Catherine O’Hara, la actriz canadiense-estadounidense que interpretó a la madre de Kevin en ‘Solo en casa’ (1990) y, anteriormente, al icónico personaje de Delia en ‘Bitelchús’ (1988), ha fallecido a los 71 años. O’Hara padecía una breve enfermedad, según las primeras informaciones. Su hermana es la cantante Mary Margaret O’Hara.
El rostro de O’Hara fue tremendamente conocido en el cine y la televisión de finales de los 80 e inicios de los 90 gracias a su interpretación de la madre del personaje de Macaulay Culkin en ‘Solo en casa’ y en su secuela de 1992. Culkin ha recordado a O’Hara en sus redes sociales, dirigiéndose a ella como «mamá», algo que seguía haciendo: «Pensé que teníamos tiempo, quería sentarme en una silla contigo, tenía tanto que contarte», ha escrito.
El extravagante personaje de Delia en ‘Bitelchús’, la icónica película de Tim Burton, fue otro de los roles emblemáticos de esta actriz, que comenzó en el mundo de la interpretación después de trabajar en el bar de un teatro. Cualquiera que haya visto ‘Bitelchús’ tiene grabada en la memoria la escena de Delia bailando «Banana Boat».
O’Hara también participó en ‘¡Jo, qué noche! (1985)’, ‘Se acabó el pastel’ (1986) o ‘Dick Tracy’ (1990) y desarrolló una carrera paralela como dobladora de películas de animación como ‘Chicken Little’ (2005). Últimamente, su perfil había resurgido gracias a sus papeles en ‘Schitt’s Creek’ -el cual le valió un Globo de Oro- y ‘The Studio‘.
En los próximos días el PACK de viejos Anuarios (2022, 2023 y 2024) desaparecerá de nuestra tienda por falta de existencias, en concreto de la edición 2022. Aunque este PACK ha lucido agotado en la tienda durante los últimos días, hemos rescatado las últimas copias decentes de la edición 2022 para su distribución, del fondo de una caja. Puede ser, por tanto, tu última oportunidad de completar tu colección JENESAISPOP. Asimismo, en próximos días, los gastos de envío dejarán de ser gratis para compras superiores a 20 euros, una vez terminada la campaña del Anuario 2025. JENESAISPOP agradece al público su fidelidad un año más y trabaja ya en el Anuario 2026.
Baxter Dury se topó un buen día de 2024 con Paul Epworth, productor de Adele, Coldplay, largo etcétera, y quedaron en hacer un disco juntos: este ‘Allbarone’. Epworth puso música a varios temas y produjo, lo grabaron en The Church y se debieron gastar bien de pasta, a tenor de lo que cuenta Dury en las entrevistas (sobre todo, en comida). Pero tanto oropel no ha cambiado mucho el estilo de Baxter. En su noveno disco presenta su synth-pop recitado ahora envuelto en disco-soul decadente, con bien de satén, y el contrapunto vocal femenino de JGrrey, una habitual ya de sus discos. Muy familiar, pero aún más putifino, para entendernos.
El personaje central de ‘Allbarone’, pretendidamente sofisticado, realmente desaliñado, (como se muestra Dury en la portada), se mueve entre habitaciones de hoteles baratos y citas frustradas. Ese tono chulesco y de estar de vuelta de todo contrasta con letras de patetismo sentimental que recita de manera mecánica mientras JGrrey le da réplica.
Pero, ay, el arranque no es ni lo memorable ni lo sardónico que se presupone: todo el rollo que lleva en las letras, toda esa imagen sarcástica y decrépita, toda la oscuridad y el patetismo, todo el brillo de la producción, no acaban de cristalizar. Las intenciones son mucho mejor que las canciones, que no son lo gloriosas que deberían con tales mimbres.
Además, tienen la particularidad de irritar, más que seducir. Sospecho que esa era la intención. Pero ni siquiera incomodan lo suficiente: en ‘Allbarone’, la canción homónima (e inicial), cuesta poco imaginar a Baxter como Pino D’Angiò, cigarro en ristre, producido por Miss Kittin. Explicado así, suena estupendo. Pero en la realidad la canción no tiene la garra que promete: se alarga, se deshincha. En ‘Schadenfreude’, “alegría del mal ajeno”, los coros y los efectos recuerdan tanto a Ladytron como a los Pet Shop Boys de ‘Electric’, pero sin llegar a las cotas de los referentes.
Poco a poco Dury se va acercando a ese ideal de sonido de playboy decadente arrastrándose por la pista de baile. En ‘Alpha Dog’ el estilismo funky disco elegante alcanza unas alturas bastante majas gracias a la línea de bajo, los arreglos de cuerda, unos coros gélidos, la bola de espejos dando vueltas y Dury actuando de Barry White británico. Y en ‘Other Me’ el bajo gordísimo y los arreglos cinematográficos nos llevan a un post punk bailable y oscuro.
Y es hacia el final que llega lo más sustancioso, donde la incomodidad sí que dispara grandes temas. Si en ‘Kubla Khan’ se acercaba a unos Sleaford Mods algo más refinados, el parecido es aún más evidente en ‘Mockingjay’, quizás el mejor tema de todo el conjunto, porque Dury y JGrrey muestran una furia auténtica, quizás porque es la canción más contundente en arreglos, melodía e interpretación.
En ‘Return Of The Sharp Heads’ Dury nos dibuja un entorno de falso glamour, de postureo y de seductores acabados, que son criticados con fiereza glacial por la voz de JGrrey: “You’re just a bunch of soul-fuckers / Who rate yourselves / (…) I’ll sit back and admire how much you hate yourself / (…) You total cunts”, (“Sólo sois un puñado de folladores de almas / que se dan valoraciones a sí mismos / me sentaré y admiraré lo mucho que os odiáis a vosotros mismos / Sois unos completos hijos de puta”). Es oscuro, es incómodo, es sensual y es bailable: es lo suficientemente desesperado y lo suficientemente elegante. Justo lo que quería ser ‘Allbarone’ en su totalidad y no ha conseguido.
Rosalía incluía en ‘Lux‘ una colaboración con Estrella Morente y Sílvia Pérez Cruz titulada ‘La rumba del perdón’. Tal fue el impacto de ‘Lux’ en España tras su lanzamiento que ‘La rumba del perdón’ entró en el puesto 9 de la lista de singles, a pesar de ser el antepenúltimo corte del álbum.
Morente está a punto de presentar un concierto en el Liceo de Barcelona y ha concedido una entrevista a Catalunya Ràdio para promocionarlo. En ella le han preguntado por ‘La rumba del perdón’, y sus palabras sobre Rosalía y la canción no han podido ser menos halagadoras.
Morente asegura estar decepcionada con ‘La rumba del perdón’ porque las voces de Morente y Pérez Cruz apenas se escuchan en los coros. “Estoy muy disgustada porque no nos ha dejado cantar a ninguna de las dos”, declara la artista, que incluso reconoce estar “avergonzada” de la canción porque no la puede “compartir” con sus seguidores, ya que su voz es prácticamente imperceptible. “Me da lache, porque no nos han dejado cantar a ninguna de las dos”, afirma. “Nos ha castigado”.
‘La rumba del perdón’ iba a ser originalmente un dueto con Morente, cuenta la autora de ‘Mi cante y un poema’ (2001), pero Rosalía tuvo la idea de convertirlo en un trío. Morente explica que pasó horas en el estudio durante varios días grabando material para la canción, pero lamenta que Rosalía no utilizara casi nada de ese trabajo en la grabación final. En su opinión, Rosalía ha “faltado al respeto” a su trabajo, al de Pérez Cruz y al arte de la música en general, y afirma que “la música debe prevalecer por encima de los intereses de los productores; si dos compañeras han hecho un trabajo de varios días, hay que respetarlo, no se puede tirar a la basura”.
Aunque Morente señala que ella no se quiere «meter en el trabajo de nadie» y que «cada uno hace su trabajo como quiere», y niega que sus declaraciones se reduzcan a la típica «pataleta de artista que está empezando», opina que Rosalía no ha tomado la decisión correcta con ‘La rumba del perdón’, y espera que sus palabras le sirvan como «toque de atención»: «Es una llamada al respecto y al compañerismo, porque con la música no se juega».
‘Aperture‘, el electrónico nuevo single de Harry Styles, empezó muy fuerte en listas globales. Fue top 1 en la tabla mundial de Spotify con 12 millones de streams diarios, pero enseguida se desplomó a unos 4 millones por día. La buena noticia es que se ha mantenido ahí, y las cifras locales le valen el número 1 oficial en la lista semanal de Reino Unido.
El número 1 se ha logrado sin trampa ni cartón, es decir, sin ediciones en cassette, CD, vinilo o acuerdos con plataformas concretas. De las 70.498 copias despachadas, casi 69.000 han sido puntos de streaming y casi 2.000 descargas de mp3. Su principal competidor, Dave con ‘Raindance’, queda lejísimos con 45.000 copias.
Por extraño que parezca, ‘Aperture’ es tan solo el tercer número 1 en su propio país, tras la glam ‘Sign of the Times’ y obviamente ‘As It Was’.
Si pensamos en otros de sus singles que han vendido 1 millón de copias solo dentro de las islas británicas, hay que recordar que ‘Watermelon Sugar’ quedó en el puesto 4, ‘Adore You’ en el puesto 7, ‘Falling’ en el puesto 15, ‘Golden’ en el puesto 26 y ‘Late Night Talking’ en el puesto 2. También hay que destacar que ‘Music for a Sushi Restaurant’ quedó en el puesto 3, aunque no ha vendido 1 millón de copias, según la OCC.
Buscando más resultados internacionales, ‘Aperture’ «abre» en el top 1 en Irlanda, en el top 2 en Australia, en el top 7 en Alemania, en el top 9 en Noruega y en el top 17 en Holanda, entre otros territorios. Los datos español y estadounidense se conocerán a principios de la semana que viene.
La andadura artística de Josh y Benny Safdie ha tomado rutas diferentes (por una polémica en torno a una escena de sexo con una actriz menor de edad durante el rodaje de ‘Good Time’), y por primera vez, los hermanos han entregado películas dirigidas por separado. Es curioso cómo ambos lo han hecho con biopics deportivos.
Benny con ‘The Smashing Machine’, sobre el luchador Mark Kerr; y Josh con ‘Marty Supreme’, sobre el jugador de ping-pong Marty Reisman. Las dos suponen un acercamiento personal al drama biográfico, pero mientras que la primera es más clásica en su narrativa, esta segunda no dista en exceso de las epopeyas urbanas de ‘Good Time’ o ‘Diamantes en bruto’.
Muy heredero del cine del primer Scorsese, el cineasta continúa creando historias de ritmo frenético en las que el protagonista debe hacer todo lo posible por mantener su vida a flote, lidiando con la presión de ver cómo todo lo que le rodea se viene abajo. En esta ocasión nos lleva a los años 50, donde Marty intentará escapar de su destino como trabajador de una tienda de zapatos y convertirse en un jugador profesional de tenis de mesa. El talento lo tiene y la ambición también, tanta que hará que su búsqueda de gloria esté plagada de adversidades que dan pie a situaciones de lo más extravagantes.
Pero nada frena a Marty en sus ansias de gloria. Ni a un excelso Timothée Chalamet, que compone un personaje tan canalla como carismático; un sinvergüenza del que, sin embargo, no puedes apartar la vista e incluso desearle lo mejor en sus fechorías. Ni a Josh Safdie, cuya cámara filma con tremenda vivacidad, desparpajo y un vertiginoso sentido del ritmo cada uno de sus movimientos, creando un tensísimo ejercicio de estilo que intriga, angustia y divierte a partes iguales. Porque ‘Marty Supreme’ es tanto una comedia negra como un thriller adrenalínico que deja sin aire -con ayuda de la extraordinaria música de Oneohtrix Point Never- sobre el lado más podrido del sueño americano.
Al director le interesa indagar en lo lejos que alguien está dispuesto a llegar para cumplir con sus objetivos, en la ambición sin límites y el egoísmo y la falta de escrúpulos que esta trae consigo. Y también en cómo Estados Unidos y los valores que proclama se basan exactamente en eso mismo. De esta forma, la película hace una suerte de metáfora política en la que presenta además a un país recuperándose de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial y despegando como potencia internacional.
El contexto histórico es importante, pero a Safdie le preocupa aún más la humanidad detrás de los imperfectos seres que retrata, tan bien escritos como interpretados. No solamente Chalamet -una decisión de casting absolutamente brillante- está magnífico, también Odessa A’zion y Gwyneth Paltrow aportan un gran magnetismo a sus respectivos personajes, dos mujeres de clases muy diferentes pero ambas atrapadas en una sociedad que de una manera u otra las oprime.
Josh Safdie entrega una muestra de cine audaz y vivo que transforma los códigos del drama deportivo para elevarse como un estilizado y fascinante estudio sobre la ambición y la masculinidad. Pero por encima de todo, ‘Marty Supreme’ es puro disfrute.
El concierto Act X Palestine, celebrado esta noche en Barcelona, ha sido una muestra clara de la confluencia entre distintas luchas. Aunque la causa palestina era el eje central y el motivo de la recaudación, hemos visto a Ana Tijoux portando una camiseta de “Fuck ICE”, a la palestina Lina Makhul recordando a Sudán y al Congo, o escuchado apoyos a las víctimas del inhumano desalojo del B9 en Badalona y a todas las personas oprimidas en general. El concierto, más allá de su buena organización, ha sabido ser cálido, algo no siempre fácil de lograr en eventos benéficos como este, donde desfilan artistas de todo tipo, uno detrás de otro.
El evento, celebrado en el Palau Sant Jordi y dividido en actos, ha contado con un montaje inspirado en una plaza mediterránea y ha alternado actuaciones musicales con discursos y proyecciones sobre el genocidio de manera amena y ágil. Mensajes sobre las divisiones artificiales del mundo, sobre la vigilancia tecnológica -con un aplaudido Lluís Llach- o imágenes de familias devastadas por el conflicto han transmitido muchos más mensajes -y muy necesarios- que el de la liberación de Palestina, que ya es suficientemente importante.
Pep Guardiola ha sido el encargado de inaugurar el evento y, tras sus palabras, los artistas han ido apareciendo uno a uno. Amaia, uno de los principales reclamos, ha ofrecido una preciosa interpretación al piano de ‘Nadie podría hacerlo’ y ‘Tengo un pensamiento‘, y ha expresado su satisfacción por “poder aportar mi granito de arena”. Aunando nombres nacionales e internacionales, no ha sido tan extraño ver a Zaho de Sagazan y, un rato después, a La Zowi, como lo ha sido ver juntos a Guillem Gisbert y Mushka presentando su cumbia de la mejor manera que han podido, con Mushka sentada en una silla de ruedas tras sufrir un esguince.
Aunque personalmente tenía ganas de ver a Aurora -que también ha cantado al piano su bonita canción sobre Palestina y cuya presencia en el evento había sido comunicada el día anterior-, el momento de la noche lo ha protagonizado Rosalía, que ha aparecido sin estar anunciada para cantar ‘La Perla‘ en acústico. Acompañada de una pequeña banda de músicos -guitarra, coros y palmas-, la autora de ‘Lux’ ha jugado con los tiempos de la canción y ha usado el famoso puente de “no referirse a él como icono” para agradecer la invitación, subrayando el “honor” de subirse, precisamente, a ese escenario. La críticas por la «tibieza» política de Rosalía deberían aflojar a partir de ahora. Como mínimo, ya nadie podrá decir que Rosalía no apoya la causa palestina, o que juega a la ambigüedad.
Honor ha sido también el nuestro al recibir sobre el escenario a personalidades como el activista Arab Barghouti, hijo del influyente líder palestino Marwan Barghouti, encarcelado desde 2002, o a Natalia Abu Sharar, presidenta de la Comunitat Palestina de Catalunya, que ha lanzado un emotivo mensaje de resistencia: “Nos roban las casas, pero no la memoria; queman nuestras tierras, pero no nuestras raíces”. No queda otra que mantenerse unidos en medio de un genocidio que ni respeta el alto al fuego, ni -por cierto- ha acabado, pues continúa ya fuera del foco mediático.
El concierto, que ha subrayado la presencia de nombres palestinos como Zeyne -que tiene tablas para convertirse en una pop star global- o de otros lugares como el Tuareg, de donde proviene la banda Tinariwen, todo un descubrimiento para quien esto escribe; ha contado también con la anunciada presencia de Bad Gyal, otra de las artistas más esperadas de la noche. Bad Gyal ha interpretado ‘Fiebre‘ sin desmadrarse bailando, dado el contexto, antes de dar paso a Morad, quien ha cantado primero con Farelo y después en solitario, paseándose de un lado a otro con la bandera palestina.
El concierto ha agotado entradas justo antes de empezar y ha sido un éxito artístico. De hecho, ya lo estaba siendo antes de Rosalía y lo habría sido sin ella. Su presencia, sin embargo, ha servido para reforzar y visibilizar la importancia de la reivindicación que nos había reunido allí. Pero en absoluto habríamos olvidado el divertido dabke de Fermín Muguruza, el pop coreado de Oques Grasses, el violín y flamenco de Laura Pacios, el piano de Clara Peya o el teatro experimental de La Fura dels Baus en plan distópico. Todos ellos han entretenido sin dejar de recordarnos por qué estábamos ahí y por qué lo seguiremos estando.
El biopic de los Beatles, compuesto por cuatro películas dedicadas a cada uno de sus integrantes, será uno de los grandes estrenos cinematográficos de 2028. En concreto, será en abril de ese año cuando podamos ver las cuatro cintas protagonizadas por Harris Dickinson (John Lennon), Paul Mescal (Paul McCartney), Joseph Quinn (George Harrison) y Barry Keoghan (Ringo Starr). Sam Mendes es el director de este ‘The Beatles Four-Film Cinematic Event’ que ya esperamos como agua de mayo.
Aunque todavía faltan dos años para el estreno de los biopics, se ha revelado el primer vistazo a las caracterizaciones de sus cuatro protagonistas. El Liverpool Institute for Performing Arts -cofundado por Paul McCartney- ha recibido cuatro postales de Sony Pictures que muestran a Dickinson, Mescal, Quinn y Keoghan recreando los icónicos looks de cada Beatle al que representan.
La peor suerte se la ha llevado Barry Keoghan, no porque su look esté mal -que no lo está-, sino porque los fans argentinos han detectado similitudes entre su caracterización de Ringo Starr y el aspecto del polémico presidente de Argentina, Javier Milei. Aunque más apropiado sería decir que es el dirigente argentino quien porta un look típico de los Beatles.
Sony Pictures ha revelado las imágenes hoy, 30 de enero, una fecha que los fans de los Beatles conocen muy bien, ya que marca el 57º aniversario de su famoso concierto en el balcón de 1969, donde los Beatles actuaron juntos por última vez.
O Son Do Camiño sigue sumando nombres a su próxima edición, que se celebrará del 18 al 20 de junio en Monte do Gozo. La línea principal ya incluía artistas de la talla de Linkin Park, Katy Perry y Dani Martín, conformando el cartel más ambicioso del festival gallego hasta la fecha.
Ahora se suman a la programación nuevos nombres internacionales como Biffy Clyro o Hoobastank -a quienes recordarás por su éxito ‘Reason’-, mientras que Lola Indigo, Leire Martínez, Guitarricadelafuente y Sen Senra destacan entre las confirmaciones nacionales.
Engrosan la nueva tanda de nombres anunciada hoy por O Son Do Camiño figuras de la electrónica como Afrojack, o del indie patrio como Sexy Zebras y Carlos Ares.
Además, el escenario SON Electro Repsol, dedicado a la electrónica, recibe las confirmaciones de Jimi Jules, Patrick Mason, DJ Gigola, Héctor Oaks y Carlita. Los abonos siguen disponibles en la web del festival.
El próximo mes de abril se publica el nuevo álbum de Parquesvr, uno de los grupos que más están despuntando por su combinación de crítica social y humor. Las rimas provocadoras de canciones como ‘Que te pares’, ‘Juancarlista’ o ‘Tu nombre es una puerta por cerrar’ han podido provocar carcajadas o resultar directamente increíbles en sus menciones a Froilán o Santiago Abascal; prácticamente ningún personaje de la clase política o social ha escapado al agujero negro de Parquesvr, que todo lo engulle.
Varios personajes de ese tipo aparecen en una nueva canción de Parquesvr, nada casualmente llamada ‘Tonto’, tercer avance de su cuarto disco, ‘Mitos y leyendas’. Ni Carlos Mazón, ni Eduardo Inda, ni Vito Quiles, ni El Xokas, ni Pablo Motos son los protagonistas de ‘Tonto’, aunque seguramente estarán encantados de escuchar sus nombres pronunciados en una canción.
Los “tontos” serían todos ellos y quienes se parecen a ellos por “votar como una puta mierda”, nadar directamente en la mentira o la ignorancia, difundir bulos o desinformación para infundir miedo, o simplemente por ser tontos y no saber que lo son. Esos serían los más peligrosos, ya que el malo “para cuando va mal, pero el tonto no para hasta el final”, rima el cuarteto madrileño.
De nuevo, Parquesvr entrega una serie de pareados increíbles y convence con su consigna final: existen “Tontos de izquierdas y de derechas, tontos, tontas, tontes por doquier: lo más transversal es la estupidez”. A nadie le sorprenderá que Obama y Trump aparezcan nombrados, pareciendo casi lo mismo.
‘Tonto’ es otra divertida producción de Parquesvr inspirada en el indie dosmilero tipo Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand o The Hives, pero potenciando la guitarra garajera. El videoclip es directamente una exposición de retratos de toda esa gente que Parquesvr consideran enemiga del sentido común: ahí tenemos a Marta Sánchez, Íñigo Errejón, Jordi Wild o Isabel Díaz Ayuso.
FECHAS:
31.01: Barcelona. Sala Apolo
07.02: Madrid. La Riviera [sold out]
13.02: Sevilla. Sala Malandar
14.02: Granada. Aliatar
21.03: Alicante. Los Conciertos del Baluarte
21.03: Murcia. Sala REM
11.04: Tenerife. Lalamusic
26.04: Valencia. Serialparc
09.05: Aspe. Aspesuena
14.05: TBA
16.05: Gijón. Vibra Mahou Fest [sold out]
30.05: Rábade. Entrepontes Fest
06.06: Burgos. In Festival
20.06: Castellón. Concerts del Pinar
10.07: Barcelona. Cruïlla Festival
24.07: Pozoblanco. Festival Al Fresco
31.07-02.08: Torrevieja. Low Festival
08.08: Muros. Castelo Rock
22.08: Huesca. Metro Festival
02-03.10: TBA
Hoy, 30 de enero las novedades discográficas son escasas, aunque interesantes, ya que recibimos nuevos lanzamientos de Sébastien Tellier en clave synth-pop o de Joyce Manor en un estilo indie, así como nuevos trabajos de Dani Dicostas, Yumi Zouma, Joaquina o Shackleton.
Maria Arnal sigue presentando su disco y su nuevo single abre la playlist «Ready for the Weekend», ya disponible en Apple Music. Destacamos también los estrenos -en forma de single- de Parquesvr, MEEK, María Escarmiento o esos L Kan que apelan a Los Javis.
Entre los artistas que han anunciado nuevo disco tenemos que hablar de Melanie Martinez, que ya ha puesto en marcha la promoción de ‘HADES’ con un primer avance, así como del genial Thundercat, además de Miss Grit (en la foto) o Tom Misch, en un ámbito más underground.
También Camellos, Lewis OfMan, Tokischa, Ferran Palau, RATA, Baby Queen o Christine and the Queens lanzan nueva música hoy. Entre los nombres que pueden dar de qué hablar durante 2026 están Los Buenos Valedores, Magalí Sare o NAZZ.
Como siempre, no podemos dejar de comentar las curiosidades del día, y aquí es imposible no mencionar el regreso de A*Teens o la enésima canción dedicada a ‘Barcelona’, en este caso firmada por Paula Koops.
Con los números que estaba haciendo sin disco en el mercado, incluso habiendo salido sus últimos singles hacía ya un año, Bruno Mars lo tenía que hacer muy mal para no triunfar con ‘I Just Might’. El tema no ha reventado del todo -en España se mantiene en el puesto 28-, pero sí sigue fuerte en listas tres semanas después.
Y lo que es más importante, ha conseguido ser número 1 en Estados Unidos durante dos semanas consecutivas. ‘I Just Might’ es nada menos que el 10º top 1 en el país norteamericano para Bruno Mars. ¿Pero es el mejor? En este artículo establecemos un top y os damos la posibilidad de votar.
10.-Nothin’ On You (B.O.B.)
Cuesta recordar que Bruno Mars fue un día un artista de «featurings» y antes de eso, un imitador de Elvis Presley de niño, bastante conocido en Hawaii. Cuando se mudó a Los Ángeles para probar suerte en la música, trabajó en campamentos de composición y le salió el «hook» de esta canción, inspirándose en ‘The Most Beautiful Girl in the World’ de Prince. La idea original era vender el tema a Lupe Fiasco, pero al director de Atlantic Records no le gustó la versión de este, por lo que se lo pasó a B.O.B. y se decidió conservar la parte de Bruno por su frescura. Producciones más sofisticadas y con más de Bruno Mars vinieron luego, pero aquí se plantó una semilla.
9.-I Just Might
Tenemos 10 meses -hasta el Anuario 2026- para arrepentirnos, pero de momento ‘I Just Might’ no luce a la altura del mejor Bruno Mars. El tema suena exactamente como algo compuesto por Justin Timberlake para una película familiar, es decir, una especie de ‘CAN’T STOP THE FEELING’: un tema que, al margen de su éxito, puede terminar en alguna que otra lista de lo peor del año por su ausencia de riesgo y por lo que tiene de pasteloso. Esperamos que haya al menos un single menos holgazán y más certero que ‘I Just Might’ en su próximo disco ‘The Romantic’. Lo sabremos exactamente dentro de un mes.
8.-When I Was Your Man
Pianistas como Elton John o músicos como Billy Joel fueron la inspiración para esta balada, publicada en el segundo disco de Bruno Mars (2012). La escribió pensando en su novia de entonces, la modelo Jessica Caban, aterrorizado por la idea de perderla. Duraron hasta el año pasado, así que ni tan mal. Aún favorita de su público bordeando los 3.000 millones de streams solo en Spotify, es simplemente un anticipo de otras grandes baladas que vendrían después. Por ejemplo, ‘All I Ask’, el tema que donó a Adele.
7.-Grenade
Que Mars también era un gran seguidor de Michael Jackson es evidente en esta grabación de su primer álbum que escribió inspirado por una chica que no le hacía caso. Eran los tiempos en que formaba parte del equipo de compositores y productores The Smeezingtons junto a Philip Lawrence y Ari Levine. Una grabación similar a ‘Dirty Diana’, in crescendo, en la que el piano durante estrofas y pre-estribillo tiene casi tanto peso como el estribillo «explosivo». Por cierto, que Bruno debutó justo el año en que Michael murió: 2009. ¿Casualidad? No lo creo.
6.-Just the Way You Are
El primer single en solitario de Bruno Mars, el que presentaba su debut ‘Doo-Wops & Hooligans’ (2010), se definió como una transición entre sus primeras colaboraciones y lo que finalmente iba a ser su carrera en solitario. Bruno se inspiró en clásicos como ‘Wonderful Tonight’ de Eric Clapton, ‘You Are So Beautiful’ de Joe Cocker y ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor para escribir esta canción que tenía lo mismo de intensa que de eufórica. ¿Su secreto? La repetición de ese estribillo más grande que la vida «You are amazing», por el que Chris Martin habría matado.
5.-That’s What I Like
El único tema que consiguió el número 1 del mejor disco de Bruno Mars, ’24 Magic’, fue este ‘That’s What I Like’ que representa su vena más sexy. Esa línea más desafiante y ostentosa de lo que se había visto en sus primeros discos, curiosamente, en principio no convenció a los directivos de Atlantic. Al final todo el mundo tenía razón: Bruno Mars vendió menos discos, sí, perdió algo de público en cuanto a ventas directas (su debut recibió 9 veces platino en USA, y este disco, «solo» 3)… pero a su vez ese cambio fue convirtiéndole en la estrella global y llenaestadios que es hoy.
4.-Die With a Smile (con Lady Gaga)
En 2021, Bruno Mars empezó a trabajar en la maqueta de una balada que se barajaba pudiera acabar en la banda sonora de ‘Joker: Folie à Deux’. Luego se desechó, pero Lady Gaga sí acudió a las sesiones de Bruno para completarla, junto a su escudero Andrew Watt. El resultado es totalmente espectacular, escalofriante en el modo en que ambos extienden las sílabas «to youuuuuuu» o cambian de melodía «just for a while». La artista no solo aportó la voz de chica tras otro dúo baladesco que le había funcionado de maravilla, ‘Shallow’, sino también el carisma, algo de lo que Bruno siempre fue algo más justo, perseguido por su pasado como «impersonator». En el icónico vídeo, los planos de Gaga fumando y tocando el piano roban todo el foco.
3.-Leave the Door Open (como Silk Sonic)
Prueba de que Bruno Mars no reniega de su pasado colaborativo, tras ’24k Magic’ se enfrascó en un proyecto paralelo junto a Anderson .Paak. El resultado es pura seda, una producción niquelada en cuanto a pianos, palmas, chasquidos, coros, en homenaje a la Motown y a personajes con el gusto para la producción de Marvin Gaye. ‘Leave the Door Open’ triunfó en los Grammy, muy merecidamente, pero después el dúo Silk Sonic decidió no presentarse a Mejor Álbum el año siguiente. Quizá no querían lidiar con la presión de ganar o no ganar porque lo que querían era divertirse. Y muchas veces ese es justo el secreto para dar con algo tan atemporal.
2.-Locked Out of Heaven
Si una canción ha identificado a Bruno Mars durante años es el primer single de su segundo disco, ‘Unorthodox Jukebox’, tras pasar por anuncios de Samsung y Toyota. Uno de estos últimos prohibido tras mostrar a una persona conduciendo con los ojos cerrados. Fue temeraria y no, no intenten esto en su vida, pero es una buena metáfora de la sensación de libertad que contiene la canción, que repite incesantemente la idea de «sentirse vivo». Bruno admitió la inspiración en el sonido The Police, tan identificativo, entre el reggae y el rock.
1.-Uptown Funk (con Mark Ronson)
Imagínate alguien diciendo en 2015, en medio de la oleada trap y reggaeton, que ya no se hacen canciones como las de antes. ‘Uptown Funk’ es precisamente una canción como las de antes, con un Bruno Mars que ha dejado de ser un imitador y definitivamente se ha convertido en una superestrella. Mark Ronson, que tan bien había entendido la música de los 60 y los 70, como es muy visible en ‘Back to Black’ de Amy Winehouse, lleva a Bruno a otro nivel, entre lo que parecen guiños a Chic. Mars deja de sonar amateur, a triunfito (como Lizzo), para pasar a la primera línea absoluta. El lustroso vídeo, con su humor, su coche de lujo y su mucho de calle, se acerca a los 6 millones de visualizaciones en Youtube, cifra inimaginable hoy. ¿Será que ya no se hacen canciones como las de antes?
Bonus: 24k Magic
Las listas de éxitos, el «número de números 1», pueden servir para recordarnos cuántos clásicos tiene un artista, como es el caso. Y al mismo tiempo pueden recordarnos que no sirven para nada. ¿Es posible que la mejor canción de Bruno Mars no fuera número 1? Es posible. ¿Estamos hablando de ‘APT.’? Nah… Atascada en un ridículo puesto 4 en Estados Unidos, ’24k Magic’, el tema que presentaba el disco homónimo de 2016, tomaba buena nota de lo aprendido junto a Mark Ronson. Retazos disco, rap, ad-libs brillantes, detalles electrónicos en sintes y voz conforman la que, sin duda, es la mejor grabación de Bruno Mars en solitario.
Hacía tiempo que no me reía tanto leyendo una entrevista o viendo Reels de un artista. La promo del EP ‘JANE DOE IN THE DREAM HOUSE’ ha salido redonda a Metrika. Si ‘TOTO DE LOCA’ ya había circulado libremente por TikTok, ahora ha sabido llevar la honestidad brutal de sus letras a la prensa, donde trata de explicar qué coño hacía actuando en un evento en el que estaba Vito Quiles. «¿Dinero de facha para mis bailarinas trannies? Pues claro que sí», ha declarado la cantante, que se define «de izquierdas» y el verano pasado sufrió una agresión homófoba durante una actuación en Burgos.
Este año habrá nuevo disco de Metrika. Mientras comprobamos qué más tiene que ofrecer en formato largo, Universal publica un EP que no es ningún pasatiempo: ya contiene otro par de pequeños virales que responden a nombres tan ilustrativos como ‘CONEJITA PLAYBOY’ o ‘VIRGEN PUTITAS’. Esta ex vendedora de cupones de la Cruz Roja, estudiante de Farmacia de día y «delincuente de Mattel» de noche, que se corta «el flequillo con las tijeras de cocinar», se inspira aquí en la película ‘Conejita en el Campus’ y en la estética vampira para hacer desaparecer a sus enemigos y gozar mordiendo, a partes iguales.
El sentido de un EP de 13 minutos como este es que cada una de sus pistas tenga un sentido, que no haya demasiado filler porque tiempo no da. Te taladra con ‘EL TASER DE MAMÁ’, la canción que repite «tra, tra» mientras se jacta de hacer dinero «con maricas, scorts y asesinas». La comunidad LGTBIQ+ vuelve a aparecer en ‘CONEJITA PLAYBOY’, donde deja claro quién manda aquí: «Te squirteo con la regla y parece que te acabo de matar / Esa es mi fantasía sexual».
‘UNA BIMBO POR MADRID’ reincide en su obsesión por las ITS, pues en ella rima «test de gonorrea» con «te tengo dicho que no te folles a feas» y después de eso su verborrea no se agota. ‘STILETTO O CUADRÁS’ tiene las mejores barras de ‘JANE DOE IN THE DREAM HOUSE’ y ‘VIRGEN PUTITAS’ es la que contiene la mejor melodía, lo creáis o no. Sí, «Ponte puta» es el mejor estribillo de este pequeño disco.
Transitan las producciones de D. Basto y Came Beats por el reggaeton oscuro y por el trap más manido. En ese sentido, no hay mucho que decir. ¿Habrá un guiño a Kraftwerk al final de ‘UNA BIMBO POR MADRID’? Da igual, porque cualquier idea es devorada por frases lapidarias como «sufrir es para hombres, yo estoy en la peluquería / Tú eres libre de irte y yo de montar una carnicería».
Nada de lo que oímos es tan distinto de aquel ‘Soy puta y mi coño lo disfruta’ que Carmen de Mairena transformó en icono. Esta mujer también canta lo que le sale del mismísimo, haciendo que la vida de esas «zorras, putas y travestis» a que apela en ‘VIRGEN PUTITAS’ sea un poquito mejor. Es fácil imaginar a miles poniéndose el eyeliner cada sábado, mientras perrean con estas canciones sobre «pollas feas», meades de la risa. Estábamos demasiado acostumbrados a artistas que no sea creían tales y ella ya se refiere a sí misma como «icónica»: «Me parece icónico ir a cantar ‘TOTO DE LOCA’ delante de fachas y pirarme con las mismas. Es que no me quité ni las gafas, ni el abrigo. Fui, canté y me piré para Salou». Si no comulgas, no te preocupes. Ya ha dicho que a los 50 ella lo que quiere es trabajar en una farmacia. Imagínate que es Metrika quien te vende el Duodart en el futuro.
Tras el luto por Liam Payne, los integrantes de One Direction vuelven a enfocarse en sus carreras en solitario. Liam Tomlinson acaba de lanzar disco, Harry Styles ha anunciado el suyo, Niall Horan estrenará un single el próximo 6 de febrero y Zayn Malik ha iniciado estos días su residencia de conciertos en Las Vegas.
Ha sido en la capital de Nevada donde Zayn ha lanzado una curiosa indirecta a Harry Styles, o eso afirman los fans del artista.
Los elevados precios de las entradas de la gira de Harry Styles, que oscilan entre los 50 y 530 euros, y el polémico sistema dinámico de venta, ha puesto a Harry en el punto de mira, y Zayn no ha desaprovechado la oportunidad para -aparentemente- tirarle un mensaje velado: «¿Quién de aquí es de Las Vegas? ¿Quiénes vienen de otro lugar? Solo quiero daros un enorme agradecimiento por estar aquí conmigo esta noche… espero que los precios de las entradas no hayan sido demasiado altos, ¡de paso lo digo!»
Aunque Zayn no menciona directamente a Styles, a nadie le parecerán casuales sus palabras, ya que ambos fueron compañeros de banda y la coincidencia entre sus declaraciones y la controversia de los tickets de Styles es demasiado evidente.
NME ha señalado que, en comparación con los precios de las entradas de Styles, los tickets para ver a Zayn en Las Vegas cuestan «entre 79 € y 190 euros», si bien existen algunas entradas “Premium” que alcanzan los 400 euros. La entrada más cara de “Reventa Verificada” asciende a algo más de 500 euros.
Lady Gaga se ha sumado a las voces críticas con las acciones del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas y la violencia ejercida por los agentes de la Patrulla Fronteriza en Estados Unidos, tras el tiroteo letal a dos personas en Minneapolis, y las detenciones y deportaciones masivas de inmigrantes en Estados Unidos efectuadas en los últimos meses. En los últimos días, figuras como Billie Eilish u Olivia Rodrigo han denunciado la violencia del ICE, mientras Bruce Springsteen ha lanzado una canción protesta.
En un discurso pronunciado estos días durante un concierto en Tokio, Japón, la artista ha expresado su dolor “al pensar en la gente, en los niños, en las familias de todo Estados Unidos que están siendo atacadas sin piedad por el ICE”. “Pienso en todo su dolor y en cómo sus vidas están siendo destruidas justo frente a nosotros”, ha afirmado, señalando además que “en unos días” regresará a Estados Unidos. Este domingo, Gaga actuará en la ceremonia de los premios Grammy.
“También pienso en Minnesota y en todos los que están de vuelta en casa, viviendo con tanto miedo… y buscando respuestas sobre qué deberíamos hacer todos. Cuando comunidades enteras pierden su sentido de seguridad y pertenencia, algo se rompe en todos nosotros”, ha señalado la artista, quien ha pedido a su público en Japón que se solidarice con las víctimas: “Sé que no estamos en Estados Unidos en este momento, pero estamos con nuestra comunidad y los amamos”.
Gaga dedica su canción de 2017 ‘Come to Mama’ “a todas las personas que están sufriendo, a quienes se sienten solos e indefensos, a cualquiera que haya perdido a un ser querido y esté pasando por un momento difícil, un momento imposible, sin poder ver cuándo llegará el final”.
Durante su emotivo discurso, la cantante subraya que la sociedad estadounidense “necesita volver a un lugar de seguridad, paz y responsabilidad”, y razona que “la gente buena no debería tener que luchar tan duro ni arriesgar su vida por bienestar y respeto”. Además, se dirige a los líderes del país para pedirles que “cambien el rumbo de sus acciones con rapidez y que tengan misericordia con todos en nuestro país”.
Gaga concluye su discurso destacando la importancia de contar con una red de apoyo comunitaria: “En un momento en el que no parece fácil tener esperanza, es mi comunidad, mis amigos y mi familia quienes me sostienen. Por eso, me gustaría cantar una canción que sí tenga un poco de esperanza, para intentar darnos un poco esta noche”.
Lady Gaga condemned ICE in a speech during her show in Japan: "I wanna take a second to talk about something that it's extremely important to me, something important to people all over the world, and especially in America right now. In a couple of days I'm gonna be heading home… pic.twitter.com/Bv3MVuUQmi
Jägermusic es la plataforma musical de Jägermeister centrada en descubrir el talento musical del futuro, y que en los últimos años ha funcionado como escaparate para dar a conocer las propuestas de artistas como Ginebras, Metrika, PUTOCHINOMARICÓN, Janire o Bajocero X, ofreciéndoles visibilidad, apoyo y oportunidades reales para avanzar en sus carreras musicales.
Coincidiendo con su 12º aniversario, Jägermusic revela la cartera de nombres que estarán bajo su paraguas artístico durante 2026, y es tan interesante como siempre.
Volverán a ser un total de ocho artistas los que formen parte de la programación de Jägermusic en 2026. Algunos de ellos te sonarán, ya que han pasado recientemente por esta página, como SVSTO -el proyecto en solitario de Carla Parmenter de Las Bistecs-, los divertidísimos EZEZEZ o la inclasificable Azuleja.
También se unen a Jägermusic este año la irreverente L0rna, autora del genial ‘Mr. Sexo Beat’; dentro de su mismo ámbito urbano también El Virtual; los conocidos Fresquito & Mango, que han trabajado con artistas como Aitana; Kiliki, el proyecto electropunk de un integrante de Chill Mafia; y la productora de techno, música de club y performer Meritxell de Soto.
Jägermusic ha elegido una estética de videojuego para promocionar su nueva agenda de artistas, convirtiéndolos en avatares digitales.
Bruce Springsteen ha lanzado una canción condenando las actuaciones del ICE en las calles de Minneapolis y la complicidad de Donald Trump en las ejecuciones de Renee Good y Alex Pretti, cuyos nombres Springsteen menciona en la letra.
En especial la muerte de Pretti a manos de los agentes anti-inmigración es inmortalizada en ‘Streets of Minneapolis’, donde Bruce escribe que fue perpetrada por los «matones federales de Trump»: «Le pegaron a su cara y a su pecho / Luego escuchamos los disparos / Y Alex Pretti yacía en la nieve, muerto», canta el artista.
Springsteen, una de las figuras públicas más críticas con la administración republicana, describe al ICE como el «ejército privado de Trump» y como un cuerpo que «dice defender la ley», pero que «pisotea nuestros derechos» y aterroriza a las personas migrantes: «Si tu piel es negra o marrón, amigo / Puedes ser interrogado o deportado a la vista», canta el Boss. En una línea de la canción, Springsteen pide al público que confíe en lo que ven sus ojos y cuestione si el ICE realmente actuó en «defensa propia», como alega.
Compuesta en el estilo de un himno pop‑rock popular, ‘Streets of Minneapolis’ -cuyo título recuerda al del éxito de Springsteen de 1994, ‘Streets of Philadelphia’- captura los sucesos del «invierno del 2026» y retrata al ICE como fuerza ocupante enviada por el «rey Trump», pero también recuerda a la población estadounidense que «defendieron la justicia» y cuyas voces «resonaron durante la noche» en medio de la «niebla ensangrentada».
Springsteen, en un comunicado, explica que grabó la canción el sábado y decidió publicarla al día siguiente: «Escribí esta canción el sábado, la grabé ayer y te la publiqué hoy en respuesta al terror de Estado que se está viviendo en la ciudad de Minneapolis. Está dedicada al pueblo de Minneapolis, a nuestros vecinos inmigrantes inocentes y en memoria de Alex Pretti y Renee Good».
Mientras la Fiscalía británica estudia reabrir el caso por «terrorismo» contra Mo Chara, rapero de KNEECAP, alegando que la demanda se archivó por un error técnico, el grupo irlandés continúa su carrera y anuncia nuevo disco: ‘FENIAN’.
El 24 de abril podremos escuchar este álbum, producido por Dan Carey, que traerá un sonido más industrial y apocalíptico, según la nota de prensa, acorde con los tiempos actuales. El disco volverá a estar cargado de discurso político: uno de sus cortes se llama directamente ‘Palestine’, y la portada retrata a un hombre cubierto con un pasamontañas con los colores de la bandera irlandesa y los ojos tapados, como si hubiera sido secuestrado.
‘FENIAN’, explica KNEECAP, es un término irlandés que originalmente «nombraba a guerreros de la mitología irlandesa» y que «posteriormente fue usado como insulto hacia los irlandeses». KNEECAP recupera la palabra para describir a la disidencia frente al poder; con ella pretenden «nombrar a cualquiera que diga la verdad al poder».
‘Liars Tale’, el primer avance de ‘FENIAN’, anticipa ya el oscuro sonido del álbum, apoyándose en una producción musical enérgica y vociferante que recuerda a Prodigy. Probablemente nunca hayamos escuchado a Mo Chara y Móglaí Bap tan engorilados.
Tampoco se puede pasar por alto que la letra de ‘Liars Tale’ incluye una mención directa a Benjamin Netanyahu, al que KNEECAP compara con excremento de vaca, que sería usado «mejor como abono para agricultores». El videoclip, por su lado, cuenta con el cameo de una Margaret Thatcher zombie, sugiriendo que sus ideas neoliberales y autoritarias han vuelto.
Kanye West ha cumplido los peores presagios de sus fans y ha confirmado que su carta de disculpa era la antesala promocional de su próximo disco. No se veía venir.
Solo dos días después de publicar una sentida disculpa en un anuncio pagado en el Wall Street Journal, Ye ha comunicado que su disco ‘Bully’ saldrá el 20 de marzo, confirma Rolling Stone. Su lanzamiento viene acompañado de un acuerdo de distribución con la compañía independiente gamma, por lo que Kanye difícilmente podrá abortarlo si así lo decidiera. Seguramente se estén preparando ediciones físicas del álbum, no solo digitales.
En la reciente carta, que parecía escrita por un abogado, Ye pedía perdón a judíos y afroamericanos por los ataques dirigidos contra ambas comunidades durante años en redes sociales y medios de comunicación, y explicaba que su desorden bipolar le había llevado a actuar de forma impulsiva y destructiva.
West negó que la publicación de su carta respondiera a intereses comerciales, el día después de su aparición en el periódico estadounidense. En declaraciones recogidas por Variety, West recordaba que él fue uno de los artistas más exitosos de 2025 en Spotify: «Esto, para mí, como demuestra la carta, no tiene que ver con reactivar mi valor comercial Se debe a que estos sentimientos de arrepentimiento pesaban enormemente en mi corazón y cargaban sobre mi espíritu. Vuelvo a deber una disculpa enorme por todo lo que dije y que hirió especialmente a las comunidades judía y negra. Todo fue demasiado lejos. Observo las ruinas de ese episodio y me doy cuenta de que esa no es la persona que soy»
«Como figura pública», señalaba el rapero, «hay muchísimas personas que siguen y escuchan cada una de mis palabras. Es importante que entiendan y comprendan en qué lado de la historia quiero situarme, y ese es el lado del amor y la positividad».
‘Bully’ abordará las polémicas recientes de Ye, según Rolling Stone. Pero cualquier buena intención que pudiera atribuirse a la carta queda anulada en el momento en que esta se revela como una estrategia promocional y un intento de lavado de imagen. Quizá era ingenuo esperar menos.
«Ya no soy esa». A Ona Mafalda el clásico de Mari Trini le viene al pelo y por eso lo ha versionado. Hace ya un lustro que escuchamos hablar de ella por primera vez -cuando se hacía llamar solamente Mafalda- y desde entonces ha vivido varios viajes. El que nos ocupa es el musical: su nuevo disco ‘Reset’ es más rockero y vibrante, lejos de aquellas canciones que percibimos influidas por London Grammar. También está el de su prematuro divorcio. Y por supuesto, el de aceptar que la gente le pregunte constantemente por su condición de «princesa», que en su caso no tiene nada que ver con Britney o con Kylie: real que es nieta de Simeón de Bulgaria.
Ona Mafalda actúa hoy jueves 29 de enero en Madrid como parte del ciclo Inverfest. Como parte de Girando Por Salas estará el 13 de febrero en Guadalajara, el 7 de marzo en Santiago de Compostela, el 25 de marzo en Málaga, el 28 de marzo en Sevilla, el 16 de abril en Barcelona y el 8 de mayo en Santander. También tiene otras fechas en Zamora, Palencia, Toledo, Sonorama o Phe Festival en Tenerife.
¿En qué medida este disco es un salto o un «reset» en tu vida?
En la medida de no sentirme frenada o tener miedos. Lo más importante era no sentirme así. Pero también quería que cuando la gente escuche el álbum, sobre todo por la mañana, al salir de casa, se ponga esa música que te hace sentir bien. Es lo que quería traer a este ‘Reset’. Lo llamé ‘Reset’ pensando en los artistas que escuchaba cuando empecé mi carrera y son la razón por la que hago lo que hago. Quise volver a mis comienzos y ahora canto con un «t-shirt» y unos «jeans», que es lo que hacía cuando empecé en pubs de Londres, cuando no tenía maquillador ni estilista. Tocaba en un bar con la guitarra y ya está.
¿Y luego ya has tenido maquillador?
Antes tuve y ya no. Si voy a un evento de «red carpet»… pero cuando hago conciertos, ya me lo hago yo y es esa naturalidad lo que me apetece representar.
Háblame de la parte rockera de tu disco. ¿Cómo surge? ¿Quién la inspira? He pensado en Olivia Rodrigo.
Me viene absolutamente de la infancia, sobre todo porque mi madre es mega fan de la música indie, de la época de los Libertines, Franz Ferdinand, Belle & Sebastian, Florence + the Machine… Todo eso lo escuchábamos en el coche, íbamos a muchísimos conciertos. Me acuerdo del primer concierto de Strokes que fui a ver con mi madre. Solía ir a conciertos no con mis amigas, sino con mi madre, con mi hermana… nos encantaba. Era algo que tenía dentro de mí y cuando llegué a España, no exploré tanto. Me he vuelto a enamorar de aquella electricidad y de ese empoderamiento.
¿Y esto tiene relación con letras como ‘Harta’?
El sonido de este proyecto nació cuando empecé a hacer canciones con la guitarra eléctrica. ‘Harta’ es la última que entró en el álbum, pero me hacía ilusión meterla porque era como la guinda del pastel para que fuera perfecto. Representaba esa energía que también tiene ‘Pink Lies’ o ‘Rolling’, que la escribí en un día.
‘Pink Lies’ habla de la necesidad de volver a sentir algo. Entiendo lo que es, pero es un sentimiento tipo «jo, tienes que estar como aburrido para esto», porque cuando tienes un problema de verdad, ¿no cantarías sobre «sentir algo», no?
Hicimos en París esta canción, el productor dijo: «dime un color», yo dije «pink» y él «lies». Se quedó así, además es una canción en castellano con título en inglés: no puede ser más yo. Pero el sentimiento es que estaba pasando un momento bastante complicado y no quise escribir sobre esa tristeza. A mí me encanta una buena canción de Lana del Rey o de Adele, pero no quería hacer algo así porque luego lo tengo que seguir cantando en los conciertos, y yo no quiero estar mal… Quería dejarlo atrás, sentirme empoderada, sentir que todo va a ir bien.
No te pregunto por qué hay temas en inglés y en español en tus discos, porque es obvio con tus orígenes británicos, ¿pero cuáles disfruta más el público?
Los dos. Estoy extremadamente agradecida a quienes me han dicho «me olvido de que estás cantando en inglés». Quería sentirme lo más natural posible y lo más real, porque creo que me perdí un poco con el álbum ‘Ona’. Tenía miedo de «¡yo qué voy a cantar en inglés, si la gente aquí toca en castellano y yo de repente voy haciéndome la guay, cantando en los dos idiomas». Y al contrario, se me hizo muy extraño (cantar solo en español). Con ‘Reset’ las canciones fueron saliendo de manera más natural. ‘Rolling’ la hice en inglés y se me ocurrió intentar traducirla. A veces pruebo y funciona, pero mayormente no funciona.
En España hubo una historia con esto de cantar en inglés, en los 90 sin saber. Hinds recientemente han tenido buena aceptación con sus temas en castellano. Parece un buen momento para cantar en español.
Lo que veo que está pasando ahora es el balance: que antes a lo mejor era todo en inglés o todo en castellano, aunque fueses de España o de donde sea, era todo un idioma. Ahora creo que se ve mucho, tanto en rusowsky o Amore, que hay artistas que a lo mejor tienen dos temas en el álbum que están en inglés, o Judeline te mete unas palabras en inglés. Tenemos acceso a música en cualquier idioma, cosa que cuando ibas a comprar música a una tienda no pasaba tanto. No debería hablar del algoritmo, que ahora mismo es el anticristo de los cantantes, estamos odiando todos ahora mismo todas estas cosas, pero con el algoritmo de repente te aparece un tema de un artista en japonés que no tienes ni idea de quién es y dices: «¡Ostras». Entonces, me meto e investigo». Tenemos más acceso y los idiomas ya son más universales. O el álbum de Rosalía, podemos abrir ese melón (risas).
«Hay gente que piensa que meto palabras en inglés para ir de guay, pero cuando llegué a España no sabía decir más que cuatro cosas»
De hecho, es que hablando metes muchas palabras en inglés.
Hay gente que piensa que lo hago de guay y es que no sé cómo decir la palabra. Te prometo que cuando llegué aquí, no sabía decir más de cuatro cosas, me lo recordó el otro día una amiga. El acento siempre lo he tenido igual, pero el vocabulario era otra cosa.
Has dicho que el disco describe una mala etapa. He leído en El País que te divorciaste. ¿Es un disco post-divorcio o lo escribiste antes?
Fue un momento muy complicado. De hecho, hubo un reportaje donde me hicieron un titular «La hija perfecta se divorcia de la pareja perfecta» o algo así. (NdE: me da la risa) Te puedes reír. Es que es muy surrealista para mí también, pero eso es lo que me inspiró para hacer ’80 cerillas’, sobre esa idea del perfeccionismo, de que tenemos todos que ser perfectos, de qué es ser perfecto y de que quién coño dice que yo soy perfecta. Yo no soy perfecta y nunca lo he sido. Y no tengo miedo de que todo tenga que salir bien, al contrario. ¿A quién le importa leer estas cosas de mí? Pero bueno, está ahí y es un proceso que yo viví.
¿Está entonces el divorcio en baladas tipo ‘For Us’?
Sí, es la única… ¡Una triste tenía que entrar! Pero cuando escuchas bien la letra… es una canción que es obviamente triste, pero que además también es «la vida tiene que continuar».
Has hablado de titulares… Lo siento, yo es la primera vez que te entrevisto…
Saca, saca, saca…
Te voy a leer uno muy jevi: «Princesa de origen búlgaro actúa en un tugurio de Madrid». ¿Qué sientes cuando ves algo así?
A ver, para mí es… ya me río. Antes es verdad que era difícil, porque en mi casa ese título nunca se ha utilizado. Yo no me siento esa persona ni es que lo que pone en el pasaporte. Y nunca tampoco me han educado en mi casa con eso, al contrario. Yo os entiendo y sé muy bien el privilegio que tengo y la suerte de la familia que tengo, no niego esa suerte. Pero es algo que ni me han inculcado en mi casa ni he crecido con ello. Entonces, cuando la gente lo pone ahí, sobre todo para el clicbait, me da rabia. Sobre todo cuando yo no estoy promocionando eso para nada, estoy promocionando mi trabajo, mi música, lo que hago, pero hay unos titulares ahí…
Que sientan mal.
Ya no. De hecho, ya he hecho mi paz con eso, he hecho mi terapia y lo he trabajado mucho y, al contrario, estoy agradecida de que tengo una suerte y, bueno, yo no controlo eso.
«En mi casa ese título (de princesa) nunca se ha utilizado. Yo no me siento esa persona ni es que lo que pone en el pasaporte»
Por otro lado, he leído en esa entrevista de El País que hay gente que te anima a decirlo más. Es algo que te ha ayudado a aparecer en revistas tipo Vogue, pero hay gente que ni sabe tu título. Y creo que podría ser gracioso.
Ahora es algo que sí que podría ser divertido y gracioso y se podría jugar con eso. Un amigo mío, que es artista también, me dijo: «Tía, yo lo utilizaría todo el tiempo». Pero al principio fue difícil porque tenía mucha crítica de «niña, tú no eres cantante, ¿tú quién eres?». Mucho prejuicio. Aunque me gusta decir «yo nunca leo los comentarios, no dejo que algo me moleste», al principio te afecta mucho, porque tú estás aquí trabajando, trabajando, trabajando y detrás te están diciendo «¿Esta es porque su madre ha dicho «Papá»? Hay mucho detrás, pero luego lo he trabajado y ahora sí que a lo mejor hace gracia ir a jugar con el tema. Hace años no habría dicho que ’80 cerillas’ viene de ese titular, ¿sabes? Y ahora te lo cuento porque es que me da hasta gracia. Igual un día puedo salir con algo de eso, pero es que no fue algo con lo que nos educaran en casa. Es una cosa que te ha caído. Es parte de mi árbol.
¿A tu familia le gusta tu música?
Sobre todo a mi madre, porque mi madre es la más rockera indie que te puedes imaginar.
¿A tu abuelo?
A mi abuela del lado paterno, del lado «trending topic», digamos, le gusta sobre todo el flamenco, muchísimo. Me lo enseñó. Y a los padres de mi madre también les encanta la música, se duermen con la radio, pero no son de ir a conciertos. Aunque a mí me han visto y les encanta. En mi universo siempre he estado rodeada de música y nutrida, he tenido mucha suerte.
¿Cómo te vas adentrando en el underground español? Veo que te sigue gente como Los Vinagres, has colaborado con Merina Gris… ¿no te ha surgido vincularte con artistas más pop?
Surgió cuando hicieron un tema con Delaporte, que me encantan, y tenemos un tema juntos también. Yo estaba terminando el álbum, y pensé que Merina Gris cuadraban muchísimo con la canción. Les escribí el típico DM de Instagram, que luego igual ni te contestan, pero estaban en Madrid justo esa semana y la hicimos. De ahí nació ‘Kuidao’. En mi cabeza no divido como mundo pop, mundo underground, es con lo que yo más conecto. A ver, hay otra gente a la que también escribí y me dijeron que no (risas)
¿Por qué te han dicho que «no», tú crees?
O porque no, porque no. O porque acaban de sacar un álbum y ahí no les funciona. Estas cosas, desde luego, nunca me las tomé como algo personal. Cada uno tenemos nuestro proyecto y si funciona, funciona y si no, no. Como también hay gente que me ha escrito a mí y yo he dicho que no.
Te pregunto también porque yo no sé si Merina Gris tendrán maquillador o maquilladora.
Bueno, ahora tengo una alfombra roja y es de Spotify. Es verdad que la moda tiene una gran presencia en mi vida, pero es porque es una manera en la que me expreso, porque me gusta, sobre todo, jugar con eso. Es verdad que antes era mucho más expresiva, incorporé las extensiones que, ahora lo miro, y yo creo que me escondía detrás de algo que aún no estaba muy claro lo que era. Ahora, como lo tengo tan claro… de hecho, como si me dices ahora mismo «vamos a tocar ahora», yo voy. Es que de hecho voy así, solo me falta el t-shirt.
Hablando de Spotify, tú eres «embajadora» de su playlist EQUAL. En JENESAISPOP hemos hecho un reportaje sobre esto: ¿no sería lo suyo que a las mujeres os metieran en las playlists populares, no en otras aparte?
Es como en los festivales, que yo creo que está muy bien hacer ciclos de mujeres de conciertos, de festivales o cosas así, que genial, porque siempre donde podamos tener un pie y apoyar y seguir creciendo es súper importante. Pero también tiene que pasar en lo «no mujer», sobre todo hay que apoyar a artistas emergentes para que luego podamos ir creciendo. Si no, cada año vas viendo los mismos carteles con las mismas personas. Pienso lo mismo que tú: es muy importante estar en otros sitios.
Es que además en las playlists internacionales no hay tanta discriminación como en España.
Porque ahora Estados Unidos está lleno de «pop queens» como Chappell Roan, Taylor Swift, Sabrina Carpenter, Charli… como el pasado Primavera Sound. Pero hace muchos años cuando yo trabajaba en una discográfica de rap en Inglaterra, otro anécdota de mi vida, en esa época, tú mirabas las playlists y los primeros nombres siempre eran hombres, porque era lo que venía de Estados Unidos. Ahora mismo, en España, lo que se está moviendo más es el urbano, puede ser por eso.
¿Crees que hay desigualdad en la música en España?
Yo creo que en todo el mundo, pero creo que hemos avanzado muchísimo. En el 71, cuando Mari Trini sacó ‘Ya no soy esa’, que para mí es súper importante sobre todo para este proyecto, era de las pocas que eran extremadamente valientes. Ha pasado mucho tiempo, han cambiado las cosas, pero no tantísimo. Entonces, hay que seguir luchando, trabajando, hablando y, sobre todo, escuchando. Yo siempre digo que lo más importante es escuchar.
¿Crees que en los próximos años puede haber una regresión de derechos y de igualdad y de diversidad o vamos en la dirección correcta?
A mí me gustaría pensar que sí, pero con las cosas que están pasando en Estados Unidos, o bueno, también aquí hay brotes… por eso digo que hay que seguir esa lucha y que hay que seguir escuchando lo máximo posible.
Hay algo de electrónica en tu disco, por ejemplo en el tema de Merina Gris, ¿hacia dónde crees que irá tu música?
La parte más electrónica ya tuvo su momento. Merina Gris cabía perfecto en eso, pero justo eran una transición. En lo nuevo que ya he empezado estoy muy contenta, además la gente está respondiendo, sobre todo al tocar. Estoy ya con lo nuevo, y si te gusta ‘Harta’, es el buen camino.
No te ves en el rollo de Delaporte, por ejemplo.
Ahora estoy ahí, sobre todo en la energía. Sandra es, de verdad, una persona increíble. Los dos.
«A algunos artistas escribir canciones tristes les ayuda. A mí justamente no me ayuda eso, al contrario. Por eso decidí no hacerlo»
Suelo decirles que han hecho un buen compendio de electrónica y salud mental, ¿qué te parece a ti?
Es súper importante, uno se tiene que cuidar. A algunos artistas escribir canciones tristes les ayuda. A mí justamente no me ayuda eso, al contrario. Por eso decidí no hacerlo. Es súper importante, sobre todo, saber cuándo hay que parar o cuándo hay que escucharse, o cuándo hay que trabajar en uno mismo. Es algo que yo desde luego hice para ‘Reset’, paré, y de verdad tuve ese momento para cuidarme, porque estaba muy mal. A lo mejor, si no, hubiese seguido haciendo cosas un poco sin sentido. Perdí un poco el norte, literalmente. Y me siento muy afortunada de poder parar, porque a veces también es ese miedo de que «ostras, se van a olvidar de mí». Es verdad que fue un poco duro, lo sentí, pero luego valió la pena. Estoy bien y muy contenta.
¿Hay algo de todo esto en ‘Sedated’?
Sí… Bueno, viene de una canción de Florence. Estaba de camino al estudio y ella tiene una canción que dice «Sometimes I wonder if I should be medicated / If I would feel better just lightly sedated». Me salió como la canción más escuchada del año. Y entonces justo me pasó una cosa, que yo estaba ahí… Llegué al estudio y salió.
¿Has escuchado el último disco de Florence? Es más de letras, sobre su aborto y demás…
Creo que es una persona muy valiente. Y luego también es que a mí ese «feeling» que tiene ella, no sé si tú has hecho yoga alguna vez, pero cuando haces yoga, respiras como ella literal (NdE: exhala) Ese sentimiento es lo que tanto me atrae, y le tengo mucho cariño al álbum ‘Lungs’. Mis padres hicieron una fiesta, alquilaron un enorme «speaker», y ahí es cuando entré en ese mundo de empoderamiento.
La semana pasada entrevisté a Metrika. Sabía que la ocasión prometía. No solo por frases tan icónicas como «la lefa es el sushi de los caníbales», digna de explicación, o «te squirteo con la regla y parece que te acabo de matar», sino también por las polémicas que rodeaban a su figura. Conocía de sobra lo de su telenovelesco altercado con Bb trickz en el Riverland, pero me sorprendió saber que nuestra conversación tendría lugar justamente en la víspera de otro movidón. Uno que empezaba con los Army Awards, pero que llegaba hasta el «freak show» particular de la Generación Z.
¿Qué son los Army Awards? Para alguien que no vive crónicamente en Internet, la respuesta es demasiado larga. Vamos a resumirlo diciendo que son los premios inventados de un influencer (Ceciarmy) que se dedica a copiar memes. El tío que va siempre con pasamontañas, para entendernos. Sus premios llevan celebrándose tres años, con Santiago Segura ejerciendo de copresentador en todas las ocasiones. La línea entre Internet y la farándula española es ya inexistente, sí. El pasado 10 de enero se celebró otra gala en el Madrid Arena. ¿Qué pasó con Metrika?
Esta interpretó ‘TOTO DE LOCA’ alrededor de las 17h para ese tipo de público que suele canturrear «Pedro Sánchez, hijo de puta» cuando no le cambian la fecha del examen de mates. Los Army Awards es el tipo de gala que premia a Vito Quiles con el galardón a Pareja del Año, junto a Gabriel Rufián -este obviamente tenía mejores cosas que hacer, como beber ácido sulfúrico o tirarse de un tercero-. Poco a poco, el ambiente fue caldeándose, entre denuncias de falta de «libertad» en España y los insultos de siempre al presidente. Como era esperable, parte de la izquierda se echó al cuello de Metrika por participar en esto. Ella, sudando de absolutamente todo: «No sé ni quién es Vito Quiles… ¿Quién coño es ese?». Ojalá vivir en el mundo de Metrika.
Santiago Segura ha presentado la gala de los #ArmyAwards. Un evento se define por premiar "lo más auténtico, espontáneo y real de la cultura online". Han empezado gritando "Pedro Sánchez Hijo de Puta" y premiando al ultraderechista Vito Quiles. ¡Son unos miserables fascistas! pic.twitter.com/iSmtylzwof
¿Quién más se encontraba en el público mientras los defensores de la libertad se venían arriba? Los concursantes de la última edición de OT. Los pobres… Me imagino que lo primero que piensas al salir de la Academia es que tienes que aprovechar toda la exposición que te da el concurso. Es decir, ir a todos los sitios a los que te invitan. «Sabíamos que veníamos a unos premios raros, pero no a unos que están blanqueando el fascismo», declaró Salma. «Tampoco nos ha gustado cómo se han portado con nuestra pequeña Lucía», continuó. Durante su paso por el concurso, ya se hablaba de Casani como la inadaptada de la edición. Fue mejorando con el paso de las semanas, pero es cierto que al principio ella misma se sentía poco apoyada por sus compañeros, salía muy poco en los vídeos resumen… Y seguro que Santiago Segura comparándola físicamente con Ruth Empoderada, que padece el síndrome de Silver-Russell, tampoco le sentó nada bien: «Yo pensaba que serían unos premios normales», escribió en redes.
Para entender quién es Ruth Empoderada, hay que explicar qué es ‘La Casa de los Gemelos’. Imagina que metes a los mayores personajes que ha dado Internet España en una casa, a lo Gran Hermano, con la posibilidad de ganar 100.000 euros y les dices que todo vale. Básicamente, en eso consistió una de las sensaciones virales de 2025. Los hermanos Carlos y Daniel Ramos estrenaron el formato el pasado 12 de octubre en riguroso directo en YouTube y Kick. Duró un total de 9 horas y entonces se canceló porque los concursantes no paraban de pegarse, escupirse y hacerse de todo. La primera pelea, entre Triana Marrash -el gran descubrimiento del formato- y La Falete (no confundir con Falete), empezó a los 25 minutos.
La segunda temporada empezó poco después. Ojo, con Kiko Hernández como presentador. Y con un nuevo equipo de seguridad que hay que ver para creer. El reparto fue una mezcla de MVPs de la primera edición -La Marrash, La Falete, Ruth Empoderada- y de viejas glorias televisivas, como Bea La Legionaria (GH), Aramís Fuster (Hotel Glam) o Labrador (Gandía Shore). Todo lo que diga de este formato va a ser una barrabasada. El racismo, la homofobia, la ridiculización y cualquier barbaridad de este tipo fueron bienvenidas.
Sin embargo, entre La Falete quemando un colchón por la cara (y por poco la casa entera) y Labrador dándole un manotazo a la drag queen Cherilyn Divine por pedirle que dejase de tararear el ‘Cara al Sol’, había algo mucho más potente: Ruth Doral. Su paso por el concurso podría ser lo menos interesante de su carrera en Internet y eso que tuvo que aguantar en directo a su novio siendo infiel con La Marrash. Ahora bien, ¿quién es esta persona?
La respuesta corta es que es una creadora de contenido, como tantas otras. Sin embargo, al contrario que con personajes como La Marrash y La Falete, de Ruth Empoderada se puede aprender. Cualquiera de nosotros habría perdido el juicio tras estar sometido a semejantes niveles de tontería. En lo que respecta a daño cerebral, el brainrot y el ‘doomscrolling’ se deben quedar cortos al lado de una conversación con Labrador. Ruth no solo ha pasado alrededor de 24 días encerrada en una casa con la peor calaña de España, sino que también ha tenido que aguantar algo mucho peor: los espectadores del programa. Aun así, ha salido con la cabeza bien alta.
Ruth diciéndole a alguien del chat que enana su puta madre JAJAJAJAJAAJAJ PELOS #LaCasaDeLosGemelos2D6
Hablando claro, Ruth no lo ha debido tener nada fácil en la vida. Aun así, tiene los superovarios de presentarse en los premios de Ceciarmy a cantar su canción delante de miles de personas. No cuadra ni una frase, es verdad, ¿y qué mas da? La resiliencia es innegable. En cuanto al tema, es imposible no comentarlo. Es el que le dio el sobrenombre de Empoderada. Un dembow minimalista que demuestra que los sueños pueden cumplirse y que seguramente haya provocado escalofríos en la espalda de Leticia Sabater. En un universo alternativo, es la Canción del Día.
Deberíamos vernos a nosotros mismos en Ruth. Hacer lo que nos hace feliz y ya, porque no sabemos cuánto tiempo queda. Literalmente: el mundo se está cayendo a pedazos. Metrika ha cantado en un evento de premios rancio a más no poder. ¿Significa que es facha? Ella misma me dijo que invertiría el dinero en sus «bailarinas trannies». A Lucía Casani no le hizo gracia la broma de Santiago Segura. ¿Significa que odia el humor? Tu hermano se ha comprado una camiseta de ‘La Casa de los Gemelos’. ¿Significa eso que es un NPC? Puede ser. Para 2026, menos gemelos y más Ruth Empoderada.
En medio de la crisis por las deportaciones masivas del ICE y los tiroteos fatales de agentes federales que han matado a Renée Good y Alex Pretti en la calle, más los ocurridos de puertas para adentro, Nicki Minaj ha vuelto a reafirmarse en su admiración por Donald Trump, del que se ha declarado su “fan número 1” durante un evento celebrado este miércoles 28 de enero en Washington D. C.
Durante una cumbre organizada por el Departamento del Tesoro de Estados Unidos, dedicado a la presentación de un nuevo programa de inversión para niños, Nicki Minaj y Donald Trump han coincidido en persona por primera vez. Ahí, se han elogiado mutuamente.
Trump ha comparecido primero para explicar el nuevo programa de inversión infantil y ha presentado a Nicki Minaj, calificándola como la «rapera más exitosa de todos los tiempos». También ha bromeado con que la cifra millonaria que se invertirá en el programa «es más grande incluso de lo que un rapero puede hacer».
Cuando Nicki se ha subido al escenario, no ha escatimado en halagos al presidente estadounidense y ha desafiado a sus críticos, aludiendo a una supuesta «campaña de desprestigio» contra el mandatario. «Probablemente soy la fan número uno del presidente, y eso no va a cambiar», ha declarado la rapera, mientras Trump la observaba por detrás. «Lo que la gente tenga que decir no me afecta en absoluto. De hecho, me motiva a apoyarlo aún más. Y va a motivarnos a todos a apoyarlo más». Luego, ha añadido: «No vamos a permitir que se salgan con la suya intimidándolo. Y ya sabes, las campañas de desprestigio. No va a funcionar. Tiene mucha fuerza detrás de él y Dios lo está protegiendo».
No es la primera vez que Nicki Minaj expresa públicamente su apoyo a Donald Trump. En los últimos meses, la autora de ‘Super Bass’ ha elogiado en varias ocasiones a la administración republicana y ha participado en eventos de ideología conservadora, como el Turning Point USA celebrado en Arizona el pasado mes de diciembre.
Durante su sonado encuentro con Erika Kirk, viuda de Charlie Kirk, el activista ultraderechista asesinado en septiembre, Minaj sorprendió adoptando un discurso tránsfobo, se burló de la izquierda, llamó «apuesto» a Trump y alabó el trabajo de J.D. Vance, vicepresidente de Estados Unidos, aunque utilizó la peor palabra posible para describirlo, «asesino», utilizando jerga asociada al hip-hop.
Nicki Minaj on Trump: “I am probably the president’s number one fan — and that’s not going to change.” pic.twitter.com/v3hk0S2rkQ
Epic Records tiene un diamante en bruto en Madison Beer, pero es evidente que le está costando posicionarla en la industria. Dotada de una gran voz, Madison -neoyorquina de 26 años- no acaba de perfilar un estilo vocal y compositivo propios, por lo que tanto su discográfica como ella parecen conformes con ocupar ese terreno ambiguo en el que algunos artistas funcionan más como ecos de otros: como cuando mirabas la portada del debut de Mandy Moore y estabas convencido de que era Britney Spears.
Madison Beer va por buen camino con ‘locket’, su tercer disco, ya que acaba de marcar sus primeros top 10 en Estados Unidos y Reino Unido, e incluso ha logrado un buen dato en España (donde actuará en mayo). Parece que, como Sabrina Carpenter, Beer está a punto de caramelo de su propio «breakthrough», labrado durante casi una década, por cierto: fue en 2017 cuando escuchamos su música por primera vez.
‘locket’ -tercer álbum de Beer- viene cargado de baladas clásicas a lo Ariana Grande (‘healthy habit’), bops electrónicos (‘make you mine’) y puntuales guiños R&B (‘angel wings’) o pianísticos (‘nothing at all’). En ocasiones, la versatilidad del álbum desconcierta, como cuando de una intro que recuerda precisamente a la Ariana más retro pasamos a un pepinazo electro que podría haber firmado la actual Charli xcx, sin que parezca justificado en absoluto.
El estribillo «yes baby yes baby yes» de ‘yes baby‘ es uno de los momentos destacados de un álbum que incluye otros matices electrónicos, como los del drum ’n’ bass de ‘complexity’, aunque las canciones siguen estando uno o dos peldaños por debajo de sus obvias referencias. ‘for the night’ sería un buen single de la Billie Eilish más acústica, pero es que Billie lo escribiría y cantaría exactamente de la misma manera.
Centrado en recrear el sonido de diferentes artistas actuales, el único concepto de ‘locket’ es el de presentar un claro disco de ruptura, del cual Madison extrae diferentes fases emocionales que plasma en las letras: del miedo a estar sola al hallazgo del amor propio (‘locket theme’), pasando por la resignación (‘nothing at all’), el dolor de descubrir que la otra persona ya te ha olvidado (‘you’re still everything’) o la venganza de frases como la contenida en ‘angel wings’: «cuando pienso en ti, digo «descanse en paz»».
Las letras de ‘locket’ están estandarizadas al máximo («How can I expect you to love me when you don’t even love yourself?», canta en ‘complexity’), y las composiciones y producciones, también. El synth-pop ochentero de ‘bittersweet’ está bien hecho y Madison tiene voz suficiente para afrontar una balada gritona como ‘bad enough’ y que salga bien. Quién es ella, personal y artísticamente, sigue siendo un misterio.
Justin Bieber ha sido anunciado entre los artistas que actuarán en la próxima gala de los GRAMMY, que se celebra este domingo 1 de febrero. Bieber, que aspira a Disco del Año por ‘SWAG‘ y suma un total de cuatro nominaciones, no actuaba en los GRAMMY desde 2022.
Aquella fue una gala agridulce para Bieber. Aunque abrió la ceremonia con una actuación de ‘Peaches’ al piano, el artista no se llevó ni un solo GRAMMY de los ocho a los que aspiraba, incluida la misma categoría por la que compite este domingo, Álbum del Año, por ‘Justice‘ (2021), un disco que, la verdad, no se puede contar entre los mejores de su carrera.
La relación de Bieber con los GRAMMY nunca ha sido especialmente cálida: apenas ha ganado dos premios de los 23 a los que ha aspirado, y ambos por colaboraciones, por ‘Where Are Ü Now’ (Mejor Grabación Electrónica/Pop) y ‘10,000 Hours’ (Mejor Dúo Country). Claro que ya son más de los que pueden contar ABBA, Björk o los Beach Boys. Las nominaciones de Bieber ascienden a 27 este año. ¿Aumentarán también sus victorias?
La actuación de Bieber será una de las más esperadas de la noche, junto con las de artistas ya confirmados como Sabrina Carpenter, Olivia Dean, Clipse o Lola Young. Dos estrellas debutantes, Addison Rae y KATSEYE, subirán al escenario de los GRAMMY por primera vez.
Por otro lado, la organización de los GRAMMY ha revelado el cartel de artistas que actuarán durante el show previo a la ceremonia oficial. Ahí veremos a Zara Larsson -nominada por ‘Midnight Sun’-, Grace Potter, Israel Houghton, Lila Iké, Maggie Rose y Trombone Shorty, entre otros.
Bad Bunny, Lady Gaga y Kendrick Lamar parten como favoritos en la gala de los GRAMMY de este domingo. ¿Dará la sorpresa un nombre inesperado tipo Leon Thomas?
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