Uno de los comebacks destacados del año es el de Interpol, que lanzará a finales de agosto su primer disco en cuatro años. ‘This Mirror Weighs a Ton’ sale el día 28 de ese mes y se presenta como un trabajo que «no es una reinvención, sino una evolución», según la propia nota de prensa, en el que Paul Banks y compañía exploran nuevos matices dentro de su sonido habitual.
De los dos sencillos publicados hasta ahora de ‘This Mirror Weighs a Ton’, curiosamente el que más convence es el que prueba una fórmula diferente a la habitual, mientras que el que menos lo hace es el que suena a lo de siempre.
En el primer caso hablamos del corte titular, que además abre el disco. Dentro del estilo lírico impresionista típico de Interpol, ‘This Mirror Weighs a Ton’ parece hablar sobre aislamiento, soledad y anestesia emocional, utilizando la metáfora de un espejo como reflejo de uno mismo, una imagen difícil de afrontar. Musicalmente estamos ante una balada sombría y apesadumbrada, pero dotada de una melodía emotiva con ecos de los Radiohead de ‘Nude‘ e incluso cierta querencia dream-pop o slowcore. Ahí encontramos a Interpol acertando en la exploración de un sonido diferente.
No se puede decir lo mismo del siguiente adelanto, ‘See Out Loud’, que, subiendo las revoluciones, suena más a repetición de la fórmula. Ni siquiera el hecho de que Daniel Kessler cante la segunda estrofa evita que la canción resulte genérica. En contraste con ‘This Mirror Weighs a Ton’, la energía de ‘See Out Loud’ se eleva y da forma a una canción luminosa que nos sitúa en ese estado de exaltación propio de las «cinco de la mañana». «Me empiezo a sentir pixelado», canta Banks.
Sin embargo, se agradecería algo más de riesgo y menos de lo que parece un intento de complacer a los fans de toda la vida. De hecho, resulta divertido descubrir en los comentarios de YouTube que los «interpals» no se ponen de acuerdo sobre a qué etapa del grupo remite el tema. Unos escuchan ecos de un disco, otros de otro. En cualquier caso, la canción suena a algo que Interpol ya ha hecho antes, y seguramente mejor, si ese parecido es todo lo reseñable del tema.
Repasamos la carrera de Florence + the Machine con motivo de su actuación en Mad Cool. La banda de Florence Welch presentará allí lo mejor de su reciente disco ‘Everybody Scream‘ junto a sus grandes éxitos el jueves 9 de julio. Es el mismo día que actúan Lorde, Jennie, Zara Larsson, CMAT o Charlie Puth. En otras jornadas se podrá ver a otros cabezas de cartel como Foo Fighters, Moby, Wolf Alice, Nick Cave, Pulp, David Byrne o Halsey.
Esta vez no nos hemos comido la cabeza y, en compañía de nuestro redactor Fernando García, repasamos toda la discografía de Florence + the Machine en orden cronológico. La dividimos entre 3 discos más accesibles, los primeros, y 3 en los que merece la pena prestar atención a las letras. En el debate planteamos cuál es su mejor disco y SPOILER, no, no es el que Metacritic indica que lo es.
Que el recopilador internacional de críticas haya terminado valorando ‘Dance Fever‘ (84/100) o incluso ‘Everybody Scream‘ (81/100) por encima de sus primeros discos solo sirve como reflexión sobre lo que han cambiado los tiempos. ¿Se atreverían hoy en día The Guardian o Pitchfork a volver a publicar lo que en su día publicaron sobre trabajos como ‘Ceremonials‘ u hoy hemos aprendido a valorar más a las artistas femeninas que en 2010?
En la redacción hacemos mejor valoración de su debut, pese a que ‘Kiss With a Fist’ terminó pintando poco por allí; a ‘Ceremonials‘, ‘Shake It Out’ aparte; o a ‘How Big How Blue How Beautiful‘, que a algunos nos parece el mejor, aunque no sea el que más haya vendido.
No esquivamos la calidad de sus videoclips, sus problemas con el alcohol, sus vaivenes con la fama y su facultad de performer, que seguramente sea lo mejor que tiene. En breve tendremos ocasión de comprobarlo. Como curiosidad, recordamos el día que pudimos entrevistarla y nos dijo que le gustaban Beyoncé y Lady Gaga «como guilty pleasure». Adivinamos que cambió de opinión cuando colaboró con esta última.
Rozalén actuó este pasado domingo 7 de junio ante el Papa León XIV en el Movistar Arena, en un acto compartido con otras personalidades como Antonio Banderas o Carolina Marín. Aunque ella misma asegura en un comunicado de Instagram que sabe que no tiene que «dar explicaciones», la artista albaceteña ha explicado y defendido su interpretación de ‘Y busqué’.
Lo primero que hace es dar las gracias a aquellas personas que han entendido «lo simbólico y lo reparado que ha sido para mí y para mi familia que alguien como yo cante frente al Papa». Después, procede a explicar su historia familiar, contando que es hija de «un sacerdote secularizado tras diez años por enamorarse de mi madre» que organizaba todo tipo de actividades culturales y deportivas en su pueblo. Lo describe como «un hombre de paz y mediador».
Rozalén continúa explicando su relación con la Iglesia, la misma que la puso «a cantar, a actuar, a meterme en voluntariados, a tener conciencia social y a ser inclusiva». A continuación, también aborda «la parte oscura de la institución» que es «de sobra conocida e indefendible», y también la razón por la que habría recibido críticas la cantautora.
«Son escalofriantes los casos de pederastia. Ni comparto sus posturas ante el papel de la mujer, el colectivo LGTB, aborto, muerte digna…», aclara Rozalén. Por otro lado, sí esta a favor de «la posición antibelicista, la preocupación por la IA y la empatía ante los inmigrantes». Ella asegura que cuando le ofrecieron la oportunidad pensó en su familia y en su padre: «Ha sido como honrarle por los años que sé que fueron duros para él».
Rozalén termina el comunicado con una lección: «Aprendo con los años que no es justo generalizar. Solemos quedarnos con la parte superficial de las cosas, pero tantas veces, rascando un poquito, logramos comprendernos».
Tiene razón Manuel Carrasco cuando afirma que la prensa se fija más en lo de fuera que en lo de dentro; solo así se explica que nos enfrentemos a discos como los de Maisie Peters, casi igual de arduos que los suyos. Peters canta en inglés, pero sus metáforas simplistas, arcos narrativos binarios y composiciones previsibles no engañan a quien les preste un mínimo de atención.
Peters es una de las sensaciones pop de los últimos años más apegadas al folk de Taylor Swift. ‘Florescence’ es su tercer disco y el que más lleva al extremo esta fórmula, ya que abandona por completo los experimentos electrónicos de su trabajo anterior, ‘The Good Witch’ (2023), aunque la falta de ambición compositiva acaba siendo un lastre en un álbum demasiado repetitivo.
‘Florescence’ utiliza los códigos instrumentales del country y el folk, inclinándose hacia una fórmula de cantautora pretendidamente seria. Las melodías y los arreglos de guitarra, cuerda, violín y metales son competentes y agradables, así como el vocoder puntual en ‘Audrey Hepburn’, pero las canciones resultan planas y sobreproducidas, algo evidente en la balada acuática ‘If You Let Me’ con Marcus Mumford o en esas percusiones de ‘Vampire Time’ que fuerzan la épica emocional.
Estructuralmente, las canciones de ‘Florescence’ siguen formas pop muy cerradas, incluso fácilmente remezclables en clave electrónica. Pero Peters parece obsesionada con el crescendo fácil, recurriendo a él una y otra vez a lo largo de 15 temas, mientras la mayoría de pistas repiten desarrollos predecibles. Y lo mismo ocurre con unas letras llenas de dicotomías simples y metáforas banales.
Centradas siempre en los vaivenes del amor romántico desde una lógica de buenos y malos, las canciones de ‘Florescence’ usan imágenes muy directas y accesibles, pero también tan cuestionables como “el amor era un mito, ahora es mi café de la mañana” (‘Audrey Hepburn’), “fui tu pedestal y lo único que me diste fueron astillas” (‘Kingmaker’), “me sacaste del mercado y ahora yo te llevo al Ritz” (‘My Regards’) o “te pienso en lugar de comer, y ahora peso menos que cuando te conocí” (‘You You You’), equiparándose a lo peor que el pop mainstream puede ofrecer.
Como narradora, Peters adopta un punto de vista adolescente, por lo que quizá el target sea otro, pero la adolescencia nunca estuvo reñida con la profundidad, como demuestra Lorde. Las canciones de ‘Florescence’ resultan sencillamente inmaduras para una persona de 26 años, como lo son las de Drake teniendo él casi 40. ‘Mary Janes’, por ejemplo, es una bonita canción folk con trompeta, pero su mensaje “no soy como las otras chicas” recuerda al peor Ed Sheeran, y la comparación no es casual, ya que comparten productor: Joe Rubel. Peters no es como las it girls de las redes, pero juzga a quienes sí lo son.
Más sospechoso resulta que Peters se sitúe siempre en una posición moralmente superior frente a los sujetos que analiza. El ejemplo más claro es ‘Houses’, la única canción de su discografía 100% escrita por ella. Entrega una buena melodía y un concepto interesante centrado en un “loser”, pero su análisis del personaje es superficial, moralizante y poco empático. En ‘Questions’, con un estilo más Natalie Imbruglia, lo pone en bandeja: “¿te sientes que has perdido el único buen puerto en tu tormenta? Ahora vives una vida miserable”. Ella es el puerto, el refugio, claro, pero con estas letras, ¿nos fiamos de ella?
Las imágenes en blanco y negro (“You were the god and I was the puzzle”; “I was the redwood, you were the flame”) son recurrentes en ‘Florescence’ y contradictorias. “I hate the afterparties, I want forests”, canta Peters, pero nunca desarrolla esos bosques que tanto menciona, prefiriendo insistir en las mismas imágenes sentimentales de siempre. ‘Old Fashioned’ le permitía cierta mala baba, pero este retrato de un hombre que persigue a chicas más jóvenes vuelve a ser literal (“Meanwhile you swan around and hunt the college towns”) y poco ocurrente.
‘Say My Name Is Your Sleep’ es quizá la canción mejor resuelta del conjunto: explora el deseo de atormentar a un ex incluso después de la ruptura sobre un country pop contenido y eficaz. Aun así, piezas como ‘Audrey Hepburn’ o la final ‘Nothing Like Being in Love’ -cuyos pianos recuerdan más a ‘Evermore’ que a ‘Folklore’-, o estribillos como el de ‘Flat Earther’, están abordados con gusto, si bien su fórmula de pop-folk optimizado para el consumo rápido acaba agotándose, después de casi 50 minutos.
El problema es justamente ese: si el mainstream anglo pretende vendernos profundidad envuelta en folk, se agradecería que fuera profundo de verdad, y no el enésimo reducto de Taylor Swift que no da la talla. Habrá quien se sienta identificada con sus historias, pero las composiciones de Maisie Peters agradecerían menos tics y más matiz en su próximo trabajo. Nada peor que un disco pretencioso que no está a la altura de su propia pretenciosidad.
Si una banda nueva suena como si estuviera totalmente formulada desde el segundo cero, es muy probable que detrás de su formación se escondan integrantes con cierta experiencia. Es el caso de Paycheque, un nuevo dúo de synthpop formado por Allison Goldfarb (que no Alison Goldfrapp) de Geranium y Jackson MacIntosh de TOPS y Drugdealer que quieren llevarte al lado oscuro.
Su música recuerda a la época en que las propuestas de gente como Nite Jewel, Tennis o Class Actress llenaban los blogs de esperanza, y de esperanza va la cosa, porque el grupo tiene apenas seis singles publicados y ningún álbum de estudio. Su debut oficial homónimo se publica en dos días.
Aunque la propuesta de Paycheque, que incluye títulos que evocan el glamour de los 80 como ‘Camouflage’, se inclina hacia los sintes noir y cierta sensibilidad underground en la producción, remitiendo a la estética de las bandas del mítico Italians Do It Better, como Chromatics o Glass Candy.
Si te gustan todos estos grupos no te puedes perder el glamour decadente de ‘Temporary Love’ ni el delicioso new wave de ‘Generic Actress’, aunque el tema que elegimos como Canción del Día hoy es el más reciente, ‘Heatwave’.
‘Heatwave’, que de momento solo está disponible en YouTube, aúna ritmos post-disco y guitarras eléctricas con un estribillo que es puro suspense y seducción. La atmósfera de antro ochentero decadente está perfectamente perfilada a lo largo de la canción, y mientras el grupo reconoce que la pieza está inspirada por artistas como Saada Bonaire y Gina X Performance, afirma -sin intención de presumir- que el arreglo de guitarra lo grabaron en una sola toma. Frescura ochentera, en 2026.
Jack White ha vuelto a poner en preventa su nuevo disco sin anunciarlo previamente. Su séptimo álbum en solitario, ‘Frozen Charlotte’, se pondrá a la venta el 10 de julio, aunque no hay anuncio oficial ni campaña previa. White sigue moviéndose por la industria como si internet no existiera.
Siguiendo la línea de ‘No Name‘, su disco de hace dos temporadas, ‘Frozen Charlotte’ se ha ido dejando caer casi a escondidas, y no viene solo: ya se ha publicado un nuevo tema, ‘Dollar Bill’, que se suma a los singles anteriores ‘G.O.D. and the Broken Ribs’ y ‘Derecho Demonico’.
‘Dollar Bill’ se debate entre una calma tensa y explosiones de energía eléctrica que irrumpen como un cortocircuito, mientras la letra parece girar en torno a la relación entre deseo, poder y dinero. Una de sus líneas lo deja claro: “She did it for the love / And a dollar, a dollar bill”. Musicalmente, White entrega otro competente tema de rock ‘n roll clásico, interesante por su dinamismo.
Según la descripción del propio producto en la web del sello, el álbum reúne 13 canciones grabadas en Nashville con la banda habitual del músico -Patrick Keeler, Dominic Davis y Bobby Emmett- y promete una mezcla de rock crudo, blues abrasivo y urgencia caótica marca de la casa.
Mientras tanto, el ex-White Stripes sigue con varios proyectos en paralelo: además de una gira que lo llevará por Europa, Reino Unido y Estados Unidos, presenta una exposición artística en Londres. Aunque las críticas no acompañan: The Guardian le ha dado 1 estrella y la ha calificado de infantil e «inviable».
Desde sus inicios con el videoclip ‘At the Bottom of Everything’ (Bright Eyes, 2005), Cat Solen ha demostrado ser una de las artistas visuales especializadas en animación más interesantes de su generación.
Su especial de comedia ‘Chris Fleming: Hell’ (2023) y, sobre todo, la serie de HBO ‘The Shivering Truth’ (2018-2020), han confirmado un universo creativo inconfundible, articulado en torno a una imaginería surrealista que oscila constantemente entre lo perturbador y lo cómico.
Su impresionante trabajo para el nuevo videoclip de Olivia Rodrigo promete situarla definitivamente en el radar del gran público. Visualmente, ‘The Cure’ parece situarse en algún lugar entre los mundos animados de Henry Selick o Wes Anderson, el imaginario artesanal y naíf de Michel Gondry, la estética lanuda del videojuego ‘Unravel’ (2016) y los estilizados espacios hospitalarios de ‘La cura del bienestar’ (2016), la serie ‘Ratched’ (2020) o el célebre cuadro de Frida Kahlo ‘Henry Ford Hospital’.
Todo este aparato visual está al servicio de la idea central del videoclip: la materialización física de la ansiedad emocional. Rodrigo interpreta a una suerte de enfermera sexy y Marie Curie pop que busca la cura para los corazones “deshilachados”. El problema es que ella misma padece esa dolencia, que se manifiesta a través de una especie de body horror poético y textil.
El giro final pone el último pespunte a la metáfora. Cuando la cámara se aleja, descubrimos que el hospital no era más que una gigantesca maqueta, una especie de casa de muñecas construida a partir de cartón, hilos y decorados artesanales. La aparición de una Olivia “real”, que observa y finalmente destruye ese universo en miniatura, sugiere que todo lo visto hasta entonces no era más que la representación física de su propio corazón “descosido”. La única forma de sanar consiste precisamente en derribar el escenario mental donde ha intentado encontrar una cura imposible.
La lista de singles española sigue dominada por Quevedo, que al final está triunfando más con ‘La Graciosa’ (top 1) que con ‘Al golpito’ (top 2), aunque ambas han alcanzado la cima. Bad Bunny continúa reescalando dada su residencia en Madrid, pero «solo» llega al top 3 con ‘Baile inolvidable‘, que ya fue número 1 en su momento y acumula 5 platinos.
Ariana Grande, que ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos con ‘Hate That I Made You Love Me’, tiene una modesta entrada en España. Llega tan sólo al puesto 31 y la perspectiva no es demasiado esperanzadora para la próxima semana, pues ya ha caído al puesto 66 en Spotify España.
Como es habitual con los temas en inglés, Ariana resiste mucho mejor en el Global de Spotify, donde mantiene el top 1 por 7º día no consecutivo. El tema ha sido top 4 en Alemania, top 9 en Francia y top 24 en Italia, por lo que España le da uno de sus peores datos internacionales, aunque no el peor, que sería el de Bélgica (38).
En realidad, la entrada más fuerte de la semana es el remix de ‘De lejitos’ de Jay Wheeler y Omar Courtz. Es puesto 19 y además se disparará la semana que viene, pues ha subido al número 3 en Spotify.
El dúo satírico de rap Los Diozes, que sube al número 4 en discos en su primera semana completa, sitúa varios temas en listas: ‘Cheki’ entra en el 33, ‘Payas’ en el 51, ‘To perdío’ en el 79 y ‘Mardosa’ en el 93.
La última entrada es la de Myke Towers, que llega al puesto 46 con ‘Una ná más’.
Paul McCartney acaba de conquistar por 24ª vez el número 1 en las listas británicas con un proyecto diferente. Su álbum ‘The Boy of Dungeon Lane‘ ha vendido más de 33.600 unidades esta semana. De esos 24 números 1 en Discos en UK, 15 fueron con los Beatles, 6 en solitario contando este, y el resto con Wings o Linda McCartney.
Además, el disco de Macca ha sido número 2 en Alemania, número 4 en Francia y ha caído en el puesto 5 en Australia y en Estados Unidos. En España tiene que conformarse con el puesto 7 por detrás de todo el urban de Quevedo, Bad Bunny, Omar Courtz, Bad Gyal y Los Diozes, que suben del puesto 8 al puesto 4. Pero peor entrada dio al ex Beatles Italia (top 10).
En verdad la entrada más fuerte de la semana en España es la de Manuel Carrasco, que llega al número 3 con ‘Pueblo salvaje I’. Es decir, no logra conquistar al top 1 como en otras ocasiones, debido a la fortaleza de Quevedo y Bad Bunny, que continúan dominando, en ese orden.
Jay Wheeler llega al puesto 13 con ‘La voz favorita’, mientras Ariana Grande es top 14 con la edición 10º aniversario de ‘Dangerous Woman‘. Otra entrada destacada es la de La La Love You con ‘¿Por qué me miráis así?’, que llega al número 36.
El resto de novedades en España se completa con el pop de origen urbano de L’haine’, top 38 con ‘El odio siempre gana’; Aespa con ‘Lemonade – The 2nd Album’, que es número 57; el 10º Aniversario de ‘El último hombre en la tierra’ de Coque Malla en el puesto 93; y ‘Live from Asbury Park 2024’ de Bruce Springsteen en el 97.
Buena entrada internacional para Boards of Canada
Detengámonos un momento en Boards of Canada, que aparecen en el puesto 72 español con el complicado ‘Inferno’. Entrada que se debe sobre todo a su buena aceptación en la subtabla de vinilos, donde es incluso número 20.
Hay que destacar que el top 3 conseguido en Reino Unido por Boards of Canada es la mejor marca de su carrera, pero no el top 29 conseguido en Estados Unidos (su anterior álbum fue top 13 del Billboard 200). ‘Inferno’ puede presumir de haber sido especialmente entendido en Australia (3) y Alemania (4), un milagro para su estilo.
Madonna se sustituye a sí misma en el top 1 de JNSP, pues ‘I Feel So Free’ recibe el 34% de los votos en Instagram, frente al 33% de ‘Bring Your Love’. La entrada más fuerte es la de Ariana Grande en el top 3, seguida de PinkPantheress. Judeline y Lola Young quedan a las puertas del top 10, mientras Anni B Sweet y Jungle entran al top 20.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Top
Ant.
Peak
Sem.
Canción
Artista
1
4
1
7
I Feel So Free
Madonna
2
1
1
5
Bring Your Love
Madonna, Sabrina Carpenter
3
–
3
1
hate that i made you love me
Ariana Grande
3
4
3
3
I'm your girl right?
Tove Lo
5
2
2
2
SS26
Charli XCX
6
12
6
2
ORIGAMI!
Kesha
7
–
7
1
Girl Like Me
PinkPantheress
8
7
7
2
the cure
Olivia Rodrigo
9
8
4
4
Happy Now
Lykke Li
10
11
2
5
RUNWAY
Lady Gaga, Doeccii
11
–
11
1
pequeñita!
Judeline
12
–
12
1
From Down Here
Lola Young
13
6
6
3
Mi catedral
Triángulo de Amor Bizarro
14
3
1
8
Déjalo ir
Martin
15
20
15
3
Upside Down
Natalie Imbruglia
16
13
13
2
La línea
Julieta Venegas, Yahritza y su esencia
17
–
17
1
Adiós con alegría
Anni B Sweet
18
9
3
4
Rock Music
Charli XCX
19
15
3
7
Ride
Jessie Ware
20
–
20
1
The Wave
Jungle
21
32
12
4
Gasoline Girls
Tori Amos
22
10
1
20
Otro verano
Martin
23
27
1
16
Reliquia
Rosalía
24
14
14
5
Otros besos
María José Llergo
25
18
5
6
Low Rise Jeans
Demi Lovato
26
30
1
31
Berghain
Rosalía, Björk, Yves Tumor
27
16
5
7
drop dead
Olivia Rodrigo
28
23
23
2
What's Done Is Done
Jorja Smith
29
33
7
6
KGB
ADÉLA
30
21
14
3
Together
The Avalanches, Nikki Nair, Jessy Lanza
31
22
22
2
Odio la música
Cariño
32
–
32
1
Yo quiero enamorarme de ti
La Estrella de David
33
–
33
1
Handle
Ravyn Lenae
34
36
11
6
Need for Speed
Kim Petras
35
39
9
7
SHE DID IT AGAIN
Tyla, Zara Larsson
36
29
29
2
EsoEsArte
Blanco Palamera
37
–
37
1
BIG DOG
Genesis Owusu
38
28
11
5
Después de ti
Karol G, Greg González
39
31
3
15
Dying for You
Charli XCX
40
35
8
6
PINKY UP
KATSEYE
Candidato
Canción
Artista
–
Bar Manolo
SVSTO
–
Caravaggio
Dellafuente
–
I Knew It, I Knew You
Taylor Swift
–
For You
Requin Chagrin
–
Butterfly Feelings
Icona Pop
–
UNA PERSONA TRISTE
Los Punsetes
–
What Could Possibly Go Wrong
Melanie C
–
Days We Left Behind
Paul McCartney
–
Prophecy
Boards of Canada
–
#DIFERENTE
arrecíO
Vota por todas las canciones que te gusten
Madonna, Sabrina Carpenter / Bring Your Love (7%, 25 Votos)
Madonna / I Feel So Free (6%, 24 Votos)
Ariana Grande / hate that i made you love me (4%, 17 Votos)
El fatídico jueves de Primavera Sound, un rato antes de que la lluvia y los vendavales desencadenen una crisis programática que provocará varias cancelaciones importantes -aunque el festival continuará con la mayoría de los conciertos previstos-, me reúno con JADE en una pequeña sala de un hotel de Barcelona para comentar su primera era como artista en solitario. Cuando salgo del hotel empieza a llover y todavía no soy consciente del drama que está por venir, aunque al final tampoco resulta para tanto (desde fuera, al menos).
La era de JADE viene marcada, por supuesto, por su debut, ‘That’s Showbiz Baby!‘, su primer trabajo como solista tras el parón de Little Mix, una de las girl bands más populares de la historia del Reino Unido. ‘That’s Showbiz Baby!’ es, además, uno de los mejores discos de 2025 por la forma en que aborda sin tapujos la industria musical mientras sirve auténtica «pop perfection» por el camino.
JADE, que acaba de aterrizar en Barcelona, me recibe maquillada y no puedo evitar fijarme en sus preciosas uñas de gel con efecto cristal. Relajada y muy agradable en la conversación, hablamos sobre lo que ha significado esta era para ella o sobre su reciente colabo con Lily Allen. También confirma que no ha escrito para Madonna, a pesar de los rumores.
Hablamos hace un año. ¿Qué sensaciones tienes de la era ‘That’s Showbiz Baby!’ un año después?
Me siento increíblemente orgullosa de todo. Creo que ha funcionado muy bien e incluso ha superado mis propias expectativas. Especialmente en Estados Unidos ha sido increíble ver cuánta gente ha conectado con el disco. Tenía miedo de las reacciones porque es mi debut en solitario y nunca sabes qué va a pensar la gente. Las canciones son más personales de lo que estoy acostumbrada a compartir, así que me imponía bastante respeto darlas a conocer. Me ha encantado crear el show, toda la estética de la era… me ha encantado todo. Como compositora en solitario, después de Little Mix, ¿has encontrado alguna fortaleza como compositora?
Me he dado cuenta de que soy mejor de lo que pensaba, sobre todo escribiendo letras. He visto reacciones muy positivas a mis letras y a mis conceptos, y ha sido bonito descubrir que quizá soy bastante buena en eso específicamente. No estaba tan acostumbrada a escribir letras más biográficas, rebeldes, pícaras o incluso controvertidas. No solo disfruté mucho haciéndolo, sino que también he comprobado que se me da bien.
¿Cómo has encontrado el equilibrio entre presentar un concepto de disco atractivo para el gran público que, sin embargo, está basado en hablar de forma honesta y transparente sobre el lado negativo de la industria musical?
He escrito muchísimas canciones sobre muchos temas. Cuando empecé a escribir en solitario me sentía un poco perdida; no sabía sobre qué escribir. Me sentía bastante en paz y no encontraba un tema claro. Entonces pensé: ¿cuál ha sido el amor de mi vida? Y me di cuenta de que había sido la industria musical. Sabía que en mi debut tenía que sorprender a la gente, así que decidí llevar esa idea tan lejos como pudiera.
¿Los temas de ‘The Encore’ son los que más encajaban con el concepto o los que más te gustaban musicalmente?
Son ambas cosas. Algunas canciones de ‘The Encore’ estaban escritas para el álbum original, pero no entraron en el repertorio definitivo, así que las reelaboré y decidí incluirlas en la reedición.
¿Cuáles?
‘Best You Could’ y ‘Tar’ estaban escritas para el disco original.
¿Y ‘Church’?
‘Church’ es una de las nuevas. Después del éxito de ‘That’s Showbiz Baby!’, quería volver al estudio y desarrollar un poco más todo aquello, escribir una especie de carta de agradecimiento a los fans que han formado parte de este viaje.
«MNEK suele recordarme que ‘Break My Soul’ de Beyoncé llevaba ocho años escrita cuando salió. Si una canción está destinada a encontrar su lugar, lo hará»
¿Qué temas dejaste fuera?
Muchísimos. Pero escribiré música nueva y descubriré cuál es la identidad del próximo disco; entonces podré volver a esas canciones antiguas y ver cuáles encajan. Siempre me da pena dejar temas en el cajón, pero MNEK, por ejemplo, suele recordarme que ‘Break My Soul‘ de Beyoncé llevaba ocho años escrita cuando salió. Si una canción está destinada a encontrar su lugar, lo hará.
¿Qué has aprendido durante el proceso de creación de este disco que aplicarías en el siguiente? ¿Y qué error no repetirías?
Irónicamente, una de las cosas negativas fue volver a quedar absorbida por todas esas emociones negativas sobre las que estaba escribiendo en las canciones: buscar validación constantemente, preguntarme qué pensaba la gente… Sin quererlo ni esperarlo, estaba otra vez ahí. Y no me di cuenta hasta meses después. Supongo que es lo que pasa en las relaciones tóxicas: antes de que te des cuenta, vuelves a estar atrapada en ellas.
Al empezar como solista tenía muchísima presión y hasta me alejé de las redes sociales. En cuanto a lo positivo, encontré mi propia voz y me di cuenta de que confiar en mi intuición siempre va a ser la respuesta correcta. Prefiero que algo fracase por una decisión mía que depender de la decisión de otra persona y que tampoco funcione.
Ahora que miro atrás, quizá no habría lanzado ciertas canciones, pero en general ha sido una era experimental. He construido una base de fans increíble gracias a este disco y estoy muy orgullosa de ello.
«Sé que otros artistas me utilizan como referencia en sesiones de composición y también para sus videoclips»
¿Sientes presión por ofrecer música pop más sofisticada o elevada?
Sí que siento un poco esa presión, simplemente porque hoy en día hay muchísima música y la industria está saturada de artistas. Intentas escribir algo que nadie haya escrito antes. Estamos en una época en la que es muy difícil reinventar la rueda.
Bueno, tú has reinventado algo, ¿no? ‘Angel of My Dreams‘ fue un poco shock.
¡Supongo que sí! Sé que otros artistas me utilizan como referencia en sesiones de composición y también para sus videoclips, lo cual es genial. Tengo que recordar que las canciones mías que realmente conectaron con la gente nacieron cuando no me estaba esforzando demasiado, cuando simplemente estaba siendo yo misma. No estaba intentando impresionar a nadie; simplemente las hice.
Accidentalmente o no, has ofrecido algo que quizá faltaba dentro del contexto actual
Sí, aunque a veces también escribes canciones más sencillas y eso está bien. Cuando saqué ‘Plastic Box‘ pensaba que la gente la consideraría demasiado simple, pero les encantó y se convirtió en una de las favoritas de los fans. También porque el concepto de la canción es bastante peculiar.
¿Cuál es el secreto para samplear con buen gusto, como haces en ‘Before You Break My Heart’?
Hay muchísimas canciones malas con samples…
¿Por ejemplo?
No voy a dar nombres (ríe). Creo que tienes que reinventar la canción o tener una conexión emocional real con ella. Cuando sampleamos ‘Before You Break My Heart’, utilizamos mi propia voz cantando esa canción cuando era niña, y ese era el elemento diferente.
Después le dimos la vuelta al concepto para hablar de tu yo más joven y de ese conflicto de intentar reencontrarte contigo misma. Mis fans saben que adoro a Diana Ross y la música de Motown. Creo que eso tiene más trabajo detrás que simplemente coger un sample de hace treinta años, ponerlo sobre una base dance y esperar que sea un éxito. Aunque, siendo sinceros, muchas veces acaba funcionando. Un género que me inspira mucho en este sentido es el hip-hop: a veces escuchas una canción y ni siquiera te das cuenta de que contiene un sample.
Hay un rumor que dice que escribiste una canción para Madonna.
¡Ojalá! Me encantaría. Voy a manifestarlo.
«Hay muchas canciones con samples malas que se convierten en éxitos »
Acabas de colaborar con Lily Allen en un remix de ‘Beg for Me’. ¿Por qué se eligió precisamente esa canción para el remix?
Ella me propuso dos canciones. Decidimos que en ‘Beg For Me’ podía aportar una perspectiva interesante, poniéndome en la piel de una amiga o confidente de la narradora. Cuando participo en un remix, tiene que haber una buena razón para hacerlo. Tengo que admirar al artista y lo que representa.
En Tiny Desk comentaste que hubo momentos en los que te sentiste especialmente vulnerable. ¿Cómo afrontaste esa actuación? ¿Te sentías vulnerable por el formato acústico o porque era algo nuevo?
Estaba de gira en ese momento. Mi espectáculo es muy brillante y espectacular, con mucho baile y muchas luces. Y al día siguiente estaba grabando Tiny Desk a las diez de la mañana. Me recordó a cuando era más joven y tenía que actuar en pequeños locales, en situaciones bastante incómodas y sin apenas medios técnicos. Creo que eso me hizo retroceder mentalmente y me generó ansiedad. Además, tampoco tuvimos mucho tiempo de ensayo. Pero cuando lo veo ahora, creo que estuvo bien. Es un recordatorio de que no debería darle tantas vueltas a las cosas.
¿Hubo alguna canción que pensaste que no había salido bien y luego te diste cuenta de que sí había funcionado?
Hubo una canción que finalmente se quedó fuera del repertorio porque no la habíamos ensayado lo suficiente: ‘Church’. Soy perfeccionista y Capricornio; si siento que algo no puede hacerse al máximo nivel, prefiero no hacerlo.
Me sorprendieron especialmente ‘Silent Disco’ y ‘Plastic Box’, porque estaba muy nerviosa, pero funcionaron muy bien. Todo el mundo se sorprendió con la loop station. Creo que simplemente tengo que recordar lo poderosa que soy y lo buena que soy en lo que hago.
Los memes se han hecho realidad. El Papa León XIV y Bad Bunny han celebrado una reunión privada este pasado lunes en el Santiago Bernabéu, con motivo de la coincidencia de ambos en la capital española. Así lo ha confirmado el diario ABC, que también ha descrito el encuentro como «breve».
La juntada se produjo después del masivo acto papal que tuvo lugar en el estadio del Real Madrid, que acogió a más de 70.000 personas y contó con las actuaciones musicales de David Bustamante, Diana Navarro, Daniel Diges o Íñigo Quintero. Según informa ABC, por desgracia no se distribuirán fotografías del encuentro. Seguramente, para evitar la creación de memes.
Ya el propio León XIV bromeó en unas declaraciones a la CNN sobre coincidir con Bad Bunny en Madrid: «Si se enfrentan a la pregunta de si quieren ver a Bad Bunny o si quieren ver al Papa, creo que muchos irán a ver a Bad Bunny, pero creo que también habrá unos cuantos aquí para ver al Papa y eso dice algo», comentó.
Sienna Spiro, una de las voces revelación del último año, ha anunciado la gira ‘My House Tour’, con la que actuará en nuestro país por primera vez. La artista británica actuará el próximo 29 de marzo de 2027 en la Paral·lel 62 de Barcelona y el 30 de marzo en La Riviera de Madrid.
El impacto del baladón ‘Die On This Hill’ es innegable, llegando al top 10 de varios países y situando a Spiro como una de las artistas con más proyección del pop británico. Las comparaciones con artistas como Olivia Dean, o incluso Adele, no han tardado en llegar.
La gira de Sienna, con la que recorrerá Norteamérica, Asia, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido y Europa, vendrá después del lanzamiento de su álbum debut, ‘Visitor’, que se publicará en Capitol Records el próximo 3 de julio.
Las entradas para los conciertos de Sienna Spiro en España se podrán adquirir en preventa, que se dará a partir del miércoles 17 de junio a las 10h para usuarios de Live Nation, o en venta general. Estas estarán disponibles el jueves 18 de junio a partir de las 10h, en Live Nation y Ticketmaster.
Pedro Almodóvar ha anunciado el lanzamiento de su primera novela, titulada ‘El hombre que solo escribía en los aviones’. No es el primer proyecto literario del aclamado director, ya que este debutó con su libro de relatos, ‘El último sueño’, en 2023. La novela estará disponible a partir del próximo 29 de octubre.
La editorial Reservoir Books estará detrás de la publicación de la novela, sobre la cual han dado varios detalles en relación a su trama. El libro seguirá la historia de Flavio Guijarro, un hombre que ha acumulado diferentes aficiones a lo largo de su vida, ninguna de largo recorrido. La interpretación es la disciplina que más tiempo ha pasado desarrollando, hasta que descubre que su verdadera vocación es… la escritura.
Reservoir describe la novela como «sorprendente, libresca y muy apasionada» y además revela que la narración es «sinuosa». Así es presentado el libro en su página web: «Un tapiz de experiencias y lecturas, de tramas inventadas y de ideas prestadas que sirven de cimiento a una obra sorprendente, libresca, ansiosa y muy apasionada».
Una de las últimas invitadas a La Casita de Bad Bunny ha sido la mismísima Carmen Machi, que acudió al concierto del puertorriqueño junto a los actores Paco León y Canco Rodríguez. Después de las numerosas críticas en redes que ha recibido el espacio reservado a influencers y personalidades, la actriz de ‘Aída’ ha declarado en El Mundo que estar ahí fue toda «una maravilla».
Machi ha dejado claro que el que visita La Casita «no lo hace por eso que dicen de ver el culo del cantante o para que se te vea»: «Eso son subnormalidades», ha asegurado. Ella opina que quien «va a La Casita lo hace porque compartes con él un trozo de un artista icónico». Nadie vio venir que Carmen Machi fuese una de las mayores fans de Bad Bunny: «Para mí fue una maravilla estar ahí porque admiro profundamente a esta persona»
La actriz ha seguido elaborando sobre su amor por el puertorriqueño, apuntando que está «feliz» de «ver a alguien de 30 años llenando un estadio así», y su experiencia en el comentado espacio de sus conciertos: «Es muy emocionante ver a esta persona icónica, que para mí lo es, a tres centímetros de ti cantando canciones que tú cantas en casa».
La gente gritando más a Carmen Machi que a cualquier influencer de turno, honor al público de Madrid pic.twitter.com/vH76pe2Jx1
Fontaines D.C. han compartido un emotivo mensaje en Instagram tras la muerte de su mánager Trevor Dietz, una figura clave desde el inicio de su carrera y al que consideran “el sexto miembro de la banda”. Dietz se convirtió en su mánager en 2016 y tres años después la banda publicó su celebrado debut ‘Dogrel‘ (2019).
El grupo irlandés se ha mostrado “totalmente destrozado” por la muerte acontecida el pasado domingo 7 de junio: “Trevor estuvo con nosotros desde el comienzo de nuestro camino como banda, nunca hemos conocido a Fontaines DC sin él, el sexto miembro del grupo”. También lo han descrito como alguien profundamente comprometido y valiente: “Se preocupaba por nosotros y por lo que era justo en el mundo, siempre lo echaremos de menos”.
Dietz fue una figura fundamental en los primeros pasos del grupo en Dublín: cuando los miembros aún eran estudiantes, les dio sus primeras oportunidades en directo, programándolos en varias ocasiones en la famosa sala de conciertos dublinesa The Workman’s Club, donde empezaron a construir su trayectoria antes de convertirse en una banda reconocida internacionalmente.
La banda irlandesa actuará el 8 y el 9 de agosto en Baluarte de la Candelaria (Cádiz), el 11 de agosto en Muelle Live (Alicante) y el 13 de agosto en Ciudadela (Pamplona).
Pensabas que esta noticia era sobre Madonna, pero no. ‘Danceteria’ es también el título del nuevo single de Soft Cell, que además han anunciado oficialmente un nuevo álbum de estudio con el mismo nombre. Solo añadir que Miss Caffeina y Varry Brava ya lo hicieron antes.
‘Danceteria’ será el que la banda define como su «álbum final». Aunque su existencia se conocía desde hace meses: fue en octubre cuando Soft Cell hizo público el proyecto tras el fallecimiento de su cofundador, Dave Ball, a los 66 años.
En un comunicado, Marc Almond explica el significado especial que tiene el disco: «‘Danceteria’ es una carta de amor al Nueva York de principios de los años 80», en referencia también al mítico club nocturno de Manhattan que llevaba ese nombre. «El tiempo que pasamos en Nueva York, donde grabamos nuestros tres primeros álbumes, nos moldeó tanto como artistas como personas. Celebrar esa etapa es una despedida apropiada para Dave Ball y para el último álbum de estudio de Soft Cell».
Almond añade: «No puede haber más grabaciones de Soft Cell sin Dave; simplemente no sería posible. La triste realidad es que Dave Ball era la mitad de Soft Cell y, más allá de los directos, no puedo escribir canciones de Soft Cell sin él».
Con estas palabras, el cantante repite lo que ya comentó en octubre, que ‘Danceteria’ servirá tanto para recordar una de las épocas más importantes en la historia del dúo, como para cerrar definitivamente su trayectoria discográfica.
Entre las artistas que este viernes han publicado nuevo material, marcando su regreso discográfico, se encuentra Tinashe. La estrella del R&B protagoniza un comeback muy esperado después del éxito viral de ‘Nasty’ y, sobre todo, del fenómeno veraniego de ‘No Broke Boys’, que en su remix dance con Disco Lines no ha abandonado las listas en un año y ahí sigue, sumando ya más de 760 millones de reproducciones solo en Spotify, cifra que está a punto de rebasar la de ‘2 On’, su mayor éxito hasta la fecha.
No es muy atractiva la idea de que el mayor éxito de la carrera de Tinashe sea un remix dance, teniendo en cuenta el sofisticado gusto de sus producciones más R&B y de sus colaboraciones: recordemos que Vladislav Delay, nada menos, produjo ‘Gravity’.
El single que marca el regreso de Tinashe, ‘Too Easy’, vuelve a proponer un sonido potencialmente visionario al aferrarse al ghettotech, un estilo de música electrónica originario de Detroit en los años 90. Tinashe utiliza una base llena de potentes percusiones y ritmos mecanizados para transmitir su bravuconería habitual y, en frases como “I feel like a celebrity / If you’re mad, then go to therapy” o “I know that I’m a superstar / And they hate to see I’ve come so far”, reivindica su posición en la industria a la vez que afronta a sus haters.
Lo llamativo de ‘Too Easy’ es su duración, ya que es un tema que no llega a los dos minutos. Compuesto por estrofas recitadas o casi rapeadas, versos melódicos y un estribillo que deja espacio a la base rítmica y al gancho “la la la”, es un tema que busca enganchar rápidamente y que termina antes de que te des cuenta.
El valor de ‘Too Easy’ está en su apuesta por fusionar el tecno de Detroit con el R&B, y también en su sucesión de ganchos pop en un tramo de tiempo muy breve. Pero quizá los hooks no son tan efectivos en esta ocasión, y la pieza en general transmite cierta frialdad, lejos de la calidad de ‘Cash Race’ -uno de sus grandes clásicos perdidos- y ni mucho menos de la contundente producción de ‘Die a Little Bit’. ‘Too Easy’ quizá lo pone “demasiado fácil”, y no para bien.
El Festival•B ha completado el cartel de su duodécima edición con las últimas confirmaciones de Guitarricadelafuente, Natalia Lacunza y Raly, que se suman a una programación que ya contaba con el resto de nombres previamente anunciados.
La cita tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de septiembre en el Parc del Fòrum de Barcelona y reunirá a más de treinta artistas en una propuesta centrada en la música alternativa, urbana y emergente del panorama estatal.
Entre los nombres ya confirmados figuran nombres tan destacados del pop nacional actual como Rusowsky, Maria Arnal, Yung Beef o Cupido, además de Mushka, mvrk, D. Valentino, Rebe, La Plazuela, Sanguijuelas del Guadiana o Claudio Montana, entre otros.
El festival refuerza así una programación que apuesta por la diversidad de estilos y la convivencia entre escenas, con una de sus ediciones más amplias hasta la fecha.
Los abonos de tres días y las entradas de día ya están disponibles a través de la web oficial del festival en fstvlb.com.
Paula Felices es una cantautora barcelonesa nacida en 1997, que pasó su infancia en Málaga y volvió a Cataluña a los 11 años. Su propuesta musical se sitúa entre la canción de autor diáfana y el folk-pop de vocación orquestal: si sus melodías recuerdan a la primera Christina Rosenvinge, su timbre vocal puede evocar el de cantantes como María Rodés.
Su disco de debut tiene el gesto de titularse como los clásicos: ‘Canciones de Paula Felices’. Abriéndose con la pantanosa ‘El mal y el viento’, incluye el arrebato de folk-rock orquestal de ‘Ámame’, canciones de pop acústico emocional como ‘La intimidad’, y un tema que apela a la identidad queer que, quizá de forma poco sorprendente por el peso de lo identitario en la música actual, es de momento su creación más popular.
Se trata de ‘Sáfica’, tema en el que Paula Felices Echaniz explora la clásica pregunta que asalta a muchas personas queer: “¿será que me gusta o quiero ser ella?”. Felices aborda esta cuestión con una mezcla de calma y resignación, apoyándose en amables rasgueos de guitarra, melodías suaves y percusiones ligeras.
Si la figura protagonista de ‘Sáfica’ es una chica que “es como la brisa” y “no tiene prisa”, la canción transmite exactamente esa misma sensación, deslizada por la voz casi arrastrada de Paula Felices y una interpretación contenida y serena, que explora la identidad desde una perspectiva de curiosidad más que de introspección emocional profunda.
La explicación oficial de ‘Sáfica’ es bastante autoexplicativa: “Esta canción habla sobre el amor sincero de una chica hacia otra chica, de no saber bien lo que se quiere, si lo que se siente es sencillamente admiración o hay otra cosa más escondida en los rincones del corazón”, indica.
Paula Felices tiene dos conciertos confirmados para este año, el 10 de septiembre en la Heliogàbal de Barcelona, y el 18 de septiembre en la Cadavra de Madrid.
El inicio de era del 9º álbum de Melanie C no era demasiado halagüeño. ‘Sweat’ era una canción simpática, sí, pero demasiado parecida -y demasiado pronto- a ‘Physical’ de Dua Lipa. Donde esta rendía homenaje a la Olivia Newton-John de 1981, la de Melanie lo hacía a Diana Ross a través de un sample de ‘Work That Body‘ de 1982. Lo salvaba sobre todo la excusa de unir la pista de baile con el espíritu de «Sporty Spice» que con el tiempo, ha sabido abrazar. «Soy la «Spice deportiva», pero a la vez soy muchas otras cosas», nos contaba en una entrevista hace unos años. Y una máquina elíptica y una bola de espejos no están tan lejos.
En este álbum Melanie C ha querido abrazar los sonidos dance que le encantaban antes de entrar en Spice Girls, y por eso encontramos tal desplieque de electropop, trance o música disco. Pronto damos con producciones más imaginativas que la que denominaron tontamente ‘Sweat’.
La mejor es ‘What Could Possibly Go Wrong’, realizada junto al sueco Klas Åhlund, uno de los responsables del sonido Robyn. Este trabajo es un álbum de reafirmación de una misma, de huir de relaciones tóxicas y pensamientos intrusivos, y esta es una de las grabaciones que mejor lo ejemplifica. Los bajos dando mal rollo y los sintes dando buen rollo -muy Kylie circa ‘Fever’– contrastan como voces en su cabeza: como si su ángel y su demonio la estuvieran martilleando a la vez. «Estoy harta de la perfección, de todas formas / Nunca gané yendo a lo seguro / Me arrepiento de una cosa o dos, pero es mi vida», trata de convencerse.
Temáticas muy parecidas encontramos en ‘Til It Breaks’ («no trato de decir que soy perfecta»), ‘Pressure’ («no más imitaciones de mí» en busca de su yo real), ‘Good For Nothing’ («tú eres tu peor enemiga»), ‘Undefeated Champion’ («me encuentro a mí misma, no necesito a nadie más»)… y así hasta el punto de casi saturar. Casi que se habría agradecido alguna canción de amor romántico más, como lo es al final ‘One Track Mind’. O cualquier otro tema.
Lo que sí se agradece de ‘Sweat’ es que sea un álbum en el que no han cabido las ñoñerías sonoras. Esa ‘One Track Mind’, si la pudiéramos considerar «balada», sería una balada a lo ‘7 Seconds’ de Youssou N’Dour o una influida por el trip hop. Y lo que aquí predomina son los números de baile cercanos incluso al trance (‘Pressure’, ‘Drum Machine’), al piano house (‘Good for Nothing’), al drum&bass (‘Free to Love’) o al clásico sonido Chic (‘Undefeated Champion’). Si hasta el álbum se cierra con algo próximo al deep house como es ‘Flick of the Wrist’.
Sin que la segunda mitad logre embaucar tanto como el tramo central, hay dos detalles que equilibran la balanza a favor del notable: Klas se encarga solo de otra pista más, el dembow de ‘Cashmere’, pero le han rendido tal homenaje en ‘Emotional Memory’ que parece estar ahí metido también. Y luego está lo de ‘Til It Breaks’: ¿quién es el tal Adam Novodor que ha hecho sonar como Junior Boys a Melanie C?
Ariana Grande está de actualidad por motivos tanto profesionales como personales. Por un lado, ya liberada de toda obligación contractual en torno a ‘Wicked‘, Grande ha vuelto a los escenarios al iniciar la gira de ‘eternal sunshine’ en Estados Unidos. Vídeos subidos a YouTube muestran a la cantante siendo «abducida» durante el show, como en la portada de la edición deluxe de su último disco, siendo elevada mediante cuerdas hacia un agujero.
Además, el nuevo single de Grande, ‘hate that I made you love me’, acaba de convertirse en el décimo número 1 de la artista en Estados Unidos. Con este logro, Ariana iguala a Janet Jackson, Stevie Wonder y Bruno Mars en número de singles que han alcanzado el primer puesto en el país. La canción, que también ha sido número 1 en Reino Unido, debuta de forma más discreta en España, donde entra en el puesto 31 (comentaremos esta lista en una noticia aparte).
Así queda la lista de números 1 de Grande en Estados Unidos:
• hate that i made you love me
• We Can’t Be Friends (Wait For Your Love)
• Yes, And?
• Die For You
• Save Your Tears
• Positions
• Rain On Me
• Stuck With U
• 7 Rings
• Thank U, Next
Por otro lado, TMZ y People confirman que Grande y el actor Ethan Slater rompieron «hace meses», si bien la separación se produjo de manera «amistosa» y ambos mantienen una buena relación. Fuentes cercanas a la cantante también afirman que su inminente álbum, ‘Petal’, «no trata sobre Slater ni sobre la ruptura».
Este fin de semana se ha cancelado por ruido la segunda jornada de un festival que lleva celebrándose 10 años en Valencia. Peor aún, la primera jornada de Festival de les Arts estuvo cargada de polémica: por un lado, se incumplieron los límites de ruido según la policía municipal. Se registraron 96 decibelios en el Escenario 1, los 91 en el 2 y los 88 en el 3, cuando lo permitido son 85. Y por otro y al mismo tiempo, el público se quejó de que no podía escuchar los conciertos de gente como Leire Martínez o La La Love You. Siloé se ha viralizado en redes portando carteles en los que criticaba la absoluta falta de respeto que las condiciones acústicas significaban para las personas que llevan meses trabajando en el festival, para los artistas y sobre todo para el público.
Hay quien apunta sus críticas hacia la organización, por no haber cancelado el festival tras una sentencia judicial contra el ruido que ganaron los vecinos. Desde Festival de Les Arts aseguran que el ayuntamiento ni les recibe ni les cogió el teléfono para encontrar una solución o un recinto alternativo. Al margen de las condiciones concretas de este evento, urge una conversación seria sobre regulación acústica y conciertos, como la que ha tenido lugar estos días durante las actividades de Primavera Pro.
En la charla titulada «Regulación acústica y música en vivo» Lluís Torrents ha sido muy beligerante al respecto. Y es que la posible destrucción de miles de empleos o de un sector que aporta tal cantidad de millones a la economía española ni siquiera fue el centro del debate. En otra charla de hecho se había cifrado en 200 millones de euros lo que el tour de Bad Bunny va a dejar en España entre hoteles, hostelería y demás: el 40% de los asistentes a la residencia de Madrid está asistiendo desde fuera de la Comunidad.
Pero es que no solo se habló de euros o empleo, sino de derecho a la cultura. El co-director de Razzmatazz y presidente de ASACC (Associació de Sales de Concerts de Catalunya) recordaba que no solo existe el derecho al descanso vecinal, sino que la Constitución también reconoce en su artículo 20.2 «el derecho a la producción y creación artística». Además, el artículo 44 de esta carta magna recuerda que «los poderes públicos promoverán y tutelarán el acceso a la cultura, a la que todos tienen derecho». Justo lo que el Ayuntamiento de Valencia no ha hecho este fin de semana, al dejar caer al Festival de Les Arts, sin ofrecer alternativa.
La abogada especializada en Derecho de la Cultura y Propiedad Intelectual Belén Álvarez explicó que a la hora de ponderar derechos entre unos intereses y otros, los artículos recogidos en la Constitución entre los números 15 y 29 suelen tener «una protección especial». Ahí es donde pueden entrar en conflicto afirmaciones como «que el domicilio es inviolable» (artículo 18) con «el derecho a la producción y creación literaria, artística, científica y técnica» (artículo 20.2). Por otro lado, se recordó que en la Declaración de Cáceres, 27 miembros de la UE a través de sus respectivos ministerios de cultura, firmaron que “la cultura sea de ahora en adelante considerada un bien público esencial y un bien público mundial al más alto nivel político”. ¿Para qué hacer este tipo de encuentros y reconocimientos internacionales si después no se construyen recintos apropiados en las comunidades, o no se conceden las licencias oportunas?
Es curioso que en los medios no se hable tanto del derecho a la cultura como de otros. Incluso en webs dedicadas a la cultura como esta, los comentaristas suelen defender a los vecinos, no a los artistas ni a los trabajadores del sector. Parece que los vecinos están ganando el relato y la cultura, como siempre, es lo último de la fila. Por el contrario, desde esta mesa se defendió la cultura como «un bien de primera necesidad». Frente a los vecinos que hablan de su derecho al descanso, Torrents recordó que «socializar, bailar, escuchar música también es fundamental para la salud». Y se puso sobre la mesa un debate tan poco manido como el de la representatividad, planteando la siguiente pregunta: ¿se puede cancelar un festival al que asisten 70.000 personas por el interés de 15 vecinos?
El representante de ASACC bromeó sobre los vecinos que piden entradas gratis para eventos en tela de juicio, contó que algunos no tienen problema en aprovechar para hacer un viaje cuando su barrio está saturado de fiestas, y sobre todo recordó que muchas veces las denuncias de ruidos no vienen de Asociaciones de Vecinos, sino de Plataformas cuyos miembros se desconocen. Sería el caso, según su relato, de la Plataforma Stop Concerts, que ha convocado manifestaciones en el Fórum durante Primavera Sound, en las que no se ha visto a más de «15 o 20 personas». Por allí se han oído lemas tan dudosos como «la música mata». No se dijo a micro abierto, pero al término de la charla hay quien contó que hay vecinos que suelen irse a una segunda residencia durante la celebración de un festival, y a la vez han buscado indemnizaciones por exceso de ruido, cuando no estaban ni en casa.
Anécdotas aparte, en la charla se ahondó en un problema que las administraciones arrastran por una normativa «coja» y obsoleta que procede de 2003, hace 23 años. «Los vecinos han encontrado un filón en una norma poco desarrollada», se afirmó. Edgar Garcia del Institut Català de les Empreses Culturals reconoció que la celebración de elecciones puede impedir que se realice una norma que primero hay que esbozar, que luego hay que debatir con otros grupos, etcétera. En la legislatura anterior se quedó cerca, y de repente hubo un cambio de gobierno. Ahora se está ultimando una nueva que afectará a Barcelona, pero quién sabe si dará tiempo antes de las próximas elecciones.
Es absolutamente delirante que la ASACC haya demostrado que la primera propuesta de decreto que se hizo se podía llevar por delante fiestas populares como las Fiestas de Gràcia, las de Sants o el Mercat de Música Viva de Vic. La Administración se estaba autoprohibiendo sus propias fiestas mayores. Eso en Cataluña, uno de los lugares donde más se está avanzando como mínimo con el debate.
Una participante del público de Primavera Pro, que organiza un pequeño evento con actuaciones en un barrio de Barcelona manifestó su desesperación y frustración por gastarse más presupuesto «en limitadores acústicos que en contratación de artistas», frente a la vaguedad de las instituciones. Ni un acuerdo claro ha podido hacerse sobre si se debían organizar eventos en tan solo un 3% de días al año como máximo en un mismo lugar. Es decir, levantar la norma de incumplir horarios o número de decibelios en el mismo sitio, durante sólo 11 días al año. Algo que ni siquiera era suficiente para promotores. En algún momento se habló de limitar los conciertos en el Bernabéu a 20 al año, pero tampoco se concretó ni servía: fijar un porcentaje como este o similar dejaba fuera a los festivales de ciclo que se celebran a lo largo de 2 meses en el mismo recinto. ¿Alguna administración autonómica o nacional abordará esta problemática en serio o se seguirá dando bandazos en función de cómo sople el viento?
Madonna ha estrenado en Youtube el film ‘Confessions II’ que presenta fragmentos de entre 1 y 2 minutos de las 6 primeras canciones del disco que sale el 3 de julio. Eso incluye 2 de los 3 singles que se han publicado, ‘I Feel So Free‘ y ‘Bring Your Love‘ con Sabrina Carpenter, así como otras 4 canciones que aún no están disponibles.
El álbum apunta a empezar a lo grande adentrándonos en la pista de baile como refugio, con ‘I Feel So Free’ y lo que parece un «banger», ‘Good for the Soul’. Desde hoy sabemos que durará solo 3 minutos pero apunta maneras por su buena melodía sobre una base techno. A continuación, ‘One Step Away’ recuerda a la versión jazzy que Madonna hizo de ‘Fever’, con su voz en el nivel más espiritual en que la hemos escuchado en años, sobre todo cuando clama por la «libertad».
‘Danceteria’ es un tema que referencia explícitamente el primer single jamás lanzado por Madonna, ‘Everybody’, con un fraseo muy ‘Vogue’, en el que habla de viejos amigos ya fallecidos como Martin Burgoyne, y algunos que conserva como Debi Mazar (presente en el vídeo), sobre una base construida junto a Cirkut y Andrew Watt (responsables de la última era de Lady Gaga). El inesperado crédito reconocido a Lou Reed se debe al tarareo «doo-roop» tomado de ‘Walk On The Wild Side’: seguimos en Nueva York, pues viajes a esta ciudad y famosos como Andy Warhol inspiraron aquel clásico.
El momento más inesperado de esta primera parte de ‘Confessions II’ es la incursión latina, que en ‘Hard Candy’ e incluso en ‘True Blue’ estaba relegada a la segunda mitad del álbum, pero aquí aparece tan pronto como tras ‘Danceteria’, en ‘Read My Lips’. Como fruto de un desengaño en la pista de baile, Madonna pide a Feid que le «diga la verdad» así en español, sobre una base más brasileña que colombiana, en el llamado a ser el tema que mayor amor/odio despierte entre su fandom.
10 referencias clave del corto ‘Confessions II’
Aunque de lo que todo el mundo habla de momento es de los visuales de Torso, dúo de directores hasta ahora conocido por su trabajo junto a Charli XCX. Madonna había advertido que estos 10 minutos de vídeo versaban sobre la pista de baile como «terreno sagrado». La artista escapa hacia ella, huyendo de unas cámaras que la vigilan (referencia nada sutil al escrutinio de las redes sociales), y ayudada por los «pussy lasers» que emergen de vaginas y también anos durante ‘Good for the Soul’. El primer gran «eastern egg» remite al futurismo y surrealismo de ‘Bedtime Stories’ (1).
‘One Step Away’ trata de salvar «ese pequeño paso» que separa a Madonna de la «libertad» a través de una vertiginosa carrera en coche, en medio de la cual tira una peluca pelirroja por la ventanilla. Evidentemente está diciendo adiós a su pelo en la portada de ‘Confessions I’ (2), porque este álbum presentará otros sonidos, en verdad. También es inevitable la referencia al vídeo sobre ruedas de Guy Ritchie para la remezcla de ‘What If Feels Like for a Girl’ (3), mientras el baile sobre la mesa referencia ‘Die Another Day’ (4).
En ‘Bring Your Love’, sobre la misma Sabrina Carpenter, suena ahora una parte de ‘Lucky Star’ (5), mientras el vuelo sobre la discoteca es el de ‘Living for Love’ en los Grammys (6). Además, aparece Julia Garner como encarnando a una Madonna veinteañera, en concreto la de ‘True Blue’. Y de ahí pasamos a la gran cumbre visual del corto.
‘Danceteria’ incluye casi todo el elenco de famosos que se había anunciado para la película. Y ahí cada escena es un meme absolutamente delirante: Madonna recrea la escena del secador de ‘Buscando a Susan desesperadamente’ (7), vemos mear al jugador de fútbol Cole Palmer, a Benedict Cumberbatch cantar el estribillo de la canción, a Shygirl y Arca en un baño, desfila Honey Dijon… y sobre todo vemos a Kate Moss aparecer después de la palabra «cocaine». ¿Lleva por cierto Madonna el vestido de la portada de ‘Ray of Light’? (8) Hay quien ha rebobinado todo esto sin esperar al final, que gracias a Dios Torso no es el juego de espejos despechado de ‘Read My Lips’… sino una recuperación de ‘I Feel So Free’, asentando su estatus de primer single verdadero del álbum, con referencias a los plátanos de ‘Deeper and Deeper’ (9). Terminamos con el cameo de Lola, que resulta que era parte del equipo de mujeres «cámara en mano», pero se deshace de ella; y finalmente con el remix sin Sabrina de ‘Bring Your Love’.
Más allá del name dropping de viejos temas y famosos, ‘Confessions II’ puede carecer de un ‘Hung Up’ (y de su icónica coreografía, aquí recreada también, 10), pero a cambio nos ofrece algo respecto a la que fue su mayor debilidad: los visuales. El vídeo de ‘Sorry’ solo era la continuación de ‘Hung Up’, el de ‘Jump’ fue muy «low cost» y el de ‘Get Together’… simplemente estaba allí.
Muchos fans están pidiendo que Madonna publique vídeos separados de cada pista, pero la artista explicó en Tribeca tras la proyección de este corto, que no va a ocurrir. El momento de los vídeos ya pasó, y por eso ha hecho otra cosa, en su afán de «reinventarse». Quizá salió escaldada de la experiencia ‘Madame X’: 4 de sus 5 vídeos tienen solo entre 5 y 10 millones de visualizaciones en Youtube. Y quizá tenemos que aprender que Youtube ya no es el centro del mundo. No habrá más que contrastar las visitas que obtenga este corto en el visor de Google, y las que obtenga en forma de Reels y TikToks.
Puedes comentar todos los entresijos en nuestro foro de Madonna.
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