Father John Misty ha vuelto con ‘Mahashmashana’, uno de sus discos más ambiciosos. En su sexto trabajo, el cantante de 43 años se mueve constantemente entre lo divino y lo terrenal, abordando temas como el sentido de la existencia, la salud mental (en el tema del mismo nombre) o la corrupción de la humanidad. Este último podría valer como el tema principal de ‘She Cleans Up’, la Canción del Día.
‘She Cleans Up’ es la segunda canción más corta del LP, con solo unos segundos de diferencia respecto a la primera. Lo que más llama la atención inicialmente es el título. ¿Por dónde va a ir Josh Tillman en esta ocasión? Le das al play y, antes de obtener respuesta, suena, probablemente, la instrumental más cool de la carrera de Father John Misty. Es sucia, a lo ‘The Velvet Underground & Nico’, pero ordenada.
Escrita junto a Viagra Boys, ‘She Cleans Up’ es una gran sátira sobre el comportamiento de las celebridades (hombres, principalmente) y personas en posiciones de poder respecto a las mujeres. Todo empieza con una pregunta, desarrollada en la primera estrofa: ¿Qué pasaría si María Magdalena se hubiese enterado de que iban a matar a Jesús y hubiese decidido evitarlo? ¿Habría hecho lo mismo Jesús?
La respuesta a la que llega Tillman a lo largo del tema es que, probablemente, no. El artista estadounidense referencia la película ‘Under The Skin’ de 2013 como símbolo de algo que horroriza al hombre machista, en contraste con la estrofa siguiente, en la que aborda el tema de los abusos en Hollywood y de figuras como Harvey Weinstein: «¿Al menos consiguió la película?», se pregunta.
La canción termina en una nota pesimista, dando a entender que, como en la mayoría de casos, el abuso de poder sobre las mujeres siempre acaba igual («Ya sé cómo termina esto»). Aquí, FJM propone tanto algunos posibles desenlaces («Cien mil millones de bebés nacidos cada milenio») como puro comentario sobre el tema («Espero que nadie se meta con los hombres rechazados equivocados»).
YSY A es una eminencia en Argentina. Alejo Acosta fundó El Quinto Escalón a los 13 años, una de las competiciones de freestyle más importantes del mundo hispanohablante, y de la que han salido artistas como Duki, Paulo Londra, Trueno y muchos otros que hoy en día nos encontramos en las listas de éxitos. Incluso un joven Bizarrap aprovechaba por aquel entonces el boom de las batallas para empezar a subir vídeos compilatorios de los mejores momentos.
Todo este efecto mariposa desemboca en la gran relevancia del trap argentino a nivel internacional, el cual YSY conoce realmente bien. Gracias a unas letras con sustancia y a un inimitable flow, el artista de 26 años ha agotado todos los estados de Argentina y Latinoamérica, provocando hasta terremotos por el camino. Ya ha hecho historia en su continente. Ahora quiere conquistar los que quedan.
En su camino a la dominación mundial, YSY A hará dos paradas en nuestro país. El artista argentino actuará el próximo 27 de marzo de 2025 en el Wizink Center de Madrid y el próximo 5 de abril en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas, disponibles en Vivaticket y en la web del recinto.
Hablamos con YSY A sobre las similitudes entre el tango y el trap, los prejuicios del género, el origen de la ambición y la importancia de las canciones con mensaje.
Siendo honesto, nos hemos arriesgado con esta entrevista. Nuestra web es principalmente de pop, aunque saquemos cosas de rap a veces. Sin embargo, dados los tiempos en los que vivimos y, sobre todo, en Argentina, tú eres de lo más pop que hay, ¿no?
La verdad es que para lo poco comerciales que son mis letras, soy bastante popular. La gente, el pueblo, me quiere.
¿Cómo te presentarías ante una audiencia que no te conoce?
Me presentaría como un rapero al que le gusta desafiar a cualquier tipo de ritmo.
¿Nada más?
Bueno, esto es un resumencito para ser humilde. Quiero ser el mejor rapero de la historia y lo estoy tratando de demostrar con discos y giras.
Podrías presentarte de muchísimas formas. Creaste El Quinto Escalón con 13 años, has recorrido todos los estadios de Argentina…
Si arrancamos así, tengo 13 años para contar. Fui… Supe ser un joven soñador y ahora ya soy un joven adulto queriendo conquistar el planeta.
¿Qué piensas al recordar todo lo que has hecho?
Mucha emoción y convicción. Qué bueno todos esos sueños que tenía el Alejo de 13 años. Cuando empecé a rapear, ni me imaginaba vivir todo esto tan fuerte al día de hoy. Por eso lo trato siempre en las letras. Comparto esa inspiración para que el pibe o la piba que me escucha, por más que tenga otra vida, que sea deportista, que sea modelo, que estudie, que no, que se puedan sentir inspirados por mi mensaje. Hay que estar noches y días peleando por el sueño de uno.
Hace un tiempo igual era diferente, pero ya llevamos unos años en los que el hip hop, el trap, es el pop de hoy en día. Con todo el tiempo que llevas tú en el mundillo, ¿has notado este cambio en primera persona?
Muy lindo lo que decís. Al principio, el trap era una cosa de nicho, un sonido raro, loco. Acá en Argentina estamos muy acostumbrados a ver lo que pasa en el mundo y a querer deformarlo y hacerlo de otra manera. Cuando conocimos el trap y creé El Quinto Escalón era todo muy freestyle. Empezamos a entrar en el estudio, sacamos la primera canción y la gente no entendía nada, pero nosotros estábamos muy seguros de que había que hacer eso. Con el paso del tiempo, la gente fue escuchando, fue prestando el oído y, el día de hoy, es un sonido súper pop en Argentina. Lo conoce todo el mundo. Mucha gente se siente representada con el sonido.
En concreto, el trap argentino es muy respetado en todo el mundo.
Es muy lindo el cariño y el recibimiento que tenemos en todos lados. Yo estos últimos dos años viajé por diez países y es una locura llegar a tantos lugares y que nos reciban de esa manera. Creo que es una cuestión de que acá estamos en modo supervivencia, en el sur del mundo. Eso se refleja en el hambre que tiene la música, en el hambre que tiene el arte.
Este verano estuviste en el Sonorama Ribera. No es un festival en el que el hip hop tenga mucha presencia, pero de vez en cuando está programado. En la crónica dije que tenías el show más original de todo el festival, por mezclar el trap con un grupo de tango.
Fue la primera vez que tuve el honor de llevar a la orquesta con la que trabajo a otro país. Como decís vos, es un festival que su fuerte no es el trap o el hip hop y hay músicos muy grandes y respetados. Caímos con la orquesta, nos paramos ahí con la bandera, con la celeste y blanca, con el sonido del tango y fue un recibimiento increíble. Es un sonido que quiero seguir exportando al mundo porque sé que me va a llevar muy lejos.
¿Por qué pensaste que tenías que ofrecer un concierto diferente?
Justamente, porque era un festival que no era de trap. La oportunidad especial para ir con lo más musical de mi carrera, porque yo hago trap, es el sonido que más me gusta, pero, como dije al principio, yo quiero desafiar los ritmos. Quiero subirme a cosas que parezcan imposibles de rapear y hacer obras hermosas. Con el tango me pasó esto. Encontré sensaciones y emociones que nunca había conocido.
Creo que también callaste bocas, porque el trap es visto muchas veces como un género sin virtuosismo.
Siempre traté que el mensaje, los valores y el contenido de la música conecten con la gente. Entonces, traté de hacer un trap lo más fino y elevado posible, ¿viste? No, el trap no tiene letra. No, el trap no es música. Es todo autotune, no sé qué. Este último disco que saqué tiene mis letras favoritas de toda mi carrera. Sé que la gente no está acostumbrada a que haya canciones de trap con un mensaje, con un contenido más profundo, pero yo me acostumbré a hacerlo así toda la vida.
¿En qué se parecen el tango y el trap?
¡Uf, qué lindo! Creo que lo que más conecta, como se le dice en el tango, es el barro, la sangre… Esa cosa de venir de abajo, de haber pasado hambre, de no tener, de no ser, de ir aprendiendo y de chocarte con todo. Tiene también una oscuridad y una melancolía especial. El trap es pesado, son todas escalas menores, y creo que ambos géneros te permiten expresar muchas cosas. En una canción electrónica o de reguetón, yo no me voy a poner muy introspectivo ni muy filosófico con mi mensaje. Una canción de reguetón diciendo: «Dale, hermano, que tenemos que salir a conquistar el mundo. Armaremos una empresa entre todos, vamos a trabajar y a luchar». No puedo hacer una canción con ese mensaje. El tango y el trap te permiten armar una historia más profunda y más personal.
En ‘TRAMPA AL TIEMPO’ echas la vista atrás en tu carrera, como una recapitulación de todo lo vivido. ¿Qué significa para ti este disco?
Al fin y al cabo, yo tengo 26 años. Soy super joven, pero miro para atrás y hace 13 años que estoy haciendo esto. Ya tengo nueve discos, estoy tocando en diez países por año, estoy llenando estadios, entonces es muy fuerte para mí. Este año fue uno de madurez, de frenar y de mirar para atrás. Es un disco especial para toda esa gente que me sigue aceptando y para ese Alejo interior que vivió y soñó todo esto, y que ya lo está viviendo. En mis discos anteriores yo te podía hablar de que soñaba hacer cosas que al día de hoy, gracias a Dios, ya estamos viviendo. Entonces, ¿qué quieres que te cuente? ¿De qué quieres que hablen las letras? Estoy todo el día trabajando y desviviéndome por mi carrera. Yo no hago nada más que esto.
Cuando empecé a escuchar tu música, no solo este disco, me sorprendieron mucho tus letras, porque sentía que no estaba perdiendo el tiempo. Hay mucha motivación e inspiración en ellas. ¿Cómo de importante es esto para ti?
Yo lo que le aporto al mundo son las letras. Me tengo que concentrar en que sean buenas, buenas, buenas, porque es lo único que se le está dando al planeta. Para mí es una responsabilidad. Mi primer disco habla de la vida nocturna y de lo salvaje que fueron estos primeros años de pegarnos, pero ya en el segundo me di cuenta de que el mensaje mío no tenía que ser ese. Si yo le decía a todos los pibes que me seguían que había que estar de fiesta y descontrolado todo el tiempo, yo sabía que esa gente no iba a lograr nada en su vida. Entonces, en ‘HECHO A MANO’, yo ya dije: «Acá le tengo que poner mensajes a mi gente, algo que los acompañe a combatir los días malos, los momentos en los que no tenés ganas de trabajar, de estudiar, de entrenar». Este disco justamente es como volver un poco a ese mensaje. La letra es lo más importante.
¿Alguna vez has visto o sentido el efecto real de esas letras a tu alrededor, con tus propios ojos?
Sí, mucha gente que necesitaba un shot de energía para luchar por sus sueños y me lo agradecen por la calle. Yo también me diseñé mi propia ropa durante dos o tres años. Me la diseñé, me la estampé… me hacía todo yo. La gente lo vio y empezó su marca de ropa. Raperos y productores queriendo armarse sus sellos independientes después de vernos a nosotros hacerlo… Me pasó que un seguidor de acá, de Argentina, me dijo: «Vos me salvaste la vida». Y yo digo: «Bueno, gracias, ustedes también me salvaron la vida a mí». Porque es la verdad. Y el me decía: «No, pero vos no entiendes lo que te digo, no entiendes por qué me salvaste la vida». Me dice: «Con ‘Antezana 247’ yo te conocí a vos, pero con ‘HECHO A MANO’ me conocí a mí». Por más que vivimos cosas distintas… Yo ya soy un artista consagrado, exitoso, famoso, escuchado, pero igual hay que lograr conectar entre mi vida y esas millones de personas que me trajeron hasta acá.
Seguro que tú tampoco eres infalible. Me imagino que habrás tenido dudas durante tu carrera.
Sí, sí… Justamente de eso va el primer tema del disco, ‘DUELE’. Yo sé lo que duele estar sin lograrlo, noches sin dormir, ni comer, con un montón de gente a favor, con un montón de gente en contra, con nuestras familias que no entendían nada, con nuestros amigos, que nos tuvimos que alejar… El éxito está detrás de todos estos días de incertidumbre, de conflicto con uno mismo. La gente te ve encadenado, pero de los 365 días del año, solo el 10% son de éxito.
¿Qué hace falta tener para arriesgarse al éxito? Como dices en la canción…
Mucho amor y mucha convicción. Yo esto lo hago realmente por amor. La plata es algo que me encanta, porque me ayuda a mejorar mi obra, pero como dice el último tema del disco, yo nunca lo hice por la plata. Me meto dentro de estas cuatro paredes, enfrente del micrófono y hago lo que más feliz me hace hacer en el mundo. No lo dudo. Hay años mejores, hay años peores, hay errores… Soy un artista independiente, así que cada error que cometo lo tengo que pagar yo, y se aprende mucho.
En el disco también hablas de tus planes de futuro, que básicamente consisten en conquistar el mundo. ¿Esa ambición se construye o naces con ella?
Es algo que se entrena y se trabaja. Es muy importante tener un buen equipo, hermano. Gente que tenga el mismo hambre que vos, gente que esté loca como vos por hacer historia, por lograr esas cosas que parecen imposibles. Eso sí es un gran consejo que es muy importante y que alimenta ese hambre de la que estamos hablando. Es algo que se trabaja porque mientras más profesional te haces, más cuesta tener hambre, porque más te malacostumbras. Todo el mundo te ama, vas a los mejores restaurantes, viajas en primera… Todo lo que tiene la fama. Entonces, es muy importante no olvidarse de ese niño interior que uno tiene, de ese sueño… La fama y la plata te pueden hacer olvidarte un poco de esto y es un trabajo muy importante que hay que hacer de mantener ese fuego prendido.
El 27 de marzo vienes por primera vez al Wizink Center y el 5 de abril al Sant Jordi Club de Barcelona. ¿También tienes preparado algo especial para esas fechas?
Sin duda. Estoy preparando algo muy fuerte, porque yo ya tengo nueve discos. Elegir las canciones es un desafío. Y gracias a Dios, mi gente me sigue desde mi primer disco. Es una oportunidad muy especial para mí ir allá a un lugar tan grande, teniendo tanta discografía encima, y poder armar un show de todo. Tanto en Madrid como en Barcelona, he tenido shows muy buenos, para 2.000 personas, 1.500… y hemos hecho temblar todo. Ahora, con más miles de personas, no lo puedo creer.
Destiny’s Child se han vuelto a reunir esta semana, en la noche de estreno de la adaptación de Broadway de ‘La muerte os sienta tan bien’. Michelle Williams es una de las protagonistas de la obra, interpretando a Viola Van Horn. Beyoncé y Kelly Rowland no han dudado en apoyar a su excompañera de grupo.
No es la primera vez que el trío se reúne en 2024. El pasado enero actuaron en el 50 cumpleaños del marido de Rowland, cantando una versión especial del ‘Cumpleaños feliz’. También lo hicieron en la Super Bowl de Beyoncé de 2013, en los premios Stellar Gospel de 2015 y en la actuación de Coachella de Beyoncé en 2018.
Esta última vez ha sido inmortalizada por la cantante de ‘COWBOY CARTER’ en dos publicaciones de Instagram, mientras suena la canción ‘II Most Wanted’. Igual es hora de ir pensando en un remix de Destiny’s Child que se titule ‘III Most Wanted’. Respondiendo a la publicación, Williams ha comentado: «Intento no llorar muy pronto en el día PERO… Mis hermanas para siempre!!».
Lady Gaga vuelve a imponerse con ‘Disease’ como lo más votado en la final de X, por cuarta semana consecutiva. Como en la lista oficial española, Judeline marca un nuevo máximo esta semana con ‘zarcillos de plata’, llegando al top 5. La entrada más fuerte de la semana es la de Addison Rae, seguida de cerca por Sen Senra con ‘Ataúd’. Cariño y Primal Scream rondan el top 20, mientras Parade y Nacho Casado llegan al top 40.
Cassie Ramone es casi el arquetipo de artista de culto de los años dos mil. Si bien tuvo cierta repercusión como parte de las Vivian Girls y por su proyecto The Babies con Kevin Morby, siempre ha permanecido fiel a hacer música por razones artísticas y no económicas, lo cual te sitúa en ese nicho de supuesto prestigio pero nunca llena tu cuenta bancaria. Si a eso añadimos las vicisitudes de la vida que impiden centrarte en tu carrera, y que Cassie glosa con sinceridad en las notas del disco (“dejé de beber, volví a estudiar, pasé 24 horas en la cárcel y he estado trabajando en los últimos años repartiendo comida para diversas apps”) se puede entender la casi década que ha pasado desde su última entrega en solitario. Una discontinuidad que contribuirá -nos tememos- a que este disco maravilloso de una artista realmente singular pase bastante desapercibido. Y no será porque otras artistas también brillantes no nos lo recomendaran hace ya meses.
A eso hay que añadir los modestos medios: grabado a su bola junto al músico y compinche Dylan White, autoeditado por ella misma para no tener que esperar los lentos tempos de las discográficas, promocionado intermitentemente en redes con la confesión por delante de que no le agradan nada, ‘Sweetheart’ es un disco tan DIY como cabría esperar. Y sin embargo resulta la obra de la carrera de Cassie Ramone con el acabado más fino, las composiciones más inspiradas y la magia más especial. Conforme las semanas pasen y vaya cayendo en el inevitable olvido, fuera de la mayoría de listas de lo mejor del año, se volverá a repetir otra más de esas pequeñas tragedias, tan cotidiana y vulgar en el mundo de la música, pero tan injusta.
Porque en algún universo paralelo se apreciaría en su justa medida el reverbcore melódico, el pop personal y bellísimo de Cassie contenido en estas once canciones creadas por ella en solitario, y arregladas y construidas junto a White a distancia, entre Brooklyn y Nueva Jersey. Además, el hecho de que sean piezas más “vestidas” que en sus dos discos anteriores (el folkie y parco ‘The Time Has Come’, 2014, y el fascinante pero sobrio disco navideño ‘Christmas in Reno’, 2015) las eleva a un estatus de promesa cumplida que faltaba quizá en aquellos LPs previos.
Son canciones con formato de banda, con líneas de bajo e interesantes riffs de guitarra, y una profusión de melodías de clásico instantáneo. Ocurre en las (varias) cumbres del álbum, desde el casi-villancico de ‘Joy To The World’ (con su melancólica melodía a lo Brian-Wilson-de-bolsillo y toques de sinte) hasta la belleza envuelta de eco de ‘Wait a Minute’, a medio camino entre el C86 reverbcore de unas Shop Assistants y el pop eterno de la era del edificio Brill. También ‘He’s Still On My Mind’ ofrece una melodía de ensueño muy girl group, envuelto en riffs psicodélicos y toneladas de eco.
Pero la verdadera cúspide es ‘Together’: empieza sonando como Mary Weiss al frente de The Clientele y de repente transmuta en un banger con riff de guitarra memorable, una de las mejores canciones del año de largo, y otro tesoro que pasará desapercibido salvo que caiga en oídos de algún music supervisor de cualquier serie famosa (lo merecería). Además, sus versos sencillos pero directos se conjugan a la perfección con la emocionante música (“Me pillaste en el peor día posible / Y clavaste una flecha en mi corazón”).
Otro dato clave: a lo largo de todo el disco estas melodías que entremezclan indie millenial, gran cancionero pop americano (doo wop, Beach Boys) y hasta virutas de punk pop Cassie las envuelve mágicamente en una nube de borrosa felicidad reverbcore, una producción llena de ecos, neblinas. De ese modo las características voces agridulces, armonizando a veces no completamente afinadas, se disipan casi completamente en ese inmenso vapor de reverberación. Un enfoque reverbcore que resulta por tanto el elemento más definitorio de este ‘Sweetheart’, y está fascinantemente presente en todo el disco: ecos sin ningún tipo de medida, puro expresionismo, aunque sepulten armonías vocales, letras… porque lo que pueda emborronarse en un sentido, lo aporta en expresión por el otro, como si fueran las líneas de un diario personal descoloridas y borradas por el paso del tiempo.
Esto no es algo nuevo en Cassie: recordemos que las Vivian Girls fueron las reinas del reverbcore en los 00s, llegando incluso a actuar en directo durante una temporada con tres pedales de eco de muelle Holy Grail enchufados a los sus tres micrófonos, para alimentar sus voces con océanos de reverberación. Pero de alguna forma la nativa de New Jersey ha sublimado en esta última colección de canciones el poder evocador de ese efecto de manera especialmente brillante.
También muchas de las cualidades melódicas de este álbum estaban de alguna forma presentes en Vivian Girls -especialmente conforme los discos pasaban y abandonaban su ascendencia punk de los comienzos- e incluso en sus otros proyectos, en solitario o acompañada. Pero yo no había oído tantas melodías juntas tan bien trazadas por Cassie hasta el momento. Porque incluso album tracks como ‘Dilly Dally’ con su deliciosa caja de ritmos y aires Americana o la sorpresa grunge-pop un poco Sebadoh de ‘Running Dry’ son tremendamente adictivos, con el añadido de letras muy notables que plasman momentos turbulentos que Cassie intenta procesar escribiendo canciones pop (“Inicias un incendio forestal / Para quemar el desastre que has estado escondiendo /
Y quieres matarte, quieres por fin dejar de luchar / Por lo único que has hecho bien en tu vida”). Por cierto, Mac DeMarco participa en la sofisticada ‘The Only Way I Know How’.
El disco viene acompañado de un curioso “ensayo visual” en Youtube que dura la totalidad del LP, aunque no es en absoluto necesario para disfrutar lo que es básicamente un enorme disco de pop.
Father John Misty está teniendo el lanzamiento de disco más random de su carrera. ‘Mahashmashana’, el sexto disco del estadounidense, ha salido el mismo día en el que Kendrick Lamar ha decidido lanzar su nuevo disco sorpresa, ‘GNX’. Además, Cher se ha enterado de la existencia del cantautor.
Josh Tillman y Kendrick Lamar tienen una curiosa historia juntos. Desde el segundo disco del rapero en 2012, ‘good kid, m.A.A.d. city’, ambos han lanzado sus proyectos en el mismo año. Normalmente, con semanas o incluso días de diferencia. Hasta ahora, la mayor cercanía se dio en 2017, cuando Lamar lanzó ‘DAMN’ solo una semana después de la salida del mastodóntico ‘Pure Comedy’.
Sin embargo, hoy ha sido el colmo, ya que los dos han publicado su disco el mismo día. Por eso, tanto Father John Misty como sus fans se han volcado con el meme, bromeando sobre lo sucedido: «Ahora no, estoy garabateando furiosamente mi respuesta», escribía Tillman en X.
Poco después, este subió a Instagram una nueva canción, que no tardó en describirse como un «diss track» a Kendrick. La confusión es intencionada, al parodiar la portada de los recientes temas dedicados a Drake. En realidad, la canción se llama ‘God’s Trash’ y ya había sido desvelada en algunos conciertos del cantautor.
Aun así, la red no ha tardado en llenarse de memes. Uno en concreto es un mashup de ‘She Cleans Up’ y ‘tv off’ en el que Lamar rapea sobre las guitarras de Misty. Este ha reaccionado así: «Tío, ¿cómo?». Otro fan le ha intentado animar con una broma: «Siento que hayas lanzado un disco en el peor día posible para lanzar un disco». Misty se lo ha tomado con humor: «No pasa nada, las únicas otras veces en las que ha pasado solo fueron 2012, 2015, 2017 y 2022».
Kendrick Lamar ha lanzado un disco sorpresa titulado ‘GNX’. Era lo último que nos esperábamos. Es el primer lanzamiento oficial del rapero después de la masiva ‘Not Like Us’ e incluye la canción ‘squabble up’, mostrada brevemente en el videoclip del diss contra Drake. Sin embargo, la Canción del Día es ‘tv off’, otro éxito asegurado para Lamar.
El rapero de Compton vuelve a apostar por el hyphy de la mano de Mustard, artífice del beat de ‘Not Like Us’. Este subgénero del rap surge a finales de los 90 en la zona de la bahía californiana. Su nombre deriva de la palabra «hyperactive». El propio Mustard revivió este estilo a mediados de los 2010 y lo reconvirtió para ser puesto a todo volumen en las discotecas, junto a artistas como Roddy Ricch o YG.
El hyphy alcanzó la fama mundial con el éxito de ‘Not Like Us’, y Lamar no lo ha dejado de lado en ‘GNX’. De hecho, aprovecha para mostrar su versión más despiadada, dejando las metáforas y los conceptos elaborados de lado. ‘tv off’ es un claro ejemplo de esto: «A la mierda ser racional, vamos a darles lo que quieren», comienza Kenny antes de que rompa el beat.
A lo largo del tema, Lamar, con sus constantes cambios e inflexiones de voz, deja perlitas como «esto no es una canción, esto es una revelación, cómo hacer desaparecer a un negro». Drake está retorciéndose en su cama ahora mismo. En el LP, Kendrick no da tregua a nadie, llamando la atención a artistas como Lil Wayne o Snoop Dogg («Snoop posteó ‘Taylor Made’, recé por que fuesen los comestibles»).
‘tv off’ también deja una de las frases más salvajes del proyecto, y nos ayuda a hacernos una idea del momento vital en el que se encuentra el rapero. Se ha dejado de tonterías: «Siente que tiene derecho porque me conoce desde niño / Zorra, apartaría a mi abuela si no lo ve como yo lo veo». Es el complemento perfecto al grito que abre la segunda parte del tema. «¡MUSTAAAAAAARD!» suelta Lamar, en el que es ya un momento icónico del LP.
‘GNX’ es el primer lanzamiento de Kendrick Lamar fuera de Top Dawg Entertainment, el sello que le ha acompañado durante la mayor parte de su carrera. ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ fue su último proyecto con la discográfica.
El LP tiene 44 minutos de duración, divididos en 12 canciones. La lista de colaboradores está formada por SZA, en ‘luther’ y ‘gloria’, Sam Dew, AzChike. Asimismo, hay numerosas apariciones de raperos locales de Los Ángeles, como Dody6 o Peysoh. Mustard, Jack Antonoff y Sounwave, entre otros, han contribuido en la producción del disco.
Khalid, que lanzó ‘Sincere’ a mediados de año, ha salido del armario en X. Lo ha hecho simplemente tuiteando la bandera LGTBIQ+: «Ahí lo tenéis, siguiente tema por favor», ha añadido.
El autor de ‘American Teen’ se ha visto obligado a desarrollar sus pensamientos después de que un usuario respondiese a su primer tweet: «Espero que Mr. Khalid no sea gay». Entonces, el cantante de 26 años ha confirmado definitivamente que lo es y que «no pasa nada».
La noticia llega después de que el cantante Hugo D Almonte publicase en la red social, en un tuit ya borrado, que «uno de tus cantantes gay de R&B favoritos me realiza felaciones y es realmente malo». Él y Khalid tuvieron una relación que no acabó nada bien.
Khalid ha aclarado que si no había salido del armario públicamente, es porque «no es asunto de nadie», no porque esté avergonzado de su sexualidad: «Me han expuesto y el mundo sigue girando. No estoy avergonzado de mi sexualidad! La realidad es que no es asunto de nadie! Pero estoy bien conmigo mismo», ha escrito en un tuit posterior.
Vulture ha hablado con Almonte para preguntarle sobre lo sucedido: «Es realmente divertido como funciona porque mis intenciones nunca fueron exponer a alguien que claramente ya había salido del armario en la comunidad de Los Ángeles», ha declarado.
I got outted and the world still continues to turn. Let’s get this straight (lmao) I am not ashamed of my sexuality! In reality it ain’t nobodies business! But I am okay with me 🖤 love yall
Amaral ha comunicado el aplazamiento del lanzamiento de ‘Dolce Vita‘, su nuevo disco, que se lanzaba el próximo 29 de noviembre, por asuntos familiares. Juan Aguirre, mitad de Amaral junto a Eva, se encuentra en Zaragoza acompañando a su padre en el hospital, mientras este lidia con un grave problema de salud, por lo que el grupo debe posponer el lanzamiento del disco y todos sus compromisos profesionales.
En el comunicado, Amaral cuenta que Juan Aguirre se encuentra acompañando a su padre en el hospital junto al resto de su familia, y explica que este hecho les ha sorprendido de manera «súbita e inesperada». Amaral, a continuación, anuncia el aplazamiento de su disco y de «todas las apariciones programadas en televisión, prensa, webs musicales y radio, así como firmas y fiesta de presentación».
Amaral explica que el lanzamiento de ‘Dolce Vita’ es importante para la banda y que espera poder publicar en álbum cuando se encuentre en plenas condiciones para hacerlo: «Queremos que lo recibáis con nuestra presencia y con toda nuestra energía». La nueva fecha de lanzamiento de ‘Dolce Vita’ se anunciará próximamente.
La vida de Phil Elverum dio un giro drástico cuando, en 2016, su esposa Geneviève murió a los 35 años de un cáncer de páncreas, tan solo un año más tarde de haber dado a luz a su primera hija. La inimaginable tragedia dio lugar a dos álbumes –‘A Crow Looked at Me’ y ‘Now Only’- absolutamente devastadores, existencialistas y pesimistas que describían el brutal desamparo que deja una pérdida de esas características.
Tras volver a firmar con el pseudónimo The Microphones en su álbum ‘Microphones in 2020’, el cantautor regresa cinco años después a su proyecto Mount Eerie, con una larga y ambiciosa obra en la que compila los diferentes estilos que han marcado su carrera hasta el momento, y en la que parece haber encontrado al fin cierta paz.
‘Night Palace’ destaca por su generosa y ecléctica oferta de géneros musicales. A lo largo de sus 26 canciones y 80 minutos de duración, el artista navega por distintas variantes de post-rock y folk alternativo, trazando un abanico sonoro que va del noise al ambient, o incluso al intimismo spoken word de sus más recientes trabajos elegíacos.
En ‘Night Palace’, mediante su decidida estética lo-fi, Mount Eerie dibuja un amplio paisaje que lleva al oyente a multitud de lugares. El confort de lo doméstico se presenta en canciones que expresan la felicidad que le proporciona pasar tiempo con su hija, como la dulce balada ‘My Canopy’, que viene precedida de ‘Swallowed Alive’, una breve pieza donde ambos juegan a gritar en un distorsionado abismo.
También persiste aquí la conexión con la naturaleza, siempre presente en todos sus trabajos, en canciones como en el rock sucio de la tensa ‘Co-Owner of Trees’ o en el estimulante experimento de ‘I Heard Whales (I Think), donde el cantautor introduce hacia la mitad una grabación de casi un minuto de sonidos del viento y del mar. A su vez, varios comentarios políticos tienen espacio en forma musical, como en la destacada ‘Non-Metaphorical Decolonization’, donde Elverum denuncia que «Todo lo que tenemos es robado y no puede ser apropiado / Esta “América”, esa vieja idea / quiero que muera”. O en la conmovedora ‘November Rain’, en la que describe las segundas residencias de los ricos que permanecen vacías en invierno y con las luces encendidas para que no les roben – una imagen poderosa que plasma con poesía la actual crisis de la vivienda.
Pese al mencionado sonido lo-fi, ‘Night Palace’ no es un álbum que en ningún momento le dé la espalda a la épica. Más bien al contrario: Mount Eerie construye numerosas melodías contagiosas e inesperados crescendos. ‘I Walk’ es una perfecta muestra de ello, que comienza con un leve rugido del viento colándose entre delicadas guitarras acústicas y una sutil percusión hasta que se expande hacia un electrizante clímax. Los doce minutos de ‘Demolition’ ofrecen una clase de distinta de esta épica, donde caben cambios abruptos de ritmo, distorsiones, textos hablados o sonidos de la naturaleza. Otros ejemplos mucho más accesibles son ‘Huge Fire’ y ‘I Saw Another Bird’, dos números indie-rock clásicos, pero con el mismo poder de sugerencia que sus grabaciones más experimentales.
A niveles generales, el inabarcable despliegue musical de ‘Night Palace’ es exigente y denso, pero está plagado de recompensas. Mount Eerie ha diseñado un álbum luminoso, que a través de eclécticas viñetas, ofrece un bello y fascinante escaparate de su valiosa visión como artista.
LVL1, uno de los artistas revelación de los últimos años en España a raíz del éxito de su single, ‘FVN!‘, que ha llevado al artista de Algeciras a aparecer en Rolling Stone o a colaborar con nombres internacionales como Danny L. Harle o EASYFUN, ha denunciado la «falta de respeto» que ha sufrido por parte de El Diario de Sevilla, en una noticia publicada por el medio sobre la programación de Monkey Week, que arranca esta semana.
En la noticia, El Diario de Sevilla enumera nombres de artistas femeninas que participan en el festival e incluye el de LVL1, a pesar de que el autor de ‘PLAY‘ usa pronombres neutros desde el inicio de su carrera. El medio, además, se niega abiertamente a usar los pronombres masculino o neutro: «El festival incluye a LVL1, la artista citada a petición propia, porque se siente hombre, como andaluz afincado en Madrid» era la frase en cuestión.
Curiosamente, el redactor expresaba en el texto tener «especial cariño» a LVL1 por haberle entrevistado en el pasado, a pesar de apelarle en femenino y de referirse a su identidad con tono burlón.
El artículo de El Diario de Sevilla ha llevado a LVL1 a aclarar que se reconoce como hombre trans y a revelar que se encuentra en «proceso de transición médica» aunque no entraba en sus planes hacerlo público: «Me jode tener que contar y justificar nada porque es literalmente asunto mío», ha declarado, apuntando que el hecho de someterse a una operación no le hace «más trans».
En una serie de tuits, LVL1 comenta: «Soy una persona trans y esto no es nuevo ni de hace dos días, llevo fuera del armario como persona no binaria desde el principio de mi carrera, y llevo sin usar pronombres femeninos desde poquísimo después. Es algo progresivo, de ahí que se llame transición. Es un proceso largo. A día de hoy, aunque siempre seré una persona no binaria, porque el género es una construcción social y creo que podemos jugar con él como queramos, mi identidad se acerca más a la de un chico que a la de una chica. Por eso, estoy en proceso también de transición médica».
LVL1 añade: «Quitando el hecho de que se me haya vuelto a meter otra vez en el saco de artistas mujeres, me jode que en el artículo se remarque el asunto de mi identidad sin tener ni idea de cómo hacerlo. Hablar de mí en femenino («citada») cuando ya se ha visto que ni en mis bios ni en ningún lado se hace, para, a continuación, decir que «me siento hombre»… es una falta de respeto. Y me duele porque se habla de que se me tiene cariño pero, sin embargo, se trata mi identidad como si fuera un capricho posmoderno cuando estamos ya en 2025 y deberíamos tener un poquito mas de educación con estas cosas».
Tras la crítica de LVL1, El Diario de Sevilla ha rectificado su artículo, en el que ahora se lee lo siguiente: «Quiero terminar mencionando a LVL1, afincado en Madrid, según el programa de mano, pero con raíces andaluzas que se extienden desde Algeciras a Sevilla».
Queralt Lahoz es una de las artistas revelación de los últimos años. Sus canciones, que mezclan sonidos flamencos, urbanos y latinos, como ‘De la cuela a los olivos’ o ‘En otro lugar’, han amasado millones de escuchas y conquistado a personas como el actual Ministro de Cultura, Ernest Urtasun.
‘Pureza‘, el álbum debut de Lahoz, se lanzó 2021, y la cantante de Santa Coloma de Gramanet prepara ahora su segundo lanzamiento largo, que saldrá «entrado 2025» según su equipo de prensa. El nuevo adelanto es ‘QL’, cuyo título efectivamente se compone de las siglas de Queralt Lahoz.
En el pasado, ciertos artistas de pop han cantado su propio nombre en sus canciones, en homenaje a sí mismos, como Madonna en ‘Bitch I’m Madonna’ o Jennifer Lopez en ‘Jenny from the Block’. En ‘QL’, Lahoz cuenta que ella que sus experiencias vitales la han fortalecido. Canta que vivió «muy pronto el dolor de la muerte» y que se ha hecho «más fuerte que la mimbre», y pide a Dios que cuide de los suyos. «¿Si no quién sería yo? Seguramente no sería Queralt Lahoz», rima.
«No cambio mi vida por una perfecta / si es que eso existiera yo prefiero esta», es la lección que deja Queralt Lahoz en la Canción Del Día. En lo musical, Lahoz elige un vibrante ritmo de cumbia que hace resaltar su espectacular voz. Su colaborador, el granadino Toni Anzis, produce la canción.
Queralt actúa hoy 22 de noviembre en el Monkey Week de Sevilla, y el 30 de noviembre dará un concierto acústico en el Teatre Bescanó de Girona. Después, estará en Miradas Flamenkas, en Madrid, el 1 de diciembre, antes de volar a Argentina: toca en Lollapalooza el 21 de marzo.
Hoy 22 de noviembre se publican nuevos álbumes de Quevedo, Father John Misty, Kim Deal (ex Pixies), Michael Kiwanuka, BLACKPANDA, Marilyn Manson o Samuraï. También se puede oír desde ya la banda sonora de ‘Wicked’, con canciones de Ariana Grande y Cynthia Erivo.
Lil Nas X lanza nuevo single solo una semana después del anterior, y Joe Crepúsculo apela a ‘Jessica’.. sonando al ‘Last Christmas’. Otro nombre propio, el de ‘Pamela Anderson‘, aparece en la parte superior de la la playlist «Ready for the Weekend», cortesía de Rigoberta Bandini.
Otros singles destacados los firman Franz Ferdinand con ‘Night and Day’, Rosé postulándose como ‘number one girl’, Queralt Lahoz presumiendo de vozarrón en ‘QL’, Ela Minus mirando ‘UPWARDS’ o Jimena Amarillo paseando su ‘Flow deskiciada‘.
Estrenan música, también, Oklou, que ha anunciado disco, u Omar Apollo, que canta ‘Te maldigo’, canción de la película ‘Queer’ de Luca Guadagnino, en la que aparece. La cosecha nacional deja nueva música de artistas recomendados en el site como stivjoes, arrecí0, vangoura o shego.
Paulina Rubio lanza su ‘Balada pop’, mientras Fresquito y Mango se dedican a «hacer hits», en otras novedades que puedes escuchar en la playlist actualizada. No os perdáis, tampoco, la nueva música de Tyla, Adrianne Lenker, Elliot James Reay, Somadamantina, SIMONA…
La Revuelta pedía anoche al público en X que no «se perdiera» el programa. Un aviso, en principio, normal, pero que sonaba especial, a su vez. Lo que ocurrió fue inesperado: David Broncano se quedó sin invitado a último momento, con este de cuerpo presente en el backstage, y aprovechó la situación para denunciar públicamente que el suceso se trataba de un veto provocado por El Hormiguero. Uno de tantos que «llevan sucediendo años».
El invitado, el motociclista Jorge Martín, reciente campeón del mundo de MotoGP, acude al espacio de Pablo Motos el jueves que viene, y se quedó sin salir al escenario de La Revuelta a poco de empezar a grabar, después de anunciar en redes que era el convidado de anoche. Motos, parece, no va a consentir que un invitado a El Hormiguero visite antes otro programa.
En lugar de la entrevista programada, La Revuelta se marcó un troleo histórico emitiendo imágenes de animales durante veinte minutos, ante la mirada atónita de la audiencia, mientras sonaba música de fondo de artistas independientes como Tulsa, Estrella Fugaz o Alcalá Norte. El grupo de ‘La vida cañón‘, que lleva meses dando la brasa en X para acudir a La Revuelta, y acaba de cancelar tres conciertos agotados por problemas de salud, no daba crédito.
«Esto es una cosa que no es la primera vez que pasa. Nos ha desmontado el programa», denunció Broncano. «Alguna vez lo hemos insinuado, lleva pasando años, desde que estábamos en La Resistencia. Siempre ha habido mucho juego por su parte. No sabéis la de veces que nos han movido la agenda y nos han cambiado el programa. Nos afecta profesionalmente. Hoy hemos decidido hablarlo porque creo que es la forma de visibilizarlo y defendernos es explicarlo». Broncano ha explicado que él ha podido hacer bromas sobre Motos y El Hormiguero en su programa, pero que estas nunca han afectado profesionalmente a su rival televisivo. Mientras, Motos ha optado por hacer jugadas «por detrás». Yolanda, del equipo, enfadada, ha recordado a Motos que su tiempo vale «lo mismo que el suyo».
El Hormiguero se ha defendido de las críticas explicando que la situación ha sido «un malentendido sin mayor importancia»: «Dos semanas antes de la final, habíamos acordado contar en exclusiva con Jorge Martín en nuestro programa. Hoy uno de sus representantes ha cometido un error al cambiar la visita que tenían programada con otro piloto. Tras lo sucedido, Dorna, empresa organizadora del Mundial de Motociclismo, contactó con los representantes para resolver la situación». El comunicado se refiere al caso de Jorge Martín, pero no habla de otros que, según Broncano, han sucedido durante años.
Entre los invitados de la semana que viene a El Hormiguero se encuentran, además de Jorge Martín, David Bisbal o Kira Miró. No se sabe con qué cara acudirá al espacio de Motos ninguna de estas personas tras descubrirse el que era un secreto a voces en la industria televisiva, que Pablo Motos, para frenar a la competencia, no teme jugar muy sucio, incluso a costa del tiempo y el esfuerzo de otros compañeros de profesión.
El BBC Radio 1’s Sound está dirigido, según su propia página web, a aquellos artistas o grupos con «la mejor oportunidad de tener éxito mainstream» en los siguientes 12 meses. Sin embargo, al ver los nombres de Chappell Roan o Ezra Collective entre las nominaciones, que ya gozan de éxito, surgen las dudas de si necesitan una nominación.
Barry Can’t Swim, Confidence Man, Doechii, English Teacher, Good Neighbours, KNEECAP, mk.gee, Myles Smith y Pozer también entran en la competición. En más o menos medida, muchos de estos artistas también están en el mejor momento de sus carreras.
The Last Dinner Party fueron las ganadora del BCC Sound of 2024. Posteriormente, su disco llegó al número 1 y fueron nominadas al Mercury Prize. Luego están English Teacher, que ya lo han ganado este año y están nominados también al premio de la emisora.
Por otro lado, Barry Can’t Swim está nominado al Mercury, KNEECAP están nominados al Óscar por su película homónima, Confidence Man van por el tercer disco, mk.gee acaba de actuar en SNL, Doechii es una de las mayores sensaciones del hip hop actual…
Los más desconocidos podrían ser Good Neighbours, Pozer y Myles Smith. Sin embargo, este último tuvo un hit a mitad de año con ‘Stargazing’, que acumula más de 500 millones de escuchas en Spotify.
Quevedo lanza hoy por la noche su segundo disco, titulado ‘BUENAS NOCHES’. Este es el sucesor del debut del cantante canario, ‘DONDE QUIERO ESTAR’, que fue el disco más vendido de 2023, sin apenas ventas físicas y superando a Karol G y Bad Bunny.
‘BUENAS NOCHES’ iba a salir, en principio, hace dos semanas. Sin embargo, tras el desastre de la DANA en Valencia, Quevedo decidió posponer el lanzamiento, como muchos otros artistas: «Ni creo, ni siento que sea el momento de sacar música», escribió en X. Hoy, ha anunciado que su segundo LP saldrá esta misma noche.
Con solo un adelanto disponible, la repetitiva ‘DURO’, lo que más llama la atención del tracklist son las colaboraciones. Para empezar, tenemos ‘GRAN VÍA’ con Aitana, que lo tiene todo para ser un hit gigante. Ya era hora de que ambos artistas se juntaran, porque tiene todo el sentido del mundo.
Por otro lado, no esperábamos la presencia de Pitbull, en un tema llamado ‘MR. MOONDIAL’, ni de Yung Beef, en ‘LA 125’. También colaboran Sin Nombre, cantante de República Dominicana, La Pantera, Rels B, Sech, De La Rose y De La Ghetto. Como curiosidad, el álbum saldrá una hora antes en las Islas Canarias, a las 23h.
Tracklist:
1. KASSANDRA
2. DURO
3. IGUALES
4. GRAN VÍA ft. Aitana
5. CHAPIADORA.COM
6. POR ATRÁS
7. 14 FEBREROS ft. Sin Nombre
8. LA 125 ft. Yung Beef
9. HALO ft. La Pantera
10. MR. MOONDIAL ft. Pitbull
11. QUE ASCO DE TODO
12. NOEMÚ
13. SHIBATTO
14. LOS DÍAS CONTADOS ft. Rels B
15. EL ESTRIBILLO
16. AMANECIÓ ft. De La Rose y De La Ghetto
17. TE FALLÉ ft. Sech
18. BUENAS NOCHES
DIIV acaban de comenzar su gira europea. La banda neoyorquina de shoegaze acaban de presentar su último disco, ‘Frog in Boiling Water’ en Milán, y no tardarán en pasar por nuestro país.
El grupo compuesto por Zachary Cole Smith, Andrew Bailey, Colin Caulfield y Ben Newman prometen ofrecer «una experiencia más allá de tus sueños más salvajes» en su nueva gira. En España, se podrá disfrutar los días 25 de noviembre en la Sala But de Madrid y 26 de noviembre en la Sala Apollo de Barcelona. Las entradas ya están disponibles para ambas fechas.
«Una inmersiva actuación musical que te cambiará la vida y que promete reprogramar permanentemente tu cerebro y aportarte felicidad de por vida y renacimiento espiritual», asegura la banda. La gira empezó el pasado 16 de noviembre en Estocolmo y terminará el 15 de diciembre en Amsterdam.
Todos los conciertos contarán con Tim Kinsella & Jenny Pulse de teloneros, excepto el 3 de diciembre, que contarán con la banda Cusk . Además, el 22 y 23 de noviembre estarán con Fontaines D.C. en sus conciertos de Londres.
Hay prisa entre los artistas por alcanzar la madurez. Algunos hablan de ella desde los 20 años. Shawn Mendes, que cumplió en agosto 26, es más «Cuando no sé quién soy«. El que es ya su quinto álbum de estudio es un disco de autodescubrimiento que se jacta de estar en el proceso. Escrito tras una severa crisis de identidad, consecuencia de estar constantemente de gira o en la palestra, plantea cuestiones como «Siento presión de la gente que quiero» o «Siento decepcionaros, porque realmente no sé quién soy», ya en el tema de apertura, ‘Who I Am’.
El single de presentación, ‘Why Why Why’, contiene una estrofa igual de explícita: «Pensé que estaba a punto de ser padre, y todavía soy un niño, a veces lloro por mi madre». Una de las canciones más bonitas se llama ‘Nobody Knows’, y habla sobre cuando el amor no es suficiente y sobre la adicción al alcohol. Para más señas, en la portada aparece desnudo.
Todo el foco mediático se ha puesto en la orientación sexual de Shawn Mendes, que en el tema llamado ‘The Mountain’ espeta: «Podéis decir que soy demasiado joven, podéis decir que soy demasiado viejo, podéis decir que me gustan las chicas, o los chicos, lo que os encaje». Pero hay una anécdota mucho menos sexy que explica el álbum aun mejor. Cuando estaba escribiendo ‘Heart of Gold’ junto al productor Scott Harris, sin saber muy bien de qué iba, Scott le dijo: «¿tú no tenías un amigo que murió de sobredosis?». Y Shawn lo negó, pese a que había sido el caso de un amigo de su infancia, Deijomi, sobre quien obviamente sí versa ‘Heart of Gold’. Tal era el caos mental en el que estaba sumido el cantante, que ni se dio cuenta sobre lo que estaba escribiendo.
Para expresar sus emociones más íntimas, Shawn Mendes ha elegido una producción muy espartana. Las canciones son acústicas, muy próximas a su esqueleto mínimo durante el proceso compositivo, con algún rasgo muy ligeramente country (‘That’s the Dream’, ‘Rollin’ Right Along’) o incluso cercano a Bob Dylan por el uso de la armónica (‘Isn’t that Enough’). Algunas son tan cortas que apenas sobrepasan el minuto de duración, y ‘That’ll Be the Day’ es apenas un susurro, reafirmando que el artista no estaba para ornamentos ni dramatizaciones con orquesta: bastante tenía con salir adelante tratando de encontrarse a sí mismo.
Es un gesto que ‘Heart of Gold’ sea una de las canciones más pop, una de las más alegres, seguramente porque sea lo que merezca en el más allá su amigo Deijomi, con el que compartía la misma sensibilidad y ese carácter retraído. ‘Heavy’ vira hacia el góspel, al modo en que lo entendería Ed Sheeran. Sin ofrecer las estructuras ni las letras más complejas, porque distaba mucho de ser su objetivo -en ese sentido hace flaco favor que al final aparezca una versión de ‘Hallelujah’-, este sí es ese disco que nos va a hacer mirar al artista con otros ojos. Creérnoslo mucho más. El álbum, claro, solo se podía llamar ‘Shawn’.
Desire, grupo icónico de Italians Do it Better, ha iniciado su gira europea Games People Play Tour. La gira da título al nuevo álbum de Desire, ‘Games People Play’, que se publica próximamente. De momento seis de sus cortes pueden escucharse en las plataformas de streaming, entre ellos el single ‘Dangerous Drug’. Esta semana ha llegado ‘Drama Queen’.
La gira, que se dirige a un «público adulto», pasa por España a partir de hoy 21 de noviembre con una primera visita a los Radar Estudios de Vigo. Después, el Games People Play Tour continúa en la Sala Apolo de Barcelona el 22 de noviembre y el 23 de noviembre en la Sala Changó de Madrid. Los teloneros de la gira de Desire en todas sus fechas son Orion y System Olympia.
A partir del 25 de noviembre, Desire llevará su gira a Francia y, a continuación, visitará países como Reino Unido, Alemania, Italia o Finlandia.
Desire es el alias de Megan Louise, pero también es el nombre del dúo que la cantante forma junto a Johnny Jewel, líder de Italians Do it Better y ex-integrante de Chromatics y Glass Candy. ‘Under Your Spell’ es una de las canciones más emblemáticas del sello estadounidense y también una de las más populares tras su inclusión en la banda sonora de ‘Drive‘ (2013).
Por supuesto, Desire sigue entregada al synth-pop noir de su primer disco, publicado en 2008, y del segundo, ‘Escape‘, que, editado en 2022, contenía joyas como ‘Zero’ o ‘Black Latex’. Aunque en ‘Drama Queen’ le caben también teclados piano house.
Escuchar un álbum de Julia Holter es abrazar el misterio. Sus aventuras sonoras te retan tomando formas inesperadas y te atrapan gracias a su sugerente cualidad atmosférica. Lo mismo puede decirse de sus actuaciones en directo, como la que ofreció anoche en Madrid presentando su excelente último disco ‘Something in the Room She Moves‘. La sala Shôko, con sus luces rojas parpadeantes en las paredes y su estética moderna, funcionó como el entorno idóneo para el concierto de la artista californiana.
Acompañada de otros tres músicos (batería, bajo, sintetizador), incluyendo a su marido Tashi Wada, cada uno con su partitura, Holter se situaba en el medio con un sintetizador delante e inauguraba la noche con la juguetona y luminosa ‘Sun Girl’. Detrás de los músicos, una pantalla proyectaba una catarata de imágenes en movimiento de dibujos abstractos, manos zarandeándose en el aire y bosques frondosos. En el escenario, varias máquinas de humo se encargaban de dotar al espacio de misticismo.
La artista y su banda no tardaron en instaurar un clima onírico y hechizante. Los múltiples sonidos viajaban de una parte a otra de la sala, resultando a veces incapaz saber de dónde procedían; la voz de Holter, delicada y potente, viajaba directa al corazón de los allí presentes. Sus canciones largas, llenas de capas y enigmas, sonaban inmensas, transformando su naturaleza árida a la más pura épica. Tanto que a uno se le llega a pasar por la cabeza la alocada idea de que, si Julia Holter quisiese adaptarse a estructuras convencionales y abandonar su vocación experimental, podría llenar estadios perfectamente. Su dominio y conocimiento musical es total, y así lo demuestra su variedad de registros y tonalidades.
Ainhoa Laucirica
Sus canciones más convencionales, las de ‘Have You In My Wilderness‘, como ‘Sea Calls Me Home’ o ‘Feel You’, arrancaron algún tímido intento en el público por cantarlas, pero la presencia de Holter es tan especial que colectivamente se tomó la decisión de permanecer callados. De su más reciente trabajo rescató 5 temas, todos ellos aguantando con nota la prueba del directo: la mencionada ‘Sun Girl’, ‘Spinning’, ‘Evening Mood’ y ‘Talking to the Whisper’. Esta última nos regaló uno de los momentos más memorables del concierto gracias a su maravillosa progresión, en la que tras pronunciar la frase “love can be shattering”, la canción se pierde en un misterioso tramo instrumental. Entre los instantes más espectaculares de esta parte destacan cuando la batería arrastró una de las baquetas por el platillo del instrumento, logrando un sonido chirriante e inquietante, o cuando Wada abandonó su posición en el sintetizador para tocar la gaita.
Estos clímax sobrecogedores también estuvieron muy presentes en canciones más antiguas, como en ‘Marienbad’, de su primer disco ‘Ekstasis’, que en su momento más álgido gira hacia prácticamente el silencio. Por supuesto, también brillaron dos de los temas más queridos de Holter, ambos de su exigente y bellísimo ‘Aviary’: la emocionante balada ‘Words I Heard’ y esa joya art pop que es ‘I Shall Love 2’, que sirvió de cierre definitivo de una velada para el recuerdo.
Entre los artistas que estrenan nueva música esta semana se encuentra Jimena Amarillo. ‘Flow deskiciada’ es su segundo single de 2024 y sucede a ‘Sueño’, lanzado en junio.
‘Flow deskiciada’ se añade a la lista de canciones electrónicas de Jimena Amarillo, como ‘Fino como un afiler’. Aunque las guitarras de ‘Flow deskiciada’ apuntan al bedroom-pop de ‘Cafeliko’, en esta producción propia -en la que participa Alba Arias- manda la energía de un beat electrónico y la presencia de voces alteradas de diversas maneras. Es la Canción Del Día de hoy.
En el aspecto lírico se da una mezcla de estilos o perspectivas. El estribillo, que plantea el tema de la canción, parece inspirado en la copla andaluza: «Un puña’o de flores / Ay, que yo le llevé / Linda, todo lo tiene / Ella no me quiere». A Amarillo parece que le «chulean con acento de Granada».
Pero en las estrofas está lo bueno, porque Amarillo no se corta al inferirles su humor particular. En la primera estrofa describe que la chica que le gusta lleva un «flequillo que mide un milímetro» y que «luce vasca» y lleva «pikete de rara». Y en la segunda es Amarillo el sujeto del análisis de otra persona, que le mira «cada día» y no sabe si es «butch o maricón». O «un niño de 13 años».
El que no viva en internet probablemente no entenderá frases de ‘Flow deskiciada’ como «Feed entero de leopardo es mi cosa» que solo podría haber firmado una persona joven (y permanentemente online) en 2024. Un lenguaje libre, como libre, 100% Jimena Amarillo, es esta canción.
Nathy Peluso, Plastikman, Arca, Overmono o Polo & Pan se encuentran entre las primeras confirmaciones de la edición de Sónar 2025, que se celebra del 13 al 15 de junio en Barcelona: Sónar de Día seguirá en Fira Montjuïc un año más, y Sónar de Noche volverá a Fira Gran Via, en L’Hospitalet. Todos ellos presentarán nuevo directo.
Además, Sónar anuncia sesiones de Peggy Gou, Four Tet, Honey Dijon, Vintage Culture, Mochakk, Barry Can’t Swim, Helena Hauff y Andres Campo.
Por otro lado, Sónar confirma shows audivisuales de Eric Prydz, BICEP, Max Cooper, Daito Manabe o Cora Novoa, DJ sets a cuatro manos de Skrillex b2b Blawan y Armin van Buuren b2b Indira Paganotto, y nuevos espectáculos de Rone con el colectivo (LA)HORDE y el Ballet National de Marseille, Raül Refree + Niño de Elche, o Dania & Mau Morgó.
Maria Arnal presentando su nuevo show ‘Ama’, Six Sex, Yerai Cortés, Teto Preto, Tarta Relena, Lord Spikeheart, MCR-T, Branko o Samantha Hudson, que introducirá su ‘Música para muñecas’, así como DJ Heartstring, Sama’ Abdulhadi, Interplanetary Criminal, Juliana Huxtable o Kebra, van completando una tanda de confirmaciones que abarca 60 nombres.
OFFSónar, el evento paralelo a Sónar de Día y Sónar de Noche y a las actividades de Sónar+D, volverá a celebrarse en el Poble Espanyol. Hay anunciados ya dos shows de RÜFÜS DU SOL los días 10 y 11 de junio -ambos agotados- y la fiesta ‘X’ de Adriatique el 12 de junio. El resto de fiestas se anunciará próximamente.
Lady Gaga, Green Day, Post Malone y Travis Scott son los grandes cabezas de cartel de la edición de Coachella de 2025, que se celebra en la primera semana del 11 al 18 de abril, y en la segunda del 13 al 20 de abril, en el desierto de Indio, California.
En la letra media-grande figuran los nombres de Missy Eliott, Megan Thee Stallion y Charli xcx, y la línea media la ocupan artistas como Benson Moone, FKA twigs, The Misfits en su formación original, Anitta, Clairo, Kraftwerk, beabadoobee o dos integrantes de BLACKPINK que actúan en solitario, LISA y JEANNIE. En la letra mediana-pequeña se colocan Beth Gibbons, Basement Jaxx o MARINA: esta última probablemente presentará nuevo disco.
Finalmente, en la letra pequeña que leer con lupa es posible encontrar nombres tan variopintos como Blonde Redhead, CA7RIEL & Paco Amoroso, julie, The Dare, 4batz, Ben Böhmer o el número 1 de singles en Estados Unidos desde hace 18 semanas, Shaboozey. Como es habitual cae una confirmación desde España, la de Judeline.
Coachella, que suele revelar su cartel en enero, ha decidido hacerlo público con dos meses de antelación, después de los rumores que circulaban en los últimos días y que situaban a Lady Gaga en el cartel. Post Malone se había adelantado a Coachella confirmando su presencia en el festival al revelar las fechas de su próxima gira.
Después de un 2024 que ha dejado momentos icónicos de Lana Del Rey, No Doubt o Blur quejándose de que el público no se sabe sus canciones, ardemos en deseos de descubrir qué grandes instantes aguardan el año que viene.
Miley Cyrus ha dado los primeros detalles de su próximo disco, el sucesor de ‘Endless Summer Vacation’, en una nueva entrevista con Harper’s Bazaar. La cantante ha adelantado que se titularía ‘Something Beautiful’, que es «igual de visual que musical» y que estaría inspirado en el clásico de Pink Floyd de 1979, ‘The Wall’, pero «con mejor vestuario».
La popstar de 31 años habría estado trabajando en ‘Something Beautiful’ junto a su pareja, el guitarrista Maxx Morando, y junto al director de cine italiano Panos Cosmatos, que se encargaría de la parte visual del LP. «Mi idea era hacer ‘The Wall’, pero con mejor vestuario, más glamuroso y lleno de cultura pop», detalla la cantante.
La referencia a Pink Floyd, asegura Cyrus, se gestó en su adolescencia, cuando vio la surrealista película de 1982 de Alan Parker basada en el álbum. Al igual que el disco escrito por Roger Waters, Cyrus asegura que ‘Something Beautiful’ es un disco «conceptual»: «Es un intento de tratar una cultura enferma a través de la música». Cosmatos ha descrito el disco como algo «más experimental que cualquier cosa que haya hecho, pero de una forma pop que me encanta».
Cyrus también ha aclarado algunos aspectos sobre el sonido del álbum: «El componente visual conduce el sonido. Para mí era importante que cada canción tuviese las propiedades de los sonidos curativos. Las canciones, tanto si van sobre destrucción, desamor o muerte, están presentadas de una forma hermosa, porque los momentos más desagradables de nuestra vida también tienen un punto de belleza».
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