love
13.-Boy’s a Liar Pt 2

Drake iguala los 13 números 1 de Michael Jackson en EE UU

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«Estoy a una de igualar a Michael» es una de las frases que Drake canta en ‘First Person Shooter’, una de las canciones incluidas en su último disco, ‘For All the Dogs‘. ‘First Person Shooter’ es desde esta semana la canción número 1 en Estados Unidos.

Con ‘First Person Shooter’, Drake efectivamente iguala el récord de 13 singles número 1 de Michael Jackson en Estados Unidos. En este empate, tanto Drake como Michael son los dos hombres solistas que más singles número 1 acumulan en el Billboard, pero quedan cuartos en el ránking general, pues les superan los Beatles con 20 números 1, Mariah Carey con 19, y Rihanna con 14.

‘First Person Shooter’, una de las canciones destacadas del decepcionante disco de Drake, también cita el título de ‘Beat It’. Drake ha celebrado el número 1 de ‘First Person Shooter’ subiendo a Instagram un montaje de Michael vistiendo una sudadera de OVO, el sello de Drake.

Cabe mencionar, como recuerda Stereogum, que el último single de Drake que resistió en el número 1 durante varias semanas fue ‘In My Feelings’, de 2018. Sus números 1 recientes, como ‘Way 2 Sexy’ o ‘Slime You Out’ con SZA, han alcanzado la cima, pero han caído en su segunda semana.

Por otro lado, ‘For All the Dogs’ es número 1 de álbumes en Estados Unidos… y también en Reino Unido, algo que Drake no logró con su trabajo anterior, ‘Honestly, Nevermind‘ (2022). En España, ‘For All the Dogs’ ha debutado en el número 15.

Así quedan los 13 singles número 1 de Drake en el Billboard:
‘What’s My Name’ de Rihanna, con Drake (2010)
‘Work’ de Rihanna, con Drake (2016)
‘One Dance’ (2016)
‘God’s Plan’ (2018)
‘Nice for What’ (2018)
‘In My Feelings’ (2018)
‘Toosie Slide’ (2020)
‘What’s Next’ (2021)
‘Way 2 Sexy’ (2021)
‘Wait for U’ de Future, con Drake & Tems (2022)
‘Jimmy Cooks’ (2022)
‘Slime You Out’ con SZA (2023)
‘First Person Shooter’ con J. Cole (2023)

Björk habla de ‘Oral’, su canción con Rosalía

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Björk ha dado más detalles de su anunciado dueto con Rosalía. Hasta ahora se sabía que la canción es benéfica y que Björk la publicará «en octubre» en protesta contra la práctica de la cría de peces industrial en Islandia. Con el dinero recaudado, Guđmundsdóttir desea ayudar a los manifestantes del fiordo Seyðisfjörður a cubrir sus costes legales.

En una entrevista con The Guardian, Björk ha revelado que la canción se titula ‘Oral’ y que no es nueva, sino que la ha rescatado de una maqueta que grabó «hace 20 años», cuando tenía «30 y pico años». Björk da a entender que la descartó primero de ‘Homogenic‘ (1997) y después de ‘Vespertine‘ (2001) porque era «demasiado pop» y ella «no es una artista pop».

En concreto, el sonido de ‘Oral’ estaría inspirado en el dancehall de Jamaica, pero Björk dice que la canción suena a su vez «azucarada» y que es «la más pop que he hecho nunca». Ha ayudado a Björk en la producción de ‘Oral’ Sega Bodega.

Cuenta Björk que, cuando descubrió la maqueta, la cual había olvidado, el beat le sonó «extraño » y «primitivo» pero inspirado en ese sonido, el cual le llevó directamente al reggaetón y por tanto a Rosalía. «El dancehall es la madrina del reggaetón. Cuando la escuché pensé que Rosalía había metido mucho reggaetón en su último disco. Creo que ella estaba emocionada por la canción porque quiere hacer algo por el medio ambiente».

Björk matiza que ‘Oral’ «no es una protesta» y que «no es una canción de activista», sino una «canción de amor». Dice que «va de amor, no de peces, aunque seguramente podrías escribir una buena canción de punk sobre ese tema», refiriéndose a la práctica de la piscicultura.

¿Es ‘El Exorcista: Creyente’ la peor entrega de toda la saga?

‘El Exorcista’ no necesita carta de presentación, pero quizás su saga sí. Si la original está considerada por muchos como la mejor película de terror de la historia, su secuela, ‘Exorcista II: El Hereje’, puede “presumir” de estar considerada como la peor secuela de la historia, y una de las peores películas de la historia en general. La saga es irregular incluso en su consideración como saga: ‘The Ninth Configuration’ no fue una secuela oficial pese a estar dirigida por el propio autor de la novela William Peter Blatty. ‘El Exorcista III’, también de Blatty, es una obra maestra del terror que recomiendo siempre que puedo (espero parecerme a Dahmer solo en eso), pero que de secuela de ‘El Exorcista’ tiene poco.

Y de ahí se pasó directamente al circo de las precuelas a principios de siglo. Cancelaron la de Paul Schrader pero, tras el fracaso de la de Renny Harlin, se animaron a estrenarla a ver si funcionaba mejor (no ocurrió) y, una década después, llegó una digna serie de televisión que no terminó de enganchar al público. A todo este caos solo le faltaba un reboot, y ‘El Exorcista: Creyente’, que se estrena 50 años después de la original, es un poco eso. Pero mal.

David Gordon Green ha sido el encargado de poner en marcha un ambicioso proyecto: 400 millones de dólares es lo que le costó a Universal comprar los derechos de la saga. Y no estaban dispuestos a gastar mucho más, así que el proyecto fue a Blumhouse (acostumbrados a hacer malabares con el presupuesto) y se planteó hacer un reboot no en sentido narrativo pero sí comercial: ‘Creyente’ es una secuela directa de la primera película, ignorando el resto, y a su vez es la primera de una nueva trilogía ya confirmada. Hay que amortizar. Gordon Green, que viene de revitalizar comercialmente la saga ‘Halloween’ (y enfadar a sus fans), ha vuelto a recurrir a la vuelta de un personaje mítico para llamar la atención sobre la saga, consiguiendo que Ellen Burstyn (Chris MacNeil, la sufrida madre de Regan) aparezca por primera vez en una secuela de ‘El Exorcista’.

Pero Burstyn, de las pocas actrices nominadas al Oscar por una película de terror, está totalmente desaprovechada aquí; un cameo como guiño habría sido más digno. Porque, al contrario que Jamie Lee Curtis en las nuevas ‘Halloween’, a Chris MacNeil no se le da un papel central ni sirve como puente entre generaciones, sino como una especie de fanservice mal manejado. Puede merecer la pena por el enfrentamiento con la niña y cierto reencuentro final, pero en general su paso por la película está metido con calzador. Porque la historia de la película realmente es otra… que tampoco funciona. Básicamente tenemos a un padre, preocupado por el repentino cambio de comportamiento de su hija tras perderse en el bosque con una amiga, que decide buscar la ayuda de Chris MacNeil, reconvertida aquí en una “experta en exorcismos” como si la saga quisiera su propia Laurie Strode. Una idea arriesgada que podría funcionar si se siguiese adelante con ella pero que, cómo no, se abandona.

Está claro que intentar un reboot de ‘El Exorcista’ es una tarea de lo más difícil, como intentar hacer una historia a la altura. Pero, si sabes que copiar lo original no es buena idea, puedes apostar por un enfoque distinto y estimulante, que consiga aterrorizar aunque sea por otras razones. Y no. Gordon Green parece confiar más en ideas sueltas (“vamos a meter el terremoto de Haití para que el protagonista pierda la fe”, “vamos a meter una mujer exorcista”, “vamos a meter un doble exorcismo”, “vamos a meter diversidad”) que en armarlas y construir algo que tenga entidad propia.

Los personajes, incluidos los interpretados por Leslie Odom Jr. (‘Hamilton’) y la en otros momentos terrorífica Ann Dowd (‘The Leftovers’, ‘Hereditary’), tienen la profundidad de un charco y el carisma de un anuncio de Vitaldent (en la “entrada épica” hacia el final de uno de los personajes nuevos la reacción de la sala fue más un “será verdad, po dame fuego”), y, sí, lo que podíais pensar: la película NO da miedo. Por momentos, da hasta risa.

Por tanto, sí, para mí ‘El Exorcista: Creyente’ es la peor entrega de la saga, y no da buenos presagios para la trilogía, aunque se estén rumoreando cambios. La muy fallida ‘Exorcista II: El Hereje’ puede ser una fumada, pero una fumada con entidad propia (hay quienes la consideran incluso una película de culto). Lo que le ocurre a ‘Creyente’ es peor: no es que sea demasiado mala, es que es demasiado olvidable. No tiene una sola escena que perdure o de verdadero terror (incluso la de la iglesia se queda a medias), resulta intrascendente, vergonzosa cuando intenta ponerse elevada (ese discurso final) y, por momentos, hasta aburrida. “Mi película insignia está a punto de ser ampliada por el hombre que hizo ‘Superfumados’. No quiero estar presente cuando eso suceda, pero, si hay un mundo espiritual, planeo poseer a David Gordon Green y hacer de su vida un infierno” dijo William Friedkin, tristemente fallecido este año. Podemos comprenderle.

Zigarros, Xoel, Drake, Mujeres, Sufjan… en Discos España

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Guste o no la coreografía de su nueva gira, lo cierto es que a Aitana no le está yendo nada mal con ‘Alpha’. El disco regresa al número 1 en su tercera semana en la lista de Álbumes España y acumula ya dos semanas en la posición más alta. Le sigue de cerca Feid, que con ‘MOR, No Le Temas A La Oscuridad’ vuelve a escalar otro puesto y ya es número 2 tras su debut en la tercera posición.

En cuanto a la entrada más alta de la semana, Los Zigarros llevan su nuevo álbum ‘Acantilados’ hasta el 7º lugar. Además, son número 1 en vinilos. También en el top 10 encontramos ‘Caldo espírito’, el nuevo disco de Xoel López, que es puesto 8 en nuestro país.

Directos al top 20 encontramos otros discos nacionales e internacionales: ‘Palosanto’ de Nia es número 13; ‘El arte de perder’ de Veintiuno, número 14; ‘For All the Dogs’ de Drake, top 15; ‘DPAQDP’ de Cano, número 17; ‘Desde flores y entrañas’ de Mujeres, número 18; y ’This Dark Side of the Moon Redux’ de Roger Waters, número 20.

Este es el mejor resultado para Veintiuno, que habían sido puesto 84 con ‘Gourmet’ y puesto 39 con ‘Corazonada’. Y también para Mujeres, que por primera vez llegan al top 100. No así para Drake, que fue top 5 en España con ‘Certified Lover Boy’ y top 6 con ‘Honestly, Nevermind’. La popularidad de Drake parece decreciente, al menos a este lado del Atlántico.

Sufjan Stevens ha llegado al puesto 36 de nuestro país con ‘Javelin’ pese a algunos problemas de distribución, pero el que fuera nuestro Disco de la Semana estos días ha logrado llegar hasta el número 8 en vinilos. Se mejora el dato en España de ‘The Ascension’, que fue puesto 96, pero no el de ‘Carrie & Lowell’, que fue número 30. En Estados Unidos el nuevo ‘Javelin’ es justo puesto 30, y ha llegado al puesto 7 en Reino Unido, donde ha logrado el 2º top 10 para Sufjan Stevens tras ‘Carrie & Lowell’.

El resto de las entradas en España son ‘Poquito a poquito’ de Marta Santos (puesto 39), ‘Perro Deseo’ de Travis Bids (puesto 55), ‘The 5th Album Fact Check’ de NCT 127 (puesto 57) y ‘Señales’ de Rosa López (puesto 69).

Bizarrap y Milo J no pueden con Iñigo Quintero en Singles España

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Iñigo Quintero repite por segunda semana consecutiva en el número 1 de Singles España. Su canción ‘Si No Estás’ ha logrado traspasar todas las fronteras y ya es todo un éxito global. El tema, que se publicó en septiembre del año pasado, se viralizó hace unas semanas en redes sociales y parece que todavía no ha tocado techo.

Es precisamente el fenómeno de Iñigo Quintero el que impide al argentino Bizarrap conseguir otro número 1 en nuestro país. Su nueva canción junto a Milo J debutó en la posición 53 con apenas solo unos días de seguimiento, pero asciende hasta el segundo puesto tras su primera semana de seguimiento completa. Los otros temas de los cantantes, ‘Fruto’, ‘Toy En El Mic’, ‘No Soy Eterno’, ‘Penas de Antaño’, entran en el 22, 40, 46 y 63 respectivamente.

El nuevo single de Quevedo con Soge Culebra y Garabatto, ‘No pienso llamar’, se convierte en la entrada más alta de la semana con su debut en la posición 13. La colaboración combina sonidos electrónicos con el reggaeton que caracteriza a los artistas.

Por otro lado, Morad, Dellafuente y Beny JR también consiguen destacar un puesto abajo con ‘No estuviste en lo malo’, el remix de una de las canciones más exitosas del último disco de Morad, ‘Reinsertado’, publicado antes de verano.

Drake vuelve a aparecer en la lista gracias a su tema con Bad Bunny, ‘Gently’. Pertenece al recién publicado disco del rapero, ‘For All The Dogs’, y se volvió viral por los versos que Drake se animó a cantar en español. Entra directa al puesto 43.

Feid también protagoniza una nueva entrada gracias a su canción ‘Ferxxo 30’, que debuta en la posición 45 impulsada por el lanzamiento del álbum ‘MOR, No Le Temas A La Oscuridad’.

Melendi continúa celebrando su trayectoria musical y saca otro de sus temas estrella en compañía de otro artista. En esta ocasión, su ‘Hablando en Plata’ junto a Hens entra en el puesto 82, un buen debut que supone la continuación de su colaboración con Manuel Carrasco en ‘Con La Luna Llena’.

Finalizando la lista, encontramos las entradas de Soolking y Gazo con ‘Casanova’ en el 93, ‘Diluvio’ de Rauw Alejandro en el 95 y el tema inglés ‘Greedy’ de Tate McRae en el 97.









Por qué Ariana Grande no puede hablar de su nuevo álbum

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Ya van tres años desde que Ariana Grande publicase ‘positions’, su sexto trabajo discográfico. Desde entonces, la artista no había dado detalles sobre el estado de su próximo álbum. Hasta ahora. Ariana Grande ha dicho a un fan que todavía no ha hecho su disco, aclarando que su regreso musical no está cerca.

La confesión tuvo lugar anoche, cuando la artista se encontró en la calle a algunos de sus fans. Estos le preguntaron sobre el título de su próximo álbum y ella sorprendió con su rotunda respuesta: «Déjame hacerlo primero».

Con esa declaración, Ariana Grande deja claro que su séptimo disco no es su máxima prioridad en estos momentos, lo que ampliará considerablemente la espera para poder escucharlo. Esto contrasta con su anterior periodo de lanzamiento, cuando sacó hasta tres álbumes en tres años consecutivos: ‘Sweetener’ (2018), ‘thank u, next’ (2019) y ‘positions’ (2020).

El último movimiento musical de la artista fue el pasado 25 de agosto, cuando lanzó una nueva edición de su disco debut ‘Yours Truly’ en conmemoración de su décimo aniversario.


Bad Bunny / nadie sabe lo que va a pasar mañana

Bad Bunny no es feliz. Solo cuando se pone a ver fotos viejas. Hace tiempo que no ve a su terapista. Se siente solo a veces, no tiene a nadie al lado. La industria le aburre y piensa retirarse a los 33. Se siente solo -insiste-, incluso en un estadio con 100.000 personas. Estas son algunas de las muchas confesiones que escuchamos en su nuevo disco, un nuevo compendio de hasta 22 canciones y más de una hora de duración, un nuevo testimonio de hasta qué punto le gustan las cosas bien grandes. Anden, o no anden.

El caballo que ganó un millón de dólares en Puerto Rico (‘Vuelve Candy B’), dos jugadores de lucha libre del mismo lugar (‘Thunder y Lightning’) y los corredores de Fórmula 1 (‘MÓNACO’) son a quienes Benito se equipara en este momento de enorme éxito profesional. Varias veces en este proyecto menciona a Michael Jackson, se ve en la liga de Rihanna y Madonna, a la que samplea en ‘VOU 787’, va por ahí con un equipo de seguridad como el de Joe Biden. ‘Un verano sin ti‘, en español y todo, lideró el Billboard 200 durante semanas y semanas tras su edición el año pasado. Ha sido su pelotazo definitivo, el que le acerca a ser lo que en el mundo anglosajón se llama «billonario», y que le permite un nuevo juego de palabras en ‘NO ME QUIERO CASAR’: «Ya mismo me hago bi, sin dejar de ser hetero». Pero no, todo ese dinero no le ha dado la paz, como se encarga de narrar durante los 6 minutos que dura el primer corte de este proyecto, ‘NADIE SABE’.

Estamos en ese momento ante un Bad Bunny más espiritual, algo perceptible en el tono de la canción, en los arreglos de cuerda, o en el final coral inspirado aparentemente en el Kanye West más religioso. La letra, como todo el disco, es un armatoste de contradicciones. Por un lado, farda de ser «la estrella más grande en el mundo entero». En la frase siguiente dice que no le importa. Si te preguntas por qué entonces se pasa el resto del disco recordando sus logros estadísticos, esto es solo el principio. En un momento dice que no es reggaetonero ni trapero, pero luego aparece casi todo el álbum a un beat de trap pegado. En otro parece aceptar que «siempre alguien te va a amar y siempre alguien te va a odiar», pero luego no deja de cargar contra sus «haters», muy especialmente contra los podcasters que le han criticado. Un tema que aparece hasta en 3 de estas composiciones, como si importara muchísimo lo que en un podcast se dijera de Bad Bunny.

Estas contradicciones son habituales entre los raperos, siempre divididos entre la fanfarronería y la falta de autoestima. A cada frase de autoafirmación sucede una que es vulnerabilidad pura y dura. Bad Bunny no nos está contando nada que no nos hayan contado antes otras superestrellas: que la fama y el dinero no dan la felicidad. El foco está más bien, pues, en cómo nos lo cuenta. Y hay cosas positivas y menos positivas en este ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’.

Entre las positivas, Bad Bunny ha dejado al mundo helado al reivindicar la figura de Charles Aznavour en su nuevo single ‘MÓNACO’. El artista francés de origen armenio tuvo su discografía en inglés o incluso en español, pero digamos que no es la referencia más obvia. Benito sorprende con un sample de ‘Hier encore’, un tema de 1964, en el que Aznavour precisamente lamentaba haber desperdiciado su juventud haciendo el tonto. Tiene todo el sentido porque Bad Bunny se pasa todo este disco haciendo el tonto. Hablando de chingar sin parar, quizá como refugio para su propia depresión. Muy a menudo, recordando al protagonista de ‘Shame’.

Entre las negativas, la producción de compañeros como MAG, ARGEL o La Paciencia no deja tantos momentos imaginativos como ‘MÓNACO’. Si los discos de Bad Bunny se han ido significando por su ruptura de barreras entre géneros, por canciones que cambiaban de registro de manera tan icónica como ‘Safaera’, este «nadie sabe…» tiende a caer en los arquetipos más básicos del trap, sin las decoraciones de bossa nova, salsa o merengue de otras ocasiones. En ese sentido, suena como un proyecto algo más oscuro.

Pese a la decepción que supone esta nueva era algo exenta de lustre, color, sorpresa, ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ vuelve a despuntar por encima de la media gracias al excelente flow de Bad Bunny y a su talento para rapear, a su capacidad para engorilarte (esa mención de Messi y Maradona), entristecerte (‘NADIE SABE’ se acerca a ser su ‘René’ particular), o simplemente hacerte llorar de risa, como cuando compara su «bicho» recién rasurado con la cabeza de Caillou.

Esto sucede en ‘FINA’, una de esas colaboraciones -en este caso con Young Miko- que Bad Bunny se merienda; como poco después ‘HIBIKI’ con Mora, que agradece un beat más abiertamente techno. Y es que aunque sean minoría en el álbum, hay una serie de canciones diferentes que animan la secuencia, por mucho que el público esté corriendo a devorar casi que el único tema de reggaeton de todo el álbum, la pista 19, ‘PERRO NEGRO’ junto al colombiano Feid. Y yo pensando que el reggaeton se estaba pasando de moda

Esas canciones que no tendrán tantos plays como ‘PERRO NEGRO’, pero le dan al álbum un toque de color son ‘CYBERTRUCK’, con su ritmo acelerado de dance noventero, en sintonía con el single de club rap ‘WHERE SHE GOES‘; el divertidísimo R&B de ‘LOS PITS’; ‘NO ME QUIERO CASAR’, como tocada por los sintetizadores de alguna banda de electrónica europea, acaso Kraftwerk, acaso Chemical Brothers; o la oscuridad de ‘BATICANO’. Un tema este en el que recuerda que él no ha inventado ni la marihuana ni el sexo, en una letra tan pasadísima de rosca como para concluir «Le doy por donde hace pipí y por donde hace popó». Desde que Bad Bunny hizo un vídeo sobre la violencia de género y llevó la causa trans a Saturday Night Live, le perdono casi cualquier cosa, pero ojo porque en este disco ya se atreve hasta a lanzar un beef a la empoderada Shakira: «Ahora los hombres lloran, sí, pero sin parar de facturar».

En su búsqueda de sí mismo, Bad Bunny a veces transita por territorios complicados. Lo que más parece reconfortarle es hablar de Puerto Rico, volver a su adolescencia, a su barrio, a la música que descubrió de pequeño. A falta de ver qué escriben en Estados Unidos sobre la referencia a ‘Amante Bandido’ de Miguel Bosé, ‘NO ME QUIERO CASAR’ incluye también un sample de ‘Hey Girl’ de Frankie Boy, de la mixtape ‘Playero 40’, fundamental en la historia del reggaeton; se nota que le reconforta el regreso a la calle, con Arcángel, De la Guetto y Ñengo Flow en ‘ACHO PR’.

Muy beneficiado por publicarse una semana después del disco nuevo de Drake, frente al cual suena de lo más entretenido, adictivo, a veces delirante, a veces profundo, ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ va a dejar unos nuevos cuantos hits para Bad Bunny. Si fuera un disco de Michael Jackson, sería ‘Dangerous’. Puede que empiece a repetirse y su luz a apagarse, sí, pero es que cuando mola, sigue siendo el puto amo.

La película The Eras Tour de Taylor Swift arrasa en taquilla

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Se cumplen las predicciones: Taylor Swift reina indiscutiblemente en las salas de cine este fin de semana. Estrenada el 13 de octubre en todo el mundo, la película del The Eras Tour muestra las tres horas de concierto que la artista ofreció en Los Ángeles el pasado mes de agosto. Su éxito ha sido tal que solo le han bastado unos días para convertirse en la más taquillera de la historia en su género.

En realidad, solo ha tenido que esperar a su primer fin de semana para oficializar el récord, pues la película recaudó más de 100 millones de dólares con tan solo la preventa. La cifra total tras su estreno ha ascendido hasta los 130 millones, rozando los 100 en América del Norte.

De esta forma, The Eras Tour destrona la película de Never Say Never de Justin Bieber, que consiguió recaudar 41 millones de dólares en Norteamérica durante su estreno en 2011. Justin Bieber terminó su paso por las salas con una recaudación total de 138 millones de dólares mundialmente, que Taylor Swift supera con solo su primera semana en cines.

La artista también ha logrado dominar en la taquilla española, siendo número 1 este fin de semana en nuestro país y recuadando más de un millón de euros. Taylor Swift ha logrado llenar las salas de espectadores que bailaban y cantaban como si del propio concierto se tratase.


8 nombres imperdibles de MIRA 2023

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El festival MIRA de Barcelona, dedicado a las artes digitales, celebra su próxima edición los días 10 y 11 de noviembre en Fira Montjuïc. Las entradas (abonos y entradas individuales) siguen disponibles aquí. En su programación, MIRA vuelve a apostar por una variedad de músicas avanzadas que será un privilegio disfrutar en España. En este artículo repasamos ocho de los nombres clave de la programación.

Evian Christ
El beatmaker británico que se diera a conocer después de aparecer en ‘Yeezus’ de Kanye West, y que a continuación colaboraría con Travis Scott o Tinashe, ha sorprendido hace escasas semanas anunciado su disco de debut, 10 años después. ‘Revanchist’ sale el 20 de octubre apostando por los ritmos de club deconstruido que han guiado su carrera hasta ahora.

Tirzah
Una de las artistas de culto del momento, Tirzah acaba de publicar probablemente su mejor disco. Colaboradora habitual de Mica Levi, el sonido de Tirzah habita un punto medio entre el soul y el pop experimental, pero realmente es tan inclasificable como lo eran sus discos previos ‘Colourgrade’ (2021) y ‘Devotion’ (2018). Su gran éxito, ‘Make it Up’, previo a ambos, es una pequeña obra maestra del “house de habitación”.

Johnny Jewel
No necesita ninguna presentación el alma máter de Chromatics, banda ya tristemente extinta. En solitario, Johnny Jewel ha publicado casi una decena de álbumes, y sumando sus otros proyectos igualmente venerados, Glass Candy y Desire, está claro que ha regalado una gran cantidad de música al mundo. En MIRA presentará su nuevo directo. Su nuevo single, ‘The Witch’, escrito para la película ‘Holly’, está disponible desde hace unas semanas.

Special Interest
Uno de los grupos revelación favoritos de la crítica anglosajona, Special Interest está dando mucho de qué hablar gracias a su disco ‘Endure’ (2022). Con su mezcla de pop, punk, house, disco y glam, el cuarteto se está marcando unos pepinazos considerables, como ‘Herman’s House’, y lo mejor de todo es que sus directos tienen la reputación de ser realmente arrolladores.

James Holden
Antes de Evian Christ, antes de Mura Masa, antes de Koreless… estuvo James Holden. Él, que también empezó a producir música muy joven, con 19 años, es pleno responsable de mucha de la música electrónica más innovadora de las últimas dos décadas. En MIRA presentará su último disco, ‘Imagine This Is A High Dimensional Space Of All Possibilities’, un “collage de música rave para un universo paralelo”, que ha salido este año.

Mura Masa
Entre las grandes estrellas que pisarán MIRA en otoño se encuentra Mura Masa. El autor de ‘demon time’, un último disco lleno de beats coloridos y efervescentes que proponen una nueva visión del hyperpop, ya es un grande de la industria después de haber producido el macrohit ‘Boy’s a liar’ de PinkPantheress y de haber recibido una nominación a los Grammy, entre otros hitos. Últimamente ha colaborado con el madrileño Ralphie Choo en ‘Máquina culona’, y ha lanzado un par de singles sueltos.

Overmono
Los otros Tom y Ed de la electrónica que no son Chemical Brothers, pero que se llaman exactamente igual, conforman una de las grandes revelaciones que ha dejado la electrónica en el último año. Overmono , un dúo compuesto por dos hermanos- saben producir, saben samplear, son adictos a los breakbeats y lo mejor es que saben escribir hits tan incontestables como ‘So U Know’. Su disco ‘Good Lies’ no tiene desperdicio.

Hudson Mohawke bsb Nikki Nair
La electrónica maximalista de Hudson Mohawke ha convertido al escocés en una superestrella del género. Otrora colaborador de Kanye West, Mohawke ha firmado uno de los macrovirales más locos de los últimos años, gracias al tema ‘Cbat’. Su disco ‘Cry Sugar‘ (2022) ha sido otro gran golpe sobre la mesa. En MIRA, Mohawke pinchará un b2b con Nikki Nair: juntos han publicado el EP ‘Set the Roof’.

Bad Bunny lleva la crisis existencial de Aznavour al top 1 mundial

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En 1964 Charles Aznavour publicó la que sería una de sus canciones más memorables. ‘Hier encore’ era una tristísima mirada al pasado, en la que el artista recordaba los tiempos en que tenía 20 años, y reconocía haber «desperdiciado su vida y sus años de juventud». Para entonces, tenía 40 años.

‘Hier encore’ no podía ser más francesa en el modo en que se revolcaba en la pasión, en este caso en el dolor. Todo en ella era una profunda desgracia, entre los «muchos proyectos que han quedado en el aire», los «amigos que se han ido y no volverán» y los «amores que se han muerto antes siquiera de existir». Bad Bunny, que publicó su primer disco en 2018, justo el año en que moría Aznavour, revisita este clásico de la chanson en uno de los temas de su nuevo álbum. Concretamente en el single ‘MÓNACO’, nuestra Canción del Día hoy.

‘MÓNACO’, en verdad, luce como pura chulería. Bad Bunny no para de presumir de sus logros y retar a sus detractores, que ahora «ya no son raperos», sino «podcasteros». En este tema le mete a «todas las arpías», recordando que el está «primero» en el top 100 y que él se mueve por los lugares de más alto copete. «Ustedes hablando mierda y yo y los míos por Mónaco», afirma, además de decir a su enemigo número 1 que «no le conocen ni en su barrio». Los futbolistas Messi y Maradona, pilotos de Fórmula 1 o John Lennon son algunos de los nombres que utiliza engrandecerse a sí mismo. También ‘El Padrino’, lo que ha llevado al cameo de Al Pacino en un videoclip lleno de lujos.

Sin embargo, a su vez es como si Bad Bunny no se creyera del todo nada de esto, o quisiera darle la importancia justa. Situada en el contexto del disco y con semejante sample, el cantante nos está diciendo que en verdad no le importa ser el número 1. Hay que subrayar que ‘MÓNACO’ aparece en el álbum después de la confesional ‘NADIE SABE’, en la que Benito reflexiona sobre su lugar en el mundo, la fama y las cosas que realmente le preocupan. En este otro tema, cada vez que aparece el sample de ‘Hier encore’ es como si su propia conciencia le estuviera diciendo: «ojo con obsesionarte con la fama, porque estás echando toda tu juventud a perder». Por algo, en otro momento del álbum, el artista asegura que se retirará a los 33 años.

Seleccionada como «focus track» el día de lanzamiento de ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’, ‘MÓNACO’ ha sido aceptada en Today’s Top Hits, y por tanto es un evidente número 1 mundial en el Global de Spotify. El viernes superó los 12 millones de reproducciones, y 2 días después permanece en la cima. El tema ha sido especialmente exitoso en México y España, donde es número 1 en Spotify, y también en Estados Unidos, donde también llegó a la cima, y ahora se mantiene en el puesto 2 de dicha plataforma. Curiosamente, Francia no está a la cabeza de los países que más la están apoyando, pues recordemos que al fin y al cabo el tema está en castelllano. El tema entraba al puesto 54 del país galo, y ya ha bajado al puesto 138. Aun así, una inesperada manera de poner al genio francés en el mapa mundial.

Christine and the Queens cancela su gira por enfermedad

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Christine and the Queens ha cancelado lo que queda de la gira de presentación de su último disco, el triple ‘Paranoïa, Angels, True Love‘, que encontraremos en nuestras listas con lo mejor de 2023.

En un escueto comunicado, se informa de que el artista no podrá seguir adelante por problemas de salud. El tour, que en España pudo verse tanto en Barcelona como en Madrid de mano de Primavera Sound, tenía que retomarse este mismo fin de semana en Montreal y terminaba en París en el que se suponía el gran fin de gira a finales de noviembre.

El comunicado indica: «Red (aka Christine and the Queens) ha enfermado hoy y, por prescripción médica, se ha visto obligado a tomar la difícil decisión de cancelar el resto de conciertos de 2023. La gira iba a reiniciarse esta noche en Montreal y acabaría en París a finales de noviembre. Las devoluciones están disponibles en los puntos de compra».

Según el tour que aún aparece en su página web oficial, las fechas canceladas son unas 8 en Estados Unidos y Canadá en octubre, y 7 en Europa en noviembre. Este tramo no pasaba por España.

La pasada primavera podíamos entrevistar a Christine and the Queens y el artista nos hablaba de lo dura que era esta etapa en que hablaba de su relación con sus padres, la transexualidad o la depresión: «El disco me tiene jodido porque toda mi verdad está en él. Ojalá no tuviera que revivir ciertas cosas… (…) La gente no tiene ni idea de lo valiente que tengo que ser todo el rato. Todo el rato tengo que estar con los puños en alto. Espero un día mi música se reciba por lo que es y tener menos por lo que luchar. Lo demás está todo dicho».

Wes Anderson, Almodóvar, Guadagnino… Los mediometrajes ganan nueva vida en plataformas

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Desde que se consolidó el actual modelo de exhibición en la industria del cine, el mediometraje de ficción se convirtió en el patito feo de los formatos cinematográficos. Demasiado largo para ponerlo antes de un largometraje y demasiado corto para exhibirlo solo. O se estrenaba junto a otros tres, como “película de episodios”, o quedaba relegado a los festivales de cine. Si eran documentales, lo tenían algo más fácil, ya que solían programarse en televisión (en programas tipo ‘La noche temática’ o ‘Documentos TV’).

Ante estos condicionantes, el equivalente cinematográfico de la novela corta se convirtió en cosa de “excéntricos”, “experimentales” o primerizos (es el caso del sueco David Sandberg y su divertidísimo homenaje ochentero ‘Kung Fury’). Pocos cineastas consagrados se atrevían a filmar una película de 30 o 40 minutos que no iba a poder ver casi nadie. Solo autores “muy autores” como Tsai Ming-liang (‘Journey to the West’), Apichatpong Weerasethakul (‘Mekong Hotel’) o Bertrand Mandico (‘Ultra pulpe’) eran capaces de ajustar la duración de su película a la historia que querían contar, y no al revés.

Hubo excepciones, claro. Casi todas relacionadas con la música. Spike Jonze realizó junto a Arcade Fire y Greig Fraser (el premiadísimo director de fotografía de ‘Dune’ o ‘La noche más oscura’) ‘Scenes from the Suburbs’ (2011), un melancólico “coming of age” con conflicto armado de fondo. El propio Jonze dirigió, bajo el patrocinio de Absolut Vodka, ‘I’m Here’ (2010), una tierna historia de amor entre robots con canciones de Sleigh Bells que se puede ver como un borrador de su extraordinaria ‘Her’ (2013). Y, más recientemente, Mike Mills (‘Beginners’, ‘Mujeres del siglo XX’) realizó junto a The National la emotiva ‘I Am Easy To Find’ (2019), una especie de ‘Boyhood’ femenino con una estelar Alicia Vikander.

Pero en los últimos años esos rígidos corsés comerciales parece que se están deshilachando. En 2019, dos grandes nombres del cine europeo sorprendían con el estreno de dos mediometrajes: Luca Guadagnino con la irregular ‘The Staggering Girl’ (MUBI), un drama de narrativa dislocada a mayor gloria de Julianne Moore, y Gaspar Noé con la sugestiva ‘Lux Æterna’ (Filmin), un aquelarre metafílmico con un uso de las herramientas formales (encuadres, pantallas partidas, luz estroboscópica) enormemente estimulante. Las dos películas tenían dos poderosas firmas de moda detrás: Valentino y Saint Laurent.

A partir de ahí, los estrenos de mediometrajes se han ido sucediendo. Almodóvar ha estrenado sin problemas en todo el mundo, tanto en cines como en plataformas, ‘La voz humana’ (2020) y -también con Saint Laurent en la producción- ‘Extraña forma de vida’ (2023) (las dos disponibles en Movistar+). Y dos gigantes como Disney y Netflix han decido apostar por este formato. El primero presentó el año pasado dos mediometrajes: la encantadora ‘Le pupille’ (2022), un precioso cuento de Navidad producido por Alfonso Cuarón y rodado (en 16mm) por la gran Alice Rohrwacher (‘Lazzaro feliz’, ‘El país de las maravillas’), y ‘La maldición del Hombre Lobo’ (2022), rara avis de Marvel dirigida por el galardonado músico de Pixar Michael Giacchino, que funciona mejor desde un punto de vista estético que dramático.

Netflix, por su parte, acaba de estrenar lo último de Wes Anderson, una nueva adaptación de Roald Dahl tras la estupenda ‘Fantastic Mr. Fox’. ‘La maravillosa historia de Henry Sugar’ (2023) hace honor a su título: 40 maravillosos minutos de filigrana estilística, con un deslumbrante juego de decorados y movimientos de cámara, que ilustran una narración del cuento de Dahl casi literal, ya que los actores (estupendos Ralph Fiennes, Benedict Cumberbatch, Dev Patel, Ben Kingsley…) no solo interpretan a sus personajes sino que recitan las palabras de Dahl dirigiéndose al público. Un experimento que, por su repercusión y buen recibimiento, promete marcar un punto y aparte en la exhibición de este formato.

Hannah Diamond / Perfect Picture

La línea que separa realidad de ficción ha sido uno de los temas recurrentes en el trabajo de PC Music. En este sentido era representativo el single ‘Hey QT’, que, producido por A.G. Cook y SOPHIE, daba a conocer a una pop star imaginaria, QT, que promocionaba una bebida energética también inventada.

Entre las artífices de aquella icónica portada se encuentra Hannah Diamond, diseñadora visual, cantante y productora que también se cuenta entre las figuras emblemáticas del sello británico. En su segundo disco, ‘Perfect Picture’, Diamond vuelve a confundir realidad y ficción, por ejemplo, enamorándose de una fotografía en el monísimo tema titular, de producción más naíf imposible; o imaginando en ‘Lis Sync’ que es pop star, desde su habitación.

Es la misma habitación que aparece retratada en la portada de ‘Poster Girl’, la que llamaba la atención de Zara Larsson por el parecido con la cubierta de su último disco. En ‘Perfect Picture’, Diamond ha querido rendir homenaje a esa adolescente soñadora que se empapaba de cultura pop, y que terminó influyendo a toda una generación de artistas de hyperpop gracias a su trabajo visual.

El tema ‘Poster Girl’ sublima el concepto de ‘Perfect Picture’ con una excitante mezcla de bubblegum-pop e hyperpop que suena de lujo. Es gran responsable del magnífico sonido de ‘Perfect Picture’ nada menos que David Gamson, quien, además de tocar en la mítica banda de los 80 Scritti Politti, ha trabajado con superestrellas como Kesha, Kelly Clarkson o Jessie J, entre otras. Precisamente, ‘Want You to Know’ se basa en una antigua maqueta de Kesha y la autora de ‘Tik Tok’ aparece debidamente citada en los créditos del disco.

‘Want You to Know’ es uno de varios midtempos ochenteros incluidos en ‘Poster Girl’, pero además es el mejor de todos. Aquí, y en oros cortes, se nota que Gamson es el productor principal de ‘Perfect Picture’ y a él es fácil atribuir la deuda del álbum con el sonido de los años 80, el de esas baterías que parecían querer abrir mares (‘Perfect Picture’) o el de esos sintetizadores de estilo new wave (‘Lip Sync’) que animan todo el largo. Sin embargo, la sensibilidad futurista de Diamond lo sigue dominando todo, como esa voz permamentemente autotuneada que rara vez suena humana, pero que nunca deja de transmitir una gran vulnerabilidad.

Antiguos colaboradores como A.G. Cook o EASYFUN aparecen por ‘Perfect Picture’ de manera muy puntual, y el disco es claramente el trabajo de dos mentes que se entienden a la perfección. ‘Affirmations’, otro de los singles, es una joya de synth-pop cuya producción vocal es un espectáculo que ni el Circo del Sol; ‘No FX’ es otro buen homenaje a los 80 más grandilocuentes y ‘Staring at the Ceiling’, en realidad el primer single del disco, publicado hace un año, coquetea con el future bass mientras la voz de Diamond se fragmenta en una lluvia de píxeles y efectos de glitch. De nuevo, realidad y ficción se confunden.

Igualmente notorio es que Diamond ha crecido como compositora. Su debut, ‘Reflections’ (2019), era estupendo, pero proporcionalmente las canciones de ‘Perfect Picture’ son mejores. Es verdad que las últimas pistas de la secuencia, como ‘Twisted’, pecan de estirar las mismas ideas demasiado, pero en general todas mantienen un muy buen nivel. Entendido como homenaje al pop kitsch que ella siempre ha reivindicado, ‘Perfect Picture’ es una agradecida escucha, un estupendo disco de pop que funciona más allá del homenaje. Será uno de los lanzamientos finales de PC Music.

Gratuito y radioactivo: Erik Urano triunfa en Barcelona

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No es habitual que un artista convierta en gratuito un concierto después de una mala preventa, en lugar de cancelarlo, ni tampoco que esta idea se lleve a cabo con la colaboración de la sala donde el concierto va a tener lugar, pero Erik Urano tampoco es el típico artista. Dentro del universo de la música urbana española, Erik Martín siempre se ha desmarcado con una propuesta diferente.

El rapero de Valladolid, que lleva 10 años en activo, ha ofrecido su anunciado bolo en la Sala Apolo de Barcelona y ha llenado el recinto gracias a las invitaciones que podían descargarse previa reserva en la web de la sala. La idea de Erik Urano, atípica, ha provocado una pequeña ola de atención mediática y, en una entrevista con El Diario, Martín ha declarado que con su decisión ha querido poner en valor el mérito artístico de su propuesta, al margen de su rentabilidad, pero ha advertido de que esta decisión es excepcional y que detrás de ella se esconde un problema mayor de precariedad dentro del sector cultural, agudizado por la inestabilidad de un algoritmo que no ayuda con la promoción como debería.

Este viernes 13 de octubre, el público de la Sala Apolo ha respondido a la decisión de Erik Urano no solo acudiendo al show, sino brindando la energía adecuada. El concierto, que se enmarca dentro de la gira de ‘Radioactividad’, y que se repite -sin acceso libre- el 27 de octubre en Madrid, demuestra que los beats futuristas y apocalípticos del grime británico tienen cabida fuera de las islas. Erik Urano los reivindica por ejemplo en ‘Balaclava’, que parece una producción de Benga, aunque ni mucho menos se ciñe a ellos en un repertorio que nos lleva dos veces a ‘Matrix’, que engorda los bajos en ‘Drones’ y que llega a su auge de euforia colectiva con los agradecidos ritmos de su “reggaetón subatómico”.

En las primeras filas los fans de Erik Urano que visten camisetas de ‘Neovalladolor’ gritan la letra de ‘Matrix’ o ‘Don Data’, antes de fundirse en un divertido (y responsable) pogo incitado por el propio artista. Para sus seguidores, Urano comparte palabras de agradecimiento por apoyarle desde los inicios, aunque el rapero sabe que a su concierto gratuito también han acudido fans nuevos y curiosos. La mayoría responde con fervor cuando Urano reitera la frase «todas las noches hay purga en Gaza» de su canción de 2020 ‘Vantablack’, hoy tristemente relevante.

Nadie podría salir desencantado del bolo de Erik Urano: las producciones “radioactivas” de sus canciones (firmadas por visionarios del urban español como Merca Bae o Skyhook, que sube al escenario para rapear una canción) se crecen en el formato de directo, es donde encuentran su razón de ser, pero además el artista cuida que el show fluya, pues los beats suben de bpm a medida que el show avanza, culminando con el remix de ‘Ruptura’ de Triángulo de Amor Bizarro y finalmente con ‘Radioactividad’ y -nuevamente- ‘Matrix’. Aunque la mala suerte vuelve a golpear a Urano después de que su merch no haya podido salir del horno a punto para su puesta a la venta en la sala Apolo, el concierto se puede considerar un triunfo.

The Libertines celebran lo bueno de la vida en ‘Run Run Run’

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The Libertines vuelven a la industria musical con su primer álbum en más de 8 años. Se titula ‘All Quiet on the Eastern Esplanade’ y supondrá la continuación de su ‘Anthems for Doomed Youth’, publicado a finales de 2015. Además, el grupo también ha sacado ‘Run Run Run’, el single principal.

En realidad, todavía habrá que esperar algunos meses para escuchar el nuevo trabajo de The Libertines, pues la fecha de lanzamiento es el 8 de marzo de 2024. Sin embargo, la banda lleva trabajando en él desde otoño del año pasado, cuando se reunió con el productor Dimitri Tikovoï para hacer las 11 canciones que lo componen.

«Nuestro primer disco nació del pánico y de la incredulidad de que realmente se nos permitiera estar en un estudio; el segundo nació de la lucha y la miseria totales; el tercero nació de la complejidad; este parece como si todos estuviéramos realmente en el mismo lugar, a la misma velocidad, y realmente conectáramos», han expresado The Libertines en un comunicado.

En cuanto a la canción, ‘Run Run Run’ es un tema de rock puro que, al tratarse de la pista introductoria del disco, puede decirnos mucho acerca de qué esperar en las demás canciones. El single grita «Esta noche vamos a gastar toda la felicidad de mañana» y celebra la importancia de apartar las cosas negativas y centrarse solo en lo bueno de la vida.

Este es el tracklist de ‘All Quiet on the Eastern Esplanade’:
1. Run, Run, Run
2. Mustang
3. Have a Friend
4. Merry Old England
5. Man With the Melody
6. Oh Shit
7. Night of the Hunter
8. Baron’s Claw
9. Shiver
10. Be Young
11. Songs They Never Play on the Radio

Madonna estrena ‘The Celebration Tour’ en Londres (spoilers)

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Madonna ha dado el pistoletazo de salida a la gira ‘The Celebration Tour’ en Londres, donde ha ofrecido un set de 28 canciones repartidas en cinco actos. Con esta primera fecha comienza una gira que estaba programada para debutar en Canadá en el mes de junio, pero que hubo de ser pospuesta después de que Madonna fuera ingresada en la UCI con una infección bacteriana grave.

Crónicas como la de Rolling Stone relatan que Madonna ha aludido a su ingreso durante el primer concierto de la gira. Y da detalles inéditos: «Pensé que no sobreviviría, y tampoco lo pensaban mis médicos. Por eso me levanté rodeada de todos mis hijos. Olvidé cinco días de mi vida, o de mi muerte, realmente no sé dónde estaba. Pero los ángeles me protegían».

(SPOILERS) El primer concierto de ‘The Celebration Tour’ ha sorprendido abriendo con ‘Nothing Really Matters’, una canción que Madonna no cantaba en directo desde el año 1999. Después ha recordado los primeros éxitos de Madonna de los 80 de manera relativamente cronológica, culminando el primer acto con ‘Live to Tell’ (con recuerdo a las víctimas del sida) y ‘Like a Prayer’).

En los actos siguientes las diferentes eras de Madonna desde ‘Vogue‘ (1990) hasta ‘Confessions on a Dancefloor‘ (2005) se han ido alternando unas con otras, sin ajustarse a un orden cronológico claro, al menos, según el setlist disponible. Entre las inclusiones inesperadas se encuentran ‘Bad Girl’ y album tracks como ‘Mother and Father’, confirmando que el inédito biopic de Madonna ha inspirado la gira; mientras solo un trozo de ‘Music’ ha sonado al final del show.

Tampoco deja el setlist demasiado espacio a los últimos álbumes de Madonna: apenas se rescatan fragmentos de ‘Hard Candy’, ‘MDNA’ y ‘Madame X’ y solo ‘Bitch I’m Madonna’ al completo representa ‘Rebel Heart’, optando Ciccone por recuperar joyas perdidas como ‘Rain’ o ‘Little Star’. Hay una versión de ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor y trozos de canciones ajenas como ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras suenan puntualmente a lo largo del show, narran las crónicas, incluyendo otros homenajes a Sinéad O’Connor y Michael Jackson.

Entre las anécdotas que ha dejado el inicio de ‘The Celebration Tour’ acorde a la información de las crónicas disponibles, Madonna ha actuado con una venda cubriendo su pierna izquierda, y los problemas técnicos han obligado a Ciccone ha detener el concierto durante 10 minutos. Os dejamos con el setlist oficial:

1. Celebration Intro/Nothing Really Matters
2. Everybody
3. Into The Groove
4. Burning Up
5. Open Your Heart
6. Holiday
7. Live To Tell
8. Like A Prayer
9. Act of Living For Love/The 90’s (Interlude)
10. Erotica/Papa Don’t Preach
11. Justify My Love/Fever
12. Hung Up On Tokischa
13. Bad Girl
14. Vogue (Estere’s Ball)
15. Human Nature/Crazy For You
16. The Beast Within (Interlude)
17. Die Another Day
18. Don’t Tell Me
19. Mother And Father
20. Survive/La Isla Bonita/Argentina
21. I Don’t Search I Find (Interlude)
22. Bedtime Story
23. Ray of Light
24. Rain
25. Billie Jean vs. Like A Virgin
26. GMAYL/Bitch I’m Madonna

yeule / softscars

En su tercer disco, Nat Ćmiel, quien firma bajo el pseudónimo de yeule, se consolida como uno de los talentos más singulares del panorama musical alternativo. ‘Serotonin II’ transitaba entre el pop y el ambient resultando en un trabajo hipnótico y matizado que le sirvió como excelente carta de presentación; en el estupendo ‘Glitch Princess’ construyó todo un mundo digital distópico en el que, mediante su alter ego ciborg, ofrecía un sonido glitch e industrial sin renunciar a sus impulsos experimentales y atmosféricos (el álbum se cerraba con una irreverente pieza ambient de casi 5 horas). Ahora, en ‘softcars’, yeule sigue explorando sus múltiples fuentes de inspiración, llevando a su música a terrenos inexplorados hasta la fecha, distanciándose de sus dos anteriores trabajos y a su vez expandiéndolos, haciendo de su discografía un universo fascinante en el que perderse.

La primera pista, ‘x w x’, ya es una declaración de intenciones que supone una ruptura con todo su sonido anterior. Es un arranque grunge sorprendentemente enérgico, donde yeule grita sobre una atronadora percusión y una sugerente línea de guitarra. ‘sulky baby’ continúa homenajeando al rock alternativo de los 90, acercándose esta vez al shoegaze y al dream pop. Es el tipo de canción donde Ćmiel brilla: una melodía preciosa, una producción sugerente repleta de capas y una letra que vuelve a demostrar que hay pocos artistas que sepan describir la desolación de manera tan cruda y poética (“Algunos días no puede creerme que siga aquí / algunos días siento que no me quedan lágrimas por derramar”, «los sueños que persigues / se convierten en un espacio sin sentido”).

El imaginario gótico de yeule sigue ampliándose en la tercera pista, ‘softscars’, una aventura a caballo entre el glitch pop y el shoegaze donde se habla de ángeles caídos sedientos de sangre y relaciones tortuosas que duelen como puñales en el pecho. En la misma senda de enamoramientos platónicos e imposibles, la balada dream pop ‘ghosts’ -que recuerda a Broken Social Scene y su mítica ‘Anthems For a Seventeen Year-Old Girl’- emociona por su melodía anhelante, por sus manipulaciones electrónicas marca de la casa que se cuelan entre sus acordes de guitarra acústica y, por supuesto, también por ese “Solo ojos como tú pueden ver fantasmas / fantasmas como yo” al comienzo del estribillo.

En ‘dazies’, una de las mejores y más ambiciosas producciones en su catálogo, yeule alterna pasajes ruidosos donde su voz se ahoga en una instrumentación opresiva, con otros acústicos donde prácticamente solo hay voz y guitarra. La canción toma continuamente rumbos inesperados, acelerando el ritmo y ralentizándolo a su gusto hasta que desemboca en ‘fish in the pool’, una calmada pieza instrumental que funciona a modo de interludio entre la primera y la segunda parte del álbum.

En esta parte baja de la secuencia también hay lugar a sorpresas, como ‘inferno’, cuyos animados sintetizadores y su aire house la distancian considerablemente de lo que habíamos escuchado hasta ahí. Sin embargo, su integración en la secuencia brinda uno de los momentos más refrescantes del proyecto. La balada glitch ‘bloodbunny’ nos lleva por una senda parecida y nos retrotrae a ‘Glitch Princess’. Pero el grunge no tarda en volver a aparecer, ahora en ‘cyber meat’, un tema exultante con regusto cyberpunk y una melodía desenfadada y divertida. Entre sus características imágenes siniestras repletas de sangre, huesos, espinas, cuchillos y vidas alienígenas, deja espacio para celebrar su no-binarismo en el que es un momento inesperado y tierno.

Nat Ćmiel remata su álbum con ‘aphex twin flame’, una bonita balada acústica con sus habituales toques glitch que en su título referencia a una de sus clarísimas influencias, poniendo punto final a un trabajo sofisticado y atrevido, que navega siempre con solvencia entre la nostalgia y el futurismo. Las canciones de ‘softscars’ ofrecen el confort de lo ya conocido mientras que sutilmente van transportándote a distopías post-humanas fascinantes.

Michelle Williams narrará el audiolibro de Britney Spears

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Michelle Williams es el último personaje en entrar en el universo de Britney Spears. La actriz estadounidense 5 veces nominada al Óscar será la encargada de narrar el audiolibro de ‘The Woman in Me‘, la autobiografía de Spears, que se pone a la venta el 24 de octubre.

«Este libro ha sido un trabajo hecho con amor, y de muchas emociones», ha declarado Spears a People. «Revivir todo ha sido emocionante, acongojante y realmente emotivo. Por esta razón, solo voy a leer una parte del audiolibro. Estoy muy agradecida de que Michelle Williams vaya a leer el resto». Spears leerá solo la introducción de ‘The Woman in Me’, mientras Williams narrará el grueso del texto.

En ‘The Woman in Me’, Spears hablará de su vida y carrera, desde su infancia hasta la actualidad, pasando por supuesto por su experiencia viviendo sometida a una tutela legal, con su padre Jamie Spears en el cargo de tutor. Spears se liberó de la tutela en noviembre de 2021, después de 13 años, meses después de revelar su dura experiencia durante una explosiva declaración judicial.

De manera curiosa, el nuevo merchandising puesto a la venta en la página web oficial de Spears ofrece camisetas con diseños que citan frases expresadas por Spears durante su declaración. Uno de los diseños incluye la frase «I wasn’t good / I was great».

Por su parte, Michelle Williams es una de las actrices más prestigiosas de Hollywood de los últimos años. Entre las películas más populares en las que ha participado se encuentran ‘Blue Valentine’ (2010), ‘Mi semana con Marilyn’ (2011) o ‘Manchester By the Sea’ (2016), ‘The Greatest Showman’ (2017) o ‘Todo el dinero del mundo’ (2017). Williams declara, en palabras recogidas por People, que «yo estoy con Britney».

Rodrigo Cuevas ve un mundo mejor ‘Allá arribita’

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«La gente de la ciudad no sé cómo hace / que a mí las cosas de allí no me satisfacen», canta Rodrigo Cuevas en ‘Allá arribita’, una de las canciones incluidas en su nuevo disco, ‘Manual de Romería‘. Cuevas, que reside en una aldea asturiana, siempre ha defendido las ventajas de vivir en el campo en lugar de en la ciudad. «El sitio de los mayores debería ser la ciudad y el de los jóvenes el campo” es una de las declaraciones más memorables que ha dejado en un medio.

En ‘Allá arribita’, Cuevas ofrece una oda al campo. Vivir en él se equipara a la sensación de libertad. «El amor siempre me acompaña, así que canto a los ríos y a la montaña» es una de las rimas que deja la letra. En el estribillo, Cuevas, «allá arriba», en la montaña, «lanza al aire una tonada», pega «un grito» y ve el mundo «más bonito».

En la letra, Cuevas cita varios pueblos que ve desde el suyo, desde La Peruyal hasta El Curbezu, «lugares que antes tantas voces nombraron» pero que «las bocas de ahora olvidaron».

El mensaje de Cuevas viene acompañado de una composición sobresaliente, de las mejores de ‘Manual de Romería’ y de toda su carrera, pero que de momento no cuenta con su propio videoclip.

Inspirada en el pop español de los años 70, en concreto en el trabajo de Vainica Doble, ‘Allá arribita’ se acuerda de la «nueva canción» de aquella época, y con guitarras y mandolinas, decora una melodía preciosa, subida a un ritmo trotón que le hace parecer un trovador de nuestro tiempo. El reciente Premio Nacional de las Músicas Actuales es un poeta moderno.

‘la Mesías’: ¿sabrán completar Los Javis su puzzle más complejo?

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«A nosotros nos encanta España, nos encanta nuestra cultura, nuestra tele, ‘Sálvame’, la tía borracha de las bodas. Estamos orgullosos del país en el que vivimos (…) Pero por cosas distintas a las de otra gente que dice eso mismo». Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron los primeros españoles a los que escuché pelear por resignificar la bandera de nuestro país, en 2017, durante una entrevista concedida a nuestro medio. Me acuerdo mucho de aquellas palabras, así que me ha hecho mucha gracia que su serie más ambiciosa, ‘la Mesías’, se haya estrenado durante el Puente de la Hispanidad.

Como ‘La llamada‘, ‘Paquita Salas‘ y ‘Veneno‘, ‘la Mesías’ tiene mucho de retrato de la sociedad de nuestro país, hasta el punto de que me pregunto si será tan exportable como ‘Veneno’, a la postre un pequeño hit en Estados Unidos. En su retrato de los primeros años 80, recordamos una España en la que la religión oprime, la familia puede arruinarte la vida en lugar de ayudarte a ser libre, y la escolarización no parece obligatoria.

Felipe González es un recién llegado. Un personaje que ha nacido el mismo día que Madonna se peina como Cyndi Lauper. Ese mismo personaje se ríe de otro por parecerse a Eva Nasarre. Pero también hay extraterrestres, desarraigo, prostitución, adicción al alcohol y muchísima tristeza. Sin duda alguna, este es el proyecto más oscuro de Los Javis. Porque aquí permanece su pasión por la cultura pop, tan bien aprendida de Pedro Almodóvar, pero ahora hay que sumar nombres tan siniestros como el Yorgos Lanthimos de ‘Canino’ (la familia como prisión), el Chema García Ibarra de ‘Espíritu sagrado‘ (el juego entre abusos infantiles y ovnis) o el Michael Haneke de ‘La pianista’ (esa mujer adulta que se autolesiona).

‘la Mesías’ cuenta la historia de una familia disfuncional -como muchas- a través de 30 años. Situándose en diferentes puntos entre los 80 y 2013, recorre la vida de dos hermanos inseparables en su infancia desgraciada, hasta un presente en el que ya no se hablan. La dirección de actores -su especialidad, hasta ahora- se luce sobre todo a través de Roger Casamajor, un Albert Pla en un papel impensable para un perfil como el suyo o una Amaia Romero que se ríe de sí misma al frente de un grupo de música cristiana llamado Stella Maris, vagamente inspirado en la trayectoria de Flos Mariae. A falta de ver cómo se completa el puzzle con Lola Dueñas y Carmen Machi en capítulos venideros, Ana Rujas realiza, en principio, un papel demasiado parecido al icónico e inolvidable de ‘Cardo’.

Ver cómo encaja ese puzzle en los 5 capítulos restantes va a ser fundamental para que decidamos si este es el mejor proyecto en que jamás se hayan involucrado Los Javis. De momento, todo en él va sobre ruedas: la mezcla de cine social con el lenguaje youtuber. Del dolor que causa la inacción de aquellos que tienen que protegerte, a la carcajada de un protomeme. La banda sonora seria de Refree en contraste a las hilarantes canciones que han escrito Hidrogenesse para Stella Maris (la de la alcantarilla que lleva al cielo promete mucho). ¿El extraterrestre como metáfora de aquello que más tememos? Varias capas y tramas se superponen en una serie que presume de hasta 170 personajes. Tras proyectarse en el Festival de Cine de San Sebastián, los 2 primeros episodios de ‘la Mesías’ se han subido a Movistar+. El resto lo harán en semanas venideras, recuperando la tradición de mantener al espectador en vilo a razón de un capítulo cada 7 días. No podemos esperar más para que llegue el jueves 19.

Billie Eilish no reniega de ‘bad guy’ aunque le parezca «estúpida»

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Billie Eilish ha dicho que ‘bad guy‘, su éxito de 2019, le parece «la canción más estúpida del mundo». La artista ha matizado que la canción le parece «muy buena», pero que no deja de ser «un troleo». «Tienes que tomártela con humor», señala, «la intención es que sea una canción un poco tonta, pero es divertida porque es tonta. Es literalmente, «duh», ¿qué es eso?»

Billie ha expresado estas palabras en el programa de Jimmy Kimmel y, acompañada de su hermano Finneas, ha declarado que le parece «frustrante» que otros artistas «odien su propia música», porque «entonces no sé por qué estás haciendo esto». Billie ha dicho que Finneas y ella «somos fans de lo que hacemos», y ha señalado que «a mí me encanta mi propia música, pero cambia y se transforma conmigo, a veces me da un poco de vergüenza, pero igualmente la aprecio».

Billie puede estar refiriéndose, de manera indirecta, a Doja Cat, que recientemente ha renegado públicamente de sus dos discos anteriores por considerarlos demasiado pop y «mediocres» y también dos discos hechos para «sacarles los cuartos» a sus propios seguidores.

Además de la «canción más estúpida del mundo», ‘bad guy’ también fue la canción más exitosa de 2019, superando por varios millones las escuchas de ‘Old Town Road’ de Lil Nas X.

En 2023, Billie ha triunfado con ‘What Was I Made For?’, su preciosa balada compuesta para la banda sonora de ‘Barbie’. Recientemente, Eilish ha dado pistas de que su tercer álbum de estudio se acerca, pues ha declarado que tiene «mucha música en camino».