Kesha sigue inmersa en su etapa independiente, una fase que hace un par de años le dio un minihit viral en redes, la literalmente increíble ‘Joyride‘, y que consolidó con la edición de un álbum más que correcto, titulado simplemente con un punto. Una idea que la italiana MYSS KETA ya había explorado años atrás, pero que Kesha, gracias a una mayor visibilidad y a la interesante dirección artística del proyecto, supo hacer suya.
La carrera de Kesha continúa ahora con el lanzamiento de un single de estética igual de disruptiva, aunque quizá no tan sorprendente como ‘Joyride’. ‘Origami’ sí lleva el sonido de Kesha a un terreno menos habitual, próximo al synthpunk y al electroclash dosmilero, aunque su pasado como diva electropop mainstream todavía asoma en un estribillo coreable, claramente diseñado para el canto colectivo.
Por lo demás, quizá si ‘Joyride’ no hubiera existido, ‘Origami’ se sentiría más como un shock que como una simple extensión de la faceta más absurda y desinhibida de Kesha. La Canción del Día, cargada de detalles de producción distorsionados, y, sobre todo, de mucha actitud por parte de la cantante, se complementa con una letra completamente delirante inspirada en la cultura japonesa, pero también en otras referencias que aparecen de repente y porque sí, como demuestra esa rima: «I’m serving supersexual, flexible intellectual / Meet me down in Shibuya, practice that kama-sutra».
Aunque para absurdo, el llamativo videoclip: una especie de orgía simulada que utiliza una coreografía repleta de poses sexuales y, por supuesto, la propia forma de ese origami convertida en una infalible metáfora pop de doble sentido.
Además, Kesha ha explicado que no bailaba de forma tan protagonista en un videoclip desde ‘Die Young’, una experiencia que, según cuenta, no fue positiva. Por eso, con ‘Origami’, pretende reapropiarse de aquella sensación: «La última vez que bailé en un vídeo fue para ‘Die Young’… y digamos que no fue precisamente una experiencia empoderadora para mí. Así que este vídeo no solo se siente como una recuperación de aquel momento, sino también como una oportunidad para bailar y divertirme. Y estar en mi cuerpo… porque es MÍO, y eso es lo que significa la libertad para mí».
Totó la Momposina fue durante décadas memoria viva del Caribe colombiano gracias a su voz ancestral y su potencia escénica, proyectando al mundo los ritmos de la cumbia, el porro y el bullerengue. Su papel fue el de puente entre lo rural y lo global, entre la cumbia de raíz y los escenarios internacionales, siempre con un pie en la tradición afroindígena y otro en la modernidad.
Su proyección internacional se consolidó a base de escenarios como el de WOMAD (el universo de Peter Gabriel), Glastonbury o Roskilde, entre otros festivales. Su disco ‘La Candela Viva’, editado por Real World Records, el sello de Peter Gabriel, es fundamental para entender la música de raíz colombiana.
Ha sido imborrable la huella de Totó, que ha fallecido esta semana a los 85 años, en la música contemporánea. Jay-Z, Major Lazer y Sevdaliza -que en su macrohit global ‘Alibi’ utilizaba la melodía de ‘Rosa’- la han sampleado o remezclado. Y canciones como ‘La Candela Viva’, ‘El Pescador’, ‘La Sierpe’ o los cantos de tambora-chalupa han abierto la música colombiana al mundo.
“Despedimos a la eterna Totó, a la eterna maestra que recorrió el mundo entero a ritmo de cumbias, porros, mapalés y bullerengues nacidos en el corazón de nuestra tierra», ha expresado El Ministerio de Cultura de Colombia, recordando «a la eterna momposina que habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural de nuestro país”.
El circuito estatal de música en directo Girando Por Salas (GPS) celebrará el cierre de su edición #GPS16 el próximo jueves 11 de junio en la Sala Galileo de Madrid a las 20:00.
El evento funcionará como una fiesta de fin de gira tras más de 200 conciertos realizados por toda España con apoyo económico y promocional del programa, financiado por el INAEM.
En el concierto actuarán nuestro recomendado El Niño Lord.Cash y el cuarteto de pop-rock Victorias, dos de las bandas seleccionadas de esta edición, junto a una artista sorpresa consolidada, aún por anunciar, que ya participó en el circuito en sus inicios.
Las invitaciones serán gratuitas y podrán descargarse desde la web oficial a partir del 26 de mayo, con acceso hasta completar aforo.
Poco después de firmar la canción principal de la comedia de Prime Video ‘BAIT‘, Jorja Smith vuelve con un nuevo single que promete convertirse en uno de los más destacados de su repertorio, al menos por lo que supone como regreso a sus raíces dance.
‘What’s Done Is Done’ evita, además, convertirse en el típico sucedáneo de ‘brat’ que ha inundado el pop en el último par de años. Aquí Jorja se lanza de lleno al UK garage, pero lo eleva con una producción que no se queda en la mera nostalgia: cuerdas pulsadas que entran como flashes, una melodía de aires árabes que aporta dimensión y movimiento y una interpretación vocal que refuerza esa sensación de elegancia natural, casi instintiva, «cool» sin querer.
Ese mismo aire sofisticado atraviesa toda la producción de P2J, pulida y efectiva, y se extiende también a una letra que funciona como cierre emocional de una historia de amor que no pudo ser. Jorja constata lo inevitable: «lo hecho está hecho». La otra persona quería que Jorja siguiera siendo “la misma” de antes, aunque eso ya no era posible ni real (“you were still hoping that I’d stay the same”). A partir de ahí, la canción describe engaños y desencuentros (“Lied to me nicely”, “Some kind of love, I guess we’ll never know”), hasta desembocar en un estribillo que asume el final, aunque duela (“It’s the ending”, “Should have never let this run”).
En las últimas semanas el feed de Instagram es un océano de imágenes de Marilyn Monroe retroalimentado por likes a imágenes compartidas que celebran los 100 años de su nacimiento. Es increíble pensar que hoy podría estar con nosotros, como David Attenborough, que acaba de cumplir un siglo de vida, aunque es evidente que la comparación es muy improbable. Históricamente, la figura de Monroe no está tan lejos, pero lo parece, porque cada vez que veo una imagen de ella me da la sensación de estar viendo un personaje histórico y no a una persona humana que existió.
Tanto hemos reproducido su imagen en las últimas décadas -de Warhol a Madonna y más allá- que Monroe se ha convertido más en su propio símbolo que en alguien que percibas como real. Cada día aparece una foto suya, una faceta nueva que no habías visto. Da la impresión de que cuantas más imágenes ves, menos la conoces. Y al mismo tiempo, cuando la ves en una película, en una entrevista o simplemente en imágenes firmando autógrafos, rodando escenas o atendiendo a la prensa, aparece la sensación contraria: la de conocerla, incluso la de poder ser su amigo, de que la entenderías tú mejor que la sociedad que la encumbró y después no la protegió.
Marilyn Monroe murió en 1962, pero se me ocurren pocas figuras públicas con una vida póstuma tan larga como la suya. Solo figuras históricas como Cleopatra o Napoleón Bonaparte vienen a la mente. Desde entonces, Monroe ha sobrevivido como una reproducción incesante de sí misma, que en realidad son millones de imágenes y reinterpretaciones, todas esquivando la posibilidad de fijar a la “verdadera” Marilyn Monroe. Glamurosa, vulnerable, accesible e inalcanzable a la vez, es un reflejo de nuestros deseos, aspiraciones y sueños.
En las décadas posteriores a su muerte nos hemos acercado a la “verdadera” Marilyn: hemos sabido apreciar su talento, su faceta más culta, el hecho de que, como todos nosotros, era un ser humano complejo. Pero eso convive con otra cosa: su vida cultural póstuma no es una extensión de su carrera, sino una producción completamente separada de ella. Monroe simplemente deja de participar en ella: su vida ya no es necesaria, porque es reproducida por los medios hasta el infinito.
Cuando estaba viva, su vida estaba extremadamente dirigida, estilizada, controlada e iluminada como un set de rodaje. Tras su muerte, sus imágenes y contradicciones se convierten, como indica acertadamente Lena Dunham en una reciente entrevista, en material cultural que se sigue reinterpretando y circulando. Quizá por eso sigue fascinando Marilyn Monroe: porque cuanto más circula su imagen, más se deshumaniza de la persona real que se escondía detrás del personaje, más queremos saber quién era. Y la clave es que el misterio nunca se resolverá, porque nunca la llegaremos a conocer de verdad. Solo conoceremos sus mil reproducciones, y las que vengan dentro del siguiente siglo.
2 minutos y 53 segundos. Eso es lo que han tardado Triángulo de Amor Bizarro en hacerme olvidar su peor disco ‘SED‘, que no, no estaba mal, pero no al nivel de ‘Año Santo‘, ‘Salve Discordia‘ o ‘oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ‘. 2 minutos y 53 segundos es lo que tardan en aparecer el arrebato guitarrero y la batería de Rafael Mallo en el primer tema de este álbum, ‘SMT en el Palacio Real’. O quizá atrape en el segundo 0. ¿Cuándo había empezado el grupo de noise pop por excelencia del underground nacional un disco a piano? Un piano además medio flamenco, para un tema que habla sobre la esclavitud hacia las nuevas tecnologías y las redes sociales, que «hacen que olvide mi naturaleza».
‘Mi Catedral’ no tiene un significado religioso para el trío gallego, sino que habla de construir nuestros propios espacios, cuando todo alrededor parece homogeneizado y diseñado por otros. De ahí que en el emocionante tema titular, el grupo defienda su condición artesana -en sintonía con su residencia en un pequeño pueblo gallego, al que pertenecieron siempre- aferrado a la construcción de una «vasija propia». «Es así porque quiero, es así porque puedo, y además me pagan por ello», defienden en un alegato de independencia. «Esta es mi catedral, esta es mi catedral, esta es mi catedral»… reafirman en nombre de la libertad, de la autogestión, de la fe en una misma.
Es una obviedad que ‘Mi Catedral’ es lo que podemos considerar la «canción central» del disco porque es la titular y está en medio. Pero la calidad y el carisma de ‘BBBMV a.r.m.a.s.’ hacen pensar en «dos canciones centrales». «BBBMV» tiene de kraut, tiene de noise, tiene muchísimo de Kevin Shields, casi más que nunca, que ya es decir. La canción derriba también la lucha por quién mola más como cantante, si Rodrigo Camaño o definitivamente Isa Cea, que se queda los 3 primeros cortes de este álbum. Aquí el mensaje es tan importante que cantan los dos. La última frase del tema que habla de minas antipersona y capitalismo es: «En Palestina, Dios muere todos los días».
Qué demonios, hablemos de tres canciones centrales si sumamos la sublime ‘Matar a un rey’, en medio de las otras dos, y vibrante en todas sus fases: la rabiosa rock, con Rodrigo proclamando que «el mundo se cae a cachos»; una embellecida y otra llevada al límite por cuerdas, que plantea irónicamente que «matar a un ceo, colgar a un rey» -y atención al paralelismo con «romper un jarrón»- «no está bien»; y finalmente una kraut. Estamos ante el disco más político de Triángulo de Amor Bizarro, casi próximo al rock en euskera. «Ningún partido votará en contra» para estos «campeones de lo antisocial», dice ‘Este contra oeste’.
De manera paralela, este también es un gran disco de pop cuando se pone. ‘Sacrificio‘, dejada para el final, es su pista más comercial. ‘La era chapada en oro’ y ‘Diosas adolescentes’ son excelentes acompañantes para esa vena más accesible, con especial mención a lo contagioso de ‘Odio a mi generación‘. Se habla mucho hoy en día de batalla intergeneracional, de diferencias insalvables entre generaciones de ayer y mañana. Al fin un himno de odio para tu propia generación, que seguramente lo merezca como todas las demás. Un himno que además luego vuelven a referenciar en los últimos instantes de otro tema, ‘En la Corte del E.’, elevándolo.
En un álbum tan sólido como este, el grupo apenas tropieza con ‘Pat a trenca’, una crítica a la educación, a cómo nos afecta que no se acepten nuestras rarezas de niños, muy bien construida en sus más de 6 minutos de duración, que por algo ha sido single, solo que demasiado Nirvana circa ‘Something In the Way’. Triángulo no necesitan inspirarse tan directamente en sus referentes y de hecho hace años que dejaron atrás comparaciones con Los Planetas o Surfin Bichos. Solo ellos podrían entregar un track aparentemente de relleno con la calidad de ‘Media vida’ y hacer al mundo temblar. Rodrigo chilla: «solo quiero que pase algo» y no puedes sentir más que miedo. ¿Que pase «algo que no pueda controlar»? ¿Pero algo más?
Billy Joel, que acaba de reaparecer en una intervención grabada para Eurovisión con motivo de su celebración en Viena -ciudad que inspiró uno de sus clásicos-, vuelve a ser noticia. Un biopic sobre su vida, ‘Billy and Me’, está en desarrollo, pero el propio Joel ha dejado claro que no quiere tener nada que ver con el proyecto, que no lo autoriza ni lo apoya, y ha advertido de que seguir adelante sin su visto bueno sería “legal y profesionalmente equivocado”.
El asunto es que la película no está basada directamente en Joel, sino en los recuerdos de su primer mánager, Irwin Mazur, y de Jon Small (ex-batería y amigo de juventud del músico), quienes sí han cedido sus derechos y están implicados en el proyecto. Small defiende que el guion refleja fielmente la etapa inicial del artista, incluyendo sus experiencias en bandas adolescentes, amistades, dificultades y primeros pasos musicales.
El equipo de la película ha respondido que no necesitan el permiso de Billy Joel porque se basan en historias vividas por Mazur y Small, y en derechos obtenidos legalmente. El cineasta Adam Ripp -que trabaja en la película- ha señalado que caracterizar ‘Billy and Me’ como “legal y profesionalmente equivocado” no refleja la naturaleza del proyecto ni la base jurídica de la producción.
Billy Joel era amigo íntimo y compañero de banda de Jon Small (The Hassles y luego Attila). En esa etapa, Billy tuvo una relación con Elizabeth Weber, que era la esposa de Jon Small en ese momento. Cuando salió a la luz, la amistad entre ambos se rompió y la banda se disolvió.
A raíz de esa crisis personal -la ruptura del grupo, la culpa y el conflicto con su amigo- Billy Joel pasó por una depresión muy fuerte. En sus primeros años en solitario intentó suicidarse en dos ocasiones, algo que él mismo ha reconocido en entrevistas y documentales posteriores.
El podcast «Revelación o Timo» llega a su programa número 200 al tiempo que ha sido seleccionado como uno de los mejores 50 podcasts de España por la Revista Forbes. Lo celebramos con un programa especial de más de 3 horas -casi 200 minutos- en el que respondemos más de 30 preguntas de la audiencia. Hay preguntas de artistas como Samantha Hudson, Tulsa, Algora o Dorian, de oyentes desconocidos y de amigos.
Es ocasión de revelar, entre otras muchas cosas, cuáles han sido nuestros invitados favoritos y menos favoritos, al tiempo que vuelven a salir nombres de artistas como Fangoria, Madonna, La Oreja de Van Gogh o Rosalía. Ya podéis escuchar el episodio especial en las plataformas habituales.
A menos de una semana de iniciar su nueva era, Ariana Grande tiene una sorpresa para sus fans: una edición expandida de su tercer disco, ‘Dangerous Woman‘, por su 10º aniversario, que se celebra justo hoy, 20 de mayo.
El álbum que contenía los éxitos ‘Side to Side’ con Nicki Minaj y ‘Dangerous Woman’, incluye ahora la inédita ‘Know Better Part Two’, y reúne también otras pistas antes incluidas en lanzamientos exclusivos, como ‘Step on Up’, viral gracias a su mash-up no oficial con ‘Gimme More’ de Britney Spears, que suma 61 millones de visualizaciones en Youtube; y ‘Jason’s (Gave It Away)’, aunque estos temas ya estaban disponibles.
Grande aprovecha, además, para actualizar los datos de ventas de ‘Dangerous Woman’. El álbum suma ya tres discos de platino y, en cuanto a sus singles, ‘Side to Side’ alcanza los 8 discos de platino, ‘Into You’ los 7 discos de platino y el tema titular, 6 discos de platino.
Grande ha dedicado unas palabras a ‘Dangerous Woman’ en redes, asegurando que es “Un álbum y una era que siempre ocuparán un lugar muy especial en mi corazón. Gracias por el cariño que habéis mostrado a este proyecto durante la última década y por los recuerdos más hermosos y decisivos… los valoro a ellos y a todos vosotros más de lo que las palabras pueden expresar».
Ariana Grande has updated US certifications for the ‘Dangerous Woman’ era:
• Side to Side – 8x Platinum • Into You – 7x Platinum • Dangerous Woman (single) – 6x Platinum • Dangerous Woman (album) – 3x Platinum • Everyday – 2x Platinum • Let Me Love You – 2x Platinum •… pic.twitter.com/bIEkOEbljS
La nueva era de Ariana Grande está a la vuelta de la esquina: El 29 de mayo, es decir, el viernes que viene, podrá escucharse ‘Hate That I Made You Love Me‘, el primer single de ‘Petal’. Ariana ha adelantado un fragmento del tema en sus redes, aunque más que escuchar un trozo de la canción, lo que escuchamos es su “vibe”. ‘Petal’ sale el 31 de julio.
La declaración “la pista de baile ha muerto” deslizada por Charli xcx durante una entrevista reciente, y que después resultó ser una frase de su single ‘Rock Music‘, sigue resonando en redes, sobre todo porque coincide con el lanzamiento de ‘Confessions II‘ de Madonna, donde la de Detroit realiza una plena y absoluta reivindicación de la pista de baile como lugar de refugio y liberación.
Si Charli afirma que la “pista de baile ha muerto”, evidentemente lo hace desde su punto de vista personal, basándose en su propia obra artística y experiencia en la industria. Sin embargo, su ya icónica frase ha tenido tanto eco que ha llegado a la misma Madonna, y esta ha decidido entrar al trapo y contestar, de forma más o menos velada.
Lo ha hecho en un post de Instagram donde Madonna parece responder directamente a la declaración/frase de Charli xcx: “Si tu pista de baile se siente muerta, quizá estás poniendo la música incorrecta”. Blanco y en botella. La publicación está acompañada de un reel de imágenes de Madonna posando en una pista de baile o sentada en un sofá, junto al audio de su single ‘Bring Your Love‘ con Sabrina Carpenter.
El posible recado de Madonna a Charlotte -que, seamos sinceros, está más fomentado por los medios que por las propias artistas- no está siendo pasado por alto por los usuarios de Instagram, que están contestando cosas como “the shade of it all”, “Charli shade? omg”, “qué indirecta poderosa”, “buenos días, @charli_xcx”, “Rock Music slander?”, “omg ended Charli” o nuestro favorito: “Oye, con Charli no, ¿eh?”. ¿Se sentirá Charli aludida?
El comentario de Madonna llega para echar sal a la herida, ya que Charli ha accedido en las últimas horas a defender su single ‘Rock Music’ ante la reacción negativa de sus fans. Aunque al mismo tiempo dice que ella crea por propia expresión artística y no por el qué dirán, también se preocupa por explicar sus intenciones y dejar claro que las críticas le dan igual.
El único disco de Ms. Lauryn Hill en solitario se suele considerar entre los mejores de la historia. Por eso es muy llamativo que nunca haya habido un segundo, a lo sumo aquel ‘MTV Unplugged’, que contenía canciones nuevas aún inéditas. Ms. Lauryn Hill ha intentado explicar el motivo de su parón discográfico en un post de Instagram, aunque no se sabe muy bien si se ha terminado de aclarar algo.
En respuesta a una publicación de Instagram de la plataforma FRAIM, que señalaba factores como problemas legales o falta de apoyo de la discográfica, Ms. Lauryn Hill ha dejado un largo comentario explicando su visión, en el que habla de principios, integridad artística y codicia.
“Cuando estás inspirado y deseas ser una persona con principios, lo que no se menciona lo suficiente es el desgaste… ni el desafío de encontrar seguridad para poder crear con integridad”, explica, y añade que mucha gente crea con la esperanza de ganar dinero con ello. “La mayoría ve la oportunidad solo como dinero y a menudo excluye el «sentido». ‘The Score’ (álbum de Fugees de 1996) ni ‘Miseducation’ se hicieron porque se nos «permitiera» representar lo que hacíamos; luchamos por cada centímetro”, dice. “El éxito desmedido puede generar codicia que empieza a degradar el arte por el dinero”.
La artista vuelve a compararse con Harriet Tubman, como ya hiciera en 2021, levantando las mismas ampollas, para explicar que ella también ha arriesgado para «decir verdades incómodas a los poderosos, antes de que ciertas fuerzas intentaran cerrar las puertas”, y añade: “si fuera tan fácil de hacer, ¿dónde está esa expresión ahora en el escenario global? Los sistemas tienen miedo de aquello que no pueden controlar. La creatividad es más potente cuando es libre”.
Lauryn habla del valor de la inspiración artística, más allá de su monetización, y reivindica que ha “introducido estándares y posibilidades a una generación que no sabía que podían operar en ese nivel”. Lo que no acaba de explicar, dentro de su abstracto texto, es qué le ha impedido publicar música de forma independiente en los últimos 30 años. Quizá, simplemente, Ms. Lauryn Hill ha acabado demasiado desilusionada con el mecanismo de la industria discográfica.
Kurt Vile está a punto de lanzar su segundo disco en una major, después del ‘(watch my moves)’ de 2022. ‘Zoom 97’ no solo es una gran pieza de rock lofi buenrollero, sino también la canción que da comienzo a ‘Philadelphia’s Been Good To Me’. Gracias a sus divertidos adlibs y bonita letra, es la Canción del Día.
El cantautor y guitarrista estadounidense cuenta que ‘Zoom 97’ es «la primera canción que hicimos para el disco y que sabíamos que era especial de verdad». Kurt Vile canta sobre la vida tranquila en Philadelphia, referenciando en la letra a su propio coche «haciendo zig zag» por Lincoln Drive o a sus hijas, que le mantienen «colocado»: «Esto no va de tripis / El amor verdadero es la droga más pura para mí».
‘Zoom 97’ es de esas canciones que suenan a verano y a barbacoa en el jardín, pero en vez de pintar este tipo de imágenes, Vile opta por la autorreferencialidad. Así, construye una canción que empieza hablando de la misma canción que estás escuchando: «Escribí una canción / Algunas personas dijeron que lo estaba haciendo mal / Pero mira mis manos / Mis campaneantes acordes en una mandolina Goldtone». La misma que suena durante todo el tema.
Si abro los ojos estoy en Cannes. Esto ha debido pensar Amaia Romero al encontrarse en la alfombra roja del famoso festival de cine francés, que está teniendo ya lugar, y al que ha acudido este martes acompañada del equipo de ‘Amarga Navidad‘, incluida la protagonista, la actriz Aitana Sánchez-Gijón, y, lógicamente, su director Pedro Almodóvar, que en el pasado se ha deshecho en elogios hacia la navarra, destacando su espontaneidad y talento durante el rodaje.
Como sabéis si habéis visto la película, Romero aparece en ‘Amarga Navidad’ cantando una versión de ‘Las simples cosas’ de Chavela Vargas.
Desde que Romero apareciera en el Tiny Desk, generando titulares internacionales tras aparecer tocando una silla-flauta (obra de un inventor gallego), parece que su perfil va expandiendo su frontera internacional, y esta vez vuelve a ser el caso, ya que Romero no solo se ha dejado ver en la alfombra roja de Cannes, sino que además ha podido sentarse al piano, en el exterior del Gran Teatro Lumière, a cantar unas canciones: no solo ‘Las simples cosas’, sino también ‘Volver’ -tema principal de la película homónima de Almodóvar- y su propio ‘C’est la vie’, incluido en su último disco.
No es la primera vez que Amaia canta ‘Las simples cosas’ en directo: ella y Almodóvar ya interpretaron un a capela de la canción semanas atrás durante la premiere de ‘Amarga Navidad’ en Madrid.
La gira de Amaia continúa este verano y, por ejemplo, en julio actuará en el festival Río Babel de Madrid, entre otros festivales. Además, tiene programados dos shows en arenas: en Valencia el próximo 31 de mayo y en Barcelona el 20 de diciembre, que será el fin de gira.
Las novedades de la lista de singles española se concentran en Rels B y el lanzamiento de su último disco, ‘love love FLAKK’. El artista mallorquín ha colocado todos los temas del álbum en la lista, excepto el interludio. Eso sí, la canción que más arriba ha entrado se ha plantado en el número 30. El top 5 sigue ocupado por Quevedo.
‘LLEVA AL SOL’ es la entrada más fuerte de la semana, mientras que la mayor subida es para ‘Por si mañana no estoy’ de Omar Courtz, que ha pasado del número 46 al 35. En el resto de la tabla, encontramos 9 canciones más de Rels B:
41. ‘EL MUNDO X TI’
44. ‘APRENDÍ A DECIR NO’
47. ‘QUIÉN TE VE’
54. ‘EL CIELO’ con Kali Uchis
60. ‘SUEÑO’
61. ‘MÁS QUE TÚ’
68. ‘UN PLACER CONOCERTE’
76. ‘PAÑUELITO DE SEDA’
81. ‘A 2000 PIES
Por último, en el número 100 entran Bad Gyal y Jadiel El Incomparable con la canción ‘Fashion Girl Pt.2’.
Charli xcx ha recurrido a X para desahogarse de las criticas negativas a ‘Rock Music’, el primer adelanto de su próximo disco. En una serie de tweets que muchos describen como un «crash out», la artista británica expone sus razones para hacer música y cómo lidia ella con la recepción de su obra: «Si me entiendes, me entiendes y si no, pues no», ha escrito en X.
Aun inspirando un trend viral en redes sociales, Charli ha debido de notar que la recepción general a ‘Rock Music’ ha sido negativa. Hace unos días hablaba en su cuenta secundaria de Instagram de que esto le recuerda «a la conversación inicial alrededor de PC Music», a cómo el sello fue visto como «una crítica o un menosprecio a la música pop». Terminaba asegurando estar «feliz de que la gente esté soltando sus pensamientos».
Sin embargo, en su última retahíla de tweets, Charli parece estar justificándose más que otra cosa: «Solo puedo hacer lo que me parece de verdad a mí. No estoy pensado en nada más mientras lo estoy haciendo. Ni en la recepción ni en el público ni nada así. Solo en mi conexión con ello y en si se siente honesto».
En un mensaje posterior, aprobado personalmente por Jack Harlow, la artista asegura que su objetivo no es «repeler a la gente o convencerles para gustarles», antes de cambiar de tema y decir que «existir como un ser humano en 2026 es muy difícil por varias razones diferentes». Seguramente inspirada por las críticas a su single, Charli asegura que su «consuelo» es el arte, pero que «a veces ni siquiera eso se siente como algo seguro en esta época».
En el último tweet, Charli responde a un usuario que la critica por decir que lo único que le importa es el arte, pese a que luego intenta justificarse en X interactuando con comentarios negativos («Si realmente no le importa, ¿por qué decir algo?»). Esta aclara que su trabajo trata sobre «mis constantemente fluctuantes sentimientos» y que interactúa con sus críticos porque «es una parte clave de mi trabajo».
excited for you all to hear this new music. i can only ever make what feels true to me. i’m not thinking about anything else while i’m making it. not reception or audience or anything else. just my connection with it and whether it feels honest to me.
i’m not trying to repel people away or convince people into liking me. i’m doing what i feel is truthful to me. i think existing as a human being in 2026 is really hard for a multitude of different reasons. my solace is art but sometimes that doesn’t even really feel safe in this…
my work is about my constantly fluctuating feelings. it always has been. and i engage with that because that’s a key part of what my work is about xx https://t.co/ddoffiLrCU
Kylie Minogue ha revelado en su nuevo documental de Netflix que sufrió cáncer por segunda vez en 2021, 16 años después de su primer diagnóstico: «Pude quedarme eso para mí… No como la primera vez», cuenta la artista australiana en ‘KYLIE’.
Minogue cuenta cómo superó, de nuevo, el cáncer, asegurando que su «pasión por la música» la ayudó en los momentos más difíciles. Además, asegura que le costó encontrar «el momento adecuado» para anunciarlo públicamente después de someterse al tratamiento: «No me siento obligada a contárselo al mundo, y realmente no pude en su momento porque era una cáscara de persona».
Esta recuerda el gran éxito de ‘Padam Padam‘ y todas las puertas que este abrió, pero también cómo vivía ella la situación de puertas hacia dentro, llegando a no querer «salir de casa en un momento dado»: «Quería contar lo que había pasado para poder dejarlo ir. Me sentaba en las entrevistas y a cada oportunidad que tenía pensaba que era el momento, pero me lo guardé para mí».
En materiales promocionales del documental, Minogue aclara que compartir este segundo diagnóstico fue su elección, que tuvo lugar durante un chequeo rutinario: «Habrá alguien ahí que se beneficiará de este recordatorio para hacer sus chequeos. La detección temprana fue de mucha ayuda y estoy muy agradecida de poder decir que hoy estoy bien». Su canción ‘Story’, de ‘Tension‘, trataría sobre este periodo de su vida.
‘KYLIE’, el documental, se estrena hoy en Netflix y, junto a él, llega a las plataformas un tema inédito de Minogue, ‘Light Up’, un corte de folk-pop con guitarras acústicas rítmicas y una energía edificante al estilo de su disco ‘Golden‘.
The Strokes están teniendo el rollout más polarizante de su carrera. ‘Falling Out Of Love’ es el segundo single de ‘Reality Awaits’, disponible este verano, y todas las críticas que recibió ‘Going Shopping’ están potenciadas al máximo en él. Algunos elementos funcionan, pero otros nos hacen desenamorarnos poco a poco de la banda neoyorquina.
Vamos a abordar lo que el público general ha tomado como el mayor problema del próximo disco de The Strokes: el autotune. Lo que en ‘Going Shopping’ era una anécdota, afectando muy poco al aspecto melódico e instrumental de la canción, es casi el centro de ‘Falling Out Of Love’. Sí, puede que esté demasiado potente. Y sí, contribuye a que la canción suene como una especie de demo.
Sin embargo, aquí el mayor problema no es esta herramienta, sino el hecho de que cuesta reconocer a The Strokes en la composición. Las guitarras de Nick Valensi y Albert Hammond Jr. están presentes en la mezcla, pero apenas interactúan entre ellas. Fab, en la batería, y Nikolai, al bajo, están en piloto automático. En conjunto, la base instrumental resulta demasiado simplona. ¿Por qué ‘Falling Out Of Love’ suena como una canción de Julian Casablancas en solitario?
Y no es que The Strokes no sepan hacer baladas. En ‘The New Abnormal’ había unas cuantas de estas y ninguna sonaba fuera de lugar. La duración del nuevo single también tiene mucho que ver, superando los 6 minutos, pero sin casi nuevos elementos a partir del segundo 10. Lo que oyes, es lo que tienes (hasta el último minuto, que podría haber sido recortado). Y dentro de esto, no todo es malo.
Las melodías de ‘Falling Out Of Love’ son innegablemente pegajosas, sobre todo las que recorren los versos, y combinan muy bien con lo devastadoras que son las letras: «Estoy enamorado de un fantasma / Estaré solo siempre y nunca», canta Casablancas. También es bien recibido el super guiño a Lou Reed en la voz del frontman durante todo el segundo verso. Por último, al igual que ocurría con ‘Going Shopping’, tenemos la certeza de que ‘F.O.O.L.’ suena muchísimo mejor en directo.
«Es mi disco favorito de todos los que hemos hecho. No puedo expresar lo precioso que es», ha asegurado Albert Hammond Jr. en un post de Instagram, mientras respondía a uno de los haters de la canción. Algo es seguro: ‘Reality Awaits’ apunta a ser uno de los discos más diferentes de The Strokes. Que sea bueno, eso ya es otra cosa.
Duffy no solo ha reactivado su cuenta de Instagram, sino que ha apuntado a un regreso a la música. La autora de ‘Rockferry’ llevaba más de 10 años retirada de la vida pública, hasta que el año pasado promocionó en TikTok un remix de su mayor éxito, ‘Mercy’. Este mismo año, también anunció la llegada de un documental.
Decir que Duffy ha anunciado su vuelta a la música quizás sea demasiado, pero tenemos una prueba fotográfica de que al menos ha pisado el estudio, y la certeza de que la artista galesa quiere volver a lanzar música: «Si tan solo pudiese encontrar las palabras adecuadas para explicar cuánto os he echado de menos a todos. Trabajando en volver con vosotros», ha escrito Duffy.
El año pasado se cumplió una década desde que Duffy había desaparecido de la vida pública. En 2020, la artista reveló que había sido secuestrada y violada, y que esa fue la razón de su retiro. Esto se contará por primera vez en su documental de Disney+ UK. El documental contará toda la vida de Duffy hasta «su retiro de la vida pública tras su desgarradora experiencia».
Yolanda Díaz no se retractará de sus comentarios sobre Julio Iglesias. Así lo ha confirmada la vicepresidente segunda y ministra de Trabajo en un acto de conciliación celebrado en la mañana de este martes. En su momento, el cantante acusado de agresiones sexuales describió sus palabras como de carácter «injurioso y calumnioso».
Iglesias escribió al tribunal de instancia de Madrid para que Díaz rectificase sus palabras y le indemnizara con el importe apropiado. Se trata del paso previo obligatorio antes de la interposición de una querella, lo cual asegura elDiario.es que todavía no está confirmado que se vaya a producir, al contrario de lo que afirman otros medios.
Sin embargo, Yolanda Díaz no reconoce «daño alguno ni directa ni indirectamente al artista», según indican fuentes de su Ministerio. Esta considera que sus palabras «se limitaron a comentar las declaraciones de terceros y los contenidos de los reportajes de prensa que se publicaron acerca de Julio Iglesias». Es decir, considera que no ha «injuriqado o calumniado al artista».
El pasado febrero de 2026, Iglesias presentó la demanda de conciliación contra Yolanda Díaz por sus comentarios en redes sociales y en una entrevista en televisión. «Escalofriantes testimonios de las extrabajadoras de Julio Iglesias. Abusos sexuales y una situación de esclavitud con una estructura de poder basada en la agresión permanente», escribió Díaz en su perfil de Bluesky.
Dicen Blanco Palamera que esperan que la escucha de su nuevo disco, ‘bIIIp’, se sienta como ha sido el propio proceso creativo. Atención a las palabras que utilizan: “fragmentado, acelerado, sin sentido, inspirado, aburrido, minimalista, perdido”. ‘bIIIp’ es exactamente todo eso: un trabajo en el que Manu y Xoán exploran nuevos caminos creativos, aunque estos no terminen de cuajar en un álbum tan sólido como cabría esperar.
Cuentan que durante la grabación se dejaron llevar por la curiosidad y se permitieron “no tener una meta clara” y “perderse en el proceso”. ‘bIIIp’ sí tiene un enfoque concreto que, como se intuye al observar su curiosa portada, gira en torno al ritmo entendido desde distintos estilos, del jazz-funk a la favela brasileña. La propuesta es caleidoscópica y fragmentada y deja una sensación de investigación constante.
Los ecos brasileños introducen el álbum con las baterías de ‘Lego(K)’, una composición muy sofisticada que alterna rítmica y melancolía pianística, y que construye hábilmente tensión hasta que la canción es invadida por la excitante irrupción de un sintetizador de aires techno. Interludios como ‘FUROR’ exploran las rítmicas del jazz-funk, mientras otros como ‘ElSofáDeMisOGs’ prefieren cuidar más la atmósfera.
Las canciones de ‘bIIIp’ son sólidas -algunas más que otras-, aunque con altibajos. ‘EstoEsAmor’ es de las pocas piezas más progresivas y que parecen verdaderamente “completas”, y ‘Besties’, en su faceta más R&B y baladesca, es sin duda la más accesible del conjunto. Por contra, piezas como ‘CorazónSalvaje’ parecen terminar demasiado rápido, dejando su potencial a medias, y si ‘AzulTanFrío’ resulta exquisita en lo sonoro, menos estimulante resulta que Marem Ladson aparezca solo haciendo coros, como si imitara el viento peinando el mar.
Es especialmente subrayable, en este sentido, el elaborado trabajo instrumental de ‘bIIIp’: piezas como ‘CadaAñoMejor’ o la final ‘EstoEsAmor’ no solo ofrecen melodías seductoras, sino también entramados rítmicos excitantes y un abanico de sonidos y texturas. Los ecos a R&B, drum’n’bass o jazz-funk se suceden rápidamente, dando como resultado un conjunto tan identificable como escurridizo. Da la sensación de que han aprendido cosas de El Guincho, aunque que Blanco Palamera operen en este nivel creativo siendo independientes tiene especial mérito.
La estructura de ‘bIIIp’ sí resulta algo rara: interludios como ‘TodoN’ llegan demasiado pronto; de hecho, diría que hay demasiados de ellos. Las canciones apuestan por la inmediatez y la frescura, pero no siempre parecen del todo completas. Así que Blanco Palamera tienen razón: este tercer disco resulta por momentos inspirado, en otros aburrido, pero el enfoque fragmentado es precisamente la gracia.
La lista de discos española deja interesantes novedades esta semana. Quevedo mantiene el número 1 con ‘EL BAIFO‘ y deja a Chiara Oliver en el puesto 2 con ‘No fue real‘, su álbum debut. La exconcursante de Operación Triunfo 2023 sí es número 1 en vinilos, beneficiada en parte por el hecho de que el vinilo de ‘EL BAIFO’ no existe.
Oliver no sitúa ningún single de ‘No fue real’ en la lista de singles. En cambio, Rels B sitúa su disco ‘Love Love Flakkk’ un puesto por debajo, en el 3, pero inunda la lista de singles con temas contenidos en el álbum. Lo comentamos más adelante.
El top 5 deja otra entrada: la de Melendi, que, apoderándose de la literalidad de Charli XCX o, antes, de Kylie Minogue, ha titulado su disco ‘Pop Rock’. Lo coloca en el 4, pero tampoco incluye ningún single en su lista correspondiente.
Fuera del top 10, una de las bandas indie favoritas del momento, Siloé, coloca su disco ‘Terrorismo emocional’ en el puesto 14. El reguetón de XIYO y FERNANDEZZ, incluido en el álbum ‘BELLADONNA’, debuta en el 28 y, unos cuantos puestos por debajo, en el 51, encontramos a la banda de K-pop CORTIS practicando un estilo próximo al trap-pop industrial.
En las posiciones bajas de la tabla encontramos tres entradas: ‘Oral_Abisal’, el nuevo álbum de Silvia Pérez Cruz, aparece en el 70. ‘Born to Kill’ de los rockeros Social Distortion figura en el 71. Sorprende la baja entrada, en el 82, de ‘OMERTA’, el disco conjunto de J Balvin y Ryan Castro, quizá debido a que no ha logrado viralizar ningún tema.
Canciones como soles. Así de claro y rápido podríamos definir el que, al menos a mi entender, es el mejor disco de Xoel López, ‘Oniria popular‘. ‘Campos de Castilla para siempre’, ‘Sombras chinas’ y ‘Monstruo final’ están entre lo más inmediato que ha grabado recientemente, sumando la madurez de un autor de su recorrido.
Además, aparecen complementadas con curiosidades como el canto contra el amor romántico de ‘Cupido’, la canción de desencanto social ‘La batalla’ o el tema dedicado a su mánager y amigo llamado ‘Tronco y raíz’. Entrevisto a Xoel por primera vez en las oficinas de Esmerarte situadas en la madrileña calle Ferraz. El artista actuará en Bilbao BBK Live y Sonorama, entre muchos otros espacios que podéis consultar en su web.
El concepto de buen disco pop para mí sería tener tres singles muy carismáticos y luego cuidar las canciones que no son singles. ¿Qué sería para ti un buen disco? ¿Tú te ves como un artista de pop o más bien como cantautor?
Coincido bastante. Siempre lo digo: yo hago pop. No soy tecno, no soy heavy metal, no soy jazz, y mis grupos favoritos son grupos de pop, de los Smiths a R.E.M. ¿Qué pasa? Que también me gusta Nick Drake, me gusta Aute, me gusta Serrat, pero yo todo eso lo considero pop, porque además el Serrat que más me gusta es el de ‘Cantares’. Me gusta el soul, me gusta la música negra, que también la considero pop. De hecho, ‘Oniria popular’ es «popular» porque es pop, conteniendo también una referencia al «dream pop».
Lo que menos me gusta del mainstream es cuando no cuidan el resto de temas. Me da muchísima rabia cuando hay tres temazos de un artista, yo que sé, Shakira, y luego escuchas el disco y dices «vaya birria». Eso me da mucha rabia porque dices «ah, cabrones, me lo querías vender». Hay un poco de engaño ahí. Yo hago los discos como un artesano, para mí todas las canciones son importantes. Aunque no sean singles, les dedico a todas la misma atención. Son como mis hijos y los quiero por igual.
‘Slowly’ de Aute era muy pop también… Por lo que te entiendo, ¿hay un momento en el estudio en que te preocupa no tener los singles?
A nivel inconsciente, sí, porque no soy rico. El inconsciente te dice: «Todo guay y tal, pero cuidado». Hay un equilibrio natural. Casi te diría que los discos se equilibran solos. Igual que no puedes hacer cenas íntimas todos los días porque te aburres. Algún día te apetece un gin-tonic y salir a bailar. Y yo soy «hitero», ¿eh? A mí me encantan los hits. Las canciones que suelo escuchar más suelen coincidir con las que se escuchan más. Estoy un poco en ese imaginario colectivo. Que es lo que te hace ser pop, yo creo…
‘Campos de Castilla para siempre’ es el gran hit de este disco. ¿Te salió al principio o salió al final?
Salió al final. Daba para tres canciones, porque la letra era como para una canción de 15 minutos. No sabía qué hacer con ese monstruo, con ese esperpento, y se me ocurrió quitar los versos que yo sentía que redundaban o que eran menores: un tercio de la letra. Con los otros dos tercios hice dos canciones y decidí que una iba a ser la primera del disco, y la otra, la última, formando una especie de bucle, hablando de ese viaje mío entre Coruña y Madrid. Me parecía que todo cobraba sentido. Esa es la parte intelectual/oficio. Porque no le iba a poner a la peña un tostón de 15 minutos. Mira lo que le pasó a Calamaro con el disco de «El Salmón» (risas) De hecho, de Calamaro me gustan muchísimas canciones, pero a ese disco, si te digo la verdad, ni siquiera entré. Lo escuché una vez, vi que había versiones de los Beatles, y dije: «¡tío, a tu casa!» (risas)
Yo pensé que habías puesto «Campos de Castilla» dos veces para que la gente se diera cuenta de lo buena que es…
Me gusta el concepto, de pesado (risas) Contarlo dos veces puede ser una manera de que a la gente le llegue más. Desde el momento que una canción sale de single, ya se le está dando un foco que no se le da a otras. Es verdad que es un tratamiento un poco injusto, porque piensas: «Joder, ¿y si hubiera sido single ‘Enséñame’?» Igual la gente conecta con una canción tan rara aunque no te lo esperes. «Campos» a mí me parecía la más potente de los tres singles. De hecho, ‘Sombras chinas’ no era mi apuesta. Ahí me dejé asesorar por mi entorno, gente con la que he ido trabajando desde 2001, y decidí hacerles caso. A veces es una lotería lo de los singles.
Hay una referencia a Machado, pero también podría ser a ‘Camino Soria’ de Gabinete Caligari. Has dicho en alguna entrevista «gran canción», pero yo te digo que «gran disco»…
¿Qué venía en el disco?
‘Suite nupcial’, ‘Tócala Uli’, ‘La sangre de tu tristeza’ y ‘La fuerza de la costumbre’. Cinco singles.
¡Claro! Y un grupo bastante perdido en el tiempo, probablemente muy injustamente. Esa canción siempre la vi como la canción del pop español. Cuando un grupo es capaz de hablar de Soria en una canción de esa forma tan bonita, tan poética, tan machadiana… También está ‘Volando Voy’, pero yo diría ‘Camino Soria’. Es de las 5 que rescataría en una cápsula para hablar de pop español. También es que tengo ascendencia soriana, que eso no lo sabe casi nadie, y apela a esa parte familiar por parte de madre.
«‘Camino Soria’ es de las 5 canciones que rescataría en una cápsula para hablar de pop español»
Hay una referencia a El Último de la Fila en ‘Crujidos y fantasmas’, pero también al pop británico en ‘La batalla’, donde tú oyes Kate Bush y yo a Massive Attack…
Sí, esa especie de épica oscura de Massive Attack, te entiendo, y me gusta. Tengo una infancia más hispana, latinoamericana, también británica y música de todo el mundo. Mis padres nos criaron en esa diversidad. Pero yo creo que para diferenciarme, matando al padre, como diría Freud, me fui a lo anglosajón y a lo mod, huyendo de Paco Ibáñez y de Víctor Jara. Pero luego la cabra tira al monte y recupero todos los folclores, todo lo de la mal llamada «música del mundo», que es lo que se escuchaba en mi casa realmente. Al final soy un poco una tensión entre eso y todo lo británico, desde los Who hasta Massive Attack. También tuve mi época hiphopera con mi hermano, que luego lo enganché con Beck. Ya tenemos una edad y hemos pasado por muchos sitios. En algún lugar ahí en el medio está mi música.
Esta vez la parte latina está un poco más apartada…
Casi completamente apartada. Y eso tiene más que ver con los ciclos. La vida te decía que es equilibrio, pero también son ciclos. A mí me resulta necesario y muy natural dejar de hacer algo cuando lo he hecho un tiempo que yo considero suficiente. Mi época «más latina», entre comillas, fue la época en la que vivía en América Latina. Cuando vengo, lo traigo y hay un poso, pero también llega un momento en que me doy cuenta de que mi vida es más urbanita: Madrid, los viajes por la A-6, una vida que tiene menos que ver con Héctor Lavoe o Mercedes Sosa. También te digo que si tú puedes hacer una canción de Víctor Jara con una guitarra eléctrica y una batería tipo R.E.M… eso es pop. Me da igual que sea Aute o Bob Dylan, si de ahí puedes sacar una canción de pop… Me gusta el concepto de canción quizás por encima del concepto de pop.
Es la segunda vez que dices Víctor Jara, te tengo que hacer la pregunta política. ¿Tu canción es menos política, no?
Y mi contexto es completamente distinto.
Aunque no sabemos durante cuánto tiempo…
A veces piensas: «¿Me tocará a mí? ¿Me tocará a mí una época tan oscura, una dictadura, me tocará una guerra mundial? Intento no pensarlo, sinceramente. Yo me he criado con música de cantautores, que no siempre es tan política. Víctor Jara tiene ‘Te recuerdo Amanda’ en ese contexto de fábrica, pero también de muchos cantautores trascienden canciones de amor. Incluso Silvio Rodríguez. No sé si estaba de acuerdo exactamente con lo que pasaba en Cuba en ese momento. Creo que ha tenido sus momentos más cercanos al gobierno y menos, pero creo que no ha sido tan crítico en el fondo, porque también ha estado bastante cerca. Quizás hubiera sido mucho más crítico si le hubiera pillado más joven. Pero no, mi música creo que no es tan directamente política, no habla de cosas políticas directas, como partidos o acciones concretas del gobierno, pero creo que sí que es política en cuanto a que se ve mucho cuál es mi filosofía de vida, cómo pienso, si soy un tío diverso o no, si creo en una idea plural. Eso yo creo que sí que se ve.
En ‘La batalla’ sí hay descontento social.
No lo había pensado, pero ‘La batalla’ sí es explícita. Hay una visión de un ciudadano que ahora no soy yo exactamente, pero sí que lo veo y me hace sufrir. Gente que trabaja muy duro, vive en un piso muy pequeño y se gasta prácticamente todo el dinero en eso y no puede hacer mucho más que trabajar y sobrevivir. ¿A quién le echas la culpa del precio de la vivienda? No lo sé. Siempre me da la sensación de que no sé lo suficiente de política. Me parece que hay miles de capas y me da mucha rabia porque siempre siento que te quedas a medias. Y eso me frustra mucho.
No será porque no hay programas y tertulias de todos los palos…
Sí, pero es lo que tú has dicho, hay uno que dice una cosa y otro dice la contraria. A los entresijos casi nunca se llega. Entonces me da mucha rabia. La información siempre la siento, en mayor o menor medida, muy sesgada.
¿Tú te sientes un privilegiado?
Sí, absolutamente. Por haber nacido el año que nací, en el 77, haber vivido en este país y haber sido hijo de mis padres, haber sido un chico de Coruña que ha venido a Madrid en probablemente la mejor época de Madrid… No esta de ahora, aunque yo la amo con todo, pero tengo mis críticas. Creo que he tenido mucha suerte.
Te lo pregunto porque cuando entrevisto a artistas femeninas, me piden que pregunte a los hombres heterosexuales blancos por igualdad, en lugar de a ellas todo el rato…
Bueno, hay feministas que dicen que nos pregunten y otras que dicen que no tenemos voz ni voto. En ese sentido, creo que hay división. Mi amiga Alejandra, feminista histórica, que tiene una librería, Berbiriana, en Coruña, me ha ido contando lo que ella ha ido aprendiendo, porque se ha preocupado especialmente desde hace décadas de los feminismos, es decir, no hay un feminismo solo. Básicamente sí, que es la igualdad de derechos y de oportunidades. Y yo en eso coincido plenamente. Es decir, igualdad de oportunidades siempre, para todo siempre.
«Cuando lo romántico se convierte en algo tóxico, creo que es cuando no merece la pena»
En «Cupido» hay un canto contra el amor romántico. Me pregunto cuál es la alternativa: ¿la soledad, las relaciones abiertas…? ¿De qué va esto exactamente?
Jo, qué complicado (risas) No es un manifiesto, me salió un verso y yo mismo me dije: «ahora me toca explicarme y digo «¡madre mía! Sin quererlo me he metido en un lío porque no sé decir exactamente por qué lo canto»» (risas) Creo que en ese momento yo había idealizado a una persona. Cagarme en Cupido era mi forma de enfadarme con alguien. Porque además creo que casi siempre nos enfadamos con nosotros mismos. Porque dices: «Joder, ¿cómo no me di cuenta? Si estaba clarísimo». Me cuesta mucho encontrar equilibrio entre la ilusión y la idealización. Porque… ¿cómo no vas a ser un poco romántico? Pero claro, que no te haga daño. Cuando lo romántico se convierte en algo tóxico, creo que es cuando no merece la pena.
Desde que entrevisté a Russian Red por el último disco y me habló de relaciones abiertas, casi que lo contrapongo al amor romántico automáticamente.
Yo no (risas) Yo creo que hay un montón de matices… Estamos en una época de la historia en la hay mucha diversidad de tipos de relaciones. Y se ha deconstruido mucho el concepto de pareja. A veces habrá gente que disfrute mucho de esa diversidad y otra gente que también la sufra mucho. Porque a veces también dices «Mira, casi prefiero lo que funcionó de toda la vida». Todos tenemos en la vida lugares mentales donde puedes tener un margen para la experimentación. Pero yo, por ejemplo, concretamente, ahí no lo tengo (risas) Yo tengo la música, y otras cosas.
¿Se puede medir el éxito de tu carrera en solitario como Xoel López por cuándo te han ido preguntando menos por Deluxe y por ‘Que no’?
Me di cuenta cuando recuperé ‘Que no’ después de muchísimos años y la toqué en un festival pensando que la gente iba a flipar y no fliparon. Y dije «vale, ya está». O sea, ya ha trascendido eso… En Spotify, que es relativamente fiable, si ves las reproducciones de mis canciones comparando con las de ‘Que no’, hay goleada de las nuevas. Entonces dices «buena señal».
¿Desde qué año ha sido esto?
Al principio tuve un poco de rechazo a todo lo de Deluxe, sobre todo a esa primera época, porque quería reivindicar lo nuevo, lógicamente. Creo que no me atreví a recuperar ‘Que no’, entre otras canciones, ¿hasta 2023? Cuando ya tenía claro que no me iba a afectar.
«En la letra de ‘Lodo’ había algo que yo no quería asumir, el inconsciente va por delante siempre»
¿Cuándo se levanta ‘Lodo’?
Yo flipé. Es un caso bastante particular. Hay gente que lo quiere atribuir a la pandemia, a la campaña de la Xunta de Galicia desde el Camino de Santiago, luego a todo el tema de la Dana en Valencia… Pero fue antes, yo me acuerdo perfectamente. ‘Lodo’ llegó a ser la canción más escuchada de mi Spotify unos meses antes de todo eso. Antes era ‘Tierra’. ¿Quién lo iba a decir? Flipé. Y luego pasó todo eso, que fue más leña al fuego. Ya como que volaba. Yo creo que es la letra, la letra le gustó a la gente. Es una letra que nace de un lugar muy sincero, y yo tampoco tenía ninguna expectativa con la canción. Para mí era de las menores del disco incluso… No sé, tengo mi teoría, creo que quizás había algo en la letra que yo no quería asumir, porque sabes que dicen que el inconsciente va por delante siempre.
¿Y qué es?
Algo que luego me acabó doliendo. Algo que tenía que ver con algo que iba a pasar en mi vida y yo ya lo estaba viendo a nivel inconsciente pero no a nivel consciente. Lo canto… y luego caigo. Luego yo caí en un momento malo. Sí, es muy fuerte… No es mágico, se puede explicar con el psicoanálisis, pero sí que tiene algo de decir «joder». Y me sigue pasando en este disco. Es como si mis canciones supieran mucho más que yo.
¿El qué con este disco?
Tendría que hablar de cosas íntimas y me da vergüenza.
¿Pero como que las canciones tienen algo de premonitorio?
En realidad no es premonitorio. Tú lo sabes, pero no eres consciente. Imagínate «te están poniendo los cuernos». Y de repente, cuando lo descubres, dices «Si yo ya lo sabía. Si ya aquel día que me dijo que no sé qué». Pero no lo querías ver. Pues eso, en las canciones está.
Estás haciendo un proyecto de rehacer canciones viejas para el futuro. ¿Esto es motivador para un artista? ¿Por qué todo el mundo lo hace en un momento dado?
Estaba muy motivado, y de repente vino este disco nuevo. Me habían pedido un par de singles para sacar algo nuevo antes de ese otro proyecto y buscando dos singles me encontré un disco. Y entonces ahora me cortó un poco el rollo. Es un proyecto que vengo posponiendo desde hace más de una década, porque no encontré el momento de que eso me apeteciera más que hacer un disco nuevo. Me está costando un poco retomarlo, pero creo que en cuanto vuelva encontraré la forma de que sea bonito porque me estaba divirtiendo mucho. Ya lo contaré cuando toque, pero cada canción es un mundo. Una la quieres mejorar, otra no la quieres joder, otra que quieres cambiar aquella cosa que siempre te jodió y que nunca te gustó. En fin, es todo un viaje, pero no es lo mismo que hacer un disco nuevo, efectivamente.
Y ahí va a ir ‘Que no’…
Ya está grabada. Estoy pensando si hacer dos versiones para elegir la que más me guste. La que hay ahora es con una guitarra un poco… Alaska y Dinarama. No es tan diferente, porque me parecía que era de las que tampoco te la puedes cargar. Tiene demasiado peso. Pero sí que viene de una época en la que la música en España suena peor, creo que se puede mejorar a nivel de mezcla. Ahora tenemos muchos más recursos, yo tengo algo más de presupuesto. Aunque solo sea por eso, merecería la pena regrabarla.
¿Creo haber visto en un Reels que estás en contra de las malas críticas?
Este debate me interesa. Primero, no le diría a nadie lo que tiene que hacer. Jamás. Me preguntaron y dije que, si en un periódico hay 6 críticas de discos y una es un 2 a un disco de Bisbal… Yo dije que me parecería más interesante que ese espacio lo ocupase un disco de 8, porque así yo lo compro y lo escucho.
«La crítica positiva creo que aporta más que la crítica en negativo»
¿Pero sabes cuánto se critica que en Mondosonoro solo salgan discos con un 8 y con un 7? ¿Dónde queda el periodismo musical?
Me refiero a que criticar un disco que supuestamente no es para melómanos, me parece un ejercicio solo para decir «no me gusta Bisbal». Y eso ya lo sabemos. Creo que tiene más que ver con identidades, con decir «nosotros somos anti-Bisbal». Ese espacio yo lo hubiera usado para algo en positivo. La crítica positiva creo que aporta más que la crítica en negativo. Por supuesto que te puede no gustar un disco, pero ¿qué sentido tiene criticarlo? ¿cuál es la finalidad? ¿Advertir a la gente de que no lo escuche?
También hay una falta de pudor total con decirle a la gente que una película es mala y no pasa nada. Parece que con los discos no se puede.
De jovencito me pidieron «10 canciones que odias» para un fanzine. Y yo lo hice, pero lo hice con un poco de dolor de corazón porque yo pensaba «no sé si pienso en esos términos». O sea, no sé si odio 10 canciones, y me acuerdo que me esforcé un montón. Una era ‘Hotel California’. Y ahora me gusta, en el sentido de que es un temazo. Yo era más hater de joven, me he ido limando como las montañas. La montaña sigue estando ahí, pero ya no hay tanto pico.
He entrevistado a Bisbal y bueno, él habla de que sus primeros temas con Kike Santander tenían 14 acordes…
Pues me parece muy interesante. No me importaría nada entender cómo es Bisbal a nivel musical, cómo concibe un disco.
«He visto muchísima gente cantando técnicamente increíble que no me transmitían absolutamente nada»
Sobre todo te habla de lo importante que es la voz, que en el indie importaba menos.
Yo, de hecho, no soy de voces. O sea, me encanta Nina Simone, me encantan las voces buenas, pero también me gustan las voces, entre comillas, «malas». He visto muchísima gente cantando técnicamente increíble que no me transmitía absolutamente nada.
Tu voz ha influido muchísimo, por ejemplo a Pucho de Vetusta Morla, ¿no?
Eso me lo dijo mi padre. Me dijo: «Hay un grupo en la tele que canta como tú». Pero yo creo que Pucho tiene influencias varias, ¿eh? No sé si la mía es una, no lo sé, tendría que preguntarle a él. Pero cuando volví de América, me llegaron comentarios tipo «canta como Pucho», «imita a Pucho». Y luego el típico defendiendo: «Oye, este tío lleva toda la vida cantando» (risas) Es inevitable. Mis grandes referentes son británicos, pero de música española me ha influido desde Mecano hasta Josele Santiago de Los Enemigos. Y creo que al final uno encuentra ahí un lugar. Pero sí que es verdad que yo he apostado por algo un poco más melódico. Me he atrevido a intentar cantar un poco mejor en el indie, y eso era muy penalizado en una época.
Te veo contento hablando de tu propio éxito también. Que antes el éxito también generaba complejos.
Sí, era durísimo. Y hasta sonar bien era penalizado en el indie. Yo me acuerdo de ir a los festivales y recibir críticas de compañeros, de gente del gremio: «A ver, está guay, pero es que sonéis demasiado bien» Y la banda decía: «nos han dicho que sonamos demasiado bien». Joder, todo el día ensayando, intentando mejorar… Y era una cosa que penalizaba. Hay algo perverso ahí. Es como «te quiero, pero no quiero que gustes mucho». Es tóxico en realidad. «Te quiero para mí, no quiero que le gustes a los demás, quítate esa ropa que te queda bien». En fin, si lo analizas…
Las bochornosas palabras recientes de Isabel Díaz Ayuso sobre México y la colonización española, pronunciadas durante un viaje al país latinoamericano que acabó cancelado tras la polémica, siguen resonando.
Este sábado, el popular grupo de rock mexicano Caifanes, muy conocido durante los 90 por éxitos como ‘Afuera’, ‘Viento’ o ‘La célula que explota’, que han seguido vigentes hasta el punto de superar actualmente los 400 millones de reproducciones en Spotify, ha respondido a Ayuso durante su concierto en Ciudad de México.
Saúl Hernández, vocalista de Caifanes, no ha dudado en interrumpir el concierto para dedicar unas palabras a Ayuso, calificando sus declaraciones de “extrañas, pendejas, pero sobre todo muy ignorantes, que hasta el mismo Hernán Cortés se va a sentir ofendido”.
Durante su visita a México, Ayuso alabó a Hernán Cortés y calificó al país latinoamericano de “narcoestado”. Ya de vuelta en España, declaró que “México no existió hasta que llegaron los españoles” y denunció haber sufrido un “boicot” durante su viaje.
Caifanes respondió a Ayuso frente a decenas de miles de personas: “Le vamos a decir, doña Isabel, que México está trabajando para dejar de ser lo que somos y regresar a lo que fuimos. Señora Isabel, ¡ante sus estupideces, nuestra indiferencia!”. Según relata elDiario.es, el público llenó el recinto con gritos de “culera” dirigidos a la dirigente madrileña.
@eldiario.es El grupo mexicano Caifanes lanza un mensaje a Ayuso en un concierto. "Tan ignorantes que hasta el mismo Hernán Cortés se va a sentir ofendido. Y vamos a decir, señora Isabel, que México está trabajando para dejar de ser lo que somos y regresar a lo que fuimos. Y señora Isabel, ante sus estupideces, nuestra indiferencia." #mexico#ayuso#caifanes#concierto♬ sonido original – eldiario.es oficial
Primavera Sound ha publicado los esperados horarios de su edición de 2026, que se celebra del 3 al 7 de junio, concentrándose del 4 al 6 la programación principal en el Parc del Fòrum de Barcelona.
El horario del jueves 4 de junio revela que uno de los primeros cruces destacados llega entre Ravyn Lenae (19:35-20:35) y Geese (19:45-20:45). Después hay choque total a las 20:50, cuando coinciden exactamente Alex G (20:50–21:50) y Oklou (20:50-21:50).
Más tarde, Mac DeMarco (21:55–22:55) se solapa con el inicio de Massive Attack (22:05-23:20), aunque ambos dejan vía libre a Doja Cat (23:35-1:05).
Entre los primeros solapes del viernes 5 de junio se encuentra el de Ethel Cain (19:45-20:45) y Rilo Kiley (19:50–20:50), mientras Addison Rae (21:00-22:00) tocará casi a la vez que Ralphie Choo (20:55-21:55) y exactamente a la misma hora que Merzbow: complicada decisión.
El bloque central, para sorpresa de nadie, lo ocupa The Cure (22:15-00:45), que además se cruza parcialmente con Jade (00:30-1:30). El concierto de 2 horas y media de The Cure se come enteros los de Amaarae y Role Model. PinkPantheress actúa justo después de JADE, sin solapes, de 1:45 a 2:45.
El sábado 6 de junio los fans tendrán que elegir por la tarde entre ver a Grace Ives (18:10-18:55) o a Depresión Sonora (18:00-18:45). Por la noche, The xx (23:40-00:55) coincide en parte con Marina (00:40-1:40), y esta, a su vez, con Gorillaz (1:15-2:45). Los horarios completos están disponibles en la web del festival.
Cargando ...
