Todd Haynes comenzó su carrera mezclando alta y baja cultura, la experimentación formal con el melodrama camp. En su debut, ‘Superstar: The Karen Carpenter Story’ (1987), narraba la trágica historia de la cantante del dúo The Carpenters, fallecida a los 32 años a causa de las complicaciones derivadas de la anorexia nerviosa, combinando imágenes de archivo y animación stop-motion con muñecas Barbie.
En ‘Secretos de un escándalo’, el director californiano recupera en parte esa estrategia narrativa. La película cuenta una historia telefilmera “basada en hechos reales”, el caso de Mary Kay Letourneu (una profesora de 34 años condenada por haber mantenido relaciones sexuales con un alumno de 12, con quien se casó y formó una familia), narrada mezclando los códigos expresivos de una peli de sobremesa con las metáforas visuales y la complejidad psicológica de una película de Bergman (las referencias a ‘Persona’ y ‘Los comulgantes’ son constantes).
Para ello utiliza un punto de vista muy particular, un feliz hallazgo de guion que le ha valido una nominación al Oscar a la debutante Samy Burch: la película está narrada a través del protagonismo de una actriz de televisión (espléndida Natalie Portman) que va a pasar varios días con la familia de la “escandalosa” pareja (el chico ya tiene 36 años y la mujer cerca de 60) con la intención de documentarse para interpretarla a ella en una película. Un telefilme del tipo ‘La historia de Mary Kay Letourneau’ (2000), protagonizado por Penelope Ann Miller y que fue emitida en su momento por, sí, Antena 3.
A partir de esa premisa, Haynes construye un sugerente y muy retorcido drama psicológico basado en la disonancia, en el contraste que aparece reflejado en el título original, ‘May December’: las trágicas consecuencias de un caso de estupro conviven con la sátira sobre su tratamiento mediático y ficcional, los graves acordes de la música de Michel Legrand de ‘El mensajero’ (1971) con los bucólicos paisajes de Savannah (bellamente fotografiados por Christopher Blauvelt, el fotógrafo de Kelly Reichardt), la exploración de un personaje con la explotación de la persona, los encuadres sofisticados (el de la tienda de novias es una maravilla) con el zoom, Bergman con el culebrón televisivo…
Esa dicotomía se ha visto reflejada hasta en los premios. ‘Secretos de un escándalo’ ha sido nominada como mejor drama en los Satellite Awards y mejor comedia en los Globos de Oro. Una muestra más de la capacidad de Haynes para sorprender, descolocar y hacer suyas unas historias que, desde la extraordinaria ‘Carol’ (2015), son guiones ajenos. ¿Hasta cuándo va a ser ignorado como director en los Oscar?
Cuatro siempre es mejor que uno. Si no, que se lo digan a Jimena Amarillo, Repion, Lusillón y Espineli, cuatro artistas del panorama nacional. Ambas dejan a un lado su individualidad y se fusionarán, por primera y única vez, en un concierto único en el que pasarán a ser Jaleo Real.
Tal y como han informado a través de un comunicado, Jaleo Real cobrará vida en un «escenario donde todo cambia en cada tema y cualquier cosa es posible». Jimena Amarillo, Repion, Lusillón y Espineli unirán fuerzas y formarán una banda conjunta en directo para interpretar canciones de todas ellas de una forma que no han hecho nunca antes.
Lo curioso del concierto será descubrir la combinación de las cuatro artistas, que llevan adelante proyectos muy diferentes. Desde la electrónica rupturista de Espineli hasta las guitarras de rock de Repion, tratarán de revisar sus catálogos musicales para construir algo «nuevo e inesperado». ¿Electrificará Repion una canción de Jimena Amarillo? ¿Rapeará Jimena un tema de Lusillón?
Para descubrir lo que las cuatro artistas tienen entre manos habrá que esperar hasta el 21 de marzo, fecha en la que se celebrará el concierto. Lo hará en el Teatro Barceló de Madrid como parte de la Be Week 2024. Las entradas ya están a la venta a través del siguiente enlace.
Justin Timberlake ha anunciado las fechas europeas de su gira mundial. España no es uno de los países incluidos en la ruta europea de Forget Tomorrow World Tour, que iniciará su recorrido el 26 de julio en Cracovia y hará su última parada el 6 de septiembre en Lyon. La gira incluye hasta cuatro fechas en Alemania y tres en Reino Unido, además de otras en Suecia o Bélgica.
No es ninguna sorpresa que Justin Timberlake no haya incluido España en su gira europea. La única vez que Timberlake ha actuado en España ha sido en 2004, durante la gira mundial de ‘Justified’. Las giras de ‘FutureSex/LoveSounds‘ (2006), ‘The 20/20 Experience‘ (2013) y ‘Man of the Woods‘ (2016) contaron con paradas en Europa, pero nunca en España.
Timberlake saldrá de gira para presentar su nuevo disco, ‘Everything I Thought it Was’, que sale el próximo 15 de marzo. El primer single, ‘Selfish‘, ha contado con un videoclip más interesante de lo que parecía en un principio. Desde hoy puede escucharse el segundo, ‘Drown’. Se trata de otra co-producción de Louis Bell y Cirkut enfilada en un tipo de R&B-pop similar al del primer single.
EUROPE/UK – SUMMER 2024
Fri Jul 26 – Krakow, PL – TAURON Arena Kraków
Tue Jul 30 – Berlin, DE – Uber Arena
Sat Aug 03 – Antwerp, BE – Sportpaleis Antwerpen
Wed Aug 07 – Birmingham, UK – Utilita Arena
Thu Aug 08 – Manchester, UK – Co-op Live
Sun Aug 11 – London, UK – The O2
Thu Aug 15 – Amsterdam, NL – Ziggo Dome
Wed Aug 21 – Munich, DE – Olympiahalle
Sun Aug 25 – Cologne, DE – Lanxess Arena
Thu Aug 29 – Copenhagen, DK – Royal Arena
Mon Sep 02 – Stockholm, SE – Tele2 Arena
Wed Sep 04 – Hamburg, DE – Barclays Arena
Fri Sep 06 – Lyon – Décines, FR – LDLC Arena
Russian Red estaba trabajando en su gran disco de regreso, su primer álbum de estudio de canciones originales en 10 años, cuando se dio cuenta de que tenía entre manos algo complejo. Un trabajo audiovisual que incluso barajaba firmar como Lourdes Hernández. Actualmente continúa desarrollando ese proyecto, pero en un momento dado dio con una idea más ligera que sí le apetecía firmar como Russian Red.
Esa idea es este ‘Volverme a enamorar’ que desde hoy tenemos entre manos. Un álbum de liberación sexual, liviano y lascivo, cantado en Spanglish y con unas influencias muy particulares. De un lado, la música de la era del destape, con gente como Susana Estrada a la cabeza. De otro, el post-indie de personajes tan peculiares como Mac DeMarco. Luichi Boy de Cupido y Carlos René son los encargados de dar forma a todo eso.
Porque el disco, pese a contar con algo menos de 20 minutos de duración, tiene una forma muy determinada. La portada del sencillo ‘No entiendo nada’ es un culo en primer plano visto desde abajo a través de una silla transparente; el focus track del día de salida es una tórrida canción llamada ‘Intelectual sexual’ en la que parece hablar la protagonista de ‘Ramona‘; otra se llama casi, casi ‘Soy una fresca sin sentido’ y se revuelca en su punto kitsch; y el álbum se abre con una especie de bossa nova que piensa en un montón de «chicos solos en su habitación». ‘Me gustan todos los chicos’, se titula.
La artista no ha abandonado su característico estilo, por completo. En su gran clásico ‘Fuerteventura’, había una canción llamada ‘The Sun, The Trees’ inspirada en ‘We Are the Sleepyheads’. Prácticamente triplicó en streamings a la composición original de Belle & Sebastian y ahora recupera aquellos maravillosos coros para preguntarse por qué algo se acabó en ‘No entiendo nada’: «No es verdad, me gustas igual que siempre», dice la misma letra que contrapone «si yo soy tan guapa» a «tú eres un melón».
Hay algo de amor en estas canciones que a veces ni siquiera llegan a los 2 minutos de duración. El mejor ejemplo -la canción más larga, 2 minutos y 59 segundos- es ‘La última vez’, con su «estaba escrito en las estrellas que nos íbamos a encontrar». Pero la gracia de ‘Volverme a enamorar’ es que debería llamarse «Volver a follar». El single principal lo dice claro, incluso sonando tristón: «This is not a love song. This is un volcán».
Esta «obsesión que quiere break my heart» no es sino un retrato, bastante inusual, de lo triste que es no poder follar con alguien que deseas. Suena mal en boca de Dani Martín, pero es más novedoso que una artista femenina verbalice ese anhelo con su puño y letra. «No me da miedo» es la última frase de ‘Intelectual sexual’. Quizá en unos años la Lourdes del futuro no tenga que cubrirse la cara en la portada.
Entre las novedades que se publican hoy se encuentra ‘Mala costumbre’, el primer single de Chiara Oliver, ex concursante de Operación Triunfo 2023. Como ha sido tradición en esta edición de OT acogida por Prime Video, ‘Mala costumbre’ se puede escuchar en exclusiva desde hoy viernes en Amazon Music y la semana que viene se liberará en el resto de plataformas.
Chiara ha sido una de las concursantes de Operación Triunfo que ha logrado reunir un considerable fandom en torno a su figura. Un fandom que ha ido tan lejos de poner un anuncio en el Times Square de Nueva York para intentar salvarla de la expulsión y que ha logrado llamar la atención de celebridades como Almudena Cid o Laura Escanes, quienes la han promocionado en sus redes, para acercarse a ese propósito (finalmente fallido, se quedó Lucas).
Chiara ha partido con ventaja en Operación Triunfo desde el inicio. Curtida en televisión después de aparecer en La Voz, Chiara posee una voz particular, nasal y melódica, apta para el pop. Le queda bien lo mismo ‘The Climb’ de Miley Cyrus que ‘Escriurem’ de Miki Núñez. En un mundo paralelo, Chiara es la enésima alumna aventajada de Stevie Nicks de Fleetwood Mac: su voz no es tan diferente a las de, por ejemplo, las vocalistas de Tennis o HAERTS. Lo que significa que el pop clásico puede ser uno de sus caminos a recorrer.
No es, desde luego, la senda elegida por Chiara en ‘Mala costumbre’. En su single de debut, Chiara apuesta por una extraña mezcla de sintetizadores, guitarras acústicas y baterías pop-rock que se suceden buscando un crescendo pero careciendo de toda catarsis. Especialmente la melodía vocal vuelve a ser el punto débil en un primer single de Operación Triunfo 2023. El resultado es una canción vaciada de clímax que, durando poco más de tres minutos, parece que dure el doble. En algún lugar de ‘Mala costumbre’ se esconde un buen single que, de momento, solo está sugerido.
Chiara, aprovechando que es mitad menorquina, mitad inglesa, apuesta en ‘Mala costumbre’ por el spanglish para contar la historia de un tropiezo amoroso. Su «mala costumbre» es la de todos aquellos que han vuelto «a los brazos» de alguien sabiendo que el amor no es correspondido, o que el interés por la otra parte de ir más allá de la cama es inexistente. Chiara sigue obsesionada con «tu miradita, tu miradita», pero no entrega una canción igual de divertida que su portada. Digamos que para aparecer en ella chupeteando una piruleta, a la canción le falta bastante «bubblegum».
Alizzz publica un nuevo disco tras su EP ‘BOICOT‘. Para presentarlo, ‘Despertar’ es un inicio sorprendente por dos motivos. En primer lugar, potencia la distorsión guitarrera de singles previos. En segundo, cuenta con una colaboradora a la que nunca habríamos adivinado asomando en un contexto tan punk, Maria Arnal.
‘Despertar’ une a Alizzz y a Maria Arnal en una canción que parte de la faceta más guitarrera de ‘Tiene que haber algo más‘ (2022), la de ‘Ya no siento nada’ o el corte titular, para llevarla al extremo. Por un lado, Alizzz se vuelve ya completamente loco retorciendo guitarras. Suenan afiladas como cuchillos, dispuestas a cortar la membrana del altavoz.
Por otro, Alizzz se marca unos riffs melódicos que parecen salidos de un single de los Strokes o de New Young Pony Club. Y, en este contrapunto melódico, Maria Arnal tiene mucho que ver, pues su preciosa voz -tan folclórica- se hace notar en contraste con la suciedad de la instrumentación. Sobre todo, armonizando en un estribillo que relaja la tensión de las estrofas.
Sobre todo, ‘Despertar’ es otro estupendo single de Alizzz que cuenta una historia de (des)amor y tormento, de nuevo, contando con una voz femenina que aporta una perspectiva propia, como Amaia y Rigoberta en el pasado. En ‘Despertar’, Alizzz y Maria se despiertan «en mitad de la noche, pensando que aún estás, gritando tu nombre». Pero es un espejismo: «Al besarla se desvanece».
Hoy 23 de febrero se publica el nuevo disco de MGMT, sobre el que hemos podido hablar con sus autores; y también se editan nuevos trabajos de Russian Red, Allie X, Real Estate, Laetitia Sadier, Erick the Architect, Hurray for the Riff Raff, Erika de Casier o Nadine Shah. En materia de epés publica el suyo Depresión Sonora.
El viernes de novedades trae nueva música de Alizzz, que se alía con Maria Arnal en ‘Despertar’, y también de SZA, que publica por sorpresa el primer single de ‘LANA‘, la edición extendida de ‘SOS’. El pop está especialmente contento hoy con nuevos lanzamientos de Selena Gomez y Justin Timberlake. No obstante, lo que trae A.G. Cook hoy es ‘Britpop’.
Entre las novedades que ha brindado la última semana hemos destacado especialmente el regreso de Bat for Lashes y el dueto de MGMT y Christine and the Queens. Se suman las nuevas entregas de Kings of Leon, Carlangas y Los Cubatas, Kasabian o Adrianne Lenker.
Una novedad que ha dado bastante de qué hablar esta semana ha sido sin duda la de Residente. ‘313’ cuenta con Silvia Pérez Cruz… y con Penélope Cruz, que narra la introducción de la canción y protagoniza su videoclip. A una escala diferente, Boy George ha irritado a algunos copiando con todo el descaro del mundo la portada de ‘Tension‘ de Kylie Minogue en su nuevo single.
No os perdáis, además, las novedades de Catfish and the Bottlemen, Flyana Boss, Venturi, haha same, The Jesus and Mary Chain, Bullion con Panda Bear, Jazmine Bean, The Voidz, La Élite, Central Cee, Álvaro Mayo, Kodak Black, Charlotte Day Wilson, Manuel Turizo…
Kanye West y Ty Dolla $ign gozan de un buenísimo debut en España con su último trabajo discográfico ‘Vultures’, que alcanza la tercera posición en la lista de álbumes española. Los raperos, que inundaron Spotify con las canciones del disco, logran el top 3 en nuestro país.
La distancia entre ellos y el número 1 ha sido ocupada por Operación Triunfo y Bad Gyal, que se mantienen en primera y tercera posición desde que debutaran en esos mismos puestos hace ya tres semanas. El top 9 se lo adjudica ‘Mal de Amores’, disco de Natos y Waor que se convierte en la entrada más alta de la lista.
En cuanto al resto de entradas, ‘Los Marcianos Vol. 1’ de Chris Jedi, Gaby Music y Dei V debuta dentro del top 20 en el puesto 15. Asimismo, también debutan Gloosito de la mano de su álbum ‘S.U.V.’ (#28) y el recopilatorio de la gala 10 de Operación Triunfo (#30). Il Divo con ‘XX’ (#45), Beny JR con ‘Anti Social Cool Kid’ (#58) y Zara Larrson con ‘Venus’ (#76) son las últimas entradas del top 100.
Rosalía es la artista con más estilo del año. Así lo ha certificado la revista Rolling Stone, que ha publicado una lista de los 25 artistas con más estilo de 2024, celebrando así a aquellos músicos que «inspiran e informan a través de la moda».
Sirviéndose de un grupo de expertos de la industria para ayudarles a confeccionar la lista, Rolling Stone considera que Rosalía es quien debe ocupar la primera posición, coronándola como la artista con más estilo del mundo en el último año. «Rosalía se ha convertido en una de las figuras más destacadas tanto de la música como de la cultura, y su fuerza gravitatoria atrae a su órbita incluso a los más reacios. La industria de la moda no es una excepción», asegura la revista.
Rolling Stone menciona específicamente el videoclip de ‘TUYA’, uno de los últimos singles de Rosalía, donde aparecen marcas como Marni, Vivienne Westwood, Maison Margiela y Courrèges. «Japón me da ganas de avanzar despacio, con delicadeza», ha comentado la artista sobre los detalles del vídeo. «Admiro la dedicación que ponen en las pequeñas cosas: me inspira en todo. Los looks representan lo jocoso de ese momento, y también forman parte del contexto visual de ‘TUYA’, donde la sensualidad juega un papel importante», confiesa.
La revista también destaca los 128 looks que Acne Studios diseñó para la actuación de la cantante en Coachella a principios de 2023. De esta manera, Rosalía se convierte para Rolling Stone en la artista con más estilo del año, superando así a Beyoncé, que ocupa la segunda posición.
Bad Bunny vuelve a estar encima de los escenarios. El puertorriqueño, que publicó su quinto trabajo discográfico a finales de 2023, acaba de dar el pistoletazo de salida a su nueva gira para promocionarlo. La primera etapa es por Estados Unidos y comenzó anoche en el estadio Delta Center de la ciudad de Salt Lake City, Utah.
El autor de ‘Nadie Sabe Lo Que Va A Pasar Mañana’ ha presentado un setlist de casi 40 canciones que, aunque es dominado por el trap, afortunadamente no cumple su amenaza de dejar el reguetón de lado. Aun con ello, la gran sorpresa de este inicio de gira es que, pese a su título Most Wanted Tour, el artista todavía no ha colgado el cartel de sold out en ninguna de las 46 paradas que tiene por delante.
No obstante, lo más comentado de este primer concierto ha sido la entrada de Bad Bunny… a caballo. Haciendo un guiño a la portada de su último álbum, el cantante ha cumplido su sueño y se ha presentado al concierto subido en un caballo. Como era de esperar, esta decisión ha generado gran división de opiniones en redes sociales.
Pero Bad Bunny sigue a lo suyo y no solo ha estado encima del escenario en los últimos días. El artista parece haber pasado tiempo en el estudio, pues ha adelantado un futuro tema titulado ‘EUROPA’ a través de su canal de WhatsApp. «Tenía una canción para hoy pero ni siquiera la grabé, no sé por qué. Era una muy especial y personal. Se llama ‘EUROPA :(’. Quizás la cante en la gira, no sé. Lo pensaré», escribió. ¿Está jugando con el doble sentido y haciendo alusión al anuncio de la etapa europea de la gira?
Este es el setlist del primer show del Most Wanted Tour:
#1. Nadie Sabe
#2. Monaco
#3. Fina
#4. Hibiki
#5. Mr. October
#6. Mercedes Carota
#7. Cybertruck
#8. Vou 787
#9. Seda
#10. Baticano
#11. Telefono Nuevo
#12. Tu No Metes Cabra
#13. Pa’ Ti
#14. No Te Hagas
#15. Vuelve
#16. Me Mata
#17. Soy Peor
#18. Tu No Vive Asi
#19. Chambea
#20. Diles
#21. 25/8
#22. Vuelve Candy B
#23. Thunder y Lightning
#24. Gracias Por Nada
#25. un x100to
#26. Baby Nueva
#27. Perro Negro
#28. Safaera
#29. Yo Perreo Sola
#30. La Santa
#31. La Jumpa
#32. Dakiti
#33. Efecto
#34. Me Porto Bonito
#35. Un Preview
#36. No Me Quiero Casar
#37. Where She Goes
Ya hay fecha y sede para la próxima edición de los Premios MIN: Zaragoza será la ciudad que acoja la noche de la música independiente el 17 de abril. Lo hará, además, con unos nominados que quedan en manos del público, pues desde hoy hasta el 8 de marzo se abre el período de votaciones para apoyar a tus artistas y grupos favoritos.
Con el apoyo del Ayuntamiento de Zaragoza, los Premios de la Música Independiente podrán celebrarse en la Sala Multiusos del Auditorio de la capital aragonesa. Organizado por la Unión Fonográfica Independiente (UFi), estos galardones pretender seguir siendo emblema de la diversidad (en todos los sentidos), la innovación y el espíritu libre que caracteriza a este sector musical. JENESAISPOP es medio oficial.
Para participar en la elección de los nominados solo hay que visitar la web premiosmin.com, donde encontrarás toda la información sobre los artistas participantes y ejercer tu voto. Cada fan puede seleccionar hasta cinco artistas por categoría, votando una vez en cada una de ellas. Además, en la plataforma tendrás la oportunidad de escuchar la música de los artistas y explorar sus obras para ayudar a decidirte.
El 8 de marzo se revelarán los quince artistas más votados en cada categoría. Después, un jurado profesional tomará el relevo, seleccionando a los cinco finalistas. Los ganadores de los Premios MIN de cada una de las 22 categorías se anunciarán en la gala del 17 de abril, que contará con unos presentadores y unas actuaciones que se revelarán más adelante.
serpentwithfeet es una de las voces que han renovado el R&B en el último lustro. Cuando ha ido a la radio para poner su música favorita, ha pinchado a FKA twigs, a Frank Ocean, a Solange, a Kelela, a Chloe x Halle, a Victoria Mónet… y a sí mismo. Los ritmos de producciones como ‘Spades’ saben a Toni Braxton y a Brandy & Monica, pero la manera de producir las voces es más siglo XXI, y sus canciones tienden a durar 3 minutos, 2 minutos o incluso menos. Nunca un «te gustará si te gusta» fue tan fácil de decidir.
‘GRIP’ sucede a obras como ‘soil‘ (2018) o ‘DEACON‘ (2021), bajo parámetros estéticos muy parecidos. Predomina la balada ambiental, ahora con más guitarra como la que ya escuchamos al principio de ‘Hyacinth’, y alguna entrega a la ball voguera. Son los casos aislados de ‘Damn Gloves’ o la parte central de ‘Rum / Throwback’, unas de las pocas producciones mutantes aquí, como todas bajo los mandos de Sensei Bueno, I Like That y Mike Irish.
También podemos hablar de la colaboración de Mick Jenkins en ‘Black Air Force’, una canción más rapera, en la que ambos defienden lo suyo. Pero el fuerte de serpentwithfeet son esas producciones entregadas a la intimidad, al amor y sobre todo al sexo. ‘Safe Word’, que también podríamos llamar «I’m Your Shelter» por su poderoso estribillo, incluye la frase «ahógame, fóllame, sube esa polla a la nube». ‘Spades’, que también podríamos llamar «You still satisfy my appetite» por su poderoso estribillo, incluye la frase «te quise desde los 17, no me avergüenza que esos sentimientos se vayan».
‘Deep End’, que es el relato de un supuesto rollo de una noche que se va alargando semanas, una pequeña película o una pequeña serie tipo ‘Weekend’ o ‘Looking’, incluye la frase «ellos no pueden ver las chispas que saltan después de que hagamos el amor, después de que follemos», y la repite hasta la saciedad. Porque la repetición de patrones sienta las bases del R&B en general y de serpentwithfeet en particular, es que el dúo con la cantante Orion Sun, ‘Ellipsis’, funciona tan bien. No por esperable o poco sorprendente, la producción atrapa menos.
El resto del disco tiene sus divertimentos. En ‘Damn Gloves’ oímos que «sea lo que sea lo que tenga en sus piernas, Dios mío, se está poniendo más gordo», pero es cierto que es en la balada de ritmo sexy y delicada guitarra donde los relatos de serpentwithfeet funcionan mejor. Suenan mejor los 2 minutos y medio de ‘Lucky Me’ y el cierre amable con el medio tiempo de 2 minutos y medio de ‘1 to 10’ que el experimento fallido de ‘Run / Throwback’. Cuando Josiah Wise cuenta sin cortarse un pelo cosas como esta en ‘Deep End’, te das cuenta de que es una voz importante para su generación: «hemos hecho «match» porque tengo ascendente Piscis / no sabía que podía montar un Toro, y ahora tengo un Tauro profundamente dentro de mí / Mira ese hombre «king size» en mi cama tamaño «king size»».
MGMT ha vivido mil vidas. De firmar tres de los mayores himnos indie del siglo, ‘Time to Pretend’, ‘Kids’ y ‘Electric Feel’, el dúo de Andrew VanWyngarden y Benjamin Goldwasser ha seguido su propio camino cada vez más alejado de la comercialidad de aquellos singles. Complaciéndose a sí mismo en el épico ‘Congratulations‘ (2010), en el difícil ‘MGMT‘ (2013) y también en su regreso al pop en ‘Little Dark Age‘ (2018), MGMT se ha convertido en un grupo mucho más excitante y divertido de lo que su primer disco, ‘Oracular Spectacular‘ (2007), hizo presagiar.
Por el camino, MGMT ha sumado un macrohit totalmente inesperado a su carrera, el corte titular de ‘Little Dark Age’: la varita mágica de TikTok también les ha tocado a ellos. Hoy, ‘Little Dark Age’ prácticamente dobla las escuchas de ‘Time to Pretend’ en Spotify. Aunque esta segunda canción ha vivido un nuevo momento de gloria en los últimos meses sonando en una escena de la polémica ‘Saltburn‘. Ahora, MGMT vuelve con nuevo disco, ‘Loss of Life’, igual de libre que los anteriores. O más: el grupo lo edita en un sello independiente, Mom+Pop, por primera vez en su carrera. Andrew y Ben, simpáticos y cercanos, nos atienden vía Zoom para hablar de todos y cada uno de estos temas.
El disco se llama ‘Loss of Life’ pero he leído que el disco habla en realidad de volver a descubrir la vida. ¿Es un título irónico?
Andrew: No diría que es irónico, sino que tiene capas. Una pérdida también puede ser el inicio de algo. El título es introspectivo. Hace alusión a un momento en la vida en que te enfrentas a ciertos aspectos de tu vida o de tu personalidad de los que te ha sido fácil huir hasta ese momento. Es un duelo de esa persona que fuiste en el pasado, y con ese duelo llega también una aceptación y un perdón. Es un contraste de luz y oscuridad. El título no alude solo a la muerte humana, también apunta a un nacer.
¿Qué habéis perdido a lo largo de vuestra carrera y que habéis ganado, en términos creativos, hasta llegar a este disco?
Andrew: Hemos pasado por todas las fases posibles. Después de nuestro primer disco, en 2008, cuando terminamos de girar, nos sentimos forzados a abandonar gran parte de la ironía que nos había definido hasta ese momento. Tuvimos que averiguar la manera de retener nuestro sentido del humor absurdo -que había sido gran parte de nuestra amistad y de nuestra música- y al mismo tiempo aceptar que, eso que habíamos estado haciendo en el campus de la universidad, ya no podíamos hacerlo en una escala tan mainstream como la que estábamos ocupando. Así que tuvimos que pensar nuevas maneras de seguir transgrediendo las expectativas de la gente satisfaciendo a la vez nuestros propios objetivos artísticos.
La nota de prensa de ‘Mother Nature’ recalca su parecido con Oasis. ¿Han sido una gran influencia para vosotros, no solo en este single, sino en vuestra vida?
Ben: Yo nunca pasé por una gran fase de ser súper fan de Oasis, pero vimos el documental de Oasis cuando trabajábamos en ‘Little Dark Age’ y me gustó mucho ver el empeño que (Noel y Liam) le ponían en lo que estaban haciendo siendo tan jóvenes y viniendo de donde venían. Para ellos la música realmente era la cosa más importante del mundo.
Andrew: Yo tampoco fui un gran fan de Oasis en absoluto, escuché sus canciones en la radio en Estados Unidos, pero poco más. Me deja perplejo la obsesión que generan en sus fans. Nuestro ingeniero, Miles, es uno de esos fans de Oasis obsesionados. Si Liam lleva una parka, él se compra exactamente la misma. Cuando trabajamos en ‘Mother Nature’ nos hizo gracia consentir un poco a Miles en este sentido. Él sabía cómo obtener el tono de guitarra exacto para que la canción sonara a Oasis y a nosotros nos pareció genial la idea. Nos divertimos experimentando.
¿Habéis sido fans obsesos con algún artista o grupo?
Ben: Yo estaba obsesionado con King Crimson.
Me cuadra, fíjate.
Ben: Los escuchaba sin parar en el instituto y aún los adoro. El documental que ha salido hace poco sobre ellos (NdE: ‘In the Court of the Crimson King: King Crimson at 50’, de 2022) es uno de los mejores documentales musicales que he visto en mi vida.
Andrew: En el instituto me encantaban Phish. Estaba obsesionado. Leía libros sobre sus letras, miraba todos sus setlists. Estaba completamente metido en toda su mitología. Cuando empecé el instituto me dejaron de interesar y solo me codeaba con la gente que escuchaba música “cool” (ríe). Otro artista que me ha gustado hasta la obsesión es Neil Young. De manera intermitente, pero siempre me ha gustado mucho.
¿Cómo dos personas obsesionadas con King Crimson y Phish terminan escribiendo ‘Time to Pretend’?
Andrew: Claro, en realidad, a Ben y a mí siempre nos han gustado muchas otras cosas. Nos encantaban Suicide, Royal Trucks, Hall and Oates, Talking Heads… Nos gustaba la cultura del pop de los 80, que, cuando empezamos a escribir canciones en la época de ‘Kids’, se estaba poniendo de moda otra vez. Todo esto influyó el sonido nuestras primeras canciones.
En realidad el prog-rock está muy presente en toda vuestra discografía, especialmente en ‘Congratulations’ (2010) y en este nuevo disco. ¿Qué parte del disco esperáis que conecte más con la gente?
Ben: No tengo ni idea, intento no pensar demasiado en las expectativas que los demás tienen de nosotros porque suelo equivocarme. Sería un A&R terrible para un sello discográfico. Lo que tengo claro es que hemos publicado cuatro álbumes muy diferentes entre sí. Se nos conoce por cambiar nuestro sonido constantemente. No creo que a nadie le suponga un shock el sonido de este disco. Para mí, lo bueno de ‘Loss of Life’ es que, aún navegando por diferentes estilos, suena cohesivo.
Andrew: Creo que es importante que la gente escuche el disco de principio a fin. No es un disco conceptual, pero sí es una especie de “suite” de canciones, en la que una canción necesita necesariamente a la otra. Escuchando los singles sueltos puede confundir pero cuando oyes el disco entero todo cobra sentido.
¿Cómo obtenéis esa unidad? Por ejemplo, ¿incluís un mismo instrumento en diferentes canciones?
Andrew: Es divertido porque ha habido épocas en la que esa unidad nos ha preocupado muchísimo. Este disco lo hemos grabado en diferentes localizaciones. Hemos hecho sesiones en diferentes estudios. Y creo que el disco suena a MGMT simplemente porque lo hemos hecho nosotros. Al final da igual dónde lo hayamos grabado o con quién.
Ben: En ‘Congratulations’ había ideas musicales que repetíamos en diferentes canciones. En casi todas las pistas incluíamos una escala descendiente. El nuevo disco suena cohesivo, pero no nos lo parecía hasta después de haberlo terminado. El productor Dave (Fridmann) es un factor importante. Estamos muy cómodos trabajando con él. Dave es quien se asegura de que todo esté bien atado.
¿Ha habido algo del proceso creativo que a vosotros mismos os haya sorprendido?
Andrew: No hemos tenido momentos de bloqueo creativo. En las primeras sesiones, cuando el disco solo era una idea, nos costó un poco más entender lo que estábamos haciendo o hacia dónde íbamos, pero, cuando encontramos el camino, todo empezó a fluir de manera fácil. No sé si es porque ya no estamos en el sello de antes o porque no estamos girando, pero el proceso ha sido bastante relajado, nos ha costado menos admitir ideas de otra gente o invitar a gente a tocar con nosotros en el estudio. El proceso ha sido más fácil que el de los discos anteriores.
¿Os habéis bloqueado en el pasado?
Andrew: Sí, sobre todo con las letras. Me he obsesionado mucho, he escrito miles de borradores y los he tirado a la basura. Esta vez me lo he tomado de otra manera. Hemos podido tener una canción lista para mezclar, toda instrumentada, y yo he escrito la letra el mismo día en que grababa voces, después de levantarme. Y eso es lo que hemos grabado. Cuando escribes así, de manera rápida y espontánea, el sentido de la canción lo descubres después. Me parece una manera divertida de trabajar.
Ben: En general el enfoque del disco ha sido el de aceptar que todo saldrá bien. Nos hemos estrenado lo menos posible por las decisiones creativas que hemos tomado.
«Ben: Cuando trabajas para multis no puedes evitar pensar en que la música es un producto»
Ya no estáis en Columbia Records, sino en un sello independiente. Eso os ha dado libertad creativa, entiendo. ¿Qué cosas de este disco no existirían si hubiera salido en una multinacional?
Ben: No es tanto que el sello no lo hubiera publicado, yo creo que lo habría publicado sin problema. Pero nuestra mentalidad escribiendo el disco habría sido diferente si hubiéramos seguido en una multinacional. No tenemos nada en contra de las multinacionales. Nuestra relación con nuestro sello ha sido relativamente buena durante todos estos años. Pero cuando trabajas para este tipo de sellos no puedes evitar crear música pensando en que la música es un producto. Aunque intentes abstraerte de esta idea, no puedes, porque el sistema es el que es.
Andrew: Cuando trabajas en una multi, eres más protector de tu arte, y te lo piensas todo mucho más.
¿De qué va ‘People in the Streets’? ¿De qué está “harta y cansada” toda esa gente?
Andrew: Está inspirada en todas esas canciones sociales de los 80. ¿Cómo era esa de Phil Collins? (Canta: “Oh, think twice, ‘cause it’s another day for you and me in paradise”). Es un recuerdo de todas esas canciones supuestamente sociales, pero que en realidad eran bastante ambiguas. En la letra de ‘People in the Streets’ describo mis sensaciones durante la pandemia. Hablo de las ganas que tenía de salir a manifestarme como toda esa gente que llenaba las calles, pero también del miedo a exponerme viviendo en una posición bastante cómoda. Son dos sentimientos conflictivos.
¿El pop, y las redes sociales, crean una ilusión de activismo?
Andrew: Las canciones que tienen mayor impacto social y político no suelen estar diseñadas con ese objetivo. John Lennon tenía muchas canciones que hablaban de la guerra y de salir a manifestarse, pero las canciones que más han calado en la gente, como ‘Imagine’, no eran tan directas al respecto. Escribir canciones de este tipo puede ser una forma de activismo.
¿De qué habla ‘Nothing to Declare’? Es muy bonita.
Andrew: Viene de una idea de canción que conservamos desde 2010. En algún punto decidimos dejar que fuera solo una broma y convertirla en canción. Es representativa del disco. No es densa, pero a la vez en ella ocurren muchas cosas. La letra habla de los beneficios de estar en una relación amorosa estable. A veces conoces a una persona, te alejas de ella y, después de un tiempo, vuelves a ella y te reconforta.
¿Dónde está Oneohtrix Point Never en el disco? No termino de ubicarle. ¿Y Danger Mouse?
Ben: Con Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) nos llevamos muy bien desde siempre. Andrew y él se conocieron en una fiesta y cuando nos juntamos descubrimos que compartimos muchas referencias musicales. Daniel está presente en muchas canciones dándoles una pátina electrónica. Danger Mouse trabajó con Andrew en ‘Mother Nature’.
Andrew: Brian ha aportado ideas al disco pero más desde la periferia, no ha estado tan involucrado como Daniel.
«Andrew: De ‘Saltburn’ me ha gustado que cruza líneas, pero es un tormento de ver»
‘Time to Pretend’ suena en una escena de ‘Saltburn’. Tiene sentido: la peli se ambienta en 2006, en la época del indie sleaze. ¿La directora, Emerald Fennell, os contactó? ¿Habéis visto la película?
Ben: Yo no he visto la peli todavía. No sé si nos contactó la directora o el supervisor musical de la película. El caso es que yo ya había visto ‘Una mujer prometedora’ y me pareció guay que quisieran incluir la canción en la siguiente película. De todas las veces que se ha usado ‘Time to Pretend’ en pelis y series, la de ‘Saltburn’ es la que más se acerca a la intención de la canción cuando la escribimos. No es solo una canción fiestera, no habla solo de pasarlo bien, el mensaje es cínico, y en el contexto de esa escena, tiene sentido.
Andrew: Vi la película justo anoche. El uso de ‘Time to Pretend’ me pareció genial. Toda la música me parece que está usada con mucha sensibilidad. Hay muchas cosas de la película que me han gustado. Me gusta que la película cruza líneas y resulta provocadora. La ves y piensas: “Ah, vale, realmente va a sorber semen del desagüe de una bañera”. “Ah, vale, realmente va a tener sexo con una montaña de tierra”. “Ah, vale, realmente se va a atrever a hacer eso”. No se ven muchas películas hoy en día que se atrevan a ir tan lejos como lo hace esta. Pero, al mismo tiempo, me costó disfrutar la película, no me pareció agradable de ver. Al contrario, me pareció un tormento. Pero ‘Saltburn’ tiene otra cosa buena, y es que retrata muy bien lo que era la élite inglesa de la época y sus fiestas. Verla me ha dado una sensación extraña, porque nosotros de alguna manera estuvimos allí en 2007-2008, aunque no a ese nivel social.
‘Little Dark Age’ ha sido un viral monstruoso en TikTok. Si tuvierais que escoger otra canción de vuestro repertorio que se hiciera viral, ¿cuál sería?
Ben: En realidad creo que ‘Little Dark Age’ es el mejor viral que hemos podido tener porque la canción, todo lo que insinúa, representa muchas cosas hoy en día.
Andrew: Yo elegiría una canción del nuevo disco, claro (ríe) Quizá ‘Dancing in Babylon’, porque es pop pero extraña a la vez. Tiene diferentes secciones. A lo mejor alguien puede usar una de esas secciones y, pum, hit.
Ben: ¡Nunca se sabe!
¿Por qué Christine and the Queens era la persona adecuada para esta canción?
Andrew: La canción ha pasado por diferentes estilos. Finalmente, sonando tan ochentas, pedía un dueto. Su voz es una de las mejores que hay. Es poderosa, en el estilo de los ochenta, pero sin demasiadas florituras. Es pop, pero también sofisticada.
¿Habéis escuchando su disco? ¿Habéis tenido tiempo?
Andrew: Lo escuché con él en París, cuando le enseñé la idea de la canción que ahora hemos sacado juntos. Christine y yo hemos hecho cosas diferentes musicales, pero las letras tienen similitudes. Hablan del poder del amor y de las relaciones desde un ángulo espiritual, pero no religioso. Los dos intentamos hacer música pop que tenga una profundidad, pero que aún sea accesible, y no pretenciosa.
Angelina Mango representará a Italia en Eurovisión este año con ‘La noia’. Vencedora de San Remo, ‘La noia’ ya es uno de los mayores éxitos actualmente en Italia, en una lista de éxitos inundada por las canciones presentadas en el certamen. Como es sabido, San Remo genera en Italia un furor absoluto, mayor incluso que el que provoca Eurovisión.
‘La noia’ ha conquistado al público italiano con una curiosa mezcla de cumbia y pop electrónico. En su fusión de sonidos tradicionales y contemporáneos, Angelina Mango no renuncia a cierto color mediterráneo -italiano- en la instrumentación. En ‘La noia’, Mango equilibra el sonido clásico de la melodía con la sofisticación de una producción llena de matices.
En ‘La noia’, Angelina Mango trata de deshacerse del «aburrimiento» bailando. Para ella bailar es vivir en la felicidad y también en el sufrimiento. En su fiesta de la vida, el «dress code» es una «corona de espinas». ‘La noia’ es una invitación a vivir arriesgando y a bailar y reír cuando el mal acecha, porque «todo lo que podemos hacer es reír durante estas noches abrasadoras».
El éxito de ‘La noia’ certifica que Angelina Mango es una de las grandes revelaciones del pop italiano. Antes de ‘La noia’, otros de sus singles, como ‘Ci pensiamo domani’ -de su EP de 2023 »Voglia di vivere’- o ‘Che t’o dico a fa’, ya acumulaban streamings multimillonarios. Hija de los artistas Giuseppe Mango y Laura Valente, Mango publicó un álbum en 2020, ‘Monolocale’.
Bat for Lashes, autora de discos tan interesantes como ‘Two Suns‘ (2009), ‘The Bride‘ (2016) o, últimamente, el recomendable ‘Lost Girls‘ (2019), vuelve en 2024 con nuevo disco. ‘The Dream of Delphi’ hablará de la maternidad en tiempos de pandemia y guerra, pues Delphi es de hecho el nombre de su hija.
«Me siento tremendamente privilegiada de poder crear un álbum sobre la profunda experiencia de la maternidad», escribe Khan en Instagram. «Esto me da la oportunidad de celebrar la vida de mi hija. Hay muchísimo sufrimiento en el mundo, y no se me escapa que, en este momento tan duro y angustioso, estoy lanzando una obra de arte que versa sobre la santidad de la infancia, sobre la herida materna compartida y sobre la importancia de estar conectados en una manera universal. Un disco que invita a curar nuestro niño interior. Es un disco sobre el amor incondicional que invita a proteger esa pureza».
El primer adelanto, ‘The Dream of Delphi’, ya está disponible, aunque para ver el videoclip hay que esperar unas horas. Se trata de una composición épica dividida en dos partes. La primera es celestial y evoca un sueño maravilloso valiéndose de una mezcla de sintetizadores y arpas (la arpista Mary Lattimore es una de las autoras acreditadas). Como un río, ‘The Dream of Delphi’ se desarrolla libre y, después, alcanza su clímax y desemboca -rompe- en un mar de beats electrónicos y cuerdas que mezcla lo digital con lo orgánico. Los pájaros siguen volando alrededor de la canción.
El sueño de Bat for Lashes es por supuesto la maternidad. El amor de Natasha Khan a su hija «eleva» su alma. La pureza de esos «dedos que tocan la brisa» y que «juegan con ángeles» hacen que Khan sienta un amor «profundo». La «luz de ópalo» ilumina el ambiente. Todas estas imágenes naturales inspiran una canción que suena igualmente venida de un lugar de conexión con la naturaleza. Con ella, Bat for Lashes invita a la audiencia a «sanar su relación con la Madre Tierra» y a sentir «gratitud por co-existir en nuestro planeta».
‘The Dream of Delphi’, el disco de Bat for Lashes, se pondrá a la venta el 31 de mayo, incluyendo una versión extendida del single principal. Este es el tracklist:
01 The Dream of Delphi
02 Christmas Day
03 Letter to My Daughter
04 At Your Feet
05 The Midwives Have Left
06 Home
07 Breaking Up
08 Delphi Dancing
09 Her First Morning
10 Waking Up
11 The Dream of Delphi (Bonus Extended Strings Version)
Cinco años después de su primer single, ‘Motivation‘, Normani ha anunciado su disco de debut. ‘Dopamine’ llegará en algún momento por determinar de 2024. La web de Normani incluye una cuenta atrás, aunque lo mejor es que la página recibe el nombre de «dónde está el puñetero álbum», en honor a los sufridos fans de la que fuera integrante de Fifth Harmony.
De momento, Normani ha revelado la portada -portadón- de ‘Dopamine’, que muestra a Normani subida a un cohete. La cubierta se compone de una fotografía tomada por Hugo Comte, autor de otra de las portadas icónicas de los últimos años, la de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa. Antes, Comte había firmado la portada de ‘Pang‘ de Caroline Polachek.
En los últimos años, Normani ha publicado apenas un segundo single en solitario, ‘Fair’ y, sobre todo, se ha entretenido colaborando con Sam Smith (‘Dancing with a Stranger’), Calvin Harris (‘New to You’), Khalid (‘Love Lies’) o Cardi B (‘Wild Side’). ¿Se atreverá Normani a meter todos estos temas en su disco arañando streamings todo lo posible, o preferirá empezar de cero?
Se escribe un nuevo capítulo en la polémica en torno a la participación de Israel en Eurovisión. El país, que había anunciado su candidatura para este 2024 pese a las críticas recibidas por estar bombardeando la Franja de Gaza, ha propiciado que los seguidores de Eurovisión presionen a la UER para su descalificación. Esa descalificación, que hasta el momento no ha llegado, podría estar cerca de ocurrir por la canción con la que Israel pretende subirse al escenario de Malmö.
Según el medio de comunicación israelí Ynet, la Unión Europea de Radiodifusión estaría considerando expulsar a Israel de la competición por sus «referencias políticas explícitas». Eurovisión no permite canciones con mensajes políticos en el Festival, por lo que el incumplimiento de esta norma es motivo de descalificación.
Los medios locales afirman que el tema con el que Israel y su representante Eden Golan quieren participar en el Festival, titulado ‘October Rain’, hace alusión a los ataques del 7 de octubre en Israel. Además, también desvelan que, pese al rechazo de la UER y su amenaza con expulsarles de la competición, la delegación israelí no reemplazará la canción ni cambiará la letra.
Aunque los planes de Israel pasaban por presentar la canción la semana pasada, este enfrentamiento interno con la organización de Eurovisión ha pospuesto su publicación, ya que la UER quería asegurarse de que el tema no contuviera «mensajes políticos». Este proceso no es único para Israel, pues todos los países deben recibir el visto bueno de la UER sobre la canción elegida. Si Israel no fue expulsada del Festival por los mismos motivos que lo fue Rusia hace unos años, ¿será la letra de su canción lo que sí provoque su expulsión?
Lola Índigo también quiere su Bernabéu. Después del tremendo éxito que está teniendo el nuevo Santiago Bernabéu en cuanto a la acogida de conciertos se refiere, la concursante de Operación Triunfo 2017 ha aprovechado la final de OT 2023 para anunciar el que es el mayor desafío de su carrera.
La bomba cayó tras la actuación de la artista en la final de Operación Triunfo del pasado lunes, donde interpretó una canción desconocida y sus recientes hits ‘Casanova’ y ‘El Tonto’. Cuando finalizó su actuación, Chenoa desveló la exclusiva: «Suerte con ese Bernabéu, que lo vas a llenar segurísimo». A continuación, Lola Índigo borró todas sus publicaciones de Instagram y oficializó el anuncio mostrando el cartel.
El cartel promocional de su show en el Bernabéu es protagonizado por una luna, un corazón y una llama de fuego, lo que ha llevado a algunos fans a especular que su concierto puede ser una celebración de los tres discos que ha publicado hasta el momento: ‘Akelarre’ (2019), ‘La Niña’ (2021) y ‘EL DRAGÓN’ (2023). Sin embargo, todavía no hay más información al respecto, al igual que la fecha sigue siendo una incógnita más allá de que será en 2025. Pese a ello, ya se puede acceder a la preventa.
El estadio del Real Madrid, que promete posicionarse como uno de los mejores del mundo tras su remodelación, pretende convertir la capital en el centro de los principales conciertos de España. A su inauguración el próximo 30 de mayo con Taylor Swift, le seguirán los conciertos de artistas como Duki, Manuel Carrasco, Luis Miguel, Karol G y Aitana.
La tercera edición de Beniform Fest ha devuelto la ilusión al concurso mandando a Eurovisión un himno que se ha infiltrado en la conversación social, ‘Zorra’, y descubriendo también una serie de talentos que seguir de cerca. Es el caso de st. Pedro. Su propuesta era tradicional y baladesca, pero las cuerdas de ‘Dos extraños’, escalofriantes en el momento en que hacen su primera entrada en la canción, hacían pensar que España podía enviar un bolero a Eurovisión y quizá ganar.
Hoy es evidente que ‘Zorra’ era la mejor opción. st. Pedro llevaba una canción preciosa, pero el paso de ‘Dos extraños’ al directo -decepcionante tanto en el apartado escénico como en el vocal- ni reafirmó a sus fans, ni convenció a escépticos. Aún así, st. Pedro quedó segundo en la final, principalmente gracias a los votos del jurado, enemigo número 1 de Jorge González.
st. Pedro no ha querido perder el tren y ha publicado álbum pocas semanas después del Benidorm Fest. ‘Esta vida que elegí’ es un estupendo segundo disco que ejerce como debut al gran público de st. Pedro (su debut real es un disco de canciones navideñas) en el que el canario Pedro Hernández, quien ya había pasado por La Voz, y después ha desarrollado su talento durante cuatro años en Miami junto a Rebeca León, ex-mánager de Rosalía, repasa los vaivenes de su vida valiéndose con gran habilidad de diferentes sonidos y ritmos de la música latina tradicional.
La propuesta de st. Pedro, dentro de su afán tradicionalista, es digerible y comercial, en absoluto ambiciosa ni rompedora, pero lo que hace st. Pedro lo hace bien. Hernández defiende todos los estilos a los que se enfrenta, pues tiene la voz para ello. Una voz que transmite bordando la bachata mezclada con merengue en ‘No es lo que toca’, la ranchera en ‘La pistola’, la salsa a lo Héctor Lavoe en ‘El perdón’, o la balada en ‘Romance’. Cuando las composiciones aflojan, como en ‘La pena’ o ‘Tango del cora’, su voz las rescata. En un punto medio, el merengue de ‘El idiota’ cumple su cometido de animar la segunda parte del disco, aunque, como single, no es de lo mejor.
Pero st. Pedro demuestra que sabe lo que hace, sobre todo, dando más sentido al disco del que esperas. No gracias a la portada (o sí, la del segundo será mejor por defecto). En este caso, abriendo el repertorio con una versión inédita de ‘Dos extraños’ en la que las trompetas sustituyen a las cuerdas. Después de machacar durante meses la versión orquestada del Benidorm Fest, enfrentarse por sorpresa a una versión diferente de la canción, instrumentada con el mismo gusto, es básicamente un regalo. Y que el disco se cierre precisamente con la versión a ‘Cuarteto de cuerda’ reconforta, como volver a casa después de un largo viaje.
El disco de st. Pedro luce también gracias a unas letras que, co-escritas por Ioné de la Cruz y Nelson Hernández, son romanticonas y dolidas, pero también respetuosas de lo clásico, poéticas. Digamos que, cuando Hernández canta cosas como “tengo en el pecho una pistola que cada vez que se enamora solo hace daño, cada vez que combustiona pido a Dios que sea mi hora, porque ya no aguanto”, te imaginas a sus referentes cantándola sin problema. Eso sí, como esa rima «Inventamos una historia y la creímos / Pasaron años, nos quisimos / Nos hicimos tanto daño / Y ahora somos dos extraños», por aquí, no hay (casi) nada.
Taylor Swift se consagra como la artista que más ha vendido del mundo en 2023. Así lo ha certificado la IFPI (Federación Internacional de la Industria Fonográfica) en su ránking anual de los músicos con más ventas del año. Se trata de la cuarta vez que Taylor Swift encabeza la lista, más veces que cualquier otro artista en los 11 años registrados.
El liderazgo de la cantante se debe principalmente a su exitoso ‘Midnights’, que le ha valido una histórica victoria a Álbum del Año en la última edición de los GRAMMYs. Pero, además de la promoción de su décimo trabajo discográfico, Taylor Swift continuó en 2023 el proceso de regrabación que la está llevando a ser dueña de su catálogo musical, publicando ‘Speak Now (Taylor’s Version)’ y ‘1989 (Taylor’s Version)’. Como si todo esto no pareciera suficiente, la artista se dispuso a recorrer el mundo con su The Eras Tour, la gira (y la película-concierto) con más recaudación de todos los tiempos.
La lista también certifica el éxito del k-pop, que logra seguir más vivo que nunca pese a la sequía musical de BTS. Tanto es así que los grupos Seventeen y Stray Kids ocupan la segunda y tercera posición respectivamente. Además, le siguen de cerca Tomorrow x Together y NewJeans, en séptimo y octavo puesto respectivamente. De los diez artistas y/o grupos más vendidos de 2023, cuatro son de música k-pop.
La mayor sorpresa de la lista es la aparición de Lana Del Rey, situándose como una de las artistas superventas del año por primera vez desde 2014 y haciéndolo dentro del top 10 por primera vez en su carrera. La cantante publicó el pasado mes de marzo ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, su noveno álbum de estudio. Asimismo, en mayo haría lo propio con ‘Say Yes To Heaven’, una de las canciones filtradas más famosas de la cantante que finalmente convertía en single.
Estos son los artistas con mayores ventas de 2023:
1. Taylor Swift
2. SEVENTEEN
3. Stray Kids
4. Drake
5. The Weeknd
6. Morgan Wallen
7. TOMORROW X TOGETHER
8. NewJeans
9. Bad Bunny
10. Lana Del Rey
Estos han sido los artistas superventas de cada año:
2013. One Direction
2014. Taylor Swift
2015. Adele
2016. Drake
2017. Ed Sheeran
2018. Drake
2019. Taylor Swift
2020. BTS
2021. BTS
2022. Taylor Swift
2023. Taylor Swift
Aitana protagoniza el primer teaser de la película de Netflix ‘Pared con Pared’, que llegará a la plataforma el próximo 12 de abril. El filme, dirigido por Patricia Font, es un remake de la cinta francesa de 2015 ‘Tras la pared’ de Clovis Cornillac, y cuenta con Aitana Ocaña y Fernando Guallar como personajes principales.
‘Pared con Pared’ narra la historia de una joven pianista, interpretada por Aitana, que se ve obligada a enfrentarse a su vecino, cuyo papel ostenta Fernando Guallar, cuando él le reclama silencio absoluto para poder concentrarse en su trabajo.
En el nuevo vídeo promocional podemos ver en acción a los dos protagonistas, donde están literalmente «pared con pared». Esta, además, supone la primera película de Aitana. Su debut como actriz, no obstante, tuvo lugar a finales de 2022 con el estreno de ‘La Última’, serie junto a Miguel Bernardeau para la que publicó la Banda Sonora Original.
Sam Quealy es una cantante y bailarina australiana que se dio a conocer bailando vogue en ballrooms y ejerciendo de showgirl en París, ciudad en la que hoy reside. En un momento, Quealy decidió convertirse en lo que siempre había soñado ser: estrella del pop. Inspirada por Madonna, a la que ha versionado, y por iconos del indie sleaze como Peaches, Sam Quealy ha publicado su primer disco, ‘Blonde Venus’, un chute de adrenalina electro-house que le ha hecho ganarse el título de «reina de la noche». Este sábado 24 de febrero, Quealy presenta ‘Blonde Venus’ en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen disponibles.
¿Cómo terminas formando parte de la casa de voguing Commes de Garçons?
Soy de Sydney, Australia, me mudé a París cuando me dedicaba profesionalmente a bailar. Hacía danza clásica y contemporánea. Cuando me mudé a París empecé a asistir a las ballrooms. Las observaba y me inspiraban muchísimo. Me fascinaba la seguridad que los performers desprendían en el escenario. Me obsesioné con la cultura de las balls y empecé a practicar voguing de manera autodidacta, en mi casa y en el estudio de baile. Seguí acudiendo a ballrooms hasta que decidí participar en uno y el primero en el que participé lo gané. Entonces me preguntaron si quería formar parte de una “house”, y esa “house” era el Commes de Garçons. Ya hace tiempo que formo parte de esta casa. La categoría en la que desfilo es “Sex siren”. ¿Qué te aportó esa primera época de tu carrera?
Cuando me vine a París no hablaba el idioma, y para mí fue muy importante poder formar parte de una comunidad y comunicarme no a través del lenguaje, sino a través del baile.
¿De qué manera el ballroom inspira tu trabajo musical?
Lo que más me ha inspirado del ballroom ha sido esa confianza y seguridad en una misma que los artistas de voguing llevan al escenario, esa capacidad de ser la tía más chula, ¿sabes lo que te digo? Pero diría que mi música está más inspirada en el indie sleaze y el eurodance de los 90 y de primeros de los 2000. También me influyen el italo disco y la electrónica de rave. ‘Blonde Venus’ es un disco de pop, pero siendo un disco de pop es, por los estilos que toca, en realidad bastante hardcore. Es más duro que la música pop normal. Después, el show que traigo también es pop en cuanto a que tiene una estructura pop, bailarines, un juego con lo masculino y lo femenino y una mezcla de cosas trash y otras superpop o punk. Hay de todo.
¿El baile te ha dado una base para tu carrera como cantante?
Cuando escribía mis primeras canciones siempre lo hacía pensando en que tuvieran ritmo y se pudieran bailar, incluso en poder prepararles una coreografía, ya que también soy coreógrafa. En mi cabeza los principios, medios y finales, los acentos rítmicos, me venían de manera natural componiendo canciones. Es una manera diferente de componer a como lo haría un músico académico, pero creo que eso me ha dado una ventaja porque no he tenido limitaciones, he podido crear música sin reglas preestablecidas, solo pensando en que la gente la pudiera bailar en la discoteca. Así es cómo he escrito este disco.
¿Cuál es el momento en que decides que la música será tu principal vía de expresión?
Siempre he sabido que quería ser popstar. Cuando era niña me montaba mis shows en casa en Australia y obligaba a todo el mundo a que me mirara. En el inicio de la pandemia decidí que debía canalizar todos mis intereses creativos en un único proyecto y centrarme principalmente en mi carrera musical.
En París ejerciste de showgirl, además de bailar en ballrooms.
Sí, bailaba en un cabaret, en el Paradis Latin, hacía un show similar al de Moulin Rouge. Fue una experiencia increíble al principio, pero después me harté porque el show era el mismo todas las noches. En ese momento empecé a soñar en tener mi propio show, en actuar con mi propia música y mis propias coreografías, en presentar mi propio arte, en definitiva.
¿Por qué te representas en la figura de Venus?
Siempre supe que el disco se llamaría ‘Blonde Venus’. Venus es la máxima representación de la Diosa hiperfemenina, que es el personaje que representa mi proyecto. Es una versión extremadamente exagerada de ese personaje, casi caricaturesca, de esa tía que exuda seguridad y se la suda todo. Es el personaje de una superheroína que he creado yo para mí misma.
En tu música hay mucho spoken word, y luego los beats son duros y excitantes. Cuando escribes música, ¿hay algo que no negocies en absoluto?
Eso viene de mi admiración por Peaches y Uffie, dos artistas que rapean súper rápido y después meten la melodía. Me gusta usar el spoken word para colar la mensaje y después la melodía y el beat es lo que bailas en la discoteca.
Tus videoclips son muy visuales. ¿Te interesa subrayar más la parte estética, o más bien la narrativa?
Ambas, sin duda. En los vídeos interpreto personajes porque cuando compongo las canciones ya lo hago con esos personajes en mente. Escribiendo ‘Klepto’ me imaginaba interpretando al típico personaje cleptómano de Hollywood que se pone a robar mil cosas que no necesita porque ya es una persona rica. Para mí los vídeos son igual de importantes que los directos. Elevan las canciones.
Cruïlla ha desvelado el cartel completo de su edición de 2024 este mediodía durante una rueda de prensa celebrada en la Fàbrica Damm de Barcelona. El festival se celebra entre el 10 y el 13 de julio en el Parc del Fòrum y ya había confirmado en su cartel la presencia de Smashing Pumpkins y Avril Lavigne, entre otros. Las entradas están disponibles en la web del festival.
Entre las grandes incorporaciones al cartel de Cruïlla se encuentran las de Pet Shop Boys, que encabezan la programación del sábado 13 de julio; Aurora y Johnny Marr, que se incorporan también al sábado; Kasabian, The Kooks y Amaral, que se suman al viernes 12; la reina del merengue Olga Tañón y Chucho Valdés, que lideran el jueves 11, y María Becerra y Trueno, que se añaden al miércoles 10.
Entre los interesantes nombres que acogerá Cruïlla en esta próxima edición se encuentran también los de Selah Sue, Peter Fox (de Seeed) o Albert Pla, y no se puede pasar por alto la presencia en el cartel de algunos de los nombres nacionales que más han sonado últimamente o que más sonarán en el futuro, de Rojuu a The Tyets pasando por Ganges, Maestro Espada, María Escarmiento, Zetak, María Blaya, Nunatak, La Plazuela o Kora.
Independientemente de lo que signifiquen los 3,5 millones de usuarios únicos que han conectado esta temporada con Operación Triunfo, la llegada del formato a Amazon Prime solo puede considerarse un éxito enorme. El programa ha vuelto a ocupar la conversación social, recordando aunque sea tímidamente a la primera edición de 2001 y a la que en 2017 ganó Amaia. Juan Sanguino, que ha publicado en nuestras páginas unas crónicas imperdibles que trascienden el morbo del reality para llegar a lo social, visita nuestro podcast para analizar el fenómeno. Juan sitúa esta edición en la «mitad superior» de las que se han realizado, consciente de que «el milagro 2017 no se va a volver a repetir», porque «como el de OT1, no se puede planificar».
En esta hora y media de podcast, y sin voluntad de intelectualizar el formato, hablamos de su valor social. «Toda la televisión que ha tenido repercusión explica la sociedad. Incluso los programas que han fracasado también explican la sociedad que los rechazó. Pero OT es el único programa que lleva 22 años en antena, de manera más o menos ininterrumpida», indica Sanguino.
Continúa después: «OT no puede evitar reflejar la sociedad del momento en que se produce, como programa de telerrealidad. Las películas y las series están más calculadas. Pero OT suelta a 16 chavales en una Academia, que representan unos valores y un espíritu de trabajo». Claudio M. de Prado considera que el programa «fuerza determinados valores», en esta edición el componente LGTB+: «No es lo mismo que hacer un reality de Derecho». En otro momento Sanguino puntualiza que «la masculinidad de Javián, Bustamente y Manu Tenorio (el primer OT) muestra una civilización distinta a la masculinidad de Lucas, Juanjo o Chris (de la última edicion)». Por eso cree que Operación Triunfo muestra «la evolución de los valores, de la economía, de la estética, de las sexualidades disidentes».
Igualmente es un reflejo de la sociedad el modo en que se ha moderado el jurado respecto a los tiempos de Risto o incluso el modo en que los periodistas nos autocensuramos para no hacer daño a los concursantes desde nuestro textos, en la era en que por fin se ha puesto sobre la mesa la salud mental. Dice Juan: «Es casi inevitable comentar el programa como si fuera ficción, como si fueran personajes de ficción. Hay quien dice: «Sale en TV, que se aguante». Y eso es una mentalidad de la que no quiero participar. He sido muy bruto. Me he pasado de ácido, de mordaz, he tenido momentos que se podrían considerar de maldad, de crueldad. Pero siempre desde la broma y el cariño por todo el mundo que está involucrado. ¿Que hay gente de la organización que me odia a muerte? Sí. Y lo entiendo. Pero son textos que, si has leído varios, o uno desde el principio, el tono desde el principio es de amor absoluto, y cariño absoluto al formato».
Sobre lo blanco que ha sido el jurado, indica: «Hay actuaciones que son malas. Decir lo contrario es ser jurado de OT 2023. Solo han dicho cosas buenas. Y los profesores. Ha sido una edición caracterizada por el miedo a hacer bullying. Recordemos que a Los Javis les acusaban de torturar a los chavales, y las interpretaciones que han sacado Los Javis, no las han sacado otros profesores». Criticando la falta de tensión, hablamos de la excepción de Buika, finalmente algo atrapada en su propio meme. Y no nos olvidamos de Masi.
El podcast también tiene una amplia parte meta en la que Juan nos cuenta quién era su favorita desde el principio, qué fans son los más pesados, cómo ha realizado sus larguísimas crónicas de madrugada, qué se ha autocensurado, qué decálogo se ha impuesto y qué le ha aportado todo esto. «Nada me ha dado tanto feedback como las crónicas de OT. Un amigo me dice que sacan lo mejor de mí. Nada me hace tan feliz como escribir sobre OT», señala antes de anunciar que seguramente no volverá el año que viene…
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